Las pinturas de la Edad Media rusa (frescos, mosaicos, iconos) son de constante interés para los historiadores del arte y los científicos de todo el mundo.
La pintura monumental rusa antigua (fresco y mosaico) apareció durante la época de la Rus de Kiev bajo los príncipes Vladimir (980-1015) y Yaroslav el Sabio (1019-1054). Antes del reinado de Vladimir, la Rus era pagana y adoraba a muchas deidades. Este príncipe bautizó a Kiev y a la mayor parte de Rusia, aceptando el cristianismo de Bizancio. La nueva religión estableció un Dios único y determinó la forma de la historia y la cultura rusas durante muchos siglos.
A lo largo de los siglos, los artesanos rusos adoptaron el sutil arte de los “griegos” (como se llamaba a los bizantinos porque hablaban griego).
Mosaico- un tipo de pintura monumental, donde la imagen se forma disponiendo un conjunto y fijando piedras multicolores, esmalte, baldosas cerámicas y otros materiales en la superficie.
pequeño- pequeños trozos de vidrio opaco de colores. Refleja bien la luz y conserva su brillo durante muchos siglos.
Para decorar las iglesias de Kiev con mosaicos se construyó un taller donde se fabricaba esmalte. Los cubos pequeños estaban pintados de diferentes colores. ¡Así que los científicos contaron 177 tonos en los mosaicos de Hagia Sophia!
La técnica del mosaico, como la más cara y compleja, se utilizó para crear composiciones en la cúpula y el ábside.
El resto del templo fue pintado con frescos.
Fresco- una especie de pintura monumental, pintura con pinturas al agua sobre yeso húmedo. Los frescos son más susceptibles a la destrucción por la luz, a diferencia de los mosaicos. Los frescos también pierden su aspecto original cuando con el tiempo aparecen grietas en el yeso.
Algunos frescos han sobrevivido hasta el día de hoy. Para evitar que el fresco se descolorara, se oscureciera o se deteriorara por más tiempo debido a la humedad, existían recetas especiales que se transmitían de maestro a alumno de generación en generación y se mantenían en la más estricta confidencialidad.
La Edad Media rusa no conocía la pintura al óleo.
Santa Sofía en Kyiv- el monumento más antiguo que conserva la pintura monumental de la Rus premongola.
En el cenit de la cúpula central de Santa Sofía de Kiev, en el medallón, hay una enorme imagen de medio cuerpo de Cristo Pantocrátor. Alrededor del medallón se ubicaron cuatro arcángeles. Sólo ha sobrevivido una figura de mosaico con una túnica azul, y las otras tres fueron añadidas al óleo en 1884 por M. A. Vrubel.
De las doce imágenes de tamaño natural de los apóstoles colocadas en las paredes del tambor de luz, sólo se conserva la parte superior de la figura en mosaico de Pablo. Abajo, sobre las velas esféricas que sostienen la cúpula central de la Catedral de Santa Sofía de Kiev, hay cuatro evangelistas (solo se ha conservado por completo la imagen de Marcos). En los arcos circulares sobrevivieron quince medallones de mosaico con imágenes de mártires. En los dos pilares del arco oriental hay una escena en mosaico de la Anunciación: a la izquierda está el Arcángel Gabriel, a la derecha está la Virgen María.
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| Virgen María |
En el nivel medio del ábside de la Catedral de Santa Sofía, se despliega ampliamente la composición de múltiples figuras "Eucaristía" (comunión).
El nivel inferior del ábside de Santa Sofía de Kiev está ocupado por imágenes de los "padres de la iglesia": santos y archidiáconos (el mosaico sobrevivió sólo en la parte superior de las figuras).
La decoración del altar mayor de la Catedral de Santa Sofía de Kiev es un gran ejemplo de la síntesis de arquitectura y pintura, que es generalmente característica de todo el interior antiguo de Santa Sofía de Kiev. Las escenas y personajes de los mosaicos son símbolos que revelan las principales disposiciones de la doctrina cristiana. Se perciben como una especie de epígrafe de la siguiente historia pictórica, presentada mediante la técnica del fresco. En las escenas del crucero (principal división transversal del templo) hay escenas evangélicas de carácter narrativo, de las cuales las mejor conservadas son “La Crucifixión”, “El Descenso de Cristo a los Infiernos”, “La Aparición de Cristo a Las mujeres portadoras de mirra”, así como la escena “El descenso del Espíritu Santo”, que destaca por su composición, estilo único de escritura y combinación de colores suaves.
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| fresco "El descenso de Cristo a los infiernos" ("Descenso a los infiernos"). Crucero. Lado norte de Sofía Kyiv |
Un lugar importante en la pintoresca decoración del Templo de Santa Sofía de Kiev lo ocupan los adornos que decoran las aberturas de ventanas y puertas, enmarcan composiciones individuales de frescos y mosaicos y enfatizan las principales líneas arquitectónicas del interior. La mayoría de las veces son de naturaleza vegetal y consisten en palmetas estilizadas, sarmientos, rizos y cogollos. Las estructuras ornamentales geométricas son menos comunes. Elegantes y coloridos, los adornos también introducen un elemento secular en el sistema general de pinturas de Santa Sofía de Kiev.
Vista general del altar
En el XII - d.C. Siglo XIII. La ciudad de Vladimir se convirtió en el centro de la vida política y cultural de las tierras rusas. Los principios de la pintura monumental empezaron a cambiar. En los frescos de Vladimir-Suzdal, los apóstoles no son las enormes figuras del templo de Kiev con su mirada hipnotizante dirigida directamente al espectador. El artista representó a los apóstoles en poses dinámicas. Están vestidos con capas amplias y sueltas y están uno frente al otro, como si estuvieran hablando. Los rostros de los santos son voluminosos, las transiciones de la luz a la sombra son suaves. En la Catedral de Vladimir, como en Sofía de Kiev, el maestro griego contó con la ayuda de pintores rusos, para quienes esa cooperación era la mejor escuela.
Desde el siglo X hasta 1240, se construyeron 125 iglesias en Novgorod. Por invitación especial, llegó a Novgorod Teófanes el Griego (c. 1340-1410), un notable pintor bizantino. Durante su vida, pintó muchas iglesias en Rusia y más allá, pero sólo han sobrevivido los frescos de la Iglesia de la Transfiguración de Novgorod en la calle Ilyin.
Icono(griego antiguo "imagen", "imagen") - en el cristianismo, una imagen sagrada de personas o eventos de la historia bíblica o de la iglesia.
La unificación de las tierras rusas alrededor de Moscú abrió una nueva era en el desarrollo de la historia y la cultura rusas. La fusión de la herencia bizantina y eslava formó el núcleo de la cultura nacional rusa. La pintura monumental de la Rus de Moscú, basada en las tradiciones bizantina y Vladimir-Suzdal, experimentó un extraordinario auge en la obra de los más grandes maestros de la época: Andrei Rublev (c. 1360-1430) y Dionisio (c. 1440-1505).
Andrei Rublev recibió el encargo de pintar las iglesias más importantes de la Rus de Moscú. Junto con su maestro Teófano el Griego, pintó el interior de la Catedral de la Anunciación en el Kremlin de Moscú, y también decoró la Catedral de la Trinidad-Sergio y restauró la pintura de la Catedral de la Asunción en Vladimir después del yugo mongol-tártaro.
En su obra se puede rastrear una dirección contemplativa y lírica de la pintura.
Las obras de Andrei Rublev pertenecen a los mayores logros del arte espiritual ruso y mundial, que encarnan una comprensión sublime de la belleza espiritual y la fuerza moral del pueblo de Rusia. Estas cualidades son inherentes a los iconos del rango de Zvenigorod ("Salvador", "Apóstol Pablo" (ubicado en el Museo Ruso), "Arcángel Miguel", todos de finales de los siglos XIV-XV), donde los contornos lacónicos y suaves y un estilo de pincelada amplio se aproximan a las técnicas de la pintura monumental.
En el período XIV - d.C. siglo XV Rublev creó su obra maestra: el icono de la Trinidad (ubicado en la Galería Estatal Tretyakov). Llenó la historia bíblica tradicional de un profundo contenido poético y filosófico. Apartándose de los cánones tradicionales, colocó una sola copa en el centro de la composición (que simboliza la muerte en sacrificio) y repitió sus contornos en los contornos de los ángeles laterales. El ángel central (que simboliza a Cristo) tomó el lugar de la víctima y se destaca por el expresivo contraste de manchas de color cereza oscuro y azul. La composición inscrita en un círculo está impregnada de profundos ritmos circulares, subordinando todas las líneas de contorno, cuya consistencia produce un efecto casi musical. Los iconos estaban pintados con témpera (no conocían las pinturas al óleo).
Los más grandes maestros de la pintura rusa antigua, incluido Dionisio, quedaron profundamente influenciados por su obra. Dionisio es el último de los más grandes pintores de iconos de la antigua Rusia, un representante de la Edad de Oro de la pintura de iconos rusa.
“La Crucifixión” es un icono del rito festivo. Contiene no sólo la muerte, el sufrimiento y el horror, sino también el pisoteo de esta muerte, el gozo de la resurrección futura, la expiación por los pecados de todos los hombres. Todo este icono es un movimiento vertical, comenzando con la figura inusualmente alargada de Cristo, símbolo del avance de la esfera terrenal a la celestial. Este avance se produce a través de la cruz, que es uno de los símbolos cristianos más importantes. El plano del icono está mentalmente dividido verticalmente en tres zonas: la inferior, la más estrecha, significa el inframundo, la media, el mundo humano en la tierra, la superior, el cielo. Aquí se combinan dos perspectivas: la tradicional para la pintura (el mundo entero) y la tradicional para la pintura de iconos, al revés (la figura de Cristo). El significado principal de este icono es un milagro incomprensible, la transformación de la humillación y el sufrimiento del Dios-Hombre en su exaltación y glorificación, su muerte en un símbolo de inmortalidad.
