Είναι η Τατιάνα Ναζαρένκο εκπρόσωπος της «επίσημης» τέχνης;
Η Tatyana Nazarenko (*1944) - "βασίλισσα της Ένωσης Καλλιτεχνών" στη συνέντευξή της μιλά για τη δύσκολη μοίρα του "αριστερού" καλλιτέχνη στη χθεσινή επίσημη Ένωση. Πάνω από μία φορά τα έργα της λογοκρίθηκαν από πιστούς αξιωματούχους της τέχνης και αφαιρέθηκαν από επίσημες εκθέσεις. Θεωρήθηκε ότι ο Ναζαρένκο «παραμόρφωσε τον σοβιετικό λαό». Σήμερα, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, υπάρχει κίνδυνος νέας έλλειψης ελευθερίας. Η αγορά τέχνης αρχίζει να υπαγορεύει στον καλλιτέχνη «τι και πώς να κάνει».
Πίστη:
«Κάνω το ίδιο πράγμα όλη την ώρα, αλλάζοντας το ίδιο θέμα - το θέμα της μοναξιάς μου φαίνεται ότι είναι ένα από τα πιο σημαντικά ανθρώπινα δράματα: σε μεγάλους ιστορικούς καμβάδες, σε πορτρέτα ή σε πίνακες Το θέμα καθορίζει πολλά στους καμβάδες μου, να κάνω τους ανθρώπους να σκεφτούν, να τους καλέσω σε συμπάθεια - αυτός είναι ο κύριος στόχος της δουλειάς μου».
Γεννήθηκε, ζει και εργάζεται στη Μόσχα.
1968 - αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Τέχνης της Μόσχας με το όνομα Σουρίκοφ.
1969 - 1972 - εργάστηκε στα εργαστήρια της Ακαδημίας Τεχνών.
1969 - εντάχθηκε στην Ένωση Καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ.
Από το 1966 έχει συμμετάσχει σε πολλές εκθέσεις, μεταξύ των οποίων και ξένες.
1976 - Πρώτο βραβείο στον διεθνή διαγωνισμό νέων ζωγράφων στη Σόφια.
1987 - Ασημένιο μετάλλιο της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ.
1993 - Βραβευμένος με το Κρατικό Βραβείο της Ρωσικής Ομοσπονδίας στον τομέα της λογοτεχνίας και των καλών τεχνών.
Η πρώτη μου γνωριμία με το έργο της Τατιάνα Ναζαρένκο συνέβη κάπου στα μέσα της δεκαετίας του 1970. Ήμουν τότε μέλος του νεανικού τμήματος της Ένωσης Καλλιτεχνών. Η νεαρή ιστορικός τέχνης μοιράστηκε μαζί μας τις σκέψεις της για τις νέες τάσεις στη σοβιετική ζωγραφική. Όταν εμφανίστηκε στην οθόνη η εικόνα του πίνακα του Ναζαρένκο «Οι Παρτιζάνοι» (1975, Υπουργείο Πολιτισμού της RSFSR), ακούστηκαν επιφωνήματα έκπληξης στην αίθουσα. Κάποιος άρχισε αμέσως να επιτίθεται και να ασκεί έντονη κριτική στο έργο. Η απόφασή της ήταν εντυπωσιακά ασυνήθιστη. Η σκηνή της απομάκρυνσης των βασανισμένων από την αγχόνη παριστάνεται ως η αφαίρεση από τον σταυρό στους καμβάδες των παλιών δασκάλων. Και αυτό είναι σε μια χώρα αθεΐας. Ήταν προφανές: μια φωτεινή ατομικότητα, ένας σοβαρός, ψαγμένος καλλιτέχνης είχε έρθει στην τέχνη. Πολύ σύντομα ο Nazarenko θα γίνει ένας από τους κορυφαίους καλλιτέχνες της γενιάς. Θα λάβει βραβεία, επαίνους, αλλά και συχνά κριτική και απόρριψη. Πρώτη εντύπωση. Πόσο μικρή είναι. Και ταυτόχρονα κυριολεκτικά ακτινοβολεί ενέργεια. Και επίσης το ασυνήθιστα φωτεινό μπλε των ματιών της.
Είμαι τόσο μικρός; «Πάντα θεωρούσα τον εαυτό μου τόσο δυνατό», γελάει ο καλλιτέχνης.
Ο μπαμπάς μου είναι στρατιωτικός, η μαμά μου γιατρός. Η γιαγιά μου με μεγάλωσε γιατί οι γονείς μου έπρεπε να μένουν συνεχώς σε διαφορετικές πόλεις. Και έζησα μαζί της στη Μόσχα.
Η γιαγιά θα παραμείνει για πάντα το κύριο πρόσωπο στη ζωή της. Όταν η Τατιάνα έχει έναν γιο, θα τον βοηθήσει να τον "αναθρέψει". Ο Ναζαρένκο θα το γράφει συνεχώς. Στον πίνακα «Πρωί και Νικόλκα» (1972, Διεύθυνση Εκθέσεων της Ένωσης Καλλιτεχνών) την απεικονίζει να προστατεύει προσεκτικά τον ύπνο του εγγονού της. Ο καλλιτέχνης συγκρίνει δύο κόσμους -τον σοφό και ευγενικό κόσμο των γηρατειών και τον ανέμελο, όταν κάθε μέρα είναι γιορτή και ανακάλυψη- της παιδικής ηλικίας. Γράφει προσεκτικά και με αγάπη κάθε μια από τις αμέτρητες ρυτίδες στο πρόσωπο της γιαγιάς της και τα λυπημένα και στοργικά της μάτια.
Η παιδική ηλικία του Nazarenko ήταν μια φυσιολογική παιδική ηλικία ενός παιδιού από μια «καλή» οικογένεια. Μουσικό σχολείο. Σε ηλικία 11 ετών μπήκε στο σχολείο τέχνης.
- Οι γονείς σου αντέδρασαν ήρεμα στην επιλογή σου να είσαι καλλιτέχνης;
Δεν αντέδρασαν καθόλου. Μπήκα στο καλλιτεχνικό, καλά, σπουδάζω και σπουδάζω. Είναι αλήθεια ότι όταν ένας από τους φίλους μου είπε ότι ένας καλλιτέχνης πρέπει να έχει πλούσιο σύζυγο ή πλούσιους γονείς, αυτό τους ανησύχησε. Ανησυχούσαν πολύ ότι δεν θα κέρδιζα ποτέ χρήματα και θα έπρεπε να με ταΐζω όλη μου τη ζωή.
Τώρα, αφού έγινα βραβευμένος με Κρατικό Βραβείο, με πήραν στα σοβαρά. Αλλά γενικά, η μητέρα μου λέει ακόμα μερικές φορές, θα ήταν καλύτερα να αποφοιτούσες από ραδιοφωνικό ινστιτούτο και να ήσουν κανονικός άνθρωπος. Έτυχε ότι η τάξη της Τατιάνα στο σχολείο τέχνης αποδείχθηκε ασυνήθιστα πλούσια σε ταλέντο. Η Natalya Nesterova, η Irina Starzhenetskaya, η Ksenia Nechitailo έγιναν συμμαθητές και φίλοι της. Κάθε ένα από αυτά θα βρει στη συνέχεια το δικό του μοναδικό στυλ, έναν κόσμο εικόνων. Σήμερα είναι όλοι αναγνωρισμένοι «μάστορες» της τέχνης της δεκαετίας του 1970 - 1980.
Για τη Nazarenko και τους καλλιτέχνες της γενιάς της, η περίοδος διαμόρφωσης και ωρίμανσης συνέπεσε με μια υπέροχη, αξέχαστη περίοδο - την περίοδο της «απόψυξης». Ήταν μια εποχή ελπίδας. Μια εποχή γνήσιας αναβίωσης και εξερεύνησης στον πολιτισμό και την τέχνη. Θα θυμάμαι για πάντα τις πρώτες μου συναντήσεις με τη σύγχρονη δυτική τέχνη. Στα τέλη της δεκαετίας του 1950 - αρχές της δεκαετίας του 1960, πραγματοποιήθηκαν εκθέσεις του Pablo Picasso, του Fernand Léger και σύγχρονων Αμερικανών, Άγγλων, Γάλλων και Βέλγων καλλιτεχνών στη Μόσχα και στο Λένινγκραντ. Πλήθη χιλιάδων πολιόρκησαν μουσεία. Ο κόσμος κάνει ουρές από το βράδυ.
Μια από τις πιο δυνατές εντυπώσεις εκείνων των χρόνων, θυμάται ο Nazarenko, ήταν η έκθεση «30 χρόνια Ένωσης Καλλιτεχνών της Μόσχας». Πάνω του, δίπλα στη γνωστή, είδαμε τέτοια σοβιετική τέχνη, την ύπαρξη της οποίας δεν είχαμε καν υποψιαστεί.
Εκεί προβλήθηκαν επίσης τα έργα των νεαρών αριστερών μελών της Ένωσης: Andronov, οι αδερφοί Nikonov, κ.λπ. Στη συνέχεια, θα αποκαλούνταν κύριοι του «σκληρού στυλ». Τότε αυτή, μια επίδοξη καλλιτέχνις, και οι φίλοι της δεν μπορούσαν καν να φανταστούν ότι θα έπρεπε να συνεχίσουν τον αγώνα που ξεκίνησε από τη δεκαετία του '60 για την περαιτέρω ανανέωση και εξανθρωπισμό της σοβιετικής τέχνης.
Στη συνέχεια θα σπουδάσει στο Ινστιτούτο Τέχνης. Σουρίκοφ. Ήδη κατά τη διάρκεια των σπουδών μου, συνειδητοποίησα ότι δεν θα ήταν εύκολο να υπερασπιστώ τον εαυτό μου και να κατανοήσω την τέχνη.
- «Στο σχολείο, και μετά στο ινστιτούτο, υπήρχε μια κάποια αμφιθυμία σε σχέση με τη δουλειά μας Το θέμα της μητρότητας το ήξερα σίγουρα: σε ένα γιουρτ υπάρχουν δύο γυναίκες - μια νεαρή και μια ηλικιωμένη - σε μια κούνια με ένα παιδάκι, ένα μαύρο φόντο. The Adoration of the Magi." ζωή, δεν ξέρεις την ευτυχία της μητρότητας. Ένα μαύρο φόντο δεν είναι δυνατό κατά την επίλυση ενός τέτοιου θέματος. Το σκοτάδι είναι άρνηση. Έχετε πολλά φυσικά υλικά - ακολουθήστε τη φύση." Υπάκουσα - το αποτέλεσμα ήταν δουλειά που δεν θα είχα κάνει διαφορετικά αν δεν είχα πειστεί."
Στην προσπάθειά της να δημιουργήσει «πραγματική» τέχνη, η Nazarenko, όπως πολλοί αναζητητές καλλιτέχνες της γενιάς της, στρέφεται στις παραδόσεις της κλασικής τέχνης. Οι κύριοι «δάσκαλοί» του είναι οι κύριοι της Βορειοολλανδικής Αναγέννησης. Όσο μακριά κι αν έφτασαν οι νέοι της Ένωσης στις αναζητήσεις τους, υπήρχε πάντα ένα όριο, ένα όριο επιτρεπτού: έπρεπε να παραμείνουν στο πλαίσιο της ρεαλιστικής παραστατικής ζωγραφικής.
- Έλαβες ακαδημαϊκή μόρφωση. Η ρεαλιστική τέχνη είναι πραγματικά δική σας;
Ίσως να μην ήταν δικό μου. Την εποχή που σπούδαζα, δεν ξέραμε ότι θα μπορούσαμε να δουλέψουμε διαφορετικά.
- Κάποιοι καλλιτέχνες βρήκαν το θάρρος να έρθουν σε ρήξη με την Ακαδημία και το σύστημά της. (Αναφέρω το παράδειγμα της Leningrader Elena Gritsenko, η οποία αποφοίτησε με επιτυχία από την Ακαδημία και στη συνέχεια εγκατέλειψε την καριέρα της ως «επίσημη» καλλιτέχνιδα και συνέδεσε τη μοίρα της με το underground).
Αυτό απαιτεί χαρακτήρα. Είχα ένα κύριο πρόσωπο - τη γιαγιά μου, την οποία δεν ήθελα να στενοχωρήσω. Και κάποια πράγματα - να φύγω από το ινστιτούτο και κάτι άλλο - δεν μπόρεσα καν να σκεφτώ, γιατί αυτό θα ήταν η κατάρρευση των ιδρυμάτων της γιαγιάς μου. Ήμουν φίλος με πολλούς underground καλλιτέχνες, ήμουν σε στενή επαφή με τον Kabakov, τον Bulatov, τον Vasiliev, αλλά δεν μπορούσα να το αντέξω οικονομικά. Επίσης, για ρεαλισμό, είχα πολλές επιλογές.
- Ήδη τα πρώτα σας έργα που εμφανίστηκαν σε εκθέσεις διέφεραν από τα συνηθισμένα, παραδοσιακά. Υπήρχε συνειδητή επιθυμία να μην ακολουθήσει το πεπατημένο μονοπάτι;
Επισκέφτηκα πρόσφατα το Ινστιτούτο Surikov. Απλώς δεν πίστευα στα μάτια μου. Το ίδιο το κτίριο ενημερώθηκε και ξαναχτίστηκε. Βρισκόμαστε πλέον στα μέσα της δεκαετίας του 1990. Εκεί κρέμονται ως δείγματα πίνακες και σχέδια από τη δεξιά πτέρυγα της Ένωσης. Μου φάνηκε ότι δεν υπήρχαν εδώ και πολύ καιρό. Μάθαμε από άλλους. Ο ίδιος Ζιλίνσκι. Με τη βοήθειά του ανακαλύψαμε την Αναγέννηση και νιώθαμε δέος γι' αυτήν. Αυτό δημιούργησε το πάθος μου για τους Bosch, Bruegel, Masaccio, Ucello. Τα έργα τους εξακολουθούν να είναι η κορυφή της τέχνης για μένα. Μέχρι τώρα, όταν είσαι λυπημένος ή κάτι δεν σου βγαίνει, κοιτάς πώς είναι βαμμένο το αυτί του Van Eyck «κανονάκι» και θέλεις αμέσως να κάνεις κάτι παρόμοιο.
Οι δάσκαλοι του «σκληρού στυλ» απεικόνισαν «ένα συνηθισμένο άτομο σε ένα συνηθισμένο περιβάλλον». Οι χαρακτήρες τους εκδηλώθηκαν και συνειδητοποιήθηκαν στην καθημερινή δουλειά και στις κοινωνικές επαφές. Ο ήρωας της δεκαετίας του εβδομήντα είναι λιγότερο ξεκάθαρος, πιο επιρρεπής στον προβληματισμό. Η ίδια η εικονογραφική δομή γίνεται πιο περίπλοκη. Το «ανοιχτό» της δήλωσης αντικαθίσταται από αλληγορία, μεταφορά και αλληγορία.
Συναντάμε τον νέο ήρωα και αυτή τη δισδιάστατη αφήγηση στα ομαδικά πορτρέτα που δημιούργησε ο Nazarenko τη δεκαετία του 1970 ("My Contemporaries", 1973, Saratov Art Museum με το όνομα Radishchev; "Moscow Evening", 1978, Tretyakov Gallery). Οι ήρωές τους είναι η ίδια η καλλιτέχνης και ο κύκλος των στενών φίλων της. Το έργο της είναι αυτοβιογραφικό και αυτοπροσωπογραφία. Η μοίρα της, η μοίρα των αγαπημένων της και η ζωή της γενιάς της γίνονται τα κύρια θέματα της καλλιτέχνιδας.
Στο «Βράδυ της Μόσχας» ο Ναζαρένκο αναδημιουργεί την εμπιστευτική δημιουργική ατμόσφαιρα των φιλικών συγκεντρώσεων των νεαρών εβδομήντα. Το σούρουπο, αρκετοί καλλιτέχνες κάθονται στο στούντιο. «Το επτάχορδο κουδούνισμα μιας κιθάρας» προκαλεί σκέψη. Έξω από το παράθυρο είναι η Μόσχα. Στο βάθος μπορείτε να δείτε τους πύργους και τους θόλους των εκκλησιών του Κρεμλίνου. Μέσα από το σκοτάδι αναδύεται η φιγούρα μιας όμορφης ξένης με μια κονιοποιημένη περούκα - ένας χαρακτήρας από ένα από τα διάσημα ρωσικά πορτρέτα του 18ου αιώνα.
Σε αυτά τα έργα τα κύρια χαρακτηριστικά του πάντα αναγνωρίσιμου στυλ του Nazarenko έχουν ήδη αναδειχθεί ξεκάθαρα. Μια προσεκτική, στοργική αναπαράσταση των ζωδίων του γύρω κόσμου, φέρνοντας το έργο της πιο κοντά στα έργα των παλιών Ολλανδών δασκάλων. Γκροτέσκα υπερβολή χαρακτήρων. Τα μαθήματα του Bruegel, του Bosch και του ρωσικού λαϊκού «πρωτόγονου» αντικατοπτρίστηκαν εδώ. Οι κριτικοί θα κατηγορήσουν τον καλλιτέχνη ότι «παραμορφώνει τον σοβιετικό λαό».
- «Μου λένε: οι άνθρωποι στους πίνακές σου είναι κάποιου είδους γκροτέσκοι. Με την πάροδο του χρόνου, το θέμα της μοναξιάς και της διχόνοιας μεγαλώνει στο έργο του Nazarenko, συχνά σε συνδυασμό με εικόνες γενικής διασκέδασης, οι φίλοι του καλλιτέχνη συγκεντρώθηκαν για ένα γλέντι, καρναβάλι ("Tatiana's Day", 1982, ιδιωτική συλλογή, Γερμανία, "Carnival", 1979, Διεύθυνση Εκθέσεων της Ένωσης Καλλιτεχνών). Τα καρναβάλια, οι μασκαράδες, τα λαϊκά πανηγύρια είναι ένα από τα αγαπημένα θέματα της δεκαετίας του εβδομήντα. Αυτό είναι ένα είδος μεταφοράς για την υποκριτική και ταυτόχρονα διχόνοια, μοναξιά στο πλήθος και αναζήτηση επαφής με τους άλλους.
Κάποτε, η είσοδος των δασκάλων του «αυστηρού στυλ» στην τέχνη δεν ήταν εύκολη και προκάλεσε έντονες συζητήσεις. Μετά τα συνήθισαν, οι αναζητήσεις τους έλαβαν «επίσημη» αναγνώριση, πολλοί από αυτούς έγιναν κύριοι. Το ίδιο συνέβη ξανά με τους πιο θαρραλέους, ταλαντούχους, ψαγμένους «εβδομήντα». Τώρα οι επιθέσεις από την κριτική έχουν γίνει η μοίρα τους. Αγαπημένες κατηγορίες ήταν οι κατηγορίες για «κλειστότητα» και «ασάφεια» της δουλειάς τους.
