La Edad de Oro de la pintura holandesa es una de las épocas más destacadas de la historia de la pintura mundial. La edad de oro de la pintura holandesa se considera siglo 17... Fue en este momento que los artistas y pintores más talentosos crearon sus obras inmortales. Sus pinturas todavía se consideran obras maestras insuperables que se guardan en museos famosos de todo el mundo y se consideran un patrimonio invaluable de la humanidad.
Al principio siglo 17 en Holanda todavía florecía un arte bastante primitivo, que se justificaba por los gustos y preferencias prácticos de la gente rica y poderosa. Como resultado de los cambios políticos, geopolíticos y religiosos, el arte holandés ha cambiado drásticamente. Si antes de eso los artistas intentaron complacer a los burgueses holandeses, describiendo su vida y su vida cotidiana, desprovistos de cualquier lenguaje elevado y poético, y también trabajaron para la iglesia, que ordenó artistas de un género bastante primitivo con temas de larga data, entonces el comienzo del siglo XVII supuso un verdadero avance. En Holanda reinó el dominio de los protestantes, que prácticamente dejaron de encargar pinturas sobre temas religiosos a los artistas. Holanda se independizó de España y se afirmó en el podio histórico general. Los artistas pasaron de los temas previamente familiares a la representación de escenas cotidianas, retratos, paisajes, naturalezas muertas, etc. Aquí, en un nuevo campo, los artistas de la edad de oro parecían tener un nuevo aliento y comenzaban a aparecer verdaderos genios del arte.
Los artistas holandeses del siglo XVII pusieron el realismo de moda en la pintura. Impresionantes en sus componentes, en realismo, profundidad e inusual, las pinturas comenzaron a gozar de un tremendo éxito. La demanda de pintura ha aumentado drásticamente. Como resultado, comenzaron a aparecer más y más artistas nuevos, que a un ritmo asombrosamente rápido desarrollaron las bases de la pintura, desarrollaron nuevas técnicas, estilos y géneros. Algunos de los artistas más famosos de la Edad de Oro fueron: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel el Viejo, Esayas van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck y muchos otros.
Pinturas holandesas
Cornelis de Man - Fábrica de procesamiento de aceite de ballena
Cornelis Trost - Diversión en el parque
Ludolph Bakhuisen - Muelle de campaña de las Indias Orientales en Ámsterdam
Pieter Bruegel el Viejo - La catástrofe del alquimista
Rembrandt - Andris de Gref
Holanda. siglo 17. El país está viviendo un auge sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A finales del siglo XVI, varias provincias del país lograron la independencia de España.
Ahora los Países Bajos Prostane siguieron su propio camino. Y la Flandes católica (actual Bélgica), bajo el ala de España, es suya.
En la Holanda independiente, casi nadie necesitaba pintura religiosa. La Iglesia protestante no aprobó el lujo de la decoración. Pero esta circunstancia "le hizo el juego" a la pintura secular.
Literalmente, todos los habitantes del nuevo país se despertaron para amar esta forma de arte. Los holandeses querían ver su propia vida en las pinturas. Y los artistas fueron de buen grado a su encuentro.
Nunca antes habían retratado tanto la realidad circundante. Gente corriente, habitaciones corrientes y el desayuno de los habitantes de la ciudad más corriente.
Floreció el realismo. Hasta el siglo XX, será un digno competidor del academismo con sus ninfas y diosas griegas.
Estos artistas se llaman holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las pinturas eran de pequeño tamaño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Entonces, casi todas las pinturas de Jan Vermeer no tienen más de medio metro de altura.
Pero me gusta más la otra versión. En los Países Bajos, en el siglo XVII, vivió y trabajó un gran maestro, un "gran" holandés. Y todos los demás eran "pequeños" en comparación con él.
Hablamos, por supuesto, de Rembrandt. Empecemos por él.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autorretrato a los 63 años. 1669 Galería Nacional de Londres Rembrandt ha experimentado una amplia gama de emociones durante su vida. Por eso hay tanta diversión y bravuconería en sus primeros trabajos. Y hay tantos sentimientos difíciles en los posteriores.
Aquí es joven y despreocupado en el cuadro El hijo pródigo en una taberna. La amada esposa de Saskia está de rodillas. Es un artista popular. Las órdenes fluyen como un río.
Rembrandt. El hijo pródigo en la taberna. 1635 Galería de los Viejos Maestros, Dresde Pero todo esto desaparecerá en unos 10 años. Saskia morirá de tisis. La popularidad se disolverá como el humo. Se quitará una casa grande con una colección única por deudas.
Pero aparecerá el mismo Rembrandt, que permanecerá durante siglos. Sentimientos desnudos de héroes. Sus pensamientos más íntimos.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York Frans Hals es uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Por lo tanto, también lo ubicaría entre los "grandes" holandeses.
En Holanda en ese momento era costumbre encargar retratos de grupo. Así aparecieron muchas obras similares, que representan a personas trabajando juntas: tiradores del mismo gremio, médicos de la misma ciudad, administrando un hogar de ancianos.
En este género, Hals se destaca más. Después de todo, la mayoría de estos retratos parecían una baraja de cartas. Personas con la misma expresión facial están sentadas a la mesa y solo miran. Con Hals fue diferente.
Mire su retrato grupal de St. Jorge ".
Frans Hals. Flechas del gremio de st. Jorge. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Países Bajos Aquí no encontrarás ni una sola repetición en postura o expresión facial. Al mismo tiempo, aquí tampoco hay caos. Hay muchos personajes, pero ninguno parece superfluo. Gracias a la ubicación asombrosamente correcta de las figuras.
Y en un solo retrato, Hals fue superior a muchos artistas. Sus patrones son naturales. La gente de la alta sociedad en sus pinturas carece de grandeza artificial, y los modelos de las clases bajas no parecen humillados.
Y también sus personajes son muy emocionales: sonríen, ríen, gesticulan. Como, por ejemplo, este es "Gypsy" con una mirada astuta.
Frans Hals. Gitano. 1625-1630 Hals, como Rembrandt, terminó su vida en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo iba en contra de los gustos de los clientes. Quien quiso embellecer su apariencia. Khals no fue directamente a la adulación y, por lo tanto, firmó su propio veredicto: "Olvido".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Auto retrato. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, La Haya, Países Bajos Terborch fue un maestro del género de género. Los ricos y los no tan burgueses hablan tranquilamente, las damas leen las cartas y el chulo observa el cortejo. Dos o tres figuras muy poco espaciadas.
Fue este maestro quien desarrolló los cánones del género cotidiano. Que luego serán prestados por Jan Vermeer, Peter de Hooch y muchos otros holandeses "pequeños".
Gerard Terborch. Un vaso de limonada. 1660. Ermita del Estado, San Petersburgo Un vaso de limonada es una de las obras famosas de Terborch. Muestra otra dignidad del artista. Una imagen increíblemente realista de la tela del vestido.
Terborch también tiene obras inusuales. Lo que habla de su deseo de ir más allá de los requisitos de los clientes.
Su Grinder muestra la vida de las personas más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver patios acogedores y habitaciones limpias en las pinturas de holandeses "pequeños". Pero Terborch se atrevió a mostrar la desagradable Holanda.
Gerard Terborch. Amoladora. 1653-1655 Museos estatales en Berlín Como puede imaginar, tales obras no tenían demanda. Y son una ocurrencia rara incluso con Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Taller de artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viena No se sabe con certeza cómo era Jan Vermeer. Es obvio que en la pintura "El taller del artista" se representó a sí mismo. Verdad desde atrás.
Por lo tanto, es sorprendente que recientemente se haya conocido un hecho nuevo de la vida del maestro. Está asociado con su obra maestra "Delft Street".
Jan Vermeer. Calle de Delft. 1657 Rijksmuseum de Amsterdam Resultó que la infancia de Vermeer transcurrió en esta calle. La casa representada pertenecía a su tía. Ella crió a sus cinco hijos en él. Quizás ella esté sentada en el umbral de la puerta cosiendo y sus dos hijos estén jugando en la acera. El propio Vermeer vivía en la casa de enfrente.
Pero más a menudo representó el interior de estas casas y sus habitantes. Parecería que las tramas de las pinturas son muy sencillas. Aquí hay una bella dama, una rica habitante de la ciudad, comprobando el trabajo de su balanza.
Jan Vermeer. Mujer con pesas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington ¿Cómo se destacó Vermeer entre miles de otros holandeses "pequeños"?
Fue el maestro consumado de la luz. En el cuadro "Mujer con escamas", la luz envuelve suavemente el rostro, las telas y las paredes de la heroína. Dándole al cuadro una espiritualidad desconocida.
Y también se verifican cuidadosamente las composiciones de las pinturas de Vermeer. No encontrarás ni un solo detalle superfluo. Basta con quitar uno de ellos, la imagen "se desmorona" y la magia desaparecerá.
Todo esto no fue fácil para Vermeer. Una calidad tan asombrosa requería un trabajo minucioso. Solo 2-3 pinturas al año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer también trabajó como marchante de arte, vendiendo obras de otros artistas.
5. Peter de Hooch (1629-1884)
Peter de Hooch. Auto retrato. 1648-1649 Rijksmuseum, Ámsterdam Hoha a menudo se compara con Vermeer. Trabajaron al mismo tiempo, incluso hubo un período en la misma ciudad. Y en un género: todos los días. En Hoch, también vemos una o dos figuras en acogedores patios o habitaciones holandesas.
Las puertas y ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea de múltiples capas y entretenido. Y las figuras están inscritas en este espacio de manera muy armoniosa. Como, por ejemplo, en su cuadro "Una criada con una niña en el patio".
Peter de Hooch. Una sirvienta con una chica en el patio. 1658 Galería Nacional de Londres
Hasta el siglo XX, Hoh era muy apreciado. Pero las pocas obras de su competidor Vermeer, pocas personas se dieron cuenta.
Pero en el siglo XX, todo cambió. La gloria de Hoh se desvaneció. Sin embargo, es difícil no reconocer sus logros en la pintura. Pocas personas podrían combinar el medio ambiente y las personas de manera tan competente.
Peter de Hooch. Los jugadores de cartas en la habitación soleada. 1658 Royal Art Collection, Londres Tenga en cuenta que en una casa modesta en el lienzo "Los jugadores de cartas" hay una imagen en un marco caro.
Esto muestra una vez más lo popular que era la pintura entre los holandeses comunes y corrientes. Los cuadros adornaban cada casa: la casa de un burgués rico, y un habitante modesto de la ciudad, e incluso un campesino.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Steen. Autorretrato con laúd. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, MadridJan Steen es quizás el "pequeño" holandés más divertido. Pero amando la moralidad. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que prevalecía el vicio.
Sus personajes principales son juerguistas y damas de fácil virtud. Quería entretener al espectador, pero advertirle latentemente contra una vida viciosa.
Jan Steen. Un desastre. 1663 Kunsthistorisches Museum, Viena Sten también tiene trabajos más silenciosos. Como, por ejemplo, "Baño matutino". Pero aquí también el artista sorprende al espectador con detalles demasiado francos. Hay rastros de elástico en las medias, y no un orinal vacío. Y de alguna manera el perro está acostado directamente sobre la almohada.
Jan Steen. Baño de la mañana. 1661-1665 Rijksmuseum, Ámsterdam Pero a pesar de toda la frivolidad, los esquemas de color de Sten son muy profesionales. En esto sobresalió a muchos "pequeños holandeses". Vea cómo una media roja va bien con una chaqueta azul y una alfombra beige brillante.
7. Jacobs van Ruisdael (1629-1882)
Retrato de Ruisdael. Litografía de un libro del siglo XIX. Barroco de la "hamburguesa" en la pintura holandesaXVII v. - la imagen de la vida cotidiana (P. de Hooch, Vermeer). Bodegones "lujosos" Kalf. Retrato de grupo y sus características por Hals y Rembrandt. Interpretación de temas mitológicos y bíblicos por Rembrandt.
Arte holandés del siglo XVII
En el siglo XVII. Holanda se ha convertido en un país capitalista ejemplar. Llevaba a cabo un extenso comercio colonial, tenía una poderosa marina y la construcción naval era una de las industrias líderes. El protestantismo (calvinismo como su forma más severa), que suplantó por completo la influencia de la Iglesia católica, llevó a que el clero en Holanda no tuviera tanta influencia en el arte como en Flandes, y más aún en España o Italia. En Holanda, la iglesia no desempeñaba el papel de clientela de obras de arte: los templos no estaban decorados con imágenes de altar, pues el calvinismo rechazaba cualquier atisbo de lujo; Las iglesias protestantes eran de arquitectura simple y no estaban decoradas de ninguna manera en el interior.
El principal logro del arte holandés en el siglo XVIII. - en pintura de caballete. El hombre y la naturaleza han sido objeto de observación y representación de artistas holandeses. La pintura para el hogar se está convirtiendo en uno de los géneros más importantes, cuyos creadores han recibido en la historia el nombre de "Pequeños holandeses". La pintura sobre temas bíblicos y evangélicos se presenta de la misma manera, pero no en la misma medida que en otros países. Holanda nunca tuvo vínculos con Italia y el arte clásico no jugó el mismo papel que en Flandes.
El dominio de las tendencias realistas, la adición de una determinada gama de temas, la diferenciación de géneros como un solo proceso, se completan en los años 20 del siglo XVII. La historia de la pintura holandesa del siglo XVII. demuestra perfectamente la evolución de la obra de uno de los retratistas más importantes de Holanda, Frans Hals (alrededor de 1580-1666). En los años 10 y 30, Huls trabajó extensamente en el género del retrato grupal. De los lienzos de estos años, gente alegre, enérgica, emprendedora, confiada en sus fortalezas y en el futuro, mira ("El Gremio de Tiro de San Adrián", 1627 y 1633;
Gremio de tiro de St. George ", 1627).
Los investigadores a veces llaman a los retratos individuales del género Hals debido a la especificidad particular de la imagen. Los modales esquemáticos de Huls, su escritura audaz, cuando una pincelada esculpe tanto la forma como el volumen y transmite color.
En los retratos de Khalsa del último período (años 50-60), la destreza despreocupada, la energía y la presión en los personajes de las personas representadas desaparecen. Pero fue en el período tardío de la creatividad cuando Hals alcanzó el pináculo de la habilidad y creó las obras más profundas. El color de sus pinturas se vuelve casi monocromático. Dos años antes de su muerte, en 1664, Hals volvió de nuevo al retrato de grupo. Pinta dos retratos: los regentes y el regente del asilo de ancianos, en uno de los cuales él mismo encontró refugio al final de su vida. En el retrato de los regentes no hay camaradería de las anteriores composiciones, las modelos están desunidas, impotentes, tienen miradas nubladas, la devastación está escrita en sus rostros.
El arte de Khalsa fue de gran importancia para su época, influyó en el desarrollo no solo del retrato, sino también del género del género, el paisaje, la naturaleza muerta.
El género paisajístico de la Holanda del siglo XVII es especialmente interesante. representa Holanda por Jan van Goyen (1596-1656) y Salomon van Ruisdael (1600 / 1603-1670).
El florecimiento de la pintura de paisajes en la escuela holandesa se remonta a mediados del siglo XVII. El mayor maestro del paisaje realista fue Jacob van Ruisdael (1628 / 29-1682). Sus obras suelen estar llenas de dramatismo profundo, ya sea que represente matorrales ("Pantano del bosque"),
paisajes con cascadas ("Cascada") o un paisaje romántico con un cementerio ("cementerio judío").
La naturaleza de Ruisdael aparece en dinámica, en eterna renovación.
El género animal está estrechamente relacionado con el paisaje holandés. El motivo favorito de Albert Cape son las vacas en un abrevadero ("Atardecer en el río", "Vacas en la orilla de un arroyo").
La naturaleza muerta logra un desarrollo brillante. La naturaleza muerta holandesa es, a diferencia de la flamenca, pinturas de carácter íntimo, modestas en tamaño y motivos. Peter Claesz (circa 1597-1661), Bill Heda (1594-1680 / 82) representaron con mayor frecuencia los llamados desayunos: platos con jamón o pastel en una mesa servida relativamente modestamente. Los "desayunos" de Kheda son reemplazados por los suntuosos "postres" de Kalf. Los utensilios sencillos se sustituyen por mesas de mármol, manteles de alfombra, copas de plata, vasijas de conchas de nácar y vasos de cristal. Becerro logra un virtuosismo asombroso al transmitir la textura de melocotones, uvas y superficies de cristal.
En los años 20-30 del siglo XVII. los holandeses crearon un tipo especial de pintura de figuras pequeñas. 40-60: el apogeo de la pintura, glorificando la tranquila vida burguesa de Holanda, la existencia cotidiana medida.
Adrian van Ostade (1610-1685) describe al principio los aspectos sombríos de la vida del campesinado ("La lucha").
Desde los años 40, en su obra las notas satíricas son cada vez más reemplazadas por humorísticas ("En una taberna de pueblo", 1660).
A veces, estas pequeñas imágenes están coloreadas con un gran sentimiento lírico. Por derecho, la obra maestra de la pintura de Ostade se considera su "Pintor en el estudio" (1663), en la que el artista glorifica el trabajo creativo.
Pero el tema principal de los "pequeños holandeses" todavía no es el estilo de vida campesino, sino burgués. Por lo general, estas son imágenes sin una historia fascinante. El narrador más entretenido en este tipo de pinturas fue Jan Stan (1626-1679) (Revelers, The Game of Trick-Truck). Gerard Terborch (1617-1681) logró una habilidad aún mayor en esto.
El interior adquiere una poesía especial entre los "pequeños holandeses". El verdadero cantante de este tema fue Peter de Hooch (1629-1689). Sus habitaciones, con una ventana entreabierta, con zapatos arrojados inadvertidamente o una escoba abandonada, a menudo se representan sin una figura humana.
Una nueva etapa en la pintura de género comienza en los años 50 y se asocia con la llamada escuela de Delft, con los nombres de artistas como Karel Fabricius, Emmanuel de Witte y Jan Wermer, conocido en la historia del arte como Wermeer Delft (1632-1675). . Las pinturas de Vermeer no parecen ser originales en absoluto. Estas son las mismas imágenes de la vida de un burgués congelado: leyendo una carta, un caballero y una dama hablando, sirvientes ocupados en casas sencillas, vistas de Ámsterdam o Delft. Estos cuadros, simples en acción: "Una niña leyendo una carta",
"El caballero y la dama de la espineta",
"El oficial y la niña que ríe", etc., están llenos de claridad espiritual, silencio y paz.
Las principales ventajas de Vermeer the artist están en la transmisión de luz y aire. La disolución de los objetos en un entorno de luz, la capacidad de crear esta ilusión, en primer lugar, determinó el reconocimiento y la gloria de Vermeer precisamente en el siglo XIX.
Wermeer hizo lo que nadie hizo en el siglo XVII: pintó paisajes de la naturaleza ("La callejuela", "Vista de Delft").
Se les puede llamar los primeros ejemplos de pintura al aire libre.
El pináculo del realismo holandés, resultado de los logros pictóricos de la cultura holandesa del siglo XVII, es la obra de Rembrandt. Harmenszoon van Rijn Rembrandt (1606-1669) nació en Leiden. En 1632, Rembrandt partió hacia Amsterdam, el centro de la cultura artística holandesa, lo que naturalmente atrajo al joven artista. Los años 30 - la época de la mayor gloria, cuyo camino se abrió para el pintor por un gran cuadro encargado en 1632 - un retrato de grupo, también conocido como "La anatomía del doctor Tulp" o "Lección de anatomía".
En 1634, Rembrandt se casó con una chica de una familia adinerada: Saskia van Eilenborch. Comienza el período más feliz de su vida. Se convierte en un artista famoso y de moda.
Todo este período está cubierto de romance. El famoso "Autorretrato con Saskia de rodillas" (alrededor de 1636) transmite la más brillante de todas las actitudes de Rembrandt hacia el mundo de estos años. Todo el lienzo está impregnado de franca alegría de vivir, júbilo.
La lengua barroca es la más cercana a la expresión del buen humor. Y Rembrandt durante este período estuvo muy influenciado por el barroco italiano.
Los personajes del cuadro de 1635 "El sacrificio de Abraham" aparecen en ángulos complejos. La composición es extremadamente dinámica, construida de acuerdo con todas las reglas del barroco.
En los mismos años 30, Rembrandt por primera vez comienza a dedicarse seriamente a los gráficos, principalmente al aguafuerte. Los grabados de Rembrandt son principalmente temas bíblicos y evangélicos, pero en el dibujo, como un verdadero artista holandés, a menudo también se refiere al género. A la vuelta del período temprano de la obra del artista y su madurez creativa, aparece ante nosotros una de sus pinturas más famosas, conocida como "La ronda de noche" (1642), un retrato grupal de la compañía de fusileros del Capitán Banning Cock.
