Arte de Holanda, Países Bajos y Flandes.
Francia Hals. Retrato masculino. Alrededor de 1635.
Yang Van Eyk (1390-1441) Nuestra Señora con un bebé en el trono en el templo. Tríptico 1437. Tablero de roble, aceite. Parte central - 27.5x21,5, lado - 27.5x8
Este es un pequeño tamaño del trabajo: la obra maestra auténtica del arte de los Países Bajos del siglo XV. En la parte central de Tríptico - Virgen María con un bebé en el lujoso interior de la catedral gótica, apretando un magnífico trono tallado entre dos filas de columnas multicolores de Jasper y Mármol.
La faja izquierda representa a Archangel Mikhail ("El líder de la dificultad celestial"), vestida con el correo y el escudo armado, una lanza y una espada. Representa al donador virgen y bebé, el cliente de Tript. Se desconoce el nombre del hombre, se supone que es del genio genovés de Justiniani. En la hoja derecha - Santa Catalina Alejandría con atributos tradicionales, "instrumentos" de su martirio: una espada en su mano y una rueda tortuosa a los pies.
El texto dado en TRIPTYKH es de gran importancia. Estas son citas de la Biblia y otros máneos latinos. El bebé tiene un mensaje con el texto, el llamado paquete: "Aprende de mí, porque tengo un corazón suave y humilde". En los marcos originales de todas las partes de la imagen, se realizan inscripciones, en la barra inferior del panel central en latín, se escribe: "Iohannes de Ayk cumplió y completó el Señor en el verano de 1437. Como logré". ¡Estas palabras estaban disponibles para leer solo en 1958, casi 520 años después de la creación de Tríptico! Hasta ese momento se creía que el trabajo pertenece al período anterior del trabajo del maestro.
Una pequeña cantidad de trabajo le permitió al propietario transportarlo. La técnica del artista se sorprende a la filigrana: los detalles más pequeños se descargan que solo se pueden considerar a través de la lupa. Al mismo tiempo, el aumento no detecta ningún error no seguro, no el menor error en la figura.
Peter Paul Rubens (1577-1640) Devolviendo Diana con caza alrededor de 1615. Lienzo, aceite. 136x184.
En 1608, Rubens, regresó de Italia a Amberes, trajo consigo interés en la herencia del arte y la literatura antiguos, que no se desvanecieron en ella toda su vida y se convirtieron en la piedra angular de la creatividad y las reflexiones sobre el arte. Las parcelas de la mitología griega y romana que usó para muchas de sus pinturas, especialmente personalizadas.
La diosa Diana extremadamente atrajo a Rubens, porque en el mito sobre ella con la antigüedad, se conectó otro tema favorito. El interés del pintor fue calentado por sus cartuchos reales y aristocráticos: la caza fue un privilegio excepcional de estos círculos. El artista creó una serie de pinturas de caza de gran formato, muchas de las cuales tienen una parcela antigua.
A diferencia de otras pinturas en las que el Maestro informa a Paphos de la lucha, en este lienzo, su atención se centra en la belleza de una antigua diosa-cazador. Diana, femenina despedida, defensor, se encuentra con sus compañeros frente a un grupo de satires, que, por cierto, representan otro polo de interés para Rubens, todo lo que está relacionado con la Vakhanalia. Spear Diana distingue bruscamente los dos de estos grupos, dos mundos. ¿Cuántas diferencias de sus participantes son diferentes? Satira demuestra la abundancia de frutas, insinuando lo que el magnífico vino resultará de ellos en el futuro. A su vez, Diana - Pájaros y liebre (símbolos de placeres sensuales) asesinados por ella en la caza. En el sentido simbólico, expresan su negación de los placeres propuestos.
Artistas de los Países Bajos del siglo XVII, a veces aquellos que tenían una especialización estrecha a menudo atrajeron a sus colegas cuando la imagen tenía que ser retratada en lo que no eran lo suficientemente fuertes. Por lo tanto, las frutas y los animales en el lienzo presentado están escritos por Francia Snyders, famosos por las vidas aún y las imágenes de los animales.
Peter Paul Rubens Wirzavia en la Fuente 1635. Tablero de roble, aceite. 175x126.
Rubens creó una gran cantidad de pinturas en parcelas bíblicas. Para entender el trabajo presentado aquí, es necesario conocer la historia bíblica, y el ingenio del artista increíble en la transferencia de sus detalles. Tsar David una vez "caminando en el techo de la casa real y vio una mujer bañera con un techo; Y la mujer era muy hermosa ". Fue Warasevia, la esposa de Uria Hteteyanin. En la esquina superior izquierda del lienzo en el techo del palacio, la figura del zar david, y Warasevia Rubens mostró el inodoro en el sitio que conducía a la piscina. David la sedujo, y a Uria envió a la muerte fiel.
Atención atrae a una joven de lujo; Rubens era un gran maestro de la imagen de un cuerpo femenino, y él creó su belleza Canon. Mientras tanto, es imposible no admirar el ingenio, con el que el artista transmite los momentos emocionales sutiles de esta escena: sorprendió la opinión de Visavi, que no esperaba recibir una carta de las manos enviadas a su Negritena (está claro que la carta puede Solo ser amado), la reacción del perro sonrió en el Messenger y sospechando nelid (sentado a los pies del perro de una mujer en el sistema de símbolos de los símbolos de la pintura de retratos, la era del renacimiento y el barroco personificó una lealtadia conyugal). ¡Y qué tan deliciosamente descargó las figuras de las mujeres, el agua que fluye, la ropa y el paisaje arquitectónico!
Peter Paul Rubens busca Kabana 1615-1620. Árbol, aceite. 137x168.
En las obras de Rubens sobre el tema de la caza, se pueden distinguir dos fases de creatividad. Las imágenes del primer período que duran hasta 1620, a las que se refiere la "búsqueda de un jabalí" se caracteriza por un esquema compuesto centrípeta y diagonal, en ambos lados hay fuerzas desenfrenadas. El trabajo posterior está desarrollando una composición característica de frieze, es decir, la acción en ellas se muestra en la vista horizontal, paralela al plano de la imagen. En el primer caso, la culminación de la caza se enfoca cuando la bestia es superada y derrotada, en el segundo, el proceso de captura. Y si el trabajo del primer período demuestra la victoria de los cazadores sobre un depredador ruidoso, entonces el segundo lienzo: perseguir a los animales indefensos.
La imagen de Dresde en términos de su contenido es mucho más grande que solo una escena de género de la caza. Claramente, "cambia" el antiguo mito sobre la caza de Caledonia, aquel en el que el hechizo Melagr mata a la visión de Kalidon (este mito se establece en la Filostrata de los más jóvenes en el Capítulo 15 de sus "Fotografías"). Todos los participantes de la historia se muestran aquí: el uso se mantiene bajo un árbol en un anillo denso de cazadores y perros enojados. Atalanta solo deja que su flecha; La lanza de la melagra está vinculada a la bestia. Alrededor de los vitermias se encuentra a un hombre muerto. Este tema es utilizado por muchos artistas flamencos para pinturas que representan la caza contra el fondo de un paisaje forestal. Rubens tiene una furia furiosa, la tensión física y espiritual llevada al límite del calor.
Yang Bruegel Senior (1568-1625) Paisaje del río con leñadores 1608. Tablero, aceite. 47x46.
En los viejos tiempos, fue aceptado heredar el caso de los padres, especialmente las profesiones creativas. La dinastía de los artistas, escultores, compositores son conocidos. Breyget Dynasty es una de las más grandes de la historia de la pintura. Por lo general, en tales familias, la figura principal es torres sobre todo: por ejemplo, en el género Bakhov, Johann Sebastian, y en la familia de Bruegelel - Peter Bruegel Senior.
Yang Bruegel Senior (Senior, ya que apareció otro yang, respectivamente, el más joven) obtuvo el apodo "terciopelo" debido al color especial de su pintura. Curiosamente, cinco pinturas del maestro en la Galería Dresden se almacenan en la Galería Dresden, pero no hay trabajo del jefe de la dinastía u otros representantes. Se explica hasta cierto punto, aunque Yang e inferior al talento de su padre, su estatus oficial fue mayor, era un artista de la corte de Ersgertzog Alberta. En consecuencia, las obras de los maestros se mantuvieron en el monarca del apartamento, desde donde fueron más fáciles de llegar a otras reuniones de agosto.
Yang Bruegel Senior escribió en diferentes géneros: paisajes, vidas aún (principalmente flores y animales), pinturas de Picture Picture en temas bíblicos, mitológicos y alegóricos. La imagen presentada es una de las muestras de su pintura del paisaje. El trabajo demuestra claramente la conexión genética de la pintura de Yana Bruegel con el arte del Padre. Se obtiene involuntariamente una comparación con la imagen de Peter Breygel "Paisaje con una caída de Ikara" (alrededor de 1558, el Museo Real de Bellas Artes, Bruselas), escrito 50 años antes de este trabajo. Son similares: La línea ondulada de la frontera del mar y sushi comparte las composiciones en dos partes. En ambos casos, se selecciona un punto alto con un escenario lleno de escenas de género, le permite extender ampliamente la perspectiva. En esta similitud, quizás, termina: la imagen del Padre está llena de calor dramático, mientras que el hijo es solo un paisaje. Y la diferencia no está en la trama, sino en psicología: el arte del Padre refleja su espíritu fruncido, mientras que el Hijo está en conflicto de la naturaleza.
Jan Van Goyen (1596-1656) invierno en el río. B / g. Árbol, aceite. 68x90.5
Los investigadores celebran la característica característica del estilo del artista, que atrae la atención y el espectador ordinario, el horizonte en las pinturas del pintor colocado bastante bajo, por lo tanto, el cielo ocupa aproximadamente dos tercios del área del lienzo. Esto se debe, es probable que el estado del cielo sea claro si es claro o variable el grado de nubosidad, se ve extremadamente afectado por el color visible de un gran espacio de agua, que, como regla, retrató a un pintor y fama ganada. Aunque el trabajo presentado no está escrito al mar, y el río frío del río frío, el cielo todavía juega un papel muy importante. En las obras de Goyen, nunca sucede azul o azul sin nubes, y siempre se aprieta con las nubes. El lienzo del artista se hacen de una manera pintoresca monofónica. Generalmente representó los días nublados, brumosos.
Peneaver Gobbema (1638-1709) Molino de agua. B / g. Roble, aceite. 59.5x84.5
En el siglo XVII en la pintura paisajística holandesa, junto con Rembrandt, Jacob Van Reydal dominó. Desde los estudiantes de Ámsterdam, Mainendert Gobbema (Hobbebeme), adquirido apenas para ser apenas la gloria que la maestra.
El Gobbema del Peinario es el último de los grandes artistas holandeses, los propietarios de paisajes del siglo XVIII. Las imágenes de GOBBS se caracterizan por la simplicidad, la naturalidad y el cuidado de la ejecución. El artista atraerá árboles, gruesos bosques, tipos de pueblos, casas campesinas con techos rojos, campanario de la iglesia, perdiendo en una bruma en el horizonte, iluminada por la luz solar. Plan medio. A menudo, el motivo principal en tales paisajes es el antiguo molino. Muchas variaciones del maestro en este tema se almacenan en diferentes museos del mundo, la imagen Dresde es una de ellas.
Con un molino en la conciencia de una persona, en cualquier caso, la cultura europea, se asocian muchas ideas e ideas, siempre pintando emocionalmente nuestra percepción de ello, tanto en la realidad como en el arte. Tradicionalmente está conectado con la idea de privacidad, pintada por experiencias románticas. El agua de vertido necopeablemente se asocia con la idea de la inmutabilidad del ser, la rueda giratoria es el principal mecanismo del molino, a través de la alusión en la "Rueda de la Fortuna", introduce la idea de la infancia del destino en el círculo. de imágenes nacidas.
Antonis Wang Dake (1599-1641) Retrato de un caballero con un vendaje rojo 1625-1627. Lienzo, aceite. 90x70
Si se determina brevemente por la diferencia entre el arte holandés y flamenco del siglo XVII, se puede decir que la primera está dominada por las vidas aún, llamada "engaño" debido a características realistas y detalles asombrosos de la imagen informada a la imagen. , en los retratos del segundo frente. Antonis Wang Duck es el representante más brillante del género, el maestro del retrato delantero y las historias religiosas en el estilo barroco.
"Retrato de un caballero con un vendaje rojo", una de las mejores muestras de Wang Deean. Compuesto Se construye bien: la cara del modelo: en el centro de las pinturas horizontales, la energía, la fuerza y \u200b\u200bel coraje se sienten a su vez, se preocupa por el espectador. La textura y brillo del caballero latencia es notable.
El retrato fue escrito en ese período de vida cuando Van Dyek se usó inusualmente fácilmente, rápidamente y al mismo tiempo alcanzó el trabajo perfecto de las obras. Al final de la vida, el Maestro golpeó en las finanzas se vio obligado a escribir demasiado para lograrlo con una perfección artística completa. De 1621 a 1627 vivió en Italia, pasando la mayor parte del tiempo en los círculos más altos de la sociedad genovesa. Muchos representantes de la aristocracia se han convertido en modelos para él. Sin embargo, identifique que el carácter en esta web todavía falló. Incluso es posible que este no sea un retrato de una cara real, sino una cierta alegoría.
Rembrandt (1606-1669) Retrato de Sasquia van Eilenburh 1633. Roble, aceite. 52.5x44.5
Alrededor de 1631-1632 Rembrandt se movió para siempre en Amsterdam. Se estableció en uno de los invitados de las imágenes del mercader de Genndrik van Eilenbühur, que ya vivió su pariente, Saskovia Wang Eilenburh. Los jóvenes se amaban y los deseaban en dos años. La niña vino de una familia rica, así que Rembrandt golpeó a la sociedad superior. El período más feliz de su vida comenzó, se convirtió en un artista famoso y de moda.
Thirtiends se remonta a varios retratos de su esposa. Ella era la modelo más querida del artista. Entonces, además de la imagen presentada, puede llamar "Flora", en la que Rembrandt representó a Saskoving poco antes del nacimiento de su hijo Tito. Sasquia sirvió como modelo para el famoso Maestro "Danaja".
Rembrandt (1606-1669) Auto-retrato del artista con la esposa Sasquia 1635. Lienzo, aceite. 161x131
Durante su vida, Rembrandt escribió muchos autorretratos. En la imagen de Dresde, se captura la alegría de la vida, la laminación de la posesión de los amados son los componentes del estado emocional del pintor de este período. Una vista abierta de los personajes, dirigida al espectador (parece que están invitados a dividir su alegría de ser), la cara brillante de Rembrandt, como si llegara a toda la vitalidad, es el estado de ánimo de esta lona.
Sin embargo, el retrato también concluyó a un cierto, espectadores claros de esa provocación de tiempo: el artista se muestra en la imagen ... un hijo pródigo, vertiendo con el curtisano. Cabe destacar que en el Evangelio de Luca, dice claramente: "... la finca propia, viviendo ligeramente". Rembrandt, casarse con el amor, por el contrario, exageró el estado del cónyuge y ganó un estatus social más alto. Como se distingue a este "hijo pródigo", de quien regresó al padre después de largas vagabundas en la imagen erótica del mismo nombre!
Si la comparación con el héroe bíblico es bastante obvia, entonces otro valor semántico de la imagen requiere una explicación. Hay un indicio de un símbolo de las virtudes de la moderación, el embarazo contra el cual llevó a un hijo pródigo a un final triste. Este símbolo, planteado en la mano del caballero (es decir, Rembrandt) un vaso de flauta, ya que fue llamado en un holandés cada vez, un recipiente de medición, un signo de autocontrol sabio, cuya emblemática está subrayada por una desproporcionadamente talla grande.
Villem Clas Hedda (1593 / 1594-1680 / 1682) Desayuno con pastel de arándanos 1631. Madera, aceite. 54x82.
En el siglo XVII en Holanda, muchos artistas crearon todavía vida, y la especialización existió en su entorno: una de las flores retratadas, las otras platos, los instrumentos del tercer - musical. Willem Class Hedda escribió SIMPLICATE NUEVA VIDA Durante varias décadas, al menos se fechan a ambos 1631 (presentado "desayuno con un patio de arándanos") y 1651. Durante tanto tiempo en un género, los artistas lograron una perfección impresionante en la técnica de transmisión de Frutas, verduras., Texturas de tela, metal y vidrio, agua en vasos. Todavía las vidas con alimentos se llamaban "Ontbijtjes" (del holandés - "Desayuno").
La demanda de tales vidas aún era muy grande. A principios de la década de 1630, HED comenzó a escribirlos utilizando cañones bastante conservadores de sus contemporáneos: Floris Clee Wang Dequee y Nikolaesa Gillis. También tiene una tabla estrictamente paralela al plano de la imagen, es decir, la pared trasera de la habitación. Sin embargo, el artista introdujo un cierto avivamiento en la composición de sus vidas aún. Entonces, cierra el mantel blanco, no toda la mesa, sino solo una parte. Así, evita la monotonía del fondo.
Cabe destacar una adicción a largo plazo de HED a los mismos sujetos. Taza, vidrio, copa de vino, hoja de damasco, reloj de bolsillo con una tapa abierta y de manera sorprendentemente escrita con precisión por el mecanismo (el pintor usó los mejores pinceles en el trabajo): todo esto se reproduce con amor indudable.
Jan Davids de dobladillo (1606-1684) flores en un jarrón de vidrio y fruta. B / g. Lienzo, aceite. 100x75.5
Yang Davids de Hem es el artista de los Países Bajos, que trabajó en Leiden por un tiempo, pero en 1635 ingresó al Gremio de Amberes de San Lucas y el próximo año, el ciudadano de Amberes. Alrededor de 1667 regresó a su Utrecht natal, pero en 1672 volvió a llegar a Amberes de los franceses que capturó la ciudad.
De dobladillo se hizo famoso por sus magníficas vidas aún de flores. Se ejecutan tan a fondo que hoy pueden servir como un tipo de libro de referencia de la flora europea. Pero en primer lugar, los lienzos atraen sus cualidades artísticas, la belleza de las combinaciones de plantas y colores de pintura, la riqueza de su paleta, la complejidad de la composición, lo que permite presentar una gama de colores (coloridos) de color brillante (colorido). .
En gran medida, gracias a Manan Davids de Hem, la naturaleza muerta se convirtió en un género independiente de pintura en el trabajo de los maestros holandeses y flamencos del siglo XVII. Todavía la vida de este tiempo es en gran parte leéxica. Entonces, además de los colores reales de la película presentada, se representa una mariposa y un caracol; En otros lienzos hay orugas y larvas. Significan no solo un ciclo de la vida terrenal del hombre, sino también la muerte y la resurrección.
Adrian Brower (1606-1638) Fire de campesinos al jugar a las cartas. B / g. Roble, aceite. 26.5x34.5
Adrian Browver, un estudiante de Francia Gals, fue uno de los creadores más originales en arte flamenco. Vivió una vida corta, solo 32 años, muriendo de la plaga. El artista escribió escenas de género de la vida campesina, bailes populares, jugadores en cartas, fumadores, brahnikov y peleas. Estaba especialmente interesado en sentimientos, expresión y expresión de individuos de personajes. Las imágenes de Brouvera se distinguen por la vivacidad y el ingenio del plan. Algunos de su lienzo pueden causar pensamientos sobre la caricatura. Sin embargo, con una consideración atenta, se entiende que esta es solo la reproducción de los hogares reproducidos a una gran precisión. En los mástiles del Maestro, no hay condena deliberada de héroes a través de la conducción. Acaba de escribir su vida en torno a su vida. Los contemporáneos no apreciaron al pintor, siempre tuvo una gran necesidad. Las próximas generaciones durante mucho tiempo percibieron a Brouvera principalmente como un artista humor, pero más bien fue una figura trágica.
Una pelea cuando jugar a las cartas es una de las parcelas favoritas. La acción tiene lugar en una taberna típica con sus pobres regulares, un ambiente pobre. Sin embargo, para bloquear la pobreza, el maestro, obviamente, fue necesario tener una rica fantasía artística.
Adrian Wang Ostay (1610-1685) Artista en el taller 1663. Madera, aceite. 38x35.5
Adrian Wang Odete - artista holandés de la era barroca, representante del género doméstico. Estudió de Francia Hals, más tarde, Rembrandt influyó firmemente a su manera creativa, pero el talentoso gigante flamenco Adrian Browver tenía un impacto especial. Así que la izquierda era la vida de los holandeses. Los héroes de sus pinturas, por regla general, son personas simples, desde aquí las parcelas correspondientes: escenas en la taberna (a veces con la pelea), ahogadas hermanos, músicos de la música (toda una galería: violinista, flutista, caldera, rinker, increíble incluso La cantidad de plebeyes desempeñan hábilmente herramientas musicales, y especialmente en el violín).
