El trabajo de D.D. Shostakovich está estrechamente relacionado con el difícil destino de su país natal. El compositor plasmó en la música los conflictos más agudos del mundo moderno. La música de D. D. Shostakovich se distingue por su profundidad y riqueza de contenido figurativo. El gran mundo interior de una persona con sus pensamientos y aspiraciones, dudas, una persona que lucha contra la violencia y el mal: este es el tema principal del compositor.
La gama de géneros del trabajo de D. D. Shostakovich es muy amplia. Es autor de sinfonías y conjuntos instrumentales, grandes formas vocales (oratorios, cantatas, ciclo coral) y canciones, obras musicales escénicas (ópera, ballet, zarzuela), música para cine y teatro, conciertos instrumentales y obras de teatro breves. La fluidez en cada uno de estos géneros se combina con una peculiar y siempre nueva interpretación de los mismos.
La base del trabajo del compositor es la música instrumental, especialmente la sinfónica. La enorme escala de contenido, la tendencia al pensamiento generalizado, la agudeza del conflicto, el dinamismo y la lógica estricta del desarrollo del pensamiento musical, todo esto determina su aparición como compositor sinfonista. D. D. Shostakovich utiliza las tradiciones de los clásicos musicales del mundo. Utiliza una variedad de medios expresivos que se han desarrollado en diferentes épocas históricas. Un papel importante en su pensamiento lo juega el estilo polifónico. Esto afecta la textura, la naturaleza de la melodía y los métodos de desarrollo. A menudo utiliza el estilo homofónico-armónico en sus obras.
En las melódicas del compositor, históricamente asociadas a géneros de improvisación (fantasías, toccatas), es frecuente encontrar una declamación patética. Se utilizan las características de género del minué.
Las sinfonías de D. D. Shostakovich, con su profundo contenido filosófico y psicológico y su intenso dramatismo, continúan la línea del sinfonismo de Tchaikovsky; géneros vocales - desarrollar los principios de Mussorgsky. El estilo melódico de D.D. Shostakovich se acerca al sonsonete de una canción rusa.
Profunda sinceridad, veracidad: en todo esto proviene de los preceptos de los clásicos rusos.
Temas e imágenes
En sus obras, D.D. Shostakovich recurrió a temas e imágenes de importancia social, reflejando los aspectos más importantes de la realidad moderna. Por ejemplo, las sinfonías Séptima (Leningrado) y Octava se crearon durante la Gran Guerra Patriótica, la Undécima - "1905" y la Duodécima - sobre la Revolución de Octubre de 1917 están dedicadas a hechos históricos. La decimotercera sinfonía sobre los versos de E. Yevtushenko, una sinfonía-oratorio, está dedicada a los problemas actuales de la moralidad civil, condena los crímenes sangrientos causados por el racismo.
La música de D. D. Shostakovich combina amplitud épica, drama y letras sutiles.
género principal
El lugar central en el trabajo de D. D. Shostakovich está ocupado por obras sinfónicas, que se distinguen por una intensa dramaturgia musical.
Los orígenes del lenguaje musical. Innovación.
El compositor creó un estilo profundamente original, basado en las tradiciones de M. Mussorgsky, I.S. Bach, L. Beethoven, G. Mahler
En muchos aspectos transformó los sistemas modales tradicionales y creó los de autor individual.
Polifonía
D.D. Shostakovich es un destacado maestro de la polifonía. En sus obras utilizó diversas formas de polifonía (fugas, pasacalles) y técnicas de desarrollo (imitación, cánones)
Orquesta
D.D. Shostakovich es un destacado maestro de la orquesta. La dramaturgia de los timbres orquestales tiene una gran importancia expresiva en la obra del compositor.
D. D. Shostakovich orquestó obras de Mussorgsky: las óperas Boris Godunov, Khovanshchina, el ciclo vocal Canciones y danzas de la muerte.
Preguntas
- ¿A qué compositor podemos llamar el mejor compositor de nuestro tiempo?
- ¿Qué está indisolublemente ligado a su música?
- ¿Cuál era la mayor preocupación del compositor?
- ¿En qué se diferencia su música?
- ¿En qué géneros trabajó el compositor?
- Nombre las obras de D. D. Shostakovich conocidas por usted.
- ¿Cómo fue el trabajo del compositor sobre las obras?
- Cuéntanos sobre el compositor, un hombre, sobre sus amigos.
- ¿Cuál es el alcance de sus intereses?
- Nombre el tema principal de la obra del compositor.
- ¿Qué medios de expresión utiliza el compositor?
- ¿Continúa D.D. Shostakovich desarrollando las tradiciones de los compositores rusos en sus sinfonías? Dales sus nombres.
- Nombra los temas e imágenes de su obra.
- Cuáles son los orígenes del lenguaje musical de D. D. Shostakovich.
- ¿Qué maestro sobresaliente podemos llamar D.D. Shostakovich?
- ¿Qué papel juega la orquesta en sus obras?
- Nombra los años de la vida de D. D. Shostakovich.
- ¿Qué educación recibió el compositor?
- Cómo afrontó el compositor el estallido de la guerra (1941)
- Háblanos de los años de la posguerra en la vida del compositor.
del resumen . Creatividad DDSh - un "lamento" a lo largo del siglo XX, su maldad. Un clásico del siglo XX, un trágico, una posición cívica y social inquebrantable de la creatividad - "la voz de la conciencia de su generación". Conserva el valor de todos los sistemas estilísticos del siglo XX. Las primeras tres sinfonías formaron dos corrientes principales en su trabajo: desde la sinfonía No. 1 - un ciclo de 4 partes (No. 4-6, 14-15), el concepto de "Yo y el mundo" y desde No. 2.3 - al nº 7.8, línea social 11-13.
De Sabín.
Periodización de la creatividad (3 periodos):
Hasta los años 30 - un período temprano: la búsqueda de medios expresivos, la formación del lenguaje - tres ballets, "La Nariz", sinfonías No. 1-3 (influenciadas por Eye, Seagull, Scriabin, Prok, Wagner, Mahler. No copiar su lenguaje, sino transformación, nueva luz, encontrar sus propias técnicas específicas, métodos de desarrollo. Replanteamiento repentino del tematismo, choque de imágenes antípodas. Las imágenes líricas no se oponen a las imágenes de guerra, son como el lado equivocado del mal. Todavía inmadurez .)
4ª sinfonía - posición límite. Después de eso, el centro se traslada a los principios del diseño de formas, el desarrollo de musas materiales. No. 5 - centro y comienzo: 5 - 7, 8, 9, 10.
En el tercer período, la búsqueda de la interpretación misma del género sinfónico, 11-14. Todos son software, pero el software se implementa de diferentes maneras. En el 11, el desplazamiento de la sonata, combinándose en una forma compuesta de contraste, en el 12, un regreso a la sonata, pero el ciclo está comprimido. En el 13 - rondó-como + características de una sinfonía pura, en el 14 - sonata, cámara. 15 - aparte. No programático, funciones tradicionales de las partes, pero sintetiza elementos de los periodos medio y tardío. Armonizador de estilos. Lírico-filosófico, el sufrimiento de la iluminación espiritual en el final. “24 Preludios y Fugas”, “La ejecución de Stepan Razin”, instrumento de cámara.
Características de estilo
RITMO (especialmente en el período inicial) - de las tendencias generales del arte - movimiento (cine, deportividad) - los efectos de las aceleraciones del ritmo, la presión del motor (Honegger, Hind, Prok). Galope, marcha, baile, ritmo rápido - ya en la 1ra sinfonía. Ritmos de baile de género. El ritmo es el motor más importante de la dramaturgia, pero solo lo será de verdad en la quinta sinfonía.
ORQUESTACIÓN - no quería renunciar a las tendencias románticas (solo en el intermedio de "La Nariz" ... - mucho extravagante). La presentación del tema es monotimbre, fijando el timbre para la imagen. Este es un seguidor de Chaik.
ARMONÍA – no aparece en el 1er plano como la pintura, toda admiración por los colores es ajena... Las innovaciones no están en el campo de los acordes, sino en los sistemas modales (trastes mentales... traducción de una horizontal melódica en una vertical de acordes).
TEMAS - en gran medida, con la inclusión de su desarrollo - de las Gaviotas. Pero con DDSh, el desarrollo a menudo se vuelve más significativo que la exposición real (esta es la antípoda de Prok: para DDSh es un tema-proceso, para Prok es una persona tema-activa -es decir, la preponderancia de lo analítico sobre lo pictórico- pensamiento teatral). La extraordinaria unidad del material temático de las sinfonías.
MÉTODOS DE DESARROLLO – una síntesis de canciones populares rusas y la polifonía de Bach. Para proyectos tardíos: la concentración de tematismo, mayor variación intratemática, repeticiones de motivos estrechos (en el rango de w/w 4, 5).
MELOS específico. Discurso, entonaciones narrativas, especialmente en momentos clave dramáticos. La melodiosa del plan lírico, pero muy concreta! (objetivador. lírico).