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| Crucifixión. dionisio |
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| Frescos de la Catedral de la Natividad de la Virgen María en el Monasterio Ferapontov. dionisio |
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| Descenso a los infiernos. dionisio |
La pintura de iconos rusos es el bello arte de la antigua Rus que se desarrolló en las profundidades de la Iglesia Ortodoxa, que comenzó a finales del siglo X con el bautismo de la Rus. La pintura de iconos siguió siendo el núcleo de la antigua cultura rusa hasta finales del siglo XVII, cuando, en la época de Pedro el Grande, fue suplantada por tipos de bellas artes seculares.
En el caso de Bizancio, se puede nombrar con precisión el año que se convirtió en el punto de partida del imperio, la cultura y la civilización bizantinas. El emperador Constantino I el Grande trasladó su capital a la ciudad de Bizancio (desde el siglo I d.C.).
mi. parte del Imperio Romano) y la rebautizó como Constantinopla en 330.Los primeros siglos de existencia del estado bizantino pueden considerarse como la etapa más importante en la formación de la cosmovisión de la sociedad bizantina, que se basó en las tradiciones del helenismo pagano y los principios del cristianismo. La formación del cristianismo como sistema filosófico y religioso fue un proceso largo y complejo. El cristianismo absorbió muchas enseñanzas filosóficas y religiosas de esa época. El dogma cristiano se desarrolló bajo la fuerte influencia de las enseñanzas religiosas del Medio Oriente, el judaísmo y el maniqueísmo. Era un sistema filosófico y religioso sintético, un componente importante del cual eran las antiguas enseñanzas filosóficas. La irreconciliabilidad del cristianismo con todo lo que llevaba el estigma del paganismo está siendo reemplazada por un compromiso entre la cosmovisión cristiana y la antigua. Los teólogos cristianos más educados y con visión de futuro comprendieron la necesidad de dominar todo el arsenal de la cultura pagana para utilizarlo en la creación de conceptos filosóficos. Pensadores como Basilio de Cesarea, Gregorio de Nisa y Gregorio Nacianceno sentaron las bases de la filosofía bizantina, que tiene sus raíces en la historia del pensamiento helénico. En el centro de su filosofía está la comprensión de la existencia como perfección. Nace una nueva estética, un nuevo sistema de valores espirituales y morales, y el propio hombre de esa época, su visión del mundo y su actitud hacia el universo, la naturaleza y la sociedad cambian.
Períodos de la historia del arte bizantino.
Período paleocristiano (la llamada cultura prebizantina, siglos I-III)
Período bizantino temprano, la “edad de oro” del emperador Justiniano I, la arquitectura de Santa Sofía en Constantinopla y los mosaicos de Rávena (siglos VI-VII)
Período iconoclasta (VII-principios del siglo IX). Se le llamó la época oscura, en gran parte por analogía con una etapa similar en el desarrollo de Europa occidental.
El período del Renacimiento macedonio (867-1056) se considera generalmente el período clásico del arte bizantino.
Período de conservadurismo bajo los emperadores de la dinastía Comneno (1081-1185).
el período del Renacimiento Paleólogo, el resurgimiento de las tradiciones helenísticas (1261-1453).
El arte del Imperio Bizantino es en gran medida un tema de debate entre historiadores, filósofos y expertos culturales. Pero si a lo largo de varios siglos se perdieron muchos tratados filosóficos y pinturas, los hermosos mosaicos bizantinos hechos de piedra y esmalte se convirtieron en un símbolo de la época y de toda una civilización. En el Imperio Bizantino, se puso en marcha la producción de mosaicos y esmalte; los registros históricos incluían historias sobre experimentos realizados por maestros del esmalte para obtener diferentes tonos de esmalte y los intentos de impartir diversas propiedades al vidrio esmaltado. Los mosaicos de esmalte eran un atributo indispensable no sólo de los edificios religiosos y los palacios reales, sino que también decoraban el interior de las casas de los ciudadanos comunes.
En comparación con los mosaicos antiguos hechos de piezas de piedra, las composiciones pequeñas se distinguían por una mayor variedad de colores, brillo, juegos de luces en la superficie y, lo más importante, eran mucho más asequibles. Esto determinó la rápida difusión de la pequeña tecnología tanto dentro del propio Imperio Bizantino como más allá de sus fronteras (en particular, en la antigua Rusia).
Mosaicos bizantinos hechos de esmalte. Período bizantino temprano
Mausoleo de Gala Placidia en Rávena, siglo V.
Mausoleo de Gala Placidia Según la leyenda, fue construido como lugar de enterramiento para la hija del emperador Teodosio. Sin embargo, en realidad, Galla fue enterrada en Roma, y su llamado mausoleo era una capilla dedicada a San Pedro. Lawrence: un mártir particularmente venerado en la familia de Teodosio y patrón de la familia imperial. Como muchos otros edificios de Rávena, este martirio se construyó utilizando la técnica de albañilería lombarda. Exteriormente, es muy similar a la estructura de una fortaleza: un volumen cerrado, deliberadamente vallado del mundo exterior, se enfatiza con paredes gruesas y ventanas estrechas, como troneras. En planta, el mausoleo es de cruz griega; en la intersección de los brazos de la cruz hay un cubo, dentro del cual hay una cúpula sobre velas. La pesada bóveda volada, que no tiene límites claros, carece de aberturas de ventanas. Sólo a través de estrechas ventanas en las paredes penetra una luz tenue y parpadeante en la iglesia.
La parte inferior de las paredes de la capilla (hasta el nivel de la altura humana) está revestida con mármol fluido transparente de un tinte ligeramente amarillento. Las superficies de la cúpula y los arcos, así como las secciones redondeadas de las paredes debajo de los arcos (lunetas) están decoradas con mosaicos pequeños. Los trozos de esmalte de forma irregular forman una superficie irregular. Debido a esto, la luz que emite se refleja desde diferentes ángulos, creando no un brillo frío uniforme, sino un parpadeo mágico y radiante, como si revoloteara en la penumbra del templo.
La temática de la pintura del mausoleo está relacionada con el rito funerario. Los mosaicos se encuentran únicamente en las partes superiores del templo. En el centro de la bóveda hay una cruz (símbolo de la victoria sobre la muerte) con estrellas en el cielo azul. Las bóvedas están decoradas con densos motivos florales asociados con el simbolismo del Jardín del Edén. La luneta inferior sur representa a St. Lawrence caminando con una cruz hacia su muerte. El gabinete abierto muestra los libros de los cuatro Evangelios, que inspiraron al mártir a realizar actos heroicos en nombre del Salvador.
San Lorenzo. Mosaico de la luneta sur del Mausoleo de Gala Placidia en Rávena. Alrededor de 440.
En las grandes lunetas superiores situadas a los lados de las ventanas, los apóstoles están representados de dos en dos. Levantan las manos hacia la cúpula con la cruz, en un gesto silencioso que encarna la llamada del evangelio, personificada por la imagen de San Pedro. Lawrence: “Toma tu cruz y sígueme”. Los apóstoles están representados de tal manera que sus giros y gestos organizan un movimiento circular de luneta en luneta. Sólo los apóstoles mayores Pedro y Pablo en el luneto oriental (donde se encuentra el altar) están representados simétricamente: aquí termina el movimiento.
En el luneto inferior norte, Cristo en la imagen del Buen Pastor mira al visitante desde la pared sobre la entrada. Las ovejas caminan a su alrededor sobre la hierba verde y Él toca tiernamente a la oveja cuando se acerca. El Divino Pastor está vestido con vestiduras doradas y está sentado sobre un montículo, como un emperador en un trono, apoyado firmemente en la cruz. La cruz aquí actúa como un atributo de poder, como un bastón imperial; Cristo lo establece sobre el mundo como signo de la marcha triunfal del cristianismo. La figura del Hijo de Dios se muestra en un complejo contrapposto: sus piernas están cruzadas, su mano se extiende hacia la oveja, pero su cabeza está vuelta en la otra dirección y su mirada se dirige a lo lejos.
Cristo Buen Pastor. Mosaico de la luneta norte del Mausoleo de Gala Placidia en Rávena. Alrededor de 440.
Un rasgo característico de los mosaicos del Mausoleo de Galla es el contraste de las dos lunetas.
La escena del Buen Pastor está representada en el espíritu de una antigua pastoral con imágenes deliberadamente conmovedoras. La paleta verde rosado, las sutiles transiciones de color y el uso de medios tonos en la representación de la carne demuestran el encanto imperecedero de la antigüedad, enfatizado por el recinto de la composición en un marco pesado y exuberante de la bóveda de cajón circundante.
Escena con la imagen de St. Lavrentiya demuestra el nacimiento de un nuevo lenguaje artístico. La composición es clara, se distingue por la simple simetría de las grandes formas. La imagen se pone deliberadamente en primer plano. Los inicios de la perspectiva inversa (la imagen de una celosía debajo de una ventana muy reducida) crean la ilusión de que el espacio se "vuelca" sobre el espectador. La composición no está construida de forma central y piramidal (siguiendo el ejemplo de “El Buen Pastor”), sino transversal, a lo largo de diagonales. Figura de San Lavrentia es capturada en movimiento. Los frágiles contornos de los pliegues de su ropa no caen, sino que vuelan hacia arriba y se cruzan en un ritmo caprichoso. En el rostro del santo no hay ni rastro de la suave belleza y de la neutralidad psicológica de la pastoral. El principio espiritual, la iluminación extática de un mártir de la fe, se manifiesta aguda y poderosamente en él.