En la parcela de lienzo presentada Pleón. Algunos creen que este es un autorretrato del pintor. Sé que, como puede, el tipo de taller y el trabajo desinteresado en él, causa un sentimiento amable: una habitación espaciosa, llena de luz de una ventana bellamente quemada, un desastre, que puede considerarse creativo ... todo se hace en Cálidos colores armoniosos. En resumen, la imagen crea un ambiente romántico, causa tristeza en los tiempos anteriores y el estado de inmersión total en la creatividad.
Gerard Terborh (1617-1681) Mujer que se lava las manos. Alrededor de 1655. Madera, aceite. 53x45.
Gerard Terboro es un destacado maestro de pintura de género de la Escuela Holandesa del siglo XVII. Al comienzo de su carrera, escribió principalmente escenas de la vida campesina y los soldados, y desde fines de la década de 1640 comenzaron a especializarse en escena en los interiores con un pequeño número de actores, como regla general, estas fueron parejas, damas para leer, Escritura y musicización. Es posible que la señora que se muestre aquí sea la hermana del artista.
El artista vivió en necesidad, esto se explica por el hecho de que usó un estrecho círculo de personas cercanas, en particular hermana Gezin como modelos. Lo más probable es que se presente en la imagen "Mujer, lavando las manos".
Por lo general, tal tipo de parcelas son interpretadas por investigadores como alegóricos de la vida útil de la slituity, pero en este caso el contenido del trabajo es probable que represente la alegoría de la virtud. Sus símbolos: un lecho asentado de camas (en muchos otros lienzos se extenderá), lavándose las manos de la dama (desde el juicio de Christ Póntic Pilato, este gesto simboliza la renuencia a participar en algo reprensible), la falta de joyas en La tabla (en otras escenas similares en sí, el Terborch, tales decoraciones se "lee" a medida que el pago de los méritos de amor) y, finalmente, un perro que protege la tranquilidad espiritual. La ilustración más brillante del significado del símbolo de animales puede servir como la imagen de Jan Wang Eyka "Retrato del Arnalphini Four", almacenado en la Galería Nacional en Londres (ver las colecciones de Tom 11 "Grandes museos del mundo").
Desde el pintoresco punto de vista, Terboro, en este trabajo, se mostró como un maestro insuperable de la transferencia de la materia, en particular el atlas blanco (vestido de niña) y una mesa de mantel multicolor.
David Tenirs Jr. (1610-1690) Vacaciones rurales en un taxi "CRESCENT". Fragmento 1641. Lienzo, aceite. 93x132.
David Tenirs Jr. (Junior, porque fue nombrado como su padre, David Tenirs Senior) superó a sus padres y, a medida que los maestros creían. Las mejores pinturas del artista fueron creadas en la década de 1640, cuando se convirtió en el pintor de la corte de Ertzgertzog Leopold Wilhelm Austrian. Los tenires recogieron la colección artística para el gobernante y se convirtieron en su guardián. En este estado, la tenirist se mostró muy alegremente: no solo dibujó un catálogo de colección, sino que también hizo una pequeña cantidad de una copia de muchas pinturas, incluidas valiosas telas de maestros de la Escuela Venecia del Renacimiento. Se acredita con más de 2000 obras propias, aunque, por supuesto, no era tan prolífico. En la Galería Dresden, se almacenan nueve obras del artista.
Una parte significativa del patrimonio de la TENIRSCA es numerosos trabajos con escenas de la vida de la gente común. La imagen representada es un ejemplo típico de los géneros de Kermesa Popular en el arte holandés: unas vacaciones rústicas con un pequeño conjunto musical indispensable, se extienden las escenas divertidas de los hogares. Victor Hugo en la "Catedral de la Madre Parisina de Dios" escribe sobre la tenir, lo siguiente: "Orgía tomó más y más carácter flamenco. El cepillo de los tenirs en sí podría darle solo un concepto vago ".
VERMER DELFTSKY (1632-1675) en la encía 1656. Lienzo, aceite. 143x130.
Jan Vermer Delftsky es el maestro más grande del género de los Países Bajos y la pintura del paisaje.
La pintura "Sumy" es una de las muchas obras del artista en el género de la escena del hogar. Como casi siempre en el arte de los pequeños holandeses, la escena concluye un significado alegórico. En este caso, tan cerca de Rembrandt en su autorretrato con Sasquia, la trama se eleva al asunto del Evangelio sobre el Hijo Prodigal. El Verer tiene un episodio franco representado en el burdel con todos los atributos de la vida depravada: la moneda que Cavalier ofrece a una dama (pago por ventas de amor), copas de vino en manos de una mujer y un arroyo a la izquierda, buitre , probablemente, laúd, llevado a las heridas del contenido semántico de la imagen de la imagen a la música, firmemente asociada con el amor. El artista al pintar significa que el contenido de Misansen, que es el espectador, se puede decir, una escena teatral con diálogos vivos y claros. El Cavalier a la izquierda, girando los ojos al espectador, como si invita a participar en el PORUSHKA.
VERMER DELFTSKY (1632-1675) Chica leyendo una carta en la ventana abierta 1657. Lienzo, aceite. 83x64.5
El motivo de la carta se encuentra a menudo en los patrones de la versera y siempre está encarnado en la imagen de la heroína, leyendo un mensaje del amado, que está lejos de ella.
Cabe destacar que en la red presentada, el artista planeó retratar a Amur con una carta. Esto se evidencia por los estudios de trabajo en los rayos X, que mostraron el dibujo de AMUR. Por lo tanto, el valor simbólico de toda la escena no está sujeta a dudas. El investigador, Norbert Schneder, incluso vio en la naturaleza muerta y un mantel arrugado en los símbolos de la mesa de los breos perturbados de la lealtad casada y las relaciones extramarivales. Las manzanas y los melocotones son alusias en la historia bíblica de la caída.
Jacob Van Reydal (1628-1682) Cementerio judío 1655-1660. Árbol, Oil.84x95
Casi a la vez, con Rembrandt abrió otro maravilloso holandés, Jacob Van Reydal, el mayor maestro del paisaje, cuyas obras son diferentes no solo por una alta habilidad, sino también en contenido filosófico profundo.
Los paisajes de la Maestra están saturados de drama y pensamientos filosóficos. Son estas características de la creatividad con una fuerza excepcional que se manifestó en el trabajo más difícil y trágico del cementerio judío. Su fundó la imagen de una de las esquinas de un antiguo cementerio judío realmente existente, ubicado cerca de Ámsterdam. En el fondo, las ruinas de la antigua sinagoga, operando hasta 1675 y la huelga de rayos interrumpidos. En el frente, varias lápidas de mármol, uno de ellos pertenece al ex médico personal del rey francés, Henry IV, el segundo, el rabino principal de Ámsterdam, y el tercero es un ciudadano rico.
La imagen se hace en tonos de color verde oscuro oscuro, el fondo crea un cielo tormentoso con nubes siniestras, de baja colgante. El silencio del cementerio pesado se transfiere con precisión, el dolor de edad impregna cada esquina. Existe una sensación de inevitabilidad de la muerte, a corto plazo y la inutilidad de la existencia terrenal. Wolfgang Goethe llamó a un poeta y un pensador de Raisdal. La efelización de la vida humana se enfatiza por la violencia de la vegetación, los poderosos árboles, la eternidad de la naturaleza ...
Durante la vida del artista, la imagen se llamaba "la alegoría de la vida humana". Notable para elegir la trama: ¿Por qué el autor desplazó al autor para expresar su mundo-condemia, y no más cerca del cementerio protestante? ¿Por qué exactamente este trabajo es el artista, el artista caerá una atención tan excepcional? Además de numerosos bocetos preparatorios, el Ryzdal hizo dos opciones de trabajo completadas: Dresden (1650-1653) y Detroit (1660). No queda explicación a este artista.
Parece que el contenido filosófico del "cementerio judío", se inspiró en el maestro de Ecclesiast. Este libro tuvo una impresión muy fuerte en él. La imagen de la corriente, el flujo furioso del funcionamiento entre las piedras, se asocia con la lectura del Antiguo Testamento. En el libro del profeta Isaías, se dice: "Agua, especialmente" en vivo ", teniendo una llave, simboliza la vida y la felicidad".
Gabriel Metshuyu (1629-1667) Dich's Trader 1662. Roble, aceite. 61x45
Gabriel Metsu, artista holandés y dibujante, escribieron imágenes sobre historias religiosas y mitológicas, sigue siendo vidas y retratos. En el talento 1660, la metasía se manifestó más plenamente en el área del género del hogar, reflejada en un grado u otro, la influencia de la pared, Terborch, de Hoha, apalancamiento.
Metzu aparece en un maestro maduro, propenso a la narrativa narrativa y la divulgación íntima-lírica del tema, con confianza con las técnicas de pintura tonal cálida con fuertes contrastes de sonido de los puntos de color y, así como material tangible en la imagen de telas, piel, Platos, queridos productos. Sus acogedores interiores se llenan generalmente con dos tres figuras.
En uno de los pocos de sus obras que representan la vida de una gente sencilla, la metasía reproducía la esquina de la calle. La pared con un estuco agrietado se sienta al anciano, un comerciante de corazón, su ropa se arranca, una especie de lástima. Diseñado para fortalecer la impresión de la pobreza, más allá de la mujer ricamente vestida, a la que el anciano ofrece sus bienes. Sin embargo, la pintura construida en los contrastes sociales y reclamando una profunda penetración en la vida contiene, sin embargo, solo una declaración estatal simple. El espectador no toca el evento que está sucediendo, el propio artista mirando al pobre anciano con los ojos de un hombre rico para él. La metasía es inusual para el sentimiento de injusticia social y la tragedia de la vida.
Capítulo 6 Arte militar. La dominación del arte operacional en el aire es una superioridad decisiva de la aviación de una de las partes en el espacio aéreo en un TVD, una importante dirección operativa o en un área determinada. Permite la fuerza aérea, así como la tierra
Del libro Todos los países del mundo. Autor Varlamova Tatyana KonstantinovnaReino de los Países Bajos de los Países Bajos La fecha del establecimiento de un estado independiente: 1609. Deportes: 41.5 mil metros cuadrados. División Kildenini-Territorial: 12 ProvinciaTolitz: Amsterdamofial Idioma: Países Bajos: Euromelección: 16.3 millones (2004) Densidad
Desde la nota del libro a los ciudadanos de la URSS, saliendo al extranjero. Autor autor desconocidoReino de los Países Bajos Departamento Consular de Embajada: Gaaga, Andries Bikerweh, 2, Tel. 070-45-13-00, 070-45-13-01, TELEX
Desde el libro en el extranjero Autor Chuprinin Sergey IvanovichLos escritores de los Países Bajos Alla Avilovilov Alla nacieron en 1948 en Moscú. Se graduó de la Facultad Filológica de la Universidad Estatal de Moscú. Trabajó en el "conocimiento" de ED-VE, en el APN. En 1979 se mudó a la residencia permanente en Holanda, vive en Ámsterdam, trabaja en la "coordinación" semanal, informando sobre las conferencias.
Del libro abogado Enciclopedia AutorPaíses Bajos (Reino de los Países Bajos) Países Bajos (Reino de los Países Bajos) es un estado en Europa occidental; N. Posee una serie de islas de antille. En forma de un dispositivo de estado N. - Estado unitario. El país se divide en 12 provincias. En la Ley de Provincias.
Desde el libro, geografía filateléctica. Países extranjeros europeos. Autor Vladitel Nikolai IvanovichPaíses Bajos (Reino de los Países Bajos) Nederland. KONINKRIJKTIER NEDERLANDENGOS-EN NORTE. La costa de Zap. Europa. Terra. 36, 6 mil metros cuadrados. KM.NAS. 13, 9 millones (1978), en el OSN. Holandés. Capital - Ámsterdam. Las reglas y el parlamento están en La Haya. Expresar Idioma - Netherlands.Nellands - Constitución.
Desde el libro, la literatura extranjera del siglo XX. Libro 2. Autor Novikov Vladimir IvanovichFlanders Roads (1960) Roman (1960) Por primera vez con los héroes de la novela, el autor nos presenta en la víspera de cómo están en las tropas francesas que llevan las luchas contra los conquistadores fascistas en
Desde el libro Dresden Art Gallery Autor Mikepar A.Pintando los Países Bajos Iohhim Patinir. Freak Charon. 1520-1524 Rogir van der Wayden (alrededor de 1400-1464) eliminando de la cruz. Cerca de 1435. Madera, aceite. 220x262Trando la posibilidad de reflexión artística del mundo interno de la personalidad, Wayden se convirtió en un maestro reconocido
Del libro del autor.Pintura Flandes Peter Paul Rubens. Tres gracias. 1630-1635 Jan Bruegel Senior (aterciopelado) (1568-1625) Alegorio de la vista 1617. Aceite de lienzo. 65x109 Flammand Pintor y grabador Yang Bruegel pertenece a la dinastía de los artistas, que era su padre Peter Bruegel
Del libro del autor.Arte de Holanda, Países Bajos y Flandes Frans Hals. Retrato masculino. Cerca de 1635 Yang Van Eyk (1390-1441) Nuestra Señora con un bebé en el trono en el templo. Tríptico 1437. Tablero de roble, aceite. Parte central - 27.5x21,5, Lado - 27.5x8 Este tamaño pequeño - genuino
Después de casi doscientos años, en 1820, la galería de arte real se publicó en este edificio, una de las mejores reuniones de la pintura holandesa de los siglos XV-XVII.
Siglo xvii Llaman a la "Edad de Oro de" Pintura holandesa (no para confundirse con la "Edad de Oro", bajo la cual el trabajo de artistas de Flandes XV sigue siendo los llamados "primitivistas flamencos").
Todos los géneros de esta era de arte visual holandés son plenamente y diversos en la galería: grandes muestras de retratos, paisajes, vidas aún, lienzos históricos, finalmente, la apertura principal de los maestros holandeses es escenas de género, o escenas de la vida cotidiana.
Parece que no hay ningún artista importante de los Países Bajos, cuya creatividad no habría sido representada en el Museo de La Haya. Aquí y los retratos de Anton Wang Dyk y Jacob Wang Campen, y el maestro de la naturaleza muerta Willem Wang Elst y Balthazar van der Aste, famosos jugadores de paisajes: Hendrik Averkamp con su famoso "paisaje de invierno", Jan Wang Goyen y Salomon Wang Ryuisde, y, de Curso, maestría brillante de género Herard Ter Burch, Peter de Changh, Gerard Dow y otros.
Entre los muchos nombres gloriosos se asignan cuatro más importantes para el arte holandés. Esto son las paredes de Yang, Francia Hals y los dos Genio más grande del holandés Rembrandt Wang Rhine y Johann Vermeer.
En esa época, el artista holandés a menudo dedicaba su arte a cualquier género favorito. Estas son las paredes y los talsos. Toda mi vida, estos artistas trabajaron cada uno en su campo: las paredes desarrollaron la escena del género, HALS llegó a una habilidad superior en el retrato.
Ahora el trabajo de estos maestros se considera clásico en su género. En el museo se puede ver el "niño de risa" de França Hals y "El viejo canta - Joven Sang" Yana Wall.
Ni Rembrandt ni Vermeer ataron su creatividad con ningún género. Ambos, aunque con una intensidad diferente, trabajados en una amplia variedad de áreas, desde el retrato hasta un paisaje, y en todas partes alcanzaron los picos inaccesibles, retirando resueltamente la pintura holandesa del marco de género estrecho.
Rembrandt se presenta generosamente en los museos de su tierra natal. Una variedad de su herencia refleja la exposición de La Haya. El museo exhibe tres pinturas del artista: "Simeon, alabando a Cristo", "La lección de la anatomía del doctor Tulp" y uno de los últimos auto-retratos del Gran Maestro.
Vermeer, por el contrario, dejó extremadamente pocas pinturas. Los museos que poseen una o dos imágenes de este misterioso pintor se pueden contar en los dedos.
Solo seis de sus obras maestras se mantuvieron en la patria del artista. Cuatro de ellos son la mayor colección de Vermeer en el mundo, almacenada en Rixmusee en Amsterdam. Los otros dos son legítimamente orgullosos de La Haya. Este es el famoso "Tipo de Delft", la ciudad natal de Vermeer y, quizás, la imagen más famosa, que se ha convertido en un museo de "Tarjeta de visita" - "Chica con Pearl Grey" "LCA".
Colección de pintura de los Países Bajos del siglo XVII: la principal riqueza del museo. Sin embargo, la exposición no se limita a ella: la Galería de La Haya se enorgullece de las creaciones de los artistas de otra "Edad de Oro", flamenco. Aquí se almacenan las obras de los maestros del siglo XV: "Correo de Cristo" Rogira van der Waiden y el "retrato masculino" de Hans Memling.
Meeting Moritzhaus complementa la galería de arte de Prince Villem V. Esto es cronológicamente el primer Museo de Hombreas de Holanda. La exposición de la misma, recogida por el Príncipe y reflejando su gusto, está dedicado a pintar el siglo XVIII.
Moritzhaus está abierto de martes a sábado de 10 a 17 horas. El domingo y los fines de semana, de 11 a 17 horas. Fin de semana - lunes. Precio de entradas 12.50 NLG. Niños de 7 a 18 años - 6.50 NLG.
La Galería Villem Villa está abierta todos los días de 11 a 16 horas. Fin de semana - lunes. El boleto cuesta 2.50 nlg. Niños de 7 a 18 años - 1.50 nlg. Al presentación del boleto a Moritzhouse, la entrada a la Villem Ving Gallery V es gratuita.