¡POLIFÓNICO! - Bach. Incluso con la 1ª y 2ª sinfonía. Dos tendencias de manifestación: el uso de géneros polifónicos y la polifonización del tejido. El pólipo de la forma es la esfera de expresión de las emociones más profundas y exaltadas. Passacaglia - vecino. pensamientos + expresión emocional y disciplina (solo en la octava sinfonía hay un pasacalles real, y su "espíritu" está en las sinfonías 13-15). Antiesquematismo.
INTERPRETACIÓN DE LA FORMA SONATA. El conflicto no es entre el GP y el PP, sino entre el exp - desarrollo. Por lo tanto, a menudo no hay contrastes modales dentro de la experiencia, pero sí de género. La negativa a abrirse paso dentro del PP (como Chaika), al contrario, es un idilio pastoril. Una técnica característica es la cristalización de nuevas entonaciones figurativamente contrastantes en el culmo del GP en la exposición. A menudo, las formas de sonata de los primeros movimientos son lentas/moderadas y no tradicionalmente rápidas, debido a la naturaleza psicológica, al conflicto interno y no a la acción externa. La forma rondó no es muy característica (a diferencia de Prok).
IDEAS, TEMAS. El comentario del autor y la acción misma - a menudo estas dos esferas chocan (como en el No. 5). La inclinación al mal no es una fuerza externa, sino el lado equivocado de la bondad humana: esta es la diferencia con las gaviotas. La objetivación de las letras, su intelectualización es la tendencia de la época. La música captura el movimiento del pensamiento, de ahí el amor por la pasacalles, porque. existe la posibilidad de una larga y completa revelación del estado de pensamiento.
D.D. Shostakovich es uno de los más grandes compositores del siglo XX. La música de Shostakovich se destaca por su profundidad y riqueza de contenido figurativo. El mundo interior de una persona con sus pensamientos y aspiraciones, dudas, una persona que lucha contra la violencia y el mal es el tema principal de Shostakovich, plasmado en sus obras de muchas maneras.
La variedad de géneros del trabajo de Shostakovich es excelente. Es autor de sinfonías y conjuntos instrumentales, formas vocales grandes y de cámara, obras musicales escénicas, música para películas y producciones teatrales. Y sin embargo, la base del trabajo del compositor es la música instrumental, y sobre todo la sinfonía. Escribió 15 sinfonías.
De hecho, después de los dos temas contrastantes presentados clásicamente, en lugar de desarrollo, aparece un nuevo pensamiento: el llamado "episodio de invasión". Según la interpretación de los críticos, debería servir como representación musical de la inminente avalancha hitleriana.
Este tema caricaturizado y francamente grotesco fue durante mucho tiempo la melodía más popular jamás escrita por Shostakovich. Cabe añadir que un fragmento de su mitad en 1943 fue utilizado por Béla Bartók en el cuarto movimiento de su Concierto para orquesta.
La primera parte tuvo el efecto más fuerte en los oyentes. Su desarrollo dramático no tuvo paralelo en toda la historia de la música, y la introducción en un momento determinado de un conjunto adicional de instrumentos de metal, que en total dan una composición gigantesca de ocho trompas, seis trompetas, seis trombones y una tuba, aumentó la sonoridad a proporciones inauditas.
Escuchemos al propio Shostakovich: “El segundo movimiento es un intermezzo lírico, muy suave. No contiene el programa ni "imágenes específicas" como la primera parte. Tiene un poco de humor (¡no puedo vivir sin él!). Shakespeare conocía perfectamente el valor del humor en la tragedia, sabía que era imposible mantener al público en vilo todo el tiempo.
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La sinfonía fue un gran éxito. Shostakovich fue aclamado como un genio, el Beethoven del siglo XX, colocado en el primer lugar entre los compositores vivos.
La música de la Octava Sinfonía es una de las declaraciones más personales del artista, un impresionante documento de la clara implicación del compositor en los asuntos de la guerra, la protesta contra el mal y la violencia.
La Octava Sinfonía contiene una poderosa carga de expresión y tensión. La gran escala, con una duración de unos 25 minutos, la primera parte se desarrolla en una respiración extremadamente larga, pero no se siente larguísima, no hay nada superfluo o inadecuado. Desde un punto de vista formal, existe aquí una sorprendente analogía con el primer movimiento de la Quinta Sinfonía. Incluso el leitmotiv inicial de la Octava es como una variación del comienzo de una obra anterior.
En la primera parte de la Octava Sinfonía, la tragedia alcanza proporciones sin precedentes. La música penetra en el oyente, provocando una sensación de sufrimiento, dolor, desesperación y un clímax desgarrador antes de que la repetición tarde mucho en prepararse y se distinga por un impacto extraordinario. En las dos partes siguientes, el compositor vuelve al esperpento y la caricatura. El primero de ellos es una marcha, que puede asociarse con la música de Prokofiev, aunque esta similitud es puramente externa. Con un objetivo claramente programático, Shostakovich utilizó en él un tema que es una paráfrasis paródica del foxtrot alemán "Rosamund". El mismo tema al final de la parte se superpone hábilmente al primer pensamiento musical principal.
El aspecto tonal de este movimiento es especialmente curioso. A primera vista, el compositor se basa en la tonalidad de Des-dur, pero en realidad utiliza sus propios modos, que tienen poco en común con el sistema funcional de mayor-menor.
El tercer movimiento, la tocata, es como un segundo scherzo, magnífico, lleno de fuerza interior. Simple en forma, muy sencillo musicalmente. El movimiento de ostinato motor en cuartos en tocata continúa continuamente durante todo el movimiento; En este contexto, surge un motivo separado que juega el papel de un tema.
La sección central de la toccata contiene casi el único episodio humorístico de toda la obra, después del cual la música vuelve a la idea original. El sonido de la orquesta gana cada vez más fuerza, el número de instrumentos participantes aumenta constantemente y al final del movimiento llega el clímax de toda la sinfonía. Después, la música pasa directamente a la pasacalles.
La passacaglia pasa a la quinta parte del carácter pastoril. Este final se construye a partir de una serie de pequeños episodios y varios temas, lo que le da un carácter algo mosaico. Tiene una forma interesante, combinando elementos del rondó y la sonata con una fuga entretejida en el desarrollo, que recuerda mucho a la entonces desconocida fuga del scherzo de la Cuarta Sinfonía.
La Octava Sinfonía termina en pianissimo. La coda, interpretada por instrumentos de cuerda y un solo de flauta, parece plantear un signo de interrogación y, por lo tanto, la obra no tiene el sonido inequívocamente optimista de Leningradskaya.
El compositor parecía haber previsto tal reacción antes de la primera interpretación de la Novena dijo: “Los músicos la tocarán con placer, y los críticos la aplastarán”
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A pesar de esto, la Novena Sinfonía se convirtió en una de las obras más populares de Shostakovich.
La primera parte de la Decimotercera Sinfonía, dedicada a la tragedia de los judíos asesinados en Babi Yar, es la más dramática y consta de varios temas sencillos y plásticos, el primero de los cuales, como es habitual, desempeña el papel principal. Contiene ecos lejanos de los clásicos rusos, especialmente Mussorgsky. La música está conectada con el texto de tal manera que roza lo ilustrativo, y su carácter cambia con la aparición de cada episodio siguiente del poema de Yevtushenko.
La segunda parte - "Humor" - es la antítesis de la anterior. En él, el compositor aparece como un conocedor incomparable de las posibilidades colorísticas de la orquesta y el coro, y la música en su conjunto transmite el carácter cáustico de la poesía.
La tercera parte, "En la tienda", se basa en poemas dedicados a la vida de las mujeres que hacen cola y hacen el trabajo más duro.
De esta parte crece la siguiente: "Miedos". Un poema con este título se refiere al pasado reciente de Rusia, cuando el miedo se apoderaba por completo de las personas, cuando una persona tenía miedo de otra persona, tenía miedo incluso de ser sincero consigo mismo.
La "Carrera" final es, por así decirlo, un comentario personal del poeta y compositor sobre toda la obra, tocando el problema de la conciencia del artista.
La decimotercera sinfonía fue prohibida. Es cierto que en Occidente se lanzó un disco de gramófono con una grabación enviada ilegalmente realizada en un concierto de Moscú, pero en la Unión Soviética la partitura y el disco de gramófono aparecieron solo nueve años después, en una versión con un texto modificado del primer movimiento. Para Shostakovich, la Decimotercera Sinfonía fue extremadamente querida.
decimocuarta sinfonía. Después de creaciones tan monumentales como la Decimotercera Sinfonía y el poema sobre Stepan Razin, Shostakovich tomó una posición diametralmente opuesta y compuso una obra solo para soprano, bajo y orquesta de cámara, y para la composición instrumental eligió solo seis instrumentos de percusión, una celesta y diecinueve instrumentos de cuerda. En la forma, la obra estaba completamente en desacuerdo con la interpretación anterior de la sinfonía de Shostakovich: las once pequeñas partes que componían la nueva composición no se parecían en nada a un ciclo sinfónico tradicional.
