En Japón a finales del siglo XIX. Trabajaron arquitectos de Estados Unidos y Europa. El inglés W. Barton construyó en 1890 la "Torre que llega a las nubes" de 12 pisos: Ryounkaku. La estructura tenía 67 m de altura, la estructura era una torre de ladrillo rojo de 8 lados y los dos pisos superiores eran de madera. El primer edificio en Japón equipado con un ascensor eléctrico. El inglés W. Barton construyó en 1890 la "Torre que llega a las nubes" de 12 pisos: Ryounkaku. La estructura tenía 67 m de altura, la estructura era una torre de ladrillo rojo de 8 lados y los dos pisos superiores eran de madera. El primer edificio en Japón equipado con un ascensor eléctrico.
La tendencia principal de la arquitectura japonesa de la segunda mitad del siglo XX. METABOLISMO (griego: cambio de metabolo) es una dirección en arquitectura y planificación urbana que surgió en la década de 1960. y representado principalmente por las obras de los arquitectos japoneses K. Tange, K. Kikutake, K. Kurosawa y otros, una dirección en arquitectura y planificación urbana que surgió en la década de 1960. y representado principalmente por las obras de los arquitectos japoneses K. Tange, K. Kikutake, K. Kurosawa y otros.
Kisho Mayokawa. Metropolitan Festival Hall en el Parque Ueno, Tokio
Tange Kenzo. Monumento a las víctimas del bombardeo atómico en Hiroshima,
La nueva Torre de Televisión de Tokio es la más alta del mundo Autores del proyecto: arquitecto Tadao Ando; escultor Kiichi Sumikawa.
El yoga se caracteriza por la pintura al óleo de caballete sobre lienzo. Entre los primeros artistas del yoga se encuentran Kawakami Togai () y Takahashi Yuichi (), quienes comenzaron a dedicarse a la pintura europea incluso antes de la Restauración Meiji.
1876 - Se establece la Escuela de Artes Orientadas al Oeste en la Facultad de Ingeniería del Estado. Se invitó a varios italianos a enseñar allí. Uno de ellos, Antonio Fontanesi (), tuvo una influencia significativa en el mundo artístico de Japón.
Después de 1882, la pintura del Yoga ya no estaba permitida en las exposiciones estatales de la ciudad: se fundó la Sociedad de Arte Meiji, que incluía a artistas realistas que habían regresado de Europa.
Kuroda Seiki () Maiko. IMPRESIONISMO JAPONÉS
Maruki Toshiko y Maruki Iri (Premio Nobel de la Paz) “Bomba atómica”, “Bomba atómica”, TENDENCIAS MODERNAS EN LA PINTURA JAPONESA
El líder indiscutible es Takeuchi Seiho (). Takeuchi Seiho, junto con otros dos destacados maestros: Kikuchi Homon () y Yamamoto Shunkyo (), determinaron la dirección del desarrollo de la escuela nihonga de Kioto.
Un movimiento separado en Nihonga es la escuela Bundzinga, pintura de personas educadas, o Nanga, pintura sureña. El representante más destacado es Tomioka Tessai ().
2. La generación media, Ito Shinsui (), Hashimoto Meiji (), Yamaguchi Hoshun () y otros, encarnaron los ideales de nihonga en direcciones de estilo tradicionalmente consistentes.
3. La generación más joven creía que las antiguas formas y técnicas de nihonga no brindan la oportunidad de transmitir las realidades de la vida moderna. Las asociaciones juveniles emergentes se convirtieron en el foco de desarrollos y experimentos innovadores y contribuyeron a la renovación de nihonga a finales del siglo XX. Representantes: Azami Takako (n. 1964).
“Arte del siglo XIX en Rusia” - Educación física. I. Repin nació el 24 de julio de 1844 en la ciudad de Chuguev. El mundo. Creación de imágenes artísticas utilizando pinturas. Conclusión. Literatura. Precisamente por eso el siglo XIX fue llamado “dorado”. Ya verás, ahora se acercarán, vale la pena echarle un vistazo... Cada vez están más cerca. Obras de A.S. Pushkin entra en la vida de un ruso desde la primera infancia.