Amplió el alcance del género, presentando una imagen bastante histórica: ante una señal de alarma, el destacamento de Banning Cock emprende una campaña. Algunos están tranquilos, confiados, otros están emocionados anticipando lo que está por venir, pero en todos reside la expresión de la energía común, el entusiasmo patriótico y el triunfo del espíritu cívico.
El retrato de grupo bajo el pincel de Rembrandt se convirtió en una imagen heroica de la época y la sociedad.
La pintura ya era tan oscura que se consideraba una representación de una escena nocturna, de ahí su nombre incorrecto. La sombra que cae de la figura del capitán sobre la ropa ligera del teniente prueba que esto no es de noche, sino de día.
Con la muerte de Saskia en el mismo 1642, Rembrandt rompe naturalmente con círculos patricios ajenos a él.
Los 40-50 es el momento de la madurez creativa. Durante este período, a menudo recurre a trabajos anteriores para rehacerlos de una manera nueva. Este fue el caso, por ejemplo, de "Dánae", que pintó en 1636. Volviendo al cuadro de la década de 1940, el artista intensificó su estado emocional.
Reescribió la pieza central con la heroína y la criada. Dándole a Danae un nuevo gesto de mano levantada, él le informó de una gran emoción, una expresión de alegría, esperanza, súplica.
En los años 40 y 50, la habilidad de Rembrandt fue creciendo de manera constante. Elige para la interpretación los aspectos más líricos y poéticos de la existencia humana, ese humano, que es eterno, todo humano: el amor maternal, la compasión. El mejor material le es dado por la Sagrada Escritura, y a partir de él, escenas de la vida de la Sagrada Familia, Rembrandt representa una vida simple, gente común, como en la pintura La Sagrada Familia.
Los últimos 16 años son los más trágicos de la vida de Rembrandt; está arruinado, no tiene órdenes. Pero estos años están llenos de una actividad creativa asombrosamente fuerte, como resultado de lo cual se han creado imágenes pintorescas, de carácter excepcional, monumentalidad y espiritualidad, obras profundamente filosóficas. Incluso las obras de pequeño tamaño de Rembrandt de estos años crean una impresión de extraordinaria grandeza y verdadera monumentalidad. El color adquiere sonoridad e intensidad. Sus colores parecen emitir luz. Los retratos del difunto Rembrandt son muy diferentes a los retratos de los años 30 e incluso de los 40. Se trata de imágenes extremadamente simples (de medio cuerpo o generacionales) de personas cercanas al artista con su estructura interna. Rembrandt logró la mayor sutileza de características en los autorretratos, de los que nos han llegado cerca de un centenar. El último en la historia del retrato de grupo fue la imagen de Rembrandt de los ancianos del taller de telas, los llamados "síndicos" (1662), donde Rembrandt creó tipos humanos vivos y al mismo tiempo diferentes con escasos medios, pero lo más importante, fue capaz de transmitir un sentido de unión espiritual, comprensión mutua e interconexión de personas.
En los años de madurez (principalmente en los años 50), Rembrandt crea sus mejores grabados. Como grabador, no conoce igual en el arte mundial. En todos ellos, las imágenes tienen un profundo significado filosófico; hablan de los misterios del ser, de la tragedia de la vida humana.
Dibuja mucho. Rembrandt dejó 2000 dibujos. Se trata de bocetos de la naturaleza, bocetos para pintura y preparación para grabados.
En el último cuarto del siglo XVII. comienza el declive de la escuela de pintura holandesa, la pérdida de su identidad nacional y, a principios del siglo XVIII, comienza el fin de la gran era del realismo holandés.
Introducción
1. Pequeño holandés
Escuela holandesa de pintura
Pintura de género
4. Símbolos. Naturaleza muerta
Rembrandt van Rijn
Vermeer Delft Jan
Conclusión
Introducción
El propósito de la prueba es:
· En el desarrollo de la creatividad;
· Formación de interés por el arte;
· Consolidación y reposición de conocimientos.
El arte holandés nació en el siglo XVII. Este arte se considera independiente e independiente, tiene ciertas formas y características.
Hasta el siglo XVII, Holanda no tuvo sus propios artistas importantes en el arte, porque era parte del estado de Flandes. Sin embargo, se celebran varios artistas durante este período de tiempo. Este es el pintor y grabador Luca Leiden (1494-1533), pintor Dirk Bouts (1415-1475), pintor Korele (1495-1562).
Poco a poco, las diferentes escuelas se mezclaron y los maestros perdieron las características distintivas de sus escuelas, y los artistas holandeses restantes dejaron de tener el espíritu de la creatividad nacional. Están surgiendo muchos estilos nuevos y diferentes. Los artistas intentan pintar en todos los géneros, buscando un estilo individual. Los métodos de género se han borrado: la historicidad no es tan necesaria como solía ser. Se está creando un nuevo género: los porteros de grupo.
A principios del siglo XVII, cuando se decidía el destino de Holanda, Felipe III acordó un armisticio entre España y Holanda. Lo que se necesitaba era una revolución, una situación política o militar. La lucha por la independencia unió al pueblo. La guerra fortaleció el espíritu nacional. Los tratados firmados con España dieron libertad a Holanda. Esto impulsó la creación de un arte propio y especial, expresando la esencia de los holandeses.
La peculiaridad de los artistas holandeses era crear una imagen real hasta el más mínimo detalle: la manifestación de sentimientos y pensamientos. Esta es la base de la escuela holandesa. Se convierte en un arte realista, ya mediados del siglo XVII alcanza picos en todos los ámbitos.
Para Holanda, una división es típica no solo en géneros, sino también en numerosas subespecies. Algunos maestros pintan escenas de la vida de burgueses y oficiales: Peter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), el segundo, de la vida campesina, Adrian van Ostade (1610- 1685), la tercera - escenas de la vida de científicos y médicos - Gerrit Dow (1613-1675); Paisajistas: Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), forestales: Meindert Hobbema (1638-1609), maestros de interiores: Peter Jansens (1623-1682). Periódicamente, cierto género se vuelve tradicional en las escuelas de arte. Por ejemplo, los pintores de naturaleza muerta de Harlem para los llamados "desayunos" - Peter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Los artistas muestran modales y costumbres, normas éticas y morales del comportamiento humano. A menudo se representan eventos familiares. Los paisajistas y los maestros de la naturaleza muerta transmiten la luz al aire libre, en habitaciones cerradas representan magistralmente la textura de los objetos. La pintura del hogar está en la parte superior, gracias a Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Peter de Hoch (1629-1624).
1. Pequeño holandés
Los Little Dutch son un grupo de artistas del siglo XVII, que une a pintores de paisaje y pinturas de género cotidiano de pequeño tamaño (de ahí el nombre). Tales pinturas estaban destinadas al modesto interior de edificios residenciales. Fueron comprados por ciudadanos y campesinos. Tales pinturas se caracterizan por una sensación de comodidad en la imagen, la sutileza de los detalles, la cercanía de una persona y un interior.
P. de Hoch, J. van Goyen (1596-1656), J. y S. van Ruisdael (1628-1682) y (1602-1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, V. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691), etc. Cada uno especializado, por regla general , en algún tipo de género. Los Pequeños Holandeses continuaron las tradiciones de los maestros holandeses del Renacimiento, quienes argumentaron que el arte no solo debe brindar placer, sino también recordar valores.
La creatividad de los artistas se puede dividir en 3 grupos:
1630 - el establecimiento del realismo en la pintura nacional (el principal centro de arte fue Harlem, un factor importante fue la influencia de F. Hals);
1640-1660 - el florecimiento de la escuela de arte (el centro de arte se traslada a Amsterdam, atrayendo a artistas de otras ciudades, la influencia de Rembrandt 2 cobra relevancia. Escuela de pintura holandesa
Durante tres cuartos de siglo, el auge del arte continuó en el norte de los Países Bajos, en la república de las Provincias Unidas llamada Holanda. En 1609, esta república recibió el estatus de estado. Aquí se formó un estado burgués.
El artista italiano Caravaggio (1571-1610) jugó un papel importante en la pintura del Renacimiento. Pintó sus cuadros muy realistas, y los objetos y figuras tenían una alta técnica de claroscuro.
Había muchos artistas y vivían en pueblos pequeños: Haarlem, Delft, Leiden. Cada una de estas ciudades tiene su propia escuela con su tema de género inherente, pero Amsterdam jugó el papel más importante en el desarrollo del arte holandés.
3. Pintura de género
En Holanda, junto con la popularidad del género del paisaje, aparecen otros nuevos: un paisaje marino - un paisaje marino, un paisaje urbano - veduta, una imagen de animales - pintura animal. El paisaje fue influenciado significativamente por las obras de Pieter Bruegel (1525-1529). Los holandeses escribieron su propia y peculiar belleza de la naturaleza de su tierra natal. En el siglo XVII, la escuela de pintura holandesa se convirtió en una de las principales de Europa. Los objetos humanos circundantes se han convertido en una fuente de inspiración para los artistas. En el arte de esta época, se completó la formación de un sistema de géneros, que comenzó en el Renacimiento. En retratos, pinturas cotidianas, paisajes y naturalezas muertas, los artistas transmitieron sus impresiones de la naturaleza y la vida cotidiana. El género de la pintura cotidiana, la pintura de género, comenzó a tener una nueva idea. El género de la vida cotidiana se ha desarrollado en dos variedades: el campesino y el burgués (urbano). En pinturas de género, representaron la vida de una persona privada: juerguistas juerguistas, actividades económicas, tocar música. Los artistas prestaron atención al exterior, posturas, disfraces. Los artículos se convirtieron en parte del confort: una mesa de caoba, un armario, un sillón tapizado en cuero, un decantador de vidrio oscuro y un vaso, fruta. Este género refleja el comportamiento y la comunicación de personas pertenecientes a diferentes clases.
Las obras de Garard Doe fueron entonces muy populares. Escribe escenas modestas de la vida de la pequeña burguesía. A menudo representa a mujeres mayores sentadas en una rueca o leyendo. La tendencia obvia de Dow es escribir las superficies de los objetos en sus imágenes pequeñas: patrones de telas, arrugas de rostros seniles, escamas de pescado, etc. (Apéndice; Fig.
Pero la pintura de género ha experimentado una evolución. Durante el período de su nueva formación, se difundieron tramas sobre los temas de recreación, entretenimiento, escenas de la vida de los oficiales. Tales imágenes se llamaron "desayunos", "banquetes", "sociedades", "conciertos". Esta pintura se destacó por sus colores variados y tonos alegres. El género de los "desayunos" se ha vuelto original. Esta es una especie de naturaleza muerta, en la que el carácter de sus dueños se transmite a través de la imagen de los platos, varios platos.
El género de la vida cotidiana es el fenómeno más distintivo y original de la escuela holandesa, que abrió la vida cotidiana de una persona privada al arte mundial.
Jan Steen también escribió sobre el tema de género del arte. Con sentido del humor, notó los detalles de la vida y las relaciones entre las personas. En el cuadro "Juerguistas", el propio artista mira al espectador con alegría y astucia, sentado junto a su esposa, que se ha quedado dormida después de una fiesta alegre. Y en la imagen, a través de las expresiones faciales y los gestos de los personajes, Jan Steen desvela hábilmente la trama de una enfermedad imaginaria.
A principios de los años 30, se completó la formación del cuadro de género holandés. La pintura de género se dividió según criterios sociales: tramas sobre temas de la vida de la burguesía y escenas de la vida de los campesinos y los pobres urbanos.
Uno de los artistas famosos que escribió en el "género campesino" fue Adrian van Ostad. En el período inicial de la creatividad, la imagen de los campesinos era cómica. Entonces, en la imagen, iluminada por una luz dura, los luchadores parecen no ser personas vivas, sino marionetas. La yuxtaposición de colores fríos y cálidos, fuertes contrastes de luz crean máscaras con emociones malignas en sus rostros.
Más tarde, el artista pinta cuadros con sujetos más tranquilos, representando a una persona durante sus actividades habituales, con mayor frecuencia en momentos de descanso. Por ejemplo, la pintura de interiores "Músicos del pueblo". Ostade transmite la concentración de los "músicos", representando a los niños mirándolos a través de la ventana con un humor apenas perceptible. El hermano fallecido temprano de Adrian, Isaac van Ostade, también trabajó en el "género campesino". Retrató la vida de la Holanda rural. El cuadro "Vista de invierno" presenta un paisaje típico con un cielo gris colgando del suelo, un río helado, en cuyas orillas se ubica el pueblo.
En los años 50-60 del siglo XVII, el tema de las pinturas de género se redujo, su estructura cambió. Se vuelven más tranquilos, más líricos, más reflexivos. Esta etapa está representada por el trabajo de artistas como: Peter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Su trabajo se caracteriza por la imagen idealizada de la burguesía holandesa. Así, en el cuadro interior "Una habitación en una casa holandesa" de Peter Janssens, se representa una acogedora habitación inundada de luz solar con rayos de sol jugando en el suelo y en las paredes. La elección de la composición enfatiza la unidad de una persona y su entorno.
Los pintores de género holandeses intentaron reflejar el mundo interior de una persona en sus obras. En situaciones que ocurren regularmente, pudieron mostrar el mundo de las experiencias. Entonces, Gerard Terborch en la pintura "Vaso de limonada" representa un lenguaje sutil de gestos, tocarse las manos, encontrarse con los ojos revela toda una gama de sentimientos y relaciones de personajes.
Los maestros holandeses combinan la sutileza y la veracidad al recrear la realidad con una belleza discreta y cotidiana. Esta característica se manifestó más claramente en la naturaleza muerta. Los holandeses lo llamaron "stilleven". En esta comprensión, los maestros vieron en los objetos inanimados una vida oculta asociada con la vida de una persona, con su vida, hábitos, gustos. Los pintores holandeses crearon la impresión de un "desorden" natural en la disposición de las cosas: mostraron un pastel cortado, un limón pelado con una cáscara colgando en espiral, una copa de vino sin terminar, una vela encendida, un libro abierto, siempre Parece que alguien tocó estos objetos, solo que los usó, se siente la presencia invisible de una persona.
Los principales maestros de la naturaleza muerta holandesa de la primera mitad del siglo XVII fueron Pieter Claes 1y Willem Head. El tema favorito de sus bodegones son los llamados "desayunos". En "Desayuno con langosta" de V. Kheda (apéndice; Fig. 16) objetos de diversas formas y materiales: una cafetera, un vaso, un limón, un plato de plata. Los artículos están ordenados para ver el atractivo y peculiaridad de cada uno. Con una variedad de técnicas, Kheda transmite perfectamente el material y los detalles de su textura; por ejemplo, el resplandor de la luz juega de manera diferente en la superficie del vidrio y el metal. Todos los elementos de la composición están unidos por la luz y el color. En "Naturaleza muerta con una vela", P. Klass es notable no solo por la precisión en la reproducción de las cualidades materiales de los objetos, sino que la composición y la iluminación les confieren una gran expresividad emocional. Los bodegones Klassa y Kheda son similares entre sí: este es el estado de ánimo de intimidad y comodidad, tranquilidad en la vida de una casa burguesa, donde hay prosperidad. La naturaleza muerta puede verse como uno de los temas importantes del arte holandés: el tema de la vida de una persona privada. Recibió su decisión principal en una pintura de género.
Simbolismo. Naturaleza muerta
Todos los elementos de la naturaleza muerta holandesa son simbólicos. Colecciones publicadas durante el XVIII o los pétalos que se desmoronan cerca del jarrón son signos de fragilidad;
o una flor marchita: un indicio de la desaparición del sentimiento;
o iris — el signo de la Virgen;
o flores rojas: un símbolo del sacrificio expiatorio de Cristo;
o el lirio blanco no solo es una flor hermosa, sino también un símbolo de la pureza de la virgen María;
o un clavel es un símbolo de la sangre derramada de Cristo;
o el tulipán blanco es el amor falso.
o granada: un símbolo de resurrección, un símbolo de castidad;
o manzanas, melocotones, naranjas que recuerdan el otoño;
o el vino en una copa o jarra personificaba la sangre del sacrificio de Cristo;
o el olivo es un símbolo de paz;
o la fruta podrida es un símbolo del envejecimiento;
o espigas de trigo, hiedra: un símbolo del renacimiento y el ciclo de la vida.
o el vidrio es un símbolo de fragilidad;
o porcelana - limpieza;
o una botella es un símbolo del pecado y la embriaguez;
o platos rotos: un símbolo de la muerte;
o un vaso invertido o vacío indica vacío;
o cuchillo - un símbolo de traición;
o Los vasos de plata son la personificación de la riqueza.
o reloj de arena: un recordatorio de la fugacidad de la vida;
o cráneo: un recordatorio de la inevitabilidad de la muerte;
o espigas de trigo: símbolos del renacimiento y el ciclo de la vida;
o el pan es un símbolo del cuerpo del Señor;
o armas y armaduras: un símbolo de poder y poder, una designación de lo que no se puede llevar a la tumba;
o llaves: simbolizan el poder;
o pipa de fumar: un símbolo de los placeres terrenales fugaces y escurridizos;
o máscara de carnaval: es un signo de la ausencia de una persona; placer irresponsable;
o espejos, bolas de cristal: símbolos de vanidad, un signo de reflexión, irrealidad.
Los cimientos del paisaje realista holandés tomaron forma a principios del siglo XVII. Los artistas representaron su naturaleza favorita con dunas y canales, casas y pueblos. Intentaron retratar la nacionalidad del paisaje, la atmósfera del aire y la especificidad de la temporada. Cada vez más, los maestros subordinaban todos los componentes de la imagen a un solo tono. Tenían un sentido sutil de los colores, dominaban hábilmente la transferencia de transiciones de luz a sombra, de tono a tono.
El mayor representante del paisaje realista holandés fue Jan van Goyen (1596-1656). Trabajó en Leiden y La Haya. Al artista le encantaba representar valles y la superficie del agua de los ríos en lienzos de pequeño tamaño. Goyen dejó mucho espacio al cielo con nubes. Esta es la pintura "Vista del río Waal en Nijmegen", sostenida en una sutil gama de colores marrón grisáceo.
Posteriormente, la naturaleza característica de los paisajes cambia. Se vuelve un poco más amplio, más emocional. La especificidad sigue siendo la misma: restringida, pero los tonos adquieren profundidad.
Todas las características nuevas del estilo del paisaje se plasmaron en sus pinturas de Jacob van Ruisdael (1629-1682). Al representar árboles y arbustos como voluminosos, se creó la sensación de que se destacaron y se volvieron más poderosos. Magníficamente poseyendo un sentido de la perspectiva, Ruisdael transmitió hábilmente las amplias llanuras y los alrededores de Holanda. La elección del tono y la iluminación evoca concentración. Ruisdael también amaba las ruinas, como detalles decorativos que hablan de destrucción, de la fragilidad de la existencia terrena. El "cementerio judío" representa un área descuidada. Ruisdael no fue un éxito en ese momento. El realismo de sus pinturas no se correspondía con los gustos de la sociedad. El artista, que ahora goza merecidamente de fama mundial, murió pobre en una casa de beneficencia en Harlem.
Pintura de retrato. Frans Hals
Uno de los grandes pintores holandeses fue Frans Hals (hacia 1580-1666). Nació en el siglo XVII en Amberes. Cuando era un artista muy joven, llegó a Haarlem, donde creció y se formó a la manera de la escuela de Karel Van Mander. Haarlem estaba orgulloso de su artista y trajeron a invitados eminentes, Rubens y Van Dyck, a su estudio.
Hals fue casi exclusivamente un retratista, pero su arte significó mucho no solo para el retrato holandés, sino también para la formación de otros géneros. En la obra de Hals, se pueden distinguir tres tipos de composiciones de retratos: un retrato de grupo, un retrato individual hecho a medida y un tipo especial de imágenes de retrato, de naturaleza similar a la pintura de género.
En 1616, Hals pintó el cuadro "El banquete de oficiales de la Compañía del Regimiento de Fusileros de San Jorge", en el que rompe por completo con el esquema tradicional del porteador de grupo. Creando una obra muy animada, uniendo personajes en grupos y dándoles varias poses, fusionó un retrato con la pintura de género. El trabajo fue un éxito y el artista se vio inundado de pedidos.
Sus personajes se sostienen con naturalidad y libertad en el retrato, su postura, sus gestos parecen inestables y la expresión de sus rostros está a punto de cambiar. La característica más notable de la forma creativa de Hals es la capacidad de transmitir carácter a través de expresiones faciales y gestos individuales, como si lo hubieran atrapado sobre la marcha: "alegre compañero de bebida", "mulato", "oficial sonriente". El artista amaba los estados emocionales llenos de dinámica. Pero en este instante, que capturó Hals, siempre se captura lo más esencial, el núcleo de la imagen de "Gypsy", "Malle Babe".