Baptisterio de los Ortodoxos en Rávena, siglo V. Mosaico de cúpula
El baptisterio de los ortodoxos en Rávena es un ejemplo de edificio de tipo céntrico. El plan es un octágono. El Baptisterio fue decorado bajo el obispo Neón (451-473). Su lujosa decoración permite sentir el especial esplendor de la ceremonia bautismal. La decoración está muy bien pensada desde el punto de vista arquitectónico, y la decoración arquitectónica (orden jónico enriquecido) y escultórica (altos relieves con imágenes de profetas) se combinan orgánicamente con la pintura del mosaico y se incluyen en ella como parte integral.
La característica principal de la decoración es la implementación de un único motivo en todos sus niveles: un arco sobre columnas o un pórtico con frontón sobre columnas. Este motivo forma el nivel más bajo del baptisterio octogonal, donde se alternan arcasolias profundas con falsos nichos. En el segundo nivel se multiplica: arcos que enmarcan esculturas de profetas, rodean las aberturas de las ventanas. En una forma más compleja y rica, el mismo motivo se encuentra en el tercer nivel de mosaico de la decoración. Aquí este motivo se materializa de forma ilusionista: reproduce el espacio de la basílica, donde a los lados de los ábsides se ubican pórticos con sillas episcopales y árboles frutales, en los que se presentan tronos con cruces o altares con evangelios abiertos en los tronos. Más arriba, en el último nivel que rodea el medallón central, el motivo del arco de las columnas aparece de forma oculta: aquí las columnas se convierten en lujosos candelabros dorados que separan las figuras de los apóstoles, y los arcos o frontones se convierten en curvas de cortinas que cuelgan en festones del marco del medallón central.
La decoración del baptisterio está estrechamente relacionada con el tema de la Jerusalén celestial, revelado a la mirada de un cristiano en la escena del Bautismo del Salvador (Epifanía), ubicada en la cúpula, directamente encima de la pila bautismal. La decoración parece "encajar" en la esfera de la cúpula; esto se logra mediante una técnica especial: las figuras y los elementos que las separan se tratan como una especie de radios: rayos dorados que emanan del disco central. El tema de la Jerusalén anterior explica la presencia de coronas en las manos de los apóstoles: se sentarán en doce tronos para juzgar a las doce tribus de Israel. Así, el bautismo se sitúa inmediatamente en el contexto de la búsqueda de una buena respuesta al juicio de Cristo, y los frondosos árboles frutales en las secciones de las simbólicas basílicas del tercer nivel son una imagen del alma cristiana dando buenos frutos. Se juzga que “la luz ha venido al mundo”, y el motivo de la luz que brota del medallón central con Cristo, indicado por rayos blancos y dorados (al nivel del círculo apostólico), adquiere un significado especial en la composición.
Baptisterio de los Ortodoxos en Rávena. siglo V Mosaico de cúpula.
Medallón central que contiene la escena del bautismo de Cristo (Epifanía).
Alrededor del medallón central hay un círculo apostólico.
El tema de la Jerusalén celestial aparece estrechamente entrelazado con el tema de la iglesia terrenal. Junto con la perspectiva de una visión de la Ciudad Celestial en la escena de la Epifanía, el tema de la transferencia del poder y la gracia no es menos significativo aquí. Desde que el Salvador recibe el bautismo (medallón central), la energía bendita a través de los apóstoles (rayos radiales) se transmite a la iglesia terrenal (está simbolizada por los altares y sillas episcopales del tercer nivel de decoración). Esta salida de energía beneficiosa se considera continua, constante.
La idea de inagotabilidad, la infinitud de este flujo se ve enfatizada por la peculiaridad de la composición del círculo apostólico: no hay principio ni fin en él, no hay centro hacia el cual se moverían los discípulos de Cristo. Más precisamente, este centro está ubicado fuera del círculo mismo, esta es la imagen del Salvador en el medallón central. La pintura en su conjunto es muy impresionante. Las figuras de los apóstoles se muestran en movimiento. El tamaño de su zancada se acentúa por sus piernas muy espaciadas y el arco de sus caderas. La ilusión del espacio sigue presente: la superficie sobre la que caminan los apóstoles parece más clara que el fondo azul misterioso y sin fondo de la imagen principal. Las ropas pesadas y exuberantes recuerdan el esplendor de las túnicas patricias romanas. En las túnicas apostólicas, solo varían dos colores: el blanco, que personifica la luz, y el dorado, la luz celestial. Sólo las sombras multicolores (grises, azules, grises) resaltan estas vestimentas luminosas. La ropa dorada se asemeja a una tela fina y aireada: se encuentra en pliegues exuberantes, como si se hincharan. La tela blanca, por el contrario, se congela formando pliegues anormalmente quebradizos.
El tema de la Epifanía es principalmente el tema de la salida de la luz, la donación de luz. Los apóstoles se muestran como portadores de esta luz eterna, ya que llevan la luz de la iluminación cristiana: la iluminación con la verdad. Los rostros de los apóstoles son impresionantes, cada uno de ellos tiene una personalidad distinta. Aparecen como individuos reales, lo que se ve facilitado por la tipología e iconografía aún no desarrolladas de las imágenes cristianas. Narices grandes, pliegues nasolabiales muy definidos, arrugas prominentes, nucas poderosamente prominentes, labios carnosos, miradas expresivas. En estas imágenes, asimiladas a los patricios romanos, se puede discernir una increíble energía interna, que simboliza el poder de la Iglesia cristiana del siglo V, que se convirtió prácticamente en la única autoridad espiritual y política en el mundo occidental.
Gran Palacio Imperial en Constantinopla. siglo V
A diferencia de los edificios religiosos de la época, el suelo del Gran Palacio Imperial de Constantinopla contiene una gran cantidad de imágenes de escenas cotidianas en las que aparecen personas y animales. Llama la atención el diseño del mosaico del fondo: cientos de miles de piezas de mosaico blanco liso forman un patrón extraño, en el que sorprenden la escala de la obra y la precisión de los antiguos maestros.
Águila y serpiente. Suelo de mosaico del Gran Palacio Imperial de Constantinopla. siglo V
Ciervo y serpiente. Suelo de mosaico del Gran Palacio Imperial de Constantinopla. siglo V
Liebres y perros. Suelo de mosaico del Gran Palacio Imperial de Constantinopla. siglo V
Niño con una canasta. Suelo de mosaico del Gran Palacio Imperial de Constantinopla. siglo V
Escena pastoral. Suelo de mosaico del Gran Palacio Imperial de Constantinopla. siglo V
Iglesia de San Vitale en Rávena, siglo VI
Las composiciones están dominadas por el equilibrio ideal. Las formas arquitectónicas, los motivos vegetales y los cuerpos humanos, asimilados a las figuras geométricas más simples, parecen dibujados con una regla. Las cortinas no tienen volumen ni suavidad vivaz. No hay sensación viva de sustancia en nada, ni siquiera un remoto indicio de aliento natural. El espacio finalmente pierde todo parecido con la realidad.
Basílica de Sant'Apollinare Nuovo en Rávena, siglo VI
En la representación de mártires y mártires hay una clara tendencia que se puede llamar sacralización del estilo. La imagen busca deliberadamente separarse de cualquier asociación vital específica. Incluso el más remoto indicio de un espacio o entorno de acción imaginario desaparece: todo el espacio libre está ocupado por un fondo dorado sin fin. Las flores bajo los pies de los Magos y Mártires desempeñan un papel puramente simbólico y enfatizan aún más la irrealidad de lo representado.
Basílica de Sant'Apollinare in Classe en Rávena, siglo VI
El estilo de los mosaicos muestra claros signos de gusto occidental. Las formas son abstractas y deliberadamente simplificadas; el ritmo lineal domina la composición. Amplias y etéreas manchas de siluetas están pintadas en un color uniforme, que es el único color que conserva la expresividad. La elegancia externa y la sonoridad del color compensan el estilo anémico y amorfo.
Mosaicos bizantinos hechos de esmalte. La era de la dinastía Comneno.
Mosaicos pequeños en la Iglesia de la Asunción de Nuestra Señora, Daphne
La manifestación más llamativa y completa del estilo bizantino de finales del siglo XI y de la época de Comneno son los mosaicos de la Iglesia de la Asunción de Nuestra Señora en Dafne, cerca de Atenas, que representan un fenómeno único en la historia del arte bizantino. El templo está decorado en parte según el esquema clásico: en la cúpula está el Pantocrátor con dieciséis profetas en las paredes del tambor, en el ábside está la Madre de Dios con los profetas adoradores. Sin embargo, una gran cantidad de escenas festivas se ubican en superficies planas de las paredes, y no solo en los elementos arquitectónicos de transición entre partes rectangulares y redondas o pasajes arqueados.
Cristo es Pantocrátor. Mosaico de la Iglesia de la Asunción de Nuestra Señora en Dafne. Alrededor de 1100
Los mosaicos de Daphne crean una sensación de festividad, calma sin nubes y armonía universal. Cualquier tono sombrío desaparece por completo de la pintura y las imágenes del evangelio se llenan de belleza poética. Incluso en las escenas de pasión no hay ningún indicio de pasión y patetismo de sufrimiento y sacrificio. La sangre, el dolor y la corona de espinas de la Crucifixión no encajan en este mundo de belleza noble y neutra.
En los mosaicos de Daphne las tendencias narrativas van en aumento: en ellos aparecen más escenas, paisajes y elementos arquitectónicos, y se presta más atención a la trama. Sin embargo, la principal motivación del maestro no es en modo alguno el deseo de un desarrollo pronunciado de la historia. Los detalles cuidadosamente seleccionados, la naturaleza ideal de la acción, la ausencia de emociones y, especialmente, la expresión y la tensión espiritual capturan el mundo no como un proceso, sino como un estado. Al artista le interesa más bien no lo que sucede, sino cómo sucede.