“Proyecto de Arte” - Preguntas. Asegurar: Trabajar en equipo y en grupos crea una situación de éxito. Recursos informativos. Visual: Desarrollar habilidades de trabajo en equipo. Criterios de evaluación. Resumen: Trabajo colectivo final del proyecto. Verdadero. ¿Cómo es el interior de una casa campesina? En el arte las personas expresan su alma, su mentalidad y su carácter.
“La belleza en el arte” - I. Aivazovsky “La novena ola”. K. Korovin “Rosas”. Pasaron los siglos. I. Levitan “Otoño Dorado”. I. Levitan “Birch Grove”. flox." Lo bello en la vida y las obras de arte. Algunas personas han alcanzado grandes habilidades en el dibujo. I. Shishkin "centeno". I. Kramskoy “Ramo de flores. El hombre siempre ha querido captar lo bello, lo que sorprende y agrada.
“Creatividad en el arte” - Bogdanov-Belsky. 1915. Mundo del Arte. 1916-1920. Los fundadores del “Mundo de las Artes” fueron el artista A. N. Benois y el personaje teatral S. P. Diaghilev. Fue enterrado en el cementerio de Sainte-Geneviève-des-Bois. Simbolismo y Art Nouveau como corrientes estilísticas de principios del siglo XX. Inclinaré mi cabeza en silencio a tus pies. Los artistas organizaron exposiciones bajo los auspicios de la revista World of Art.
“Arte del Siglo XX” - Esquema: Conclusión. La novela está escrita en forma de diario. Características de la época Secciones sobre representantes del arte. Secciones sobre el art. Ilustración del rango visual. Representantes. El existencialismo surgió en la filosofía en los años 20. siglo 20. La novela “El juego de las cuentas de cristal” describe una realidad que prácticamente no existe.
“Arte decorativo ruso” - Cámara de Armería del Estado. La porcelana rusa alcanza niveles europeos. Moscú se convierte en la capital de una gran potencia. Tallado en madera, pintura. Pano. Primera mitad del siglo XIX. Azulejo del siglo XVII. En el bordado artístico se utilizan abundantemente oro, perlas y piedras preciosas. Fábrica Imperial de Porcelana.
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La cultura japonesa es un fenómeno único y original no sólo en el contexto de la cultura global, sino también entre otras culturas orientales. Se ha desarrollado continuamente desde los siglos X y XI. Desde el siglo XVII hasta mediados del XIX, Japón estuvo prácticamente cerrado a los extranjeros (sólo se mantuvieron conexiones con los Países Bajos y China). Durante este período de aislamiento en Japón, se desarrolló creativamente la identidad nacional. Y cuando, después de varios siglos, la rica cultura tradicional de Japón finalmente se reveló al mundo, tuvo una fuerte influencia en el desarrollo posterior de la pintura, el teatro y la literatura europeos. La civilización japonesa se formó como resultado de contactos étnicos complejos y multitemporales. La cultura japonesa, a diferencia de la india y la china, recién nació a principios de la Edad Media, por lo que se caracterizó por un mayor dinamismo y una especial sensibilidad a la percepción de influencias extranjeras.
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En la mitología japonesa, los cónyuges divinos Izanagi e Izanami eran considerados los antepasados de todo lo que existe. De ellos surgió una tríada de grandes dioses: Amaterasu, la diosa del Sol, Tsukiyomi, la diosa de la Luna, Susanoo, el dios de las tormentas y el viento. Según las ideas de los antiguos japoneses, las deidades no tenían apariencia humanoide o bestial, sino que estaban encarnadas en la naturaleza misma: en el Sol, la Luna, montañas y rocas, ríos y cascadas, árboles y hierbas, que eran venerados como espíritus. -kami (“kami” traducido del japonés significa "viento divino"). Esta deificación de la naturaleza es la base de la religión nacional japonesa, que se llama sintoísmo (del japonés "sintoísmo" - "camino de los dioses").
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Según el Kojiki, el monumento más antiguo de la lengua y la literatura japonesas, la diosa del sol Amaterasu le dio a su nieto, el príncipe Ninigi, el ancestro deificado de los japoneses, el espejo sagrado Yata y le dijo: “Mira este espejo como me miras a mí”. Ella le dio este espejo junto con la espada sagrada Murakumo y el collar de jaspe sagrado de Yasakani. Estos tres símbolos del pueblo japonés, la cultura japonesa y el estado japonés se han transmitido desde tiempos inmemoriales de generación en generación como un relevo sagrado de valor, conocimiento y arte.