Alrededor de la mitad de la tabla XVI. En el medio de los Países Bajos, existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte doméstico, su angularidad y sequedad gótica: el estudio de los artistas italianos del Renacimiento y la conexión de sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Esta aspiración ya está mirando las obras de los más mencionados en la mayoría; Pero el principal distribuidor del nuevo movimiento debe ser considerado Yang Schorel (1495-1562), que vivió en Italia y después de la escuela, luego en Utrecht, de la que vino una serie de artistas infectados con el deseo de lidiar con Dutch Rafael y Miguel Ángel. fuera. Según sus pasos, Martin Van Van, apodada Gamskerki (1498-1574), Henrik Golcyus (1558-1616), Peter Montford, Proble. A prueba de bloques (1532-83), Cornelis. Harlem (1562-1638) y otros ya pertenecientes al próximo período de la escuela, lo que, por ejemplo, Abraham Blumart (1564-1651), Gerard Gontlesk (1592-1662), fue para los Alpes para penetrar en las perfecciones de las Cornnesas de la pintura italiana, pero cayeron en su mayor parte, bajo la influencia de los representantes de la decadencia de esta pintura comenzó en ese momento, y regresó a la Mañaryist Maris, imaginando que el conjunto de la técnica es llevar a los músculos, en el despojo De los ángulos y los colores condicionales de la fractura. Sin embargo, la pasión de la gente por los italianos, a menudo sacrificada en la época de transición de la pintura al extremo, trajo un tipo de beneficio, ya que contribuyó a esta pintura la mejor, más dibujo científico y disminuir más libremente y con valentía disponer de la composición. Junto con la tradición de Stagniderland y el amor ilimitado por la naturaleza, uno de los elementos, de los elementos, de los cuales el arte original, altamente desarrollado de la era floreciente. La ofensiva de esta era, como ya hemos dicho, debe dedicarse al comienzo del arte XVII., Cuando Holanda, ganó la independencia, sanó la nueva vida. La fuerte transformación del país oprimido y pobre en una unión estatal políticamente importante, bien establecida y rica, fue acompañada por un golpe igualmente agudo en su arte. Desde todos lados, casi al menos, hay maravillosos artistas que causaron el aumento del espíritu nacional y el desarrollo en la sociedad la necesidad de su trabajo en la sociedad. Nuevo - Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam y otros se añaden a los centros artísticos originales, Garleom y Leidenu todas partes Notas en el anterior previamente.. La reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar los palacios y las cámaras necesarias con imágenes de dioses y héroes antiguos, y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisface los gustos de la rica burguesía, dejó caer el idealismo y se dirigió a la reproducción exacta de la realidad: los eventos de larga duración que ella Comenzó a interpretar cómo los eventos del día que tuvieron lugar en Holanda y en las características dedicadas a un retrato, perpetuando las características de la gente de ese tiempo, en las figuras individuales, en las exposiciones extensas y multifiantes que representan a las sociedades de pequeña escala. (Scholterstuke), quien jugó un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país, las normas de sus establecimientos caritativos, el matrimonio de la tienda y los miembros de varias corporaciones. Si decidimos hablar sobre todo el retrato dotado de la era floreciente de la Golle. El arte, entonces una lista de sus nombres con una indicación de lo mejor de su trabajo tomaría muchas líneas; Por lo tanto, estamos limitados a mencionar solo a los artistas que se emiten especialmente desde el rango general. Tal: Michil Mireview (1567-1641), su estudiante de Man Morels (1571-1638), Thomas de Caerizer (1596-1667) Yang van Rawesein (1572? - 1657), los predecesores de los tres más grandes retratos de Holland - Clavius De Rembrandt Rembrandt Wang Raina (1606-69), un dibujante incomparable que tenía un arte increíble modelando las figuras en la luz, pero un poco de carácter frío y sabor de la Bartolomeyushus van der Gelsta (1611 o 1612-70) y el Figurando su cepillo del Goloss Senior (1581-1666). De estos, el nombre del nombre de Rembrandt brilla especialmente brillantemente en la historia, primero que usó honores de sus contemporáneos, entonces se olvidan, poco apreciados por la descendencia y solo en el siglo actual erigieron en toda la justicia al grado de genio mundial. En su característica personalidad artística, tanto en foco, todas las mejores cualidades de la G. Pintura y su influencia afectaron a todo su nacimiento, en los retratos, pinturas históricas, escenas domésticas y paisaje. Entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt adquirieron la mayor fama: Ferdinand Dolor (1616-80), Giatert Flink (1615-60), Herrand Wang Den Ecut (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Helder ( 1645-1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victs (1621-74), Karel Fabrichius (OK. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Peter de GBEBE , Villem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dow (1613-75) y Samuel Van Gogstraten (1626-78). Además de estos artistas, la lista de los mejores retratos y pintores históricos del período considerado a nombre Yana Livenza (1607-30), camarada Rembrandt por estudio en P. LASTMAN, Abraham Van Tepel (1622-72) y Peter Nogon (1612-91), que aparentemente, bajo la influencia de en. Galsta, a los heohannes, a duda, a la demida a Johannes (1597-1662), Yana y Jacob de Braév († 1664, † 1697), Cornelis Wang Ceileylene (1594-1664) y Nicolas de Gelta Slakada (1614-69). La pintura para el hogar, los primeros experimentos de los cuales aún estaban en la antigua escuela de Países Bajos, se encontraron en el siglo XVII. Suelo especialmente agradecido en protestante, libre, burgués, satisfecho con Holanda. Las imágenes pequeñas, que representan en serencialmente la moral y la vida de diferentes clases de la sociedad local, parecían suficientes personas más exigibles que las grandes obras de pintura grave, y a la par con paisajes, más útiles para decorar acogedoras viviendas privadas. Todos los artistas de Hordee satisfacen el requisito de tales imágenes, sin pensar durante mucho tiempo por elección, pero para reproducir concienzamente todo lo que en realidad no muestra el amor de su propio, nativo, luego el humor de buen carácter, que describe con precisión el Posiciones y caras y cara sofisticada en la habilidad de la tecnología. Luego, alguien ocupa una vida común, las escenas de la felicidad y la pena campesinas, un alcohol en calabacín y hordoles, reuniéndose frente a los hoteles de la carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje en ríos y canales congelados con hielo, etc., otros toman el contenido para Sus obras desde el círculo más elegante, escriben damas elegantes en su ambiente íntimo, dejándolos a los caballeros, a los dueños de los hogares que dan órdenes a las criadas, los ejercicios de salón en música y el canto, los centés de los jóvenes de oro en casas de placer, etc. en La larga fila de los artistas de la primera categoría primero Adrian e Izac en. Ostay (1610-85, 1621-49), Adrian Browver (1605 o 1606-38), Jan Stan (aproximadamente 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richard Blanbürg (1650-1702), P. V. LAR, apodado en Italia Bambecio (1590-1658), Cornelis Duzart (1660-1704) Egbert van der Bulch (1621-64), Cornelis Drochslot (1586-1666), Egbert In. Gamskerk (1610-80), Henrik Rockes, llamado Zorg (1621-82), Clas Molyar (a principios de 1630-76), Yang Minse Molyar (aproximadamente 1610-68), Cornelis Safelevlen (1606-81) y Nº. Dr. De un número igualmente significativo de pintores que se reproducen por la vida del medio y superior, en general, lo suficiente, disfrute de la fama de Gerard Terborh (1617-81), Gerard Dow (1613-75), Gabriel Metsu (1630 -67), Peter de Gogh (1630-66), Kaspar Nesser (1639-84), Francia en. Miris Senior (1635-81), Eglon van der Nar (1643-1703), Gottfried Schalken (1643-1706), Yang van der Mayor Delft (1632-73), Johannes Victor (1650-93), que quiere brigal AP († 1668). Jacob Oxtervelt († 1670), Dirk Gals (1589-1656), Anthony and Parametes ParameySA (1601-73, 1607-38) y otros. A la categoría de género, puedes clasificar a artistas que escribieron escenas de la vida militar, la ociosidad. de soldados de la guardia, campings, enfrentamientos de caballería y la totalidad de las batallas, caballos amaway, así como rociados con escenas de batalla escenas de halcón y perro de caza. El representante principal de esta pintura de la industria es la famosa y extraordinariamente prolífica Philips of Hovverman (1619-68). Además de él, su hermano de este Maestro, Peter (1623-82), Yang Asselin (1610-52), que pronto se reunirá en una serie de jugadores de paisajes, la mencionada Palamesa, Jacob Icek (1600 a más tardar 1660) , Henrik Versheuring (1627- 90), Dirk Stop (1610-1680), Dirk MAC (1656-1717), etc. En muchos de estos artistas, el paisaje desempeña el mismo papel importante como figuras humanas; Pero en paralelo con ellos, la masa de los pintores, lo puso por lo principal o una tarea excepcional. En general, los titulares holandeses pertenecen al derecho inalienable de estar orgulloso del hecho de que su patria es una patria no solo el género más nuevo, sino también el paisaje en el sentido, como se entiende en nuestros días. De hecho, en otros países, por ejemplo. En Italia y Francia, el arte no estaba muy interesado en la naturaleza inanima, no encontró una especie de vida, ni una belleza especial en ella: el pintor introdujo un paisaje en sus pinturas solo como un elemento lateral como un paisaje, entre las cuales los episodios de el drama o comedia humana se reproducen las condiciones de la escena, viene con las líneas pictóricas líneas y manchas favorables, pero no copiar la naturaleza, no penetra que impresiona. De la misma manera, él "compuso" es la naturaleza y en esos casos raros cuando intentó escribir una imagen puramente paisajística. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en una naturaleza inanimada respira su vida, todo es atractivo, todo es capaz de causar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y fue bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon sus manos alrededor de ellos con sus propias manos, tratadas y admiraban cómo valora su padre y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y pinturas, representó tales colorantes, ya que había el material holandés, abundante para el desarrollo de motivos de iluminación y una perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país, su impregnado con aire de vapor. , mitigación de los contornos de los objetos que producen la gradación de los tonos en varias los planes y cubriendo la distancia de un quimotripsina plata o de oro niebla, así como la variabilidad de las especies causadas por la época del año, la hora del día y la estado del clima. Entre los jugadores del paisaje del período de floración de la GOL. Escuelas que fueron interpretadas por su naturaleza doméstica, especialmente respetadas por: Yang. Goyen (1595-1656), quien, junto con Ezaias Van de Veld (aprox. 1590-1630) y Stars Peter Molen. (1595-1661), considerado el fundador de la GOL. paisaje; Luego el alumno de este maestro, Salomon en. Ryuzdal († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Weinants de Yang (aprox. 1600 - más tarde de 1679), los efectos aficionados de mejor iluminación de arte. D. NAR (1603-77), Poetic Jacob In. Ryuzdal (1628 o 1629-82), Meert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Decker († 1678). Entre los holandeses, también había algunos jugadores de paisajes que estaban atrapados en el viaje y reproduciendo los motivos de la naturaleza extraterrestre, que, sin embargo, no les impidió que los preservaban en su pintura. Albert c. Everyenen (1621-75) representó los tipos de Noruega; Jan Bot (1610-52), Dirk en. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Jan adentro. d. alcalde Jr. (1656-1705), Herman Sakes (1610-85) y Jan Griffff (1656-1720) - Rin; Jan Gakkart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Polenhenburg (1586-1667) y el grupo de sus seguidores escribieron paisajes a los motivos de la naturaleza italiana, con las ruinas de los edificios antiguos, las ninfas de baño y las escenas de la Arcadia imaginaria. En una secreción especial, los maestros se pueden distinguir, que en sus pinturas combinaron el paisaje con la imagen de los animales, lo que brinda ventaja de la primera, luego la segunda o la relación entre ambas partes con la misma atención. Famoso en una serie de tales pintores de Idyll rural - Paulus Potter (1625-54); Además de él, ADRIAN C se cuenta aquí. Velda (1635 o 1636-72), Albert Cape (1620-91), Gondius Abraham († 1692) y numerosos artistas que abordaron los temas preferiblemente o exclusivamente a Italia, ¿cuáles son los: Villem Romain († más tarde 1693), Adam Peynaker (1622-73), Jan-Baptist Veniks (1621-60), Yang Asselin, Claster Bercher (1620-83), Karel Duzrden (1622-78), Thomas Wake (1616? -77) Frederic de Musheron (1633 o 1634 -86) y otros. La pintura de especies arquitectónicas está estrechamente adyacente al paisaje, que los artistas holandeses comenzaron a participar como una industria independiente de arte solo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los trabajados desde entonces, en esta parte, fueron sofisticados en la imagen de las calles urbanas y áreas con sus edificios; Tal, entre otros, menos significativos, Johannes Bareresthane (1622-66), Ib y Gerrit Verk-Gade (1630-93, 1638-98), Yang In. D. Gayden (1647-1712) y Jacob en. Village Yulft (1627-88). Otros, entre los cuales Peter Sanrenian († 1666), Dirk en. Dellen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), escribió especies internas de iglesias y palacios. El mar tenía mucha importancia en la vida de Holanda, que su arte no podía tratarlo lo contrario, como con la mayor atención. Muchos de sus artistas comprometidos en el paisaje, el género e incluso un retrato, despegando en el momento de sus parcelas ordinarias, fueron hechas por los marinistas, y si nos atendían a listar a todos los pintores de Dutchsk. Las escuelas que representan un mar tranquilo o furioso, barcos, obstruidos con barcos del puerto, las batallas marinas, etc., habrían resultado ser una lista muy larga, que se incluiría en los nombres de Ya. Goyena, S. de Wiliger, S. y Ya. Ryuisdalea, A. Cape y los demás ya mencionados en las líneas anteriores. Limitado en la misma indicación sobre aquellos para quienes la pintura de especies marinas ascendió a una especialidad, debemos llamar al Willem en. De Velte Senior (1611 o 1612-93), su famoso hijo V.. De Velda Jr. (1633-1707), Lyudolf Bucmaisena (1631-1708), Yana. De Kappell († 1679) y Julius Parcelis († más tarde, 1634). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón del hecho de que se formó y desarrolló un género de pintura, que en otras escuelas no se cultivó como una industria especial e independiente, a saber, las flores de pintura, las frutas, las verduras, el ganado, Accesorios de cocina, área de comedor, etc. - En la palabra, lo que es habitual que se llamará "Naturaleza muerta" (Nature Morte, Stilleben). En esta área entre el objetivo. Artistas de la era floreciente adquirieron la mayor fama de Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gundecuiter (1636-95), Maria Osterweik ( 1630-93), Villem en. Alsti (1626-83), Willem Ging (1594 - 1678), Calph Villem (1621 o 1622-93) y Yang Waniks (1640-1719).
El brillante período de pintura holandés ha estirado durante mucho tiempo, solo un siglo. Con el comienzo del siglo XVIII. Viene su declive, no porque la costa de Zeerze dejó de producir talentos congénitos, sino porque en Gol. La sociedad cada vez más debilita la autoconciencia nacional, el espíritu nacional se evapora y los gustos franceses y las vistas de la era rociada de Luis XIV se evaporan. En el arte, este giro cultural se expresa por el olvido de los artistas de los principales principios, que dependían de la originalidad de los pintores de las generaciones anteriores, y la apelación a los principios estéticos enumerados del país vecino. En lugar de una actitud directa hacia la naturaleza, el amor por la dominación y la sinceridad, la dominación de las teorías sesgadas, la convencionalidad, la imitación de Poussin, Lebré, Cl. Lorrane y otros. Cables escolares franceses. El principal distribuidor de esta arrepentible dirección se resolvió en Amsterdam Flemandes Gerard de Lesters (1641-1711), el artista es muy capaz y por su tiempo educado, quien tuvo una gran influencia en los contemporáneos y la descendencia más cercana como su forma de pinturas pseudo-históricas. y trabaja por su pluma, entre la cual uno: "Gran libro de pintura" ("T Groot Schilderboec), durante cincuenta años sirvió como un código para jóvenes artistas. El famoso Adrian en la escuela también ha contribuido a. de verff (1659- 1722), la pintura iluminada, que son figuras de marfil frío, con un sabor indecible y impotente parecían tener una vez la perfección de conducción. Entre los seguidores de este artista, fue fama como pintores históricos Henrik en. Limborg (1680-1758) y Philip V. -Dajk (1669-1729), llamado "pequeño en. -Neke". De otros pintores de la era en consideración, dotados de indudable de Dios, pero infectado D El Yum of Time debe celebrarse Willem y Francia. Mirisa Junior (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Victor (1673-1746), Netzer Konstantin (1668-1722), Izaca de Musheron (1670-1744) y Karel de Mora (1656-1738). Cornelis Cornef (1697-1750), predominantemente caricaturista, apodado Holanda, dio un poco de brillo de la escuela de muerte. Gogard, Portreetist Jan Quinchard (1688-1772), pintor decorativo-histórico Jacob de Vit (1695-1754) y pintores de la naturaleza muerta Yang en. Geijum (1682-1749) y vuelos de Rachel (1664-1750).
Un efecto extranjero en los veinte años del siglo XIX es alienígena a los veinte años del siglo XIX, mientras que más o menos reflejan esas modificaciones en ella, qué arte se tomó en Francia, comenzando con el par de la época del rey solar y Terminando con el pseudoclassismo David. Cuando el estilo de este último ha hablado su edad y en todas partes en el oeste de Europa, en lugar de apasionado, el deseo romántico, dominado como poesía y artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, se dirigieron a sus viejos tiempos y, en consecuencia, al pasado glorioso de su pintura. El deseo de informarle de nuevo el brillo como ella brilló en el siglo XVII, comenzó a animar a los más nuevos artistas y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales, a una observación estricta de la naturaleza y una actitud sincera y sincera hacia los presentadores. Al mismo tiempo, no intentaron eliminar completamente la influencia extranjera, sino que van a estudiar en París o Düsseldorf y otros centros de arte de Alemania, exportados a casa desde allí solo conocidos con los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, la escuela holandesa revivida ha recibido nuevamente la fisonomía original, bonita y se mueve en nuestros días en el camino que lleva a un mayor progreso. Para muchos de sus líderes más nuevos, puede oponerse con seguridad a los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el valor cercano de la palabra se cultiva en él, como en los viejos tiempos, muy moderadamente y no tiene representantes sobresalientes; Pero de acuerdo con la parte del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros más nuevos significativos, ¿qué son: Jacob Square (1793-1861), Ari Lamme (R. 1812), Peter en. Skendel (1806-70), David Blis (nacido 1821), Herman Ten-Kate (1822-1891) y que abandonó la abrazancia altamente impresionante de Alma Tadema en Inglaterra (R. 1836). En el género doméstico, que también se incluye en el círculo de actividad de estos artistas (con la excepción de la Alma Tadema), puede ser indicado por una serie de hermosos pintores, a la cabeza de la cual IDEF R. 1824) y Christoffel Bisshop ( R. 1828); Además de ellos, usted es digno de ser llamado Michil Verseg (1756-1843), Elkhanon Vervar (r. 1826), Teresa Schwartz (r. 1852) y el Valle de Mus (r. 1857). Especialmente rico en el Gol más nuevo. Pintar con jugadores de paisaje que se preocupan y preocupándose en una variedad de nacimientos, luego con cuidadosamente terminados, luego con las extensas técnicas de los impresionistas, pero los intérpretes leales y poéticos de su naturaleza nativa. Andreas Schelfgoot (1787-1870), Bartain Kukkuk (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Rulofs (p. 1822), Gendrich In. De Sanda-Bike Mesen (R. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (R. 1837), Vodwejak Apol (R. 1850) y MN. Dr. HEIRS STRET SHA. V. El pueblo de Heyden y E. de Witte fueron los pintores de especies prometedoras Yang Vergeiden (1778-1846), Bartolomeyus en. Kazy (1790-1888), Salomon Vervar (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbe (1817-91), Johannes Weissengruch (1822-1880) y otros. Entre los más nuevos marinistas del Campeonato de Palm Países Bajands Pertenece a IIOG. Schotel (1787-1838), Jugador Ari (R. 1809), Herman Kukkuk (1815-82) y Henry Mesca (p. 1831). Finalmente, en la pintura de los animales, se observó el gran arte de los wulles vershur (1812-74) y Johan Gus (p. 1832).
Cf. Furgoneta u. Van der Willigen, "Geschiedenis der Vaderlandische Schilderkunst, Seedert de Helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman U. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2nd y 3rd Toma, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der Deutschen und Niderländischen MaleSchulen" (1862); Bode, "Studien Zur Geschichte der Holländischen maleei" (1883); Havard, "La Peinture Hollandaise" (1880); E. Fromento, "Les Maîtres D" Autrefoois. Belgique, Hollande "(1876); A. Bredius," Die Meisterwerke des Rijksmuseum Zu Amsterdam "(1890); PP Semenov," Etudos en la historia de los Países Bajos pintando sobre la base de sus muestras en San Petersburgo "(un especial Aplicación a la revista "VESTN. Elegante. Arts", 1885-90).
El tiempo de nacimiento de la escuela holandés se considera los primeros años del siglo XVII. Esta escuela pertenece a las grandes escuelas de pintura y es una escuela independiente e independiente con características e identidad únicas y únicas.
Tiene una gran explicación histórica, un nuevo curso en el arte y un nuevo estado en el mapa de Europa surgió simultáneamente.
Holanda hasta el siglo XVII no destacó la abundancia de artistas nacionales. Tal vez, por lo tanto, en el futuro, en este país puede contar una gran cantidad de artistas, y son los artistas holandeses. Si bien este país fue un estado con Flandes, en su mayoría en Flandes se crearon intensamente y desarrollaron flujos escénicos originales. En Flandes, los destacados pintores Wang Eyk, Memling, Rogyr van der Wayden, que no eran como Holland. Solo se pueden observar ráfagas de genio en pintura a principios del siglo XVI, este es un artista y un grabador LUTENSKY, que es un seguidor de la escuela de Brujas. Pero Luca Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo se puede decir sobre el pintor del rastrillo de Boetse de Harlem, cuyas creaciones casi no se destacan en el fondo del estilo y los modales de los orígenes de la escuela flamenca, sobre los artistas MostAarte, River y Chemiskerka, que, a pesar de Toda su importancia, no son talentos individuales, su originalidad caracterizadora de país.
Luego, el impacto italiano se propagó en todos los que trabajaron con la ayuda de un pincel, desde Amberes hasta Harlem. Fue una de las razones por las que se borraron las fronteras, las escuelas fueron mezcladas, los artistas perdieron su rostro nacional. Ni siquiera había un hechizo de yana de un solo estudiante. El último, el más famoso retratista, que, junto con Rembrandt, es el orgullo de Holanda, un artista, dotado por un poderoso talento, perfectamente educado, diverso de estilo, valiente y flexible por naturaleza, un cosmopolita, perdió todos los rastros de Su origen e incluso su nombre, Antonis Moro, (era el pintor oficial del rey español) murió después de 1588.
Los pintores restantes casi dejaron de estar en el espíritu de su creatividad por los holandeses, carecían de organización y habilidades para actualizar la escuela nacional. Estos fueron representantes del manierismo holandés: el grabador Hendrik Golyius, Cornelis Harelis, imitado por Michelangelo, Abraham Blumart, Follower Korredjo, Michil Misewelt, un buen artista de retratos, hábiles, precisos, concisos, un poco fríos, modernos, por su tiempo, pero no nacional. . Es interesante que solo él no haya renunciado a la influencia italiana, subordinada a sí misma la mayoría de las manifestaciones en la pintura de los Países Bajos de esa época.