- «Ίσως, αν είχα γεννηθεί μια δεκαετία νωρίτερα, θα ήμουν με τον Ποπκόφ, με τον Νικόνοφ και τα εξήντα θα ήταν τα πιο υπέροχα χρόνια για μένα... Γιατί είναι ασαφές με τη δεκαετία του εβδομήντα. .. Έπρεπε να φύγει το πάθος της σκληρής καθημερινότητας Αυτή είναι μια φυσική αλλαγή, η κλειστότητα, ήρθε η γραφή... Αυτό ήρθε σε αντίθεση με τον ήρωα της δεκαετίας του εξήντα με ανοιχτό σεντούκι: «κοίτα τι είμαι!». Η δεκαετία του '70 μάς ανάγκασε να καταφύγουμε στην αλληγορία: μια αμφίσημη εποχή, όταν φαίνεται ότι επιτρέπονται πολλά, και ταυτόχρονα, όχι, όλα είναι ξανά κλειστά».
Η Tatyana Nazarenko εργάζεται σε διάφορα είδη. Και σχεδόν από τα πρώτα κιόλας βήματα δοκίμασε τον εαυτό του σε μια ιστορική ταινία. Στην ιστορική ή θεματική ζωγραφική δόθηκε ηγετική θέση στην τέχνη του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, όπως πριν στον ακαδημαϊσμό. Είναι σημαντικό ότι στη σοβιετική τέχνη παρέμεινε προνόμιο του άνδρα καλλιτέχνη. Ξεκινώντας με το «The Execution of the Narodnaya Volya» (1969-1972, Γκαλερί Tretyakov), κάθε επόμενος πίνακας του Nazarenko σε ένα ιστορικό θέμα γίνεται γεγονός. Σε αντίθεση με τους παραδοσιακούς ιστορικούς πίνακες του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, που ήταν ένα εποικοδομητικό παράδειγμα του «ηρωικού» παρελθόντος, η ιστορική εικόνα για τον Nazarenko έγινε ένας διάλογος-στοχασμός που απευθύνεται στον θεατή-συνομιλητή για το παρελθόν και την άρρηκτη σύνδεσή του με το σήμερα. , για την ιστορία ως μια διαρκώς επαναλαμβανόμενη τραγωδία της μοναξιάς. Οι ήρωες του καλλιτέχνη είναι άτομα που διαισθάνθηκαν έντονα την αδικία της περιβάλλουσας πραγματικότητας, μπήκαν στον αγώνα να την αλλάξουν και συνάντησαν έναν τοίχο παρεξήγησης. Το διάσημο δίπτυχό της «Pugachev» (1980) αφορά αυτό.
Ο επαναστάτης, ο ηγέτης της εξέγερσης των αγροτών, Εμελιάν Πουγκάτσεφ, οδηγείται σε κλουβί στη Μόσχα για εκτέλεση. Ο καλλιτέχνης δεν επιδιώκει να ανασυνθέσει το γεγονός. Η κεντρική σκηνή θυμίζει δημοφιλείς εκτυπώσεις και αρχαίες ολογραφίες. Ένα απλοποιημένο, παιχνιδιάρικο τοπίο, κούκλες φιγούρες στρατιωτών με φωτεινές στολές. Καταφεύγοντας σε αυτή τη σύμβαση, σκοπίμως απομακρύνεται η ίδια και ο θεατής από αυτό που συμβαίνει. Αυτό έγινε μια φορά κι έναν καιρό, πολύ καιρό πριν, λέει ο καλλιτέχνης. Το δεύτερο μέρος γράφτηκε με έναν εντελώς διαφορετικό, προσεκτικό τρόπο, που θυμίζει τα «κόλπα» του 17ου αιώνα. Παρουσιάζει αρχαία πορτρέτα, έγγραφα και τόμους που χρονολογούνται από την εποχή της βασιλείας της Αικατερίνης Β' και την εξέγερση του Πουγκάτσεφ. Πρόκειται για «αυτόπτες μάρτυρες» του γεγονότος. Με τη βοήθειά τους, ο καθένας μπορεί να αναβιώσει το παρελθόν για τον εαυτό του και να έρθει πιο κοντά σε αυτό.
- «Οι ιστορικές μου ζωγραφιές, φυσικά, συνδέονται με το σήμερα, οι συνεργάτες του Πουγκατσόφ τον εγκαταλείπουν πάντα. Η ζωή ακόμη και του πιο «αριστερού» καλλιτέχνη, μέλους της Ένωσης, ήταν επιβαρυμένη με αναπόφευκτη δυαδικότητα. Για να είναι κανείς «ορατός» και να συμμετέχει σε εκθέσεις, έπρεπε να κάνει συμβιβασμούς με τον έναν ή τον άλλον τρόπο.
- Πώς κατάφερες να παραμείνεις ο εαυτός σου και να δείχνεις ακόμα τη δουλειά σου;
Πάντα ξεχώριζα ξεκάθαρα τι γράφω για μένα και τι για εκθέσεις. Αυτό που έκανα για τον εαυτό μου ήταν χωρίς καμία ελπίδα ότι θα μπορούσα ποτέ να το δείξω. Η πρώτη έκθεση όπου μπόρεσα να δείξω κάτι από αυτά ήταν το 1975. Ήρθε μια παραγγελία και αφαίρεσε 3 έργα. Αποφάσισα ότι αν γύριζαν 5 βασικά έργα, τότε θα αρνιόμουν να συμμετάσχω εντελώς. Τότε ίσως η ζωή μου να είχε πάει διαφορετικά. Αλλά άφησαν αυτές τις 2 δουλειές, λογισμικό για μένα. Ο κόσμος άρχισε να μιλάει για αυτή την έκθεση... Γενικά, όλα μου τα έργα τα έδειξα μόλις το 1989, στην πρώτη μου προσωπική έκθεση.
Παρά το «κλειστό» της δεκαετίας του εβδομήντα, στα έργα τους μπορεί κανείς συχνά να νιώσει μια επιθυμία για επαφή, μια ετοιμότητα να ανοιχτεί σε έναν προσεκτικό, ενδιαφερόμενο θεατή. Ένας από αυτούς τους «εξομολογητικούς» πίνακες ήταν το τρίπτυχο «Εργαστήριο» του Ναζαρένκο (1983, Γκαλερί Τρετιακόφ). Η καλλιτέχνις μας μυεί στο «εργαστήριο» της δημιουργικότητάς της. Στην αριστερή πλευρά, απεικόνιζε τον εαυτό της να κάθεται με την πλάτη της στον θεατή, βυθισμένη στο έργο της. Το κεντρικό μέρος παρουσιάζει την ίδια τη διαδικασία της γέννησης του πίνακα. Σαν από λήθη εμφανίζονται στον καμβά ημιδιαφανείς φιγούρες μελλοντικών χαρακτήρων. Υλοποιούνται μπροστά στα μάτια μας και παίρνουν συγκεκριμένα χαρακτηριστικά. Πολλά αντικείμενα στο στούντιο μιλούν για την καλλιτέχνιδα, τον κόσμο της, τα πάθη της. Στον τοίχο κρέμεται ένα καστ της μάσκας του θανάτου του Πούσκιν, ένα γυναικείο πορτρέτο του Κράναχ και, φυσικά, μια αναπαραγωγή ενός πορτρέτου του «κανόνα» Βαν Άικ, του «κύριου» δασκάλου του Ναζαρένκο. Πάνω στο γραφείο υπάρχουν παλιά βιβλία, ένα κερί, μια εικόνα. Η δεξιά πλευρά δείχνει ένα ανοιχτό παράθυρο συνεργείου. Στο περβάζι υπάρχει μια κιθάρα, σωλήνες μπογιάς, ένα μπουκάλι διαλύτη. Έξω από το παράθυρο φαίνεται καθαρά η βραδινή Μόσχα.
- Έχετε οικογένεια, παιδιά. Πρέπει να ήταν δύσκολο να συνδυαστούν και οι δύο αυτοί ρόλοι;
- Φυσικά, είναι δύσκολο. Χώρισα με τον πρώτο μου άντρα γιατί μου έδωσε μια επιλογή. Τότε ακριβώς γέννησα το πρώτο μου παιδί... (εδώ αναστενάζει, μετά γελάει) Αυτό είναι πολύ δύσκολο να το θυμάσαι. Εκείνη την περίοδο σπούδαζα στα εργαστήρια της Ακαδημίας Τεχνών. Έπρεπε είτε να κάτσω με το παιδί είτε να μετακομίσω με τη γιαγιά μου, που το πρόσεχε. Είναι πάντα πιο δύσκολο για μια γυναίκα. Όλη μου τη ζωή διχάζομαι ανάμεσα στη δημιουργικότητα και τα παιδιά. Πάνω από μία φορά, τα παιδιά διάσημων συγγραφέων, ηθοποιών και καλλιτεχνών στη συνέχεια, στα απομνημονεύματά τους για αυτούς, ξεκαθαρίζουν με τις μητέρες τους για τα στερημένα παιδικά τους χρόνια, κατηγορώντας τα για την εγωιστική συγκέντρωση στη δημιουργικότητά τους. Στο «Αυτοπροσωπογραφία με τον γιο» (1977, Υπουργείο Πολιτισμού), δίπλα στην καλλιτέχνιδα που σκιαγραφεί κάτι σε ένα τετράδιο, απορροφημένη πλήρως από τη δουλειά της, στέκεται ο μεγαλύτερος γιος της Νικόλκα. Το αγόρι παρακολουθεί προσεκτικά, με περιέργεια, καθώς ένα λευκό φύλλο χαρτιού ζωντανεύει κάτω από το χέρι της, μετατρέπεται σε τοπίο. Αλλά και η ζήλια εισχωρεί στο βλέμμα του γιου. Ίσως το μάτι του καλλιτέχνη να κατέγραψε ακούσια τα πρώτα γυρίσματα μιας σύγκρουσης.
- Τα παιδιά σας ένιωσαν μειονεκτικά;
Τρομερός. Πριν από περίπου δύο εβδομάδες υπήρχε μια εκπομπή στην τηλεόραση στην οποία πήραν συνέντευξη από τα παιδιά μου. Πάντα μου φαινόταν ότι διχάζομαι ανάμεσα στη δουλειά και τα παιδιά, ότι τους αφιέρωνα πολύ χρόνο. Ο μεγαλύτερος είναι ήδη 24 ετών, ο μικρότερος 8. Και οι δύο, ανεξάρτητα ο ένας από τον άλλον, είπαν ότι τους δίνω ελάχιστη σημασία. Ο νεότερος είπε ότι τον μεγάλωσε η γιαγιά του: «Και η μητέρα μου είναι υπέροχη καλλιτέχνις και πηγαίνω κυρίως στις μέρες των εγκαινίων της». Ο μεγαλύτερος είπε ότι δεν ήθελε να γίνει καλλιτέχνης γιατί η μητέρα του περνούσε όλο το χρόνο της στο στούντιο.
- Αποδεικνύεται ότι αν μια γυναίκα αφοσιωθεί εξ ολοκλήρου στη δημιουργικότητα, ανεξάρτητα από το πόσο καλά συμπεριφέρεται στα παιδιά της, αυτά εξακολουθούν να αισθάνονται στερημένα
Όχι, αυτό δεν συγχωρείται. Υποφέρουν τρελά. Δεν σχεδίασα την οικογένειά μου. Τα παιδιά δημιουργούνται πάντα τυχαία. Γέννησε το δεύτερο της επίτηδες. Και τώρα αφαιρώ πολύ χρόνο από τη δουλειά, γιατί καταλαβαίνω ότι πολλοί άνθρωποι κάνουν τέχνη, η τέχνη μπορεί να κάνει χωρίς εμένα, αλλά δεν μπορεί χωρίς εμένα. Όμως, όπως αποδείχθηκε, αυτό δεν του αρκεί.
Ξεκινώντας από τα τέλη της δεκαετίας του 1970, το θέμα της ευπάθειας, της «γυμνότητας» και της ανυπεράσπιστης του καλλιτέχνη ενώπιον της κρίσης ενός τεμπέλης και αδιάφορου κοινού και όσων βρίσκονται στην εξουσία αναδύεται όλο και περισσότερο στο έργο του Ναζαρένκο. Ήδη ακούγεται ξεκάθαρα σε μια από τις καλύτερες αυτοπροσωπογραφίες της - τον πίνακα "Λουλούδια. Αυτοπροσωπογραφία" (1979, Γκαλερί Τρετιακόφ). Σχεδόν ολόκληρος ο χώρος του καμβά καταλαμβάνεται από ένα μπουκέτο από φρέσκα, χρυσά κρίνα, και στον τοίχο είναι μια αναπαραγωγή ενός πίνακα του Van Eyck, τον οποίο λατρεύει. Η καλλιτέχνις στέκεται πιεσμένη στην άκρη του καμβά, με τα μάτια της χαμηλωμένα και τα χέρια απλωμένα χαλαρά, απομακρύνεται από αυτό που συνήθως την ευχαριστεί τόσο πολύ και χρησιμεύει ως μόνιμη πηγή έμπνευσης.
Αυτό το θέμα γίνεται το μοτίβο στο "The Circus Man" (1984). Σε ένα ιλιγγιώδες ύψος, πάνω από τις στέγες των σπιτιών, ένας καλλιτέχνης ντυμένος μόνο με μπικίνι ισορροπεί «χωρίς δίχτυ ασφαλείας». Παρακάτω, το κοινό επικροτεί την ριψοκίνδυνη ερμηνεία της. Πρόκειται για αξιωματούχους της Ένωσης, ντυμένους επίσημα: σκούρα κοστούμια και γραβάτες. Ο Nazarenko προικίζει τις εικόνες τους με αναγνωρίσιμα χαρακτηριστικά πορτρέτου. Χωρίς να γνωρίζουμε τις συγκεκριμένες συνθήκες που συνέβαλαν στην εμφάνιση αυτού του έργου, θα μπορούσε κάλλιστα να θεωρηθεί ανάμεσα σε έργα που σχετίζονται με τον φεμινιστικό λόγο που θεματοποιούν τον ρόλο της γυναίκας στην κοινωνία.
Ακόμα δεν καταλαβαίνω αυτό το φεμινιστικό κίνημα. Για μένα αυτό είναι ανοησία.
- Το «Circus Girl» σας θα μπορούσε κάλλιστα να ονομαστεί «φεμινιστικό» έργο.
Έχω μια ευτυχισμένη δημιουργική μοίρα. Έτσι, ξεκίνησα να ταξιδεύω στο εξωτερικό αρκετά νωρίς. Και μετά, όταν ξαφνικά σου λένε: «Δεν θα πας πουθενά αλλού, δεν θα δεις τίποτα, τότε έγραψα «Τι είδους φεμινισμός είναι». Ήταν μέλος κάποιων γυναικείων συλλόγων για κάποιο διάστημα Αγοράσαμε ένα σπίτι στο χωριό, κατάλαβα τι είναι οι Ρώσοι, δεν το ήξερα για σύγκριση, αυτό είναι ένα εντελώς διαφορετικό επίπεδο ζωής. τηλεοράσεις, κουρέλια οι δυτικές γυναίκες μπορούν να καθίσουν, να συζητήσουν, να σκεφτούν αν θα υπερασπιστούν τα δικαιώματά τους ή τα παιδιά τους, ή για το πράσινο ή για την ελευθερία των σεξουαλικών μειονοτήτων.
- Για μένα, για παράδειγμα, ήταν πολύ σημαντική η «ανακάλυψη» ξεχασμένων συγγραφέων και καλλιτεχνών, στους οποίους χρωστάμε τις φεμινίστριες. Η αίσθηση ότι οι γυναίκες έχουν παράδοση στην τέχνη δίνει αυτοπεποίθηση.
Πιστεύω ότι η γυναικεία δημιουργικότητα αποτελεί εξαίρεση. Αυτό είναι μια ανωμαλία.
- Αλλά οποιαδήποτε δημιουργικότητα, σε κάποιο βαθμό, είναι μια ανωμαλία.
Ναι, καταρχήν, η δημιουργικότητα είναι πάντα μια ανωμαλία. Και θηλυκό - σε ακόμη μεγαλύτερο βαθμό. Τα παιδιά υποφέρουν από αυτό. Δεν είναι φυσιολογικό μια γυναίκα να μην κάνει παιδιά.
- Αν μιλάμε για καλλιτέχνες και συγγραφείς, ακόμα και σήμερα είναι πολύ πιο δύσκολο να ξεπεράσουν.
Δεν έχω συναντήσει ποτέ διακρίσεις. Ίσως μόνο στην αυγή της νιότης μου, όταν ήθελα να μπω σε ένα μνημειακό εργαστήριο. Μου είπαν ότι ο αρχηγός του, Αλέξανδρος Ντεϊνέκα, δεν θέλει να έχει κορίτσια στο εργαστήριό του. Στη συνέχεια, η Έλενα Ρομάνοβα σπούδασε μαζί του. Ίσως ήταν απλώς μια φήμη, και αν ήμουν πιο επίμονος, ίσως να είχα φτάσει εκεί.
- Οι δυτικοί καλλιτέχνες είναι πολύ λιγότερο πιθανό από τους συναδέλφους τους να συμπεριληφθούν σε εκθέσεις κύρους, εξακολουθούν να διστάζουν να εκθέσουν έργα γυναικών.
Λοιπόν, τι είναι σημαντικό;
- Όχι, μάλλον, ασυνείδητα.
Φυσικά, ασυνείδητα. Γιατί, κατά κανόνα, οι γυναίκες καλλιτέχνες είναι χειρότερες. Γιατί πολύ απλά δεν έχουν την ευκαιρία να συνειδητοποιήσουν πλήρως τον εαυτό τους. Αποδεικνύω ότι οι σύγχρονοι καλλιτέχνες δεν είναι σε καμία περίπτωση κατώτεροι από τους συναδέλφους τους. Συμφωνεί και καταλήγει κατευθείαν σε ένα φεμινιστικό συμπέρασμα: - Αν δημιουργήσεις τις ίδιες συνθήκες, οι γυναίκες δεν διαφέρουν από τους άνδρες. Αυτό όμως δεν συνέβη ποτέ. Επιστρέφοντας στο θέμα των παιδιών...
- Γιατί πιστεύεις ότι η ανατροφή των παιδιών είναι μόνο δικό σου καθήκον; Γιατί ένας άντρας δεν μπορεί να λάβει τον ίδιο ρόλο σε αυτό;
Δεν μπορεί απολύτως. Όταν γέννησα το δεύτερο παιδί μου, δεν ήταν αυτό που ήθελα. Αλλά ο άντρας μου δεν είχε παιδιά. Ήθελε αυτό το παιδί. Γέννησα στα 42 μου. Αποφάσισα, θα γεννήσω ένα παιδί και θα αφήσω τον άντρα μου να το φροντίσει, να το μάθει, να το βάλει στο σκι. Αυτό το καημένο παιδί μόνο εμένα αγαπάει. Και έτσι εγώ, μια δυστυχισμένη 50χρονη γυναίκα, πρέπει να σηκωθώ νωρίς, να κάνω ασκήσεις μαζί του, να ελέγξω μαθήματα, να μάθω αγγλικά, να πάω για σκι, που φοβάμαι να κάνω σκι... Κάθομαι στο εργαστήριο με μεγάλη χαρά , αλλά τι να κάνω έχει ήδη εμφανιστεί.
Ωστόσο, οι άνδρες έχουν πλεονεκτήματα. Είναι σωματικά πολύ πιο δυνατοί και πιο ανθεκτικοί.