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En la historia de la cultura y el arte japoneses, se pueden distinguir tres corrientes profundas y aún vivas, tres dimensiones de la espiritualidad japonesa, que se interpenetran y se enriquecen entre sí: el sintoísmo ("el camino de las deidades celestiales"), la religión pagana popular de los japoneses; El Zen es el movimiento budista más influyente en Japón (el Zen es a la vez una doctrina y un estilo de vida, similar al cristianismo medieval y al Islam); Bushido (“el camino del guerrero”): la estética del samurái, el arte de la espada y la muerte.
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Jasper es el símbolo más antiguo de las ideas sintoístas, que se basa en el culto a los antepasados. El espejo es un símbolo de pureza, desapasionamiento y autoprofundización, expresando las ideas del Zen de la mejor manera posible. La espada (“el alma del samurái”, como dice un antiguo proverbio japonés) es un símbolo del Bushido. Las tres tendencias mencionadas en la cultura y el arte japoneses no pueden, por supuesto, aislarse en su forma pura. Al mismo tiempo, determinan hasta cierto punto la secuencia del desarrollo de la cultura japonesa.
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El más temprano, ya en los siglos III-VII, se formó un complejo ideológico y artístico asociado con el sintoísmo. Fue dominante durante la era de formación del estado de Yamato, conservó su posición durante el período de la primera penetración del budismo y finalmente prácticamente se fusionó con él (siglo VIII). Estos primeros siglos transcurren, por así decirlo, bajo el signo del jaspe. Luego, con sus raíces en la época guerrera de Yamato, madurando gradualmente, emergieron a finales de los siglos XII y XIII como el sistema ideológico y artístico establecido de ética y estética del bushido: la cultura bajo el signo de la espada. Desde el siglo XIII, ha continuado su desarrollo en estrecha interacción e interpenetración con las enseñanzas budistas Mahayana del Zen. Entrelazados en manifestaciones tanto ideológicas como puramente artísticas, el Zen y el Bushido definieron la cultura nacional japonesa casi hasta nuestro siglo XXI.
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Los monumentos de arte más antiguos de Japón se remontan al Neolítico (siglo VIII - mediados del I milenio antes de Cristo): platos de cerámica con exuberante decoración moldeada, figuras estilizadas de ídolos y máscaras antropomorfas. Al final del Neolítico, el comienzo de la Edad del Hierro temprana (siglo V a. C. - siglo IV d. C.), junto con piraguas y chozas, se construyeron graneros a partir de troncos, de planta rectangular, sin ventanas, con techo a dos aguas, elevado por pilares sobre la tierra. En los primeros siglos de nuestra era, con el establecimiento de la religión sintoísta, los principales santuarios de Japón en Ise e Izumo (550) se construyeron en forma de graneros en vastos territorios cubiertos de guijarros y rodeados de vallas. Con la sencillez y claridad de sus diseños, sentaron las bases de la tradición de la arquitectura japonesa. La cerámica doméstica adquirió claridad de forma y rigor de patrones geométricos, y se generalizaron espadas, espejos y campanas de bronce rituales. En los siglos IV-VI, con la formación del estado de Yamato (en el centro de la isla de Honshu), se construyeron grandiosos túmulos de gobernantes. En su superficie se encuentran figuras de arcilla con fines mágicos (“haniwa”): guerreros, sacerdotes, damas de la corte, animales, etc. - se distinguen por la vivaz espontaneidad de las expresiones faciales y los gestos.
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La Edad Media, que duró más de mil años (siglos VI-XIX), fue la más fructífera para el arte japonés. Un acontecimiento significativo en el desarrollo de la cultura japonesa fue la introducción de la fe budista a finales del siglo V. Junto con la escritura y una sofisticada cultura continental traída por los monjes budistas, la nueva religión marcó el comienzo del contacto de Japón con el resto del mundo asiático.