A finales del siglo XVI, cuando los retratos ya han creado una escuela, otros artistas comenzaron a aparecer y formar. En los segundos semestres del siglo XVI, nacieron una gran cantidad de pintores que se convirtieron en un fenómeno en la pintura, esto es casi el despertar de la Escuela Nacional Holandesa. Una gran variedad de talentos conduce a una variedad de direcciones diferentes y formas de desarrollar pintura. Los artistas se experimentan en todos los géneros, en varios colores: algunos trabajan de manera ligera, otros, en la oscuridad (la influencia del artista italiano Caravaggio afectado aquí). Luz - la ropa de mano se cometen, oscuras - coloristas. Comienzan la búsqueda de modales pictóricos, se están desarrollando las luces de iluminación. La paleta se vuelve más relajada y libre, líneas y plástico mostradas, también. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt, su maestro Jan Pace y Peter LOXMAN. Se convierte en métodos más libres y de género: la historicidad no es tan obligatoria como antes. Se crea un género especial, profundamente nacional y casi histórico: retratos grupales diseñados para espacios públicos: consejos urbanos, corporaciones, tiendas y comunidades. En este evento, la forma más perfecta, los XVI termina y comienza el siglo XVII.
Es solo el comienzo, el germen de la escuela, la escuela en sí aún no está. Hay muchos artistas talentosos. Entre ellos hay maestros hábiles, varios pintores grandes. Morels, Yang Ravenhein, Lastman, Francia Hals, Polenburg, Van Schotn, Wang de Venne, Thomas de Caisser, Honthorst, Cape Senior, Finalmente, Esayyas Vel de Veld y Van Goyen, todos nacieron al final del siglo XVI. . Hay artistas en esta lista, cuyos nombres conservaron la historia y aquellos que representaban solo ciertos intentos de lograr habilidades y aquellos que se convirtieron en maestros y predecesores de futuros maestros.
En el desarrollo de la pintura holandesa, fue un momento crítico. En caso de equilibrio político inestable, todo dependía solo en el caso. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, la confianza y la estabilidad ya se sintieron, que aún no estaba en Holanda. En Flandes, artistas que se han formado o estaban cerca de ella. Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país fueron más favorables. Hubo un gobierno más flexible y tolerante, tradición y sociedad. La necesidad de necesidad persistente generada de lujo de arte. En general, hubo graves razones por las que Flanders continuamente se convirtió en un gran enfoque del arte. Para esto, no había suficientes dos cosas: varios años de paz y maestro que serían el creador de la escuela.
En 1609, cuando el destino de Holanda estaba decidiendo: Philip III acordó la tregua entre España y los Países Bajos, aparece Rubens.
Todo dependía de la aleatoriedad política o militar. Los derrotados y conquistados, Holanda tendrían que perder finalmente la independencia. Luego, por supuesto, dos escuelas independientes no podían existir, en los Países Bajos y en Flandes. En el país, dependiendo de la influencia italiano-flamenco, tal escuela y artistas originales talentosos no podían desarrollarse.
Para nacer a la luz de los holandeses, y ese arte holandés ve la luz con él, necesitaban una revolución, profunda y victoriosa. Fue especialmente importante que la revolución se basó en la justicia, la mente, la necesidad de que las personas merezcan lo que quería lograr que era decisivo, convencido de su cosa bien, trabajadora, paciente, restringida, heroica, sabia. Todas estas características históricas se reflejaron en la posterior en la formación de la Escuela Holandesa de Pintura.
La situación se ha desarrollado para que la guerra no arruine a los holandeses, sino enriquecidos, la lucha por la independencia no agotó la fuerza, sino que se fortaleció e inspiró. En la victoria sobre los invasores, la gente mostró el mismo coraje que en la lucha contra los elementos, sobre el mar, sobre la inundación de tierras, sobre el clima. Lo que tenía que destruir a la gente era beneficioso para él. Los contratos firmados con España le dieron a Holanda la libertad y fortalecieron su posición. Todo esto llevó a la creación de su propio arte, que glorificó, espiritualizó y expresó la esencia interna de los holandeses.
Después del contrato de 1609 y el reconocimiento oficial de las provincias conectadas llegó de inmediato. Como si una tendencia beneficiosa y cálida fuera tocada por las almas humanas, revivió el suelo, encontró y despertó los brotes, ya listo para descartar. Es asombroso lo inesperadamente, y para lo que a corto plazo, no más de treinta años, en un pequeño espacio, en un suelo desierto desagradecido, una maravillosa pleyaada de pintores apareció en las duras condiciones de vida de la vida, y más que grandes pintores.
Aparecieron de inmediato y en todas partes: en Ámsterdam, Dordrechte, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Kharlem, incluso en el extranjero, como era de semillas que cayeron fuera del campo. Los primeros - Jan Wang Goyen y Weinutants, nacidos a la vuelta de los siglos. Y luego, en el intervalo desde principios de siglo hasta el final de su primer tercero, Terbor, Brown, Rembrandt, Adrian van Odete, Ferdinand Dolor, Gerard Dow, Metsu, Venix, Wowerman, Bercher, Potter, Murallas Yang , Jacob Rydal.
Pero en estos jugos creativos no se agotaron. Luego nació Peter de Heh, Hobbeme nació. El último de la gran - van der Hayden y Adrian Van de Veld nacieron en 1636 y 1637. En este momento, Rembrandt tenía treinta años. Aproximadamente estos años se puede considerar el momento del primer apogeo de la escuela holandés.
Teniendo en cuenta los eventos históricos de esa época, es posible imaginar lo que debería ser las aspiraciones, la naturaleza y el destino de la nueva escuela pintoresca. Lo que podría en un país como Holland, escribir a estos artistas.
La revolución, que le dio a los holandeses la libertad y la riqueza, al mismo tiempo, lo privó del hecho de que en todas partes constituye la base de la vida de las grandes escuelas. Cambió creencias, cambió los hábitos, las imágenes abolidas de escenas antiguas y evangélicas, dejaron de crear grandes obras, iglesias y pinturas decorativas. De hecho, antes de que cada artista fuera una alternativa, para ser original o no ser completamente.
Era necesario crear arte para la nación de las hamburguesas, que les gustaría, los mostraban y les correspondía. Estos eran prácticos, no son propensos a soñadores, empresarios, con tradiciones perturbadas y configuradas antihaitali. Se puede decir que para los holandeses hubo una tarea simple y valiente, para crear su propio retrato.
La pintura holandesa, era y solo podía ser una expresión de apariencia, fiel, preciso, un retrato similar de Holanda. Era un retrato de personas y terrenos, moralsurguesas, cuadrados, calles, campos, mar y cielo. Los elementos principales de la escuela holandesa fueron un retrato, paisaje, escenas domésticas. Esta fue esta pintura desde el comienzo de su existencia antes de la disminución.
Puede parecer que no hay nada más simple que la apertura de este arte ordinario. De hecho, es imposible imaginarlo algo igual a él en el ancho y la novedad.
Inmediatamente, todo ha cambiado de la manera para comprender, ver y transmitir: punto de vista, ideal del arte, elección de la naturaleza, el estilo y el método. La pintura italiana y flamenca en sus mejores manifestaciones sigue siendo comprensible para nosotros, porque todavía disfrutan, pero estos ya son idiomas muertos, y ya nadie los usará.
En un momento, hubo un hábito de pensar elevado, en general, hubo un arte concluido en la hábil selección de objetos. En su decoración, corrección. Amaba mostrar la naturaleza ya que en realidad no sucede. Todos representados en mayor o menor medida acordados con la persona de una persona, dependían de él y era su semejanza. Como resultado, se surgió el arte por el cual una persona está ubicada en el centro, y todas las demás imágenes del universo se incorporaron en formas humanas, o se muestran vagamente como el entorno secundario de una persona. Creatividad desarrollada por ciertos esquemas. Cada artículo debería haber tomado prestado su forma de plástico al mismo lugar. El hombre debería haber sido descrito más a menudo desnudo que vestido, bien plegado y hermoso para que pudiera con la grandeza correspondiente para desempeñar el papel asignado a él.
Ahora la tarea de la pintura se ha simplificado. Era necesario dar todo o un fenómeno de su verdadero significado, para poner a una persona en un lugar apropiado, y si es necesario, hacerlo sin él.
Es hora de pensar menos, mira cuidadosamente el hecho de que más cerca, mira mejor y escribe de manera diferente. Ahora es la pintura de la multitud, un ciudadano, un hombre de trabajo. Era necesario volverse modesto para todos modesto, pequeño para un pequeño, discreto por discreto, tomar todo, nada rechazando y no despreciando, penetrando en la vida oculta de las cosas, que se fusionan con amor con su existencia, fue necesario volverse atento, curioso. y paciente. El genio ahora no tiene ningún prejuicio. Nada no necesita sentirse avergonzado, ni ennoble, ni expone: toda esta mentira y trabajo inútil.
Los pintores holandeses, creando en algún rincón del país del norte con agua, bosques, horizontes de estrellas, pudieron reflejar todo el universo en miniatura. Un pequeño país, estudiado concienzamente de acuerdo con los gustos e instintos del observador, se convierte en una tesorería inagotable, abundante, como la vida misma, como rica en sensaciones, ya que el corazón humano es rico. La escuela holandesa está creciendo y trabaja durante todo un siglo.
Los pintores de Holanda encontraron parcelas y pinturas para enfrentar cualquier inconsistencia y afecciones humanas, para Natur Coarse y delicado, ferviente y melancólico, soñador y divertido. Los días nublados son reemplazados por días soleados divertidos, el mar es tranquilo y brilla de plata, luego violentamente y sombrío. Muchos pastos con granjas y muchos barcos que están llenos de la costa. Y casi siempre se siente por el movimiento del aire sobre las extensiones y los fuertes vientos del mar del norte, que son nubes engorrosas, dobladas los árboles, creen las alas de los molinos y conducen la luz y las sombras. A esto necesitas agregar ciudades, hogares y callejeros, caminar en ferias, imagen de diversas morales, la necesidad de los pobres, los horrores del invierno, la ociosidad en las tabernas con sus círculos de humo y cerveza de tabaco. Por otro lado, un estilo de vida seguro, trabajo concienzudo, cavalcada, descanso de la tarde, caza. Además, la vida pública, las ceremonias civiles, los banquetes. Resultó nuevo arte, pero con viejo, como el mundo, parcelas.
Por lo tanto, apareció la unidad armónica del espíritu de la escuela y la variedad más sorprendente jamás ocurrió dentro de una dirección del arte.
En general, la escuela holandesa se llama género. Si se lo descompone en los componentes de los elementos, puede distinguir entre los jugadores del paisaje, los maestros del retrato de grupo, los marinistas, los animales, los artistas que escribieron retratos grupales o muertos. Si se ve más detallado, puede distinguir muchas y variedades de género, desde los amantes de la pintura hasta los ideólogos, desde las copias de vitalidad antes de sus intérpretes, desde los viajeros conservadores al hogar, de los que aman y se sientan humor a los artistas que evitan la comedia. Recordemos las imágenes del humor Odese y la gravedad de la Raisdal, la calma del alfarero y la burla de la pared de Yana, con Wang de Veld y el sueño sombrío de la Gran Rembrandt.
Si no cuenta Rembrandt, que se debe considerar un fenómeno excepcional, tanto para su país como para todos los tiempos, luego para todos los demás artistas holandeses, un determinado estilo y método son característicos. Las leyes para este estilo son la sinceridad, la disponibilidad, la naturalidad, la expresividad. Si quita el arte holandés, lo que se puede llamar honestidad, entonces dejará de comprender su Fundación LIFE y no podrá determinar si es una apariencia moral o su estilo. En estos artistas, que han ganado la mayor parte de la gloria de brevemente, sienten el alma sublime y buena, lealtad a la verdad, amor por el realismo. Todo esto les da el trabajo del valor que las cosas que se describen en ellos mismas parecen tener.
El comienzo de este estilo sincero y el primer resultado de este enfoque honesto es el dibujo perfecto. Entre los pintores holandeses en Potter, la manifestación del genio en mediciones verificadas precisas y la capacidad de rastrear el movimiento de cada línea.
En Holanda, el cielo ocupa a menudo la mitad, y a veces la imagen completa. Por lo tanto, es necesario que el cielo en la imagen se mueva, atraídos, fascinados por nosotros. Sintió la diferencia entre el día, las noches y las noches, para sentir el calor y el frío, al espectador y zyab, y disfrutó, y sintió la necesidad de enfocarse. Aunque, probablemente, es difícil llamar un dibujo tan noble de todos, pero trate de encontrar en el mundo de los artistas que escribirían el cielo, como un Raisdale y Van Der Ner y dijeron mucho y tan brillantemente. En todas partes, el holandés es el mismo dibujo: discreto, conciso, preciso, natural e ingenuo, hábil, y no artificial.
La paleta de los holandeses es bastante digna de su dibujo, de ahí la unidad perfecta de su método pintoresco. Cualquier imagen holandesa es fácil de descubrir. Es pequeño y presenta sus poderosas pinturas estrictas. Requiere una gran precisión, una concentración sólida y profunda para lograr un impacto concentrado en el espectador. El artista debe profundizarse para entrar en su idea, el espectador, a sus sentidos para comprender el plan del pintor. Fueron las pinturas holandesas que dan la idea más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No, a la luz de la imagen, más saturado, ya que los holandeses incluyen un contenido tan grande en un espacio tan pequeño. Es por eso que todo acepta preciso, comprimido y compactado aquí.
Cualquier imagen holandesa es cóncava, consiste en las curvas descritas en un punto, que es la realización del diseño de las pinturas y sombras ubicadas alrededor del punto de luz principal. Una base fuerte que los ángulos rotulados y redondeados, que buscan al centro, se asigna, se pintan e iluminan en un círculo. Como resultado, la imagen adquiere la profundidad, y los objetos representados en él se distinguen del ojo del espectador. El espectador, por así decirlo, conducir desde el primer plan a este último, desde el marco hasta el horizonte. Parece que vivimos en la imagen, nos movemos, miramos profundamente, levante la cabeza para medir las profundidades del cielo. La severidad de la perspectiva del aire, la combinación perfecta del color y las sombras con el lugar en el espacio que ocupa el sujeto.
Para una presentación más completa de la pintura holandesa, sería necesario considerar en detalle los elementos de esta corriente, las características de los métodos, la naturaleza de la paleta, para entender por qué es tan pobre, casi un año y demás. Rico en resultados. Pero todas estas preguntas, como muchas otras, siempre han sido objeto de las conjeturas de muchos cultivos de arte, pero nunca han sido suficientemente estudiados y clarificados. La descripción de las características principales del arte holandés le permite distinguir esta escuela de otras y rastrearlo por sus orígenes. Una forma expresiva que ilustra esta escuela es la imagen de Adriana Wan Odesta del Museo de Ámsterdam "Atelier of the Artist". Esta trama fue uno de los favoritos para los pintores holandeses. Vemos a una persona cuidadosa, un poco perra, con una paleta preparada, pinceles sutiles, limpios y aceite transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro se concentra, la mano es cuidadosa. Solo, tal vez, estos pintores eran más transversales y sabían cómo reírse más descuidadas y disfrutar de la vida, que se pueden concluir de las imágenes conservadas. De lo contrario, ¿cómo apareció su genio en la atmósfera de las tradiciones profesionales?
La base de la escuela holandesa fue colocada por Van Goyen y Weinanuts a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de pintura. Estas leyes se hicieron de los maestros a los estudiantes, y durante todo el siglo, los pintores holandeses los vivieron sin desviarse hacia un lado.