- Αλλά και οι άντρες έχουν ένα σωματικό όριο. Ο ένας κάνει παγκόσμιο ρεκόρ στην κολύμβηση και ο άλλος παίζει σκάκι.
Μεγαλώσαμε ότι δεν πρέπει να είμαστε χειρότεροι από τους άνδρες, πιο αδύναμοι. Επομένως, συνήθισα να είμαι ισότιμος. Να κουβαλάω μόνος μου πίνακες, να γεμίζω μόνος μου τον καμβά... Δεν μπορώ να υποχωρήσω σε έναν άντρα σε τίποτα. Για παράδειγμα, θέλω να κάθομαι με τεράστια «πράγματα». Αλλά δεν μπορώ να το σηκώσω σωματικά.
- Γιατί πρέπει να είναι τεράστιο έργο;
Αλλά ήθελα να μην αισθάνομαι σαν γυναίκα. Απέδειξα ότι μπορούσα, όπως κάθε άντρας, να κάνω ένα μεγάλο πράγμα όταν, για παράδειγμα, έγραψα τρία στα τρία.
- Λοιπόν, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο είχες την αίσθηση ότι είσαι δευτερεύων;
Ναι, σίγουρα. Με ενδιέφεραν πολύ τα όπλα. Έγραψα φωτογραφίες με όπλα. Πραγματικά δεν ήθελα να υποχωρήσω σε τίποτα.
Θυμάμαι ότι όταν ήμουν μέλος της επιτροπής της έκθεσης, κατά κανόνα, μπορούσαμε να μαντέψουμε ότι ήταν γυναικεία δουλειά. Ίσως όταν ο καλλιτέχνης δεν βάλθηκε να το κρύψει. Δεν ήταν χειρότερο ή καλύτερο. Αυτό ήταν διαφορετικό. Κατά κανόνα, μικρά έργα, πορτρέτα παιδιών ή κάτι που σχετίζεται με παιχνίδια ή νεκρές φύσεις. Κάτι λίγο πιο τρυφερό.
- Μάλλον γιατί οι ζωές των γυναικών καλλιτεχνών είναι κάπως διαφορετικές σε σύγκριση με τους άνδρες συναδέλφους τους. Ένας άντρας έχει την πολυτέλεια να εγκαταλείψει εντελώς τις καθημερινές ανησυχίες, την ευθύνη της ανατροφής των παιδιών του και να αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη δημιουργικότητα. Έτσι, όλα αυτά πέφτουν στους ώμους των γυναικών. Και η κοινωνική κατάσταση της καλλιτέχνιδας καθορίζει σε κάποιο βαθμό το εύρος των θεμάτων της. Όπως έχετε ήδη πει, «η καθημερινότητα καθορίζει τη συνείδηση».
Ναι, σίγουρα.
- Σήμερα ο καλλιτέχνης έχει ελευθερία, αν και απόλυτη ελευθερία, φυσικά, δεν υπάρχει. Μπορείτε να κάνετε ό,τι θέλετε.
Σε κάποιο βαθμό, πάντα ένιωθα ελεύθερος. Είχα πολλά έργα που ήξερα σίγουρα ότι δεν θα άφηναν ποτέ τους τοίχους του στούντιο. Τώρα όλα υπαγορεύονται από το χρηματικό ποσό. Από τη μια έλλειψη ελευθερίας βρίσκεσαι σε μια άλλη. Αν έχεις χρήματα, μπορείς να νοικιάσεις όποιο δωμάτιο και να εκθέσεις ό,τι θέλεις. Εάν δεν υπάρχουν, δεν θα δημοσιεύσετε τίποτα. Μπορώ να κάνω ό,τι θέλω στο εργαστήριο, αλλά δεν το χρειάζεται κανείς. Έχασα τελείως το ενδιαφέρον μου για την τέχνη. Ίσως δεν ήταν εκεί πριν, αλλά υπήρχε κάποιο είδος εμφάνισης. Αν τώρα το παιδί μου ήθελε να γίνει καλλιτέχνης, θα το χτυπούσα με ένα ξύλο λέγοντας: μην γίνεις καλλιτέχνης... Αλλά με το πρώτο μου παιδί, ήθελα πολύ να γίνει καλλιτέχνης. Τώρα έχουμε μετατραπεί σε υπηρέτες. Προσωπικά νιώθω σαν να υπηρετώ τους πλούσιους σε παρουσιάσεις και πάρτι. Για κάποιο διάστημα στην κοινωνία μας ήμασταν σε μια τόσο ανώμαλη κατάσταση που είμαστε η ελίτ, που μπορούμε να επηρεάσουμε κάτι. Οι ποιητές διαβάζουν τα ποιήματά τους σε χιλιάδες ακροατήρια. Στην καμπίνα του φορτηγού θα μπορούσατε να δείτε μερικές φωτογραφίες καρφιτσωμένες.
- Παλαιότερα, ένα καλό βιβλίο, ταινία, ζωγραφική ήταν μια ανάσα ελευθερίας. Και τώρα οι άνθρωποι έχουν άλλες αξίες και ευκαιρίες. Μπορούν να ταξιδέψουν, να ψωνίσουν. Αποδείχθηκε ότι δεν χρειάζονται όλοι την τέχνη, αντίθετα, λίγοι τη χρειάζονται. Ίσως όμως αυτές να είναι μόνο προσωρινές διαδικασίες.
Είμαι κακός φιλόσοφος, δεν ξέρω πόσο καιρό θα πάρει για να ενδιαφερθεί ο κόσμος για την τέχνη και πόσο ενδιαφέρουσα θα είναι. Τώρα ο γκαλερίστας υπαγορεύει. Συμβουλεύουν τι και πώς να κάνετε. Σε οποιοδήποτε συμβόλαιο προσδιορίζονται ακόμη και τα μεγέθη των πινάκων. Γιατί οι μπέργκερ έχουν τοίχους τέτοιου μεγέθους. Θα πρέπει να είναι κάτι ευχάριστο στο μάτι. Ο άντρας μου μου λέει ότι χρειάζομαι κάτι φωτεινό και εμπορεύσιμο.
- Εσείς και εγώ ήμασταν σύγχρονοι της «απόψυξης». Αυτή την εποχή μεγαλώσαμε. Σήμερα έχουμε το προνόμιο να παρακολουθούμε την περεστρόικα. Είναι δυνατόν να συγκρίνουμε με κάποιο τρόπο την ατμόσφαιρα και τις αισθήσεις εκείνης της εποχής με αυτό που συμβαίνει μπροστά στα μάτια μας σήμερα;
Πολλοί άνθρωποι δεν πέρασαν αυτό το τεστ: όλα επιτρέπονταν, ταξίδια και κάτι άλλο. Συνηθίζαμε να επικοινωνούμε περισσότερο, ήμασταν πιο ειλικρινείς. Μετά τους πειρασμούς που έφερε η περεστρόικα, οι άνθρωποι άλλαξαν. Και, γενικά, σε κάποιο βαθμό πιστεύω ότι ήταν καλύτερα πριν. Η προσωπική έκθεση του καλλιτέχνη (1989) παρουσιάστηκε όχι μόνο στη Ρωσία, αλλά και στη Δύση: στη Γερμανία, την Αμερική. Χαιρετίστηκε με μεγάλο ενδιαφέρον από ξένο κοινό και κριτικούς. Ο καλλιτέχνης κέρδισε τη φήμη της «Βασίλισσας της Ένωσης Καλλιτεχνών». Για ορισμένους «νέους» Ρώσους κριτικούς, έτοιμους να ξεκαθαρίσουν τα πάντα ξανά και να καταστρέψουν «έως το έδαφος» στον αγώνα για τη «σύγχρονη» τέχνη, η έκθεση του Ναζαρένκο ήταν ένας από τους λόγους για να ξεκαθαρίσουν με τη δεκαετία του εβδομήντα. Ένας από αυτούς δήλωσε: «Γενικά, η έκθεση έδειξε την ιστορική εξάντληση της ζωγραφικής της δεκαετίας του εβδομήντα και έγινε ένα είδος απομάκρυνσης από τη φωτεινή, αλλά παροδική δημιουργικότητά τους».
- «Δεν αισθάνομαι σαν μια χαμένη γενιά Καταφέραμε να γευτούμε την ελευθερία κατά τη διάρκεια της «απόψυξης». παρά μια φορά "Πουγκατσόβα" τρεις φορές..."
Η υπερβολική συγκέντρωση στα παράπονά της και στις παρεξηγήσεις της ήταν ένας από τους λόγους για την κρίση στη δημιουργικότητα της καλλιτέχνιδας, η οποία διήρκεσε αρκετά χρόνια. Ο ένας μετά τον άλλον άρχισαν να εμφανίζονται πίνακες που θύμιζαν όλο και περισσότερο τη φαντασμαγορία του Bosch. Σε αυτά, στελέχη της Ένωσης και το «αδιάφορο κοινό» μετατράπηκαν σε άσχημα πλάσματα, μισά ανθρώπινα, μισά ζώα, που βασανίζουν τον καλλιτέχνη. Ωστόσο, η Nazarenko δεν ήταν ποτέ αδιάφορη, επικεντρωμένη στον εαυτό της. Μπροστά στα μάτια της, οι ελπίδες που συνδέονται με την περεστρόικα μετατράπηκαν σε πληθωρισμό και εξαθλίωση. Ηλικιωμένες γυναίκες εμφανίστηκαν στους δρόμους, πουλώντας τα τελευταία τους υπάρχοντα, ζητιάνους και άστεγους. Απάντησε σε ό,τι συνέβαινε γύρω της με το «Transition» της.
Η υπόγεια διάβαση στο μετρό είναι το σημερινό καταφύγιο αστέγων και προσφύγων. Εδώ ζουν πωλητές εφημερίδων και λουλουδιών, μουσικοί, ζητιάνοι και άτομα με ειδικές ανάγκες. Ο καλλιτέχνης τον «μεταέφερε» στις αίθουσες της Κεντρικής Στέγης Καλλιτεχνών και αντιμετώπισε τον θεατή με τους λιγότερο τυχερούς, τους μειονεκτούντες και τον ανάγκασε να κοιτάξει στα πρόσωπα εκείνων που πολλές φορές είχε βιαστεί να γλιστρήσει στο « ανυπομονησία της καρδιάς του». Και φυσικά, όπως σε πολλά έργα της, ανάμεσα στους άλλους χαρακτήρες βρίσκεται και η ίδια η καλλιτέχνις.
Η μετάβαση είναι ταυτόχρονα η κατάσταση της σημερινής μετασοβιετικής κοινωνίας, που πηγαίνει κανείς στο που κανείς δεν ξέρει πού, και είναι επίσης ένα νέο ενδιαφέρον στάδιο στη δημιουργική ανάπτυξη του Nazarenko.
Μπροστά μας είναι η γλυπτική ζωγραφική - η δεύτερη πραγματικότητα, η πραγματικότητα της τέχνης. Ο καλλιτέχνης διατηρεί το απαραίτητο μέτρο σύμβασης και απόστασης. Μετά από προσεκτικότερη εξέταση, οι φιγούρες αποδεικνύονται τραχιές, βαμμένες από κόντρα πλακέ. Η πίσω πλευρά τους αφήνεται χωρίς θεραπεία. Οι ίδιοι οι χαρακτήρες απεικονίζονται με γκροτέσκο οξύτητα. «Μεταβατικά στοιχεία», σύμφωνα με τον εύστοχο ορισμό ενός από τους κριτικούς.
Το «The Transition» προκάλεσε έντονο ενδιαφέρον στο κοινό και στους «μυημένους» και αναμφίβολα έγινε ένα από τα σημαντικότερα πολιτιστικά γεγονότα των τελευταίων ετών. Η καλλιτέχνης επιβεβαίωσε για άλλη μια φορά τη θέση της στην τέχνη και ξεκάθαρα «απέδειξε» ότι ήταν πολύ νωρίς για να θάψει τη δεκαετία του εβδομήντα.
Στο «Transition» της ακούστηκε και πάλι ξεκάθαρα το αιώνιο ρωσικό ερώτημα: «Ρωσ», πού ορμάς...», εκφράστηκε ο πόνος της καλλιτέχνιδας και η ελπίδα της...
1 Cnt. από: Lebedeva, V. Tatyana Nazarenko, M., 1991.
2 Παράθεση. από: Efimovich, N. "Λένε ότι παραμορφώνω τον σοβιετικό λαό..." V; "Komsomolskaya Pravda", 21 Δεκεμβρίου 1991.
3 Παρατίθεται από: Lebedeva, V. Decree. όπ.
4 Παρατίθεται από: Efimovich, N. ό.π.
5 "Art", 1989, L" 8, 76.
6 Παρατίθεται. από: Efimovich, N. ό.π.
μι Η τέχνη έχει γίνει κλασική. Τα έργα της Tatyana Nazarenko είναι επάξια ακριβά. Αλλά την παραμονή της πρόσφατης επετείου, η Τατιάνα... αποφάσισε να μιλήσει όχι για την τέχνη, αλλά για τη μοίρα, τα γεγονότα και τα πολύ προσωπικά της συναισθήματα.
«Ως παιδί, ήμουν ένα γωνιώδες, ντροπαλό, δύστροπο κορίτσι», θυμάται ο καλλιτέχνης. «Η μαμά πάντα φοβόταν ότι δεν θα παντρευόμουν ποτέ. Γι' αυτό μου δόθηκε μια τέτοια ανατροφή: χορός, μουσική, σχέδιο...
— Πώς έγινες καλλιτέχνης;
— Στην αρχή υπήρχε μουσική σχολή. Και μόνο τότε μπήκα στη σχολή τέχνης στο Ινστιτούτο Surikov. Τα παιδιά που έμπαιναν εκεί είχαν ειδική εκπαίδευση και μελετούσαν με δασκάλους για αρκετά χρόνια. Δεν ήξερα καν τη σημασία των λέξεων «νεκρή φύση», «τοπίο», «ακουαρέλα», «λαδομπογιές». Πριν από τις εξετάσεις ζωγραφικής, η δασκάλα μου εξήγησε τα πάντα με απλό τρόπο. Μετά πήγα στο κολέγιο. Αφού αποφοίτησε το 1969 με βαθμό «άριστα», μπήκε στο εργαστήριο της Ακαδημίας Τεχνών. Μετά από αρκετό καιρό, ανάμεσα σε πολύ λίγους ανώτερους συναδέλφους της, της απονεμήθηκε ένα ταξίδι διάρκειας ενός μήνα στην Ιταλία.
- Συγκρίνετε τον εαυτό σας τώρα με αυτόν στη δεκαετία του '70. Τι θα θέλατε να φέρετε πίσω από το παρελθόν; Ίσως διψάω για ζωή;
- Τίποτα! Είμαι ήδη γεμάτος δίψα για ζωή. Νιώθω σαν να είμαι 30, ακόμα και 25! Αν και ανακαλύψαμε πολλά για τον εαυτό μας όταν ήμασταν μικροί. Περιπλανήθηκαν σαν ζωντανά πλάσματα σε όλα τα μουσεία και τις εκθέσεις. Κουρασμένοι, πήγαμε στον αυτόματο πωλητή, ήπιαμε μερικά ποτά portveshka για 40 καπίκια, γελάσαμε, επιστρέψαμε στα εργαστήρια του Surikov και γράψαμε σαν ζώα. Μετά το «κόκκινο» οι σκέψεις μου έγιναν πιο τολμηρές και οξυμένες.
Αργότερα, άρχισα να ανησυχώ για πολλά πράγματα, για παράδειγμα, την αντίφαση μεταξύ ανθρώπου και εξουσίας. Μεταξύ εκείνων που καταδικάστηκαν σε απαγχονισμό ήταν η Sofya Perovskaya, την οποία ζωγράφισα από μια φωτογραφία της Natalya Gorbanevskaya, και ο σοφός και γενειοφόρος άντρας δίπλα της στο ικρίωμα είναι ο Andrei Sinyavsky, συγγραφέας και φιλόσοφος που εκδιώχθηκε από την ΕΣΣΔ. Κανείς δεν το ήξερε τότε. Δεν μπορούσα να αντιταχθώ ανοιχτά στο σύστημα, δεν ήθελα να φέρω άλλη θλίψη στο σπίτι. Ο άντρας της γιαγιάς μου, ο παππούς μου, πυροβολήθηκε το 1937...
Το "People's Will" πέρασε πολύ καιρό επισκεπτόμενος διάφορες εκθέσεις: από την έκθεση της πόλης της Μόσχας μέχρι την έκθεση All-Union. Έλαβα ένα βραβείο Komsomol για αυτό. Πριν καν πάρω τα χρήματα στα χέρια μου, αποφάσισα να τα πιω. Κάλεσα φίλους να βοηθήσουν σε αυτό. “Komsomol - ποτέ!” Και όλοι οι φίλοι, μαζί με τον δάσκαλο Ντμίτρι Ζιλίνσκι, αρνήθηκαν ομόφωνα να πιουν με αυτά τα χρήματα. «Λοιπόν, έλα στα γενέθλιά μου, στις 24 Ιουνίου», δεν είχα χάσει. Γαρνηθήκαμε με τις πίτες της γιαγιάς. Θυμάμαι αυτό το βραβείο Komsomol σαν ένα χαστούκι από φίλους.
— Τι είδους περιστατικό συνέβη με τον πίνακα «Οι Παρτιζάνοι ήρθαν», ο οποίος αφαιρέθηκε από την έκθεση επειδή είδαν τον Λένιν να κείτεται νεκρός δίπλα στην αγχόνη;
— Μάλιστα, εκεί ήταν ξαπλωμένος ο καλλιτέχνης Viktor Popkov, ο οποίος πόζαρε για μένα. Έτσι, οι ισχυρισμοί της επιτροπής ήταν παράλογοι, αν και ο Βίκτορ φορούσε μουστάκι και γένια για να μοιάζει με τον ηγέτη της επανάστασης. Έπρεπε να καλύψω το πρόσωπό μου με ένα κασκόλ στην εικόνα. Το έκανα και το μετανιώνω. Μετά από αυτό το περιστατικό, σχεδόν αμέσως ο Popkov σκοτώθηκε κατά λάθος στο δρόμο κατά τη διάρκεια επίθεσης ληστών σε συλλέκτες. Κάποιο είδος μυστικισμού. Οι «Παρτιζάνοι» μου βρίσκονται τώρα στη Γκαλερί Τρετιακόφ. Σκέφτομαι, να μην επιστρέψω το πρόσωπο του καλλιτέχνη στη θέση του, αφού αυτό συνέβη;
—Είχατε πολλούς συμβούλους στη ζωή σας;
— Είχα μια πολύ σοφή γιαγιά. Με συμβούλεψε πολύ, αλλά παντρεύτηκα ενάντια στις συμβουλές της, αν και τη λάτρευα. «Αν τον παντρευτείς, θα πεθάνω», έτσι αντέδρασε η γιαγιά μου όταν αναγνώρισε τον πρώτο μου γαμπρό. «Εντάξει, γιαγιά, δεν θα βγω έξω, απλά μην πεθάνεις». Και μετά, κοιτάζοντας τη νύχτα, η γιαγιά μου είπε: «Δεν θα πεθάνω, κάνε ό,τι θέλεις».