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Con la expansión del budismo, se inició la construcción intensiva de monasterios budistas, que se remontan a los modelos coreano y chino. El más famoso fue Horyuji (finales del siglo VI - principios del VII), un pequeño complejo de templos ubicado en las afueras de la ciudad de Nara, donde se encuentran los monumentos más importantes del budismo japonés, así como los edificios de madera más antiguos del mundo. El conjunto del templo incluía: una pagoda de varios niveles, el templo principal, el condominio (Salón Dorado), una sala para sermones, un depósito de sutras budistas, casas de monjes y otros edificios. Los edificios del templo estaban ubicados en una plaza rectangular rodeada por dos hileras de muros con puertas. Los edificios se construyeron sobre la base de una estructura de postes y vigas. Columnas y soportes lacados en rojo sostenían un enorme techo curvo de tejas de uno o dos niveles. El "milagro de la belleza" del conjunto Horyuji radica en el asombroso equilibrio y armonía de dos edificios de diferentes formas: el templo con su luz, como si fueran techos flotantes, y la pagoda ascendente, que termina en una aguja con nueve anillos, símbolo de las esferas celestes budistas.
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Otro fenómeno significativo de la escultura japonesa de este período son las figuras de monjes meditando u orando, con un realismo conmovedor y enfático que transmite no sólo sus rasgos físicos, sino también el éxtasis espiritual y la concentración en oración.
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El principal acontecimiento de la arquitectura de los siglos XII-XIII. fue la restauración de edificios en la antigua capital de Heijo (actual Nara), destruidos y quemados durante las guerras intestinas. Así, en 1199 se reconstruyó la Gran Puerta Sur del conjunto Todaiji y se restauró el Daibutsuden (Gran Salón del Buda).
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La ceremonia del té (chado), los “jardines de rocas” filosóficos, los tercetos-reflexiones breves y concisos (haiku): todo se cultiva bajo el signo de la autoprofundización y la introspección, bajo el signo del espejo. Así se produce el relevo milenario de la cultura y el arte japoneses, “programados” en el antiguo mito de los tres tesoros.
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Ikebana es el arte tradicional japonés de arreglar flores. Literalmente, ikebana significa "flores que viven". En el arte europeo, la composición de un ramo demuestra la habilidad de quien lo creó, mientras que los creadores del ikebana se esfuerzan por revelar no sus preferencias y gustos, ni su individualidad, sino la esencia natural de las plantas presentadas en el ikebana, la profunda significado de sus combinaciones y disposición: la composición en su conjunto. Además, los europeos se esfuerzan en su mayor parte por la pompa, la elegancia y la riqueza de color, mientras que los maestros japoneses del ikebana se esfuerzan por el rigor extremo, incluso el laconismo en las formas, limitándose a veces a dos o tres ramas y prestando especial atención a las más simples y más. plantas modestas. Esta forma de arte, que se originó en la India y penetró en Japón junto con el budismo procedente de China, se generalizó en este país y comenzó a desempeñar un papel importante en la vida cultural de su sociedad.
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Fue en Japón donde el ikebana, yendo más allá del rito ritual de ofrecer flores simbólicamente significativas a Buda, así como a sus venerados antepasados, se convirtió en una forma especial de arte, ampliamente introducida en diversas esferas de la vida pública. La simplicidad como signo de originalidad y el individuo como signo del todo: este es el credo de los verdaderos artistas de ikebana. Sus creaciones en este sentido se parecen a los poemas haiku japoneses: se distinguen por la misma brevedad, profundidad y perfección. El arte del ikebana en el Japón moderno es uno de los más populares; se percibe como un símbolo de identidad nacional y como la encarnación del alto gusto artístico, reconocido en todo el mundo.
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- 1 diapositiva - Página de título
- Diapositiva 2 - Contenido
- Diapositiva 3 - Introducción
- Diapositiva 4: Arte japonés en la colección del Hermitage
- 5.6 diapositivas - Xilografía
- Diapositivas 7-9 - Netsuke
- 10,11 diapositivas - Teatro de Japón. Máscaras de teatro Noh
- Diapositiva 12 - Traje de teatro Noh
- Diapositiva 13 - Quimono
- Diapositiva 14 - Colección de artes aplicadas en el Hermitage
- 15 diapositivas - Plato (porcelana)
- Diapositiva 16 - Jarrón de cerámica
- Diapositiva 17 - Acero frío
- Diapositiva 18 - Disfraz de samurái
- 32,33 diapositivas - pintura japonesa
- Diapositiva 34 - Bibliografía
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Introducción
- La principal tarea de la educación estética en la escuela primaria es involucrar a los estudiantes en una atmósfera de arte, y esto sólo es posible en un museo.