El tema de los textos escogidos de la poesía de Federico García Lorca, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Küchelbecker y Rainer Maria Rilke es la muerte, mostrada de diferentes formas y en diferentes situaciones. Los pequeños episodios se interconectan formando un bloque de cinco grandes secciones (I, I - IV, V - VH, VHI - IX y X - XI). El bajo y la soprano cantan alternativamente, a veces entablan un diálogo, y sólo en la última parte se unen a dúo.
cuatro partes decimoquinta sinfonía, escrita sólo para orquesta, recuerda mucho a algunas de las obras anteriores del compositor. Especialmente en el conciso primer movimiento, el alegre y lleno de humor Allegretto, surgen asociaciones con la Novena Sinfonía, y se escuchan ecos lejanos de obras incluso anteriores: el Primer Concierto para piano, algunos fragmentos de los ballets La edad de oro y El rayo, así como así como intermedios orquestales de "Lady Macbeth". Entre los dos temas originales, el compositor tejió un motivo de la obertura de Guillermo Tell, que aparece muchas veces, y tiene un carácter muy humorístico, sobre todo porque aquí no es interpretado por cuerdas, como en Rossini, sino por un grupo de metales. , sonando como una banda de fuego .
Adagio trae un fuerte contraste. Se trata de un fresco sinfónico lleno de pensamiento e incluso de patetismo, en el que la coral tonal inicial se cruza con un tema dodecafónico interpretado por un violonchelo solo. Muchos episodios recuerdan los fragmentos más pesimistas de las sinfonías del período medio, principalmente el primer movimiento de la Sexta Sinfonía. El attacca inicial del tercer movimiento es el más corto de todos los scherzos de Shostakovich. Su primer tema también tiene una estructura dodecafónica, tanto en avance como en inversión.
El final comienza con una cita de Der Ring des Nibelungen de Wagner (se escuchará varias veces en este movimiento), después de lo cual aparece el tema principal, lírico y tranquilo, en un carácter inusual para los finales de las sinfonías de Shostakovich.
El tema secundario también es un poco dramático. El verdadero desarrollo de la sinfonía comienza solo en la sección central: el pasacalles monumental, cuyo tema de bajo está claramente relacionado con el famoso "episodio de invasión" de la sinfonía de Leningrado.
Passacaglia conduce a un clímax desgarrador, y luego el desarrollo parece colapsar. Reaparecen temas ya familiares. Luego viene la coda, en la que la parte del concierto se confía a los tambores.
Kazimierz Kord dijo una vez sobre el final de esta sinfonía: "Esta es música incinerada, quemada hasta los cimientos..."
Gran alcance de contenido, generalización del pensamiento, agudeza de los conflictos, dinamismo y lógica estricta del desarrollo del pensamiento musical: todo esto determina la apariencia. Shostakovich como compositor-sinfonista. Shostakovich se caracteriza por una originalidad artística excepcional. El compositor utiliza libremente medios expresivos que se han desarrollado en diferentes épocas históricas. Así, los medios del estilo polifónico juegan un papel importante en su pensamiento. Esto se refleja en la textura, en la naturaleza de la melodía, en los métodos de desarrollo, en la apelación a las formas clásicas de la polifonía. La forma de la antigua pasacalles se utiliza de manera peculiar.
Dmitry Dmitrievich Shostakovich, (1906-1975)
Shostakovich es un fenómeno único en la historia de la cultura mundial. En su obra, como ningún otro artista, se reflejó nuestra época compleja, cruel, a veces fantasmagórica; el destino contradictorio y trágico de la humanidad; se encarnaron las conmociones que sucedieron a sus contemporáneos. Todos los problemas, todos los sufrimientos que sufrió nuestro país en el siglo XX, pasaron por su corazón y se plasmaron en obras del más alto mérito artístico. Como nadie más, tenía derecho a pronunciar las palabras.
((Decimotercera sinfonía. Letra de Evg. Yevtushenko))
Soy cada niño tiro aquí
Soportó y soportó tanto como el corazón humano apenas puede soportar. Por eso su camino terminó prematuramente.
Pocos de sus contemporáneos, y de hecho compositores de cualquier época, fueron tan reconocidos y glorificados durante su vida como él. Los premios y diplomas extranjeros eran indiscutibles - y fue miembro honorario de la Real Academia Sueca, miembro correspondiente de la Academia de Artes de la RDA (Alemania Oriental), miembro honorario de la Academia Nacional Italiana "Santa Cecilia", Comandante de la Orden Francesa de las Artes y las Letras, miembro de la Real Academia Inglesa de Música, Doctor Honorario de la Universidad de Oxford, Laureado del Premio Internacional Sibelius, Miembro Honorario de la Academia Serbia de las Artes, Miembro Correspondiente de la Academia Bávara de Bellas Artes, Doctor Honorario del Trinity College (Irlanda), Doctor Honorario de la Universidad Northwestern (Evanston, EE. UU.), Miembro Extranjero de la Academia Francesa de Bellas Artes, recibió la Medalla de Oro de la Royal Society of England, la Orden de la Gran Insignia de Honor de Plata - por servicios a la República de Austria, la Medalla Conmemorativa de Mozart.
Pero fue diferente con sus propios premios e insignias nacionales. Parecía que también sobraban: Laureado del Premio Stalin, en los años 30 el máximo galardón del país; Artista del Pueblo de la URSS, titular de la Orden de Lenin, laureado de los premios Lenin y Estatal, Héroe del Trabajo Socialista, etc., etc., hasta el título de Artista del Pueblo por alguna razón de Chuvashia y Buriatia. Sin embargo, estos fueron pan de jengibre, que fueron completamente equilibrados por un látigo: las decisiones del Comité Central del PCUS y los artículos editoriales de su órgano central, el periódico Pravda, en los que Shostakovich fue literalmente destruido, mezclado con barro, acusado de todos. pecados
El compositor no se quedó solo: estaba obligado a seguir órdenes. Así, tras el infame y verdaderamente histórico Decreto de 1948, en el que se declaraba su obra formalista y ajena al pueblo, fue enviado de viaje al exterior, y se vio obligado a explicar a los periodistas extranjeros que las críticas a su obra eran merecidas. Que efectivamente cometió errores y que está siendo corregido correctamente. Se vio obligado a participar en innumerables foros de "defensores del mundo", incluso recibió medallas y certificados por esto, mientras que él preferiría no viajar a ningún lado, sino crear música. Fue elegido repetidamente como diputado del Soviet Supremo de la URSS -cuerpo decorativo que estampaba las decisiones del Politburó del Partido Comunista, y el compositor tuvo que dedicar muchas horas a un trabajo sin sentido que no le atraía de ninguna manera- en lugar de componer música. Pero se suponía que era así según su estatus: todos los artistas más importantes del país eran diputados. Era el jefe de la Unión de Compositores de Rusia, aunque no aspiraba a esto en absoluto. Además, se vio obligado a unirse a las filas del PCUS, y esto se convirtió en uno de los choques morales más fuertes para él y, quizás, también acortó su vida.
Lo principal para Shostakovich siempre fue componer música. Le dedicaba todo el tiempo que podía, siempre componía -en su escritorio, en vacaciones, en viajes, en hospitales... El compositor recurría a todos los géneros. Sus ballets marcaron los caminos de la búsqueda del teatro de ballet soviético de finales de la década de 1920 y 1930 y siguieron siendo los ejemplos más sorprendentes de estas búsquedas. Las óperas La nariz y Lady Macbeth del distrito de Mtsensk abrieron una página completamente nueva de este género en la música rusa. También escribió oratorios: un tributo a la época, una concesión al poder, que de otro modo podría borrarlo en polvo ... Pero los ciclos vocales, las composiciones para piano, los cuartetos y otros conjuntos de cámara ingresaron al tesoro mundial del arte musical. Sobre todo, sin embargo, Shostakovich es un sinfonista brillante. Fue en las sinfonías del compositor donde se plasmaron por primera vez la historia del siglo XX, su tragedia, su sufrimiento y sus tormentas.
Dmitry Dmitrievich Shostakovich nació el 12 (25) de septiembre de 1906 en San Petersburgo en una familia inteligente. Padre, un ingeniero que se graduó de la Universidad de San Petersburgo, fue empleado del gran Mendeleev. La madre tuvo una educación musical y en un momento pensó en dedicarse a la música profesionalmente. El talento del niño se notó bastante tarde, ya que la madre consideraba fundamentalmente imposible comenzar estudios musicales antes de los nueve años. Sin embargo, tras el inicio de clases, los éxitos fueron rápidos y sorprendentes. Little Shostakovich no solo dominó sus habilidades pianísticas con una rapidez fenomenal, sino que también mostró un talento sobresaliente como compositor, y ya a la edad de 12 años se manifestó su calidad única: una respuesta creativa instantánea a los eventos en curso. Entonces, una de las primeras obras compuestas por el niño fueron "Soldado" y "Marcha fúnebre en memoria de Shingarev y Kokoshkin", ministros del Gobierno Provisional, brutalmente asesinados por los bolcheviques en 1918.
El joven compositor percibió con entusiasmo el entorno y respondió a él. Y el tiempo fue terrible. Luego de la Revolución de Octubre de 1917 y la disolución de la Asamblea Constituyente, se inició un verdadero caos en la ciudad. Los residentes se vieron obligados a unirse en grupos de autodefensa para proteger sus hogares. La comida dejó de llegar a las grandes ciudades, comenzó la hambruna. En Petrogrado (tan patrióticamente rebautizada como San Petersburgo tras el estallido de la Guerra Mundial) no sólo había comida, sino también combustible. Y en tal situación, el joven Shostakovich en 1919 (tenía 13 años) ingresó al Conservatorio de Petrogrado en las facultades de piano especial y composición.