— Φαινόταν ότι της άρεσε ο δεύτερος άντρας της;
- Ναι, η γιαγιά αγαπούσε τους όμορφους και επιχειρηματίες άντρες. Ο Αλέξανδρος είχε τη δική του επιχείρηση και, επιπλέον, με βοήθησε πολύ στη δουλειά μου. Σχεδίασε και πούλησε πίνακες ζωγραφικής. Η Σάσα έκοψε χοντρά περιγράμματα από κόντρα πλακέ 130 πινάκων. Αυτές ήταν σιλουέτες που κατασκόπευα στα αποσπάσματα ήταν άνθρωποι διαφορετικών χαρακτήρων, μια άμεση κοινωνική τομή της κοινωνίας. Οι άνθρωποι της δεκαετίας του '90 στη μετάβαση είναι διανοούμενοι, υπάλληλοι γραφείου, συνταξιούχοι που ξαφνικά έγιναν ζητιάνοι. Τους ένωσε η ανησυχία, η αστάθεια, βρέθηκαν στη θάλασσα. Αυτή ήταν μια μεταβατική περίοδος στην κοινωνία μας.
— Αυτό το θέμα έχει εξαντληθεί;
— Εν μέρει, φυσικά, ναι, αν και οι άνθρωποι έχουν γίνει διαφορετικοί, λιγότερο αγενείς. Η γενιά άλλαξε σε 10-12 χρόνια. Η Σάσα και εγώ χωρίσαμε και έμαθα να το κόβω μόνος μου, αν και η "εξαπάτηση" είναι ήδη ένα περασμένο στάδιο.
-Τι πιστεύεις ότι είναι αγάπη; Συνήθεια, εσωτερική κίνηση, ασθένεια;
- Όχι όχι. Δεν ξέρω τι είναι αγάπη. Ίσως αυτό είναι ένας εθισμός σε έναν άνθρωπο. Αγαπούσα τόσο τον πρώτο όσο και τον δεύτερο σύζυγό μου και δεν καταλαβαίνω πώς μπορείς να ζήσεις με έναν άντρα χωρίς αγάπη. Αν και πάντα περιμένω την αγάπη, την ανυπομονώ. Για μένα, η έννοια του «κανονισμένου γάμου» είναι αδύνατη. Δεν κάνω τίποτα με υπολογισμούς.
«Δεν ζωγραφίζεις καθόλου εικόνες για τη σαρκική αγάπη, αν και υποψιάζομαι ότι οι ρομαντικές σχέσεις με τους άντρες είναι μέρος της ζωής σου».
«Δεν ξέρω την πραγματική αλήθεια για την αγάπη και το σεξ». Όλα πάνε από μόνα τους. Αλλά όσο περισσότερο ζω, τόσο λιγότερο ξέρω πώς να ξεκινήσω μυθιστορήματα, πώς να τα τελειώσω ακίνδυνα και για τους δύο. Σε αντίθεση με τις συμβουλές των γυαλιστερών γυναικείων περιοδικών, μου αρέσει να αποκαλώ πρώτα τους άντρες, ειδικά τους όμορφους. Συχνά κατηγορώ τον εαυτό μου για αυτό. Η έλλειψη ρομαντισμού στη νεολαία επηρεάζει. Έκανα σχέση με έναν άντρα που ήταν πολλά χρόνια νεότερος μου. Μόλις επέστρεψα από τη Γερμανία, αγόρασα πολλά ρούχα - μοντέρνα και διαφορετικά, και, χωρίς να ξεπακετάρω τις βαλίτσες μου, έτρεξα στην Πιτσούντα. Συνάντησα έναν νεαρό στο τρένο. Έτσι, κατά τη διάρκεια των διακοπών, δεν ξεπακετάρωσα ποτέ αυτή τη βαλίτσα. Δεν υπήρχε χρόνος για μοντέρνα ρούχα.
- Λοιπόν, αν η αγάπη ξανασυμβεί, είσαι έτοιμος για αυτό; Τι γίνεται αν ένας άντρας θέλει να κάνει ένα παιδί μαζί;
«Εγώ ο ίδιος ονειρεύομαι ένα κορίτσι». Τώρα όλα μπορούν να μου συμβούν. Είμαι μια υγιής δυνατή γυναίκα. Υπάρχουν πολλές κυρίες στον κόσμο που γεννούν εύκολα στην ηλικία μου. Μόλις πρόσφατα έκανα ένα τεστ και το σώμα μου είναι σαν αυτό μιας 30χρονης γυναίκας. Ξέρεις πόσο χρονών είμαι τώρα; Είμαι πολλών χρονών...
— Για να μεγαλώσεις ένα παιδί χρειάζεσαι υγεία και χρήματα. Φανταστείτε ότι η ζωγραφική δεν είναι περιζήτητη. Πώς θα έβγαζες χρήματα;
- Ποτέ δεν ξέρεις. Δεν φοβάμαι τίποτα και έχω μια φυσιολογική στάση απέναντι στη σωματική εργασία. Μπορώ να κάνω τα πάντα: να καλλιεργήσω λαχανικά σε ένα θερμοκήπιο και να τα πουλήσω σε γείτονες. Μπορώ να τραγουδήσω, άλλωστε, σε νυχτερινά μαγαζιά που ανήκουν σε φίλους.
-Είσαι καλή νοικοκυρά; Αγαπάς το σπίτι σου;
— Είμαι πολύ δεμένος με ορισμένα πράγματα, λατρεύω τα παλιά έπιπλα. Λατρεύω τα λευκά και τα μπλε πιάτα. Φέρνω σετ από Γερμανία, Ιταλία και Τσεχία. Αγοράζω μόνο αντίκες. Μου αρέσει να περιποιούμαι τους καλεσμένους με καλά πιάτα. Αφού φύγω, καταλαβαίνω το ανούσιο της ιδέας - σπάνε τα πιάτα. Δεν έχω συνηθίσει να έρχονται μάγειρες, οπότε μπορώ να ετοιμάσω γρήγορα το δείπνο, μου αρέσει να ψήνω πίτες. Αυτό γίνεται γρήγορα, αφού η οικογένειά μου και εγώ αδιαφορούμε για το φαγητό, αν και αναγνωρίζω τη μαγειρική ως μορφή τέχνης, αλλά δεν ξεπερνώ την μπριζόλα με κρεμμύδια και πατάτες. Μου αρέσει να τουρσί νορβηγικό σολομό. Βάζω απλώς ένα κομμάτι ψάρι σε άλμη (αλάτι και ζάχαρη) για ακριβώς τρεις ώρες - και πηγαίνω στο τραπέζι. Μπορώ να συντηρήσω αγγούρια με σκόρδο, ντομάτες και κολοκυθάκια. Χαίρομαι όταν η παραγωγή μου εκτιμάται από τους επισκέπτες. Και στις μεγάλες γιορτές μπορώ να ψήσω ένα κέικ Ναπολέοντα σύμφωνα με τη συνταγή της γιαγιάς μου. Επτά στρώσεις κέικ γεμίζονται με κρέμα - και υπό φορτίο για μιάμιση έως δύο ημέρες.
— Τις Κυριακές, όλη η οικογένειά σας κάθεται στο τραπέζι, πίνετε ένα ποτό;
- Όχι, ούτε ο πρώτος μου σύζυγος, ούτε ο δεύτερος, ούτε τα παιδιά μου είναι εντελώς μη πότες. Και ο ίδιος το λατρεύω! Αλλά δεν θα πιεις μόνος σου.
- Λένε για σένα ότι είσαι φτιαγμένος από ισχυρό ατσάλι - μπορείς να ξεπεράσεις ό,τι θέλεις.
- Αυτό είναι απλώς μια εμφάνιση!
Συνέντευξη από τον Anatoly MELIKHOV
Φωτογραφίες που χρησιμοποιήθηκαν στο υλικό: ANATOLIYA MELIKHOVAΕργάστηκε υπό την ηγεσία του Korzhev.
Μεγάλο ενδιαφέρον για τον ερευνητή είναι το είδος
πίνακες με αυτοπροσωπογραφίες του T. Nazarenko. Υπάρχει πολλή διαμάχη για αυτόν τον καλλιτέχνη. Κάποιοι βλέπουν ορθολογισμό και νηφάλιο υπολογισμό στα έργα της, άλλοι βλέπουν φλογερή εμμονή, ένα ζωντανό δημιουργικό πάθος.
Λουλούδια. Αυτοπροσωπογραφία. 1979
Μας φαίνεται ότι περιέχουν και τα δύο. Και αυτό εκδηλώνεται ιδιαίτερα ξεκάθαρα και έντονα στους πίνακες του Nazarenko, οι οποίοι περιλαμβάνουν μια αυτοπροσωπογραφία. Και σχεδόν όλοι οι πίνακές της το περιλαμβάνουν, συμπεριλαμβανομένων ιστορικών ("Εκτέλεση του Narodnaya Volya", "Οι Παρτιζάνοι ήρθαν"). Ο ρόλος της αυτοπροσωπογραφίας φαίνεται ιδιαίτερα ενεργός και αποτελεσματικός στους πίνακες «Οι σύγχρονοί μου», «Συνομιλία», «Νέοι καλλιτέχνες», «Γιαγιά και Νικόλκα», «Πρωτοχρονιά», «Τσάϊ Πάρτι στον Πολένοφ». Καθένα από αυτά αποκαλύπτει, ή τουλάχιστον θέτει, πολύ σημαντικά προβλήματα της ανθρώπινης ύπαρξης. Υπάρχουν δύσκολες σκέψεις εδώ για το νόημα της ζωής και της δημιουργικότητας, την αλλαγή γενεών, το αναπόφευκτο του θανάτου, κ.λπ. Πιστεύουμε ότι σε κάθε περίπτωση η Nazarenko παρουσίασε κάποιο οικείο κομμάτι της προσωπικής της ζωής, τη δική της βιογραφία (ναι, αυτό είναι προφανώς η περίπτωση). Πιστεύουμε ότι κάθε κατάσταση δεν είναι μόνο καλά μελετημένη, αλλά και βαθιά βιωμένη και υποφερτή. Και ως εκ τούτου, οι αυτοπροσωπογραφίες που περιλαμβάνονται στους πίνακές της θεωρούνται δεδομένες, ως αναπόσπαστο μέρος της σύνθεσης. Η συμπερίληψη μιας αυτοπροσωπογραφίας στον πίνακα έγινε απαραίτητη δημιουργική ανάγκη για τον Ναζαρένκο. «Σε έναν από τους... πίνακές μου «Μετά τις Εξετάσεις», φοβόμουν ότι η αυτοπροσωπογραφία μου ήταν κάπως κουρασμένη ή, μάλλον, απλώς δεν ταίριαζε στη δεδομένη κατάσταση (μια ομάδα μαθητών), αν και ένιωθα ότι θέση εκεί, προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν άλλο χαρακτήρα. Ήταν μια επώδυνη και πολύ μη ικανοποιητική αντικατάσταση», θυμάται ο καλλιτέχνης.
Με όλα αυτά, ωστόσο, είναι αξιοσημείωτο ότι καθεμία από τις αυτοπροσωπογραφίες που περιλαμβάνονται στους πίνακες του Ναζαρένκο ζει σε έναν ιδιαίτερο ψυχολογικό χώρο, απομονωμένο από άλλους χαρακτήρες. Αισθανόμαστε σε αυτούς όχι τόσο έναν άμεσο συμμετέχοντα στο εικονιζόμενο γεγονός, αλλά μάλλον έναν ιδιαίτερο χαρακτήρα που κοιτάζει τους συντρόφους τους, αν και όχι με αδιαφορία, αλλά με μια εξωτερική ματιά. Η ηρωίδα, προικισμένη με τα χαρακτηριστικά πορτρέτου ενός καλλιτέχνη, σκέφτεται πάντα. Μερικές φορές το βλέμμα της στρέφεται σε εμάς. Ακριβώς όπως στις προαναφερθείσες συνθέσεις των δασκάλων της Αναγέννησης. Και εκφράζει την ίδια αιώνια ερώτηση: «Τι πιστεύεις για αυτό;»
Ο Πουγκάτσεφ. Δίπτυχο.
Στο δίπτυχο «Πουγκατσόφ», επιλέγεται μια οξεία σύγκρουση, δραματική στιγμή: ο Εμέλιαν Πουγκάτσεφ οδηγείται σε κλουβί στον τόπο της εκτέλεσης στη Μόσχα. Και δεν είναι μόνο κάποιος που είναι τυχερός, αλλά ο νεαρός Σουβόροφ. Τι είναι όμως αυτό το παράξενο θέαμα που εκτυλίσσεται μπροστά στα μάτια μας; Οι κομψά ντυμένοι απρόσωποι στρατιώτες είναι σαν ετερόκλητα παιχνίδια. Και ο Σουβόροφ σε λευκό άλογο μοιάζει με κούκλα. όλη του η εμφάνιση μοιάζει τόσο με τις αμέτρητες εικόνες του που μοιάζει να στερείται ατομικών χαρακτηριστικών και γίνεται σημάδι, διάγραμμα. Και το άλογό του δεν περπατά, αλλά φαίνεται να επιπλέει στον αέρα, και τα εύθραυστα, άψυχα χέρια του δεν κρατούν τα ηνία του παιχνιδιού... Και αμέσως όλη αυτή η ιστορία παίρνει τα χαρακτηριστικά μιας φαντασμαγορίας, και δεν είναι πια άνθρωποι που διαπράττουν ορισμένες ενέργειες, αλλά μερικές μαριονέτες συμμετέχουν σε κάποιο είδος παιχνιδιού που δεν επινόησαν.
Η ζωγραφική δομή αυτού του καμβά είναι επίσης σκόπιμη, θυμίζοντας ζωγραφική ολογραφία. Τα αιωρούμενα σύννεφα είναι πολύ παχουλά, και το χρυσό χρώμα των λόφων και των μακρινών κτιρίων είναι εξαιρετικά παχύ, και οι μπλε-κόκκινες-λευκές φορεσιές των στρατιωτών και η φιγούρα του Πουγκάτσεφ με ένα κόκκινο πουκάμισο που υψώνεται πάνω από τα κεφάλια τους είναι γραμμένα ανοιχτά, άκρως αντίθετοι τόνοι...
Και το δεύτερο μέρος του δίπτυχου, που περικλείεται στο ίδιο πλαίσιο, φαίνεται εντελώς διαφορετικό. Πρόκειται για ένα μακρύ κατακόρυφο πάνελ, ζωγραφισμένο στην παράδοση του trompe l'oeil του 18ου αιώνα. Σκούρο χρώμα "μουσείου", προσεκτικά γραμμένα χαρτιά κρυμμένα πίσω από μια κορδέλα, πολλά πορτρέτα που χρονολογούνται από την εποχή της εξέγερσης του Πουγκάτσεφ, ένα κομμάτι παλιό μπροκάρ, πολλά βιβλία, ένα λιωμένο κερί σε ένα κηροπήγιο... Όλα είναι πολύ σοβαρά, προσεκτικά γραμμένο, όλα μοιάζουν να κουβαλούν ψιλή σκόνη περασμένων εποχών, ίχνη από το άγγιγμα των ανθρώπων που δημιούργησαν αυτά τα πράγματα.
Δεκεμβριστές. Εξέγερση του συντάγματος Chernigov. 1976
Δεν υπάρχει στιγμιαία εμπειρία στους ιστορικούς πίνακες του Ναζαρένκο. Εξετάζουμε μακροχρόνια γεγονότα μέσα στο χρόνο και ό,τι συμβαίνει φαίνεται να φωτίζεται, να παγώνει, να ξεφεύγει από τις καθημερινές αντιξοότητες και να αποκτά τη σαφήνεια και την πληρότητα ενός συμβόλου.
Η ίδια δυαδικότητα υπάρχει και στα ομαδικά της πορτρέτα. Οι χαρακτήρες τους είναι αναγνωρίσιμα πορτρέτα, οι συγκρούσεις είναι πιστευτές:
Πρώτο καλοκαίρι. 1987
νεανικές διακοπές, κουβέντες στο εργαστήριο... Και ταυτόχρονα, υπάρχει κάτι μυστήριο μέσα τους, μετατρέποντας τις καθημερινές σκηνές σε ρομαντικές φαντασιώσεις. Έτσι, το παρελθόν και το παρόν ενώνονται στενά στο τρίπτυχο «Ζωή» (1983).
Και πάλι, ο καλλιτέχνης υλοποιεί σκέψεις και συναισθήματα, απεικονίζει τα αντικείμενα που προκαλούν αυτές τις σκέψεις. Και στους τρεις καμβάδες που συνθέτουν τη σύνθεση του τρίπτυχου υπάρχει μια γιαγιά, ήδη πολύ μεγάλη, ζαρωμένη, που στηρίζει το γκρίζο κεφάλι της με τα κλειστά της χέρια. Και η ζωή της περνάει μπροστά στα μάτια της. Αλλά η Τ. Ναζαρένκο δεν θα ήταν αληθινή με τον εαυτό της αν δεν είχαν συγκλίνει απτές και φυσικές πραγματικότητες στον κόσμο που απεικόνιζε. που είναι ορατά μόνο στο πνευματικό βλέμμα, αν η γραμμή ανάμεσα στο παρελθόν και το παρόν δεν ήταν ασταθής...
Η Anna Semyonovna Abramova πέθανε στη Μόσχα σε ηλικία 89 ετών, έχοντας ζήσει για να δει το έργο της Tanya να αναγνωρίζεται, έχοντας δει τις φωτογραφίες της σε εξώφυλλα περιοδικών, αναπαραγωγές των έργων της σε βιβλία.
Τα έργα του T. Nazarenko περιέχουν τη δύναμη της πειθούς και την ικανότητα να μεταφράζει τις ιδέες του σε ολοκληρωμένες εικόνες. Εδώ είναι ένα οξυδερκές μάτι και μια πτήση φαντασίας, οι αντανακλάσεις του σύγχρονου μας και η αιώνια επιθυμία για αγάπη και αμοιβαία κατανόηση. Και υπάρχει επίσης η ιδέα στα έργα της ότι αυτές οι επαφές δεν είναι τόσο απλές για έναν σύγχρονο άνθρωπο. Και αυτός είναι ο λόγος που τόσο συχνά στους πίνακες του Nazarenko οι κοντινοί άνθρωποι είναι τόσο μακριά ο ένας από τον άλλο και απλωμένα χέρια κρέμονται στον αέρα.
Ό,τι κι αν γράψει -και το εύρος των θεμάτων της είναι ασυνήθιστα ευρύ, δουλεύει με την ίδια ένταση σε έναν ιστορικό πίνακα και σε σκηνές νεανικών διακοπών, σε πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση- φέρνει στα έργα της κάτι άπιαστο και αναμφίβολα δημιουργώντας είναι προϊόν των ημερών μας, ο τρόπος σκέψης του σύγχρονου μας. Ο θεατής νιώθει τον χρόνο να πάλλεται στην τέχνη της.