manherismo de la pintura holandesa
\u003d Pintura holandesa. Gran colección \u003d.La pintura holandesa es la primera rama del llamado. "La Escuela Países Bajos", como la segunda, flamenca, surgió como una época separada en las artes visuales después de una revolución cruel, el final de la victoria de los holandeses sobre los españoles opresores. A partir de este punto, la pintura holandesa a la vez lleva el carácter original, bastante nacional, y rápidamente llega a un apogeo brillante y abundante. La pintura, en las obras de una gran variedad de artistas más o menos talentosos que aparecieron casi simultáneamente, aceptó inmediatamente la dirección aquí muy versátil y, al mismo tiempo, completamente diferente de la dirección del arte en otros países. La característica principal que caracteriza a estos artistas es el amor de la naturaleza, el deseo de reproducirlo en toda su sencillez y la verdad, sin los más mínimos guantes, sin resumir bajo ninguna condición del prejuicio ideal. La segunda característica de su característica distintiva es una sensación de color sutil y una comprensión de cómo se puede producir una impresión fuerte y encantadora, además del contenido de la imagen, solo, solo y la poderosa transmisión de las relaciones coloridas causadas por la acción. De rayos de luz, proximidad o rango de distancias. La pintura holandesa es una pintura donde la sensación de pinturas y negros se desarrolla hasta tal punto que la luz con sus innumerables y diversos matices juega en la imagen, se puede decir, el papel de la persona principal de la actuación y traiciona la trama más insignificante, Las formas e imágenes más de buena reputación ... ¿Mejore su colección personal de paños de artistas holandeses! Una pequeña historia: la mayoría de los artistas holandeses no se inician en la búsqueda larga por el material por su creatividad, pero se contenta con el hecho de que encuentra a su alrededor, en la naturaleza nativa y en la vida de su gente, la diversión ruidosa. de vacaciones comunes, porqueses campesinos, escenas de la vida de la aldea o vida íntima de los ciudadanos, dunas nativas, sacerdotes y llanuras inquáscibles interceptables por canales, rebaños que pastan en prados gordos, asentamientos en bancos de ríos, lagos y artículos, ciudades con su limpio Casas, puentes elevadores y agujas altas de iglesias y ayuntamientos, puertos, abarrotados con barcos plateados, rellenos de plata o pares de oro del cielo, todo esto, bajo el cepillo del Golle. Masters, imbuido de amor por la patria y orgullo nacional, se convierte en imágenes, aire completo, luz y atractivo. Incluso en aquellos casos en que otros maestros están dirigidos a los temas de la Biblia, la historia antigua y la mitología, sin cuidar la observancia de la lealtad arqueológica, llevan la acción el miércoles de los holandeses, lo rodean con los holandeses. atmósfera. VERDADERO, junto a la multitud abarrotada de artistas tan patriotas, la falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de la patria, en el clásico país de arte, Italia; Sin embargo, en su trabajo, rompen las características que se pronuncia su nacionalidad. Finalmente, como característica de los pintores holandeses, puede señalar su renuncia a las tradiciones artísticas. En vano, sería necesario buscar la estricta continuidad de los conocidos principios estéticos y las normas técnicas no solo en el sentido del estilo académico, sino en el sentido de los alumnos del carácter de sus maestros: con la excepción, Tal vez, solo, los estudiantes de Rembrandt, más o menos de cerca sus pasos, el brillante mentor, casi todos los pintores de Holanda, apenas aprobaron solo sus años de estudiante, y, a veces, ya durante estos años, comenzó a trabajar a su manera, según el Uno donde se involucró su inclinación individual y cuál se enseñó la observación directa de la naturaleza. Por lo tanto, los artistas holandeses no pueden ser distribuidos a las escuelas, tal como lo hacemos con respecto a los artistas de Italia o España. Mientras tanto, en todas las principales ciudades de Holanda, hubo sociedades organizadas de artistas. Sin embargo, tales sociedades que llevaron el nombre de los gremios de St. Luke, no eran una academia, el encargado de las tradiciones artísticas conocidas y las corporaciones gratuitas, similares a otras artesanías y gremios industriales, no son muy diferentes de ellos con respecto al dispositivo y los que tenían el objetivo del apoyo mutuo para su Los miembros, la protección de sus derechos, cuidan su vejez, el cuidado de destinar a sus viudas y huérfanos. Se llevó a cualquier pintor local que satisfaga los requisitos de cencado moral al gremio en un certificado preliminar en sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama adquirida por él; Los artistas visitantes fueron permitidos en el Gremio como miembros temporales para su estadía en esta ciudad. Las obras tempranas de los pintores holandeses nos llevaron solo en cantidades muy limitadas, ya que la mayoría de ellos murieron en ese vago, cuando la reforma devastó los templos católicos, los monasterios y la abadía abolidos, incitó "Iconos de ruptura" (Beeldstormers) para destruir el sagrado pictórico y escultórico. Las imágenes, y el levantamiento popular exterminado a lo largo de los retratos de su Tyanov odia. Muchos de los artistas que preceden a las revoluciones, solo conocemos por su nombre; Otros tienen la oportunidad de juzgar solo a solo dos muestras de su trabajo. La niebla que se nublaba de nosotros, la era inicial de la escuela holandesa comienza a disiparse con la aparición en la escena de las batallas Dirk, apodada († 1475), así como y YANA MOSTAT (alrededor de 1470-1556) en la que el deseo de naturalismo es Conectado con un toque de leyenda gótica, el calor del sentimiento religioso con cuidado sobre la elegancia externa. Además de estos maestros destacados, desde la era inicial de la técnica de arte holandeses merecen mencionar: Peter Arsen († 1516), apodada por su alto crecimiento "Peter largo" (Pier Muelle), David Ioris (1501-56), un hábil Pintor en el vidrio, llevado por la rascomomía anabápita y se imaginó al profeta David y el Hijo de Dios y Dirk Jacobs (dos fotos de este último, que representan a las sociedades de tiro están disponibles en la ermita). Cerca del centro de la mesa XVI. En el medio de los Países Bajos, existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte doméstico, su angularidad y sequedad gótica: el estudio de los artistas italianos del Renacimiento y la conexión de sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. La principal distribución del nuevo movimiento debe considerarse Yang Van Soll (1495-1562), quien ha vivido durante mucho tiempo en Italia y lo encontró más tarde en Utrecht, de donde surgió varios artistas infectados con el deseo de convertirse en Dutch Rafael y Miguel Ángel. . En sus pasos, Martin Van Van, llamado Chemiskerk (1498-1574), Henrik Golcyus (1558-1616), Cornelis Wang Harlem (1562-1638) y otros pertenecientes al próximo período de la escuela, que, por ejemplo, Abraham Blumart ( 1564 -1651) y Gerard Hontglist (1592-1662), que se enviaron por los Alpes para penetrar en las perfecciones de la córnea de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de los representantes comenzó en ese momento. de declinación de esta pintura. Sin embargo, la pasión popular por los italianos, a menudo sacrificada en una era de transición al extremo, trajo un tipo de beneficio, ya que contribuyó a esta pintura el mejor, más científico, dibujando y disminuya más libremente y audazmente disposición de la composición. Junto con la tradición de Stagniderland y el amor ilimitado por la naturaleza, uno de los elementos, de los elementos, de los cuales el arte original, altamente desarrollado de la era floreciente. La ofensiva de esta era, como ya hemos dicho, debe dedicarse al comienzo del arte XVII., Cuando Holanda, ganó la independencia, sanó la nueva vida. La fuerte transformación del país oprimido y pobre en una unión estatal políticamente importante, bien establecida y rica, fue acompañada por un golpe igualmente agudo en su arte. Desde todos lados, casi a la vez, ¡hay maravillosos artistas en el número incontable! New - Delft, Utrecht, Dordrecht, La Haya, Ámsterdam, Dordrecht, La Haya, Ámsterdam, y otros se agregan a los centros artísticos originales, Garleos y Leidenu. En todas partes las antiguas tareas de pintura se están desarrollando de una manera nueva, sus nuevas industrias florecen. . La reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar los palacios y las venerables cámaras con imágenes de dioses y héroes antiguos, y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisface los gustos de la rica burguesía, descartó el idealismo y se dirigió a la reproducción exacta de la realidad. Si decidió hablar sobre todo el retrato dotado de esta era floreciente, entonces una lista de sus nombres con una indicación de su mejor trabajo tomaría muchas filas; Por lo tanto, estamos limitados a mencionar solo algunos. Tal, por ejemplo, Michael Merlelt (1567-1641), el predecesor de los tres retratos más grandes de Holanda - Clavio de Rembrandt Wang Raina (1606-69), un dibujante incomparable, que tenía increíbles figuras de modelado de arte en la Luz, Pero un poco de frío y color de la Bartholomecy van der der Helsta (1611 o 1612-70) y golpeando su pincel França Hals Senior (1581-1666). De estos, el nombre del nombre de Rembrandt brilla especialmente brillantemente en la historia, primero que usó honores de sus contemporáneos, entonces se olvidan, poco apreciados por la descendencia y solo en el siglo actual erigieron en toda la justicia al grado de genio mundial. En su personalidad artística característica, se centran en el enfoque, todas las mejores cualidades de la pintura holandesa y su influencia afectaron a todo su nacimiento, en los retratos, pinturas históricas, escenas domésticas y paisajes. Entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt adquirieron la mayor fama: Ferdinand Dolor (1616-80), Giatert Flink (1615-60), Herrand Wang Den Ecut (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Helder ( 1645-1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Yan Victors (1621-74), Karel Fabrichius (OK. 1620-54), Peter de Gores, Willlem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dow (1613 -75) y Samuel Wang Hogstraten (1626-78). Además de estos artistas, Yana Livenza (1607-30), camarada Rembrandte (1607-30), camarada Rembrandt por estudio en P. Lastman, Abraham Van Tempel (1622-72) y Peter Nonese (1612-91), quien trabajó Visible, influenciado en. D. Helst, imitator Hals Iohannes, VysredRock (1597-1662) y Yana de Bara († 1664, † 1697). La pintura para el hogar, los primeros experimentos de los cuales aún estaban en la antigua escuela de Países Bajos, se encontraron en el siglo XVII. Suelo especialmente agradecido en protestante, libre, burgués, satisfecho con Holanda. Las imágenes pequeñas, que representan en serencialmente la moral y la vida de diferentes clases de la sociedad local, parecían suficientes personas más exigibles que las grandes obras de pintura grave, y a la par con paisajes, más útiles para decorar acogedoras viviendas privadas. Todos los artistas de Hordee satisfacen el requisito de tales pinturas, reproduzcan concienzamente todo lo que tampoco ocurre en la realidad, mostrando el amor por su propio, nativo, el humor de buen carácter, describiendo con precisión las pintorescas posiciones y la cara y la sofisticación en la habilidad de la tecnología. Luego, alguien ocupa una vida común, las escenas de la felicidad y la pena campesinas, un alcohol en calabacín y harchers, reuniéndose con hoteles en carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje en ríos y canales congelados con hielo, etc., otros toman el contenido de sus obras. Desde el círculo más elegante, escriben mujeres elegantes en su ambiente íntimo, dejándolos a los caballeros, los dueños de los hogares que dan órdenes a las criadas, los ejercicios de salón en música y el canto, centés de los jóvenes de oro en casas de placer .... en una Larga fila de artistas de la primera categoría Adrian e Isaac van Odete (1 6 10-85, 1621-49), Adrian Browver (1605 o 1606-38), Paredes de Yang (alrededor de 1626-79), Cornelis Bayia (1620-64 ), Richard Blanbürg (1650- 1702), Peter van Lar, apodado en Italia Bamnelicho (1590-1658), Cornelis Dyzart (1660-1704), Joss Drochzlot (1586-1666), Clas Molentener (antes de 1630-76), Jan Maine Molyar (aproximadamente 1610-68), Cornelis Safelevlen (1606-81). Desde un número igualmente significativo de terrenos, disfrutado por Gerard Terborh (1617-81), Gerard Dow (1613-75), Gabriel METASU (1630-67), Peter de Hough (1630-66), Kaspar Nesser (1639-84) , Francia Van Miris Senior (1635-81), Eaga Van Der Rod (1643-1703), Iang Vergold (1650-93), queje Brequenp († 1668). Jacob Oxtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) y Anthony Parameys (1601-73). Para la categoría de género, puede clasificar a los artistas que escribieron escenas de la vida militar, así como las parcelas de escenas de halcón y alfileres de la caza. El representante principal de esta pintura de la industria es la famosa y extraordinariamente prolífica Philips of Hovverman (1619-68). Además de él, su hermano de este Maestro, San Petersburgo (1623-82), los palaciodes mencionados anteriormente, Jacob Dyuk (1600 a más tardar 1660) y Dirk Maas (1656-1717) se desarrollaron perfectamente. Muchos de los artistas nombrados paisajes desempeña el mismo papel importante que las figuras humanas; Pero en paralelo con ellos, la masa de los pintores, lo puso por lo principal o una tarea excepcional. En general, los titulares holandeses pertenecen al derecho inalienable de estar orgulloso del hecho de que su patria es una patria no solo el género más nuevo, sino también el paisaje en el sentido, como se entiende en nuestros días. De hecho, en otros países, por ejemplo, en Italia y Francia, el arte no estaba muy interesado en la naturaleza inanimada, no había una vida peculiar, ni una belleza especial. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en una naturaleza inanimada respira su vida, todo es atractivo, todo es capaz de causar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y fue bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon sus manos alrededor de ellos con sus propias manos, tratadas y admiraban cómo valora su padre y admira su propia creación. Entre los jugadores del paisaje del período de floración de la escuela de la escuela holandeses se respetan especialmente: Jan Wang Goyen (1595-1656), quien, junto con Ezaias Van de Veld (aprox. 1590-1630) y St. Petersburg Moles. (1595-1661) se considera el fundador del paisaje holandés; Luego, el estudiante de este maestro, Salomon Van Ryutal († 1623), Simon de Fliger (1601-59), Yang Weinantans (aprox. 1600 - más tarde de 1679), efectos aficionados de la mejor iluminación de Arte Van Der NER (1603-77 ), Poetic Jacob Van Ryutal (1628 o 1629-82), Mainert Hobbebeme (1638-1709) y Cornelis Decker († 1678). Entre los holandeses, también había algunos jugadores de paisajes que estaban atrapados en el viaje y reproduciendo los motivos de la naturaleza extraterrestre, que, sin embargo, no les impidió que los preservaban en su pintura. Allaert van Everingenen (1621-75) representa los tipos de Noruega; Yang Bot (1610-52) - Italia; Herman Sakes (1610-85) - Rin; Cornelis Puelenburg (1586-1667) y el grupo de sus seguidores escribieron paisajes en los motivos de la naturaleza italiana, con las ruinas de edificios antiguos, ninfas de baño y escenas de Arcadia imaginaria. En una secreción especial, los maestros se pueden distinguir, que en sus pinturas combinaron el paisaje con la imagen de los animales, lo que brinda ventaja de la primera, luego la segunda o la relación entre ambas partes con la misma atención. Famoso en una serie de tales pintores de Idyll rural - Paulus Potter (1625-54); Además de él, ADRIAN VAN DE VELDE (1635 o 1636-72) debe encontrarse aquí, Albert Cape (1620 - 91) y numerosos artistas que abordaron los temas preferiblemente o exclusivamente a Italia, ¿qué son: Adam Peynaker (1622-73? ), Yang - Bautista Venix (1621-60), Klas Bercher (1620-83), Karel Duzardden (1622-78) y otros. Al paisaje, la pintura de especies arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a participar como una industria independiente. De arte solo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los trabajados desde entonces, en esta parte, fueron sofisticados en la imagen de las calles urbanas y áreas con sus edificios; Tal - Johannes BeeStrate (1622-66) y Jacob van der ULF (1627-88). Otros, entre los cuales Peter Sanredam († 1666) y Dirk van Dellen (1605-71) escribieron especies internas de iglesias y palacios. El mar tenía mucha importancia en la vida de Holanda, que su arte no podía tratarlo lo contrario, como con la mayor atención. Muchos de sus artistas comprometidos en el paisaje, el género e incluso un retrato, despegando en el momento de sus parcelas ordinarias, fueron hechas por los marinistas, y si decidió enumerar a todos los pintores de la escuela holandesa que representa un mar tranquilo o de carreras, Los barcos, nublados por los barcos del puerto, mar, las batallas, etc., habrían resultado ser una lista muy larga, que se incluiría en los nombres de J. en. Goyena, S. de Flyger, S. y YA. Ryutsdalea, A. Cape y los otros ya mencionados en las líneas anteriores. Restringido por la misma indicación sobre aquellos para quienes la pintura de especies marinas ascendió a una especialidad, debería llamar a Villem Wang de Velte Senior (1611 o 1612-93), su famoso hijo Villem Van de Velte Jr. (1633-1707), como así como Yana Van de Cappell († 1679). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón del hecho de que se formó y desarrolló un género de pintura, que en otras escuelas no se cultivó como una industria especial e independiente, a saber, las flores de pintura, las frutas, las verduras, el ganado, Accesorios de cocina, área de comedor, etc. - En la palabra, lo que es habitual que se llamará "Naturaleza muerta" (Nature Morte, Stilleben). En esta área entre los artistas holandeses de la era floreciente, la mayor fama de Jan-Davids de Hem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Chondoceaker (1636- 95), María Ustweik (1630-93), Villem Van alst (1626-83), Wille Hed (1594 -pare 1678), Calph Villem (1621 o 1622-93) y Yang Venix (1640-1719). En general, como vemos, probablemente, aún así, la principal característica distintiva del desarrollo del arte holandés por todos estos años hubo un predominio significativo entre todas sus especies de pintura. Las pinturas estaban decoradas en casa no solo por representantes de la parte superior gobernante de la sociedad, sino también de los pobres burgueses, artesanos, campesinos; Se vendieron en subastas y ferias; A veces los artistas los usaron como un medio para pagar facturas. La profesión del artista no era rara, los pintores eran mucho, y estaban compitiendo severamente entre ellos. Pocos de ellos podrían alimentarse con la pintura, muchos fueron tomados para una amplia variedad de trabajo: las paredes eran un restaurante, Hobbema, un excelente funcionario, Jacob van Reydal, un médico))))) Desde el comienzo del siglo XVIII. . En la pintura holandesa, los gustos franceses y las vistas de la era rociada de Luis XIV están imitadas, imitación de Poussin, lebrene, Cl. Lorrane y otros. Cables escolares franceses. El principal distribuidor de esta dirección se resolvió en Amsterdam Flemandes Gerard de Lesters (1641-1711), el artista es muy capaz y por su tiempo educado, después de haber tenido una gran influencia en los contemporáneos y la descendencia más cercana, así como su manera pseudot. Pinturas históricas y obras por su pluma, entre la cual uno: "Gran libro de pintor" ("T Groot Schilderboec), durante cincuenta años sirvió como un código para jóvenes artistas, así como al famoso Adrian Van de Vernf (1659-1722) , pintar con frío, como si se corte de las figuras de marfil, parecía a la perfección de montar. Entre los seguidores de este artista, disfrutó de la fama como pintores históricos Henrik van Limborg (1680-1758) y Philip Van Duck (1669-1729), llamado "Disco de Wang Little". De otros pintores bajo la consideración de la era, dotados de cierto dar, pero infectados con el espíritu de tiempo, deben celebrarse Willem y França Van Mirisa Junior (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Véchenga (1673-1746), Konstantin NETMER (1668-1722) y Karel de Moore (1656-1738). Cornelis Troost (1697-1750), predominantemente caricaturista, apodado Dutch Gogard, retratista yang quinched (1688-1772), un pintor decorativo e histórico Jacob de Vit (1695-1754) y el pintor de la naturaleza muerta Yang Van Haisum (1682 - 1749). Un efecto extranjero en los veinte años del siglo XIX es alienígena a los veinte años del siglo XIX, mientras que más o menos reflejan esas modificaciones en ella, qué arte se tomó en Francia, comenzando con el par de la época del rey solar y Terminando con el pseudoclassismo David. Cuando el estilo de este último ha hablado su edad y en todas partes en el oeste de Europa, en lugar de apasionado, el deseo romántico, dominado como poesía y artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, se dirigieron a sus viejos tiempos y, en consecuencia, al glorioso pasado de su pintura. El deseo de informarle de nuevo el brillo como ella brilló en el siglo XVII, comenzó a animar a los más nuevos artistas y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales, a una observación estricta de la naturaleza y una actitud sincera y sincera hacia los presentadores. Al mismo tiempo, no intentaron eliminar completamente la influencia extranjera, sino que van a estudiar en París o Düsseldorf y otros centros de arte de Alemania, exportados a casa desde allí solo conocidos con los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, la escuela holandesa revivida ha recibido nuevamente la originalidad y se mudó en nuestros días en el camino que llevó a un mayor progreso. Para muchos de sus líderes más nuevos, puede oponerse con seguridad a los mejores pintores del siglo XIX en otros países. Holanda bien puede estar orgullosa de varios maestros modernos significativos: Jacob Square (1793-1861), David Blis (nacido 1821), Herman Diez Kate (1822-1891) y "Deserter" en Inglaterra Lawrence altamente cruza Alma Tadema (R. 1836) , Ibef Israels (R. 1824) y Christoffel Bischop (R. 1828), Anton Mauwe (1838-88) y Jacob Maris (R. 1837), Bartolomeus van Hov (1790-1888) y Johannes Bosboom (1817-N), Henrik Mesdag (r. 1831), Wurles vershur (1812-74) y muchos otros ...
Mientras tanto, este es un estudio especial y digno de un estudio más detallado de la cultura europea, que refleja la vida distintiva de la gente de Holanda de esos tiempos.
Historia de la apariencia
Los representantes de arte artístico brillante comenzaron a aparecer en el país en el siglo XVII. Los cultratólogos franceses les dieron un nombre común: "Pequeño holandés", que no está asociado con la escala de talentos y significa unirse a ciertos temas de la vida cotidiana, opuesta al estilo "grande" con grandes lienzos en historias históricas o mitológicas. La historia del surgimiento de la pintura holandesa se describió en detalle en el siglo XIX, y los autores de sus obras también utilizaron este término. "Pequeño holandés" se distinguió por realismo secular, referido al mundo y a la gente, usó pintura rica en tonos.
Las principales etapas del desarrollo.
La historia de la aparición de la pintura holandesa se puede dividir en varios períodos. El primero duró aproximadamente de 1620 a 1630, cuando el arte nacional fue aprobado por el realismo. El segundo período de pintura holandés experimentada en 1640-1660. Esta vez, que representa un verdadero florecimiento de la escuela de arte local. Finalmente, el tercer período, el momento en que la pintura holandesa comenzó a caer en declive, desde 1670 hasta principios del siglo XVIII.
Vale la pena señalar que los centros culturales han cambiado a lo largo de este tiempo. En el primer período, los principales artistas trabajaron en Kharlem, y la cabeza del representante fue HALS. Luego, el centro se movió a Amsterdam, donde se realizó el trabajo más significativo por Rembrandt y Vermeer.
Escenas de la vida cotidiana.
Enumerando los géneros más importantes de la pintura holandesa, es necesario comenzar con doméstico, el más brillante y original de la historia. Eran los flamianos que abrieron el mundo de las escenas de la vida familiar de personas comunes, campesinos y ciudadanos o burgones. Los primeros pioneros fueron los de izquierda y sus seguidores de Audenrogge, Bega y Dusart. En los primeros lienzos, las personas juegan cartas, pelean e incluso pelean en el restaurante. Cada imagen se distingue por dinámica, en algo brutal. La pintura holandesa de aquellos tiempos cuenta con escenas pacíficas: en algunas obras, los campesinos hablan detrás del tubo y una taza de cerveza, pasan tiempo en la feria o en un círculo familiar. La influencia de Rembrandta llevó a un uso común de luz verde suave. Escenas de la ciudad inspiradas en artistas como Hals, Leister, Molyar y Codda. A mediados del siglo XVII, los maestros representan a los médicos, científicos en el proceso de trabajo, sus propios talleres, casas de algodón o cada parcela deben ser entretenidas, a veces a la didáctica grotesca. Algunos maestros estaban inclinados a poetizar los días de semana, por ejemplo, Terboro describió una escena de un musicismo o coqueteo. Metasy usó colores brillantes, convirtiendo la vida cotidiana en unas vacaciones, y de Heh se inspiró en la simplicidad de la vida familiar, llena de una luz diurna dispersada. Los representantes tardíos del género, que incluyen dichos maestros holandeses de pintura, como Van der Verf y van der Norm, en su búsqueda de una imagen elegante a menudo crearon varias parcelas pretenciosas.
Naturaleza y paisajes
Además, la pintura holandesa está ampliamente representada en el género del paisaje. Primero se originó en el trabajo de tales maestros Harlem, como Wang Goyen, de Moles y Van Reydal. Eran los que empezaron a representar las esquinas rurales en una cierta luz plateada. La unidad material de la naturaleza entró en el trabajo en primer plano. Por separado, vale la pena mencionar los paisajes marinos. Los marinistas fueron los siglos XVII como Portsellis, de Vlieger y Wang de Capilla. No se trataron tanto de transmitir ciertas escenas de mar, ya que intentaron retratar el agua en sí, el juego de luz en él y en el cielo.
Para la segunda mitad del siglo XVII, surgió más obras emocionales con ideas filosóficas en el género. La belleza del paisaje holandés se reveló tanto como sea posible, Jan Van Reydal, que representa en todo dramatismo, dinámica y monumentalidad. El sucesor de sus tradiciones se convirtió en un Hobbe, quien prefería los paisajes solares. Los panoramas representados KINKK, y Van der Rish se dedicó a crear paisajes nocturnos y la transferencia de luz de luna, amanecer y atardecer. Para una serie de artistas también se caracteriza por la imagen en los paisajes de los animales, como las vacas de pastoreo y los caballos, así como la caza y las escenas con cavalryrs. Más tarde, los artistas comenzaron a ser arrastrados y de la naturaleza extranjera, Bot, Van Lar, Venix, Bercher y Hakkert representan a Italia, bañándose en los rayos del Sol del Sur. La siesta del género fue Sanurm, cuyos mejores seguidores se pueden llamar a los hermanos de Berkheide y Jan van der Hayden.