Sin embargo, en las imágenes de Hals de finales de los años 30 y 40, aparece una reflexión y una tristeza, un retrato de Willem Heitheisen, ajeno a sus personajes, y en ocasiones se desliza una leve ironía en la actitud del artista hacia ellos. La aceptación jubilosa de la vida y del hombre está desapareciendo gradualmente del arte de Khals.
Los puntos de inflexión han llegado en la pintura de Hals. En los retratos de Hals, pintados en los años 50 y 60, se combina una profunda habilidad de caracterización con un nuevo significado interior. Una de las obras más poderosas del difunto Hals es el retrato de un hombre del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1650-1652). La composición del retrato es una imagen generacional de una figura, su ambientación en un rostro limpio, una mirada dirigida directamente al espectador, se siente el significado de la personalidad. En la postura de un hombre se lee fría autoridad y arrogante desprecio por todos. La autoestima se combina en él con una ambición inconmensurable. Al mismo tiempo, una sombra de decepción se refleja inesperadamente en la mirada, como si en esta persona hubiera arrepentimiento por el pasado, por su juventud y la juventud de su generación, cuyos ideales se han olvidado y los estímulos vitales se han desvanecido.
Los retratos de Hals de las décadas de 1950 y 1960 revelan mucho sobre la realidad holandesa de esos años. El artista vivió una larga vida y fue testigo de la degeneración de la sociedad holandesa, la desaparición de su espíritu democrático. No es casualidad que el arte de Hals esté pasado de moda. Las obras posteriores de Hals reflejan con sensibilidad el espíritu de la época, tan ajeno al maestro, pero también escuchan su propia decepción por la realidad circundante. En algunas obras de estos años se capta un eco de los sentimientos personales del viejo artista, que estaba perdiendo su antigua gloria y ya vio el final de su vida.
Dos años antes de su muerte, en 1664, Hals pintó retratos de los regentes y regentes (fideicomisarios) del orfanato de ancianos de Harlem.
En El retrato de los regentes, todo el mundo está unido por una sensación de decepción y fatalidad. No hay vitalidad en los regentes, como en los primeros retratos grupales de Hals. Todo el mundo está solo, todo el mundo existe por su cuenta. Los tonos negros con manchas rosadas rojizas crean una atmósfera trágica.
El "Retrato del Regente" se resuelve en una clave emocional diferente. En las posturas casi inmóviles de las ancianas insensibles que no conocen la compasión de las ancianas, se siente el poder del maestro y al mismo tiempo una profunda depresión, un sentimiento de impotencia y desesperación ante la inminente muerte que vive en todas ellas.
Hasta el final de sus días, Khals conservó la infalibilidad de su habilidad, y el arte del pintor de ochenta años recibió penetración y fuerza.
6. Rembrandt van Rijn
Rembrandt (1606-1669): el mayor representante de la edad de oro de la pintura holandesa. Nacido en Leiden en 1606. Para recibir una educación artística, el artista se mudó a Amsterdam y entró en el estudio de Peter Lastman, y luego regresó a Leiden, donde en 1625 comenzó una vida creativa independiente. En 1631, Rembrandt finalmente se mudó a Ámsterdam, y el resto de la vida del maestro está asociado con esta ciudad.
La obra de Rembrandt está imbuida de la comprensión filosófica de la vida y el mundo interior del hombre. Este es el pináculo del arte holandés del siglo XVII. El legado artístico de Rembrandt se distingue por una variedad de géneros. Pintó retratos, naturalezas muertas, paisajes, escenas de género, pinturas sobre temas históricos, bíblicos, mitológicos. Pero la mayor profundidad de la obra del artista alcanza en los últimos años de su vida. Los Uffizi tiene tres obras del gran maestro. Este es un autorretrato en su juventud, un autorretrato en la vejez, un retrato de un anciano (rabino) En muchas de sus obras posteriores, el artista sumerge toda la superficie del lienzo en la oscuridad, centrando la atención del espectador en la cara.
Así se retrató Rembrandt a los 23 años.
El período de mudanza a Amsterdam estuvo marcado en la biografía creativa de Rembrandt por la creación de muchos estudios masculinos y femeninos. En ellos, explora la originalidad de cada modelo, sus expresiones faciales. Estas pequeñas obras se convirtieron más tarde en la verdadera escuela del retratista Rembrandt. Fue la pintura de retratos lo que en ese momento permitió al artista atraer pedidos de ricos burgueses de Ámsterdam y así lograr el éxito comercial.
En 1653, atravesando dificultades económicas, el artista transfirió casi todas sus propiedades a su hijo Titus, tras lo cual se declaró en quiebra en 1656. Tras la venta de la casa y la propiedad, el artista se trasladó a las afueras de Ámsterdam, al barrio judío, donde pasó el resto de su vida. La persona más cercana a él en esos años, aparentemente, Titus, tk. sus imágenes son las más numerosas. La muerte de Tito en 1668 fue uno de los últimos golpes del destino para el artista; él mismo falleció un año después. "Mateo y el ángel" (1661). Tito pudo haber sido el modelo del ángel.
Las últimas dos décadas de la vida de Rembrandt se convirtieron en el pináculo de su habilidad como retratista. Los modelos son los camaradas del artista (Nicholas Breining, 1652; Gerard de Leresse, 1665; Jeremias de Decker, 1666), soldados, ancianos y mujeres, todos aquellos que, como el autor, atravesaron años de dolorosas pruebas. Sus rostros y manos están iluminados con luz espiritual interior. La evolución interior del artista se transmite a través de una serie de autorretratos, que revelan al espectador el mundo de sus experiencias más íntimas. La serie de autorretratos va acompañada de imágenes de los sabios apóstoles. En el rostro del apóstol, se adivinan los rasgos del propio artista.
7. Vermeer Delft Jan
pintura de arte holandés naturaleza muerta
Vermeer Delft Jan (1632-1675): pintor holandés, el mayor maestro del género holandés y la pintura de paisajes. Trabajó Vermeer en Delft. Como artista, se desarrolló bajo la influencia de Karel Fabricius, quien murió trágicamente en la explosión de una tienda de pólvora.
Las primeras pinturas de Vermeer tienen una altanería de imágenes ( Cristo en Marta y María ). El trabajo del maestro de la pintura de género Peter de Hooch tuvo una fuerte influencia en el trabajo de Vermeer. El estilo de este pintor se desarrolla aún más en las pinturas de Vermeer.
Desde la segunda mitad de los años 50, Vermeer pinta pequeños cuadros con una o más figuras a la luz plateada del interior de la casa ( Chica con una carta Sirvienta con una jarra de leche ). A finales de los 50, Vermeer creó dos obras maestras de la pintura de paisajes: una pintura sentida calle con pinturas brillantes, frescas, limpias y una imagen Vista de la ciudad de Delft ... En los años 60, el trabajo de Vermeer se volvió más refinado y la pintura, fría. ( Chica con pendiente de perla).
A finales de los 60, el artista solía representar habitaciones ricamente amuebladas donde damas y caballeros tocan música y mantienen conversaciones galante.
En los últimos años de la vida de Vermeer, su situación financiera se deterioró enormemente. La demanda de pinturas cayó drásticamente, el pintor se vio obligado a solicitar préstamos para alimentar a once niños y otros miembros de la familia. Esto probablemente aceleró la proximidad de la muerte. No se sabe qué sucedió: una enfermedad aguda o depresión en relación con las finanzas, pero Vermeer fue enterrado en 1675 en la cripta familiar en Delft.
El arte individual de Vermeer después de la muerte no fue apreciado por sus contemporáneos. El interés por él se reavivó solo en el siglo XIX, gracias a la obra del crítico de arte e historiador del arte Etienne Théophile Toret, quien "abrió" Vermeer al público en general.
Conclusión
La apelación a la realidad ayudó a ampliar las posibilidades artísticas del arte holandés, enriqueció su tema de género. Si antes del siglo XVII los temas bíblicos y mitológicos eran de gran importancia en el arte europeo, y otros géneros estaban poco desarrollados, entonces en el arte holandés la relación entre géneros está cambiando dramáticamente. Hay un aumento en géneros como: género, retrato, paisaje, naturaleza muerta. Los propios temas bíblicos y mitológicos del arte holandés están perdiendo en gran medida sus formas anteriores de encarnación y ahora se interpretan como imágenes cotidianas.
A pesar de todos sus logros, el arte holandés también tenía algunas características específicas de limitación: una gama estrecha de tramas y motivos. Otra desventaja: solo unos pocos maestros se esforzaron por encontrar su base profunda en los fenómenos.
Pero en muchas pinturas compositivas, retratos, las imágenes son del carácter más profundo y los paisajes muestran la verdadera y real naturaleza. Esto se ha convertido en un sello distintivo del arte holandés. Por lo tanto, los pintores hicieron un gran avance en el arte, dominando la difícil y compleja habilidad de pintar imágenes del mundo interior y las experiencias de una persona.
La prueba me dio la oportunidad de poner a prueba mi creatividad, reponer mis conocimientos teóricos y aprender más sobre los artistas holandeses y sus obras.
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Pintura holandesa, en las artes visuales
Pintura holandesa, su surgimiento y período inicial confluyen en tal medida con las primeras etapas de desarrollo de la pintura flamenca que los últimos historiadores del arte consideran una y otra para todo el tiempo hasta finales del siglo XVI. inseparablemente, bajo un nombre general "escuela holandesa".
Ambos, constituyendo la descendencia de la rama del Rin del mudo. la pintura, cuyos principales representantes son Wilhelm de Colonia y Stefan Lochner, se consideran sus antepasados como los hermanos Van Eyck; Ambos durante mucho tiempo van en la misma dirección, inspirados por los mismos ideales, persiguen las mismas tareas, desarrollan la misma técnica, para que los artistas de Holanda no sean diferentes de sus hermanos Flandes y Brabante.
Esto continúa durante todo el gobierno del país, primero por los borgoñones y luego por la casa austríaca, hasta que estalla una revolución brutal que termina con el triunfo total del pueblo holandés sobre los españoles que los oprimían. A partir de esta época, cada una de las dos ramas del arte holandés comenzó a moverse por separado, aunque a veces llegan a entrar en contacto muy estrecho entre sí.
La pintura holandesa adquiere de inmediato un carácter original y completamente nacional y rápidamente alcanza una floración brillante y abundante. Las razones de este fenómeno, como difícilmente se puede encontrar a lo largo de la historia de las artes, residen en circunstancias topográficas, religiosas, políticas y sociales.
En esta "tierra baja", formada por turberas, islas y penínsulas, constantemente arrasada por el mar y amenazada por sus incursiones, la población, tan pronto como derrocó el yugo extranjero, fue necesario volver a crear absolutamente todo, empezando por las condiciones físicas del suelo y terminando por las condiciones morales e intelectuales, porque todo fue destruido por la lucha anterior por la independencia. Gracias a su espíritu emprendedor, sentido práctico y trabajo persistente, los holandeses lograron convertir los pantanos en campos fértiles y pastos lujosos, recuperar vastas áreas de tierra del mar, adquirir bienestar material y significado político externo. El logro de estos resultados se vio facilitado en gran medida por la forma de gobierno federal-republicano establecida en el país y el principio razonablemente implementado de libertad de pensamiento y creencias religiosas.
Como por milagro, en todas partes, en todas las esferas del trabajo humano, una actividad ardiente comenzó de repente a hervir en un espíritu nuevo, original, puramente popular, entre otras cosas, en la esfera del arte. De las ramas de este último, sobre la base de Holanda, tuvo principalmente la suerte de ser una: la pintura, que tomó aquí en las obras de muchos artistas más o menos talentosos que aparecieron casi simultáneamente, una dirección muy versátil y al mismo tiempo completamente diferente. de la dirección de arte en otros países. El rasgo principal que caracteriza a estos artistas es el amor por la naturaleza, el deseo de reproducirla en toda su sencillez y verdad, sin el menor embellecimiento, sin aportar un ideal preconcebido bajo ninguna circunstancia. El segundo rasgo distintivo de goll. Los pintores tienen un sutil sentido del color y una comprensión de la fuerte y encantadora impresión que se puede producir, además del contenido del cuadro, mediante una sola transferencia verdadera y poderosa de relaciones coloridas condicionadas en la naturaleza por la acción de los rayos de luz. proximidad o distancia de distancias.
Entre los mejores representantes de la pintura holandesa, este sentido de los colores y el claroscuro se desarrolla hasta tal punto que la luz, con sus innumerables y variados matices, juega, podría decirse, el papel del protagonista del cuadro e imparte un gran interés a los más numerosos. trama insignificante, las formas e imágenes más poco elegantes. Entonces cabe señalar que la mayoría de los galos. los artistas no se embarcan en búsquedas distantes de material para su obra, sino que se contentan con lo que encuentran a su alrededor, en su naturaleza nativa y en la vida de su gente. Rasgos típicos de distinguidos compatriotas, la fisonomía de las mujeres holandesas y holandesas ordinarias, la ruidosa diversión de los festivales folclóricos comunes, las fiestas campesinas, las escenas de la vida del pueblo o la vida íntima de la gente del pueblo, las dunas nativas, la mitad de los ciervos y las llanuras sin límites atravesadas por canales, rebaños. pastando en prados espesos, chozas, enclavadas al borde de bosques de hayas o robles, pueblos a orillas de ríos, lagos y grachts, ciudades con sus casas ordenadas, puentes levadizos y altas agujas de iglesias y ayuntamientos, puertos abarrotados de barcos, el cielo lleno de vapores plateados o dorados: todo esto, bajo el pincel de los maestros holandeses, imbuido de amor a la patria y orgullo nacional, se convierte en pinturas llenas de aire, luz y atractivo.
Incluso en aquellos casos en los que algunos de estos maestros recurren a temas de la Biblia, la historia antigua y la mitología, aun así, sin importarles la observancia de la fidelidad arqueológica, trasladan la acción al entorno holandés, rodeándolo de un entorno holandés. Es cierto que junto a la multitud de artistas tan patrióticos hay una falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de su tierra natal, en la clásica tierra del arte, Italia; sin embargo, en sus obras hay rasgos que denuncian su nacionalidad.
Finalmente, como característica de los pintores holandeses, se puede señalar su renuncia a las tradiciones artísticas. Sería en vano buscar de ellos una estricta continuidad de principios estéticos y reglas técnicas bien conocidos, no solo en el sentido del estilo académico, sino también en el sentido de asimilación por parte de los estudiantes del carácter de sus profesores: con la excepción, tal vez, sólo de los estudiantes de Rembrandt, que siguieron más o menos de cerca sus pasos. Como brillante mentor, casi todos los pintores de Holanda, tan pronto como pasaron sus años de estudiante, y a veces incluso durante estos años, comenzaron a trabajar a su manera, de acuerdo con lo que atrajo su inclinación individual y lo que enseñó la observación directa de la naturaleza.
Por tanto, los artistas holandeses no pueden clasificarse en escuelas, como hacemos con los pintores de Italia o España; Es difícil incluso componer grupos estrictamente definidos de ellos, y la misma expresión "escuela de pintura holandesa", que se ha vuelto de uso general, debe tomarse solo en un sentido convencional, como denotando un conjunto de maestros tribales, pero no un escuela real. Mientras tanto, en todas las principales ciudades de Holanda existían sociedades organizadas de artistas que, al parecer, debían influir en el mensaje de sus actividades en una dirección general. Sin embargo, tales sociedades, que se llamaron gremios de St. Luke, si lo hizo, fue muy moderado. No se trataba de academias, guardianas de famosas tradiciones artísticas, sino de corporaciones libres, como otros gremios artesanales e industriales, no muy diferentes de ellas en cuanto a organización y con el objetivo de apoyo mutuo de sus miembros, protección de sus derechos, cuidado de sus vejez, cuidado de su suerte, viudas y huérfanos.
Cualquier pintor local que cumpliera con los requisitos de la calificación moral era admitido en el gremio tras la confirmación preliminar de sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama ya adquirida; los artistas visitantes eran admitidos en el gremio como miembros temporales, durante su estancia en una ciudad determinada. Los miembros del gremio se reunieron para discutir, bajo la presidencia de los decanos, sus asuntos comunes o para intercambiar pensamientos; pero en estas asambleas no había nada que se asemejara a la predicación de una determinada dirección artística y que tienda a constreñir la originalidad de alguno de los integrantes.
Estas características de la pintura holandesa se notan incluso en sus primeros días, en un momento en que se estaba desarrollando de manera inseparable con la escuela flamenca. Su vocación, como esta última, fue entonces, principalmente, decorar iglesias con pinturas religiosas, palacios, ayuntamientos y casas nobles, retratos de funcionarios gubernamentales y aristócratas. Desafortunadamente, las obras de pintores holandeses primitivos nos han llegado solo en un número muy limitado, ya que la mayoría de ellos perecieron en esa época convulsa en la que la Reforma devastó iglesias católicas, abolió monasterios y abadías, incitó a los beeldstormers a destruir imágenes sagradas pictóricas y escultóricas. y el levantamiento popular exterminó los retratos de los odiados tiranos en todas partes. Solo conocemos a muchos de los artistas que precedieron a la revolución por su nombre; podemos juzgar a otros solo por una o dos muestras de su trabajo. Entonces, en cuanto al más antiguo de los pintores holandeses, Albert van Ouvater, no hay datos positivos, excepto la información de que fue contemporáneo de van Eyck y trabajó en Harlem; no existen imágenes fiables de él. Su alumna Gertien van Sint-Jan es conocida sólo por dos paneles trípticos conservados en la galería de Viena ("El Santo Sepulcro" y "La leyenda de los huesos de San Juan"), escritos por él para la catedral de Harlem. La neblina que cubre la era inicial de la escuela G. comienza a disiparse con la aparición en el escenario de Dirk Bouts, apodado Sturbout (+ 1475), originario de Harlem, pero que trabajaba en Lovaina y por lo tanto considerado por muchos a la escuela flamenca. (sus mejores obras son dos cuadros "La corte equivocada del emperador Otto", que se encuentran en el Museo de Bruselas), así como Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), cuyo principal mérito es que fue el maestro del famoso Lucas de Leiden ( 1494-1533). Este último, un artista polifacético, trabajador y de gran talento, fue capaz, como nadie antes que él, de reproducir con precisión todo lo que se le cruzó por la vista, y por tanto puede ser considerado el verdadero padre del género holandés, aunque tuvo que pintar. principalmente pinturas y retratos religiosos. En las obras de su contemporáneo Jan Mostart (hacia 1470-1556), el deseo de naturalismo se combina con un toque de tradición gótica, la calidez del sentimiento religioso con una preocupación por la elegancia externa.
Además de estos maestros destacados, para la era temprana del arte holandés merece ser mencionado: Hieronymus van Aken, apodado Hieronymus de Bosch (c. 1462-1516), quien, con sus composiciones complejas, intrincadas y a veces extremadamente extrañas, colocó el base para la pintura cotidiana satírica; Ian Mundane (+ 1520), famoso en Harlem por sus representaciones de escenas diabólicas y payasadas; Peter Artsen († 1516), apodado por su alta estatura "Long Peter" (Lange Pier), David Ioris (1501-56), un hábil pintor de vidrio, llevado por los desvaríos anabápticos e imaginándose a sí mismo como el profeta David y el hijo de Dios , Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelisen (1480? - más tarde 1533) y su hijo Dirk Jacobs (dos pinturas de este último, que representan sociedades de fusileros, se encuentran en el Hermitage).
Aproximadamente la mitad de la mesa XVI. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte ruso -su angulosidad y sequedad góticas- estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del mencionado Mostart; pero el principal distribuidor del nuevo movimiento debe considerarse Jan Schorel (1495-1562), quien vivió en Italia durante mucho tiempo y luego fundó una escuela en Utrecht, de la que surgieron varios artistas, contagiados con el deseo de convertirse en holandeses. Rafael y Miguel Ángel. Siguiendo sus pasos Martin van Ven, apodado Hamskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, de apellido. Blockgorst (1532-83), Cornelis c. Harlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela G., como Abraham Bloomart (1564-1651), Gerard Gontgorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones de las principales figuras. de la pintura italiana, pero caídos, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes del declive de esta pintura que comenzó en ese momento, volvieron a su tierra como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte radica en la exageración del músculos, en la pretensión de los escorzos y el garbo de los colores convencionales.
Sin embargo, la fascinación por los italianos, que a menudo se extendió hasta el extremo en la era de transición de la pintura holandesa, trajo una especie de beneficio, ya que trajo a esta pintura un dibujo mejor y más aprendido y la capacidad de disponer más libre y audazmente de la pintura. composición. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos que formaron el arte original y altamente desarrollado de una era floreciente. El inicio de esta era, como ya hemos dicho, debería cronometrarse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, habiendo obtenido su independencia, comienza a vivir una nueva vida. La fuerte transformación de un país oprimido y pobre ayer en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente aguda en su arte.