Ο T. Nazarenko είναι ένας από τους καλλιτέχνες που το ταλέντο τους αποκαλύφθηκε τη δεκαετία του εβδομήντα. Φωτεινά δημιουργικά άτομα αναπτύχθηκαν και ωρίμασαν αυτά τα χρόνια. Οι δυσκολίες έσπασαν τους αδύναμους και ενίσχυαν τους δυνατούς. Η Τατιάνα Ναζαρένκο είναι από τις δυνατές.
Μεγάλο παράθυρο. 1985
Ο πίνακας «Μεγάλο Παράθυρο» (1985) του καλλιτέχνη της Μόσχας T. Nazarenko είναι σημαντικός, εγείροντας σοβαρά ηθικά προβλήματα που συνδέονται με τη σημερινή μέρα της ζωής μας. Εδώ το πρόβλημα της αυτογνωσίας, της ευημερίας του σύγχρονου ανθρώπου στον κόσμο γύρω του, της συναισθηματικής επαφής με την πραγματικότητα, με τη φύση, με τον αντικειμενικό κόσμο λύνεται σαν από αντίφαση: αντί για σιωπή, ειρήνη, διαύγεια, αρμονία που εξευγενίζει την ψυχή - ψυχρή ένταση, ακαμψία, δυσαρμονία αντιθέσεων, εντυπωσιακή ασυμβατότητα πνευματική και υλική, που τονίζεται από την εικόνα ενός κούφιου μανεκέν στο περβάζι, το τρομακτικό κενό του αντικειμενικού κόσμου, τη δυσφορία της ανθρώπινης ύπαρξης σε αυτό το περιβάλλον. Στη σκληρή γυμνή αμεροληψία μιας αυτοπροσωπογραφίας (ένα κουρασμένο, χλωμό πρόσωπο που καθρεφτίζεται στον καθρέφτη, ένα βλέμμα χωρίς σπίθα έμπνευσης), στα ψυχρά χρώματα και τις στεγνές γραμμές του τοπίου που ανοίγει έξω από το παράθυρο, στην αδιάφορη σύγκρουση του Εργοστάσιο της Μόσχας, βιομηχανική καινούργια και αρχαιότητα του Κρεμλίνου, στα πολλαπλά αξεσουάρ της καθημερινής καλλιτεχνικής εργασίας.
Μια μέρα η Τατιάνα Ναζαρένκο -και κάθε καλοκαίρι ζει σε ένα χωριό κοντά στην Τούλα- συνάντησε ένα εγκαταλελειμμένο στεγνωτήριο σιτηρών. Ζήτησα από τον σύζυγό μου να βγάλει μια φωτογραφία: δεν θα μπορούσατε να φανταστείτε ένα φωτεινότερο σύμβολο της σοβιετικής εποχής! Αποφάσισα να χρησιμοποιήσω οπωσδήποτε το στεγνωτήριο σιτηρών στην εγκατάσταση σε καμβά.
— Δυστυχώς, άρχισα να καταλαβαίνω τον ίδιο Ίλια, που κάνει τις εγκαταστάσεις του εδώ και πολύ καιρό. Είναι πολύ πιο ενδιαφέρον από το απλό σχέδιο. Έρχομαι σε αυτό τώρα.
Για να αφοσιωθείς στην πραγματική ζωγραφική, χρειάζεσαι διαφορετική νοοτροπία και χώρα. Πρόσφατα ήμουν σε ένα μεγάλο ευρωπαϊκό μουσείο. Και έπιασα τον εαυτό μου να σκέφτεται: Θα έρθω τώρα στο χωριό, θα πάρω έναν καμβά και θα γράψω με ευχαρίστηση ανάμεσα στο νερό των κρεβατιών. Και μετά συγκέντρωσα τον εαυτό μου: καλά, θα γράψω, αλλά τι μετά; Περιμένετε έναν αγοραστή;
- Αλλά τι γίνεται με την έμπνευση, από εκείνη που είναι αδύνατο να αναπνεύσει;
— Α, δεν μου αρέσει η λέξη «έμπνευση». Δεν μπορώ να πω ότι είναι αδύνατο να ζήσεις χωρίς να αγγίξεις τον καμβά. Ισως. Αλλά η δημιουργική διαδικασία είναι πάντα λίγο διαφορετική από αυτό που λένε και γράφουν.
— Αν κρίνουμε από το κόντρα πλακέ «Πορτρέτο της Αικατερίνης ΙΙ», που παρουσιάστηκε πρόσφατα στο New Manege, έχετε αλλάξει εντελώς την παραδοσιακή ζωγραφική;
- Δεν πρόκειται για προδοσία. Ο καλλιτέχνης πρέπει να εγκαταλείψει την αντίληψή του για τον κόσμο. Και έτσι αντιλαμβάνομαι ακριβώς την πραγματικότητά μας στα τέλη της δεκαετίας του '90. Γι' αυτό δεν ζωγραφίζω πορτρέτα «νέων Ρώσων». Είναι ενδιαφέρον μόνο να γράφεις εκεί
μεταξωτά φορέματα. Τα πρόσωπα δεν εκφράζουν τίποτα. Επομένως, ακόμα κι αν τώρα γράφω κάτι ειδικά προς πώληση - δεν θα μπορείτε να ζήσετε πολύ καλά με τη σύνταξη ενός ακαδημαϊκού μερικών εκατοντάδων ρούβλια - αυτά είναι νεκρές φύσεις. Λουλούδια. Συμβαίνει να πουλάω τα παλιά μου αγαπημένα έργα. Όχι όμως το «Πουγκατσόφ», το οποίο αφαίρεσαν οι Σοβιετικοί αξιωματούχοι από τις εκθέσεις.
Κορίτσι τσίρκο. 1984
— Τότε γιατί πούλησες το περίφημο «Circus Girl» σου;
- Αυτός είναι ο άντρας μου. Ήμουν στην Αμερική τότε. Και όταν μου τηλεφώνησε και μου το είπε, ήμουν έτοιμος να τον σκοτώσω. Γενικότερα, αποχωρίζομαι πολύ δύσκολα τα έργα μου. Ειδικά αν έρθει ένα πλήθος από σύγχρονες θείες που κελαηδούν, που ψαχουλεύουν τα έργα και προσπαθούν να κατεβάσουν τις τιμές. Η αίσθηση του παζαριού παραμένει. Αν και φαίνεται άβολο να αρνηθούν, έρχονται γιατί γνωρίζονται.
Μια μέρα έπρεπε να πουλήσω ένα έργο ενάντια στις επιθυμίες μου. Όταν είπα ότι αυτή ήταν η αγαπημένη μου νεκρή φύση, μια σπιτική, ένας από τους κυρίους που ήρθαν είπε: «Αλλά ο Πιότρ Ιβάνοβιτς μπορεί να τα καταφέρει για να μην πετάξεις πουθενά». Και έπρεπε να πάω στο Παρίσι. Γέλασα: τώρα είμαι ελεύθερος, θα πετάξω μέσω της Ουκρανίας. Και μου απάντησαν: «Αλλά ο Πιότρ Ιβάνοβιτς μπορεί να βεβαιωθεί ότι το αεροπλάνο δεν θα τα καταφέρει». Τρόμαξα πραγματικά, Θεέ μου, που μου έφεραν μαφιόζο;! Έτσι, προς λύπη μου, αναγκάστηκα να πουλήσω αυτό το έργο. Η υψηλή τιμή δεν τους εμπόδισε καν.
- Και έτσι γιορτάζετε την επέτειό σας - με κάποιο είδος σύγχυσης στην ψυχή σας;
- Ζω έτσι όλη την ώρα. Και στις αρχές της δεκαετίας του ενενήντα, όταν η χώρα κατέρρευσε και υπήρχε ένα αίσθημα αχρηστίας, και το ’85, όταν δεν μου επέτρεπαν να φύγω στο εξωτερικό και φαινόταν ότι η ζωή είχε τελειώσει. Θυμάμαι επίσης την πρωινή απόγνωση στις αρχές του τρέχοντος έτους, όταν έμαθα ότι, με εντολή υπαλλήλων, αφαιρέθηκε το αβλαβές μνημείο μου από κόντρα πλακέ «Εργάτης και αγρότης», που βρισκόταν στην είσοδο του Manege κατά τη διάρκεια της έκθεσής μου. Κάποιοι νόμιζαν ότι δεν υπήρχε θέση για αυτόν κοντά στο Κρεμλίνο. Ένιωσα όπως πριν από πολλά χρόνια όταν αφαιρέθηκαν οι πίνακές μου από την έκθεση. Συνάντησα πρόσφατα έναν από αυτούς τους αξιωματούχους της τέχνης. Δεν περίμενα να με γνωρίσω ως ακαδημαϊκό. Ευδοκιμεί...
Νικολάι ΕΦΙΜΟΒΙΤΣ.
Η καλλιτέχνης Tatyana Nazarenko έχει δημιουργήσει τη δική της παράδοση: για πέμπτη χρονιά γιορτάζει την ονομαστική της εορτή - Ημέρα της Τατιάνας, 25 Ιανουαρίου - με μια έκθεση νέων έργων. Το πρώτο πραγματοποιήθηκε στην γκαλερί Tretyakov, το σημερινό - "My Paris" ανοίγει στην γκαλερί Manege, στην Κεντρική Αίθουσα Εκθέσεων.
Το ταλέντο του Nazarenko καλύπτει όλα τα είδη ζωγραφικής. Και περιμένεις εκπλήξεις από κάθε έκθεσή της.
Πέρυσι, η Nazarenko δημιούργησε την ψευδαίσθηση μιας υπόγειας διάβασης στην έκθεσή της, γεμίζοντας την με ένα πλήθος επώδυνα οικείων προσώπων. Οι ήρωές της μοιάζουν να έχουν ξεφύγει από τους πίνακες ζωγραφικής, γίνονται «ψεύτικες» φιγούρες από κόντρα πλακέ, σαν αυτές που τοποθετούν δίπλα τους οι φωτογράφοι του δρόμου. Τα γλυπτά από κόντρα πλακέ μπορούν να μετακινηθούν και να αντικατασταθούν. Η υποδοχή μόνο επιφανειακά μας θυμίζει street kitsch. Κάθε φιγούρα έγινε ένα είδος κοινωνικού πορτρέτου, που αντανακλούσε τα ακριβή σημάδια της εποχής. Η έκθεση «Transition» έχει ήδη επισκεφτεί τις ΗΠΑ και τώρα συνεχίζει το ταξίδι της στη Γερμανία.
Η Τατιάνα Ναζαρένκο έζησε στο Παρίσι πέρυσι την άνοιξη. Χωρίς την τουριστική βιασύνη, με οικογένεια, στους κανονικούς ρυθμούς της ζωής της πόλης. Και, όπως λέει, ένιωθε ήρεμη και άνετη εκεί. Η νέα έκθεση είναι το αποτέλεσμα αυτού του ταξιδιού και η συνέχεια του πειράματος με τη ζωγραφική και τη γλυπτική σε κόντρα πλακέ.
Ο καλλιτέχνης ανάμεσα στους παριζιάνικους χαρακτήρες του.
Ο καθένας έχει το δικό του Παρίσι. Ο Ναζαρένκο ενδιαφέρθηκε για τους Παριζιάνους. Οι σημερινοί χαρακτήρες του είναι φοιτητές, αστοί, νέοι fashionistas με μικρά μαύρα φορέματα, σερβιτόροι, έμποροι, ιερόδουλες, καλόγριες, ένας μύλος οργάνων... Μπροστά μας υπάρχουν διάφοροι τύποι δρόμων της πόλης: μέρα και βράδυ, σε ένα καφέ, σε ένα πάρκο, σε παλαιοβιβλιοπώλη. Και ανάμεσα σε αυτά τα γλυπτά από κόντρα πλακέ, όπως μπορείτε να δείτε στη φωτογραφία, η ίδια η καλλιτέχνης είναι πολύ φυσικά τοποθετημένη.
Αν στο περσινό «Transition» σας καταπίεζε το γκρι φόντο, εδώ τα έντονα χρώματα παίζουν σε χρωματιστά αεροπλάνα. Αλλά η ονομαστική κλήση των εκθέσεων δεν περιορίζεται καθόλου στην αντίθεση. Ο Ναζαρένκο δεν έχει την τάση να είναι ευθύς. Της αρέσουν οι Παριζιάνες, αλλά δεν τους κολακεύει.
Ίνγκα ΠΡΕΛΟΒΣΚΑΓΙΑ
Είναι γενικά αποδεκτό ότι είναι η πιο λαμπερή σταρ μεταξύ των σύγχρονων Ρώσων καλλιτεχνών. Πίνακες ζωγραφικής στις συλλογές του Ρωσικού Μουσείου και της Πινακοθήκης Τρετιακόφ και διάσημες ιδιωτικές συλλογές. Βραβευμένος με Κρατικό Βραβείο, αντεπιστέλλον μέλος της Ακαδημίας Τεχνών και καθηγητής στο Ινστιτούτο Surikov. Όλα αυτά είναι η Τατιάνα Ναζαρένκο.
Φιγούρες από κόντρα πλακέ ασυμπαθητικών κατοίκων των υπόγειων διαδρομών της Μόσχας, «ψεύτικα» μνημεία του LUZHK0VU με φτυάρι, Kirkorov και άλλες εγκαταστάσεις. προκαλώντας οργή στους κριτικούς αισθητικής. Αυτή είναι και η Τατιάνα Ναζαρένκο,
Ο Άγιος Πέτρος στο έργο «12 καλά έργα».
Η XIV Έκθεση Τέχνης της Μόσχας «Art Manege» πραγματοποιήθηκε στην Κεντρική Αίθουσα Εκθέσεων «Manege» Πριν από δεκατέσσερα χρόνια ξεκίνησε ως ένα πολύ φιλόδοξο έργο, απόδειξη της βιωσιμότητας της ρωσικής αγοράς τέχνης. Αλλά αρχικά, η ιδέα φυτεύτηκε με μια παμφάγα βόμβα: η τέχνη του σαλονιού εδώ συνυπήρχε με τα περίπτερα των γκαλερί με ψηλά φρύδια. Η κιτς λάμψη και η πνευματική φτώχεια που συνδύασαν το Art Manege βοήθησαν στην άνοδο του αστεριού του «Art-Moscow: peer-to-peer ανταγωνιστές, που πραγματοποιήθηκε στο Central House of Artists. Το Art Manege προσπάθησε να σώσει τη φήμη του - είτε με την έγκριση ενός συμβουλίου εμπειρογνωμόνων, με επικεφαλής έναν ειδικό με παγκόσμια φήμη, τον Viktor Misiano, είτε
προσκαλώντας επιμελητές (που είναι ανοησίες για μια έκθεση) από τον καλλιτέχνη Alexander Yakut στον γκαλερίστα Vladimir Ovcharenko. Δεν βοήθησε. Και το «Manege» έχει αποκηρύξει τις αξιώσεις για ανύψωση εδώ και αρκετά χρόνια, εκπροσωπώντας όλα όσα υπάρχουν (ακριβέστερα, εκείνους που πλήρωσαν χρήματα για να νοικιάσουν τον ιστότοπο). Μόλις πριν από λίγα χρόνια, οι εκθέτες της Art Moscow μπήκαν στο Manezh για να διαπιστώσουν την ανικανότητα των αντιπάλων τους, παρελαύνοντας με αλαζονικό βλέμμα. Ωστόσο, λόγω της οικονομικής κρίσης και των τελωνειακών προβλημάτων, αποδείχθηκε ανεπιτυχής. Έτσι στο σημερινό βερνισάζ θα μπορούσε κανείς να συναντήσει ακτιβιστές της σύγχρονης τέχνης που, με κρυφή αμηχανία, ρωτούσαν ο ένας τον άλλο: «Κι εσύ
Τι κάνεις εδώ; Δηλαδή, το Art Manege, στην ουσία, δεν έγινε καλύτερο, αλλά παρέμεινε μια πιθανή πλατφόρμα για την αγορά.
Και αυτή τη φορά υπήρχε κάτι να δει ακόμα και ένας ειδικός. Ωστόσο, το καλύτερο δεν αντιπροσωπεύεται εδώ από την ψευδομοντέρνα τέχνη, αλλά από τον μοντερνισμό και τη «δεύτερη πρωτοπορία» των αντικομφορμιστών. Καλύτερο έργο «Τέχνη τριών δεκαετιών. 1910 - 1930» είναι γενικά μη εμπορική. Το «Fine Art Collectors Club» παρουσίασε αντικείμενα καλλιτεχνών του πρώτου τρίτου του περασμένου αιώνα από ιδιωτικές συλλογές. Η έκθεση έγινε από τον πρόεδρο του συλλόγου, Valery Dudakov, έναν από τους καλύτερους ειδικούς στην αγορά των αντίκες. Nadezhda Lermontova,
Βέρα, Μιχαήλ... Τα ονόματα είναι εντυπωσιακά, αν και τα πράγματα δεν είναι τόσο πολλά. Και η «Πινακοθήκη SHPENGLER» (σε μια προηγούμενη ζωή γνωστή ως «Παλιά Χρόνια»), γνωστή για τη συνεχή συνεργασία της με την Πινακοθήκη Τρετιακόφ, έδειξε τα αγαπημένα της - από τον μαθητή του Μπουρλιούκ, τον μετανοημένο μελλοντολόγο των Ουραλίων Βίκτορ Ουφίμτσεφ, μέχρι τον υπόγειο αφαιρετικό του Δεκαετία του '60 Valentin Okorokov. Όπως πάντα, το "Pan Dan" - με τους δικούς του, Yakovlev και. Η νεοσύστατη «Gallery on Vspolny», που ανήκει στην «Εταιρεία για την Ενθάρρυνση των Τεχνών», επίσης συνδεδεμένη με την Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, παρουσίαζε τον Plavinsky, αρκετά μουσειακής ποιότητας. Στο περίπτερο του New Manege, ο Lev Melikhov, ένας χρονικογράφος του underground, εξέθεσε τις φωτογραφίες του από τα σχολικά βιβλία του.
Λοιπόν, δύο επιτυχίες της έκθεσης: η έκθεση «InArtis» με μεταξοτυπίες του Andy Warhol (κυκλοφόρησε και ανυπόγραφο, αλλά έγινε με την ευλογία του συγγραφέα) και «Zebra Bliss: παλαιότερα γνωστό ως «Museum of Bookplates» - δεν πρόκειται για βιβλιοθήκες, αλλά για υπέροχα αντικείμενα του κλασικού γαλλικού «νέου ρεαλισμού» «Ο Αρμάν, ο καλλιτέχνης γκράφιτι Κρίκι και ακόμη και ο Κιθ Χάρινγκ, ο διάσημος Αμερικανός «νέο κυματισμός».
Σε γενικές γραμμές, αποδείχθηκε ότι δεν ήταν ενοχλητικό. Και οι ζωντανοί Ρώσοι καλλιτέχνες εκπροσωπήθηκαν από άξια ονόματα και άξια έργα: Τατιάνα Ναζαρένκο, Κλάρα Γκολίτσινα, Κονσταντίν Σουτιαγίν, Αλεξάντερ Σεφτσένκο...
Αλλά ο Θεός ελέησον, αυτό έπρεπε να ψάξουμε
σε συνολική έκταση 5000 τετραγωνικών μέτρων.