- El State Hermitage brinda la oportunidad de familiarizarse con materiales de bellas artes y artes decorativas sobre diversos temas. Puedes realizar un recorrido con niños por sus salas, así como realizar un recorrido virtual en el sitio web del Hermitage/www.hermitagemuseum.org/, para familiarizarte con la historia del arte japonés y su cultura.
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- La colección más grande de Rusia de arte japonés de los siglos XIII al XIX contiene alrededor de 8 mil obras. Se trata principalmente de monumentos del período Tokugawa (1603 - 1868), la época del último florecimiento de la cultura tradicional japonesa.
- El Hermitage alberga 1.500 hojas de xilografías en color, incluidas obras de famosos maestros del grabado japonés de la época. Siglos XVIII al XX (Syuzuki Harunobu, Utagawa Kunisada, Ichinosai Kuniyoshi, etc.); La pintura japonesa está representada por unos pocos pero interesantes ejemplos.
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- impresión japonesa
- Xilografía (del griego helon tree y grbpho escribo, dibujo), xilografía, uno de los tipos de grabado.
- La forma de impresión (cliché) se realiza mediante grabado a mano.
- Artista japonés Utagawa Kunisada (1786-1864)
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Xilografía
- Artista japonés Ichinosai Kuniyoshi “Flores de cerezo”
- Sakura es el nombre japonés del cerezo decorativo y sus flores.
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- La parte más valiosa de la colección japonesa del Hermitage es la colección de netsuke, escultura en miniatura de los siglos XVII al XIX, que cuenta con más de mil obras.
- En la colección del Hermitage se exponen todas las escuelas de talla conocidas, los maestros más importantes y los temas característicos del netsuke.
- Tres monos jugando al Go
- Cachorro en la alfombra
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Netsuke es un llavero o contrapeso con el que se sujetaba al cinturón una bolsa de tabaco, un manojo de llaves o una caja de introducción para perfumes y medicinas. La necesidad de un dispositivo de este tipo se debió a la falta de bolsillos en el traje tradicional japonés. El diseño artístico específico de dicho llavero (en forma de escultura tallada, placa en relieve, etc.) fue tomado de China. Netsuke es a la vez una pieza de vestuario utilitaria, que tiene una forma específica, y una obra de arte, decorada con un estilo determinado. El material principal para fabricar netsuke era el marfil.
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- Netsuke es a la vez una pieza de vestuario utilitaria, que tiene una forma específica, y una obra de arte, decorada con un estilo determinado. El material principal para fabricar netsuke era el marfil.
- Los artesanos profesionales transforman el netsuke en una forma de arte independiente, con un conjunto específico de formas, materiales, variedad de temas y simbolismo.
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teatro de japon
- Uno de los primeros tipos de teatro fue el teatro noh (japonés 能 no: “talento, habilidad”), que se desarrolló en los siglos XIV y XV; los actores actuaban con máscaras y trajes lujosos. El teatro se considera un drama “enmascarado”, pero las máscaras (o-mote) sólo las usan los shite y los waki. En el siglo XVII, se desarrolló uno de los tipos más famosos de teatro tradicional japonés: el kabuki (japonés 歌舞伎 “canción, danza, habilidad”), los actores de este teatro eran exclusivamente hombres, sus rostros estaban maquillados de manera compleja. El arte de onnagata (japonés: 女形 personaje femenino), actores que interpretan papeles femeninos, es muy valorado.
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Máscaras de teatro Noh.
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- traje de teatro noh
- karigina
- Primera mitad del siglo XIX. Seda
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- El kimono (japonés 着物, kimono, “ropa”; japonés 服, wafuku, “ropa nacional”) es una vestimenta tradicional en Japón.
- Desde mediados del siglo XIX se considera el “traje nacional” japonés. Además, el kimono es la ropa de trabajo de las geishas y maiko (futuras geishas).
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En la colección de artes aplicadas del State Hermitage:
- armas blancas (cuchillas, tsuba, menuki, etc.),
- colección de porcelana y cerámica
- (más de 2000 copias),
- barnices de los siglos XIV -XX,
- Muestras de telas y disfraces.