Imagen del interior.
Un género separado, que se distinguió por la pintura holandesa durante el apogeo, se puede llamar escenas con iglesia, palacio y habitaciones caseras. Los interiores aparecieron en los lienzos de la segunda mitad del siglo XVII en los maestros de Delft - Hawgesta, van der Vlita y De Witte, que se convirtieron en el principal representante de la dirección. Usando las técnicas de vermier, los artistas representan escenas, llenas de luz solar, emociones completas y volumen.
Platos y platos escénicos.
Finalmente, otro género característico de la pintura holandesa es todavía vida, especialmente la imagen del desayuno. Por primera vez, estaban comprometidos en Harlemakers Clas y Hedd, que pintaron mesas cubiertas con platos de lujo. El lío pintoresco y la transferencia especial del interior acogedor están llenos de luz gris plateada característica de platos de plata y estaño. Utrecht Artists pintó la exuberante flor aún, y en los Maestros de La Haya, la imagen de los reptiles de pescado y mar era especialmente posible. En Leiden, se surgió la dirección filosófica del género, en la que los símbolos del placer sensual o la gloria terrenal están adyacentes a los cráneos y el reloj de arena, diseñados para recordar la hora del tiempo. La cocina democrática aún las vidas se han convertido en un rasgo distintivo de la escuela de arte de Rotterdam.
Pintura holandesa Se originó en los primeros años del siglo XVII. La Escuela Holandesa de Pintura fue una escuela independiente independiente, independiente con características e identidad únicas y únicas.
Holanda hasta el siglo XVII no se destacó la abundancia de artistas nacionales. Si bien este país fue un estado con Flandes, en su mayoría en Flandes se crearon intensamente y desarrollaron flujos escénicos originales.
En Flandes, los destacados pintores Wang Eyk, Memling, Rogyr van der Wayden, que no eran como Holland. Solo se pueden observar ráfagas individuales de genio en pintura a principios del siglo XVI, este es un artista y un grabador LUTENSKY, quien es un seguidor de la escuela de Brujas. Pero Luca Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo se puede decir sobre el pintor del rastrillo de Boetse de Harlem, cuyas creaciones casi no se destacan en el fondo del estilo y los modales de los orígenes de la escuela flamenca, sobre los artistas MostAarte, River y Chemiskerka, que, a pesar de Toda su importancia, no son talentos individuales, su originalidad caracterizadora de país.
A finales del siglo XVI, cuando los retratos ya han creado una escuela, otros artistas comenzaron a aparecer y formarse. Una gran variedad de talentos conduce a una variedad de direcciones diferentes y formas de desarrollar pintura. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt, su maestro Jan Pace y Peter LOXMAN. Se convierte en métodos más libres y de género: la historicidad no es tan obligatoria como antes. Se crea un género especial, profundamente nacional y casi histórico: retratos grupales diseñados para espacios públicos: consejos urbanos, corporaciones, tiendas y comunidades.
Es solo el comienzo, la propia escuela todavía no está. Hay muchos artistas talentosos, entre ellos, hay maestros hábiles, algunos pintores grandes: Moreles, Yang Raweshein, Lastman, Francia Hals, Polenburg, Baños Schoten, Wang de Venne, Thomas de Caser, Honthorst, Cabo Senior, Finalmente, Esayas Vel De Veld y Van Goyen, todos nacieron a fines del siglo XVI.
En desarrollo pintura holandesa Fue un momento crítico. En caso de equilibrio político inestable, todo dependía solo en el caso. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, la confianza y la estabilidad ya se sintieron, que aún no estaba en Holanda. En Flandes, artistas que se han formado o estaban cerca de ella.
Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país fueron más favorables. Había graves razones para que Flanders se convirtiera en segundo lugar en un gran enfoque del arte. Para esto, había falta de dos cosas: varios años de paz y maestro que serían el creador de la escuela.
En 1609, el destino de Holanda se resolvió, después del Acuerdo de Tregua (entre España y los Países Bajos) y el reconocimiento oficial de las provincias conectadas inmediatamente llegaron. Es asombroso lo inesperadamente, y para lo que a corto plazo, no más de treinta años, en un pequeño espacio, en un suelo desierto desagradecido, una maravillosa pleyaada de pintores apareció en las duras condiciones de vida de la vida, y más que grandes pintores.
Aparecieron de inmediato y en todas partes: en Ámsterdam, Dordrechte, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Kharlem, incluso en el extranjero, como era de semillas que cayeron fuera del campo. Los primeros - Yang Wang Goyen y Weinutants, que nacieron en siglos vóricos. Y luego, en el intervalo desde principios de siglo hasta el final de su primer tercero, Terbor, Brown, Rembrandt, Adrian van Odete, Ferdinand Dolor, Gerard Dow, Metsu, Venix, Wowerman, Bercher, Potter, Murallas Yang , Jacob Rydal. A continuación, Peter de Heh, Hobbebeme. El último de la gran - van der Hayden y Adrian Van de Velda, en 1636 y 1637. Aproximadamente estos años se puede considerar el momento del primer apogeo de la escuela holandés. Era necesario crear arte para una nación.
Pintura holandesa, era y solo podía ser una expresión de una apariencia, leal, preciso, un retrato similar de Holanda. Los elementos principales de la escuela de pintura holandeses fueron un retrato, paisaje, escenas domésticas. La escuela holandesa crece y trabaja durante todo un siglo.
Los pintores de Holanda encontraron parcelas y pinturas para enfrentar cualquier inconsistencia y afecto humanos. La paleta de los holandeses es bastante digna de su dibujo, de ahí la unidad perfecta de su método pintoresco. Cualquier imagen holandesa es fácil de descubrir. Es pequeño y presenta sus poderosas pinturas estrictas. Esto requiere una gran precisión, una concentración sólida y profunda.
Exactamente pintura holandesa Da la idea más clara sobre este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No, a la luz de la imagen, más saturado, ya que los holandeses incluyen un contenido tan grande en un espacio tan pequeño. Es por eso que todo acepta preciso, comprimido y compactado aquí.
Para una presentación más completa de la pintura holandesa, sería necesario considerar en detalle los elementos de este flujo, las características de los métodos, la naturaleza de la paleta. La descripción de las características principales del arte holandés le permite distinguir esta escuela de otras y rastrearlo por sus orígenes.
Una forma expresiva que ilustra. pintura holandesaEs la imagen de Adriana Van Ostay desde el Museo de Ámsterdam "Atelier del Artista". Esta trama fue uno de los favoritos para los pintores holandeses. Vemos a una persona cuidadosa, un poco perra, con una paleta preparada, pinceles sutiles, limpios y aceite transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro se concentra, la mano es cuidadosa.
Solo, tal vez, estos pintores fueron más audaces y limpiados más descuidados para reírse y disfrutar de la vida, que se pueden concluir de las imágenes conservadas.
La base de la Escuela Holandesa de Pintura fue colocada por Jan Wang Goyen y Yang Van Weinant a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de pintura.
Inicialmente, el trabajo se creó en la técnica de acuarela. Más tarde, se agregó acrílico. La última serie de obras, en su mayor parte, los acrílicos son acrílicos, el artista comenzó a escribir pinturas calientes e incluso lugares calientes. Un poco de trabajo parece estar escrito en técnica mixta. Y acuarela, y acrílico, y pastel V. Hayenrats - artista impresionista. Willlem Works está impregnada de aire, color, licitación, facilidad, rodeado de un estado de ánimo especial de descanso, paz y libertad ... 
Willem Haenraets.
nacido en octubre de 1940 en la ciudad de Rotterdam.
A la edad de 16 años, entró en la Academia Artwerp Art. Los maestros de la Academia notaron rápidamente el talento explícito del talento joven y, en todos los sentidos, lo promovió el crecimiento creativo. Cuatro años, desde el momento de la recepción de la Academia, Willem Haenraets comenzó a recibir una beca estatal del gobierno belga y pudo continuar su educación en el Instituto Nacional de Bellas Artes en Amberes. Para él, apareció su taller. Willem Haenraets estudió en los famosos profesores Sarina y Vaarten. Los maestros experimentados se alegraron de que un cambio decente esté creciendo, en todos los sentidos promovidos William. En ella, vieron la continuación de las tradiciones de la escuela belga-holandesa. En los mismos años, tuvo lugar la primera exposición de un joven artista. En el dinero de los ingresos, compró un scooter en el que posteriormente viajó muchos lugares pintorescos en el distrito, especialmente el distrito de Amberes. Le sucedió a su conocido con uno de los armadores adinerados, con la ayuda de los cuales Willem comenzó a escribir muchos retratos personalizados. Cuando el cliente murió, William, fue a París durante varios meses. En la ciudad, Place de Tetre, escribió retratos de la mañana a la tarde, y finalmente pude comprar una casa en la ciudad de Bergen (que en Holanda). En la tarde se estableció en él con el Consejo de la primera esposa, Khanna. Fue el momento de escribir una gran cantidad de pinturas que se venden en salones de arte y galerías. Una gran desgracia sucedió: Hannah murió en un accidente, dejando a su esposo uno con un niño de seis semanas. En estos años, la vida de William tiene orden perdido Pero al final, decidió regresar a su Herpen natal, donde se estableció en el pequeño castillo Kasteel Terworm, con la cabeza se hundió en el trabajo. Vendió su trabajo en Holanda y Alemania.
A fines de los 70, el artista encontró a su segunda esposa, que tenía una pequeña hija. Más tarde tenían un hijo. En este período, William comenzó a publicar su trabajo. Cambió fuertemente su vida financieramente y en términos de participación en ferias de arte y exposiciones. Fuimos invitaciones regulares a las exposiciones en los Estados Unidos e Inglaterra. Sus originales fueron expuestos en la galería en Beverly Hills, y las litografías del trabajo se mostraron en las exposiciones. Como resultado, las actividades de exposición trajeron la pintura de la fama mundial. La exposición en Nagoya (que en Japón) tuvo un gran éxito. A los japoneses les gustó el estilo del artista, su tono suave, estado de ánimo romántico. En este período, el artista se acercó al propietario de la galería en Stokstraat en Maastrh. Juntos realizaron hermosas exposiciones en la Galería Renoir cada dos años. Sin embargo, debido a la enfermedad del propietario de la galería, esta cooperación se completó.
2000s
Durante estos años, Willem Haenraets compró una casa en España, en el Municipio de Hondon de las Nieves. La Administración le pidió que presentara sus pinturas en la Casa de la Ciudad de la Ciudad. El artista menciona este evento como muy agradable.
Actualmente, William trabaja con un editor que presenta su trabajo en todo el mundo en forma de carteles y litografías de alta calidad. El artista original se vende a sí mismo y a través de galerías.
En 2009, Willem Haenraets fue invitado por la Bienal Internacional della Arte Arte Contemporanea Comité para participar en esta famosa exposición. El propio artista considera esta participación en su gran éxito.
Pintura holandesa Su ocurrencia y su tiempo inicial hasta tal medida se fusionan con las primeras etapas del desarrollo de la pintura flamenca, que los historiadores más nuevos del arte consideran a uno y el otro para todo el tiempo hasta el final del siglo XVI. Inseparable, bajo un nombre común "Netherlands School". Ambos, inventando una rama de la rama Rin de él. La pintura, los principales representantes de los cuales son Wilhelm Colonia y Stefan Lochner, consideran los hermanos Van Eykov con sus propios expertos; Ambos van a una dirección durante mucho tiempo, con un peso de los mismos ideales, persiguen las mismas tareas, desarrollan la misma técnica, por lo que los artistas de Holanda no difieren de su flanco y contrapartes brabantes. Continúa en todo momento de dominio sobre el país en First Borgoña, y luego la casa austriaca, hasta que salga la cruel revolución, terminando la celebración completa de la GOL. Personas sobre los españoles oprimidos. Desde esta era, cada una de las dos ramas del arte de los Países Bajos comienza a moverse por separado, aunque a veces sucede en un contacto muy cercano entre SoBody. G. La pintura a la vez lleva el carácter original, bastante nacional, y rápidamente llega a un apogeo brillante y abundante. Las razones de este fenómeno como las que no se extienden a lo largo de la historia del arte, se encuentran en circunstancias topográficas, religiosas, políticas y sociales. En este "país de las tierras bajas" (Tierra HOL), que consiste en un pantano, islas y penínsulas que están constantemente organizados por el mar y amenazados por sus incursiones, la población, solo se derrume de sí mismas alienígenas, tuve que crear a Syznis todos. , comenzando con las condiciones físicas del suelo y las condiciones terminadas morales e intelectuales, porque todo fue destruido por el preceding de la lucha por la independencia. Gracias a su empresa, significado práctico y trabajo persistente, los holandeses lograron convertirse en los pantanos en NIVA infructuosos y sugerencias lujosas, para ganar desde el mar. Amplios espacios terrestres, adquieren bienestar material y importancia política externa. El logro de estos resultados contribuyó mucho a la forma federal-republicana del gobierno y el principio de libertad de pensamiento y creencias religiosas mejoró en el país. Como si milagrosamente, en todas partes, en todas las áreas del trabajo humano, de repente actividad caliente en un espíritu nuevo, peculiar, puramente popular, por cierto y en el campo del arte. Desde los sectores de este último en el suelo de Holanda, se contempló predominantemente una pintura, que tomó aquí en las obras de muchos artistas más o menos talentosos, que aparecieron casi simultáneamente, la dirección es muy versátil y al mismo tiempo completamente. Diferentes de la dirección del arte en otros países. La característica principal que caracteriza a estos artistas es el amor de la naturaleza, el deseo de reproducirlo en toda su sencillez y la verdad, sin los más mínimos guantes, sin resumir bajo ninguna condición del prejuicio ideal. La segunda característica distintiva del GOL. Los pintores conforman una sensación sutil de color y una comprensión de lo fuerte que se puede producir la impresión encantadora, además del contenido de la imagen, es sólo verdadero y la poderosa transmisión de las relaciones coloridas causadas por la acción de los rayos de luz, la proximidad o rango de distancias. En los mejores representantes de la ciudad de la pintura, esta sensación de pinturas y negros se desarrolla hasta tal punto que la luz con sus innumerables y diversos matices juega en la imagen, se puede decir, el papel de la persona principal e informa el más alto Interés en la trama más nonato, las formas e imágenes más de buena reputación. Luego se debe tener en cuenta que la mayor parte del Gol. Los artistas no se inician en la distorsión para el material por su creatividad, pero se contenta con lo que encuentra alrededor de ellos, en la naturaleza nativa y en la vida de su pueblo. Características típicas de cualquier compatriota distinguida, fisonomía de la simple diversión holandesa y holandesa, ruidosa en vacaciones comunes, porqueses campesinos, escenas de vida rústica o vida íntima de ciudadanos, dunas nativas, sacerdotes y llanuras inquáscibles interceptables por canales, rebaños, pastando en prados gordos , las cabañas, llegamos a los bordes de haya o robles, pueblos a orillas de ríos, lagos y artículos, ciudades con sus casas limpias, puentes elevadores y altas agujas de iglesias y ayuntamiento, puerto, abarrotado por barcos llenos de plata. O pares doradas del cielo, todo esto, bajo el cepillo del asunto. Masters, imbuido de amor por la patria y orgullo nacional, se convierte en imágenes, aire completo, luz y atractivo. Incluso en los casos en que otros maestros recurren a los temas de la Biblia, la historia antigua y la mitología, sin cuidar la observancia de la lealtad arqueológica, llevan la acción el miércoles de los holandeses, lo rodean con un ambiente holandés. VERDADERO, junto a la multitud abarrotada de artistas tan patriotas, la falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de la patria, en el clásico país de arte, Italia; Sin embargo, en su trabajo, rompen las características que se pronuncia su nacionalidad. Finalmente, como característica del Goll. Pintores, puedes señalar su renuncia a las tradiciones artísticas. En vano, sería necesario buscar la estricta continuidad de los conocidos principios estéticos y las normas técnicas no solo en el sentido del estilo académico, sino en el sentido de los alumnos del carácter de sus maestros: con la excepción, Tal vez, solo, los estudiantes de Rembrandt, más o menos de cerca sus pasos, el brillante mentor, casi todos los pintores de Holanda, apenas aprobaron solo sus años de estudiante, y, a veces, ya durante estos años, comenzó a trabajar a su manera, según el Uno donde se involucró su inclinación individual y cuál se enseñó la observación directa de la naturaleza. Por lo tanto gol. Los artistas no pueden ser distribuidos a las escuelas, tal como lo hacemos sobre artistas de Italia o España; Es difícil incluso elaborar algunos de ellos grupos estrictamente definidos, y la mayor expresión " GRAMO.. escuela de pintura"Debe entenderse solo en un sentido condicional, como un conjunto de denotación de maestros tribales, pero no una escuela válida. Mientras tanto, en todas las principales ciudades de Holanda, organizadas sociedades de artistas que parecen tener que influir en sus actividades de mensajes de uno. Dirección general. Sin embargo, tales sociedades gremio sv. Luki.Si contribuyó a esto, entonces en un grado muy moderado. Estos no fueron una academia, el guardián de las famosas tradiciones artísticas, pero las corporaciones gratuitas, similares a otras artesanías y gremios industriales, no son muy diferentes de ellos con respecto al dispositivo y aquellos que tenían el objetivo del apoyo mutuo de sus miembros, el La protección de sus derechos, cuida su vejez, el cuidado de sus viudas y huérfanos del destino. Se llevó a cualquier pintor local que satisfaga los requisitos de cencado moral al gremio en un certificado preliminar en sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama adquirida por él; Los artistas visitantes fueron permitidos en el Gremio como miembros temporales para su estadía en esta ciudad. Cree que pertenece al gremio para discutir bajo la presidencia de los decanos de sus asuntos compartidos o para el intercambio mutuo de pensamientos; Pero en estas reuniones no había nada, lo que sería como una predicación de cierta dirección artística y habría golpeado a la activación de la originalidad de cualquiera de los miembros. Las características especificadas de G. Pintura son notables en su tiempo inicial, en el momento en que se desarrolló inseparablemente con la escuela flamenca. Al llamarla, así como esta última, fue entonces principalmente la decoración de iglesias con pinturas religiosas, palacios, ayuntamientos y hogares nobles: retratos de gubernamentales y aristócratas. Desafortunadamente, las obras de los primitivos G. Pintores nos llegaron solo en cantidades muy limitadas, ya que la mayoría de ellos murieron en ese vago, cuando la reforma, los templos católicos devastados, los monasterios abolidos y la abadía, incitamos a las imágenes sagradas escultóricas ". El levantamiento popular destruyó retratos de Tyanov odiados por él en todas partes. Muchos de los artistas que preceden a las revoluciones, solo conocemos por su nombre; Otros tienen la oportunidad de juzgar solo a solo dos muestras de su trabajo. Entonces, en relación con el más antiguo de la goleta. Pintores, Alberta Wang Ouwaterta, no hay datos positivos, a excepción de la información que era una camioneta contemporánea y trabajaba en Harlem; No existe pinturas confiables. El estudiante de su Garytien Van Sint-Yang es conocido solo por dos escaleras de estratos a la Galería de Viena ("St. Frefin" y "Leyenda de Huesos de San Juan"), escrito por ellos para la Catedral de Harlem. La niebla, nublada de nosotros la era inicial de la escuela, comienza a disiparse con la aparición en la escena de las batallas Dirk, llamada corte de pelo († 1475), originalmente de Harlem, pero que trabajó en Lovaina y por muchos a la Escuela flamenca (las mejores obras son dos imágenes "El Tribunal equivocado de Emperor Ottone", se encuentra en el Museo de Bruselas, así como en Cornelis Engelbrechtesten (1468-1553), del mérito principal de los cuales es que era un maestro de la Famosa Luyja Leidensky (1494-1533). Esta última, artista versátil, trabajadora y alto nivel, sabía cómo nadie tenía ante él, para reproducir todo lo que se encontró con los ojos y, por lo tanto, puede ser considerado un verdadero padre del género de los Países Bajos, aunque tenía que escribir pinturas predominantemente religiosas. y retratos. En las obras de su yana contemporánea, la mayoría de (aproximadamente 1470-1556), el deseo de naturalismo está relacionado con una sombra de la leyenda gótica, el calor del sentimiento religioso con el cuidado de la elegancia externa. Además de estos maestros destacados, para la era inicial de la ciudad, merecen ser mencionados: Heronimus van Aken, apodada I. de Bosch (aprox. 1462-1516), con sus composiciones complejas, intrincadas y otras veces extrañas publicadas. el comienzo de la pintura doméstica satírica; Yang Mandein († 1520), famoso en Harlem con sus imágenes de escenas infernales y bufas; Peter Arsen († 1516), pidió su alto crecimiento "Peter Long Peter" (Pier Muelle de Lange), David Ioris (1501-56), un pintor calificado en el vaso, fascinado por la matriz anabápita y se imaginó con el profeta David y el Hijo de Dios, Jacob Welts (1469? - 1535?), Jacob Cornellis (1480? - Más tarde 1533) y su hijo Dirk Jacobs (dos fotos de este último, que representan las sociedades de tiro, están disponibles en imp. Hermitage). Cf. Furgoneta u. Van der Willigen, "Geschiedenis der Vaderlandische Schilderkunst, Seedert de Helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman U. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2nd y 3rd Toma, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der Deutschen und Niderländischen MaleSchulen" (1862); Bode, "Studien Zur Geschichte der Holländischen maleei" (1883); Havard, "La Peinture Hollandaise" (1880); E. Fromento, "Les Maîtres D" Autrefoois. Belgique, Hollande "(1876); A. Bredius," Die Meisterwerke des Rijksmuseum Zu Amsterdam "(1890); PP Semenov," Etudos en la historia de los Países Bajos pintando sobre la base de sus muestras en San Petersburgo "(un especial Aplicación a la revista "VESTN. Elegante. Arts", 1885-90). A. SOMOV.