Bautismo de Cristo. Mosaico de la Iglesia de la Asunción de Nuestra Señora en Dafne. Alrededor de 1100
En Dafne se desarrollaron los principios compositivos de la pintura bizantina. Las composiciones de mosaicos son muy libres, llenas de un amplio espacio no ocupado por formas. Lo característico no es sólo el carácter escultural, sino también la redondez ideal y completa de los volúmenes, que asemeja las figuras del cuadro a una hermosa escultura redonda. La relación de las figuras entre sí y con el espacio ha cambiado: los personajes se representan desde una variedad de ángulos y extensiones, la abundancia de contornos de tres cuartos y de perfil crea un movimiento constante de volúmenes desde las profundidades hacia el exterior. Los tejidos voluminosos pero ligeros demuestran la plasticidad de los cuerpos y al mismo tiempo quedan atrás de la superficie, como ligeramente arrastrados por el viento.
Aparición de un ángel a Joaquín. Mosaico de la Iglesia de la Asunción de Nuestra Señora en Dafne. Alrededor de 1100
Los rostros llaman la atención por su especial belleza fría, serenidad, distancia infinita del mundo de las pasiones y emociones. Incluso los tipos bonitos y amables (la Madre de Dios, los ángeles) se distraen por completo de la ternura emocional. El sentimiento de desapasionamiento ideal compara la imagen del hombre y del Dios-hombre con el desapasionamiento de un cosmos idealmente estructurado y ordenado. La paleta de colores del esmalte adquiere una ligereza y un brillo interior especiales. La extraordinaria riqueza de matices de color, que transforma instantáneamente el tono básico, evoca la sensación de una superficie oscilante de los tejidos. Todos los colores se toman en un tono único, de plata fría con predominio de tonos ceniza, plata, azul, rosa frío y zafiro brillante. El fondo dorado pequeño parece suelto y transparente debido al tono dorado claro y ligeramente verdoso.
Mosaicos de la Catedral de Cefalú
Los mosaicos de la basílica de Cefalú (Sicilia) pertenecen al movimiento artístico clásico de la época comneniana, que continuó vivo durante todo el siglo XII. La creación de mosaicos en Cefalú coincidió con el reinado de Manuel Comneno, una época de amplia expansión del arte bizantino, la brillante obra de los artistas de Constantinopla en todo el mundo, resucitando la gloria del gran Imperio Romano, cuyo resurgimiento de la grandeza del cual soñaba el emperador.
El conjunto fue interpretado por maestros de Constantinopla por encargo del rey normando Roger II. Las composiciones combinan la perfección bizantina de la ejecución artística y la profundidad del significado espiritual con una sensación extraordinaria y ligeramente bárbara de lujo festivo. El elemento más importante de la decoración en mosaico de la catedral es la imagen monumental de Cristo Pantocrátor en la caracola del ábside. Esta imagen típicamente bizantina ocupaba tradicionalmente la cúpula central de los templos griegos. En la mano de Cristo está el Evangelio, en cuya extensión se lee la línea: “Yo soy la luz del mundo”. Como reflejo de la naturaleza dual de la cultura siciliana de la época, la inscripción se reproduce en dos idiomas, en una página en latín y en la otra en griego, aunque la imagen en sí es claramente obra de un maestro bizantino.
Cristo Pantocrátor. Mosaico de la concha del ábside de la Catedral de Cefalú. siglo XII
El rostro de Cristo está lleno de grandeza, pero no tiene ese severo distanciamiento e intensidad espiritual que son característicos de las ideas cristianas orientales acerca de Cristo como un "Juez formidable". La composición se distingue por la claridad, el rigor, la transparencia del lenguaje artístico y el significado interno. La figura de Cristo está llena de gracia y de especial nobleza de forma.
2 - Frescos
Una serie de desgracias que sufrieron la cultura europea, en una especie de secuencia metódica, destruyeron estos monumentos. Pero sobre todo sufrieron negligencia y falta de fondos. En particular, la historia del imperio es ahora (con breves pausas) una historia de desmoralización y bancarrota graduales. A esto se sumó la indiferencia hacia el arte clásico de los paganos decadentes y el odio de los fanáticos cristianos triunfantes hacia él. Los templos fueron cerrados y destruidos por falta de adoradores, los ídolos fueron destruidos como máscaras diabólicas, y así perecieron las fuentes de conocimiento e inspiración artísticas, porque no sólo el arte de las catacumbas era hijo del arte antiguo, sino todo el arte de Bizancio hasta El siglo X (y en parte más adelante) fue el mismo. A esta lenta decadencia orgánica hay que añadir crisis más aterradoras, a veces incluso mortales, como la afluencia de bárbaros. Italia, excepto la región papal, era ya en el siglo VII un “desierto cultural”, y todos los principales bastiones de la educación antigua se volvieron salvajes y desiertos, gracias a la presión de elementos llegados de Asia: Egipto, Antioquía, todo el norte. de África. El renacimiento de algunas de estas zonas ya se está produciendo bajo el nuevo signo del Islam.
En la verdadera "capital" del reino en decadencia, en la "nueva Roma", en Constantinopla, estas crisis corresponden a disturbios, invasiones y asedios dinásticos y de otro tipo, así como a la devastación del movimiento iconoclasta a largo plazo. Lo que unos perdonaron, otros lo destruyeron. En particular, los iconoclastas destruyen todo lo que crearon sus predecesores, toda la creatividad cristiano-eclesiástica, y a cambio marcan un cierto giro hacia la antigua comprensión “secular” del arte, el clero reaccionario vence a los iconoclastas, con mayor furia que tenían; continuar el trabajo de arruinar la antigüedad pagana. Los lamentables restos del helenismo perecieron bajo las capas de la cultura árabe y, posteriormente, turca.
De lo que queda del último período (ya cristiano) de la pintura antigua, todo se reduce a mosaicos murales y frescos en Rávena, Roma, Nápoles, Sinaí, Salónica, Chipre, en pequeñas iglesias egipcias, hasta varias docenas de manuscritos con ilustraciones (ninguna). de los cuales son originales), textiles, en su mayoría egipcios, y varios suelos de mosaico. Además, una idea indirecta de la pintura la dan los artículos de marfil y las decoraciones en relieve de las vasijas de aceite palestinas y los sarcófagos de mármol. Todos estos monumentos confirman el poder del arte helenístico, que ya hemos encontrado al analizar los frescos de Campania y Roma; todos tienen las características del arte tardío alejandrino (o del este de Asia) y al mismo tiempo ya expresan con fuerza algún tipo de carácter "exótico"; ajeno al clasicismo. Hay que pensar que los elementos nacionales temporalmente suprimidos por griegos y romanos en las provincias asiáticas y africanas, el reino de Alejandro y el imperio de los Césares, desde el momento en que la cultura aluvial de los conquistadores se debilitó, comenzaron a apoderarse gradualmente de ella nuevamente. , y a esto se sumó el papel de Oriente como cuna de la religión oficial universalmente aceptada y, finalmente, la influencia de la civilización persa presionando sobre el imperio desde el este.
El joven David el salmista entre el rebaño. Miniatura del "Salterio de París" del siglo X.
Este “matiz oriental” del arte antiguo cristiano contribuyó, por un lado, a ignorar todos los elementos puramente plásticos: la pintura se volvió cada vez más “plana” 1 ; por otro lado, este mismo “matiz oriental” impartió al arte de todo el imperio ese esquematismo majestuoso ajeno a la cultura clásica. La corte de los emperadores bizantinos tomó prestados muchos rasgos de etiqueta de los rituales de la corte oriental, impartiendo estos mismos rasgos al arte eclesiástico, que quedó directamente relacionado con el poder imperial.
Simultáneamente con la severa solemnidad y el protocolo esquemático, llegó desde Oriente una sed de lujo y esplendor asombrosos, expresada tanto en el inmenso uso del oro y la plata como en los colores densos y brillantes.
Traslado de las reliquias de St. Sello a Venecia. Al fondo de la composición está la Catedral de St. La marca está en su forma original. Un raro ejemplo de "veduta" en la pintura bizantina. Mosaico del siglo XIII en la fachada de la catedral.
Se puede argumentar que todo lo que es gentil, elegante, armonioso, ingenioso y más o menos vital en el arte antiguo cristiano son los últimos vestigios del helenismo que se desvanece. Por el contrario, todo lo que es insensible y "orgulloso" en sus formas, abigarrado y lujoso en colores, todo esto vino del este, y las culturas perdidas de Asiria y Babilonia, que les dieron su origen, no pudieron desempeñar el menor papel. último reflejo en el arte por la misma época sasánidas.
Los principales cambios en el arte cristiano, como era de esperar, se produjeron en el campo de la pintura religiosa de carácter histórico y simbólico, al que nos ocuparemos más adelante, por el contrario, en el ámbito que nos ocupa en esta parte; es decir. En el paisaje, así como en la pintura de animales y de la naturaleza muerta, vemos durante mucho tiempo, hasta el siglo X (y en miniatura aún más), un persistente revivir de formas antiguas y, por así decirlo, incluso el espíritu mismo del arte helenístico.
En 330, mucho antes del colapso del Imperio Romano en las partes occidental y oriental, el emperador Constantino construyó una ciudad que lleva su nombre, Constantinopla, en el territorio de Asia Menor. Esta ciudad fue construida en el sitio de la antigua ciudad de Bizancio. Posteriormente, cuando se dividió el Imperio Romano, la parte oriental pasó a llamarse Bizancio y Constantinopla se convirtió en su capital.
El arte bizantino se desarrolló sobre la base de la cultura helenística de Grecia, Palestina, el Egipto ptolemaico e Irán. Bizancio marcó el comienzo de la formación del tipo de cultura greco-oriental. El arte bizantino está impregnado de las ideas del cristianismo ortodoxo. El culto unía todo tipo de arte: arquitectura, pintura, literatura, escultura, artes aplicadas. Dado que el arte bizantino es un culto, está estrictamente canonizado.