Λοιπόν, αν θέλετε ανακαλύψεις και νέες εμφανίσεις, θα λάβετε όλες τις ετικέτες τιμών και τις ετικέτες τιμών. Ένα πανηγύρι είναι σαν ένα πανηγύρι. Παρεμπιπτόντως, όπως προβλεπόταν, οι αντικομφορμιστές μας πουλούσαν όλο και περισσότερο. Οι περισσότερες γκαλερί άγνωστες στο φωτισμένο κοινό δεν πλήρωσαν για τα περίπτερά τους. Όμως, σε αντίθεση με το Art Moscow: την έκθεση Art Manege, δεν δημοσιοποιεί τα εμπορικά του αποτελέσματα. Είναι ντροπαλός, έτσι δεν είναι;
Φέντορ Ρόμερ.
Δεκάδες καμβάδες, που κρύβονται μεταξύ τους, στοιβάζονταν πάνω σε έναν από τους τοίχους του στούντιο. Και πριν προλάβει η καλλιτέχνιδα να στραφεί προς το μέρος μου το επόμενο έργο της, διάβασα τον τίτλο του, σαν να κοιτούσα τον πίνακα περιεχομένων ενός άγνωστου βιβλίου.
"Ουζμπεκικός γάμος" - διάβασα σε ένα φορείο. Και ενώ η Τατιάνα Ναζαρένκο ξεδιπλώνει σιγά σιγά τον καμβά, έχω χρόνο να χαρώ με το θέμα, όπως μου φαίνεται, που δημιουργήθηκε για το γυναικείο περιοδικό μας. Αλλά εδώ είναι η εικόνα μπροστά μου. Κοιτάζω και με κυριεύει κάποιο ακατανόητο άγχος. Γιατί; Οπου; Εξάλλου, δεν φαίνεται να υπάρχει τίποτα τραγικό στον καμβά: κοντά σε ένα χαμηλό φυσητήρα, μουσικοί ζωγραφισμένοι κάπως παροδικά καλούν τους ανθρώπους σε οικογενειακές διακοπές, δίπλα σε ένα αδύνατο, χλωμό αγόρι που καλύπτει το δρόμο προς το σπίτι με λουλούδια. Αριστερά, στη γωνία της εικόνας, είναι οι καλεσμένοι. Άνθρωποι διαφορετικών ηλικιών, διαφορετικών ιδιοσυγκρασιών, αντιλαμβάνονται την επερχόμενη γιορτή διαφορετικά: άλλοι είναι ανοιχτά χαρούμενοι, άλλοι είναι απλά περίεργοι. Και όλα αυτά είναι αυθεντικά και πολύχρωμα. Τι συμβαίνει λοιπόν; Από πού προέρχεται αυτό το επίμονο προαίσθημα προβλημάτων; Ίσως όλα έχουν να κάνουν με το ανησυχητικό κόκκινο φόντο της εικόνας ή το θλιμμένο πρόσωπο του αγοριού; σκορπίζοντας λουλούδια; Ή μήπως καλεσμένοι; Είναι σαν να αργούν εσκεμμένα να περάσουν το κατώφλι ενός σπιτιού που είναι προετοιμασμένο για τις διακοπές.
Μιλάω για αυτό στην Τατιάνα Γκριγκόριεβνα
Ναι, σε αυτόν τον γάμο», λέει, «συνέβη ένα τραγικό γεγονός - ο πατριός της νύφης πέθανε. Ένας υπέροχος άνθρωπος που την μεγάλωσε και τη μόρφωσε. Προφανώς, αυτή η οδυνηρή εντύπωση, την οποία προσπάθησα να μην σκέφτομαι ενώ εργαζόμουν στον πίνακα, είχε αποτέλεσμα...
Λοιπόν, προφανώς, για κάθε αληθινό καλλιτέχνη, η αλήθεια της ζωής και η αλήθεια της τέχνης είναι αχώριστες.
Η Tatyana Nazarenko, απόφοιτος του Ινστιτούτου Surikov, έκανε το ντεμπούτο της σε εκθέσεις κατά τη διάρκεια των φοιτητικών της χρόνων με τον πίνακα «Mother with Child» (1966) και «Motherhood». Αυτός ο δεύτερος πίνακας, ζωγραφισμένος το 1968, ήταν επίσης το διπλωματικό έργο του καλλιτέχνη. Την ίδια χρονιά δημιουργήθηκε ο «Ουζμπεκικός Γάμος».
Φοιτητόκοσμος.
Σε μεταγενέστερα έργα, όπως «Νέοι καλλιτέχνες», «Φοιτητές», «Οι σύγχρονοί μου», «Μετά την εξέταση», «Καλεσμένοι στον κοιτώνα», ο συγγραφέας δεν προσελκύθηκε τόσο από την πλοκή όσο από το βάθος των ψυχολογικών χαρακτηριστικών .
Μετά την εξέταση.
Και όμως, το έργο του Nazarenko "The Execution of Narodnaya Volya" έλαβε τη μεγαλύτερη φήμη. Η νεαρή καλλιτέχνης κατάφερε με τον δικό της τρόπο να κατανοήσει το τραγικό θέμα του Narodnaya Volya, του οποίου το ηθικό ύψος πάντα θαύμαζε.
Αυτή η εικόνα, σε κάποιο βαθμό, συνόψισε τα χρόνια σπουδών στο ινστιτούτο, όπου δάσκαλοι του νεαρού καλλιτέχνη ήταν οι διάσημοι ζωγράφοι A. Gritsay και D. Zhilinsky. Αλλά ταυτόχρονα σπούδασε με Ιταλούς και Γερμανούς δασκάλους της πρώιμης Αναγέννησης. Δεν είναι εδώ ο ουρανός στο "The Execution of Narodnaya Volya" είναι το χρώμα μιας ξεθωριασμένης αναγεννησιακής τοιχογραφίας - γαλάζιο; Και στα πορτρέτα των συγχρόνων του Ναζαρένκο, όχι, όχι, και θα περιβάλλει το πρόσωπό του με ένα γιακά. που θυμίζει ισπανικό φούτερ.
Ο καλλιτέχνης ελκύεται τόσο από το είδος, το πορτρέτο, όσο και από την ιστορική σύνθεση. Έχει όμως πίνακες που τους αντιλαμβάνεσαι ως ποίηση, ως μουσική. Το κύριο πράγμα σε αυτά είναι η διάθεση. Ένας από αυτούς τους πίνακες είναι το «Βράδυ στην Ταρούζα». Η μοναξιά και η απώλεια παραμονεύουν σε μικροσκοπικά σπίτια μακριά το ένα από το άλλο, περιτριγυρισμένα από λιτά πεύκα όταν η λαχτάρα για το εγκαταλελειμμένο σπίτι ξεπερνά όλα τα άλλα συναισθήματα.
«Αποχαιρετισμός στον Χειμώνα», «Συνάντηση προσκεκλημένων στο κρατικό αγρόκτημα της Μολδαβίας», η λυρική αφήγηση «Πρωτοχρονιάτικες γιορτές», η νεκρή φύση «Λουλούδια στο εργαστήρι» και «Στο εργαστήριο» λύθηκαν σε ένα εντελώς διαφορετικό, βασικό κλειδί. Για τα δύο τελευταία έργα της, η Τατιάνα Ναζαρένκο τιμήθηκε με το πρώτο βραβείο στον Διεθνή Διαγωνισμό Νέων Ζωγράφων στη Σόφια
Και τώρα οι πίνακές της εκτίθενται στη ΛΔΓ και εκτιμώνται ιδιαίτερα από τους Γερμανούς θεατές.
Η Tatyana Nazarenko, βραβευμένη με το βραβείο Lenin Komsomol, ψάχνει συνεχώς. Αυτό είναι το κλειδί της επιτυχίας της. Τρέχον και μέλλον.
Nazarenko Tatyana Grigorievna
Τατιάνα Ναζαρένκο
(Γεννήθηκε το 1944)
Ζωγράφος. Ασχολείται με την καλλιτεχνική φωτογραφία. Πορτραίτης, τοπιογράφος, ζωγράφος ειδών, δεξιοτέχνης της ιστορικής ζωγραφικής.
Το 1955-1962 σπούδασε στο Γυμνάσιο Τέχνης της Μόσχας στο Κρατικό Ινστιτούτο Τέχνης της Μόσχας, στη συνέχεια το 1962-1968 στο Κρατικό Ινστιτούτο Τέχνης της Μόσχας με τον D.I.
Σήμερα διδάσκει στο ίδιο ίδρυμα.
Βραβευμένος με το Κρατικό Βραβείο της Ρωσίας, τακτικό μέλος της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών.
Ο T.G Nazarenko είναι ένας από τους ηγέτες της καλλιτεχνικής ζωής της δεκαετίας του 1970. Η δημιουργικότητα της γενιάς της χαρακτηρίζεται από αναλυτικότητα, επιθυμία για πολύπλευρη ανάγνωση του νοήματος ενός έργου, έμφαση στον προσωπικό τονισμό και ειρωνεία.
Η γλώσσα της αλληγορίας ήταν κοντά σε πολλούς δασκάλους αυτής της εποχής. Ο Ναζαρένκο θυμάται: «Η δεκαετία του '70 μας ανάγκασε να καταφύγουμε στην αλληγορία: μια διφορούμενη εποχή που πολλά φαινόταν να επιτρέπονται, και ταυτόχρονα πάλι όχι, έκλεισε ξανά».
Ήταν ιδιαίτερα διάσημη για τους πίνακές της με ιστορικά θέματα ("Εκτέλεση του Narodnaya Volya", 1969-1972; "Decembrists", 1978). Σε αυτά συνδυάζει το ντοκιμαντέρ, το πνεύμα της μαρτυρίας, την ιστορική οπτική και τη δική της ιδέα για το γεγονός.
Ενδιαφέρον για διάφορα στάδια της ιστορίας και του πολιτισμού, στοιχεία στυλιζαρίσματος και άμεση παράθεση διάσημων έργων - όλα αυτά φέρνουν την τέχνη του Nazarenko πιο κοντά στην αισθητική του μεταμοντερνισμού.
__________________________
Ναζαρένκο Τατιάνα Γκριγκόριεβνα
Τιμημένος καλλιτέχνης της Ρωσίας, βραβευμένος με το Κρατικό Βραβείο της Ρωσικής Ομοσπονδίας, Βραβείο της Κυβέρνησης της Μόσχας, μέλος του προεδρείου, τακτικό μέλος της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών, καθηγητής
Γεννήθηκε στις 24 Ιουνίου στη Μόσχα. Πατέρας - Nazarenko Grigory Nikolaevich (1910-1990). Μητέρα - Abramova Nina Nikolaevna (γεν. 1920). Σύζυγος: Zhigulin Alexander Anatolyevich (γεν. 1951). Παιδιά: Nazarenko Nikolay Vasilievich (γεννήθηκε το 1971), Zhigulin Alexander Alexandrovich (γεννημένος το 1987).
Ο πατέρας της Tatyana Nazarenko, στρατιώτης πρώτης γραμμής, στρατιωτικός σταδιοδρομίας, μετά τον πόλεμο ανατέθηκε στην Άπω Ανατολή και οι γονείς έφυγαν. Η Τάνια έμεινε στη Μόσχα με τη γιαγιά της, Άννα Σεμιόνοβνα Αμπράμοβα. Της έδειξε πρώτα τα σχολικά της σημάδια και μετά τα σχέδια και τις ζωγραφιές της.
Η A. S. Abramova είναι χήρα από το 1937. Ο σύζυγός της, Νικολάι Νικολάεβιτς Αμπράμοφ, καταπιέστηκε παράνομα και πέθανε υπό κράτηση. Έμεινε μόνη, εργάστηκε ως νηπιαγωγός, νοσοκόμα, μεγάλωσε και βοήθησε τις δύο κόρες της να αποκτήσουν τριτοβάθμια εκπαίδευση, μεγάλωσε την εγγονή της Τατιάνα και στη συνέχεια βοήθησε να μεγαλώσει τον μεγαλύτερο γιο της Νικολάι. Η γιαγιά είχε μια ατελείωτη πηγή αγάπης μέσα της, αλλά φαίνεται ότι η κύρια αγάπη της ήταν ακόμα η Τάνια, η οποία επίσης την αγαπούσε. Η Anna Semyonovna Abramova έζησε στους πίνακες της καλλιτέχνιδας Tatyana Nazarenko: "Morning Mother and Nikolka" (1972), "Portrait of A. S. Abramova" (1976), "Memories" (1982), "Life" (1983), ". Λευκά πηγάδια στη μνήμη της γιαγιάς μου» (1987).
Σε ηλικία 11 ετών, η Τατιάνα μπήκε στη Σχολή Τέχνης της Μόσχας. Ένας κύκλος φίλων σχηματίστηκε γρήγορα εκεί: Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo - μελλοντικοί φωτεινοί δάσκαλοι της δεκαετίας του 1970. Ήταν μια θυελλώδης, γενναιόδωρη εποχή, πλούσια σε διάφορα γεγονότα της πολιτιστικής ζωής, μια εποχή ανόδου της εγχώριας τέχνης, γνωριμίας με εξαιρετικά έργα εγχώριων και ξένων κλασικών του 20ου αιώνα, που μέχρι τότε ήταν απαγορευμένα και άγνωστα στους νέους. .
Το 1962, η Τατιάνα Ναζαρένκο εισήλθε στο τμήμα ζωγραφικής του Ινστιτούτου Τέχνης V. I. Surikov, όπου δάσκαλοί της ήταν οι D. D. Zhilinsky, A. M. Gritsai, S. N. Shilnikov. Μετά την αποφοίτησή της από το ινστιτούτο, από το 1968 έως το 1972, εργάστηκε στο δημιουργικό εργαστήρι της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ υπό τον G. M. Korzhev.
Η τέχνη της Τατιάνα Ναζαρένκο διαμορφώθηκε υπό την επίδραση των ταραγμένων γεγονότων της δεκαετίας του 1960 και των αναμνήσεων των τραγικών γεγονότων της δεκαετίας του 1930. Συνδυάζει μια ολόσωμη στάση, αγάπη για τη ζωή, την ικανότητα να βιώνεις τα καθημερινά γεγονότα ως διακοπές - και το συνεχές άγχος, που σου επιτρέπει να μετατρέψεις αυτές τις διακοπές σε περίεργα και περίπλοκα γεγονότα, όπου όλα είναι αληθινά και όχι αληθινά, όπου υπάρχει τόσο διασκεδαστικό όσο και η θλίψη, όπου υπάρχουν πολλά στρώματα αντίληψης, πολλοί χώροι ο ένας πάνω στον άλλο, όπου ο χρόνος είναι ασταθής, η ακρίβεια των παρατηρήσεων πεδίου και η πιο αχαλίνωτη φαντασία είναι αλληλένδετα.
Το έργο της Tatyana Nazarenko έχει έντονο αναλυτικό στοιχείο. Όποιο είδος ζωγραφικής και αν εργάζεται, το κύριο περιεχόμενο των έργων της εκφράζεται όχι μόνο και όχι τόσο μέσω της πλοκής, αλλά μέσω της γενικής πνευματικής ατμόσφαιρας που καθορίζει την ψυχολογική κατάσταση των χαρακτήρων και τον συναισθηματικό χρωματισμό τοπίων, αντικειμένων. , και την πλαστική γλώσσα της τέχνης της. Αυτή η πνευματικότητα της ζωγραφικής, σε συνδυασμό με μια αναλυτικά στενή προσέγγιση των εικονιζόμενων φαινομένων, συνιστούν τη ουσιαστική πρωτοτυπία των έργων του καλλιτέχνη.
Η επάρκεια χρόνου, ο βαθύς νεωτερισμός είναι ένα από τα καθοριστικά χαρακτηριστικά του έργου του καλλιτέχνη. Ο Ναζαρένκο φέρνει κάτι άπιαστο στα έργα του, που όμως αναμφίβολα τα κάνει προϊόν των ημερών μας, τον τρόπο σκέψης του σύγχρονου μας. Ο θεατής νιώθει τον χρόνο να πάλλεται στην τέχνη της.
Αυτά τα χαρακτηριστικά άρχισαν να εμφανίζονται ήδη στα πρώτα ανεξάρτητα έργα της καλλιτέχνιδας, στις πολυκατευθυντικές αναζητήσεις των πρώτων μεταπτυχιακών της χρόνων.
Στο τέλος των σπουδών της στο ινστιτούτο, το 1965-1967, η Ναζαρένκο ταξίδεψε στην Κεντρική Ασία. Το Καζακστάν, το Ουζμπεκιστάν και το Κιργιστάν καθόρισαν το εύρος των θεμάτων για τα έργα της για αρκετά χρόνια. Οι πίνακες της Κεντρικής Ασίας της Ναζαρένκο ("Μητέρα με το παιδί", "Μητέρα", "Σαμαρκάνδη. Αυλή", "Ουζμπεκικός Γάμος", "Προσευχή", "Αγόρια στη Μπουχάρα") αντανακλούσαν τις ζωντανές παρατηρήσεις της. Αλλά όχι μόνο αυτό. Αυτά τα έργα έμοιαζαν να περιείχαν όλες τις αποσκευές των φοιτητικών της αποκτημάτων. Αλλά δείχνουν ήδη μια άλλη αναπόσπαστη ιδιότητα του νεαρού καλλιτέχνη - την πρωτοτυπία. Κάτω από τις συνηθισμένες μορφές «τέχνης της δεκαετίας του εξήντα», αναδύεται ένα διαφορετικό περιεχόμενο από αυτές. Τα πάντα σε αυτά είναι πολύ πιο ασταθή και διφορούμενα, είναι ασυνήθιστα μουσικά, εμφανίζονται σε αυτά πρωτόγονα χαρακτηριστικά: η επιθυμία να αφαιρέσουν την αναπαράσταση, να εισάγουν ένα χαμόγελο, την απλότητα και το παιχνίδι.
Και δεν είναι τυχαίο ότι αμέσως μετά τη σειρά της Κεντρικής Ασίας, ο Nazarenko στρέφεται σε θέματα που είναι πολύ πιο κοντά στον εαυτό του. Ζωγραφίζει εικόνες όπου κύριοι χαρακτήρες είναι η ίδια και οι φίλοι της. Η ζωή μιας γενιάς γίνεται αντικείμενο της τέχνης της.
Οι αρχές της δεκαετίας του 1970 για τη Nazarenko, όπως και για τους περισσότερους καλλιτέχνες της γενιάς της, ήταν μια εποχή αναζήτησης ενός είδους, ενός τρόπου και ενός θέματος. Η καλλιτέχνης δοκιμάζει τις δυνάμεις της τόσο στο πρωτογονιστικό ύφος όσο και στο σύστημα του αυστηρού νεοκλασικισμού, ζωγραφίζοντας ρομαντικούς, διακοσμητικούς και παιχνιδιάρικους καμβάδες. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, έγραψε τόσο διαφορετικά έργα όπως "Εκτέλεση Narodnaya Volya" (1969-1972), "Δέντρο στο Νέο Άθως" (1969), "Κυριακή στο Δάσος" (1970), "Πορτρέτο μιας ηθοποιού του τσίρκου" ( 1970), "Αποχαιρετισμός στον χειμώνα" (1973), "Πρωτοχρονιάτικη γιορτή" (1973), "Πρωί. Γιαγιά και Νικόλκα" (1972), "Νέοι καλλιτέχνες" (1968), "Οι σύγχρονοί μου" (1973), "Μεσημεριανό " (1970), "Πορτρέτο του Igor Kupryashin" (1974).