Diccionario enciclopédico F.A. Brockhaus y I.A. Efron. - S.-PB.: Brockhauses-Efron. 1890-1907 .
Pintura holandesa, en buena arte.
Alrededor de la mitad de la tabla XVI. En el medio de los Países Bajos, existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte doméstico, su angularidad y sequedad gótica: el estudio de los artistas italianos del Renacimiento y la conexión de sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Esta aspiración ya está mirando las obras de los más mencionados en la mayoría; Pero el principal distribuidor del nuevo movimiento debe ser considerado Yang Schorel (1495-1562), que vivió en Italia y después de la escuela, luego en Utrecht, de la que vino una serie de artistas infectados con el deseo de lidiar con Dutch Rafael y Miguel Ángel. fuera. Según sus pasos, Martin Van Van, apodada Gamskerki (1498-1574), Henrik Golcyus (1558-1616), Peter Montford, Proble. A prueba de bloques (1532-83), Cornelis. Harlem (1562-1638) y otros ya pertenecientes al próximo período de la escuela, lo que, por ejemplo, Abraham Blumart (1564-1651), Gerard Gontlesk (1592-1662), fue para los Alpes para penetrar en las perfecciones de las Cornnesas de la pintura italiana, pero cayeron en su mayor parte, bajo la influencia de los representantes de la decadencia de esta pintura comenzó en ese momento, y regresó a la Mañaryist Maris, imaginando que el conjunto de la técnica es llevar a los músculos, en el despojo De los ángulos y los colores condicionales de la fractura. Sin embargo, la pasión de la gente por los italianos, a menudo sacrificada en la época de transición de la pintura al extremo, trajo un tipo de beneficio, ya que contribuyó a esta pintura la mejor, más dibujo científico y disminuir más libremente y con valentía disponer de la composición. Junto con la tradición de Stagniderland y el amor ilimitado por la naturaleza, uno de los elementos, de los elementos, de los cuales el arte original, altamente desarrollado de la era floreciente. La ofensiva de esta era, como ya hemos dicho, debe dedicarse al comienzo del arte XVII., Cuando Holanda, ganó la independencia, sanó la nueva vida. La fuerte transformación del país oprimido y pobre en una unión estatal políticamente importante, bien establecida y rica, fue acompañada por un golpe igualmente agudo en su arte. Desde todos lados, casi al menos, hay maravillosos artistas que causaron el aumento del espíritu nacional y el desarrollo en la sociedad la necesidad de su trabajo en la sociedad. Nuevo - Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam y otros se añaden a los centros artísticos originales, Garleom y Leidenu todas partes Notas en el anterior previamente.. La reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar los palacios y las cámaras necesarias con imágenes de dioses y héroes antiguos, y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisface los gustos de la rica burguesía, dejó caer el idealismo y se dirigió a la reproducción exacta de la realidad: los eventos de larga duración que ella Comenzó a interpretar cómo los eventos del día que tuvieron lugar en Holanda y en las características dedicadas a un retrato, perpetuando las características de la gente de ese tiempo, en las figuras individuales, en las exposiciones extensas y multifiantes que representan a las sociedades de pequeña escala. (Scholterstuke), quien jugó un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país, las normas de sus establecimientos caritativos, el matrimonio de la tienda y los miembros de varias corporaciones. Si decidimos hablar sobre todo el retrato dotado de la era floreciente de la Golle. El arte, entonces una lista de sus nombres con una indicación de lo mejor de su trabajo tomaría muchas líneas; Por lo tanto, estamos limitados a mencionar solo a los artistas que se emiten especialmente desde el rango general. Tal: Michil Mireview (1567-1641), su estudiante de Man Morels (1571-1638), Thomas de Caerizer (1596-1667) Yang van Rawesein (1572? - 1657), los predecesores de los tres más grandes retratos de Holland - Clavius De Rembrandt Rembrandt Wang Raina (1606-69), un dibujante incomparable que tenía un arte increíble modelando las figuras en la luz, pero un poco de carácter frío y sabor de la Bartolomeyushus van der Gelsta (1611 o 1612-70) y el Figurando su cepillo del Goloss Senior (1581-1666). De estos, el nombre del nombre de Rembrandt brilla especialmente brillantemente en la historia, primero que usó honores de sus contemporáneos, entonces se olvidan, poco apreciados por la descendencia y solo en el siglo actual erigieron en toda la justicia al grado de genio mundial. En su característica personalidad artística, tanto en foco, todas las mejores cualidades de la G. Pintura y su influencia afectaron a todo su nacimiento, en los retratos, pinturas históricas, escenas domésticas y paisaje. Entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt adquirieron la mayor fama: Ferdinand Dolor (1616-80), Giatert Flink (1615-60), Herrand Wang Den Ecut (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Helder ( 1645-1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victs (1621-74), Karel Fabrichius (OK. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Peter de GBEBE , Villem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dow (1613-75) y Samuel Van Gogstraten (1626-78). Además de estos artistas, la lista de los mejores retratos y pintores históricos del período considerado a nombre Yana Livenza (1607-30), camarada Rembrandt por estudio en P. LASTMAN, Abraham Van Tepel (1622-72) y Peter Nogon (1612-91), que aparentemente, bajo la influencia de en. Galsta, a los heohannes, a duda, a la demida a Johannes (1597-1662), Yana y Jacob de Braév († 1664, † 1697), Cornelis Wang Ceileylene (1594-1664) y Nicolas de Gelta Slakada (1614-69). La pintura para el hogar, los primeros experimentos de los cuales aún estaban en la antigua escuela de Países Bajos, se encontraron en el siglo XVII. Suelo especialmente agradecido en protestante, libre, burgués, satisfecho con Holanda. Las imágenes pequeñas, que representan en serencialmente la moral y la vida de diferentes clases de la sociedad local, parecían suficientes personas más exigibles que las grandes obras de pintura grave, y a la par con paisajes, más útiles para decorar acogedoras viviendas privadas. Todos los artistas de Hordee satisfacen el requisito de tales imágenes, sin pensar durante mucho tiempo por elección, pero para reproducir concienzamente todo lo que en realidad no muestra el amor de su propio, nativo, luego el humor de buen carácter, que describe con precisión el Posiciones y caras y cara sofisticada en la habilidad de la tecnología. Luego, alguien ocupa una vida común, las escenas de la felicidad y la pena campesinas, un alcohol en calabacín y hordoles, reuniéndose frente a los hoteles de la carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje en ríos y canales congelados con hielo, etc., otros toman el contenido para Sus obras desde el círculo más elegante, escriben damas elegantes en su ambiente íntimo, dejándolos a los caballeros, a los dueños de los hogares que dan órdenes a las criadas, los ejercicios de salón en música y el canto, los centés de los jóvenes de oro en casas de placer, etc. en La larga fila de los artistas de la primera categoría primero Adrian e Izac en. Ostay (1610-85, 1621-49), Adrian Browver (1605 o 1606-38), Jan Stan (aproximadamente 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richard Blanbürg (1650-1702), P. V. LAR, apodado en Italia Bambecio (1590-1658), Cornelis Duzart (1660-1704) Egbert van der Bulch (1621-64), Cornelis Drochslot (1586-1666), Egbert In. Gamskerk (1610-80), Henrik Rockes, llamado Zorg (1621-82), Clas Molyar (a principios de 1630-76), Yang Minse Molyar (aproximadamente 1610-68), Cornelis Safelevlen (1606-81) y Nº. Dr. De un número igualmente significativo de pintores que se reproducen por la vida del medio y superior, en general, lo suficiente, disfrute de la fama de Gerard Terborh (1617-81), Gerard Dow (1613-75), Gabriel Metsu (1630 -67), Peter de Gogh (1630-66), Kaspar Nesser (1639-84), Francia en. Miris Senior (1635-81), Eglon van der Nar (1643-1703), Gottfried Schalken (1643-1706), Yang van der Mayor Delft (1632-73), Johannes Victor (1650-93), que quiere brigal AP († 1668). Jacob Oxtervelt († 1670), Dirk Gals (1589-1656), Anthony and Parametes ParameySA (1601-73, 1607-38) y otros. A la categoría de género, puedes clasificar a artistas que escribieron escenas de la vida militar, la ociosidad. de soldados de la guardia, campings, enfrentamientos de caballería y la totalidad de las batallas, caballos amaway, así como rociados con escenas de batalla escenas de halcón y perro de caza. El representante principal de esta pintura de la industria es la famosa y extraordinariamente prolífica Philips of Hovverman (1619-68). Además de él, su hermano de este Maestro, Peter (1623-82), Yang Asselin (1610-52), que pronto se reunirá en una serie de jugadores de paisajes, la mencionada Palamesa, Jacob Icek (1600 a más tardar 1660) , Henrik Versheuring (1627- 90), Dirk Stop (1610-1680), Dirk MAC (1656-1717), etc. En muchos de estos artistas, el paisaje desempeña el mismo papel importante como figuras humanas; Pero en paralelo con ellos, la masa de los pintores, lo puso por lo principal o una tarea excepcional. En general, los titulares holandeses pertenecen al derecho inalienable de estar orgulloso del hecho de que su patria es una patria no solo el género más nuevo, sino también el paisaje en el sentido, como se entiende en nuestros días. De hecho, en otros países, por ejemplo. En Italia y Francia, el arte no estaba muy interesado en la naturaleza inanima, no encontró una especie de vida, ni una belleza especial en ella: el pintor introdujo un paisaje en sus pinturas solo como un elemento lateral como un paisaje, entre las cuales los episodios de el drama o comedia humana se reproducen las condiciones de la escena, viene con las líneas pictóricas líneas y manchas favorables, pero no copiar la naturaleza, no penetra que impresiona. De la misma manera, él "compuso" es la naturaleza y en esos casos raros cuando intentó escribir una imagen puramente paisajística. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en una naturaleza inanimada respira su vida, todo es atractivo, todo es capaz de causar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y fue bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon sus manos alrededor de ellos con sus propias manos, tratadas y admiraban cómo valora su padre y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y pinturas, representó tales colorantes, ya que había el material holandés, abundante para el desarrollo de motivos de iluminación y una perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país, su impregnado con aire de vapor. , mitigación de los contornos de los objetos que producen la gradación de los tonos en varias los planes y cubriendo la distancia de un quimotripsina plata o de oro niebla, así como la variabilidad de las especies causadas por la época del año, la hora del día y la estado del clima. Entre los jugadores del paisaje del período de floración de la GOL. Escuelas que fueron interpretadas por su naturaleza doméstica, especialmente respetadas por: Yang. Goyen (1595-1656), quien, junto con Ezaias Van de Veld (aprox. 1590-1630) y Stars Peter Molen. (1595-1661), considerado el fundador de la GOL. paisaje; Luego el alumno de este maestro, Salomon en. Ryuzdal († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Weinants de Yang (aprox. 1600 - más tarde de 1679), los efectos aficionados de mejor iluminación de arte. D. NAR (1603-77), Poetic Jacob In. Ryuzdal (1628 o 1629-82), Meert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Decker († 1678). Entre los holandeses, también había algunos jugadores de paisajes que estaban atrapados en el viaje y reproduciendo los motivos de la naturaleza extraterrestre, que, sin embargo, no les impidió que los preservaban en su pintura. Albert c. Everyenen (1621-75) representó los tipos de Noruega; Jan Bot (1610-52), Dirk en. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Jan adentro. d. alcalde Jr. (1656-1705), Herman Sakes (1610-85) y Jan Griffff (1656-1720) - Rin; Jan Gakkart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Polenhenburg (1586-1667) y el grupo de sus seguidores escribieron paisajes a los motivos de la naturaleza italiana, con las ruinas de los edificios antiguos, las ninfas de baño y las escenas de la Arcadia imaginaria. En una secreción especial, los maestros se pueden distinguir, que en sus pinturas combinaron el paisaje con la imagen de los animales, lo que brinda ventaja de la primera, luego la segunda o la relación entre ambas partes con la misma atención. Famoso en una serie de tales pintores de Idyll rural - Paulus Potter (1625-54); Además de él, ADRIAN C se cuenta aquí. Velda (1635 o 1636-72), Albert Cape (1620-91), Gondius Abraham († 1692) y numerosos artistas que abordaron los temas preferiblemente o exclusivamente a Italia, ¿cuáles son los: Villem Romain († más tarde 1693), Adam Peynaker (1622-73), Jan-Baptist Veniks (1621-60), Yang Asselin, Claster Bercher (1620-83), Karel Duzrden (1622-78), Thomas Wake (1616? -77) Frederic de Musheron (1633 o 1634 -86) y otros. La pintura de especies arquitectónicas está estrechamente adyacente al paisaje, que los artistas holandeses comenzaron a participar como una industria independiente de arte solo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los trabajados desde entonces, en esta parte, fueron sofisticados en la imagen de las calles urbanas y áreas con sus edificios; Tal, entre otros, menos significativos, Johannes Bareresthane (1622-66), Ib y Gerrit Verk-Gade (1630-93, 1638-98), Yang In. D. Gayden (1647-1712) y Jacob en. Village Yulft (1627-88). Otros, entre los cuales Peter Sanrenian († 1666), Dirk en. Dellen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), escribió especies internas de iglesias y palacios. El mar tenía mucha importancia en la vida de Holanda, que su arte no podía tratarlo lo contrario, como con la mayor atención. Muchos de sus artistas comprometidos en el paisaje, el género e incluso un retrato, despegando en el momento de sus parcelas ordinarias, fueron hechas por los marinistas, y si nos atendían a listar a todos los pintores de Dutchsk. Las escuelas que representan un mar tranquilo o furioso, barcos, obstruidos con barcos del puerto, las batallas marinas, etc., habrían resultado ser una lista muy larga, que se incluiría en los nombres de Ya. Goyena, S. de Wiliger, S. y Ya. Ryuisdalea, A. Cape y los demás ya mencionados en las líneas anteriores. Limitado en la misma indicación sobre aquellos para quienes la pintura de especies marinas ascendió a una especialidad, debemos llamar al Willem en. De Velte Senior (1611 o 1612-93), su famoso hijo V.. De Velda Jr. (1633-1707), Lyudolf Bucmaisena (1631-1708), Yana. De Kappell († 1679) y Julius Parcelis († más tarde, 1634). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón del hecho de que se formó y desarrolló un género de pintura, que en otras escuelas no se cultivó como una industria especial e independiente, a saber, las flores de pintura, las frutas, las verduras, el ganado, Accesorios de cocina, área de comedor, etc. - En la palabra, lo que es habitual que se llamará "Naturaleza muerta" (Nature Morte, Stilleben). En esta área entre el objetivo. Artistas de la era floreciente adquirieron la mayor fama de Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gundecuiter (1636-95), Maria Osterweik ( 1630-93), Villem en. Alsti (1626-83), Willem Ging (1594 - 1678), Calph Villem (1621 o 1622-93) y Yang Waniks (1640-1719).
El brillante período de pintura holandés ha estirado durante mucho tiempo, solo un siglo. Con el comienzo del siglo XVIII. Viene su declive, no porque la costa de Zeerze dejó de producir talentos congénitos, sino porque en Gol. La sociedad cada vez más debilita la autoconciencia nacional, el espíritu nacional se evapora y los gustos franceses y las vistas de la era rociada de Luis XIV se evaporan. En el arte, este giro cultural se expresa por el olvido de los artistas de los principales principios, que dependían de la originalidad de los pintores de las generaciones anteriores, y la apelación a los principios estéticos enumerados del país vecino. En lugar de una actitud directa hacia la naturaleza, el amor por la dominación y la sinceridad, la dominación de las teorías sesgadas, la convencionalidad, la imitación de Poussin, Lebré, Cl. Lorrane y otros. Cables escolares franceses. El principal distribuidor de esta arrepentible dirección se resolvió en Amsterdam Flemandes Gerard de Lesters (1641-1711), el artista es muy capaz y por su tiempo educado, quien tuvo una gran influencia en los contemporáneos y la descendencia más cercana como su forma de pinturas pseudo-históricas. y trabaja por su pluma, entre la cual uno: "Gran libro de pintura" ("T Groot Schilderboec), durante cincuenta años sirvió como un código para jóvenes artistas. El famoso Adrian en la escuela también ha contribuido a. de verff (1659- 1722), la pintura iluminada, que son figuras de marfil frío, con un sabor indecible y impotente parecían tener una vez la perfección de conducción. Entre los seguidores de este artista, fue fama como pintores históricos Henrik en. Limborg (1680-1758) y Philip V. -Dajk (1669-1729), llamado "pequeño en. -Neke". De otros pintores de la era en consideración, dotados de indudable de Dios, pero infectado D El Yum of Time debe celebrarse Willem y Francia. Mirisa Junior (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Victor (1673-1746), Netzer Konstantin (1668-1722), Izaca de Musheron (1670-1744) y Karel de Mora (1656-1738). Cornelis Cornef (1697-1750), predominantemente caricaturista, apodado Holanda, dio un poco de brillo de la escuela de muerte. Gogard, Portreetist Jan Quinchard (1688-1772), pintor decorativo-histórico Jacob de Vit (1695-1754) y pintores de la naturaleza muerta Yang en. Geijum (1682-1749) y vuelos de Rachel (1664-1750).
Un efecto extranjero en los veinte años del siglo XIX es alienígena a los veinte años del siglo XIX, mientras que más o menos reflejan esas modificaciones en ella, qué arte se tomó en Francia, comenzando con el par de la época del rey solar y Terminando con el pseudoclassismo David. Cuando el estilo de este último ha hablado su edad y en todas partes en el oeste de Europa, en lugar de apasionado, el deseo romántico, dominado como poesía y artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, se dirigieron a sus viejos tiempos y, en consecuencia, al pasado glorioso de su pintura. El deseo de informarle de nuevo el brillo como ella brilló en el siglo XVII, comenzó a animar a los más nuevos artistas y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales, a una observación estricta de la naturaleza y una actitud sincera y sincera hacia los presentadores. Al mismo tiempo, no intentaron eliminar completamente la influencia extranjera, sino que van a estudiar en París o Düsseldorf y otros centros de arte de Alemania, exportados a casa desde allí solo conocidos con los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, la escuela holandesa revivida ha recibido nuevamente la fisonomía original, bonita y se mueve en nuestros días en el camino que lleva a un mayor progreso. Para muchos de sus líderes más nuevos, puede oponerse con seguridad a los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el valor cercano de la palabra se cultiva en él, como en los viejos tiempos, muy moderadamente y no tiene representantes sobresalientes; Pero de acuerdo con la parte del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros más nuevos significativos, ¿qué son: Jacob Square (1793-1861), Ari Lamme (R. 1812), Peter en. Skendel (1806-70), David Blis (nacido 1821), Herman Ten-Kate (1822-1891) y que abandonó la abrazancia altamente impresionante de Alma Tadema en Inglaterra (R. 1836). En el género doméstico, que también se incluye en el círculo de actividad de estos artistas (con la excepción de la Alma Tadema), puede ser indicado por una serie de hermosos pintores, a la cabeza de la cual IDEF R. 1824) y Christoffel Bisshop ( R. 1828); Además de ellos, usted es digno de ser llamado Michil Verseg (1756-1843), Elkhanon Vervar (r. 1826), Teresa Schwartz (r. 1852) y el Valle de Mus (r. 1857). Especialmente rico en el Gol más nuevo. Pintar con jugadores de paisaje que se preocupan y preocupándose en una variedad de nacimientos, luego con cuidadosamente terminados, luego con las extensas técnicas de los impresionistas, pero los intérpretes leales y poéticos de su naturaleza nativa. Andreas Schelfgoot (1787-1870), Bartain Kukkuk (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Rulofs (p. 1822), Gendrich In. De Sanda-Bike Mesen (R. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (R. 1837), Vodwejak Apol (R. 1850) y MN. Dr. HEIRS STRET SHA. V. El pueblo de Heyden y E. de Witte fueron los pintores de especies prometedoras Yang Vergeiden (1778-1846), Bartolomeyus en. Kazy (1790-1888), Salomon Vervar (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbe (1817-91), Johannes Weissengruch (1822-1880) y otros. Entre los más nuevos marinistas del Campeonato de Palm Países Bajands Pertenece a IIOG. Schotel (1787-1838), Jugador Ari (R. 1809), Herman Kukkuk (1815-82) y Henry Mesca (p. 1831). Finalmente, en la pintura de los animales, se observó el gran arte de los wulles vershur (1812-74) y Johan Gus (p. 1832).