En la cultura artística bizantina se fusionan dos principios: la esencia emocional y espiritual y el principio decorativo, el entretenimiento magnífico y el espiritismo sofisticado (spirito - espíritu). La singularidad del arte bizantino es que unió a ambos en un único sistema artístico, estrictamente normativo, canónico, imbuido del espíritu de una ceremonia solemne y misteriosa. Esplendor, pompa, oro y mármol, belleza y resplandor: todo resultó apropiado como símbolo de bienaventuranza espiritual y, al mismo tiempo, este lujo se adaptaba al estilo del Imperio Romano de Oriente y a los gustos de la rica corte de Constantinopla. Períodos de desarrollo del arte bizantino. Período temprano: “La Edad de Oro del Emperador Justiniano 527-565”. – 4-7 siglos ANUNCIO Período de iconoclasia - siglo VIII - primera mitad del siglo IX. ANUNCIO Renacimiento macedonio Segunda mitad del siglo IX - siglo X. AD Período Komnin (dinastía Komnenos) – siglos 11-12. AD Período paleólogo (dinastía paleóloga) – 1261-1453. ANUNCIO Las principales formas de pintura bizantina fueron: Pinturas monumentales de templos (mosaicos, frescos), iconos, miniaturas de libros. El mosaico es la creación más característica del genio bizantino. Pequeños cubos multicolores de esmalte (una aleación de vidrio con pinturas minerales) parpadean, destellan, brillan y reflejan la luz. Al calcular con precisión el ángulo de incidencia de la luz, haciendo que la superficie del mosaico fuera algo rugosa, los maestros lograron magníficos efectos pictóricos. Tomaron en cuenta la fusión óptica de colores en los ojos del orante que la miraba desde gran distancia. Los mosaicos más antiguos se encuentran en las tumbas y templos de Rávena (Italia). El periodo de Justiniano. 1. Mausoleo de Gala Placidio: “Cristo Buen Pastor”, mediados del siglo V. Sobre fondo azul, la imagen del Cristo joven. Cristo aparece en la iconografía como Emmanuel (“Dios con nosotros”). Cristo como Buen Pastor, la idea de los Jardines del Edén2. Iglesia de San Vitalio, Rávena, siglo VI. ANUNCIO : Dos mosaicos emparejados: el emperador Justiniano con su séquito y la emperatriz Teodora con su séquito.3. Mosaico pareado “Mártires y Mártires”, Iglesia de San Apolinar en Nuovo (mediados del siglo VI). El mosaico está realizado sobre fondo dorado, en tonos blancos y verdes. La presencia de exuberante decoración y espiritualidad. Los mártires están en estado de expectación, en sus manos hay coronas de gloria. Las figuras se presentan frontalmente, estáticas. Sus nombres están inscritos sobre las cabezas de los mártires, pero no existe una descripción individual. El estado de estar en unidad espiritual con Dios, lo que lo hace similar al mosaico de Justiniano. Si los mártires difieren ligeramente en las características de su edad, entonces los mártires tampoco la tienen. La similitud de apariencia transmite la similitud de su destino. Fue importante para el artista resaltar que todos son “Hermanos y Hermanas en Cristo” Período Comneniano. Los mosaicos del período Comneniano se distinguen por su diversidad estilística. 1. El emperador Juan II y la emperatriz Irina frente a la Virgen y el Niño Tsarevich Alexei. Ambos mosaicos datan del siglo XII. y están ubicados en Sofía de Constantinopla. Las figuras están congeladas en poses tensas. Se convirtieron completamente en siluetas planas cubiertas con patrones geométricos, como pegadas sobre un fondo dorado. La carne humana desaparece tras el juego de formas ornamentales. Las caras están hechas de pequeños cubos de esmalte bien encajados, que también forman patrones geométricos. En esta versión, el rubor en las mejillas de la Emperatriz se parece más a un tatuaje, y los reflejos en el rostro de Alexei se parecen a cicatrices. 2. Cristo, siglo XII.3. Virgen y Niño, 9c Está situado en el ábside central de Sofía de Constantinopla. Según la leyenda, el mosaico fue realizado por el famoso artista griego Lázaro. Murió en 854, habiendo sufrido mucho a manos de los iconoclastas. El artista destacó el papel cósmico de la Virgen en la salvación del mundo y, además, destacó el motivo de la Madre de Dios como trono de la sabiduría divina. Una experiencia viva y plena de la antigüedad, que indica que para el arte bizantino lo clásico, al ser imagen de la belleza humana ideal, era también una forma de búsqueda de la espiritualidad más elevada. Las imágenes están dotadas de una monumentalidad genuina, domina el aspecto estatuario, la solemnidad y la realeza de la Madre de Dios se crean aquí no sólo por una grandeza inalcanzable, sino también por una abstracción ideal del mundo de las dimensiones terrenales. La Virgen María es aquí la reina del cielo, pero quizás por última vez también sea una Diosa. Iconografía “Panahrantos” - “El Purísimo”. Interpretación de la imagen de un bebé, un adulto pequeño.
Los mosaicos de las iglesias de Dafni y Cefalú tienen un estilo diferente. En lugar de una solución pintoresca a los mosaicos del período Comneniano, se cultiva una línea de contorno cerrada. Estos mosaicos se caracterizan por grandes gráficos 1. Cristo Pantocrátor (Pantocrator), ábside de la catedral de Cefalu 2. Bautismo de Cristo, monasterio de Dafne 3. Pantocrátor, en la cúpula de la iglesia del monasterio de Dafne Las imágenes son más. estricto, ascético, severo. Período paleólogo. En los mosaicos del período paleólogo hay mayor expresión y libertad de movimiento. Todo en estos mosaicos se movía. Las figuras no son estáticas ni frontales. No miran al orante, sino que se miran el uno al otro. Se crea una determinada solución compositiva general. En estos mosaicos aparecen imágenes de estructuras arquitectónicas fantásticas, que sobresalen ya en un espacio ligeramente empotrado. Mosaicos de la Iglesia Kahrie-Jami El nacimiento de la Virgen María, la huida a Egipto ante los escribas del rey bizantino. Los maestros del fresco recurrían a los frescos si la iglesia era muy pequeña o pobre. Anunciación, Iglesia de Santa María, siglo VII. Los hermanos Macabeos y su madre Samona, Iglesia de Santa María, siglo VII. El fresco se distingue por la tranquilidad, la naturalidad en la pose de las figuras y la ausencia de rigidez en las poses. Las formas están esculpidas con una pincelada amplia y libre. Anunciación, Iglesia de Santa María, siglo VIII. La interpretación del rostro es “fealdad inspirada”. Sensación de ardor interno." Bello Ángel", Iglesia de Santa María, siglo VIII. Coloración más fría, redondeo potente, trazo potente y ancho. Huida a Egipto, Iglesia de Santa María, siglo VIII. Las formas son más masivas y plásticamente definidas. Santos Padres, Sofía de Ohrid, siglo XII.
El período comprendido entre mediados del siglo IX y el XIV fue la época de mayor florecimiento de los mosaicos y frescos bizantinos. Uno de los primeros monumentos de este período es el mosaico de Hagia Sophia en Salónica. En la cúpula del templo se encuentra la composición “Ascensión” (880-885). En el centro está Cristo en un medallón, con una cabeza desproporcionadamente grande, sentado sobre un arco iris. El medallón está sostenido por dos ángeles voladores con túnicas blancas y alas multicolores. Directamente debajo de Cristo, en el tambor de la cúpula, la Madre de Dios está representada en toda su altura con los brazos levantados (“Oranta”), a ambos lados de Ella hay dos ángeles que señalan con sus manos al Cristo ascendente. En la misma fila están los doce apóstoles, separados unos de otros por altos árboles de troncos desnudos y copas verdes. En la caracola del ábside están representadas la Madre de Dios y el Niño sentados en un trono (finales de los siglos XI y XII). En la bóveda del altar vima hay una imagen de una cruz sobrante de la época de la iconoclasia.
Un monumento destacado de las bellas artes cristianas del Renacimiento macedonio son los mosaicos del monasterio de Hosios Loukas (San Lucas), que datan de la primera mitad del siglo XI y están perfectamente conservados. La cúpula del templo representa Pentecostés: en el centro de la composición se encuentra el "Trono preparado", encima del cual hay una paloma con la cabeza rodeada por un halo dorado, que simboliza el Espíritu Santo. Del medallón descienden rayos de luz sobre los doce apóstoles sentados en la cúpula, y sobre la cabeza de cada apóstol hay una lengua de fuego. Los apóstoles están representados sentados en tronos y hablando entre ellos; Cada apóstol tiene el Evangelio en su mano. En las velas de la cúpula se encuentran representantes de diferentes naciones con ropas elegantes, de pie y escuchando a los apóstoles. La caracola del ábside del altar está ocupada por una imagen de la Virgen María y el Niño sentados en un trono. El ciclo cristológico consta de cuatro composiciones en la parte principal del templo (“Anunciación”, “Natividad”, “Candelabro” y “Bautismo”) en las velas sobre el tímpano de la cúpula, escenas de la Pasión en el nártex (“ Lavado de los Pies”, “Crucifixión”, “Descenso a los Infiernos” ") y "Pentecostés" en la pequeña cúpula sobre el altar. El resto del espacio del templo está decorado con muchas imágenes de santos (unas 150) con ojos muy abiertos, desproporcionadamente grandes y pupilas oscuras: entre los santos, los venerables ocupan un lugar importante, debido al carácter monástico del edificio. . En el mosaico de las diáconas se conservan escenas del Antiguo Testamento: Daniel en el foso de los leones, tres jóvenes en el horno de Babilonia.