Era necesario llegar allí a pie: los tranvías, el único medio de transporte que quedaba, rara vez circulaban y siempre estaban llenos. La gente colgaba en grupos de los escalones, a menudo se caía, y el chico prefería no correr el riesgo. Iba con regularidad, aunque muchos, tanto alumnos como profesores, preferían saltarse las clases. Fue toda una hazaña llegar al conservatorio y luego estudiar duro durante varias horas en un edificio sin calefacción. Para que los dedos se movieran y fuera posible estudiar por completo, se instalaron "estufas de barriga" en las aulas, estufas de hierro que podían calentarse con cualquier chip. Y trajeron combustible con ellos: algunos troncos, algunos un montón de astillas de madera, y algunos la pata de una silla o hojas de libros esparcidas ... Casi no había comida. Todo esto condujo a la tuberculosis de los ganglios linfáticos, que tuvo que ser tratada durante mucho tiempo, con dificultad para reunir dinero para el viaje al Mar Negro necesario para la cura. Allí, en Crimea, en el pueblo turístico de Gaspra en 1923, Shostakovich conoció a su primer amor, la moscovita Tatyana Glivenko, a quien dedicó el trío para piano que escribió poco después.
A pesar de todas las dificultades, Shostakovich se graduó del Conservatorio en la clase de piano del profesor Nikolaev en 1923 y en la clase de composición del profesor Steinberg en 1925. Su trabajo de tesis, la Primera Sinfonía, trajo al joven de 19 años reconocimiento internacional. Sin embargo, aún no sabía a qué dedicarse: componer o interpretar. Sus éxitos en este campo fueron tan grandes que en 1927 fue enviado al concurso internacional Chopin en Varsovia. Allí ocupó el quinto lugar y recibió un diploma de honor, que muchos músicos y el público consideraron una clara injusticia: Shostakovich tocó magníficamente y mereció una calificación mucho más alta. Los años siguientes estuvieron marcados tanto por una actividad concertística bastante extensa como por los primeros experimentos en diversos géneros, incluido el teatral. Aparecen la Segunda y Tercera Sinfonías, los ballets La Edad de Oro y El Rayo, la ópera La Nariz y composiciones para piano.
El encuentro y el comienzo de la amistad con la destacada figura cultural I. Sollertinsky (1902-1944), que tuvo lugar en la primavera de 1927, adquiere un significado tremendo para el joven Shostakovich. Sollertinsky, en particular, lo introdujo en la obra de Mahler y así determinó el camino futuro del compositor sinfónico. También desempeñó un papel importante en su desarrollo creativo y conoció a la figura más importante del teatro, el director innovador V. Meyerhold, en cuyo teatro Shostakovich trabajó durante algún tiempo como jefe del departamento musical: en busca de trabajo, el joven músico tuvo que mudarse a Moscú por algún tiempo. Las peculiaridades de las producciones de Meyerhold se reflejaron en las composiciones teatrales de Shostakovich, en particular, en la estructura de la ópera La nariz.
El músico también se sintió atraído por Moscú por un sentimiento por Tatyana, pero resultó que los jóvenes no conectaron sus destinos. En 1932, Shostakovich se casó con Nina Vasilievna Varzar. La ópera "Lady Macbeth del distrito de Mtsensk" está dedicada a ella, una de las obras musicales más notables del siglo XX, que tuvo un destino trágico. El concierto para piano escrito en el mismo año es la última composición llena de alegría, chispeante diversión y entusiasmo, cualidades que, bajo la influencia de las realidades de la vida, luego abandonaron su música. El artículo editorial del principal órgano impreso del partido del periódico Pravda "Muddle en lugar de música", publicado en enero de 1936 y vergonzosamente, vilmente difama a "Lady Macbeth", que anteriormente tuvo un tremendo éxito no solo en nuestro país, sino también en el extranjero, acusando su autor al borde de una denuncia política, cambió drásticamente el destino creativo de Shostakovich. Fue después de esto que el compositor abandonó los géneros asociados a la palabra. A partir de ahora, el lugar principal de su obra lo ocupan las sinfonías, en las que el compositor refleja su visión del mundo y el destino de su país natal.
Esto comenzó con la Cuarta Sinfonía, desconocida para el público durante muchos años y estrenada en 1961. Su ejecución entonces, en 1936, era imposible: podía implicar no sólo críticas, sino represión, de las que nadie escapaba. Posteriormente, durante la década del 30, se crearon las sinfonías Quinta y Sexta. También aparecen obras en otros géneros, en particular, el Quinteto de piano, por el cual Shostakovich recibió el Premio Stalin; aparentemente, en algún lugar "en la cima" se decidió que el látigo desempeñó su papel, y ahora tenemos que recurrir a las zanahorias. . En 1937, Shostakovich fue invitado al conservatorio; se convirtió en profesor en las clases de composición y orquestación.
En 1941, después del estallido de la Gran Guerra Patria, Shostakovich comenzó a trabajar en la Séptima Sinfonía. En este momento, ya tiene dos hijos, Galina y Maxim, y, preocupado por su seguridad, el compositor acepta evacuar la ciudad sitiada, que desde 1924 se llama Leningrado. La sinfonía, dedicada a la hazaña de su ciudad natal, el compositor termina en Kuibyshev (antes y ahora - Samara), donde fue evacuado en el otoño de 1941. Allí está destinado a permanecer durante dos años, anhelando amigos esparcidos por el destino militar en un vasto país. En 1943, el gobierno le da a Shostakovich la oportunidad de vivir en la capital: asigna un apartamento y ayuda con la mudanza. El compositor inmediatamente comienza a hacer planes sobre cómo trasladar a Sollertinsky a Moscú. Fue evacuado a Novosibirsk como parte de la Filarmónica de Leningrado, de la que fue director artístico durante muchos años. Sin embargo, estos planes no estaban destinados a hacerse realidad: en febrero de 1944, Sollertinsky murió repentinamente, lo que fue un golpe terrible para Shostakovich. Escribió: "Ya no hay un músico de gran talento entre nosotros, no más un camarada alegre, puro y benévolo, ya no tengo a mi amigo más cercano ..." Shostakovich dedicó el Segundo Piano Trío a la memoria de Sollertinsky. Incluso antes de eso, creó la Octava Sinfonía, dedicada al notable director, el primer intérprete de sus sinfonías, comenzando con la Quinta, E. A. Mravinsky.
Desde entonces, la vida del compositor ha estado ligada a la capital. Además de componer, se dedica a la pedagogía: en el Conservatorio de Moscú, al principio solo tenía un estudiante graduado: R. Bunin. Con el fin de ganar dinero para mantener una familia numerosa (además de su esposa e hijos, ayuda a su madre, que enviudó durante mucho tiempo, hay amas de casa en la casa), escribe música para muchas películas. La vida parece estar más o menos asentada. Pero las autoridades preparan un nuevo golpe. Es necesario detener los pensamientos libertarios que surgieron entre una parte de la intelectualidad después de la victoria sobre el fascismo. Después de la destrucción de la literatura en 1946 (difamación de Zoshchenko y Akhmatova), una resolución del partido sobre política teatral y cinematográfica, en 1948 apareció una resolución "Sobre la ópera" Gran amistad "de Muradeli, que, a pesar del nombre, da el golpe principal. de nuevo en Shostakovich. Se le acusa de formalismo, de desvinculación de la realidad, al oponerse al pueblo, se le insta a comprender sus errores y reorganizarse. Lo despiden del conservatorio: ¡no se puede confiar en un formalista empedernido para educar a la generación más joven de compositores! Durante algún tiempo, la familia vive únicamente de las ganancias de su esposa, quien, después de muchos años dedicados a la casa, brindando un ambiente creativo al compositor, se pone a trabajar.
Literalmente, unos meses después, Shostakovich fue enviado, a pesar de los repetidos intentos de negarse, a viajes al extranjero como parte de delegaciones de defensores de la paz. Comienza su actividad social forzada a largo plazo. Durante varios años se "rehabilitó": escribe música para películas patrióticas (este es el principal ingreso durante muchos años), compone el oratorio "La canción de los bosques", la cantata "El sol brilla sobre nuestra patria". Sin embargo, "para mí", mientras todavía está "sobre la mesa", se está creando un impresionante documento autobiográfico: el Primer Concierto para violín y orquesta, que se hizo famoso solo después de 1953. Al mismo tiempo, en 1953, apareció la Décima Sinfonía, que reflejaba los pensamientos del compositor en los primeros meses después de la muerte de Stalin. Y antes de eso, se presta mucha atención a los cuartetos, aparece el ciclo vocal "De la poesía popular judía", el grandioso ciclo de piano Veinticuatro preludios y fugas.