Ανάμεσα στους ήρωές της μπορείς σχεδόν πάντα να βρεις τη δική σου εικόνα - και ένα μέτρο της άγρυπνης ελέους του ματιού, την ικανότητα να τονίζεις τον οξύ-χαρακτηρισμένο σε βάρος του ειδυλλιακού-ευημερούντος, εξίσου έντονα σε σχέση με τον εαυτό του. άλλο μοντέλο.
Χαρακτηριστικά με αυτή την έννοια είναι τα ομαδικά πορτρέτα, σχεδιασμένα ως πίνακες ζωγραφικής του είδους ("Students", 1969; "Young Artists", 1968; "My Contemporaries", 1973; "Foggy Day on Shikotan", 1976; "After the Exam", 1976) . Οι χαρακτήρες τους είναι αναγνωρίσιμοι και πορτραίτο, οι συγκρούσεις είναι πιστευτές: νεανικές διακοπές, συζητήσεις στο εργαστήριο... Και ταυτόχρονα, υπάρχει κάτι μυστήριο μέσα τους, μετατρέποντας τις καθημερινές σκηνές σε ρομαντικές φαντασιώσεις.
Οι ιστορικές συνθέσεις της Tatyana Nazarenko αντικατοπτρίζουν την άποψη του σύγχρονου μας για το παρελθόν. Οι πίνακές της παρουσιάζουν ταυτόχρονα το παρελθόν και το παρόν, ένα ιστορικό γεγονός - και την τρέχουσα κατανόησή του. Η ίδια η προσέγγιση για την επίλυση του θέματος είναι ήδη χαρακτηριστική: σε ιστορικούς πίνακες - "Εκτέλεση του Narodnaya Volya", "Partisans Came" (1975), "Decembrists of the Chernigov Regiment" (1978), "Pugachev" (1980). - ο καλλιτέχνης επιλέγει τραγικές, κορυφαίες στιγμές, που απαιτούν την υψηλότερη ένταση των πνευματικών δυνάμεων των συμμετεχόντων στη δράση. Η σιωπή και η σιωπή είναι σημαντικές εδώ.
Ο πίνακας της Tatyana Nazarenko "The Execution of People's Volunteers" εμφανίστηκε στην Έκθεση Νέων της Μόσχας το 1972. Η εικόνα έγινε αντιληπτή από όλους, αν και δεν την αποδέχτηκαν όλοι. Συνδύαζε περίπλοκα την προσήλωση στα πρότυπα της Αναγέννησης, μια τάση για γενικευμένους προβληματισμούς και μια τραγική αίσθηση ευαλωτότητας των αγωνιστών της ελευθερίας, για πνευματικά ιδανικά, μπροστά στη συντριπτική απρόσωπη δύναμη της μηχανής της καταστολής. Για τον πίνακα "The Execution of Narodnaya Volya" ο Nazarenko τιμήθηκε με το βραβείο Moscow Komsomol. Το 1976 της απονεμήθηκε το 1ο βραβείο στον Διεθνή Διαγωνισμό Νέων Ζωγράφων στη Σόφια (Βουλγαρία).
Συμπόνια, αίσθηση κοινωνικής ευθύνης - αυτές οι ιδιότητες αργότερα αναπτύχθηκαν και ενισχύθηκαν στην τέχνη της Tatyana Nazarenko, αποκτώντας διαφορετικές, μερικές φορές περίεργες μορφές ενσάρκωσης, συνυφασμένες με μοτίβα καρναβαλιών, διακοπών, εορτασμών, με ρομαντικές αυτοπροσωπογραφίες, με καλλιτεχνικό παιχνίδι. Και παντού υπάρχει αόρατα και ξεκάθαρα παρόν το άγχος, η αίσθηση ότι πίσω από την επισφαλή ευημερία της καθημερινότητάς μας κρύβονται τα σκληρά πεπρωμένα άλλων γενεών, ο πόνος και η ταλαιπωρία τους.
Ο Ναζαρένκο λατρεύει να γράφει καρναβάλια. Ένα από τα πρώτα «καρναβαλικά» έργα της καλλιτέχνιδας είναι το «New Year’s Celebration» (1973), στο οποίο προσπαθεί να δείξει το εσωτερικό νόημα του καρναβαλιού, το φάσμα των διαφορετικών και μάλλον περίπλοκων συναισθημάτων που βιώνουν τυχαία συγκεντρωμένοι άνθρωποι.
Με τα χρόνια, το παιχνιδιάρικο στοιχείο εντείνεται στη δουλειά του καλλιτέχνη. Η αφήγηση εξαφανίζεται από τα έργα και εμφανίζεται η αλληγορία. Με αλληγορική ιδιότητα, χρησιμοποιεί επίσης αναμνήσεις της τέχνης του παρελθόντος - είτε πρόκειται για σχεδόν απευθείας αποσπάσματα από κλασικά έργα, ιστορικά κοστούμια συγχρόνων μας είτε για την παρουσία αντικειμένων από το παρελθόν σε συνθέσεις αφιερωμένες στο σήμερα.
Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1970 και στις αρχές της δεκαετίας του 1980, ο Nazarenko ζωγράφισε πολλά ομαδικά πορτρέτα φίλων που συγκεντρώθηκαν για μια εορταστική περίσταση. Πρόκειται για τους πίνακες "Πρωτοχρονιά" (1976), "Βράδυ της Μόσχας" (1978), "Καρναβάλι" (1979), "Ημέρα της Τατιάνας" (1982), "Σεπτέμβριος στην Οδησσό" (1985) και πολλοί άλλοι, επίσης. όπως εκείνοι που γράφτηκαν παλαιότεροι καμβάδες "Young Artists" (1968) και "My Contemporaries" (1974).
Αν στα πρώτα ομαδικά πορτρέτα του Nazarenko μπορούσε κανείς να νιώσει ξεκάθαρα τη σιωπή, τη συγκέντρωση, την επιθυμία των χαρακτήρων να ακούσουν ο ένας τον άλλον, να ακούσουν την αλήθεια, τότε στα επόμενα έργα («Καρναβάλι», «Ημέρα της Τατιάνας» κ.λπ.) το αχαλίνωτο στοιχείο του καρναβαλιού βασιλεύει. Τα κοστούμια και οι πόζες είναι εξωφρενικές, το πνεύμα του φεστιβάλ κατέχει όχι μόνο ανθρώπους, αλλά και αντικείμενα. Ωστόσο, πρόκειται για διακοπές χωρίς κέφι, επικοινωνία χωρίς αλληλοκατανόηση και πνευματική εγγύτητα. Το θέμα της μοναξιάς, τόσο σημαντικό για την καλλιτέχνιδα, συνδυάζεται περίπλοκα στη δουλειά της με το θέμα του καρναβαλιού (“Portrait in a fancy dress”, 1982).
Στοιχεία καρναβαλισμού υπάρχουν τόσο στους πίνακες «Καρουσέλ» (1982) όσο και στο δίπτυχο «Χορός» (1980).
Στα έργα του Nazarenko υπάρχει μια επιθυμία για επαφή με τον θεατή, μια προθυμία να ανοίξει κανείς σε ένα προσεκτικό, συμπαθητικό βλέμμα. Η καλλιτέχνης έγραψε πολλά έργα όπου μιλάει σχεδόν ευθέως για τον εξομολογητικό χαρακτήρα της τέχνης της, για το πόσο οδυνηρό και δύσκολο είναι να δείχνει κανείς τον εαυτό του απροστάτευτος, εκτεθειμένος στο δικαστήριο της παγκόσμιας αδιαφορίας (“Flowers. Self-Portrait”, 1979, “Circus Κορίτσι», 1984, «Θεατές», 1988, «Γεύμα», 1992).
Ένας από τους πιο ασυνήθιστους πίνακες της Tatyana Nazarenko είναι το τρίπτυχο "Workshop" (1983). Ο καλλιτέχνης παρουσιάζει στον θεατή ένα πραγματικό εργαστήριο στο οποίο δημιουργήθηκαν πραγματικοί πίνακες («Ημέρα της Τατιάνας» και «Καρναβάλι»), και ταυτόχρονα τη διαδικασία υλοποίησης του σχεδίου του.
Υπάρχει μια άλλη μορφή «εξομολόγησης» στα έργα του Ναζαρένκο. Σε τέτοια έργα δεν χρειάζεται ειρωνεία, δεν απαιτεί τα πολύχρωμα ρούχα ενός καρναβαλιού: το πιο κοντινό, το πιο ζεστό πράγμα ενσαρκώνεται εδώ... Και σχεδόν πάντα σε αυτούς τους πίνακες υπάρχει μια εικόνα μιας γιαγιάς: «Πρωί και Νικόλκα», το τρίπτυχο «Ζωή» (1983) και άλλα . Το 1982, ζωγραφίστηκε ο πίνακας "Memories", στον οποίο ο καλλιτέχνης φαινόταν να υλοποιεί συσχετισμούς ζωής που προέκυψαν όταν κοιτούσε παλιές φωτογραφίες.
Ανάμεσα στα κύρια έργα της Tatyana Nazarenko είναι επίσης: «Home Concert» (1986), δίπτυχο «Happy Old Age» (1988), «Little Orchestra» (1989), «Wreckage» (1990), «Monument to History» (τρίπτυχο , 1992), “ Time” (τρίπτυχο, 1992), “Mad World” (1992), “Spell” (1995), “Homeless” (2001).
Η Tatyana Nazarenko είναι κοινωνική καλλιτέχνις. «Πάντα με ενδιέφεραν οι άνθρωποι», λέει «Δεν μπορώ να παραμερίσω την ατυχία των άλλων να κάνω τους ανθρώπους να σκεφτούν, να τους καλώ σε ενσυναίσθηση. Μια ξεκάθαρη απόδειξη αυτού ήταν η έκθεσή της "Transition" (1995-1996) - μια εγκατάσταση 120 ζωγραφισμένων κομματιών "ψεύτικα" κόντρα πλακέ κατασκευασμένα σε ανθρώπινο μέγεθος. Στην έκθεση, οι επισκέπτες έπρεπε να σταματήσουν και να κοιτάξουν τα πρόσωπα άτυχων ηλικιωμένων, ατόμων με αναπηρία, περιπλανώμενων μουσικών - όλων εκείνων που βλέπουν καθημερινά σε υπόγεια περάσματα, αλλά τις περισσότερες φορές περνούν από εκεί χωρίς να σταματήσουν να κοιτάζουν. Η έκθεση είχε μεγάλη επιτυχία (αργότερα την είδαν κάτοικοι της Γερμανίας, των ΗΠΑ και της Φινλανδίας) και το "Transition" έγινε για τον καλλιτέχνη κυριολεκτικά μια μετάβαση σε ένα νέο στάδιο της ζωής, σε μια νέα τέχνη.
Το 1997 πραγματοποιήθηκε η έκθεσή της «My Paris», όπου υπήρχαν και φιγούρες από κόντρα πλακέ - παριζιάνικες γκαρσόν καφέ με μακριές λευκές ποδιές, πωλητές ψαριών... Μια άλλη έκθεση της Τατιάνα Ναζαρένκο - «Τραπέζι της Μόσχας» πραγματοποιήθηκε την ίδια χρονιά στο η γκαλερί Marat Gelman, και στη συνέχεια παρουσιάστηκε στο Κρατικό Ρωσικό Μουσείο της Αγίας Πετρούπολης στο πρόγραμμα της έκθεσης «Η Τέχνη ενάντια στη Γεωγραφία». Τον Μάιο - Σεπτέμβριο του 2002, το Μουσείο Kuskovo φιλοξένησε μια έκθεση του καλλιτέχνη «Εγώ ο ίδιος είμαι χαρούμενος που με εξαπάτησαν...» (Η τέχνη της εξαπάτησης).
Από το 1966, όταν η Nazarenko παρουσίασε για πρώτη φορά τα έργα της στην VII Έκθεση Νέων της Μόσχας, συμμετείχε συνεχώς σε εκθέσεις πόλεων και πανρωσικών εκθέσεων, εκθέσεις καλών τεχνών στη Ρωσία και στο εξωτερικό. Οι πρώτες ατομικές εκθέσεις πραγματοποιήθηκαν στο Λεβερκούζεν (1986), στη Βρέμη, στο Όλντενμπουργκ, στην Οδησσό, στο Κίεβο, στο Λβοφ (όλα το 1987). Έκτοτε, οι προσωπικές εκθέσεις του καλλιτέχνη έχουν πραγματοποιηθεί στη Μόσχα (η πρώτη - 1989), στην Κολωνία, στην Ουάσιγκτον, στη Νέα Υόρκη, στη Βοστώνη, στη Μαδρίτη, στο Ταλίν, στο Ελσίνκι και σε άλλες πόλεις. Έργα της Tatyana Nazarenko φυλάσσονται στις συλλογές της Κρατικής Πινακοθήκης Tretyakov (Μόσχα), του Κρατικού Ρωσικού Μουσείου (Αγία Πετρούπολη), του Εθνικού Μουσείου Γυναικών στις Τέχνες (Ουάσιγκτον), του Εθνικού Εβραϊκού Μουσείου (Ουάσιγκτον), του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης (Σόφια), το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (Βουδαπέστη) και άλλα μουσεία τέχνης σε όλο τον κόσμο, σε ιδιωτικές συλλογές.
Τα δημιουργικά έργα της Tatyana Nazarenko έχουν τιμηθεί με υψηλά βραβεία: το Κρατικό Βραβείο της Ρωσικής Ομοσπονδίας (1993), το Κυβερνητικό Βραβείο της Μόσχας (1999), το ασημένιο μετάλλιο της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ (1985), το χρυσό μετάλλιο της Ρωσικής Ακαδημίας Τέχνες (2005).
T. G. Nazarenko - Επίτιμος Καλλιτέχνης της Ρωσίας (2002), από το 1997 - αντεπιστέλλον μέλος, από το 2001 - πλήρες μέλος, μέλος του προεδρείου της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών. Καθηγητής του Τμήματος Ζωγραφικής, Επικεφαλής του Εργαστηρίου Ζωγραφικής Easel στο Κρατικό Ακαδημαϊκό Ινστιτούτο Τέχνης της Μόσχας με το όνομα V. I. Surikov (1998). Μέλος της Ένωσης Καλλιτεχνών από το 1969.
Ζει και εργάζεται στη Μόσχα.
Γεννήθηκε στις 24 Ιουνίου στη Μόσχα. Πατέρας - Nazarenko Grigory Nikolaevich (1910-1990). Μητέρα - Abramova Nina Nikolaevna (γεν. 1920). Σύζυγος - Zhigulin Alexander Anatolyevich (γεν. 1951). Παιδιά: Nazarenko Nikolay Vasilyevich (γεννημένος το 1971), Zhigulin Alexander Alexandrovich (γεννημένος το 1987).
Ο πατέρας της Tatyana Nazarenko, στρατιώτης πρώτης γραμμής, στρατιωτικός σταδιοδρομίας, μετά τον πόλεμο ανατέθηκε στην Άπω Ανατολή και οι γονείς έφυγαν. Η Τάνια έμεινε στη Μόσχα με τη γιαγιά της, Άννα Σεμιόνοβνα Αμπράμοβα. Της έδειξε πρώτα τα σχολικά της σημάδια και μετά τα σχέδια και τις ζωγραφιές της.
ΩΣ. Η Αμπράμοβα είναι χήρα από το 1937. Ο σύζυγός της, Νικολάι Νικολάεβιτς Αμπράμοφ, καταπιέστηκε παράνομα και πέθανε υπό κράτηση. Έμεινε μόνη, εργάστηκε ως νηπιαγωγός, νοσοκόμα, μεγάλωσε και βοήθησε τις δύο κόρες της να αποκτήσουν τριτοβάθμια εκπαίδευση, μεγάλωσε την εγγονή της Τατιάνα και στη συνέχεια βοήθησε να μεγαλώσει τον μεγαλύτερο γιο της Νικολάι. Η γιαγιά είχε μια ατελείωτη πηγή αγάπης μέσα της, αλλά φαίνεται ότι η κύρια αγάπη της ήταν ακόμα η Τάνια, η οποία επίσης την αγαπούσε. Η Anna Semyonovna Abramova έζησε στους πίνακες της καλλιτέχνιδας Tatyana Nazarenko: "Morning Mother and Nikolka" (1972), "Portrait of A.S Abramova" (1976), "Memories" (1982), "Life" (1983). Λευκά πηγάδια στη μνήμη της γιαγιάς μου» (1987).
Σε ηλικία 11 ετών, η Τατιάνα μπήκε στη Σχολή Τέχνης της Μόσχας. Ένας κύκλος φίλων σχηματίστηκε γρήγορα εκεί: Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo - μελλοντικοί φωτεινοί δάσκαλοι της δεκαετίας του 1970. Ήταν μια θυελλώδης, γενναιόδωρη εποχή, πλούσια σε διάφορα γεγονότα της πολιτιστικής ζωής, μια εποχή ανόδου της εγχώριας τέχνης, γνωριμίας με εξαιρετικά έργα εγχώριων και ξένων κλασικών του εικοστού αιώνα, που μέχρι τότε ήταν απαγορευμένα και άγνωστα στους νέους. .
Το 1962, η Τατιάνα Ναζαρένκο μπήκε στο τμήμα ζωγραφικής του Ινστιτούτου Τέχνης V.I. Surikov, όπου δάσκαλοί της ήταν ο D.D. Zhilinsky, A.M. Γριτσαή, Σ.Ν. Σίλνικοφ. Μετά την αποφοίτησή της από το ινστιτούτο, από το 1968 έως το 1972, εργάστηκε στο δημιουργικό εργαστήρι της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ υπό τον G.M. Κορζέβα.
Η τέχνη της Τατιάνα Ναζαρένκο διαμορφώθηκε υπό την επίδραση των ταραγμένων γεγονότων της δεκαετίας του 1960 και των αναμνήσεων των τραγικών γεγονότων της δεκαετίας του 1930. Συνδυάζει μια ολόσωμη στάση, αγάπη για τη ζωή, την ικανότητα να βιώνεις τα καθημερινά γεγονότα ως διακοπές - και το συνεχές άγχος, που σου επιτρέπει να μετατρέψεις αυτές τις διακοπές σε περίεργα και περίπλοκα γεγονότα, όπου όλα είναι αληθινά και όχι αληθινά, όπου υπάρχει τόσο διασκεδαστικό όσο και η θλίψη, όπου υπάρχουν πολλά στρώματα αντίληψης, πολλοί χώροι ο ένας πάνω στον άλλο, όπου ο χρόνος είναι ασταθής, η ακρίβεια των παρατηρήσεων πεδίου και η πιο αχαλίνωτη φαντασία είναι αλληλένδετα.