De todos lados, casi al mismo tiempo, aparecen un número incontable de artistas notables, convocados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su trabajo que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros de arte originales, Harlem y Leiden, se agregan otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las viejas tareas de la pintura se desarrollan de una manera nueva bajo la influencia de los cambios en los requisitos y las actitudes, y florecen sus nuevas ramas, cuyos inicios apenas se notaron en el tiempo anterior.
La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, satisfaciendo los gustos de la burguesía rica, descartó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar los hechos del pasado como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y especialmente tomó un retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, a veces en una sola figura, luego en extensas composiciones de múltiples figuras que representan sociedades de tiro (schutterstuke), que desempeñó un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país, - los gobernadores de sus instituciones de caridad (regentenstuke), capataces de taller y miembros de varias corporaciones.
Si pensáramos en hablar de todos los retratistas talentosos de la floreciente era del arte holandés, entonces una lista de sus nombres con una indicación de su mejor trabajo tomaría muchas líneas; por lo tanto, nos limitamos a mencionar solo a aquellos artistas que se destacan especialmente de la fila general. Estos son: Michel Mirevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravestein (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el brujo del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), un dibujante incomparable que poseía el asombroso arte de modelar figuras a la luz, pero algo frío en carácter y color de Bartholomeus van der Gelst (1611 o 1612-70) y golpeando con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla con especial intensidad en la historia, que al principio disfrutó del honor de sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad y solo en el siglo actual se elevó con toda justicia al grado de un genio mundial. .
En su característica personalidad artística, como en el enfoque, se concentran todas las mejores cualidades de la pintura holandesa y su influencia se refleja en todos sus tipos: en retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt, se hicieron más famosos: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flink (1615-60), Herbrand van den Eckgout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1727)), Jacob Baker (1608 o 1609-51), Jan Viktors (1621-74), Carel Fabritius (c. 1620-54), Salomon y Phillips Koninghi (1609-56, 1619-88), Peter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Doe (1613-75) y Samuel van Gogstraten (1626-78). Además de estos artistas, en aras de la exhaustividad, la lista de los mejores retratistas y pintores históricos del período que se examina debería llamarse Jan Lievens (1607-30), el compañero de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622- 72) y Peter Nason (1612-91), quien trabajó, aparentemente bajo la influencia de V. D. Gelst, imitador de Hals Johannes Verspronk (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelt-Stokade (1614-69). La pintura para el hogar, cuyos primeros experimentos aparecieron en la vieja escuela holandesa, se encontró en el siglo XVII. suelo especialmente agradecido en la Holanda protestante, libre, burguesa, autosatisfecha.
Los cuadros pequeños, que representaban ingeniosamente las costumbres y la vida de las diferentes clases de la sociedad local, parecían a suficientes personas más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más útiles para decorar acogedoras viviendas privadas. Toda una horda de artistas satisface el requisito de tales imágenes, sin dudar durante mucho tiempo en la elección de los temas para ellos, pero reproduciendo fielmente todo lo que no ocurre en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por los propios, luego buenos- humor natural, caracterizando con precisión las posiciones y rostros representados y volviéndose más sofisticado en el arte de la técnica. Mientras unos se ocupan de la vida en común, escenas de alegría y dolor campesino, copas en tabernas y tabernas, tertulias frente a hoteles de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre hielo sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se contentan con para sus obras desde un círculo más elegante: pintan damas elegantes en su atmósfera íntima, cortejándolas por caballeros elegantes, amas de casa dando órdenes a los sirvientes, ejercicios de salón de música y canto, jolgorio de la juventud dorada en casas de placer, etc. Fila de artistas de la primera categoría sobresalen Adrian e Isak V. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Browver (1605 o 1606-38), Jan Stan (alrededor de 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richard Brackenburg (1650-1702), P. Lar, apodado en Italia Bamboccio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704) Egbert van der Pul (1621-64), Cornelis Drochslot (1586-1666), Egbert V. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaer (antes 1630-76), Jan Miense-Molenaer (circa 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dow (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Kaspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Mayor (1635-81), Eglon van der Neer (1643-1703), Gottfried Schalken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercolier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( † 1668). Jacob Ohtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedesy (1601-73, 1607-38), etc. Los pintores de género incluyen artistas que pintaron escenas de la vida militar, la ociosidad de los soldados en centinelas, campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros afines a parcelas de batalla. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Phillips Wouverman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto encontraremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) y otros Para muchos de estos artistas, el paisaje juega el mismo papel importante que las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, muchos pintores están trabajando, por lo que es su tarea principal o exclusiva.
En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria no sea solo la patria del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. Ej. En Italia y Francia, el arte se interesó poco por la naturaleza inanimada, no encontró en ella ni una vida peculiar ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus pinturas solo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o la comedia se representa y, por tanto, la subordina a las escenas condicionantes, inventando trazos pictóricos y manchas que le benefician, pero sin copiar la naturaleza, sin imbuirse de la impresión que ésta le inspira.
De la misma manera "compuso" la naturaleza y en los raros casos en los que trató de pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y avivar el movimiento del corazón. Y esto fue bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la apreciaron y admiraron, como un padre valora y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, presentó a coloristas como los holandeses con abundante material para el desarrollo de motivos de iluminación y una perspectiva aireada gracias a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapores, suavizando los contornos. de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y la bruma de niebla plateada o dorada que cubre la distancia, así como la variabilidad del aspecto del terreno, determinada por la estación, la hora del día y el estado del tiempo. .
Entre los paisajistas del período floreciente, Goll. Las escuelas, que fueron intérpretes por su naturaleza nativa, son especialmente respetadas: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Ezaias van de Velde (c. 1590-1630) y Peter Molyne el Viejo. (1595-1661), es considerado el fundador de Goll. paisaje; luego un discípulo de este maestro, Salomon c. Ruisdahl († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Weinants (c. 1600 - más tarde 1679), fanático de los mejores efectos de iluminación de Art. D. Nair (1603-77), poético Jacob c. Ruisdal (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Decker († 1678).
Entre los holandeses también hubo bastantes paisajistas que se embarcaron en viajes y reprodujeron motivos de naturaleza ajena, lo que, sin embargo, no les impidió conservar un carácter nacional en su pintura. Albert V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Bot (1610-52), Dirk V. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Jan V. e. Alcalde el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffier (1656-1720) - Rin; Jan Gackart (¿1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes basados en motivos de la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial, podemos destacar a los maestros que, en sus pinturas, combinaron el paisaje con la imagen de animales, dando ventaja a la primera o la segunda, o tratando ambas partes con igual atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); además de él, el de Adrian debe estar contado aquí. D. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferentemente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptist Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wijk (1616? -77) Frederic de Musheron (1633 o 1634) -86), etc. El paisaje está estrechamente relacionado con la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a tratar como una rama independiente del arte solo a mediados del siglo XVII.
Algunos de los que han trabajado desde entonces en esta zona se han afinado en la imagen de calles y plazas de la ciudad con sus edificios; tales son, por cierto, menos importantes, Johannes Bärestraten (1622-66), Iob y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), ene c. D. Heiden (1647-1712) y Jacob V. d. Yulft (1627-88). Otros, entre los que destacan Peter Sunredan († 1666), Dirk c. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), pintó vistas interiores de iglesias y palacios. El mar era tan importante en la vida de Holanda que su arte no podía tratarlo de otra manera que con la mayor atención. Muchos de sus pintores, dedicados al paisaje, al género e incluso al retrato, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se hicieron pintores de paisajes marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores de la escuela holandesa que representaron un mar en calma o tormentoso, barcos balanceándose sobre él, abarrotados de barcos portuarios, batallas navales, etc., entonces habría una lista muy larga, que incluiría los nombres de I. v. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdale, A. Cape y otros ya mencionados en las líneas anteriores. Limitándonos a señalar aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem c. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V.V. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Bakgeisen (1631-1708), Jan v. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634).
Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que se formó y desarrolló en ella una especie de pintura, que en otras escuelas no se había cultivado hasta entonces como una industria especial e independiente, a saber, pintar flores, frutas, verduras, animales. , utensilios de cocina, vajillas, etc., en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (nature morte, Stilleben). En esta zona, entre la Galia. los artistas más famosos de la era floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecouter (1636-95), Maria Osterwijk (1630 -93), Willem V. Ahlst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Vanix (1640-1719).
El brillante período de la pintura holandesa no duró mucho, solo un siglo. Con principios del siglo XVIII. su declive se produce, no porque la costa del Zuiderzee deje de producir talentos innatos, sino porque en la Galia. La sociedad está debilitando cada vez más la identidad nacional, el espíritu nacional se evapora y se establecen los gustos y visiones francesas de la pomposa época de Luis XIV. En el arte, este giro cultural se expresa por el olvido por parte de los artistas de aquellos principios básicos de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores, y por la apelación a principios estéticos traídos de un país vecino.
En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo doméstico y la sinceridad, el dominio de las teorías preconcebidas, la convención, la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal divulgador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Amsterdam, artista muy capaz y educado en su época, que tuvo una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -Las pinturas históricas y las obras de su pluma, entre las cuales, El gran libro del pintor ('t groot schilderboec), sirvió como códice para jóvenes artistas durante cincuenta años. El famoso Adrian v. También contribuyó al declive de la escuela. de Werff (1659-1722), cuya pintura lustrosa con frío, como tallada en figuras de marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista se encontraban famosos como pintores históricos de Henryk. Limborg (1680-1758) y Philip W. Dyck (1669-1729), apodado "Little W. Dyck".
De los otros pintores de la época en consideración, dotados de un indudable talento, pero contagiados del espíritu de la época, cabe destacar a Willem y Frans. Mirisov el Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercolier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isac de Musheron (1670-1744) y Carel de Mora (1656-1738). Cornelis Trost (1697-1750), un caricaturista predominantemente apodado el holandés, le dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quinkgard (1688-1772), el pintor histórico-decorativo Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de la naturaleza muerta Jan V. Geyzum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).
La influencia extranjera gravitó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo logrado reflejar en ella más o menos aquellas modificaciones que fueron aceptadas por el arte en Francia, comenzando por la parikovka de la época del Rey Sol y terminando con la pseudo- clasicismo de David. Cuando el estilo de este último sobrevivió a su tiempo y en todo el occidente de Europa, en lugar de dejarse llevar por los antiguos griegos y romanos, se despertó una aspiración romántica, que se apoderó tanto de la poesía como de las artes figurativas, los holandeses, como otros.
m pueblos, volvieron la mirada hacia su antigüedad y, por tanto, hacia el glorioso pasado de su pintura.
El deseo de devolverle el esplendor que brilló en el siglo XVII, comenzó a animar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a la observación estricta de la naturaleza y una actitud ingenua y sincera hacia las tareas por delante. . Al mismo tiempo, no intentaron alejarse por completo de la influencia extranjera, pero, al ir a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos en Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna.
Gracias a todo esto, la escuela holandesa revivida ha vuelto a recibir una fisonomía original y atractiva y está avanzando hoy por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede oponer con seguridad muchas de sus figuras más recientes a los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el sentido más cercano de la palabra se cultiva en ella, como en los viejos tiempos, de manera muy moderada y sin representantes destacados; Por otro lado, en términos del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros importantes más nuevos, como: Jacob Eckgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Kate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836) que desertó a Inglaterra. El género cotidiano, que también se incluyó en la gama de actividades de estos artistas (con la excepción de Alma-Tadema), se puede señalar a una serie de excelentes pintores, encabezados por Joseph Israel (n. 1824) y Christoffel Bisshop (b. .1828); además de ellos, Michil Versaig (1756-1843), Elchanon Verver (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857) son dignos de ser nombrados.
La última pintura holandesa es especialmente rica en paisajistas que trabajaron y trabajaron de diversas formas, a veces con meticulosa finalidad, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero con fieles y poéticos intérpretes de su naturaleza nativa. Estos incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Kukkuk (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Gendrich V. de Sande-Bockgeisen (n. 1826), Anton Mauve (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. otros herederos directos del siglo Ya. D. Heyden y E. de Witte fueron pintores de perspectivas Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomeus V. Gove (1790-1888), Salomon Vervaire (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosboom (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) y otros. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, la palma pertenece a Johannes. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Herman Kukkuk (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, Wouters Verschur (1812-74) y Johann Gus (n. 1832) mostraron un gran arte en la pintura de animales.
casarse Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (volúmenes segundo y tercero, 1882-1883); Waagen, Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Harvard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, “Les maîtres d'autrefois. Belgique, Hollande "(1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semyonov, "Estudios sobre la historia de la pintura holandesa basados en sus muestras ubicadas en San Petersburgo". (suplemento especial de la revista Vestnik Fine Arts, 1885-90).
La Edad de Oro de la pintura holandesa es una de las épocas más destacadas de la historia de la pintura mundial. La edad de oro de la pintura holandesa se considera siglo 17... Fue en este momento que los artistas y pintores más talentosos crearon sus obras inmortales. Sus pinturas todavía se consideran obras maestras insuperables que se guardan en museos famosos de todo el mundo y se consideran un patrimonio invaluable de la humanidad.
Al principio siglo 17 en Holanda todavía florecía un arte bastante primitivo, que se justificaba por los gustos y preferencias prácticos de la gente rica y poderosa. Como resultado de los cambios políticos, geopolíticos y religiosos, el arte holandés ha cambiado drásticamente. Si antes de eso los artistas intentaron complacer a los burgueses holandeses, describiendo su vida y su vida cotidiana, desprovistos de cualquier lenguaje elevado y poético, y también trabajaron para la iglesia, que ordenó artistas de un género bastante primitivo con temas de larga data, entonces el comienzo del siglo XVII supuso un verdadero avance. En Holanda reinó el dominio de los protestantes, que prácticamente dejaron de encargar pinturas sobre temas religiosos a los artistas. Holanda se independizó de España y se afirmó en el podio histórico general. Los artistas pasaron de los temas previamente familiares a la representación de escenas cotidianas, retratos, paisajes, naturalezas muertas, etc. Aquí, en un nuevo campo, los artistas de la edad de oro parecían tener un nuevo aliento y comenzaban a aparecer verdaderos genios del arte.
Los artistas holandeses del siglo XVII pusieron el realismo de moda en la pintura. Impresionantes en sus componentes, en realismo, profundidad e inusual, las pinturas comenzaron a gozar de un tremendo éxito. La demanda de pintura ha aumentado drásticamente. Como resultado, comenzaron a aparecer más y más artistas nuevos, que a un ritmo asombrosamente rápido desarrollaron las bases de la pintura, desarrollaron nuevas técnicas, estilos y géneros. Algunos de los artistas más famosos de la Edad de Oro fueron: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel el Viejo, Esayas van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck y muchos otros.
Pinturas holandesas
Cornelis de Man - Fábrica de procesamiento de aceite de ballena
Cornelis Trost - Diversión en el parque
Ludolph Bakhuisen - Muelle de campaña de las Indias Orientales en Ámsterdam
Pieter Bruegel el Viejo - La catástrofe del alquimista
Rembrandt - Andris de Gref
Los primeros años del siglo XVII se consideran la fecha de nacimiento de la escuela holandesa. Esta escuela pertenece a las grandes escuelas de pintura y es una escuela independiente e independiente con rasgos e identidad únicos e inimitables.
Esto tiene una explicación en gran parte histórica: una nueva tendencia en el arte y un nuevo estado en el mapa de Europa surgieron simultáneamente.
Holanda hasta el siglo XVII no se distinguió por la abundancia de artistas nacionales. Quizás por eso en el futuro en este país se pueden contar tantos artistas, y precisamente artistas holandeses. Si bien este país era un estado con Flandes, principalmente en Flandes, se crearon y desarrollaron intensamente movimientos pintorescos originales. Pintores destacados Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden trabajaron en Flandes, los cuales no se encontraron en Holanda. A principios del siglo XVI, solo se pueden notar estallidos aislados de genio en la pintura; se trata del artista y grabador Luca Leyden, quien es seguidor de la escuela de Brujas. Pero Luke Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo puede decirse del pintor Dirk Bouts de Haarlem, cuyas creaciones apenas se destacan en el contexto del estilo y la manera de los orígenes de la escuela flamenca, de los artistas Mostart, Skorel y Heemskerk, quienes, a pesar de toda su importancia, no son talentos individuales los que caracterizan su originalidad .país.
Luego, la influencia italiana se extendió a todos los que crearon con un pincel, desde Amberes hasta Haarlem. Esta fue una de las razones por las que se borraron fronteras, se mezclaron escuelas, los artistas perdieron su identidad nacional. Ni un solo alumno de Jan Korel sobrevivió. El último, más famoso y más grande retratista que, junto con Rembrandt, es el orgullo de Holanda, un artista dotado de un gran talento, culto, diverso en estilo, valiente y flexible por naturaleza, cosmopolita, que ha perdido todo rastro de su origen e incluso su nombre, Antonis Moreau (fue el pintor oficial del rey español) murió después de 1588.
Los pintores supervivientes casi dejaron de ser holandeses en el espíritu de su trabajo, carecían de organización y capacidad para renovar la escuela nacional. Se trataba de representantes del manierismo holandés: el grabador Hendrik Goltzius, Cornelis Haarlemsky, que imitaba a Miguel Ángel, Abraham Bloomart, seguidor de Correggio, Michel Mirevelt, buen retratista, hábil, preciso, lacónico, un poco frío, moderno para su época, pero no nacional. Es interesante que él solo no sucumbió a la influencia italiana, que subyugó la mayoría de las manifestaciones en la pintura de Holanda en ese momento.
A finales del siglo XVI, cuando los retratistas ya habían creado una escuela, comenzaron a aparecer y formarse otros pintores. En la segunda mitad del siglo XVI, nacieron una gran cantidad de pintores, que se convirtieron en un fenómeno en la pintura, esto es casi el despertar de la escuela nacional holandesa. Una amplia variedad de talentos conduce a muchas direcciones y caminos diferentes para el desarrollo de la pintura. Los artistas se prueban a sí mismos en todos los géneros, en varios esquemas de color: algunos trabajan de manera clara, otros en una oscura (aquí se influyó la influencia del artista italiano Caravaggio). Los cajones claros son coloristas comprometidos, oscuros. Se inicia la búsqueda de una forma pictórica, se desarrollan las reglas para representar el claroscuro. La paleta se vuelve más relajada y libre, las líneas y la plasticidad de lo representado también. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt: sus maestros Jan Pace y Peter Lastman. Los métodos de género también se están volviendo más libres: la historicidad no es tan necesaria como solía ser. Se está creando un género especial, profundamente nacional y casi histórico: retratos grupales destinados a lugares públicos: ayuntamientos, corporaciones, talleres y comunidades. En este evento, el más perfecto en forma, termina el siglo XVI y comienza el siglo XVII.
Esto es solo el comienzo, el embrión de una escuela, la escuela en sí todavía no está ahí. Hay muchos artistas talentosos. Entre ellos se encuentran hábiles artesanos, varios grandes pintores. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Polenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder y, finalmente, Esayas van de Velde y van Goyen, todos ellos nacieron al final del siglo 16. Esta lista también incluye artistas cuyos nombres han sido preservados por la historia y aquellos que representaron solo intentos individuales de lograr la maestría y aquellos que se convirtieron en maestros y predecesores de futuros maestros.
Este fue un momento crítico en el desarrollo de la pintura holandesa. En un equilibrio político inestable, todo dependía solo del azar. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, ya existía un sentimiento de confianza y estabilidad, que aún no estaba disponible en Holanda. Ya había artistas en Flandes que lo formaron o estuvieron cerca de él. Las condiciones políticas y sociohistóricas de este país fueron más favorables. Había un gobierno, una tradición y una sociedad más flexibles y tolerantes. La necesidad de lujo dio lugar a una insistente necesidad de arte. Con todo, había buenas razones para que Flandes se convirtiera por segunda vez en un gran semillero de arte. Para ello, solo faltaban dos cosas: unos años de paz y un maestro que sería el creador de la escuela.
En 1609, cuando se decidía el destino de Holanda, Felipe III acordó un armisticio entre España y los Países Bajos, apareció Rubens.
Todo dependía de contingencias políticas o militares. Derrotada y conquistada, Holanda debería haber perdido finalmente su independencia. Entonces, por supuesto, no podría haber dos escuelas independientes, en Holanda y en Flandes. En un país dependiente de la influencia italo-flamenca, tal escuela y artistas originales talentosos no pudieron desarrollarse.
Para que naciera el pueblo holandés y para que el arte holandés viera la luz con ellos, se necesitaba una revolución profunda y victoriosa. Fue especialmente importante que la revolución se basara en la justicia, la razón, la necesidad de que el pueblo mereciera lo que quería lograr, para que fuera decidido, convencido de su rectitud, trabajador, paciente, comedido, heroico, sabio. Todas estas características históricas se reflejaron en la posterior formación de la escuela de pintura holandesa.