La mitad de la década de 1950 fue una época de gran pérdida personal para Shostakovich. En 1954, murió su esposa, N. V. Shostakovich, un año después, el compositor enterró a su madre. Los niños crecieron, tenían sus propios intereses, el músico se sentía cada vez más solo.
Poco a poco, después del comienzo del "deshielo" - así es como solían llamar a la época del reinado de Jruschov, que expuso el "culto a la personalidad" de Stalin - Shostakovich vuelve a recurrir a la creatividad sinfónica. El programa de las sinfonías Undécima y Duodécima parece a primera vista exclusivamente oportunista. Pero después de muchos años, los investigadores encontraron que el compositor les puso no solo el significado que se anuncia en el programa oficial. Y más tarde aparecen sinfonías vocales grandes, con textos socialmente significativos: la Decimotercera y la Decimocuarta. Con el tiempo, esto coincide con el último matrimonio del compositor (antes de eso hubo un segundo, fallido y, afortunadamente, de corta duración), con Irina Antonovna Supinskaya, quien se convirtió en fiel amiga, asistente, compañera constante del compositor en los últimos años. años, que logró alegrar su difícil vida.
Filóloga de formación, que trajo a la casa un interés por la poesía y la nueva literatura, estimuló la atención de Shostakovich por las obras textuales. Así aparece, después de la Decimotercera Sinfonía sobre los versos de Yevtushenko, el poema sinfónico "La ejecución de Stepan Razin" sobre sus propios versos. Luego, Shostakovich crea varios ciclos vocales: en textos de la revista "Crocodile" (una revista humorística de la era soviética), en poemas de Sasha Cherny, Tsvetaeva, Blok, Michelangelo Buonarotti. El grandioso círculo sinfónico se completa de nuevo con la Decimoquinta Sinfonía sin texto, no programada (aunque, creo, con un programa oculto).
En diciembre de 1961 se reanudó la actividad pedagógica de Shostakovich. Dirige una clase de estudiantes de posgrado en el Conservatorio de Leningrado, viene regularmente a Leningrado para estudiar con estudiantes hasta octubre de 1965, cuando todos toman los exámenes de posgrado. En los últimos meses, ellos mismos tienen que venir a clases a la Casa de la Creatividad, ubicada a 50 kilómetros de Leningrado, a Moscú, o incluso a un sanatorio, donde debería estar su mentor por motivos de salud. Las difíciles pruebas que sucedieron al compositor no pudieron sino afectarlo. Los años 60 transcurren bajo el signo de un paulatino deterioro de su estado. Aparece una enfermedad del sistema nervioso central, Shostakovich sufre dos infartos.
Cada vez más, tiene que permanecer en el hospital durante mucho tiempo. El compositor intenta llevar un estilo de vida activo, incluso viaja mucho entre hospitales. Esto también está relacionado con las representaciones de la ópera Lady Macbeth del distrito de Mtsensk, que ahora se llama más a menudo Katerina Izmailova, en muchas ciudades del mundo, y con las representaciones de otras obras, con la participación en festivales, con la recepción de títulos honoríficos. y premios. Pero cada mes esos viajes se vuelven más y más tediosos.
Prefiere descansar de ellos en el pueblo turístico de Repino, cerca de Leningrado, donde se encuentra la Casa de la Creatividad de los Compositores. Allí, básicamente, se crea música, ya que las condiciones de trabajo son ideales: nadie ni nada distrae la creatividad. La última vez que Shostakovich vino a Repino fue en mayo de 1975. Apenas puede moverse, apenas graba música, pero sigue componiendo. Trabajó casi hasta el último momento: corrigió el manuscrito de la Sonata para viola y piano en el hospital. La muerte alcanzó al compositor el 9 de agosto de 1975 en Moscú.
Pero incluso después de la muerte, el poder omnipotente no lo dejó solo. Contra la voluntad del compositor, que quería encontrar un lugar de descanso en su tierra natal, en Leningrado, fue enterrado en el "prestigioso" cementerio Novodevichy de Moscú. El funeral, originalmente previsto para el 13 de agosto, fue aplazado para el día 14: las delegaciones extranjeras no tuvieron tiempo de llegar. Después de todo, Shostakovich era un compositor "oficial", y lo despidieron oficialmente, con discursos en voz alta de representantes del partido y el gobierno, que lo habían asfixiado durante tantos años.
Sinfonía No. 1
Sinfonía n.° 1 en fa menor, op. 10 (1923-1925)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta piccolo, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, caja, platillos, bombo, tom-tom, campanas, piano, cuerdas .
historia de la creacionLa idea de una sinfonía, con la que se suponía que se completaría el curso de composición del conservatorio, surgió de Shostakovich en 1923. Sin embargo, el joven, que recientemente había perdido a su padre (murió de neumonía en 1922), tuvo que ganar dinero y entró al cine Light Ribbon. Durante varias horas al día jugaba al cine. Pero si esto pudiera combinarse de alguna manera con la preparación de un programa de concierto (incluyó ingeniosamente extractos de las obras que estudió en sus improvisaciones cinematográficas, comprometiéndose así en su mejora técnica), entonces para la composición este trabajo fue mortal. Estaba agotada, no daba la oportunidad de ir a conciertos y, finalmente, estaba mal pagada. Durante el año siguiente, solo comenzaron a aparecer bocetos separados, se pensó en un plan general. Sin embargo, el trabajo sistemático al respecto aún estaba lejos.
En la primavera de 1924, las clases de composición se pospusieron indefinidamente, ya que las relaciones con el profesor Steinberg se volvieron muy complicadas: partidario de la dirección académica, temía el "izquierdismo" musical del estudiante en rápido desarrollo. Los desacuerdos fueron tan graves que Shostakovich incluso tuvo la idea de transferirse al Conservatorio de Moscú. Hubo amigos que apoyaron el trabajo del joven compositor, también hubo un maestro, Yavorsky, que lo entendió profundamente. Shostakovich incluso aprobó con éxito los exámenes y se inscribió, pero su madre, Sofya Vasilievna, se opuso rotundamente a la partida de su hijo. Tenía miedo de la temprana independencia de su hijo, tenía miedo de que se casara: su prometida, Tatyana Glivenko, vivía en Moscú, a quien conoció mientras estaba siendo tratado en Crimea.
Bajo la influencia del éxito de Moscú, la actitud de los profesores de Leningrado hacia Shostakovich cambió, y en otoño reanudó las clases. En octubre se escribió la segunda parte de la sinfonía, el scherzo. Pero la composición se interrumpió nuevamente: se mantuvo la necesidad de ganarse la vida tocando en los cines. El servicio tomó todo el tiempo, todas las fuerzas. A fines de diciembre, finalmente apareció la posibilidad de la creatividad, y se escribió la primera parte de la sinfonía, y en enero, febrero de 1925, la tercera. Nuevamente tuve que ir al cine, y la situación nuevamente se volvió más complicada. “El final no se ha escrito y no se está escribiendo”, escribió el compositor en una de sus cartas. - Exhala con tres partes. Con pena, se sentó a la instrumentación de la primera parte e instrumentó decentemente.
Al darse cuenta de que era imposible combinar el trabajo en el cine con la composición musical, Shostakovich renunció a su trabajo en el cine Piccadilly y se fue a Moscú en marzo. Allí, en un círculo de compañeros músicos, mostró las tres partes escritas y piezas separadas del finale. La sinfonía causó una gran impresión. Los moscovitas, entre los que se encontraban el compositor V. Shebalin y el pianista L. Oborin, que se hicieron amigos durante muchos años, estaban encantados e incluso asombrados: el joven músico mostró habilidades profesionales poco comunes y una madurez creativa genuina. Inspirado por la aprobación ardiente, Shostakovich, de regreso a casa, se dispuso a la final con renovado vigor. Fue terminado en junio de 1925. El estreno tuvo lugar el 12 de mayo de 1926, en el concierto final de la temporada, dirigido por Nikolai Malko. Asistieron familiares y amigos. Tanya Glivenko vino de Moscú. Los oyentes quedaron asombrados cuando, tras una tormenta de aplausos, un joven, casi un niño con un mechón obstinado en la cabeza, subió al escenario para hacer una reverencia.
La sinfonía trajo un éxito sin precedentes. Malko la interpretó en otras ciudades del país, y pronto se hizo ampliamente conocida en el extranjero. En 1927 se interpretó la Primera Sinfonía de Shostakovich en Berlín y luego en Filadelfia, Nueva York. Fue incluido en el repertorio de los directores más grandes del mundo. Así entró el chico de diecinueve años en la historia de la música.
MúsicaBreve original Introducción como levantar el telón de una representación teatral. Los ecos de la trompeta, la sordina, el fagot y el clarinete crean una atmósfera intrigante. “Esta introducción marca inmediatamente una ruptura con la elevada estructura de contenido poéticamente generalizada inherente al sinfonismo clásico y romántico” (M. Sabinina). La parte principal de la primera parte se distingue por un ritmo de marcha claro, como si fuera un canto, recogido. Sin embargo, ella es inquieta, nerviosa y ansiosa. Concluye con una exclamación familiar de la trompeta de la introducción. La melodía de flauta secundaria, elegante y ligeramente caprichosa al ritmo de un vals lento, es ligera y aireada. En el desarrollo, no sin la influencia del colorido lúgubre e inquietante de los motivos iniciales, la naturaleza de los temas principales cambia: el principal se vuelve convulso, confuso, el secundario se torna áspero y grosero. Al final de la parte, suenan las melodías de la sección introductoria, devolviendo al oyente a los estados de ánimo iniciales.