Cf. Furgoneta u. Van der Willigen, "Geschiedenis der Vaderlandische Schilderkunst, Seedert de Helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman U. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2nd y 3rd Toma, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der Deutschen und Niderländischen MaleSchulen" (1862); Bode, "Studien Zur Geschichte der Holländischen maleei" (1883); Havard, "La Peinture Hollandaise" (1880); E. Fromento, "Les Maîtres D" Autrefoois. Belgique, Hollande "(1876); A. Bredius," Die Meisterwerke des Rijksmuseum Zu Amsterdam "(1890); PP Semenov," Etudos en la historia de los Países Bajos pintando sobre la base de sus muestras en San Petersburgo "(un especial Aplicación a la revista "VESTN. Elegante. Arts", 1885-90).
Después de casi doscientos años, en 1820, la galería de arte real se publicó en este edificio, una de las mejores reuniones de la pintura holandesa de los siglos XV-XVII.
Siglo xvii Llaman a la "Edad de Oro de" Pintura holandesa (no para confundirse con la "Edad de Oro", bajo la cual el trabajo de artistas de Flandes XV sigue siendo los llamados "primitivistas flamencos").
Todos los géneros de esta era de arte visual holandés son plenamente y diversos en la galería: grandes muestras de retratos, paisajes, vidas aún, lienzos históricos, finalmente, la apertura principal de los maestros holandeses es escenas de género, o escenas de la vida cotidiana.
Parece que no hay ningún artista importante de los Países Bajos, cuya creatividad no habría sido representada en el Museo de La Haya. Aquí y los retratos de Anton Wang Dyk y Jacob Wang Campen, y el maestro de la naturaleza muerta Willem Wang Elst y Balthazar van der Aste, famosos jugadores de paisajes: Hendrik Averkamp con su famoso "paisaje de invierno", Jan Wang Goyen y Salomon Wang Ryuisde, y, de Curso, maestría brillante de género Herard Ter Burch, Peter de Changh, Gerard Dow y otros.
Entre los muchos nombres gloriosos se asignan cuatro más importantes para el arte holandés. Esto son las paredes de Yang, Francia Hals y los dos Genio más grande del holandés Rembrandt Wang Rhine y Johann Vermeer.
En esa época, el artista holandés a menudo dedicaba su arte a cualquier género favorito. Estas son las paredes y los talsos. Toda mi vida, estos artistas trabajaron cada uno en su campo: las paredes desarrollaron la escena del género, HALS llegó a una habilidad superior en el retrato.
Ahora el trabajo de estos maestros se considera clásico en su género. En el museo se puede ver el "niño de risa" de França Hals y "El viejo canta - Joven Sang" Yana Wall.
Ni Rembrandt ni Vermeer ataron su creatividad con ningún género. Ambos, aunque con una intensidad diferente, trabajados en una amplia variedad de áreas, desde el retrato hasta un paisaje, y en todas partes alcanzaron los picos inaccesibles, retirando resueltamente la pintura holandesa del marco de género estrecho.
Rembrandt se presenta generosamente en los museos de su tierra natal. Una variedad de su herencia refleja la exposición de La Haya. El museo exhibe tres pinturas del artista: "Simeon, alabando a Cristo", "La lección de la anatomía del doctor Tulp" y uno de los últimos auto-retratos del Gran Maestro.
Vermeer, por el contrario, dejó extremadamente pocas pinturas. Los museos que poseen una o dos imágenes de este misterioso pintor se pueden contar en los dedos.
Solo seis de sus obras maestras se mantuvieron en la patria del artista. Cuatro de ellos son la mayor colección de Vermeer en el mundo, almacenada en Rixmusee en Amsterdam. Los otros dos son legítimamente orgullosos de La Haya. Este es el famoso "Tipo de Delft", la ciudad natal de Vermeer y, quizás, la imagen más famosa, que se ha convertido en un museo de "Tarjeta de visita" - "Chica con Pearl Grey" "LCA".
Colección de pintura de los Países Bajos del siglo XVII: la principal riqueza del museo. Sin embargo, la exposición no se limita a ella: la Galería de La Haya se enorgullece de las creaciones de los artistas de otra "Edad de Oro", flamenco. Aquí se almacenan las obras de los maestros del siglo XV: "Correo de Cristo" Rogira van der Waiden y el "retrato masculino" de Hans Memling.
Meeting Moritzhaus complementa la galería de arte de Prince Villem V. Esto es cronológicamente el primer Museo de Hombreas de Holanda. La exposición de la misma, recogida por el Príncipe y reflejando su gusto, está dedicado a pintar el siglo XVIII.
Moritzhaus está abierto de martes a sábado de 10 a 17 horas. El domingo y los fines de semana, de 11 a 17 horas. Fin de semana - lunes. Precio de entradas 12.50 NLG. Niños de 7 a 18 años - 6.50 NLG.
La Galería Villem Villa está abierta todos los días de 11 a 16 horas. Fin de semana - lunes. El boleto cuesta 2.50 nlg. Niños de 7 a 18 años - 1.50 nlg. Al presentación del boleto a Moritzhouse, la entrada a la Villem Ving Gallery V es gratuita.
Todos sabemos que a lo largo de los siglos en Holanda, se crearon obras únicas de arte. ¿Pero qué pasa en la etapa del arte contemporáneo hoy? ¿Cuál de los jóvenes artistas podrá tomar un lugar en la historia? En Ámsterdam, como en muchas otras ciudades holandesas importantes, muchas galerías interesantes que organizan grandes exposiciones de artistas creativos talentosos de todo el país. Dado que los artistas holandeses modernos, famosos y en la patria, y en el extranjero, una gran cantidad, su trabajo se puede encontrar tanto en los grandes museos del nivel de Stedelijk como en las galerías de la galería de Kochxbos o en las pequeñas, Nederlands Fotomuseum.
A continuación se presentan las cinco que ganan la popularidad de los artistas holandeses que atrajeron la atención de la comunidad mundial y, sin duda, contribuirán a la historia del arte de los Países Bajos.
Dan ruzguard
"El propósito de mi trabajo es hacer que la gente piense en el futuro", dice RuzGuard. Este artista e innovador son un laureado de varias primas. Ganó la fama en el mundo del arte contemporáneo debido a su instalación de "duna" de 2006. Los punteros interactivos que brillan intensamente instalados en Rotterdam a lo largo del río Mas, abrieron las puertas para el artista, obsesionadas con tecnologías, diseño y arquitectura. En sus obras, Ruzguard crea un mundo futurista en el que las personas y las tecnologías interactúan armoniosamente entre sí. De febrero al 5 de mayo, la "cúpula de loto" se exhibirá en Rijksmuseum en la sala de estar. Esta cúpula de dos metros responde al enfoque de las personas: cientos de colores de aluminio florecen, sintiendo el calor de los visitantes.
Levi Wang Velv
Formas tradicionales de crear obras de arte Van Veluv, un artista de Hoovelaken, claramente no es suficiente. Su portafolio tiene fotos, esculturas, dibujos e instalaciones, y el uso de ellos mismos como un material es una tarjeta de visita de su creatividad. No es casual que su primera exposición en la Galería de Ron Mandos en Ámsterdam representó una serie de seis fotos que representan dibujos bien detallados con un bolígrafo. En lugar de lienzo, el artista dibujó en su propia cara. La conexión entre el cuerpo y la superficie se descubrieron artistas de posguerra que desarrollaron el arte de la perfusión a un nivel sin precedentes. Pero el uso de objetos diarios como un asa ordinaria, para crear una obra de arte, desempeñó un papel importante para Wang Val en el logro del éxito. Desarrollando una idea en su estilo personal, Levi Van Velel pudo demostrar su trabajo en los mejores museos del mundo y traer al arte moderno de Holanda a la escena internacional.
Tony wang til
Tony Van hasta que recibió una educación superior en la especialidad "Bellas artes" en St. Justa, una institución educativa, ubicada en la pequeña ciudad del sur de Breda, en 2007. Después del lanzamiento, el joven artista está comprometido en proyectos interesantes. Uno de ellos es "esculturas en Twitter". Desde 2012, dirige una cuenta en Twitter, donde describe las ideas para esculturas en 140 signos. Por ejemplo, una de las ideas es "Retrato de una belleza de Botox, ampliada al tamaño de un muro de 4 pisos", otras resúmenes más: la creación de "sombras con dolor creciente" entre las otras obras del artista - una serie De dibujos que contienen más ideas para esculturas. ¿Es la Escritura en el proceso creativo de Twitter? Para Van Tila, la respuesta es positiva.
Anuk kryuthof
Este artista de Dordrecht usa fotos como material de origen para crear esculturas, instalaciones, libros y folletos para su distribución. A veces crea artículos anónimos (como tarjetas postales y carteles), que los visitantes podrán llevar a casa. En el Museo Stedelijk ahora pasa su articulación con la exhibición de Pauline Olsten del colega-artista holandés. La instalación en el primer piso presenta su interpretación de la fotografía callejera. El rasgo característico del trabajo es la admiración subrayada por personas y extraños. Otro aspecto de la vida que atrae su atención es el color. Según el artista, ella "crea orden en el caos" utilizando el método de gradación de color.
Harmo Highkens
Es difícil no mencionar los highkens de daño, contando sobre el arte holandés moderno. Sus primeras exposiciones se remontan a principios de la década de 1990. En esculturas, la magnitud genuina combinó el estilo del manga y el arte moderno de la calle. El trabajo Harmo Highkens no se percibe, especialmente al principio. Muchos incluso los llamaron "Bizarre Kitch". Esto se debe al hecho de que el artista eligió un tema muy doloroso: la operación de los niños en la sociedad de los consumidores, donde los valores están distorsionados. Sus esculturas representan al mundo perturbado de niños pobres y explotados, afectando al espectador como una llamada alarmante, pidiendo una decisión de problemas sociales profundamente arraigados.
Holanda. siglo 17. El país está experimentando un floreciente sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A fines del siglo XVI, varias provincias del país lograron la independencia de España.
Ahora, el SimplyStan Países Bajos se dirigió a su camino. Y Flandes católicos (la actual Bélgica) bajo el ala de España, la suya propia.
En Holanda Independiente, la pintura religiosa casi no se necesitaba. La Iglesia protestante no aprobó el lujo de la decoración. Pero esta circunstancia "jugó en la mano" de pintar secular.
El amor por este tipo de arte se despertó literalmente a cada residente del nuevo país. El holandés quería ver su propia vida en las fotos. Y los artistas caminaron voluntariamente para encontrarse con ellos.
Nunca he descrito la realidad circundante. Gente ordinaria, habitaciones ordinarias y el desayuno más ordinario del ciudadano.
El realismo floreció. Hasta el siglo XX, será un competidor digno del academismo con sus ninfas y diosas griegas.
Estos artistas llaman los holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las imágenes eran pequeñas en tamaño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Entonces, casi todas las imágenes de Jan Vermeer en una altura de no más de medio metro.
Pero me gusta otra versión más. En los Países Bajos, en el siglo XVII, vivió y trabajó el gran maestro, el holandés "grande". Y todos los demás comparados con él era "pequeño".
Estamos hablando, por supuesto, sobre Rembrandte. De él y comienza.
1. REMBRANDT (1606-1669)
Rembrandt. Auto-retrato de 63 años. 1669 National London Gallery Rembrandt pudo experimentar la gama más amplia de las emociones durante su vida. Por lo tanto, en sus primeros trabajos, muy divertidos y bravadas. Y tantos sentimientos complejos, en los últimos.
Aquí es joven y decepcionado en la imagen "El hijo ciego en Tavern". En las rodillas, la amada esposa Saskovia. Es un artista popular. Los pedidos vierten el río.
Rembrandt. El hijo pródigo en la taberna. 1635 Galería de Maestros Viejos, Dresde. Pero todo esto desaparecerá después de unos 10 años. Sasquia morirá de consumo. La popularidad se disolverá como humo. La casa grande con una colección única se tomará para deudas.
Pero aparecerá el mismo Rembrandt, que permanecerá en el siglo. Grandes sentimientos de héroes. Sus pensamientos más íntimos.
2. FRANCIA HALS (1583-1666)
Francia Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano, Nueva York Francia Hals es uno de los mayores retratos de todos los tiempos. Por lo tanto, también lo consideraría en el "gran" holandés.
En Holanda, en ese momento era habitual pedir retratos grupales. Muchas obras similares aparecieron con la imagen de las personas que trabajan juntas: las flechas del mismo gremio, los médicos de una ciudad, lo que administra el hogar de ancianos.
En este género, HALS asignó sobre todo. Después de todo, la mayoría de estos retratos eran como un mazo de cartas. La gente está sentada en la mesa con la misma expresión de la cara y solo mira. Hals tenía de manera diferente.
Mira su retrato de grupo del "Gremio de flecha de St. Jorge.
Francia Hals. Flechas Guild Hild Jorge. 1627 Museo de Francia Hals, Garel, Países Bajos Aquí no encontrará una sola repetición en la posición o expresión de la cara. Al mismo tiempo, no hay caos. Hay muchos personajes, pero nadie parece ser superfluo. Debido a la colocación sorprendentemente correcta de las figuras.
Sí, y en un solo retrato Hals superó a muchos artistas. Sus modelos son naturales. Las personas de la más alta sociedad en sus pinturas están desprovistas de magnifies, y el modelo desde la parte inferior no se ve humillado.
Y sus héroes son muy emotivos: sonríen, se ríen, gesticulan. Como, por ejemplo, es un "gitano" con una mirada suelta.
Francia Hals. Gitano. 1625-1630 Hals, como Rembrandt, la vida terminada en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo vino contra los gustos de los clientes. Quienes querían que su apariencia se adormara. Hals no fue a Frank Flattery, y así firmaron una oración - "Oblivión".
3. Gerard Terborh (1617-1681)
Gerard Terboro. Auto retrato. 1668 Galería Real Mauritshais, Hague, Países Bajos Terboro era un mago de un género doméstico. Rich y no muy burgas están hablando lentamente, las damas leen cartas, y el pionero está viendo cortejarse. Dos o tres figuras estrechamente dispuestas.
Fue este maestro el que trabajó los cánones del género doméstico. Que luego tomó prestado por Yang Vermeer, Peter de Heh y muchos otros "pequeños" holandeses.
Gerard Terboro. Vaso de limonada. 1660s. Ermita de estado, San Petersburgo "El vaso de limonada" es una de las famosas obras de Terborch. Puede ver una ventaja más del artista. Imagen increíblemente realista de la tela de vestir.
Hay TERBORO y trabajo inusual. Lo que habla de su deseo de ir más allá de los requisitos de los clientes.
Su "amoladora" muestra la vida de los habitantes más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver acogedores patios y habitaciones limpias en las imágenes de "pequeño" holandés. Pero Terboro se atrevió a mostrar holanda antiestética.
Gerard Terboro. Amoladora. 1653-1655 Museos gubernamentales Berlín Como entiendes, tales obras no estaban en demanda. Y son un fenómeno raro incluso en Terborh.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Taller de artistas. 1666-1667 Museo de Historia del Arte, Viena. Lo que Buscó Yang Vermeer, no se conoce de manera confiable. Solo es obvio que se retrató en el "Taller del artista". Es cierto de la espalda.
Por lo tanto, es sorprendente que un nuevo hecho de la vida del maestro haya sido conocido recientemente. Está conectado con su obra maestra "Delft Street".
Jan Vermeer. Calle delft. 1657 Museo del Gobierno en Amsterdam Resultó que la infancia de Vermeer pasó en esta calle. La casa representada pertenecía a su tía. Ella levantó a sus cinco hijos en él. Tal vez se sienta en el umbral con costura, y dos de sus hijos juegan en la acera. El propio Vermeer vivió en la casa de enfrente.
Pero más a menudo retrató la situación interna de estas casas y sus habitantes. Parecería que las parcelas de las pinturas son muy simples. Aquí hay una dama conmoides, una topoor segura, comprueba el trabajo de mis escamas.
Jan Vermeer. Mujer con pesas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington ¿Qué se destacó Vermeer entre miles de otros "pequeños" holandeses?
Fue un maestro de luz insuperable. En la imagen "Mujer con pesas", la luz envuelve suavemente la cara de la heroína, la tela y las paredes. Dando una espiritualidad insoportable representada.
Y las composiciones de las pinturas de Vermeer se recuperan cuidadosamente. No encontrarás ningún exceso de detalles. Es suficiente para eliminar uno de ellos, la pintura "desmoronada", y la magia desaparecerá.
Todo esto fue dado a Vermeleu no es fácil. Tal cualidad impresionante requiere un trabajo minucioso. Total 2-3 imágenes por año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer trabajó como distribuidor de arte, vendiendo el trabajo de otros artistas.
5. Peter de Heh (1629-1884)
Peter de Heh. Auto retrato. 1648-1649 Reyxmuseum, amsterdam Hoha a menudo comparado con Vermeer. Trabajaron a la vez, incluso había un período que en una ciudad. Y en un género - doméstico. En Hoha, también vemos una o dos figuras en los acogedores patios holandeses o habitaciones.
Las puertas y las ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea multicapa y entretenido. Y las cifras están inscritas en este espacio muy armonicamente. Como, por ejemplo, en su foto "el sirviente con una niña en el patio".
Peter de Heh. La criada con la niña en el patio. 1658 Londres National Gallery
Hasta el siglo XX, Hech fue valorado muy alto. Pero las pequeñas obras de su competidor de Vermeer son pocas que se dieron cuenta.
Pero en el siglo XX todo ha cambiado. Slava Hoha Faming. Sin embargo, sus logros en la pintura son difíciles de no reconocer. Pocos, que podrían combinar de manera competente el entorno circundante y la gente.
Peter de Heh. Jugadores en el mapa en la sala de sol. 1658 Asamblea Royal Art, Londres Tenga en cuenta que en una casa modesta en los "jugadores en los mapas" puede colgar una imagen en un marco nothesivo.
Esto habla una vez más sobre cómo se encontraba la pintura holandesa ordinaria. Las pinturas estaban decoradas con cada casa: tanto la casa de la hamburguesa rica, como un ciudadano modesto, e incluso un campesino.
6. Paredes de Yang (1626-1679)
Paredes de Yang. Autorretrato con laúd. 1670s. Museo de Tissen-Bornemis, MadridParedes de Yang, quizás, el holandés "pequeño" más alegre. Pero amoroso moral. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que había un vicio.
Sus personajes principales: paseos y damas de fácil comportamiento. Quería entretener al espectador, pero le advirtió de manera impudible de la vida viciosa.
Paredes de Yang. Kavardak. 1663 Museo de Historia del Arte, Viena. Hay una pared y un trabajo más tranquilo. Como, por ejemplo, el "baño de la mañana". Pero aquí el artista sorprende al espectador también los artículos de Frank. Aquí y rastrea de la media de la goma, y \u200b\u200bno una olla de noche vacía. Sí, y de alguna manera en absoluto por la forma en que el perro se encuentra justo en la almohada.
Paredes de Yang. Aseo de la mañana. 1661-1665 Reyxmuseum, amsterdam Pero a pesar de todo el frivolismo, las soluciones de color de la pared son muy profesionales. En esto, fue superior a muchos "pequeños holandeses". Mira cuánto se combina perfectamente la media de la media con una chaqueta azul y una alfombra beige brillante.
7. Jacobs Wang Reydal (1629-1882)
Retrato de un raisdale. Litografía del libro del siglo XIX.