La situación se desarrolló de tal manera que la guerra no arruinó a los holandeses, sino que los enriqueció, la lucha por la independencia no agotó las fuerzas, sino que fortaleció e inspiró. En la victoria sobre los invasores, el pueblo mostró el mismo valor que en la lucha contra los elementos, por el mar, por la inundación de las tierras, por el clima. Lo que se suponía que iba a destruir a la gente les sirvió bien. Los tratados firmados con España dieron libertad a Holanda y fortalecieron su posición. Todo esto llevó a la creación de su propio arte, que glorificó, espiritualizó y expresó la esencia interior del pueblo holandés.
Tras el tratado de 1609 y el reconocimiento oficial de las Provincias Unidas, se produjo una tregua inmediata. Como si una benéfica y cálida brisa tocara las almas humanas, reviviera el suelo, encontrara y despertara brotes que estaban listos para florecer. Es asombroso lo inesperado y en qué poco tiempo, no más de treinta años, en un espacio pequeño, en un suelo desértico ingrato, en las duras condiciones de vida, apareció una maravillosa galaxia de pintores y, además, grandes pintores.
Aparecieron a la vez y en todas partes: en Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, incluso en el extranjero, como a partir de semillas que cayeron fuera del campo. Los primeros son Jan van Goyen y Weinants, nacidos a principios de siglo. Y además, en el intervalo desde el comienzo del siglo hasta el final de su primer tercio - Cape, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bol, Gerard Dau, Metsu, Veniks, Wowerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.
Pero en esto los jugos creativos no se agotan. A continuación, nació Peter de Hoch, Hobbema. Los últimos de los grandes, van der Heyden y Adrian van de Velde, nacieron en 1636 y 1637. En ese momento, Rembrandt tenía treinta años. Aproximadamente estos años pueden considerarse la época del primer apogeo de la escuela holandesa.
Teniendo en cuenta los acontecimientos históricos de esa época, uno puede imaginar cuáles deberían ser las aspiraciones, la naturaleza y el destino de la nueva escuela de pintura. ¿Qué podrían pintar estos artistas en un país como Holanda?
La revolución que dio libertad y riqueza al pueblo holandés, al mismo tiempo lo privó de lo que es en todas partes el alma de las grandes escuelas. Ella cambió las creencias, cambió los hábitos, abolió las representaciones de escenas antiguas y evangélicas, detuvo la creación de grandes obras: iglesias y pinturas decorativas. De hecho, cada artista tenía una alternativa: ser original o no serlo en absoluto.
Era necesario crear arte para una nación de burgueses, que quisieran, representarlos y corresponderles. Eran gente práctica, poco propensa a soñar despiertos, gente de negocios, con tradiciones quebradas y disposición anti-italiana. Podemos decir que los holandeses tenían una tarea sencilla y atrevida: crear su propio retrato.
La pintura holandesa era y podía ser solo una expresión de la apariencia externa, un retrato verdadero, preciso y similar de Holanda. Era un retrato de gente y localidad, costumbres burguesas, plazas, calles, campos, mar y cielo. Los elementos principales de la escuela holandesa fueron el retrato, el paisaje y las escenas cotidianas. Así fue esta pintura desde el inicio de su existencia hasta su declive.
Puede parecer que nada es más fácil que descubrir este arte común. De hecho, es imposible imaginar algo igual a él en ancho y novedad.
Inmediatamente todo cambió en la forma de entender, ver y comunicar: punto de vista, ideal artístico, elección de la naturaleza, estilo y método. La pintura italiana y flamenca en sus mejores manifestaciones nos sigue siendo comprensible, porque todavía se disfrutan, pero ya son lenguas muertas y ya nadie las usará.
Hubo un tiempo en que existía el hábito de pensar elevado, generalizado, existía un arte que consistía en la hábil selección de objetos. En su decoración, corrección. Le encantaba mostrar la naturaleza como no existe en la realidad. Todo lo representado en mayor o menor medida era coherente con la personalidad de la persona, dependía de ella y era su semejanza. Como resultado, surgió el arte, para el cual una persona está en el centro, y todas las demás imágenes del universo se encarnaron en formas humanas o se mostraron vagamente como un entorno secundario de una persona. La creatividad se desarrolló de acuerdo con ciertos patrones. Cada objeto tuvo que tomar prestada su forma plástica del mismo ideal. La persona tenía que ser retratada más a menudo desnuda que vestida, bien formada y hermosa, para que pudiera desempeñar el papel que se le asignó con la grandeza adecuada.
Ahora la tarea de pintar se ha simplificado. Era necesario dar a cada cosa o fenómeno su verdadero significado, poner a una persona en el lugar que le correspondía y, si era necesario, prescindir de él por completo.
Es hora de pensar menos, mirar más de cerca lo que está más cerca, observar mejor y escribir de otra manera. Ahora es una pintura de una multitud, un ciudadano, un hombre de trabajo. Era necesario volverse modesto para todo lo modesto, pequeño para lo pequeño, discreto para lo discreto, aceptar todo sin rechazar ni despreciar nada, penetrar en la vida oculta de las cosas, fundirse amorosamente con su existencia, era necesario volverse atento, inquisitivo. y paciente. La genialidad ahora consiste en no tener prejuicios. Nada necesita ser embellecido, ennoblecido o denunciado: todo esto es mentira y labor inútil.
Los pintores holandeses, creando en algún rincón de un país del norte con agua, bosques, horizontes marinos, fueron capaces de reflejar todo el universo en miniatura. Un pequeño país, estudiado concienzudamente según los gustos e instintos del observador, se convierte en un tesoro inagotable, tan abundante como la vida misma, tan rico en sensaciones como el corazón humano es rico en ellas. La escuela holandesa ha estado creciendo y funcionando así durante un siglo.
Los pintores holandeses encontraron temas y colores para satisfacer todas las inclinaciones y afectos humanos, para las naturalezas toscas y delicadas, apasionadas y melancólicas, soñadoras y alegres. Los días nublados dan paso a alegres días soleados, el mar está en calma y reluciente de plata, luego tormentoso y sombrío. Hay muchos pastos con granjas y muchos barcos apiñados a lo largo de la costa. Y casi siempre se puede sentir el movimiento del aire sobre los espacios abiertos y los fuertes vientos del Mar del Norte, que amontonan nubes, doblan árboles, confían en las alas de los molinos e impulsan luces y sombras. A esto hay que añadir las ciudades, la vida hogareña y callejera, las festividades en las ferias, las representaciones de diferentes morales, la necesidad de los pobres, los horrores del invierno, la ociosidad en las tabernas con su humo de tabaco y jarras de cerveza. Por otro lado, hay un estilo de vida acomodado, trabajo concienzudo, cabalgatas, descanso vespertino, caza. Además - vida social, ceremonias civiles, banquetes. Resultó un arte nuevo, pero con tramas antiguas, como el mundo.
Por lo tanto, hubo una unidad armoniosa del espíritu de la escuela y la diversidad más sorprendente que jamás haya surgido dentro de una dirección de arte.
En general, la escuela holandesa se llama género. Si lo descomponemos en sus elementos constitutivos, entonces podemos distinguir en él pintores paisajistas, maestros del retrato de grupo, pintores marinos, pintores de animales, artistas que pintaron retratos de grupo o naturalezas muertas. Si observa con más detalle, puede distinguir muchas variedades de género, desde los amantes de la pintura hasta los ideólogos, desde los copistas de la naturaleza hasta sus intérpretes, desde los adictos a la televisión conservadores hasta los viajeros, desde los que aman y sienten el humor hasta los artistas que evitan la comedia. Recordemos las imágenes del humor de Ostade y la seriedad de Ruisdael, la ecuanimidad de Potter y la burla de Jan Steen, el ingenio de van de Velde y la lúgubre ensoñación del gran Rembrandt.
A excepción de Rembrandt, que debe ser considerado un fenómeno excepcional, tanto para su país como para todos los tiempos, todos los demás artistas holandeses se caracterizan por un cierto estilo y método. Las leyes de este estilo son la sinceridad, la accesibilidad, la naturalidad, la expresividad. Si le quitas al arte holandés lo que se puede llamar honestidad, dejarás de comprender su base vital y no podrás determinar ni su carácter moral ni su estilo. En estos artistas, que en su mayoría se han ganado la fama de copistas miopes, se siente un alma exaltada y amable, lealtad a la verdad, amor por el realismo. Todo esto le da a sus obras un valor que las cosas que se representan en ellas no parecen tener en sí mismas.
El comienzo de este estilo sincero y el primer resultado de este enfoque honesto es el dibujo perfecto. Entre los pintores holandeses, Potter es una manifestación de genio en medidas precisas calibradas y la capacidad de trazar el movimiento de cada línea.
En Holanda, el cielo suele ser la mitad y, a veces, la imagen completa. Por lo tanto, es necesario que el cielo de la imagen se mueva, atraiga, nos lleve. Sentir la diferencia entre el día, la tarde y la noche, sentir calor y frío, para que el espectador se relaje, disfrute y sienta la necesidad de concentrarse. Aunque probablemente sea difícil llamar a un dibujo así el más noble de todos, trate de encontrar artistas en el mundo que pinten el cielo, como Ruisdael y van der Neer, y digan tanto con su trabajo y de manera tan brillante. En todas partes los holandeses tienen el mismo dibujo: sobrio, lacónico, preciso, natural e ingenuo, hábil, no artificial.
La paleta holandesa es bastante digna de su dibujo, de ahí la perfecta unidad de su método pictórico. Cualquier pintura holandesa es fácil de reconocer por su apariencia. Es de tamaño pequeño y destaca por sus colores fuertes y potentes. Esto requiere que el artista sea muy cuidadoso, mano firme, concentración profunda para lograr un impacto concentrado en el espectador. El artista debe profundizar en sí mismo para nutrir su idea, el espectador, en sí mismo para comprender el plan del artista. Son las pinturas holandesas las que proporcionan la imagen más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresarse. No hay imagen en el mundo que esté más saturada, ya que son los holandeses los que incluyen un contenido tan amplio en un espacio tan reducido. Por eso todo aquí adquiere una forma precisa, comprimida y condensada.
Toda pintura holandesa es cóncava, consta de curvas descritas alrededor de un punto, que es la encarnación de la idea de la pintura y las sombras ubicadas alrededor del punto de luz principal. Una base sólida, una parte superior desbocada y esquinas redondeadas que tienden al centro, todo se asoma, está pintado e iluminado en un círculo. Como resultado, la imagen adquiere profundidad y los objetos representados en ella se alejan del ojo del espectador. El espectador es conducido, por así decirlo, del primer plano al último, del encuadre al horizonte. Parece que vivimos en una imagen, nos movemos, miramos profundamente en las profundidades, levantamos la cabeza para medir la profundidad del cielo. La severidad de la perspectiva aérea, la combinación perfecta de color y matices con el lugar en el espacio que ocupa el sujeto.
Para una comprensión más completa de la pintura holandesa, sería necesario considerar en detalle los elementos de este movimiento, las características de los métodos, la naturaleza de la paleta, para comprender por qué es tan pobre, casi monocromática y tan rica en resultados. . Pero todas estas cuestiones, como muchas otras, siempre han sido objeto de especulación por parte de muchos historiadores del arte, pero nunca han sido suficientemente estudiadas y aclaradas. La descripción de las principales características del arte holandés nos permite distinguir esta escuela de otras y rastrear sus orígenes. Una ilustración expresiva de esta escuela es la pintura de Adrian van Ostade del Atelier of the Artist de Ámsterdam. Este tema fue uno de los favoritos de los pintores holandeses. Vemos a una persona atenta, un poco encorvada, con una paleta preparada, pinceles finos, limpios y aceite transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro está enfocado, su mano es cuidadosa. Sólo que, quizás, estos pintores fueron más atrevidos y supieron reír con más descuido y disfrutar de la vida de lo que se desprende de las imágenes supervivientes. De lo contrario, ¿cómo se manifestaría su genio en la atmósfera de las tradiciones profesionales?
Van Goyen y Weinants sentaron las bases de la escuela holandesa a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de la pintura. Estas leyes fueron entregadas de los profesores a los estudiantes, y durante todo un siglo los pintores holandeses vivieron de acuerdo con ellas, sin desviarse hacia un lado.
manierismo de la pintura holandesa
Holanda. siglo 17. El país está viviendo un auge sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A finales del siglo XVI, varias provincias del país lograron la independencia de España.
Ahora los Países Bajos Prostane siguieron su propio camino. Y la Flandes católica (actual Bélgica), bajo el ala de España, es suya.
En la Holanda independiente, casi nadie necesitaba pintura religiosa. La Iglesia protestante no aprobó el lujo de la decoración. Pero esta circunstancia "le hizo el juego" a la pintura secular.
Literalmente, todos los habitantes del nuevo país se despertaron para amar esta forma de arte. Los holandeses querían ver su propia vida en las pinturas. Y los artistas fueron de buen grado a su encuentro.
Nunca antes habían retratado tanto la realidad circundante. Gente corriente, habitaciones corrientes y el desayuno de los habitantes de la ciudad más corriente.
Floreció el realismo. Hasta el siglo XX, será un digno competidor del academismo con sus ninfas y diosas griegas.
Estos artistas se llaman holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las pinturas eran de pequeño tamaño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Entonces, casi todas las pinturas de Jan Vermeer no tienen más de medio metro de altura.
Pero me gusta más la otra versión. En los Países Bajos, en el siglo XVII, vivió y trabajó un gran maestro, un "gran" holandés. Y todos los demás eran "pequeños" en comparación con él.
Hablamos, por supuesto, de Rembrandt. Empecemos por él.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autorretrato a los 63 años. 1669 Galería Nacional de Londres Rembrandt ha experimentado una amplia gama de emociones durante su vida. Por eso hay tanta diversión y bravuconería en sus primeros trabajos. Y hay tantos sentimientos difíciles en los posteriores.
Aquí es joven y despreocupado en el cuadro El hijo pródigo en una taberna. La amada esposa de Saskia está de rodillas. Es un artista popular. Las órdenes fluyen como un río.
Rembrandt. El hijo pródigo en la taberna. 1635 Galería de los Viejos Maestros, Dresde Pero todo esto desaparecerá en unos 10 años. Saskia morirá de tisis. La popularidad se disolverá como el humo. Se quitará una casa grande con una colección única por deudas.
Pero aparecerá el mismo Rembrandt, que permanecerá durante siglos. Sentimientos desnudos de héroes. Sus pensamientos más íntimos.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York Frans Hals es uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Por lo tanto, también lo ubicaría entre los "grandes" holandeses.
En Holanda en ese momento era costumbre encargar retratos de grupo. Así aparecieron muchas obras similares, que representan a personas trabajando juntas: tiradores del mismo gremio, médicos de la misma ciudad, administrando un hogar de ancianos.
En este género, Hals se destaca más. Después de todo, la mayoría de estos retratos parecían una baraja de cartas. Personas con la misma expresión facial están sentadas a la mesa y solo miran. Con Hals fue diferente.
Mire su retrato grupal de St. Jorge ".
Frans Hals. Flechas del gremio de st. Jorge. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Países Bajos Aquí no encontrarás ni una sola repetición en postura o expresión facial. Al mismo tiempo, aquí tampoco hay caos. Hay muchos personajes, pero ninguno parece superfluo. Gracias a la ubicación asombrosamente correcta de las figuras.
Y en un solo retrato, Hals fue superior a muchos artistas. Sus patrones son naturales. La gente de la alta sociedad en sus pinturas carece de grandeza artificial, y los modelos de las clases bajas no parecen humillados.
Y también sus personajes son muy emocionales: sonríen, ríen, gesticulan. Como, por ejemplo, este es "Gypsy" con una mirada astuta.
Frans Hals. Gitano. 1625-1630 Hals, como Rembrandt, terminó su vida en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo iba en contra de los gustos de los clientes. Quien quiso embellecer su apariencia. Khals no fue directamente a la adulación y, por lo tanto, firmó su propio veredicto: "Olvido".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Auto retrato. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, La Haya, Países Bajos Terborch fue un maestro del género de género. Los ricos y los no tan burgueses hablan tranquilamente, las damas leen las cartas y el chulo observa el cortejo. Dos o tres figuras muy poco espaciadas.
Fue este maestro quien desarrolló los cánones del género cotidiano. Que luego serán prestados por Jan Vermeer, Peter de Hooch y muchos otros holandeses "pequeños".
Gerard Terborch. Un vaso de limonada. 1660. Ermita del Estado, San Petersburgo Un vaso de limonada es una de las obras famosas de Terborch. Muestra otra dignidad del artista. Una imagen increíblemente realista de la tela del vestido.
Terborch también tiene obras inusuales. Lo que habla de su deseo de ir más allá de los requisitos de los clientes.
Su Grinder muestra la vida de las personas más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver patios acogedores y habitaciones limpias en las pinturas de holandeses "pequeños". Pero Terborch se atrevió a mostrar la desagradable Holanda.
Gerard Terborch. Amoladora. 1653-1655 Museos estatales en Berlín Como puede imaginar, tales obras no tenían demanda. Y son una ocurrencia rara incluso con Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Taller de artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viena No se sabe con certeza cómo era Jan Vermeer. Es obvio que en la pintura "El taller del artista" se representó a sí mismo. Verdad desde atrás.
Por lo tanto, es sorprendente que recientemente se haya conocido un hecho nuevo de la vida del maestro. Está asociado con su obra maestra "Delft Street".
Jan Vermeer. Calle de Delft. 1657 Rijksmuseum de Amsterdam Resultó que la infancia de Vermeer transcurrió en esta calle. La casa representada pertenecía a su tía. Ella crió a sus cinco hijos en él. Quizás ella esté sentada en el umbral de la puerta cosiendo y sus dos hijos estén jugando en la acera. El propio Vermeer vivía en la casa de enfrente.
Pero más a menudo representó el interior de estas casas y sus habitantes. Parecería que las tramas de las pinturas son muy sencillas. Aquí hay una bella dama, una rica habitante de la ciudad, comprobando el trabajo de su balanza.
Jan Vermeer. Mujer con pesas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington ¿Cómo se destacó Vermeer entre miles de otros holandeses "pequeños"?
Fue el maestro consumado de la luz. En el cuadro "Mujer con escamas", la luz envuelve suavemente el rostro, las telas y las paredes de la heroína. Dándole al cuadro una espiritualidad desconocida.
Y también se verifican cuidadosamente las composiciones de las pinturas de Vermeer. No encontrarás ni un solo detalle superfluo. Basta con quitar uno de ellos, la imagen "se desmorona" y la magia desaparecerá.
Todo esto no fue fácil para Vermeer. Una calidad tan asombrosa requería un trabajo minucioso. Solo 2-3 pinturas al año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer también trabajó como marchante de arte, vendiendo obras de otros artistas.
5. Peter de Hooch (1629-1884)
Peter de Hooch. Auto retrato. 1648-1649 Rijksmuseum, Ámsterdam Hoha a menudo se compara con Vermeer. Trabajaron al mismo tiempo, incluso hubo un período en la misma ciudad. Y en un género: todos los días. En Hoch, también vemos una o dos figuras en acogedores patios o habitaciones holandesas.
Las puertas y ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea de múltiples capas y entretenido. Y las figuras están inscritas en este espacio de manera muy armoniosa. Como, por ejemplo, en su cuadro "Una criada con una niña en el patio".
Peter de Hooch. Una sirvienta con una chica en el patio. 1658 Galería Nacional de Londres
Hasta el siglo XX, Hoh era muy apreciado. Pero las pocas obras de su competidor Vermeer, pocas personas se dieron cuenta.
Pero en el siglo XX, todo cambió. La gloria de Hoh se desvaneció. Sin embargo, es difícil no reconocer sus logros en la pintura. Pocas personas podrían combinar el medio ambiente y las personas de manera tan competente.
Peter de Hooch. Los jugadores de cartas en la habitación soleada. 1658 Royal Art Collection, Londres Tenga en cuenta que en una casa modesta en el lienzo "Los jugadores de cartas" hay una imagen en un marco caro.
Esto muestra una vez más lo popular que era la pintura entre los holandeses comunes y corrientes. Los cuadros adornaban cada casa: la casa de un burgués rico, y un habitante modesto de la ciudad, e incluso un campesino.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Steen. Autorretrato con laúd. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, MadridJan Steen es quizás el "pequeño" holandés más divertido. Pero amando la moralidad. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que prevalecía el vicio.
Sus personajes principales son juerguistas y damas de fácil virtud. Quería entretener al espectador, pero advertirle latentemente contra una vida viciosa.
Jan Steen. Un desastre. 1663 Kunsthistorisches Museum, Viena Sten también tiene trabajos más silenciosos. Como, por ejemplo, "Baño matutino". Pero aquí también el artista sorprende al espectador con detalles demasiado francos. Hay rastros de elástico en las medias, y no un orinal vacío. Y de alguna manera el perro está acostado directamente sobre la almohada.