Το έργο της Tatyana Nazarenko έχει έντονο αναλυτικό στοιχείο. Σε όποιο είδος ζωγραφικής κι αν εργάζεται, το κύριο περιεχόμενο των έργων της εκφράζεται όχι μόνο και όχι τόσο μέσω της πλοκής, αλλά μέσω της γενικής πνευματικής ατμόσφαιρας, που καθορίζει την ψυχολογική κατάσταση των χαρακτήρων, τον συναισθηματικό χρωματισμό τοπίων, αντικειμένων, και την πολύ πλαστική γλώσσα της τέχνης της. Αυτή η πνευματικότητα της ζωγραφικής, σε συνδυασμό με μια αναλυτικά στενή προσέγγιση των εικονιζόμενων φαινομένων, συνιστούν τη ουσιαστική πρωτοτυπία των έργων του καλλιτέχνη.
Η επάρκεια χρόνου, ο βαθύς νεωτερισμός είναι ένα από τα καθοριστικά χαρακτηριστικά του έργου του καλλιτέχνη. Ο Ναζαρένκο φέρνει κάτι άπιαστο στα έργα του, που όμως αναμφίβολα τα κάνει προϊόν των ημερών μας, τον τρόπο σκέψης του σύγχρονου μας. Ο θεατής νιώθει τον χρόνο να πάλλεται στην τέχνη της.
Το καλύτερο της ημέρας
Αυτά τα χαρακτηριστικά άρχισαν να εμφανίζονται ήδη στα πρώτα ανεξάρτητα έργα της καλλιτέχνιδας, στις πολυκατευθυντικές αναζητήσεις των πρώτων μεταπτυχιακών της χρόνων.
Στο τέλος των σπουδών της στο ινστιτούτο, το 1965-67, η Ναζαρένκο ταξίδεψε στην Κεντρική Ασία. Το Καζακστάν, το Ουζμπεκιστάν και το Κιργιστάν καθόρισαν το εύρος των θεμάτων για τα έργα της για αρκετά χρόνια. Οι πίνακες της Ναζαρένκο από την Κεντρική Ασία («Μητέρα με το παιδί», «Μητρότητα», «Σαμαρκάνδη. Αυλή», «Ουζμπεκικός Γάμος», «Προσευχή», «Αγόρια στη Μπουχάρα») αντανακλούσαν τις ζωντανές παρατηρήσεις της. Αλλά όχι μόνο αυτό. Αυτά τα έργα έμοιαζαν να περιείχαν όλες τις αποσκευές των φοιτητικών της αποκτημάτων. Αλλά δείχνουν ήδη μια άλλη αναπόσπαστη ιδιότητα του νεαρού καλλιτέχνη – την πρωτοτυπία. Κάτω από τις συνηθισμένες μορφές «τέχνης της δεκαετίας του εξήντα», αναδύεται ένα διαφορετικό περιεχόμενο από αυτές. Τα πάντα σε αυτά είναι πολύ πιο ασταθή και διφορούμενα, είναι ασυνήθιστα μουσικά, εμφανίζονται σε αυτά πρωτόγονα χαρακτηριστικά: η επιθυμία να αφαιρέσουν την αναπαράσταση, να εισάγουν ένα χαμόγελο, την απλότητα και το παιχνίδι.
Και δεν είναι τυχαίο ότι αμέσως μετά τη σειρά της Κεντρικής Ασίας, ο Nazarenko στρέφεται σε θέματα που είναι πολύ πιο κοντά στον εαυτό του. Ζωγραφίζει εικόνες όπου κύριοι χαρακτήρες είναι η ίδια και οι φίλοι της. Η ζωή μιας γενιάς γίνεται αντικείμενο της τέχνης της.
Οι αρχές της δεκαετίας του 1970 για τη Nazarenko, όπως και για τους περισσότερους καλλιτέχνες της γενιάς της, ήταν μια εποχή αναζήτησης ενός είδους, ενός τρόπου και ενός θέματος. Η καλλιτέχνης δοκιμάζει τις δυνάμεις της τόσο με τον «πρωτογονισμό» όσο και με το σύστημα του αυστηρού νεοκλασικισμού, ζωγραφίζοντας ρομαντικούς, διακοσμητικούς και παιχνιδιάρικους καμβάδες. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, έγραψε τόσο διαφορετικά έργα όπως «Η εκτέλεση της Narodnaya Volya» (1969-1972), «Δέντρο στο Νέο Άθως» (1969), «Κυριακή στο Δάσος» (1970), «Πορτρέτο μιας ηθοποιού του τσίρκου» (1970), «Αποχαιρετισμός στον Χειμώνα» (1973), «Πρωτοχρονιάτικες γιορτές» (1973), «Πρωί. Grandma and Nikolka» (1972), «Young Artists» (1968), «My Contemporaries» (1973), «Lunch» (1970), «Portrait of Igor Kupryashin» (1974).
Ανάμεσα στους ήρωές της μπορείς σχεδόν πάντα να βρεις τη δική σου εικόνα - και ένα μέτρο της έντονης ελέους του ματιού, την ικανότητα να τονίζεις τον οξύ-χαρακτηρισμένο σε βάρος του ειδυλλιακού-ευημερούντος, εξίσου έντονα σε σχέση με τον εαυτό του όσο και με οποιονδήποτε άλλο μοντέλο.
Χαρακτηριστικά με αυτή την έννοια είναι τα ομαδικά πορτρέτα, σχεδιασμένα ως πίνακες ζωγραφικής του είδους ("Students", 1969; "Young Artists", 1968; "My Contemporaries", 1973; "Foggy Day on Shikotan", 1976; "After the Exam", 1976) . Οι χαρακτήρες τους είναι αναγνωρίσιμοι και πορτραίτο, οι συγκρούσεις είναι πιστευτές: νεανικές διακοπές, συζητήσεις στο εργαστήριο... Και ταυτόχρονα, υπάρχει κάτι μυστήριο μέσα τους, μετατρέποντας τις καθημερινές σκηνές σε ρομαντικές φαντασιώσεις.
Οι ιστορικές συνθέσεις της Tatyana Nazarenko αντικατοπτρίζουν την άποψη του σύγχρονου μας για το παρελθόν. Οι πίνακές της παρουσιάζουν ταυτόχρονα το παρελθόν και το παρόν, ένα ιστορικό γεγονός – και την τρέχουσα κατανόησή του. Η ίδια η προσέγγιση για την επίλυση του θέματος είναι χαρακτηριστική: σε ιστορικούς πίνακες - "The Execution of People's Volunteers", "The Partizans Have" (1975), "Decembrists. Εξέγερση του συντάγματος Chernigov" (1978), "Pugachev" (1980) - ο καλλιτέχνης επιλέγει τραγικές, κορυφαίες στιγμές που απαιτούν την υψηλότερη ένταση των πνευματικών δυνάμεων των συμμετεχόντων στη δράση. Η σιωπή και η σιωπή είναι σημαντικές εδώ.
Ο πίνακας της Tatyana Nazarenko "The Execution of Narodnaya Volya" εμφανίστηκε στην Έκθεση Νέων της Μόσχας το 1972. Η εικόνα έγινε αντιληπτή από όλους - αν και δεν την αποδέχτηκαν όλοι. Συνδύαζε περίπλοκα την προσήλωση στα πρότυπα της Αναγέννησης, μια τάση για γενικευμένους προβληματισμούς και μια τραγική αίσθηση ευαλωτότητας των αγωνιστών της ελευθερίας, για πνευματικά ιδανικά, μπροστά στη συντριπτική απρόσωπη δύναμη της μηχανής της καταστολής. Για τον πίνακα "The Execution of Narodnaya Volya" ο Nazarenko τιμήθηκε με το βραβείο Moscow Komsomol. Το 1976 της απονεμήθηκε το 1ο βραβείο στον διεθνή διαγωνισμό νέων ζωγράφων στη Σόφια (Βουλγαρία).
Συμπόνια, αίσθηση κοινωνικής ευθύνης - αυτές οι ιδιότητες αργότερα αναπτύχθηκαν και ενισχύθηκαν στην τέχνη της Tatyana Nazarenko, αποκτώντας διαφορετικές, μερικές φορές περίεργες μορφές ενσάρκωσης, συνυφασμένες με μοτίβα καρναβαλιών, διακοπών, εορτασμών, με ρομαντικές αυτοπροσωπογραφίες, με καλλιτεχνικό παιχνίδι. Και παντού υπάρχει αόρατα και ξεκάθαρα παρόν το άγχος, η αίσθηση ότι πίσω από την επισφαλή ευημερία της καθημερινότητάς μας κρύβονται τα σκληρά πεπρωμένα άλλων γενεών, ο πόνος και η ταλαιπωρία τους.
Ο Ναζαρένκο λατρεύει να γράφει καρναβάλια. Ένα από τα πρώτα «καρναβαλικά» έργα της καλλιτέχνιδας είναι το «New Year’s Celebration» (1973), στο οποίο προσπαθεί να δείξει το εσωτερικό νόημα του καρναβαλιού, το φάσμα των διαφορετικών και μάλλον περίπλοκων συναισθημάτων που βιώνουν οι άνθρωποι που συγκεντρώνονται τυχαία.
Με τα χρόνια, το παιχνιδιάρικο στοιχείο εντείνεται στη δουλειά του καλλιτέχνη. Η αφήγηση εξαφανίζεται από τα έργα και εμφανίζεται η αλληγορία. Με αλληγορική ιδιότητα, χρησιμοποιεί επίσης αναμνήσεις της τέχνης του παρελθόντος - είτε πρόκειται για σχεδόν απευθείας αποσπάσματα από κλασικά έργα, ιστορικά κοστούμια συγχρόνων μας είτε για την παρουσία αντικειμένων από το παρελθόν σε συνθέσεις αφιερωμένες στο σήμερα.
Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1970 και στις αρχές της δεκαετίας του 1980, ο Nazarenko ζωγράφισε πολλά ομαδικά πορτρέτα φίλων που συγκεντρώθηκαν για μια εορταστική περίσταση. Πρόκειται για τους πίνακες «Πρωτοχρονιά» (1976), «Βράδυ της Μόσχας» (1978), «Καρναβάλι» (1979), «Ημέρα της Τατιάνας» (1982), «Σεπτέμβριος στην Οδησσό» (1985) και πολλοί άλλοι, επίσης. όπως αυτοί που γράφτηκαν παλαιότερα στους καμβάδες «Young Artists» (1968) και «My Contemporaries» (1974).
Αν στα πρώτα ομαδικά πορτρέτα του Nazarenko μπορούσε κανείς να νιώσει ξεκάθαρα τη σιωπή, τη συγκέντρωση, την επιθυμία των χαρακτήρων να ακούσουν ο ένας τον άλλον, να ακούσουν την αλήθεια, τότε στα επόμενα έργα («Καρναβάλι», «Ημέρα της Τατιάνας» κ.λπ.) το αχαλίνωτο στοιχείο του καρναβαλιού βασιλεύει. Τα κοστούμια και οι πόζες είναι εξωφρενικές, το πνεύμα του φεστιβάλ κατέχει όχι μόνο ανθρώπους, αλλά και αντικείμενα. Ωστόσο, πρόκειται για διακοπές χωρίς κέφι, επικοινωνία χωρίς αλληλοκατανόηση και πνευματική εγγύτητα. Το θέμα της μοναξιάς, τόσο σημαντικό για την καλλιτέχνιδα, συνδυάζεται περίπλοκα στη δουλειά της με το θέμα του καρναβαλιού (“Portrait in a Fancy Dress”, 1982).
Στοιχεία καρναβαλισμού υπάρχουν στους πίνακες «Καρουσέλ» (1982) και στο δίπτυχο «Χορός» (1980).
Στα έργα του Nazarenko υπάρχει μια επιθυμία για επαφή με τον θεατή, μια προθυμία να ανοίξει κανείς σε ένα προσεκτικό, συμπαθητικό βλέμμα. Η καλλιτέχνης έγραψε πολλά έργα όπου μιλάει σχεδόν ευθέως για τον εξομολογητικό χαρακτήρα της τέχνης της, για το πόσο οδυνηρό και δύσκολο είναι να δείχνει κανείς τον εαυτό του απροστάτευτος, εκτεθειμένος στο δικαστήριο της παγκόσμιας αδιαφορίας (“Flowers. Self-Portrait”, 1979, “Circus Κορίτσι», 1984, «Θεατές», 1988, «Γεύμα», 1992).
Ένας από τους πιο ασυνήθιστους πίνακες της Tatyana Nazarenko είναι το τρίπτυχο "Workshop" (1983). Ο καλλιτέχνης παρουσιάζει στον θεατή ένα πραγματικό εργαστήριο στο οποίο δημιουργήθηκαν πραγματικοί πίνακες («Ημέρα της Τατιάνας» και «Καρναβάλι»), και ταυτόχρονα τη διαδικασία υλοποίησης του σχεδίου του.
Υπάρχει μια άλλη μορφή «εξομολόγησης» στα έργα του Ναζαρένκο. Σε τέτοια έργα δεν χρειάζεται ειρωνεία, δεν απαιτεί τα πολύχρωμα ρούχα ενός καρναβαλιού: εδώ ενσαρκώνεται το πιο κοντινό, το πιο ζεστό... Και σχεδόν πάντα σε αυτούς τους πίνακες υπάρχει μια εικόνα μιας γιαγιάς: «Πρωί. Γιαγιά και Νικόλκα», τρίπτυχο «Ζωή» (1983) και άλλα. Το 1982, ζωγραφίστηκε ο πίνακας "Memories", όπου ο καλλιτέχνης φαίνεται να υλοποιεί συσχετισμούς ζωής που προέκυψαν όταν κοιτούσε παλιές φωτογραφίες.
Ανάμεσα στα κύρια έργα της Tatyana Nazarenko είναι επίσης: «Home Concert» (1986), δίπτυχο «Happy Old Age» (1988), «Little Orchestra» (1989), «Wreckage» (1990), «Monument to History» (τρίπτυχο , 1992), " Time" (τρίπτυχο, 1992), "Mad World" (1992), "Spell" (1995), "Homeless" (2001).
Η Tatyana Nazarenko είναι κοινωνική καλλιτέχνις. «Πάντα με ενδιέφεραν οι άνθρωποι», λέει. «Δεν μπορώ να απομακρυνθώ και να παραμερίσω την ατυχία κάποιου άλλου». Να κάνω τους ανθρώπους να σκεφτούν, να τους ενθαρρύνω να συμπονέσουν – αυτός είναι ο κύριος στόχος της δουλειάς μου». Μια ξεκάθαρη απόδειξη αυτού ήταν η έκθεσή της "Transition" (1995-96) - μια εγκατάσταση από 80 ζωγραφισμένα "κόλπα" κόντρα πλακέ φτιαγμένα σε ανθρώπινο μέγεθος. Στην έκθεση, οι επισκέπτες έπρεπε να σταματήσουν και να κοιτάξουν τα πρόσωπα άτυχων ηλικιωμένων, ατόμων με αναπηρία, περιπλανώμενων μουσικών - όλων εκείνων που βλέπουν καθημερινά σε υπόγεια περάσματα, αλλά τις περισσότερες φορές περνούν από εκεί χωρίς να σταματήσουν να κοιτάζουν. Η έκθεση είχε μεγάλη επιτυχία (αργότερα την είδαν κάτοικοι της Γερμανίας, των ΗΠΑ και της Φινλανδίας) και το "Transition" έγινε για τον καλλιτέχνη κυριολεκτικά μια μετάβαση σε ένα νέο στάδιο της ζωής, σε μια νέα τέχνη.
Το 1997 πραγματοποιήθηκε η έκθεσή της «My Paris», όπου υπήρχαν και φιγούρες από κόντρα πλακέ - παριζιάνικες γκαρσόν καφέ με μακριές λευκές ποδιές, πωλητές ψαριών... Μια άλλη έκθεση της Tatyana Nazarenko «Moscow Table» πραγματοποιήθηκε την ίδια χρονιά στο γκαλερί Marat Gelman, και στη συνέχεια παρουσιάζεται στο Κρατικό Ρωσικό Μουσείο της Αγίας Πετρούπολης στο πρόγραμμα της έκθεσης «Τέχνη εναντίον Γεωγραφίας». Τον Μάιο-Σεπτέμβριο του 2002, το Μουσείο Kuskovo φιλοξένησε μια έκθεση του καλλιτέχνη «Χαίρομαι που εξαπατώ τον εαυτό μου...» (Η Τέχνη της Παραπλάνησης).
Από το 1966, όταν η Nazarenko παρουσίασε για πρώτη φορά τα έργα της στην VII Έκθεση Νέων της Μόσχας, συμμετείχε συνεχώς σε εκθέσεις πόλεων και πανρωσικών εκθέσεων, εκθέσεις καλών τεχνών στη Ρωσία και στο εξωτερικό. Οι πρώτες ατομικές εκθέσεις πραγματοποιήθηκαν στο Λεβερκούζεν (1986), στη Βρέμη, στο Όλντενμπουργκ, στην Οδησσό, στο Κίεβο, στο Λβοφ (όλα το 1987). Έκτοτε, οι ατομικές εκθέσεις του καλλιτέχνη έχουν πραγματοποιηθεί στη Μόσχα (η πρώτη το 1989), στην Κολωνία, στην Ουάσιγκτον, στη Νέα Υόρκη, στη Βοστώνη, στη Μαδρίτη, στο Ταλίν, στο Ελσίνκι και σε άλλες πόλεις. Έργα της Tatyana Nazarenko φυλάσσονται στις συλλογές της Κρατικής Πινακοθήκης Tretyakov (Μόσχα), του Κρατικού Ρωσικού Μουσείου (Αγία Πετρούπολη), του Εθνικού Μουσείου Γυναικών στις Τέχνες (Ουάσιγκτον), του Εθνικού Εβραϊκού Μουσείου (Ουάσιγκτον), του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης (Σόφια), το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (Βουδαπέστη) και άλλα μουσεία τέχνης σε όλο τον κόσμο, σε ιδιωτικές συλλογές.
Τα δημιουργικά έργα της Tatiana Nazarenko έχουν βραβευτεί με υψηλά βραβεία: το Κρατικό Βραβείο της Ρωσικής Ομοσπονδίας (1993), το Κυβερνητικό Βραβείο της Μόσχας (1999) και το ασημένιο μετάλλιο της Ακαδημίας Τεχνών της ΕΣΣΔ (1985).
T.G. Nazarenko - Επίτιμος Καλλιτέχνης της Ρωσίας (2002), από το 1997 - αντεπιστέλλον μέλος, από το 2001 - πλήρες μέλος, μέλος του προεδρείου της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών. Καθηγητής του Τμήματος Ζωγραφικής, Επικεφαλής του Εργαστηρίου Ζωγραφικής Easel του Κρατικού Ινστιτούτου Ακαδημαϊκής Τέχνης της Μόσχας με το όνομα V.I. Surikova (1998). Μέλος της Ένωσης Καλλιτεχνών από το 1969.
Ζει και εργάζεται στη Μόσχα.
τίτλος
robocop 08.03.2008 01:09:26
Τατιάνα Ναζαρένκο ακαδημαϊκός, καθηγητής, καλλιτέχνης και ταυτόχρονα ένα πλάσμα που δεν έχει ξαναδεί ο κόσμος, γεια σου, θύμα σεξουαλικής παρενόχλησης