La segunda parte, scherzo, lleva la narrativa musical a otro plano. La música quisquillosa animada parece pintar una imagen de una calle ruidosa con su movimiento continuo. Esta imagen se reemplaza por otra: una melodía poética y suave de flautas en el espíritu de una canción popular rusa. Hay una imagen llena de calma. Pero poco a poco la música se va llenando de ansiedad. Y de nuevo vuelve el movimiento continuo, el bullicio, aún más provocador que al principio. El desarrollo conduce inesperadamente al sonido de contrapunto simultáneo de los dos temas principales del scherzo, ¡pero la melodía tranquila, parecida a una canción de cuna, ahora es entonada poderosa y sónicamente por trompas y trompetas! La forma compleja del scherzo (los musicólogos lo interpretan de manera diferente, tanto como una sonata sin elaboración, como una de dos partes con un marco, y como una de tres partes) se completa con una coda con acordes de piano medidos y agudos, una introducción lenta tema para las cuerdas y una señal de trompeta.
lento la tercera parte sumerge al oyente en un ambiente de reflexión, concentración, expectación. Los sonidos son bajos, oscilantes, como las fuertes olas de un mar fantástico. Luego crecen como un eje formidable, luego caen. De vez en cuando, las fanfarrias cortaban a través de esta bruma misteriosa. Hay una sensación de alerta, presentimientos ansiosos. Como si el aire se espesara antes de una tormenta, se hace difícil respirar. Melodías sentidas, conmovedoras y profundamente humanas chocan con el ritmo de la marcha fúnebre, creando trágicos choques. El compositor repite la forma de la segunda parte, pero su contenido es fundamentalmente diferente: si en las dos primeras partes la vida del héroe condicional de la sinfonía se desarrolló en aparente prosperidad, descuido, aquí se manifiesta el antagonismo de dos principios: subjetivo y objetivo, obligándonos a recordar colisiones similares de las sinfonías de Tchaikovsky.
tormentoso dramático el final comienza con una explosión, cuya anticipación impregna el movimiento anterior. Aquí, en la última y más ambiciosa y grandiosa sección de la sinfonía, se desarrolla una lucha acalorada. Los sonidos dramáticos, llenos de gran tensión, son reemplazados por momentos de olvido, descanso ... La parte principal "evoca la imagen de una multitud que corre presa del pánico ante una señal de socorro: una señal de trompetas apagadas, dada en la introducción al movimiento. (M. Sabinina). Aparece el miedo, la confusión, el tema del rock suena amenazante. El partido lateral apenas cubre el colosal tutti embravecido. Suavemente, soñadoramente entona su melodía solo de violín. Pero en el desarrollo, la canción lateral pierde su carácter lírico, se involucra en la lucha general, a veces se asemeja al tema de la procesión fúnebre de la tercera parte, a veces se vuelve terriblemente grotesco, a veces suena poderoso con metales, bloqueando toda la orquesta con sonido... Tras el clímax, rompiendo el calor del desarrollo, vuelve a sonar suave y apacible en un solo de violonchelo con sordina. Pero eso no es todo. En la coda tiene lugar una nueva y salvaje explosión de energía, donde el tema secundario se apodera de todas las voces superiores de la orquesta en un sonido extremadamente poderoso. Sólo en los últimos compases de la sinfonía se logra la afirmación. El resultado final sigue siendo optimista.
Sinfonía No. 2
Sinfonía núm. 2, dedicatoria a "Octubre" en si mayor, op. 14 (1927)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta piccolo, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, caja, platillos, bombo, trompa de fábrica, campanas, cuerdas; en la sección final coro mixto.
historia de la creacionA principios de 1927, al regresar de la competencia internacional de Chopin, en la que obtuvo el quinto lugar, Shostakovich se subió de inmediato a la mesa de operaciones. En realidad, la apendicitis que lo atormentaba fue, junto con la evidente parcialidad del jurado, uno de los motivos del fracaso competitivo. Inmediatamente después de la operación, comenzó la composición del piano "Aforismos": el joven compositor perdió la creatividad durante un descanso forzado causado por la preparación intensiva para las actuaciones competitivas. Y después de que el ciclo de piano se completó a principios de abril, se comenzó a trabajar en un plan completamente diferente.
El departamento de agitación del sector musical de la Editorial Estatal encargó a Shostakovich una sinfonía dedicada al décimo aniversario de la Revolución de Octubre. La orden oficial atestiguaba el reconocimiento de la autoridad creativa del músico de veinte años, y el compositor la aceptó con satisfacción, sobre todo porque sus ingresos eran ocasionales e irregulares, principalmente de actividades interpretativas.
Mientras trabajaba en esta sinfonía, Shostakovich fue absolutamente sincero. Recordemos: las ideas de justicia, igualdad, fraternidad poseyeron durante siglos las mejores mentes de la humanidad. Muchas generaciones de nobles rusos y raznochintsy hicieron sacrificios en el altar de servirlos. Para Shostakovich, educado en estas tradiciones, la revolución todavía parecía un torbellino purificador que traía justicia y felicidad. Se entusiasmó con la idea, que puede parecer juvenilmente ingenua, de crear un monumento sinfónico para cada una de las fechas significativas del joven estado. El primer monumento de este tipo fue la Segunda Sinfonía, que recibió el nombre del programa de la dedicación sinfónica a "Octubre".
Se trata de una pieza de una sola pieza, construida en forma libre. En su creación, y en la idea general de una serie de "monumentos musicales", las impresiones de la "calle" jugaron un papel importante. En los primeros años posrevolucionarios apareció el arte de la propaganda de masas. Fue a las calles y plazas de la ciudad. Recordando la experiencia de la Gran Revolución Francesa de 1789, artistas, músicos y figuras teatrales se dedicaron a crear grandiosas "acciones" programadas para coincidir con las nuevas festividades soviéticas. Por ejemplo, el 7 de noviembre de 1920, en las plazas centrales y los terraplenes de Neva de Petrogrado, se representó una grandiosa puesta en escena de "La captura del Palacio de Invierno". Formaciones militares, los automóviles participaron en la actuación, fueron dirigidos por un cuartel general de producción de combate, el diseño fue creado por artistas destacados, incluido Boris Kustodiev, un buen amigo de Shostakovich.
Fresco, escenas llamativas, cánticos de mítines, varios efectos de sonido y ruido: el silbido de los disparos de artillería, el ruido de los motores de los automóviles, el crepitar del fuego de los rifles, todo esto se utilizó en las producciones. Y Shostakovich también hizo un amplio uso de las técnicas de sonido y ruido. En un esfuerzo por transmitir una imagen generalizada de las personas que hicieron la revolución, incluso utilizó en la sinfonía un "instrumento musical" nunca antes visto como un silbato de fábrica.
Trabajó en la sinfónica en el verano. Fue escrito muy rápido: el 21 de agosto, por llamada de la editorial, el compositor fue a Moscú: "El sector de la música me llamó por telegrama para demostrar mi música revolucionaria", escribió Shostakovich a Sollertinsky desde Tsarskoye Selo, donde descansaba. en esos días y donde comenzó un nuevo capítulo de su vida personal, el joven conoció allí a las hermanas Varzar, una de las cuales, Nina Vasilyevna, se convirtió en su esposa unos años después.
Al parecer, el programa fue un éxito. La sinfonía fue aceptada. Su primera actuación tuvo lugar en un ambiente solemne en vísperas de la fiesta soviética del 6 de noviembre de 1927 en Leningrado bajo la dirección de N. Malko.
MúsicaLa primera sección de la sinfonía fue definida por la crítica como "una imagen inquietante de devastación, anarquía, caos". Comienza con un sonido sordo de cuerdas bajas, lúgubre, poco claro, fundido en un estruendo continuo. Está interrumpido por fanfarrias lejanas, como dando una señal para la acción. Hay un ritmo de marcha enérgico. Luchar, esforzarse hacia adelante, de la oscuridad a la luz: este es el contenido de esta sección. A esto le sigue un episodio de trece voces, tras el cual la crítica le asignó el nombre de fugato, aunque en él no se observan en el sentido exacto las reglas por las que se escribe fugato. Hay una entrada sucesiva de voces: violín solo, clarinete, fagot, luego sucesivamente otros instrumentos de madera y de cuerda, interconectados solo métricamente: no hay entonación ni conexión tonal entre ellos. El significado de este episodio es una enorme oleada de energía que conduce a un clímax: los solemnes llamados fortissimo de cuatro cuernos.
El ruido de la batalla disminuye. La parte instrumental de la sinfonía termina con un episodio lírico con un expresivo solo de clarinete y violín. El silbato de fábrica, apoyado por tambores, precede a la conclusión de la sinfonía, en la que el coro entona los versos lema de Alexander Bezymensky:
Caminábamos, pedíamos trabajo y pan,((A. Bezymensky))
Los corazones estaban apretados por el vicio de la angustia.