Jan Steen. Baño de la mañana. 1661-1665 Rijksmuseum, Ámsterdam Pero a pesar de toda la frivolidad, los esquemas de color de Sten son muy profesionales. En esto sobresalió a muchos "pequeños holandeses". Vea cómo una media roja va bien con una chaqueta azul y una alfombra beige brillante.
7. Jacobs van Ruisdael (1629-1882)
Retrato de Ruisdael. Litografía de un libro del siglo XIX. Pintura holandesa, en las artes visuales
Pintura holandesa, su surgimiento y período inicial confluyen en tal medida con las primeras etapas de desarrollo de la pintura flamenca que los últimos historiadores del arte consideran una y otra para todo el tiempo hasta finales del siglo XVI. inseparablemente, bajo un nombre general "escuela holandesa".
Ambos, constituyendo la descendencia de la rama del Rin del mudo. la pintura, cuyos principales representantes son Wilhelm de Colonia y Stefan Lochner, se consideran sus antepasados como los hermanos Van Eyck; Ambos durante mucho tiempo van en la misma dirección, inspirados por los mismos ideales, persiguen las mismas tareas, desarrollan la misma técnica, para que los artistas de Holanda no sean diferentes de sus hermanos Flandes y Brabante.
Esto continúa durante todo el gobierno del país, primero por los borgoñones y luego por la casa austríaca, hasta que estalla una revolución brutal que termina con el triunfo total del pueblo holandés sobre los españoles que los oprimían. A partir de esta época, cada una de las dos ramas del arte holandés comenzó a moverse por separado, aunque a veces llegan a entrar en contacto muy estrecho entre sí.
La pintura holandesa adquiere de inmediato un carácter original y completamente nacional y rápidamente alcanza una floración brillante y abundante. Las razones de este fenómeno, como difícilmente se puede encontrar a lo largo de la historia de las artes, residen en circunstancias topográficas, religiosas, políticas y sociales.
En esta "tierra baja", formada por turberas, islas y penínsulas, constantemente arrasada por el mar y amenazada por sus incursiones, la población, tan pronto como derrocó el yugo extranjero, fue necesario volver a crear absolutamente todo, empezando por las condiciones físicas del suelo y terminando por las condiciones morales e intelectuales, porque todo fue destruido por la lucha anterior por la independencia. Gracias a su espíritu emprendedor, sentido práctico y trabajo persistente, los holandeses lograron convertir los pantanos en campos fértiles y pastos lujosos, recuperar vastas áreas de tierra del mar, adquirir bienestar material y significado político externo. El logro de estos resultados se vio facilitado en gran medida por la forma de gobierno federal-republicano establecida en el país y el principio razonablemente implementado de libertad de pensamiento y creencias religiosas.
Como por milagro, en todas partes, en todas las esferas del trabajo humano, una actividad ardiente comenzó de repente a hervir en un espíritu nuevo, original, puramente popular, entre otras cosas, en la esfera del arte. De las ramas de este último, sobre la base de Holanda, tuvo principalmente la suerte de ser una: la pintura, que tomó aquí en las obras de muchos artistas más o menos talentosos que aparecieron casi simultáneamente, una dirección muy versátil y al mismo tiempo completamente diferente. de la dirección de arte en otros países. El rasgo principal que caracteriza a estos artistas es el amor por la naturaleza, el deseo de reproducirla en toda su sencillez y verdad, sin el menor embellecimiento, sin aportar un ideal preconcebido bajo ninguna circunstancia. El segundo rasgo distintivo de goll. Los pintores tienen un sutil sentido del color y una comprensión de la fuerte y encantadora impresión que se puede producir, además del contenido del cuadro, mediante una sola transferencia verdadera y poderosa de relaciones coloridas condicionadas en la naturaleza por la acción de los rayos de luz. proximidad o distancia de distancias.
Entre los mejores representantes de la pintura holandesa, este sentido de los colores y el claroscuro se desarrolla hasta tal punto que la luz, con sus innumerables y variados matices, juega, podría decirse, el papel del protagonista del cuadro e imparte un gran interés a los más numerosos. trama insignificante, las formas e imágenes más poco elegantes. Entonces cabe señalar que la mayoría de los galos. los artistas no se embarcan en búsquedas distantes de material para su obra, sino que se contentan con lo que encuentran a su alrededor, en su naturaleza nativa y en la vida de su gente. Rasgos típicos de distinguidos compatriotas, la fisonomía de las mujeres holandesas y holandesas ordinarias, la ruidosa diversión de los festivales folclóricos comunes, las fiestas campesinas, las escenas de la vida del pueblo o la vida íntima de la gente del pueblo, las dunas nativas, la mitad de los ciervos y las llanuras sin límites atravesadas por canales, rebaños. pastando en prados espesos, chozas, enclavadas al borde de bosques de hayas o robles, pueblos a orillas de ríos, lagos y grachts, ciudades con sus casas ordenadas, puentes levadizos y altas agujas de iglesias y ayuntamientos, puertos abarrotados de barcos, el cielo lleno de vapores plateados o dorados: todo esto, bajo el pincel de los maestros holandeses, imbuido de amor a la patria y orgullo nacional, se convierte en pinturas llenas de aire, luz y atractivo.
Incluso en aquellos casos en los que algunos de estos maestros recurren a temas de la Biblia, la historia antigua y la mitología, aun así, sin importarles la observancia de la fidelidad arqueológica, trasladan la acción al entorno holandés, rodeándolo de un entorno holandés. Es cierto que junto a la multitud de artistas tan patrióticos hay una falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de su tierra natal, en la clásica tierra del arte, Italia; sin embargo, en sus obras hay rasgos que denuncian su nacionalidad.
Finalmente, como característica de los pintores holandeses, se puede señalar su renuncia a las tradiciones artísticas. Sería en vano buscar de ellos una estricta continuidad de principios estéticos y reglas técnicas bien conocidos, no solo en el sentido del estilo académico, sino también en el sentido de asimilación por parte de los estudiantes del carácter de sus profesores: con la excepción, tal vez, sólo de los estudiantes de Rembrandt, que siguieron más o menos de cerca sus pasos. Como brillante mentor, casi todos los pintores de Holanda, tan pronto como pasaron sus años de estudiante, y a veces incluso durante estos años, comenzaron a trabajar a su manera, de acuerdo con lo que atrajo su inclinación individual y lo que enseñó la observación directa de la naturaleza.
Por tanto, los artistas holandeses no pueden clasificarse en escuelas, como hacemos con los pintores de Italia o España; Es difícil incluso componer grupos estrictamente definidos de ellos, y la misma expresión "escuela de pintura holandesa", que se ha vuelto de uso general, debe tomarse solo en un sentido convencional, como denotando un conjunto de maestros tribales, pero no un escuela real. Mientras tanto, en todas las principales ciudades de Holanda existían sociedades organizadas de artistas que, al parecer, debían influir en el mensaje de sus actividades en una dirección general. Sin embargo, tales sociedades, que se llamaron gremios de St. Luke, si lo hizo, fue muy moderado. No se trataba de academias, guardianas de famosas tradiciones artísticas, sino de corporaciones libres, como otros gremios artesanales e industriales, no muy diferentes de ellas en cuanto a organización y con el objetivo de apoyo mutuo de sus miembros, protección de sus derechos, cuidado de sus vejez, cuidado de su suerte, viudas y huérfanos.
Cualquier pintor local que cumpliera con los requisitos de la calificación moral era admitido en el gremio tras la confirmación preliminar de sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama ya adquirida; los artistas visitantes eran admitidos en el gremio como miembros temporales, durante su estancia en una ciudad determinada. Los miembros del gremio se reunieron para discutir, bajo la presidencia de los decanos, sus asuntos comunes o para intercambiar pensamientos; pero en estas asambleas no había nada que se asemejara a la predicación de una determinada dirección artística y que tienda a constreñir la originalidad de alguno de los integrantes.
Estas características de la pintura holandesa se notan incluso en sus primeros días, en un momento en que se estaba desarrollando de manera inseparable con la escuela flamenca. Su vocación, como esta última, fue entonces, principalmente, decorar iglesias con pinturas religiosas, palacios, ayuntamientos y casas nobles, retratos de funcionarios gubernamentales y aristócratas. Desafortunadamente, las obras de pintores holandeses primitivos nos han llegado solo en un número muy limitado, ya que la mayoría de ellos perecieron en esa época convulsa en la que la Reforma devastó iglesias católicas, abolió monasterios y abadías, incitó a los beeldstormers a destruir imágenes sagradas pictóricas y escultóricas. y el levantamiento popular exterminó los retratos de los odiados tiranos en todas partes. Solo conocemos a muchos de los artistas que precedieron a la revolución por su nombre; podemos juzgar a otros solo por una o dos muestras de su trabajo. Entonces, en cuanto al más antiguo de los pintores holandeses, Albert van Ouvater, no hay datos positivos, excepto la información de que fue contemporáneo de van Eyck y trabajó en Harlem; no existen imágenes fiables de él. Su alumna Gertien van Sint-Jan es conocida sólo por dos paneles trípticos conservados en la galería de Viena ("El Santo Sepulcro" y "La leyenda de los huesos de San Juan"), escritos por él para la catedral de Harlem. La neblina que cubre la era inicial de la escuela G. comienza a disiparse con la aparición en el escenario de Dirk Bouts, apodado Sturbout (+ 1475), originario de Harlem, pero que trabajaba en Lovaina y por lo tanto considerado por muchos a la escuela flamenca. (sus mejores obras son dos cuadros "La corte equivocada del emperador Otto", que se encuentran en el Museo de Bruselas), así como Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), cuyo principal mérito es que fue el maestro del famoso Lucas de Leiden ( 1494-1533). Este último, un artista polifacético, trabajador y de gran talento, fue capaz, como nadie antes que él, de reproducir con precisión todo lo que se le cruzó por la vista, y por tanto puede ser considerado el verdadero padre del género holandés, aunque tuvo que pintar. principalmente pinturas y retratos religiosos. En las obras de su contemporáneo Jan Mostart (hacia 1470-1556), el deseo de naturalismo se combina con un toque de tradición gótica, la calidez del sentimiento religioso con una preocupación por la elegancia externa.
Además de estos maestros destacados, para la era temprana del arte holandés merece ser mencionado: Hieronymus van Aken, apodado Hieronymus de Bosch (c. 1462-1516), quien, con sus composiciones complejas, intrincadas y a veces extremadamente extrañas, colocó el base para la pintura cotidiana satírica; Ian Mundane (+ 1520), famoso en Harlem por sus representaciones de escenas diabólicas y payasadas; Peter Artsen († 1516), apodado por su alta estatura "Long Peter" (Lange Pier), David Ioris (1501-56), un hábil pintor de vidrio, llevado por los desvaríos anabápticos e imaginándose a sí mismo como el profeta David y el hijo de Dios , Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelisen (1480? - más tarde 1533) y su hijo Dirk Jacobs (dos pinturas de este último, que representan sociedades de fusileros, se encuentran en el Hermitage).
Aproximadamente la mitad de la mesa XVI. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte ruso -su angulosidad y sequedad góticas- estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del mencionado Mostart; pero el principal distribuidor del nuevo movimiento debe considerarse Jan Schorel (1495-1562), quien vivió en Italia durante mucho tiempo y luego fundó una escuela en Utrecht, de la que surgieron varios artistas, contagiados con el deseo de convertirse en holandeses. Rafael y Miguel Ángel. Siguiendo sus pasos Martin van Ven, apodado Hamskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, de apellido. Blockgorst (1532-83), Cornelis c. Harlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela G., como Abraham Bloomart (1564-1651), Gerard Gontgorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones de las principales figuras. de la pintura italiana, pero caídos, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes del declive de esta pintura que comenzó en ese momento, volvieron a su tierra como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte radica en la exageración del músculos, en la pretensión de los escorzos y el garbo de los colores convencionales.
Sin embargo, la fascinación por los italianos, que a menudo se extendió hasta el extremo en la era de transición de la pintura holandesa, trajo una especie de beneficio, ya que trajo a esta pintura un dibujo mejor y más aprendido y la capacidad de disponer más libre y audazmente de la pintura. composición. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos que formaron el arte original y altamente desarrollado de una era floreciente. El inicio de esta era, como ya hemos dicho, debería cronometrarse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, habiendo obtenido su independencia, comienza a vivir una nueva vida. La fuerte transformación de un país oprimido y pobre ayer en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente aguda en su arte.
De todos lados, casi al mismo tiempo, aparecen un número incontable de artistas notables, convocados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su trabajo que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros de arte originales, Harlem y Leiden, se agregan otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las viejas tareas de la pintura se desarrollan de una manera nueva bajo la influencia de los cambios en los requisitos y las actitudes, y florecen sus nuevas ramas, cuyos inicios apenas se notaron en el tiempo anterior.
La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, satisfaciendo los gustos de la burguesía rica, descartó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar los hechos del pasado como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y especialmente tomó un retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, a veces en una sola figura, luego en extensas composiciones de múltiples figuras que representan sociedades de tiro (schutterstuke), que desempeñó un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país, - los gobernadores de sus instituciones de caridad (regentenstuke), capataces de taller y miembros de varias corporaciones.
Si pensáramos en hablar de todos los retratistas talentosos de la floreciente era del arte holandés, entonces una lista de sus nombres con una indicación de su mejor trabajo tomaría muchas líneas; por lo tanto, nos limitamos a mencionar solo a aquellos artistas que se destacan especialmente de la fila general. Estos son: Michel Mirevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravestein (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el brujo del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), un dibujante incomparable que poseía el asombroso arte de modelar figuras a la luz, pero algo frío en carácter y color de Bartholomeus van der Gelst (1611 o 1612-70) y golpeando con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla con especial intensidad en la historia, que al principio disfrutó del honor de sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad y solo en el siglo actual se elevó con toda justicia al grado de un genio mundial. .
En su característica personalidad artística, como en el enfoque, se concentran todas las mejores cualidades de la pintura holandesa y su influencia se refleja en todos sus tipos: en retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt, se hicieron más famosos: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flink (1615-60), Herbrand van den Eckgout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1727)), Jacob Baker (1608 o 1609-51), Jan Viktors (1621-74), Carel Fabritius (c. 1620-54), Salomon y Phillips Koninghi (1609-56, 1619-88), Peter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Doe (1613-75) y Samuel van Gogstraten (1626-78). Además de estos artistas, en aras de la exhaustividad, la lista de los mejores retratistas y pintores históricos del período que se examina debería llamarse Jan Lievens (1607-30), el compañero de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622- 72) y Peter Nason (1612-91), quien trabajó, aparentemente bajo la influencia de V. D. Gelst, imitador de Hals Johannes Verspronk (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelt-Stokade (1614-69). La pintura para el hogar, cuyos primeros experimentos aparecieron en la vieja escuela holandesa, se encontró en el siglo XVII. suelo especialmente agradecido en la Holanda protestante, libre, burguesa, autosatisfecha.
Los cuadros pequeños, que representaban ingeniosamente las costumbres y la vida de las diferentes clases de la sociedad local, parecían a suficientes personas más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más útiles para decorar acogedoras viviendas privadas. Toda una horda de artistas satisface el requisito de tales imágenes, sin dudar durante mucho tiempo en la elección de los temas para ellos, pero reproduciendo fielmente todo lo que no ocurre en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por los propios, luego buenos- humor natural, caracterizando con precisión las posiciones y rostros representados y volviéndose más sofisticado en el arte de la técnica. Mientras unos se ocupan de la vida en común, escenas de alegría y dolor campesino, copas en tabernas y tabernas, tertulias frente a hoteles de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre hielo sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se contentan con para sus obras desde un círculo más elegante: pintan damas elegantes en su atmósfera íntima, cortejándolas por caballeros elegantes, amas de casa dando órdenes a los sirvientes, ejercicios de salón de música y canto, jolgorio de la juventud dorada en casas de placer, etc. Fila de artistas de la primera categoría sobresalen Adrian e Isak V. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Browver (1605 o 1606-38), Jan Stan (alrededor de 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richard Brackenburg (1650-1702), P. Lar, apodado en Italia Bamboccio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704) Egbert van der Pul (1621-64), Cornelis Drochslot (1586-1666), Egbert V. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaer (antes 1630-76), Jan Miense-Molenaer (circa 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dow (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Kaspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Mayor (1635-81), Eglon van der Neer (1643-1703), Gottfried Schalken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercolier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( † 1668). Jacob Ohtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedesy (1601-73, 1607-38), etc. Los pintores de género incluyen artistas que pintaron escenas de la vida militar, la ociosidad de los soldados en centinelas, campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros afines a parcelas de batalla. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Phillips Wouverman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto encontraremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) y otros Para muchos de estos artistas, el paisaje juega el mismo papel importante que las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, muchos pintores están trabajando, por lo que es su tarea principal o exclusiva.
En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria no sea solo la patria del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. Ej. En Italia y Francia, el arte se interesó poco por la naturaleza inanimada, no encontró en ella ni una vida peculiar ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus pinturas solo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o la comedia se representa y, por tanto, la subordina a las escenas condicionantes, inventando trazos pictóricos y manchas que le benefician, pero sin copiar la naturaleza, sin imbuirse de la impresión que ésta le inspira.
De la misma manera "compuso" la naturaleza y en los raros casos en los que trató de pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y avivar el movimiento del corazón. Y esto fue bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la apreciaron y admiraron, como un padre valora y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, presentó a coloristas como los holandeses con abundante material para el desarrollo de motivos de iluminación y una perspectiva aireada gracias a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapores, suavizando los contornos. de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y la bruma de niebla plateada o dorada que cubre la distancia, así como la variabilidad del aspecto del terreno, determinada por la estación, la hora del día y el estado del tiempo. .
Entre los paisajistas del período floreciente, Goll. Las escuelas, que fueron intérpretes por su naturaleza nativa, son especialmente respetadas: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Ezaias van de Velde (c. 1590-1630) y Peter Molyne el Viejo. (1595-1661), es considerado el fundador de Goll. paisaje; luego un discípulo de este maestro, Salomon c. Ruisdahl († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Weinants (c. 1600 - más tarde 1679), fanático de los mejores efectos de iluminación de Art. D. Nair (1603-77), poético Jacob c. Ruisdal (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Decker († 1678).
Entre los holandeses también hubo bastantes paisajistas que se embarcaron en viajes y reprodujeron motivos de naturaleza ajena, lo que, sin embargo, no les impidió conservar un carácter nacional en su pintura. Albert V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Bot (1610-52), Dirk V. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Jan V. e. Alcalde el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffier (1656-1720) - Rin; Jan Gackart (¿1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes basados en motivos de la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial, podemos destacar a los maestros que, en sus pinturas, combinaron el paisaje con la imagen de animales, dando ventaja a la primera o la segunda, o tratando ambas partes con igual atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); además de él, el de Adrian debe estar contado aquí. D. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferentemente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptist Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wijk (1616? -77) Frederic de Musheron (1633 o 1634) -86), etc. El paisaje está estrechamente relacionado con la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a tratar como una rama independiente del arte solo a mediados del siglo XVII.
Algunos de los que han trabajado desde entonces en esta zona se han afinado en la imagen de calles y plazas de la ciudad con sus edificios; tales son, por cierto, menos importantes, Johannes Bärestraten (1622-66), Iob y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), ene c. D. Heiden (1647-1712) y Jacob V. d. Yulft (1627-88). Otros, entre los que destacan Peter Sunredan († 1666), Dirk c. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), pintó vistas interiores de iglesias y palacios. El mar era tan importante en la vida de Holanda que su arte no podía tratarlo de otra manera que con la mayor atención. Muchos de sus pintores, dedicados al paisaje, al género e incluso al retrato, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se hicieron pintores de paisajes marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores de la escuela holandesa que representaron un mar en calma o tormentoso, barcos balanceándose sobre él, abarrotados de barcos portuarios, batallas navales, etc., entonces habría una lista muy larga, que incluiría los nombres de I. v. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdale, A. Cape y otros ya mencionados en las líneas anteriores. Limitándonos a señalar aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem c. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V.V. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Bakgeisen (1631-1708), Jan v. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634).
Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que se formó y desarrolló en ella una especie de pintura, que en otras escuelas no se había cultivado hasta entonces como una industria especial e independiente, a saber, pintar flores, frutas, verduras, animales. , utensilios de cocina, vajillas, etc., en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (nature morte, Stilleben). En esta zona, entre la Galia. los artistas más famosos de la era floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecouter (1636-95), Maria Osterwijk (1630 -93), Willem V. Ahlst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Vanix (1640-1719).