Además de los mosaicos, en Hosios Loukas se conservan varios frescos que datan de mediados del siglo X al primer cuarto del siglo XI. Uno de ellos representa a Josué con ropa militar: tiene un casco en la cabeza, una cota de malla en el cuerpo, una lanza en la mano izquierda y una espada en el cinturón. La composición “El Encuentro de Cristo con Juan Bautista” está dispuesta en dos arcos: en el arco izquierdo hay una imagen del Precursor frente a Cristo con un manto forrado de lana, con una cruz en la mano derecha y la mano izquierda extendida. a Jesús; en el arco derecho - Cristo con un pergamino en la mano izquierda y la derecha levantada en gesto de bendición; El Precursor está representado de pie en el suelo, Jesús caminando hacia él. En la composición “La entrada del Señor en Jerusalén”, Cristo, con un pergamino en la mano, está sentado sobre un asno; un niño trepando a un árbol mira a Cristo; el pueblo con ramas de palma saluda al Mesías venidero. En la escena del Entierro, se representa a Cristo envuelto en sudarios; sólo Su rostro con los ojos cerrados permanece abierto; la afligida Madre de Dios inclinada sobre el cuerpo de Cristo; José y Nicodemo sostienen el cuerpo con sus manos. La misma composición representa otra escena de la historia del evangelio: dos mujeres portadoras de mirra junto a una tumba vacía, sobre cuya tapa está sentado un ángel.
Los mosaicos supervivientes de la Iglesia de Santa Sofía en Constantinopla dan sólo una idea parcial del conjunto de su decoración interior. En los mosaicos se dio gran importancia a las imágenes de Cristo y la Virgen María, así como a imágenes de emperadores y emperatrices. En la caracola del ábside del altar se conserva una imagen en mosaico de la Madre de Dios en un trono con el Niño sentado en Su regazo, realizada en el año 867. La pose de la Madre de Dios es estática, la figura es majestuosa, el cuerpo, vestido con un maforio azul oscuro, es desproporcionadamente grande en comparación con la cabeza; Los rostros de la Madre y el Bebé están diseñados según tradiciones antiguas. Una imagen en mosaico de Cristo en un trono con el Evangelio abierto data de principios del siglo X; a ambos lados de Cristo hay medallones que representan a la Madre de Dios y al Arcángel; al pie del trono, el emperador León VI el Sabio, inclinado en reverente oración (C886-912). A principios de los siglos X y XI se creó una imagen en mosaico de la Madre de Dios entronizada con el Niño; A Su derecha está el Emperador Justiniano con un modelo de la Iglesia de Santa Sofía en sus manos, a Su izquierda está Constantino el Grande con un modelo simbólico de la ciudad. La imagen de Cristo en el trono con el próximo emperador Constantino Monoma se remonta al año 1044. 
hogar y emperatriz Zoya. Hacia 1118 se creó un mosaico en el que aparecen representados el emperador Juan Comneno y la emperatriz Irene junto a la Virgen María con el Niño en brazos.
La más impresionante en términos de poder de expresión de todas las composiciones de mosaicos supervivientes de Sofía de Constantinopla es la Deisis, que data de 1261. En el centro de la composición está Cristo con himación azul con la mano derecha levantada en gesto de bendición y el Evangelio en la izquierda. El rostro de Cristo está marcado con el sello de la suave concentración 
y la nariz es alargada, los labios carnosos. Los ojos, como en el icono del Pantocrátor del Sinaí, son asimétricos; la mirada está desenfocada, lo que crea un sentimiento de presencia y al mismo tiempo de cierto desapego de Cristo respecto del orante. La Madre de Dios y Juan Bautista están vueltos a medias hacia el Salvador: sus rostros están marcados con el sello del dolor y la concentración.
Los mosaicos de Santa Sofía en Kiev son uno de los monumentos más notables del arte bizantino de la primera mitad del siglo XI. En general, el programa de decoración interior del templo se centra en modelos bizantinos. Del conjunto de mosaicos original, que ocupaba una superficie de 640 metros cuadrados. m, sólo unos 260 metros cuadrados. m, pero los mosaicos supervivientes dan una idea de la grandeza del plan y la perfección de su implementación. En la cúpula del templo hay un medallón con la imagen de Cristo Pantocrátor, debajo hay cuatro figuras de Arcángeles (solo una de ellas se ha conservado parcialmente). En el tambor de la cúpula, entre las ventanas, había imágenes de los apóstoles (solo sobrevivió una parte de la figura del apóstol Pablo); en las velas hay cuatro evangelistas (solo sobrevivió Marcos). En los arcos que sostenían la cúpula había cuatro medallones, de los cuales se conservan dos: la Madre de Dios y Cristo Sacerdote: este último es una imagen de Cristo tipo "semítico-palestino" con el pelo corto y rizado y una barba bien recortada. En los arcos fajones hay medallones con imágenes de los cuarenta mártires de Sebaste (se han conservado 15 medallones de cuarenta). En la caracola del ábside está representada en toda su altura la Madre de Dios “Oranta”: Su figura (5,45 m de altura) domina todo el conjunto de mosaicos del templo. Sobre la “Oranta” está la Deisis en tres medallones; bajo “Oranta” en el registro medio está “Comunión de los Apóstoles” (Cristo aparece dos veces), y en el registro inferior está el rito 
Santos, en cuyo centro, en un giro de tres cuartos, se representan diáconos con custodias, lo que confiere a todo el rito un carácter claramente litúrgico. La composición “Anunciación” está colocada sobre los pilares frente a la concha del altar. En las paredes de la catedral hay numerosas imágenes de santos. Las figuras de Cristo, la Virgen María y los santos en las composiciones de Sofía de Kiev se distinguen por su naturaleza estática y monumental; Predominan las posturas frontales. Los rasgos faciales de la mayoría de los personajes se enfatizan geométricamente, los ojos están agrandados, los labios carnosos y la nariz ancha.
Un monumento destacado de la pintura monumental bizantina son los frescos de la Iglesia de Santa Sofía en Ohrid (Macedonia), que datan de 1037-1056. Los frescos se distinguen por su artesanía, la expresividad de los rostros y la diversidad compositiva. En la caracola del ábside del altar se representa a la Virgen María en pose estática, sentada en un trono; en Sus manos en un medallón ovalado está el Niño Cristo. En minúscula está la comunión de los apóstoles: en el centro de la composición está Cristo, de pie bajo el copón y de cara al espectador; Su mano derecha está levantada en gesto de bendición, en su mano izquierda sostiene el pan; a cada lado del Salvador hay dos ángeles; a derecha e izquierda, los apóstoles se acercan al Salvador, alineados en fila. En la bóveda del ábside del altar hay una grandiosa composición “La Ascensión”, en cuyo centro, en un medallón, hay una imagen de Cristo sentado sobre un arco iris; El medallón está sostenido por cuatro ángeles. En dos lados del medallón hay filas de apóstoles y ángeles (un ángel en cada fila); los apóstoles se presentan en poses dinámicas con el rostro vuelto hacia el Cristo ascendente; entre los apóstoles está la Madre de Dios. Debajo de cada fila hay otra en la que se representan ángeles. Las paredes del ábside del altar están decoradas con imágenes de santos, escenas del Antiguo Testamento relacionadas con la Eucaristía (en particular, la hospitalidad de Abraham) y escenas del Nuevo Testamento.
El grandioso conjunto de mosaicos del Monasterio de la Dormición de la Virgen María en Dafni (Grecia) se remonta a finales del siglo XI, época del llamado Renacimiento Comneniano. El conjunto está dominado por la imagen de Cristo Pantocrator: cejas altas, una mirada dirigida hacia un lado, pliegues en la cara, la frente y el cuello, un torso poderoso: todo esto le da a la imagen una severidad inusual para los estándares bizantinos. En el tambor de la cúpula están representados dieciséis profetas. En el ábside del altar está la Madre de Dios con los profetas adorándola. Se presta mucha atención a las composiciones de varias figuras dedicadas a las principales fiestas de la iglesia. Las figuras de los personajes son dinámicas y elegantes; los personajes se presentan en una amplia variedad de poses: frontal, de perfil, medio vuelta; Los rostros están marcados con el sello de la calma y la concentración. Los ángeles son los protagonistas de muchas composiciones, lo que crea una sensación de constante 
presencia significativa de las Fuerzas Celestiales en la vida humana. El ciclo Theotokos incluye numerosas composiciones de la vida de la Madre de Dios, incluidas Su nacimiento, Introducción y Asunción. En general, el conjunto de mosaicos se caracteriza por el deseo de reflejar de la manera más completa los principales acontecimientos del año litúrgico: el tema de los mosaicos se centra no tanto en la secuencia de los acontecimientos evangélicos como en el calendario de la iglesia.
La pintura de la Iglesia de la Asunción en el pueblo data de los años 90 del siglo XI. Ateni (Ateni Sión). La pintura monumental georgiana estaba genéticamente relacionada con Bizancio, pero tenía rasgos nacionales pronunciados, que se reflejaban plenamente en la pintura de Aten Sion. En la caracola del ábside del altar está representada la Madre de Dios Nikopea con el Niño Cristo, a ambos lados de Ella están los Arcángeles Miguel y Gabriel. A continuación se muestra la composición “Eucaristía” con los apóstoles frente a Cristo. En el registro más bajo hay santos, en los huecos entre las ventanas hay estilitas. Otras imágenes del ábside del altar incluyen al archidiácono Esteban y al Venerable Romano el Dulce Cantor, así como a los patrocinadores del templo, incluido el rey David IV el Constructor. En el ábside norte hay un ciclo de fiestas, en el ábside sur hay 14 escenas de la vida de la Santísima Virgen María, en el ábside occidental está el Juicio Final. Los trompos (en lugar de los evangelistas) representan la personificación de los ríos bíblicos Nilo, Pisón, Tigris y Éufrates en forma de jóvenes sobre las olas. El estilo general de las pinturas indica que pertenecieron a maestros georgianos. Predominan los colores oscuros, las siluetas de las figuras están claramente definidas, las imágenes se distinguen por su monumentalidad, estática y pesadez de formas.