Tuberías de fábrica estiradas hacia el cielo,
Como manos, impotentes para apretar los puños.
El nombre de nuestras redes era terrible:
Silencio, sufrimiento, opresión...
La música de esta sección se distingue por una textura clara -cordal o voz imitativa-, un claro sentido de la tonalidad. La aleatoriedad de las secciones anteriores, puramente orquestales, desaparece por completo. Ahora la orquesta simplemente acompaña el canto. La sinfonía termina solemnemente, afirmativamente.
Sinfonía No. 3
Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, op. 20, Primero de Mayo (1929)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta piccolo, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, caja, platillos, bombo, cuerdas; en la sección final coro mixto.
historia de la creacionEn la primavera de 1929, Shostakovich trabajó en la música de la película "New Babylon", que entregó al estudio de cine en marzo. El trabajo realizado lo cautivó con la insólita tarea: escribir música para una película muda, música que sería interpretada en lugar de las habituales improvisaciones de un pianista sentado en una sala de cine. Además, todavía se las arreglaba para hacer trabajos ocasionales, y una buena tarifa de la fábrica de películas (como se llamaba en aquellos días al más tarde famoso Lenfilm) no era del todo superflua. Inmediatamente después de esto, el compositor se dispuso a crear la Tercera Sinfonía. En agosto se terminó, también se recibió una tarifa por él y, por primera vez, el compositor pudo darse el lujo de irse de vacaciones al sur. Visitó Sebastopol, luego se detuvo en Gudauty, desde donde escribió a Sollertinsky, en particular, sobre su deseo de que Gauk dirigiera la Sinfonía del Primero de Mayo.
En su propia anotación, Shostakovich escribió: “La Sinfonía del Primero de Mayo fue compuesta en el verano de 1929. La sinfonía forma parte de un ciclo de obras sinfónicas dedicadas al revolucionario Calendario Rojo. La primera parte del ciclo previsto es una dedicatoria sinfónica a "Octubre", la segunda parte es la "Sinfonía del Primero de Mayo". Tanto “Octubre” como “May Day Symphony” no son obras de tipo puramente programático. El autor ha querido transmitir el carácter general de estas fiestas. Si la dedicatoria de "Octubre" reflejó la lucha revolucionaria, entonces la "Sinfonía del Primero de Mayo" refleja nuestra construcción pacífica. Esto, sin embargo, no significa que en la Sinfonía del Primero de Mayo la música sea enteramente de un carácter apoteótico y festivo. La construcción pacífica es una lucha muy intensa, con las mismas batallas y victorias que una guerra civil. El autor se guió por tales consideraciones al componer la Sinfonía del Primero de Mayo. La sinfonía fue escrita en un solo movimiento. Comienza con una melodía de clarinete ligera y heroica, pasando a una parte principal que se desarrolla vigorosamente.
Después de una gran preparación, que fluye hacia la marcha, comienza la parte media de la sinfonía: un episodio lírico. El episodio lírico es seguido sin interrupción por un scherzo, convirtiéndose nuevamente en una marcha, solo que más animada que al principio. El episodio termina con un grandioso recitativo de toda la orquesta al unísono. Después del recitativo, comienza el final, que consiste en una introducción (recitativo de trombones) y un coro final a los versos de S. Kirsanov.
El estreno de la sinfonía tuvo lugar el 6 de noviembre de 1931 en Leningrado bajo la dirección de A. Gauk. La música era figurativamente concreta, evocando asociaciones visuales directas. Los contemporáneos vieron en él cómo “la imagen del despertar primaveral de la naturaleza se entrelaza con las imágenes de las reuniones revolucionarias del Primero de Mayo… Hay tanto un paisaje instrumental que abre la sinfonía como un mitin volador con entonaciones oratorias optimistas. El movimiento sinfónico adquiere el carácter heroico de la lucha…” (D. Ostretsov). Se señaló que la "Sinfonía del Primero de Mayo" es "casi un intento único del nacimiento de la sinfonía a partir de la dinámica de la oratoria revolucionaria, la atmósfera oratoria, las entonaciones oratorias" (B. Asafiev). Aparentemente, jugó un papel importante el hecho de que esta sinfonía, a diferencia de la Segunda, se creó después de escribir música para películas, después de la creación de la ópera La nariz, que también fue en gran parte "cinematográfica" en términos de métodos. De ahí el espectáculo, la "visibilidad" de las imágenes.
MúsicaLa sinfonía se abre con una introducción serenamente ligera. El dúo de clarinetes está impregnado de claros giros melódicos, como de canción. La señal de llamada de la trompeta, sonando alegremente, da paso a un episodio rápido que tiene la función de una sonata allegro. Comienza un alboroto alegre, un hervidero festivo, en el que se distinguen episodios invocativos, declamatorios, cantados. Comienza la fugato, casi bachiana en cuanto a la precisión de la técnica imitativa y la convexidad del tema. Conduce a un clímax que se rompe repentinamente. Entra un episodio de marcha, con el golpe de un tambor, el canto de cuernos y trompetas, como si los destacamentos pioneros estuvieran saliendo el Primero de Mayo. En el siguiente episodio, la marcha se realiza solo con instrumentos de viento de madera, y luego flota un fragmento lírico en el que, como ecos distantes, se encajan los sonidos de una banda de música, fragmentos de bailes o un vals ... Esta es una especie de scherzo y una parte lenta dentro de una sinfonía de un solo movimiento. Un mayor desarrollo musical, activo, variado, conduce a un episodio de un mitin, donde se escuchan en la orquesta recitativos fuertes, "llamadas" a la gente (solo de tuba, melodía de trombón, llamadas de trompeta), después de lo cual comienza la conclusión coral en el versos de S. Kirsanov:
El primero Primero de mayo((S. Kirsanov))
Arrojado a la antigua brillantez.
Soplando una chispa en el fuego
Las llamas cubrieron el bosque.
Con la oreja de los árboles caídos
Los bosques escucharon
En todavía jóvenes días de mayo
Susurros, voces...
Sinfonía No. 4
Sinfonía núm. 4, en do menor, op. 43 (1935-1936)
Composición orquestal: 4 flautas, 2 flautas piccolo, 4 oboes, cor anglais, 4 clarinetes, clarinete piccolo, clarinete bajo, 3 fagotes, contrafagot, 4 trompetas, 8 trompetas, 3 trombones, tuba, 6 timbales, triángulo, castañuelas, taco de madera , caja, platillos, bombo, tom-tom, xilófono, campanas, celesta, 2 arpas, cuerdas.
historia de la creacionLa Cuarta Sinfonía marca una etapa cualitativamente nueva en la obra del sinfonista Shostakovich. El compositor comenzó a escribirlo el 13 de septiembre de 1935; su finalización está fechada el 20 de mayo de 1936. Entre estas dos fechas, ocurrieron muchos eventos importantes. Shostakovich ya ha ganado fama mundial. Esto fue facilitado no solo por las numerosas representaciones de la Primera Sinfonía en el extranjero, la creación de la ópera La nariz después de Gogol, sino también por la puesta en escena de la ópera Lady Macbeth del distrito de Mtsensk en los escenarios de ambas capitales, que los críticos calificaron con razón. entre las mejores obras de este género.
El 28 de enero de 1936, el órgano central del partido comunista en el poder, el periódico Pravda, publicó un editorial titulado "Confundir en lugar de música", en el que la ópera, que no gustó a Stalin y sus secuaces, fue objeto no solo de mordaces críticas. críticas, sino a la difamación grosera y obscena. Unos días después, el 6 de febrero, se publicó allí el artículo "Ballet Falsity", sobre el ballet de Shostakovich "The Bright Stream". Y comenzó la frenética persecución del artista.
Se llevaron a cabo reuniones en Moscú y Leningrado, en las que los músicos criticaron al compositor, se golpearon el pecho y se arrepintieron de sus errores, si lo habían elogiado previamente. Shostakovich estaba prácticamente solo. Solo su esposa y fiel amiga Sollertinsky lo apoyó. Sin embargo, no fue más fácil para Sollertinsky: él, una destacada figura musical, un brillante erudito que promovió las mejores obras de nuestro tiempo, fue llamado el genio maligno de Shostakovich. En las pésimas condiciones de la época, cuando sólo había un paso de las acusaciones estéticas a las políticas, cuando ni una sola persona en el país podía estar asegurada contra la visita nocturna del “cuervo negro” (como llamaba la gente a las lúgubres furgonetas cerradas en el que se llevaron a los arrestados), la posición de Shostakovich era muy grave. Muchos simplemente tenían miedo de saludarlo y cruzaban al otro lado de la calle si lo veían caminar hacia ellos. No es de extrañar que la obra resultara avivada por el aliento trágico de aquellos días.