El brillante período de la pintura holandesa no duró mucho, solo un siglo. Con principios del siglo XVIII. su declive se produce, no porque la costa del Zuiderzee deje de producir talentos innatos, sino porque en la Galia. La sociedad está debilitando cada vez más la identidad nacional, el espíritu nacional se evapora y se establecen los gustos y visiones francesas de la pomposa época de Luis XIV. En el arte, este giro cultural se expresa por el olvido por parte de los artistas de aquellos principios básicos de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores, y por la apelación a principios estéticos traídos de un país vecino.
En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo doméstico y la sinceridad, el dominio de las teorías preconcebidas, la convención, la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal divulgador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Amsterdam, artista muy capaz y educado en su época, que tuvo una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -Las pinturas históricas y las obras de su pluma, entre las cuales, El gran libro del pintor ('t groot schilderboec), sirvió como códice para jóvenes artistas durante cincuenta años. El famoso Adrian v. También contribuyó al declive de la escuela. de Werff (1659-1722), cuya pintura lustrosa con frío, como tallada en figuras de marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista se encontraban famosos como pintores históricos de Henryk. Limborg (1680-1758) y Philip W. Dyck (1669-1729), apodado "Little W. Dyck".
De los otros pintores de la época en consideración, dotados de un indudable talento, pero contagiados del espíritu de la época, cabe destacar a Willem y Frans. Mirisov el Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercolier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isac de Musheron (1670-1744) y Carel de Mora (1656-1738). Cornelis Trost (1697-1750), un caricaturista predominantemente apodado el holandés, le dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quinkgard (1688-1772), el pintor histórico-decorativo Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de la naturaleza muerta Jan V. Geyzum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).
La influencia extranjera gravitó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo logrado reflejar en ella más o menos aquellas modificaciones que fueron aceptadas por el arte en Francia, comenzando por la parikovka de la época del Rey Sol y terminando con la pseudo- clasicismo de David. Cuando el estilo de este último sobrevivió a su tiempo y en todo el occidente de Europa, en lugar de dejarse llevar por los antiguos griegos y romanos, se despertó una aspiración romántica, que se apoderó tanto de la poesía como de las artes figurativas, los holandeses, como otros.
m pueblos, volvieron la mirada hacia su antigüedad y, por tanto, hacia el glorioso pasado de su pintura.
El deseo de devolverle el esplendor que brilló en el siglo XVII, comenzó a animar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a la observación estricta de la naturaleza y una actitud ingenua y sincera hacia las tareas por delante. . Al mismo tiempo, no intentaron alejarse por completo de la influencia extranjera, pero, al ir a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos en Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna.
Gracias a todo esto, la escuela holandesa revivida ha vuelto a recibir una fisonomía original y atractiva y está avanzando hoy por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede oponer con seguridad muchas de sus figuras más recientes a los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el sentido más cercano de la palabra se cultiva en ella, como en los viejos tiempos, de manera muy moderada y sin representantes destacados; Por otro lado, en términos del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros importantes más nuevos, como: Jacob Eckgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Kate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836) que desertó a Inglaterra. El género cotidiano, que también se incluyó en la gama de actividades de estos artistas (con la excepción de Alma-Tadema), se puede señalar a una serie de excelentes pintores, encabezados por Joseph Israel (n. 1824) y Christoffel Bisshop (b. .1828); además de ellos, Michil Versaig (1756-1843), Elchanon Verver (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857) son dignos de ser nombrados.
La última pintura holandesa es especialmente rica en paisajistas que trabajaron y trabajaron de diversas formas, a veces con meticulosa finalidad, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero con fieles y poéticos intérpretes de su naturaleza nativa. Estos incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Kukkuk (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Gendrich V. de Sande-Bockgeisen (n. 1826), Anton Mauve (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. otros herederos directos del siglo Ya. D. Heyden y E. de Witte fueron pintores de perspectivas Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomeus V. Gove (1790-1888), Salomon Vervaire (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosboom (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) y otros. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, la palma pertenece a Johannes. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Herman Kukkuk (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, Wouters Verschur (1812-74) y Johann Gus (n. 1832) mostraron un gran arte en la pintura de animales.
casarse Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (volúmenes segundo y tercero, 1882-1883); Waagen, Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Harvard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, “Les maîtres d'autrefois. Belgique, Hollande "(1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semyonov, "Estudios sobre la historia de la pintura holandesa basados en sus muestras ubicadas en San Petersburgo". (suplemento especial de la revista Vestnik Fine Arts, 1885-90).
Mientras tanto, es un área especial de la cultura europea digna de un estudio más detallado, que refleja la vida original de la gente de Holanda en ese momento.
Historia de aparición
Destacados representantes del arte comenzaron a aparecer en el país en el siglo XVII. Los científicos culturales franceses les dieron un nombre común: "Pequeños holandeses", que no está relacionado con la escala de talentos y denota un apego a ciertos temas de la vida cotidiana, opuesto al estilo "grande" con grandes lienzos sobre temas históricos o mitológicos. La historia de la aparición de la pintura holandesa se describió en detalle en el siglo XIX, y los autores de obras sobre ella también utilizaron este término. Los Pequeños Holandeses se destacaron por su realismo secular, atrajeron al mundo que los rodeaba y a la gente, y usaron pinturas ricas en tonos.
Las principales etapas de desarrollo.
La historia del surgimiento de la pintura holandesa se puede dividir en varios períodos. El primero duró aproximadamente entre 1620 y 1630, cuando se produjo el establecimiento del realismo en el arte nacional. La pintura holandesa experimentó el segundo período en los años 1640-1660. Este es el momento en que la escuela de arte local realmente floreció. Finalmente, el tercer período, el momento en que la pintura holandesa comenzó a declinar, desde 1670 hasta principios del siglo XVIII.
Vale la pena señalar que los centros culturales han cambiado durante este tiempo. En el primer período, los principales artistas trabajaron en Haarlem, con Khalsa como principal representante. Luego, el centro se trasladó a Ámsterdam, donde Rembrandt y Vermeer interpretaron las obras más significativas.
Escenas de la vida cotidiana
Al enumerar los géneros más importantes de la pintura holandesa, es imperativo comenzar con la vida cotidiana, la más llamativa y distintiva de la historia. Fueron los flamencos quienes abrieron el mundo a escenas de la vida cotidiana de la gente corriente, los campesinos y los habitantes de la ciudad o los burgueses. Los pioneros fueron Ostade y sus seguidores Oudenrogge, Bega y Dusart. En los primeros lienzos de Ostad, la gente juega a las cartas, se pelea e incluso pelea en una taberna. Cada imagen se distingue por un carácter dinámico y algo brutal. La pintura holandesa de esa época también habla de escenas pacíficas: en algunas obras, los campesinos conversan con una pipa y un vaso de cerveza, pasan tiempo en una feria o con sus familias. La influencia de Rembrandt llevó al uso generalizado del suave color dorado claroscuro. Las escenas urbanas han inspirado a artistas como Hals, Leyster, Molenaire y Codde. A mediados del siglo XVII, los maestros retrataron a médicos, científicos en proceso de trabajo, sus propios talleres, quehaceres de la casa, o se suponía que cada trama era entretenida, a veces didáctica hasta lo grotesca. Algunos maestros se inclinaban por poetizar la vida cotidiana, por ejemplo, Terborch representó escenas de tocar música o coquetear. Metsu usó colores brillantes, convirtiendo la vida cotidiana en una fiesta, mientras que de Hooch se inspiró en la simplicidad de la vida familiar, inundada de luz difusa. Representantes posteriores del género, que incluyen pintores holandeses como Van der Werf y Van der Neer, a menudo crearon temas algo pretenciosos en su búsqueda de una representación elegante.
Naturaleza y paisajes
Además, la pintura holandesa está ampliamente representada en el género del paisaje. Apareció por primera vez en las obras de maestros de Haarlem como van Goyen, de Molane y van Ruisdael. Fueron ellos quienes comenzaron a representar los rincones rurales con cierta luz plateada. La unidad material de la naturaleza pasó a primer plano en las obras. Por separado, vale la pena mencionar los paisajes marinos. Pintores marinos fueron del siglo XVII como Porcellis, de Vlieger y van de Capelle. No se esforzaron tanto en transmitir ciertas escenas marinas como trataron de representar el agua misma, el juego de luces en ella y en el cielo.
Hacia la segunda mitad del siglo XVII, surgieron en el género obras más emocionales con ideas filosóficas. La belleza del paisaje holandés fue completamente revelada por Jan van Ruisdael, quien lo retrató en todo su drama, dinámica y monumentalidad. El sucesor de sus tradiciones fue Hobbem, que prefería los paisajes soleados. Konink representó panoramas, mientras que van der Neer se dedicó a la creación de paisajes nocturnos y la transmisión de la luz de la luna, el amanecer y el atardecer. Varios artistas también se caracterizan por la representación de animales en paisajes, por ejemplo, vacas y caballos pastando, así como la caza y escenas con jinetes. Más tarde, los artistas comenzaron a interesarse mucho por la naturaleza extranjera: Bot, van Lar, Veniks, Berchem y Hackert representaron a Italia bañándose en los rayos del sol del sur. El género fue pionero en Sunredam, cuyos mejores seguidores son los hermanos Berkheide y Jan van der Heyden.
Imagen de interiores
Un género separado que distinguió a la pintura holandesa durante su apogeo son las escenas con iglesias, palacios y salas de casas. Los interiores aparecieron en los lienzos de la segunda mitad del siglo XVII de los maestros de Delft: Hauckgest, van der Vliet y de Witte, quienes se convirtieron en el principal representante de la tendencia. Utilizando las técnicas de Vermeer, los artistas representaron escenas bañadas por la luz del sol, llenas de emoción y volumen.
Platos y comida escénica
Finalmente, otro género característico de la pintura holandesa es la naturaleza muerta, en particular la imagen del desayuno. Por primera vez, los residentes de Harlem Klas y Kheda se encargaron de ello, pintando mesas puestas con lujosos platos. El pintoresco desorden y la representación especial del acogedor interior están llenos de la luz gris plateada típica de los platos de plata y peltre. Los artistas de Utrecht pintaron exuberantes bodegones florales, y en La Haya, los maestros tuvieron especial éxito en la representación de peces y reptiles marinos. En Leiden, surgió una corriente filosófica del género, en la que calaveras y un reloj de arena se encuentran junto a los símbolos del placer sensual o la gloria terrenal, diseñados para recordar la fugacidad del tiempo. Los bodegones de cocina democrática se han convertido en un sello distintivo de la escuela de arte de Rotterdam.
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ING Group es una de las mayores empresas financieras internacionales de origen holandés. La colección de arte de ING ahora cuenta con más de 15 mil obras de varias escuelas y tendencias nacionales. En la exposición del Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, ING Group muestra la parte más significativa de su colección: pinturas relacionadas con la dirección artística del realismo mágico.
En la década de 1920, Europa se llevó a cabo bajo el lema "vuelta al orden", comenzó el resurgimiento de la corriente clásica en el arte. En el arte europeo, la fascinación por el abstraccionismo de la década anterior se debilita y las tendencias realistas están resurgiendo. Esto se debió en parte a la dolorosa experiencia de la Primera Guerra Mundial: el lenguaje del arte abstracto es bastante limitado y los artistas se vieron obligados a buscar un nuevo estilo para expresar la crueldad de la masacre pasada. Esto llevó al nacimiento de una nueva forma de realismo, que abandonó la representación de la vida cotidiana, como era en el arte del siglo XIX, y se centró en otras técnicas. En toda Europa, comenzaron a aparecer tendencias similares en el arte: "nueva materialidad" en Alemania, "arte metafísico" en Italia, "surrealismo" en Francia y, en la década de 1930, "realismo mágico" en los Países Bajos.
El término "realismo mágico" se introdujo por primera vez en Alemania y luego fue utilizado en Holanda por algunos escritores. Su característica distintiva es que los objetos del mundo real se representan con precisión fotográfica (realismo), sin embargo, dado que se colocan en un contexto irreal, una invención de la imaginación del artista, nace el efecto del desapego (magia), la destrucción de la percepción estándar del mundo circundante. Para lograr este efecto, los realistas mágicos recurrieron a la refinada técnica de pintura del siglo XVII. Al mismo tiempo, detrás de la fachada de una manera de pintar enfáticamente realista, se esconde una mirada perspicaz y profundamente personal, y la escrupulosa precisión con la que se realizan las pinturas da lugar a un sentimiento de alienación.
Los artistas comienzan a interesarse por la propia tradición pictórica. Uno de los primeros seguidores de esta tendencia es un holandés. Karel Willink, el único artista que tiene el honor de entrar no solo en la colección ING, sino también en la gran historia del arte del siglo 20. Como veía los estilos contemporáneos como transitorios, Willink decide poner fin a sus experimentos y pasar a la pintura realista tradicional.
Karel Willink. Chica con un vestido renacentista. 1946
La mirada de los que entran en la exposición se posa inmediatamente en "Chica con traje renacentista" de Karel Willink. Una niña rubense con un pesado vestido de brocado con un cordero de juguete con una correa, representada sobre el fondo de un parque normal, que se extiende desde una perspectiva de pátina hasta el mismo horizonte, parece ser la heroína de cierta pesadilla. O una luz eléctrica helada, como la de "Melancholy" de Lars von Trier, da tal efecto, o se dispara un contraste entre un rostro completamente no infantil y nada inocente de la modelo y una decoración idílica en el espíritu de los viejos maestros. , donde se inserta este rostro, como en un cuadro-enganche de un estudio fotográfico provincial. "Girl" fue escrita en 1945 - durante la ocupación Karel Willink, aunque fue reconocido como un artista completamente ario, se negó a vender sus pinturas a los alemanes y se ganaba la vida con los retratos. Sin embargo, esta imagen, con todo su carácter personalizado, se ve como un reflejo de la vieja Europa, que ha muerto y que ahora debe estar poblada por tribus jóvenes y desconocidas.
El resto de los artistas mostrados en la exposición son mucho menos famosos y parecen querer entrar en una discusión con Willink, demostrándole con su realismo maníaco que los valores del viejo mundo tienen derecho a la vida. Al mismo tiempo, la colección ING no parece una manifestación de conservadurismo.
El término "realismo mágico", velado en el título de la exposición, fue acuñado por un crítico y crítico de arte alemán. Franz Roch en 1925 para artistas de "nueva materialidad", pero rápidamente migró al campo de la literatura y prácticamente perdió todo sentido claro en el campo de las artes visuales. Lo que vemos en la exposición es la más amplia variedad de "ismos". Del hiperrealismo - como en "Box" Frans Clement, de la que se caerán las herramientas de construcción, al academicismo banal, como en las producciones de naturalezas muertas Peter Sebens y Bernard Verkijk... También hay fans de Andrew Wyeth como Johan Abeling con "Home", que muy bien podría ser "Christina's Home". Y conceptualistas como el autor de 7.000 autorretratos Philip Ackerman, un gran discípulo Jan Dibbets... Y los fanáticos de los juegos posmodernos como Barenda Blankert citando a viejos italianos mezclados con Georges Seurat. Y la "nueva materialidad" a la que se pueden atribuir los compañeros de Karel Willink: Wim Schumacher con retratos y paisajes plateados y Dick Ket con bodegones en collage que devuelven la persuasión ilusionista al mundo cubista de los objetos. Sin embargo, Dick ket, en "Naturaleza muerta para el día de San Nicolás" encriptando su nombre, ya que el títere títere en frisón occidental se llama "ket" en la mesa festiva, juega juegos surrealistas. Como Karel Willink, el manierismo del norte está cerca de Max Ernst y Salvador Dali, y el cartesiano, de René Magritte.
La colección ING probablemente tiene un programa patriótico: después de todo, el realismo se considera el gran logro de la edad de oro holandesa. Muchos artistas apelan a la Edad de Oro aquí, y bajo "Naturaleza muerta con frutas sobre un fondo de paisaje" de un estilista brillante. Raúl Hinkes Me gustaría corregir la fecha escribiendo "1635" en lugar de "1935". Pero no se puede decir que los motivos que motivaron la colección de esta colección corporativa se agoten por el deseo de apoyar la marca de arte nacional. La exposición ocupa solo tres salas, y las pinturas se distribuyen sin pretensiones entre ellas de acuerdo con el principio de género: retrato, paisaje, naturaleza muerta. Sin embargo, con todo el realismo fotográfico de las obras, no se siente la diferencia entre géneros: sostenida principalmente en tonos gris plateado apagados, iluminados principalmente por una luz uniforme mate, caracterizada por una claridad antinatural de líneas, todas ellas en un principio. evoca la idea de un paisaje típico holandés, y luego comienza a parecer una naturaleza muerta. Un elenco virtuoso e impasible de la realidad de la que ha partido la vida. No es una imagen holística del mundo real, sino un conjunto de signos índice que se refieren al mundo real como la escena del crimen, como una grieta en uno y un arco en el otro apoyabrazos de la "Silla". Barenda Blankert... Que fue descrito en parte por el poeta Joseph Brodsky en un poema inspirado en la pintura de Karl Willink: "Esto es lo que se llama" maestría ":
Capacidad para no tener miedo al procedimiento.
Inexistencia - como formas propias
Ausencias, descartándola de la naturaleza.
Después de Willink, representantes del realismo mágico como Peike Koch, Raul Hinkuis, Dick Ket, Wim Schumacher se hicieron más populares.
Peike Koh. Cosecha. 1953
“El realismo mágico describe fenómenos que son posibles y, sin embargo, inverosímiles; el surrealismo, en cambio, demuestra situaciones que son imposibles, no existen o no pueden existir ”, dijo. Peike Koh, explicando la diferencia entre realismo mágico y surrealismo, dos movimientos en el arte que a menudo se confunden entre sí. El surrealismo es principalmente un mundo de fantasía y sueños, mientras que el realismo mágico es la vida cotidiana en un nuevo contexto.
Una característica común de todos los realistas mágicos es la atmósfera que crean sus lienzos. La ansiedad que generan estos cuadros se debe en parte a su extremo realismo, que acorta la distancia entre el espectador y la obra. Al mismo tiempo, aquí no hay una narrativa estricta ni una narrativa completa. El artista solo ofrece un conjunto de lecturas posibles, pero nunca da una respuesta completa. El espectador tiene derecho a sacar sus propias conclusiones.
La estética del realismo mágico, esta combinación de realidad y magia, por supuesto, necesitaba ciertas técnicas estilísticas. Las obras de los realistas mágicos se distinguen por una cierta frialdad y una mirada aparentemente distante, sobre la superficie de la mirada del artista sobre el tema de la imagen, que se manifestó especialmente en la pintura de retratos y naturalezas muertas (Dick Ket, Wim Schumacher).
Wim Schumacher. Retrato de Adin Mees. 1933;
Wim Schumacher "Melita de blanco" 1928
Wim Schumacher "Prats de Mollo" 1929
Dick Keth. San Nicolás, naturaleza muerta. 1931
Dick Ket (1902-1940). Naturaleza muerta con violín y recortes de periódico con autorretratos de W. Schumacher y R. Hynckes. Hacia 1936
Raoul Hynckes (1893-1973) Bodegón con frutas y paisaje.1935.
Ger Langeweg (1891-1970). Peras en un paisaje. Hacia 1937 / Ger Langeweg. Peras en un paisaje.
Para los representantes modernos del realismo mágico de Holanda, la conexión con fenómenos en el arte del siglo XX como el arte pop, el neoexpresionismo y el fotorrealismo es característica y no es casualidad. Los métodos de construcción demostrativa del mundo imaginativo, el deseo de vencer la naturaleza utilitaria y estereotipada del espacio circundante, la retirada al mundo de lo imaginario, el uso de alusiones ocultas, el juego libre con imágenes y significados hacen que el trabajo de la "magia moderna" "artistas relacionados con el surrealismo. Dicho esto, el extremo grado de figuratismo y la atención al detalle es sin duda una apelación a la tradición realista de los antiguos maestros holandeses.
El objetivo de la exposición "La magia del realismo holandés" es mostrar uno de los fenómenos más brillantes del arte de los Países Bajos del siglo XX, como un diálogo entre pintores de varias generaciones, entre realistas mágicos de la primera mitad del siglo XX. siglo, incluidos Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch y sus seguidores modernos: Philip Ackermann, Frans Stuurmann, Koos van Koylen y otros, un diálogo que recuerda la cultura tradicional de los Países Bajos. La exposición presenta cerca de cuarenta obras de artistas holandeses de los siglos XX y XXI, que demuestran habilidad técnica, una combinación de tradición e innovación.
Jan van Tongeren (1897-1991). Bodegón con jarra blanca. 1967 / Jan van Tongeren. Bodegón con jarra blanca.
Franc Clement (n. 1941). Box. 1985 / Frans Clement. Box.