Durante el siglo XII y la primera mitad del XIII, se crearon varios conjuntos de mosaicos de estilo bizantino en iglesias de Italia, en particular en las ciudades sicilianas de Cefalu, Monreale y Palermo, en Venecia y Roma. Los mosaicos del ábside del altar de la Catedral de Cefalú, que datan de la primera mitad del siglo XII, representan una de las obras más perfectas del arte bizantino. Según el investigador, “estos mosaicos sorprenden a primera vista por la noble belleza de sus formas puramente bizantinas. Las figuras se distinguen por la severidad de sus proporciones, el diseño por su notable fuerza, la interpretación de la vestimenta por una gracia casi antigua”. La imagen de Pantocrator en la caracola es particularmente refinada, su cabello y su barba están cuidadosamente modelados y su expresión facial es enfáticamente ascética. Debajo de Pantocrator hay una “Oranta” de tamaño mucho más pequeño, con dos Ángeles a cada lado de Ella. Los registros inferiores del ábside del altar están ocupados por imágenes de los apóstoles. Cristo y la Madre de Dios se presentan en poses estrictamente frontales, mientras que las figuras de los apóstoles se presentan en varios giros. La naturaleza gráfica del diseño, la precisión y claridad de las líneas se combinan en los mosaicos de Cefalu con la expresividad de las imágenes, cada una de las cuales tiene sus propios rasgos característicos.
En los mosaicos de Italia la influencia bizantina convive con la influencia de la teología latina y las tradiciones locales. Uno de los mosaicos del siglo XII conservado en Torcello (Venecia) muestra la composición “La Segunda Venida”, que incluye cuatro registros. En el centro del registro superior, en un medallón ovalado, se representa a un Cristo sentado con los brazos extendidos hacia abajo y las palmas hacia el público (muestra las heridas de los clavos en las manos). Del medallón brota un chorro de fuego que divide la composición en el reino de los salvados (a la izquierda del espectador, es decir, a la derecha de Cristo) y el reino de los condenados (a la izquierda). A los lados de Cristo están la Madre de Dios y Juan el Bautista, detrás de ellos hay una multitud de ángeles. En el mismo registro, los apóstoles aparecen representados con túnicas blancas, con evangelios o pergaminos en las manos; Pedro, según la tradición, tiene las llaves. En el centro del segundo registro está el “Trono Preparado” con una cruz de ocho puntas detrás; cerca de la cruz hay dos Ángeles, al pie del Trono están Adán y Eva arrodillados. En el lado izquierdo del segundo registro están representados Ángeles que abren las puertas del cielo a los justos; a la derecha, ángeles que hunden las cabezas de los pecadores en el fuego eterno; Dentro de la llama, Satanás está representado como una criatura verde con garras blancas, cabello blanco y barba, sentado sobre un dragón de dos cabezas. El lado izquierdo del tercer registro lo ocupan imágenes de los salvados: santos, mártires, santos y santas mujeres vueltos a Cristo en oración. En el lado derecho están los pecadores condenados al tormento, presentados desnudos. El lado izquierdo del registro inferior lo ocupa la imagen de un querubín custodiando la entrada al paraíso, un ladrón prudente con una cruz a la puerta del paraíso, Abraham y Sara con numerosa descendencia. En el lado derecho están los distintos compartimentos del infierno. Toda la composición en su conjunto refleja no tanto la visión bizantina de la recompensa póstuma para los pecadores, sino más bien la idea de la Segunda Venida, el Juicio Final y el tormento eterno, característica de la Edad Media latina.
Los mosaicos de la Catedral de San Marcos en Venecia, inspirados en la Iglesia de los Santos Apóstoles en Constantinopla, se crearon a lo largo de tres siglos, del siglo XII al XIV. Los maestros, tanto de origen griego como local, siguieron el programa de decoración pictórica del templo desarrollado en Bizancio, pero introdujeron elementos característicos del arte occidental. Una parte importante de los mosaicos resultó dañada y fue rehecha en una época posterior. Los mosaicos de San Marcos representan un conjunto rico en contenido, que incluye composiciones de múltiples figuras ejecutadas con habilidad virtuosa. A menudo varios 
Las escenas se combinan en una sola composición. Las escenas del Ciclo de la Pasión, creadas en diferentes momentos, están unidas por la expresividad y el dinamismo. En la escena de la traición de Judas (1180-1190), los rasgos faciales de los personajes negativos (Judas, soldados, sumos sacerdotes) son casi grotescos, muchos personajes están representados de perfil. En la escena de la batalla de Getsemaní (siglo XIII), los apóstoles dormidos están representados de manera realista; cada uno duerme en una posición que es característica sólo de él: uno con la cabeza apoyada en la mano, otro con la cabeza sobre las rodillas, un tercero acostado boca arriba, un cuarto con la cabeza inclinada sobre las rodillas del quinto, etc. .
En el techo del pórtico occidental del templo hay una composición “La creación del mundo” (primera mitad del siglo XIII), que ilustra los dos primeros capítulos del libro del Génesis. (También hay una composición similar en la catedral de Montreal en Sicilia). En el centro de la composición hay un medallón con un adorno en su interior. El medallón está rodeado por tres registros de imágenes: el personaje principal de la mayoría de ellas es el Creador, representado como un Joven en una aureola en forma de cruz; en esta imagen se revive la imagen “antigua” de Cristo como Buen Pastor. Los días de la creación están simbolizados por criaturas angelicales con túnicas blancas, el firmamento está simbolizado por un círculo en el que están inscritos el sol y la luna con rostros humanos, así como estrellas de seis puntas. La historia de Adán comienza en el segundo registro y continúa en el tercero: el rostro de Adán en sus rasgos principales se asemeja al rostro del Creador, lo que indica la creación de Adán a imagen y semejanza de Dios. (En los mosaicos de la Catedral de Montreal, donde se representa al Creador con barba y cabello largo, Adán también tiene barba y cabello largo). Los rasgos faciales de Eva, a su vez, son similares a los de Adán. La composición sorprende no sólo por la perfección de su diseño artístico, sino también por la riqueza de su contenido teológico.
En el período comprendido entre los siglos XII y XIV, muchos templos de Asia Menor, Grecia, Chipre, Macedonia, Serbia y otros países estaban decorados con frescos.
La colección más rica de frescos se conserva en varias iglesias de la ciudad griega de Kastoria (provincia de Macedonia Occidental). Las iglesias de San Nicolás de la Ejecución, los Santos No Mercenarios Cosme y Damián y Panagia Mauriotissa se distinguen por la riqueza especial de su decoración interior. La Iglesia de San Nicolás fue pintada en 1160-1180. 
años; Predominan los relatos evangélicos, así como escenas de la vida del santo; Uno de los frescos muestra al constructor del templo, Nikifor Kaznitsis, y su esposa Anna, sosteniendo un modelo del templo. La Iglesia de los Santos No Mercenarios fue pintada con un estilo similar alrededor de 1180. La composición "El luto de Cristo" (un tema muy extendido en la pintura de las iglesias bizantinas) se distingue por su profunda expresividad. La moderación interior está presente en los rostros de los grandes mártires, cuyas imágenes adornan las paredes del templo. La pintura de ambos templos está dominada por el deseo de realismo y expresión; los rostros están cuidadosamente representados, las poses son flexibles y expresivas; El dibujo es preciso y gráfico. El estilo de las pinturas en el templo de Panagia Mavriotissa, que data de principios del siglo XIII, es algo diferente: no siempre se observan las proporciones correctas en las figuras, las figuras son algo angulares, los rostros son más esquemáticos y convencionales.
En las iglesias serbias se conservan impresionantes conjuntos de frescos: la Virgen María en Studenica (1208-1209), los Santos Apóstoles en Pec (1230-1240), el Salvador en Mileshevo (primera mitad del siglo XIII), la Santísima Trinidad en Sopocani (los primeros frescos datan del año 1265, los posteriores, del siglo XIII y de los años 40 del siglo XIV), Nuestra Señora en Gračanica (c. 1320), el Salvador en Decani (c. 1348) y otros. Estos frescos combinan el estilo bizantino con influencias locales. En las tramas predominan los temas tradicionales: escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, imágenes de santos antiguos. Sin embargo, también hay imágenes de personas que desempeñaron un papel importante en la historia de Serbia y su Iglesia: San Sava, el rey Vladislav y su hermano Radoslav (en Studenica), el rey Uros y su madre Anna (en Sopočany). Algunas imágenes de las iglesias serbias se han hecho mundialmente famosas, por ejemplo, el ángel sobre la piedra de la tumba vacía del cuadro de la iglesia de Milesevo.