Frans Stuurmann "Delfshafen" 1979
Frans Stuurman (g. 1952) El Golfo. 1994 / Frans Stuurman. Seagull
Jan Worst "El aventurero" 1993
Kik Sailer "Frente al espejo" 1993
Kik Sailer "Noche" 1992
Pete Sebens "La mesa de Hilda" 1995
Henk Helmantel (nacido en 1945). Bodegón con frutos de granada. 1998. Madera, aceite
Barend Blankert (g. 1941) El ejercicio. 1991 / Barend Blankert. El ejercicio
Barend Blankert "Dos niños en la naturaleza" 1988-1990
Philip Ackerman. Auto retrato. 2001
Philip Akkerman (n. 1957) 4 autorretratos No. 132, No. 51, No. 80, No. 20 / Philip Ackerman.4 autorretratos
La luz en las pinturas de los realistas mágicos a menudo parece artificial, innecesariamente áspera e intermitente. Los artistas utilizaron esta técnica para maximizar los métodos de uso de la perspectiva desarrollados por los cubistas.
Además, en los lienzos de los realistas mágicos, apenas se pueden encontrar matices o combinaciones de colores suaves: el primer plano y el fondo a menudo se representan con el mismo grado de detalle. Entre los seguidores modernos del realismo mágico, esta técnica es utilizada por Koos van Koylen.
Koos van Koylen. Olga. 2007
Koos van Koylen "Itier y Pisanello" 2003
Matthijs Roling (n. 1943) Jardín 2005 / Matthijs Röling Garden
Bernard Verkaaik (n. 1946). Olla, cebollas y paño negro.2004 / Bernard Ferkaaik. Olla, bombillas y tela negra
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Kenne Gregoire (nacido en 1951). Descanso. 2003. Lienzo sobre madera, acrílico.
Harri van der Wood "Autorretrato con un cuenco naranja" 2007
En la década de 1960, apareció un nuevo realismo en Francia, y en los Estados Unidos y Gran Bretaña, el arte pop: la demanda de realismo mágico como dirección cayó drásticamente. En este momento, el neoexpresionismo comenzó a surgir en Europa. Artistas belgas y holandeses, entre otros, participan activamente en este proceso. Alphonse Freimuth y Roger Roveel... Comienzan a crear pinturas en el "estilo natural", volviendo de vez en cuando a las tradiciones de sus predecesores, quienes descubrieron la dirección del "realismo mágico". Ahora para los maestros temas como el amor, la armonía, la muerte, los sentimientos son más característicos, mientras que el nuevo realismo neurótico suele referirse a los problemas que son tabú en la sociedad. Los artistas de todas estas direcciones creen firmemente en la necesidad de expresar tanto sus posiciones personales, pensamientos y valores humanos universales, que une estos períodos en el arte.
La exposición en su conjunto muestra claramente no solo la continuidad de los artistas holandeses contemporáneos de sus predecesores inmediatos, sino también un diálogo constante con la cultura tradicional y la conexión con la edad de oro de la pintura holandesa. Encontrar estas intersecciones y referencias mutuas se convierte en una búsqueda emocionante para el espectador. Sin embargo, la magia también funciona con la contemplación pasiva. Sin embargo, el realismo mágico es un oxímoron, y las paradojas y contradicciones siempre atraen.
PD Desafortunadamente, no pude visitar la exposición, el material al respecto fue recopilado por mí en Internet:
Enlaces:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html
Holanda. siglo 17. El país está viviendo un auge sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A finales del siglo XVI, varias provincias del país lograron la independencia de España.
Ahora los Países Bajos Prostane siguieron su propio camino. Y la Flandes católica (actual Bélgica), bajo el ala de España, es suya.
En la Holanda independiente, casi nadie necesitaba pintura religiosa. La Iglesia protestante no aprobó el lujo de la decoración. Pero esta circunstancia "le hizo el juego" a la pintura secular.
Literalmente, todos los habitantes del nuevo país se despertaron para amar esta forma de arte. Los holandeses querían ver su propia vida en las pinturas. Y los artistas fueron de buen grado a su encuentro.
Nunca antes habían retratado tanto la realidad circundante. Gente corriente, habitaciones corrientes y el desayuno de los habitantes de la ciudad más corriente.
Floreció el realismo. Hasta el siglo XX, será un digno competidor del academismo con sus ninfas y diosas griegas.
Estos artistas se llaman holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las pinturas eran de pequeño tamaño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Entonces, casi todas las pinturas de Jan Vermeer no tienen más de medio metro de altura.
Pero me gusta más la otra versión. En los Países Bajos, en el siglo XVII, vivió y trabajó un gran maestro, un "gran" holandés. Y todos los demás eran "pequeños" en comparación con él.
Hablamos, por supuesto, de Rembrandt. Empecemos por él.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autorretrato a los 63 años. 1669 Galería Nacional de Londres
Rembrandt ha experimentado una amplia gama de emociones durante su vida. Por eso hay tanta diversión y bravuconería en sus primeros trabajos. Y hay tantos sentimientos difíciles en los posteriores.
Aquí es joven y despreocupado en el cuadro El hijo pródigo en una taberna. La amada esposa de Saskia está de rodillas. Es un artista popular. Las órdenes fluyen como un río.
Rembrandt. El hijo pródigo en la taberna. 1635 Galería de los Viejos Maestros, Dresde
Pero todo esto desaparecerá en unos 10 años. Saskia morirá de tisis. La popularidad se disolverá como el humo. Se quitará una casa grande con una colección única por deudas.
Pero aparecerá el mismo Rembrandt, que permanecerá durante siglos. Sentimientos desnudos de héroes. Sus pensamientos más íntimos.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Frans Hals es uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Por lo tanto, también lo ubicaría entre los "grandes" holandeses.
En Holanda en ese momento era costumbre encargar retratos de grupo. Así aparecieron muchas obras similares, que representan a personas trabajando juntas: tiradores del mismo gremio, médicos de la misma ciudad, administrando un hogar de ancianos.
En este género, Hals se destaca más. Después de todo, la mayoría de estos retratos parecían una baraja de cartas. Personas con la misma expresión facial están sentadas a la mesa y solo miran. Con Hals fue diferente.
Mire su retrato grupal de St. Jorge ".
Frans Hals. Flechas del gremio de st. Jorge. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Países Bajos
Aquí no encontrarás ni una sola repetición en postura o expresión facial. Al mismo tiempo, aquí tampoco hay caos. Hay muchos personajes, pero ninguno parece superfluo. Gracias a la ubicación asombrosamente correcta de las figuras.
Y en un solo retrato, Hals fue superior a muchos artistas. Sus patrones son naturales. La gente de la alta sociedad en sus pinturas carece de grandeza artificial, y los modelos de las clases bajas no parecen humillados.
Y también sus personajes son muy emocionales: sonríen, ríen, gesticulan. Como, por ejemplo, este es "Gypsy" con una mirada astuta.
Frans Hals. Gitano. 1625-1630
Hals, como Rembrandt, terminó su vida en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo iba en contra de los gustos de los clientes. Quien quiso embellecer su apariencia. Khals no fue directamente a la adulación y, por lo tanto, firmó su propio veredicto: "Olvido".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Auto retrato. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, La Haya, Países Bajos
Terborch fue un maestro del género de género. Los ricos y los no tan burgueses hablan tranquilamente, las damas leen las cartas y el chulo observa el cortejo. Dos o tres figuras muy poco espaciadas.
Fue este maestro quien desarrolló los cánones del género cotidiano. Que luego serán prestados por Jan Vermeer, Peter de Hooch y muchos otros holandeses "pequeños".
Gerard Terborch. Un vaso de limonada. 1660. Ermita del Estado, San Petersburgo
Un vaso de limonada es una de las obras famosas de Terborch. Muestra otra dignidad del artista. Una imagen increíblemente realista de la tela del vestido.
Terborch también tiene obras inusuales. Lo que habla de su deseo de ir más allá de los requisitos de los clientes.
Su Grinder muestra la vida de las personas más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver patios acogedores y habitaciones limpias en las pinturas de holandeses "pequeños". Pero Terborch se atrevió a mostrar la desagradable Holanda.
Gerard Terborch. Amoladora. 1653-1655 Museos estatales en Berlín
Como puede imaginar, tales obras no tenían demanda. Y son una ocurrencia rara incluso con Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Taller de artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viena
No se sabe con certeza cómo era Jan Vermeer. Es obvio que en la pintura "El taller del artista" se representó a sí mismo. Verdad desde atrás.
Por lo tanto, es sorprendente que recientemente se haya conocido un hecho nuevo de la vida del maestro. Está asociado con su obra maestra "Delft Street".
Jan Vermeer. Calle de Delft. 1657 Rijksmuseum de Amsterdam
Resultó que la infancia de Vermeer transcurrió en esta calle. La casa representada pertenecía a su tía. Ella crió a sus cinco hijos en él. Quizás ella esté sentada en el umbral de la puerta cosiendo y sus dos hijos estén jugando en la acera. El propio Vermeer vivía en la casa de enfrente.
Pero más a menudo representó el interior de estas casas y sus habitantes. Parecería que las tramas de las pinturas son muy sencillas. Aquí hay una bella dama, una rica habitante de la ciudad, comprobando el trabajo de su balanza.
Jan Vermeer. Mujer con pesas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington
¿Cómo se destacó Vermeer entre miles de otros holandeses "pequeños"?
Fue el maestro consumado de la luz. En el cuadro "Mujer con escamas", la luz envuelve suavemente el rostro, las telas y las paredes de la heroína. Dándole al cuadro una espiritualidad desconocida.
Y también se verifican cuidadosamente las composiciones de las pinturas de Vermeer. No encontrarás ni un solo detalle superfluo. Basta con quitar uno de ellos, la imagen "se desmorona" y la magia desaparecerá.
Todo esto no fue fácil para Vermeer. Una calidad tan asombrosa requería un trabajo minucioso. Solo 2-3 pinturas al año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer también trabajó como marchante de arte, vendiendo obras de otros artistas.
5. Peter de Hooch (1629-1884)
Peter de Hooch. Auto retrato. 1648-1649 Rijksmuseum, Ámsterdam
Hoha a menudo se compara con Vermeer. Trabajaron al mismo tiempo, incluso hubo un período en la misma ciudad. Y en un género: todos los días. En Hoch, también vemos una o dos figuras en acogedores patios o habitaciones holandesas.
Las puertas y ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea de múltiples capas y entretenido. Y las figuras están inscritas en este espacio de manera muy armoniosa. Como, por ejemplo, en su cuadro "Una criada con una niña en el patio".
Peter de Hooch. Una sirvienta con una chica en el patio. 1658 Galería Nacional de Londres
Hasta el siglo XX, Hoh era muy apreciado. Pero las pocas obras de su competidor Vermeer, pocas personas se dieron cuenta.
Pero en el siglo XX, todo cambió. La gloria de Hoh se desvaneció. Sin embargo, es difícil no reconocer sus logros en la pintura. Pocas personas podrían combinar el medio ambiente y las personas de manera tan competente.
Peter de Hooch. Los jugadores de cartas en la habitación soleada. 1658 Royal Art Collection, Londres
Tenga en cuenta que en una casa modesta en el lienzo "Los jugadores de cartas" hay una imagen en un marco caro.
Esto muestra una vez más lo popular que era la pintura entre los holandeses comunes y corrientes. Los cuadros adornaban cada casa: la casa de un burgués rico, y un habitante modesto de la ciudad, e incluso un campesino.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Steen. Autorretrato con laúd. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Jan Steen es quizás el "pequeño" holandés más divertido. Pero amando la moralidad. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que prevalecía el vicio.
Sus personajes principales son juerguistas y damas de fácil virtud. Quería entretener al espectador, pero advertirle latentemente contra una vida viciosa.
Jan Steen. Un desastre. 1663 Kunsthistorisches Museum, Viena
Sten también tiene trabajos más silenciosos. Como, por ejemplo, "Baño matutino". Pero aquí también el artista sorprende al espectador con detalles demasiado francos. Hay rastros de elástico en las medias, y no un orinal vacío. Y de alguna manera el perro está acostado directamente sobre la almohada.
Jan Steen. Baño de la mañana. 1661-1665 Rijksmuseum, Ámsterdam
Pero a pesar de toda la frivolidad, los esquemas de color de Sten son muy profesionales. En esto sobresalió a muchos "pequeños holandeses". Vea cómo una media roja va bien con una chaqueta azul y una alfombra beige brillante.
7. Jacobs van Ruisdael (1629-1882)
Retrato de Ruisdael. Litografía de un libro del siglo XIX.
Royal Gallery Mauritshuis (en holandés Mauritshuis, literalmente casa de Moritz) es una galería de arte en La Haya, Países Bajos.
Un pequeño palacio cerca de Binnenhof fue construido en 1636-41. gobernador del Brasil holandés, Moritz de Nassau-Siegen, diseñado por los arquitectos Jacob van Kampen y Peter Post. En 1704, el palacio se incendió y posteriormente fue reconstruido, pero sin cúpula.
En 1820, el Reino de los Países Bajos compró la casa Moritz para albergar la colección real de arte y antigüedades. El museo abrió sus puertas dos años después. Desde 1875 ha sido una galería de arte con una pequeña pero selecta colección de pinturas de artistas holandeses de la "edad de oro": Johannes Vermeer, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Paulus Potter y Frans Hals. También se exponen varias obras de Holbein el Joven.
Rembrandt (séquito) - Retrato de Rembrandt a la edad de 23 años, c. 1629, 37,9 cm x 28,9 cm, óleo sobre madera
El Mauritshuis siguió siendo un museo estatal hasta que fue transferido a un fondo especializado en 1995. Hoy es uno de los museos más visitados de los Países Bajos.
La perla del museo es una colección de obras de pintores holandeses del siglo XVII. Pero el Museo de La Haya tiene algo de lo que enorgullecerse, además de él: también posee obras de representantes de la "edad de oro" flamenca, el XV.
La colección es comparable a un collar de perlas, porque cada cuadro es un ejemplo de la más alta artesanía, aunque el número de obras es pequeño.
Pero incluso entre las pintorescas perlas destacan algunos ejemplares únicos: "Lección de anatomía" de Rembrandt, "Retrato de una niña con un pendiente de perla" o "El paisaje de Delft" de Vermeer: estas son obras maestras de la colección de arte mundial.
Vermeer van Delft, Johannes - Chica con un pendiente de perlas, c. 1665, 44,5 cm x 39 cm, óleo sobre lienzo
Rembrandt - Autorretrato, 1669, 63,5 cm x 57,8 cm, Óleo sobre lienzo
Rembrandt - Estudio de un anciano (Padre de Rembrandt), c. 1630-31, 46,9 cm x 38,8 cm, Oleo sobre madera
Rembrandt - Estudio de una anciana (Madre de Rembrandt), c. 1630-35, 18,2 cm x 14 cm, Madera, óleo
Mauritshuis: Rembrandt (círculo) - Viajeros de vacaciones
Rembrandt - Andrómeda, c. 1631, 34 cm x 24 cm, madera, aceite
Mauritshuis: Rembrandt (círculo) - Minerva
Rembrandt - Homer, 1663, 107 cm x 82 cm, óleo sobre lienzo
Rembrandt - Dos moros, 1661, 77,8 cm x 64,4 cm, óleo sobre lienzo
Rembrandt - Canción (Himno) de Simeón, 1631, 60,9 cm x 47,9 cm, Óleo sobre tabla
Rembrandt - Retrato de un anciano, 1650, 80,5 cm x 66,5 cm, óleo sobre lienzo
Rembrandt - Retrato de un anciano, 1667, 81,9 cm x 67,7 cm, Óleo sobre lienzo
Rembrandt - Hombre sonriente, c. 1629-30, 15,4 cm x 12,2 cm, cobre, aceite.
Rembrandt - Lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulpa, 1632, 169,5 cm x 216,5 cm, óleo sobre lienzo
Rembrandt (taller) - Saúl y David, c. 1650-55, 130 cm x 164,5 cm, óleo sobre lienzo
Vermeer van Delft, Johannes - Diana y sus ninfas, c. 1653-54, 97,8 cm x 104,6 cm, óleo sobre lienzo.
Vermeer, Johannes - Vista de la ciudad de Delft, aprox. 1660-61, 96,5 cm x 115,7 cm, óleo sobre lienzo
Mauritshuis: Vermeer, Jan - Vista de Delft, 1660-61
"Vermeulen, Jan - Naturaleza muerta con libros, globo terráqueo e instrumentos musicales, aprox. 1660, 30 cm x 38,5 cm, Oleo sobre madera
Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Paisaje al borde de las dunas
Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Granja en las dunas
Steen, Jan - Mujer cisterciense (monja) jugando, c. 1662-65, 31 cm x 27,5 cm, Oleo sobre madera
Steen, Jan - Como se escucha, se canta, aprox. 1663-65, 134 cm x 63 cm, óleo sobre lienzo
Steen, Jan - Si eres un cerdo, deberías estar en el establo (mujeres borrachas), aprox. 1673-75, 86 cm x 72 cm, óleo sobre lienzo
Mauritshuis: Sten, Jan - Vida humana
Mauritshuis: Sten, Jan - Los viejos que hacen ponche de huevo
Mauritshuis: Sten, Jan - La niña comiendo ostras
Mauritshuis: Sten, Jan - Adivino
Mauritshuis: Sten, Jan - Baile campestre junto a la taberna
Mauritshuis: Sten, Jan - Moisés y la corona del faraón
Mauritshuis: Sten, Jan - Visita al médico
Mauritshuis: Sten, Jan - Retrato de supuestamente Maria van Wassenaar (1654-1683), o patio de aves de corral
Mauritshuis: Sten, Jan - Zuboder
Mauritshuis: Sten, Jan - Niña enferma
Mauritshuis: Potter, Paul - Vacas reflejándose en el agua, 1648
Mauritshuis: Potter, Paul - Rebaño en el prado, 1652
Mauritshuis: Potter, Paul - Toro, 1647
Mauritshuis: Hals, Francia - Niño riendo, 1625
Mauritshuis: Hals, Francia - Retrato de un hombre, 1660
Mauritshuis: Holbein, Hans II - Retrato de Robert Cheeseman (1485-1547), 1533
Avercamp, Hendrick - Diversión en el hielo, aprox. 1610, 36 cm x 71 cm, madera, óleo
Backer, Jacob Adriaensz - Pastor con flauta, posiblemente autorretrato, c. 1637, 52,2 cm x 40,8 cm, Madera, óleo
Baen, Jan de - La glorificación de Cornelis de Witt (1623-1672) como victorioso en la batalla de Chatham en 1667, ca. 1667-70, 66 cm x 100 cm, óleo sobre lienzo
Barbari, Jacopo de (atribuido) - Retrato de Hendrik, Conde de Mecklenburg (1479-1552), 1507, 59,3 cm x 37,5 cm, Oleo sobre madera
Beest, Sybrand van - Pig market, 1638, 44 cm x 68 cm, Madera, óleo
Bega, Cornelis Pietersz - Village Tavern, 1658, 47 cm x 58 cm, óleo sobre lienzo
Berchem, Nicolaes Pietersz - Infancia de Zeus, 1648, 202 cm x 262 cm, Óleo sobre lienzo
Berchem, Nicolaes Pietersz, Weenix, Jan Baptist - La vocación de Mateo, c. 1657, 98,2 cm x 120,8 cm, Madera, óleo
Berghe, Christoffel van den - Paisaje de invierno, aprox. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, cobre, aceite
Berghe, Christoffel van den - Paisaje de verano, aprox. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, cobre, aceite
Beuckelaer, Joachim - Escena de cocina con Cristo en Emaús, c. 1560-65, 109,5 cm x 169 cm, Madera, óleo
Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Naturaleza muerta con frutas y artículos de lujo, c. 1655, 98 cm x 76 cm, Madera, óleo
Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Bodegón de lujo, c. 1655, 99,5 cm x 120,5 cm, óleo sobre lienzo
Bloemaert, Abraham - Dioses en la boda de Peleo y Thetis, 1638, 193 cm x 164,5 cm, óleo sobre lienzo
Bloemaert, Abraham - Theagen recibe una rama de palma de Hariklea, 1626, 157,2 cm x 157,7 cm, óleo sobre lienzo
Borch, Gerard ter - Carta, c. 1655, 39 cm x 29,5 cm, óleo sobre madera
Ambos, enero - paisaje italiano, aprox. 1645, 108,2 cm x 125,8 cm, óleo sobre lienzo
Bray, Jan de - Adoración de los pastores, 1665, 63 cm x 48 cm, Oleo sobre tabla
Breenbergh, Bartholomeus - Paisaje con ninfas cazadoras y Diana, 1647, 37,8 cm x 50 cm, Oleo sobre madera
Brekelenkam, Quiringh Gerritsz - Una anciana hace derramamiento de sangre, aprox. 1660, 48 cm x 37 cm, madera, aceite
Brouwer, Adriaen - Pelea campesina, c. 1625-26, 25,5 cm x 34 cm, Madera, óleo
Brueghel de Oude, Jan - Jarrón de flores, aprox. 1610-15, 42 cm x 34,5 cm, Madera, óleo