No menos interés son los frescos conservados de las iglesias macedonias del mismo período: San Panteleimon en Nerezi (1164), San Jorge en Kurbinovo (1191), Theotokos Perivelepta en Ohrid (1295), San Jorge en Staro Nagorichina (1317). -1318), San Demetrio en el Monasterio de Markov (c. 1370) y otros. En la cúpula de la iglesia de Panteleimon en Nerezi está representado Cristo Pantocrator, en la caracola del ábside hay una media figura de "Oranta" con el Niño en un medallón redondo. El registro inferior del ábside está ocupado por la composición “Eucaristía”, en el centro de la cual hay un altar alargado sobre el que se encuentran el pan y el vino; detrás del altar hay dos Ángeles con rípides en el copón; a los lados del altar está Cristo, representado dos veces, distribuyendo la Comunión a los discípulos. En las paredes del altar hay representaciones de santos de pie, vueltos hacia el espectador, con pergaminos en las manos. Frente a la barrera del altar hay una imagen de San Panteleimon, el patrón celestial del templo, en una vitrina de iconos de mármol tallado. Las paredes del templo están decoradas con composiciones de múltiples figuras que representan diversas escenas de las Sagradas Escrituras. Las obras maestras insuperables son las composiciones del Ciclo de la Pasión: "El Descendimiento de la Cruz" y "La Lamentación de Jesús": en términos de poder de expresión, no tienen igual en la pintura bizantina. En ambas escenas, la Madre de Dios con rostro lúgubre (el dolor se transmite en las líneas de sus cejas, levantadas hacia el centro y bajadas en los bordes, en la curva de sus labios, en sus ojos llenos de lágrimas) se aferraba al rostro de Cristo muerto. En la escena de "Lamentación", la Madre de Dios sostiene el cuerpo de Cristo con dos manos, una agarrando el cuello y la otra la cintura, de modo que el Salvador se reclina en Su seno (esta inusual disposición de figuras enfatiza la maternidad de la Madre de Dios, Su vínculo de sangre con el Salvador nacido de Ella). Juan y José con Nicodemo se inclinaron ante el cuerpo del Difunto en posturas reverentes y de oración; Medias figuras de ángeles se ciernen sobre toda la composición.
La pequeña iglesia de Kurbinovo sorprende con la abundancia de composiciones de múltiples figuras ejecutadas con habilidad virtuosa (los historiadores del arte distinguen el estilo de tres maestros). La mayor parte de los frescos datan del siglo XII, algunos fueron añadidos en el siglo XVI. En la caracola del ábside se representa a la Virgen María sentada en un trono con el Niño Jesús jugando en sus brazos; a los lados de la Madre de Dios están los Arcángeles Miguel y Gabriel. El registro inferior del ábside está ocupado por y 
imágenes de santos. Sobre el ábside se encuentra la composición “Ascensión” con Cristo en un medallón, Ángeles, la Virgen María y los apóstoles. A los lados del ábside se encuentra la Anunciación: en el lado izquierdo hay un Ángel en pose dinámica y grácil, con detallados pliegues de ropa; a la derecha, la Virgen María medio sentada en una postura igualmente inesperada: la cabeza vuelta hacia el Arcángel y las rodillas dobladas en la otra dirección. Las paredes del templo están decoradas con numerosas imágenes de santos, así como de los santos grandes mártires: Thekla, Paraskeva, Theodora, Barbara, Anastasia y Catherine. Las composiciones de varias figuras están dedicadas a las principales fiestas de la iglesia. En cuanto a originalidad de la composición y dominio de la ejecución, destaca la composición “El descenso de Cristo a los infiernos”: Cristo se presenta en el centro en una pose de rápido movimiento; con su mano derecha sostiene la mano de Adán; en su mano izquierda tiene una cruz con una corona de espinas; la cabeza está fuertemente inclinada hacia Adán; El himation ondea con el viento. La figura de Cristo está inscrita en un círculo dividido por ocho rayos de luz en ocho segmentos; la dirección de las líneas principales que forman la figura coincide con la dirección de los rayos, lo que confiere a toda la composición una regularidad casi geométrica y una estricta proporcionalidad.
Los frescos de la Iglesia de la Santísima Virgen María y del refectorio del Monasterio del Santo Apóstol Juan el Teólogo en la isla datan de finales del siglo XII y principios del XIII. Patmos (Grecia). Pintados con notable habilidad, los frescos representan un destacado monumento a la pintura monumental. 
. Uno de los frescos representa "La hospitalidad de Abraham", una trama conocida por las pinturas de las catacumbas romanas y los mosaicos de Rávena. Sin embargo, en este caso, encima de los tres ángeles sentados en poses estáticas, se encuentra la inscripción “Santísima Trinidad”. Los ángeles de la derecha y de la izquierda están escritos medio vueltos, el del medio mira al espectador; la mano derecha de cada Ángel se levanta en gesto de bendición; en la mano izquierda de los dos ángeles laterales hay varas, en la mano izquierda del ángel del medio hay un pergamino. La figura del Ángel del medio ocupa el lugar central; él está vestido con un himation azul y una túnica rojo oscuro (los colores característicos de la vestimenta de Cristo), mientras que los otros dos ángeles están vestidos con himation y túnicas claras. Sobre la mesa hay tres panes, tres cuchillos y un plato con cabeza y huesos de ternera. En la esquina izquierda de la composición, se representa a Abraham con un plato en las manos; Sara está desaparecida.
El Templo de Athonite Protat (norte de Grecia) fue pintado alrededor de 1290 por el legendario artista Manuel Panselin (la información sobre él se conservó en la obra del artista Athonite del siglo XVIII Dionisio de Fourna). El programa iconográfico del templo se divide en varios ciclos temáticos, cada uno de los cuales se ubica en un registro separado. El ciclo festivo incluye acontecimientos de la vida de Cristo basados en el Evangelio. El ciclo de la Theotokos se basa tanto en la narrativa del Evangelio como en información de la Tradición de la Iglesia; La culminación del ciclo de la Virgen es el fresco "Asunción", que ocupa toda la pared occidental de la nave central: es la composición con más figuras de todo el conjunto. El ciclo de la pasión consta de ocho composiciones que ilustran los últimos días, horas y minutos de la vida terrena de Cristo. El ciclo pascual incluye cuatro composiciones dedicadas a la aparición de Cristo a los discípulos tras la resurrección. Siete composiciones componen un ciclo asociado a la festividad de Pentecostés y correspondiente a las celebraciones reflejadas en el libro litúrgico del Triodion Coloreado (Pentikostarion). Las paredes del templo están decoradas con muchas imágenes de santos: antepasados y profetas, evangelistas y otros apóstoles, santos y diáconos, monjes, guerreros, mártires, no mercenarios y curanderos. Panselin prestó especial atención a las imágenes de santos que procedían de Salónica, su ciudad natal.
El arte de Panselin se distingue por su especial profundidad espiritual, claridad plástica, belleza de imágenes y brillo de colores. El artista gravita hacia las composiciones simétricas, el realismo del retrato y las representaciones escultóricas del cuerpo humano. La influencia del hesicasmo se siente en el arte del artista; los rostros - ya sea el de Cristo en el trono, el de la Madre de Dios en el trono, los grandes mártires Theodore Stratelates o Theodore Tyrone - respiran silencio interior y espiritualidad. Los rostros de Cristo en composiciones de una o varias figuras son extremadamente diversos. Uno de los frescos, conocido como “Cristo durmiendo”, representa al Niño acostado sobre una almohada: los ojos del Niño están abiertos, pero su expresión facial es somnolienta, sostiene la cabeza con la mano. En otro fresco, Cristo es representado como un joven de pelo corto y rizado y barba corta (tipo semítico-palestino); la inscripción dice: “Jesucristo en otra forma”. En la composición “Descenso a los infiernos”, se representa a Cristo inclinándose hacia Adán, a quien saca del infierno; los rasgos faciales del Salvador están marcados con el sello de la compasión y la calma; los rostros y figuras de Adán y Eva, por el contrario, están llenos de dramatismo.
Uno de los pináculos de las bellas artes del Renacimiento paleólogo es el conjunto de mosaicos del monasterio de Chora (Kahrie Jami) de Constantinopla. El templo, construido en el siglo XII, es un edificio con cúpula, al que se unen tres edificios más, cada uno con su propia cúpula: nártex, exonártex y pare-clesium. El templo fue decorado con mosaicos a principios del siglo XIV. En una de las cúpulas del templo está representado en m 
alimento de Cristo; Alrededor del medallón estaban dispuestos en filas 24 antepasados. En la cúpula del nártex se encuentra la Madre de Dios, alrededor de la cual se encuentran 16 antepasados. Así, todos los antepasados de Cristo mencionados en su genealogía (Mateo 1:1-16) están representados en el conjunto mosaico de dos cúpulas. Las paredes, bóvedas y velas del nártex están decoradas con numerosas escenas de curaciones y milagros del Evangelio, episodios de la vida de la Santísima Virgen María e imágenes de santos. Imágenes de Cristo y la Virgen María dominan el conjunto de figuras. En uno de los mosaicos del nártex se representa a Cristo sentado en un trono; al pie del trono, arrodillado al pie del trono está el ktitor del templo Theodore Metochites, el gran logoteta (primer ministro) del emperador Andrónico II Paleólogo, con un tocado alto y sosteniendo un modelo del templo del Salvador. En otro mosaico, se muestra a Cristo de pie; a la derecha de 
Él es la Madre de Dios orando, de cara a Él medio vuelta; en la parte inferior de la composición hay pequeñas figuras del sebastocrátor Isaac Comneno y la monja Melania (presumiblemente media hermana del emperador Andrónico II Paleólogo). En la luneta del exonártex se encuentra una impresionante imagen de Cristo “Tierra de los Vivos”.
El conjunto de mosaicos del monasterio se complementa con un conjunto de frescos ubicados en la parekklesia del monasterio y creados en 1315-1320. El centro semántico del conjunto, que incluye varias escenas de múltiples figuras y numerosas imágenes únicas de santos, es la composición "Resurrección". El tema tradicional del “Descenso a los infiernos” (más precisamente, el éxodo del infierno) se interpreta aquí con especial dramatismo. En el centro de la composición hay una imagen frontal de Cristo vestido de blanco; Cristo está de pie con las piernas bien abiertas y sostiene la mano de Adán con la derecha y la mano de Eva con la izquierda. Adán y Eva se presentan en poses dinámicas: Adán casi corriendo hacia Cristo, Eva surgiendo con esfuerzo de las profundidades del infierno. En la mano derecha de Cristo (a la izquierda del espectador) están representados Juan el Bautista y los justos del Antiguo Testamento con aureolas. A la izquierda (a la derecha del espectador) están los pecadores del Antiguo Testamento, liderados por Caín, el hijo de Eva, indeciso.