Otra cosa también es importante. Incluso antes de todos estos eventos, después de las composiciones de un solo movimiento aparentemente teatrales de la Segunda y la Tercera, enriquecidas por la experiencia de escribir su segunda ópera, Shostakovich decidió dedicarse a la creación de un ciclo sinfónico filosóficamente significativo. Jugó un papel muy importante el hecho de que Sollertinsky, quien había sido el amigo más cercano del compositor durante varios años, lo contagió de su amor ilimitado por Mahler, un artista humanista único que creó, como él mismo escribió, "mundos" en sus sinfonías, y no simplemente encarnar este o aquel concepto musical diferente. Sollertinsky, allá por 1935, en una conferencia dedicada al sinfonismo, instó a su amigo a crear una sinfonía conceptual, alejarse de los métodos de dos experimentos anteriores en este género.
Según uno de los colegas más jóvenes de Shostakovich, el compositor I. Finkelstein, quien en ese momento era asistente de Shostakovich en el conservatorio, las notas de la Séptima Sinfonía de Mahler invariablemente estaban en el piano del compositor mientras componía la Cuarta. La influencia del gran sinfonista austríaco se reflejó tanto en la grandeza del concepto, y en la monumentalidad de formas previamente desconocidas para Shostakovich, como en la elevada expresión del lenguaje musical, en repentinos contrastes agudos, en la mezcla de “bajos”. y géneros “elevados”, en el entretejido cercano de letras y grotescos, incluso en el uso de las entonaciones favoritas de Mahler.
La Orquesta Filarmónica de Leningrado, dirigida por Stidri, ya estaba practicando la sinfonía cuando se canceló su actuación. Anteriormente, hubo una versión según la cual el propio compositor canceló la actuación, ya que no estaba satisfecho con el trabajo del director y la orquesta. En los últimos años, apareció otra versión: que la actuación estaba prohibida "desde arriba", de Smolny. I. Glikman en el libro "Cartas a un amigo" dice que, según el propio compositor, la sinfonía fue "eliminada por recomendación urgente de Renzin (en ese momento el director de la Filarmónica), que no quería utilizar administrativo medidas y le rogó al propio autor que se negara a realizar ... "Creo que, en la atmósfera de esos años, esta recomendación, en esencia, salvó a Shostakovich. No hubo "sanciones", pero sin duda lo habrían sido si tal sinfonía hubiera sonado tan poco tiempo después del memorable artículo "Confusión en lugar de música". Y no se sabe cómo pudo haber terminado esto para el compositor. El estreno de la sinfonía se retrasó durante muchos años. Por primera vez, esta composición se realizó solo el 30 de diciembre de 1961 bajo la dirección de Kirill Kondrashin.
Fue una gran sinfonía. Luego, a mediados de la década de 1930, era imposible comprenderlo por completo. Solo muchas décadas después, después de enterarse de los crímenes de los líderes del “partido de un nuevo tipo”, como se autodenominaban los bolcheviques; sobre el genocidio contra el propio pueblo, sobre el triunfo de la anarquía, escuchando nuevamente las sinfonías de Shostakovich, comenzando precisamente desde la Cuarta, entendemos que él, muy probablemente sin saber lo que estaba sucediendo en su totalidad, con el genio instinto de un músico previó todo esto y lo expresó en su música, igual a la que, por la fuerza de la encarnación de nuestra tragedia, no existe y, tal vez, ya no existirá.
MúsicaPrimera parte La sinfonía comienza con una introducción lacónica, seguida de una gran parte principal. El primer tema, similar a una marcha dura, está lleno de un poder malvado e indomable. Es reemplazado por un episodio más transparente, aparentemente inestable. Ritmos de marcha se abren paso a través de vagabundeos oscuros. Poco a poco, conquistan todo el espacio sonoro, alcanzando una enorme intensidad. La parte lateral es profundamente lírica. El monólogo del fagot, apoyado por cuerdas, suena sobrio y lúgubre. El clarinete bajo, el violín solo, las trompetas entran con sus "declaraciones". Colores mezquinos, apagados, colores austeros le dan a esta sección un sonido ligeramente misterioso. Y de nuevo, imágenes grotescas penetran gradualmente, como si una obsesión diabólica reemplazara el silencio encantado. El gran desarrollo se abre con un baile de marionetas caricaturizado, en cuyos contornos se reconocen los contornos del tema principal. Su sección central es un torbellino de fugato de cuerdas, que crece hasta convertirse en una huella formidable de una marcha rápida. El desarrollo concluye con un fantástico episodio parecido a un vals. En la repetición, los temas suenan en el orden inverso: primero, lado, entonados agudamente por la trompeta y el trombón contra el fondo de ritmos de cuerda claros y suavizados por el timbre tranquilo del corno inglés. El solo de violín lo completa con su melodía lírica pausada. Entonces el fagot canta melancólicamente el tema principal, y todo se funde en un silencio alerta, interrumpido por arrebatos misteriosos.
La segunda parte- scherzo. En movimiento moderado, melodías retorcidas fluyen sin parar. Tienen una relación entonativa con algunos de los temas del primer movimiento. Está su repensamiento, su re-entonación. Hay imágenes grotescas, motivos inquietantes, rotos. El primer tema es danza-elástico. Su presentación en las violas, entrelazadas con muchos matices sutiles, le da a la música un sabor fantasmagórico y fantástico. Su desarrollo va en ascenso hasta un clímax alarmante en el sonido de los trombones. El segundo tema es un vals, levemente melancólico, levemente caprichoso, enmarcado por un retumbante solo de timbales. Estos dos temas se repiten, creando así una forma doble de dos partes. En el código, todo se desvanece gradualmente, el primer tema parece disolverse, solo se escucha el ominoso repiqueteo seco de las castañuelas.
El final, de enorme extensión, tiene básicamente la imagen de una majestuosa y lúgubre marcha fúnebre (de nuevo, se recuerda a Mahler: la gigantesca primera parte -"Trizna"-, la Segunda Sinfonía, la primera parte de la Quinta. Las asociaciones surgen con la marcha fúnebre desde "La muerte de los dioses" de Wagner). En el marco de esta procesión fúnebre, varias pinturas se reemplazan unas a otras: un scherzo pesado, de fuerte acento, imbuido de ansiedad, una escena pastoril con trinos de pájaros y una melodía ligera e ingenua (también en el espíritu de las pastorales de Mahler); un vals ingenioso, más bien incluso su rústico hermano mayor landler; la alegre canción de polca del fagot solista, acompañada de cómicos efectos orquestales; una alegre marcha juvenil... Después de una larga preparación, vuelve la marcha del majestuoso cortejo fúnebre. El tema de la marcha, sonando sucesivamente en instrumentos de viento, trompetas y cuerdas, alcanza un grado extremo de tensión y se rompe repentinamente. La coda del final es un eco de lo sucedido, un lento derretimiento en un largo acorde de cuerdas.
Sinfonía No. 5
Sinfonía núm. 5 en re menor, op. 47 (1937)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta piccolo, 2 oboes, 2 clarinetes, clarinete piccolo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompetas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, tambor militar, triángulo, platillos, bombo, tom-tom, campanas, xilófono, celesta, 2 arpas, piano, cuerdas.
historia de la creacionEn enero y febrero de 1936, se lanzó en la prensa una persecución sin precedentes de Shostakovich, entonces ya un reconocido compositor de talla mundial. Se le acusó de formalismo, de aislamiento del pueblo. La gravedad de las acusaciones era tal que el compositor temía seriamente que lo arrestaran. La cuarta sinfonía, que completó en los meses siguientes, permaneció desconocida durante muchos años: su interpretación se pospuso durante un cuarto de siglo.
Pero el compositor siguió creando. Junto con la música para películas, que había que escribir, ya que era la única fuente de sustento para la familia, la siguiente, la Quinta Sinfonía, cuyo contenido tenía mucho en común con la Cuarta, se escribió a las pocas semanas de 1937. La naturaleza de las temáticas era similar, al igual que el concepto. Pero el autor dio un paso colosal: el estricto clasicismo de las formas, la precisión y precisión del lenguaje musical permitieron cifrar el verdadero significado. Ante la pregunta de la crítica sobre de qué trata esta música, el propio compositor respondió que quería mostrar “cómo el optimismo como visión del mundo se establece a través de una serie de trágicos conflictos, una gran lucha interna”.
La Quinta Sinfonía se interpretó por primera vez el 21 de noviembre del mismo año en el Gran Salón de la Filarmónica de Leningrado bajo la dirección de E. Mravinsky. El ambiente de sensacionalismo reinó en el estreno. Todos estaban preocupados por cómo respondió el compositor a las terribles acusaciones en su contra.
Ahora está claro con qué precisión la música reflejó su tiempo. La época en que un enorme país parecía hervir de entusiasmo durante el día con los alegres versos “Si nos quedamos quietos, siempre tenemos razón en nuestra osadía”, y no dormía por la noche, embargado de horror, escuchando los ruidos de la calle, cada minuto esperando pasos en las escaleras y fatal golpe en la puerta. Fue sobre esto que Mandelstam escribió en ese momento:
Vivo en las escaleras negras y en el templo((Mandelstam))
Una campana desgarrada de carne me golpea,
Y toda la noche esperando queridos invitados,
Moviendo los grilletes de las cadenas de las puertas...
De eso se trataba la nueva sinfonía de Shostakovich. Pero su música no tenía palabras, y los intérpretes y los oyentes podían interpretarla de diferentes maneras. Por supuesto, trabajando con Mravinsky, Shostakovich, que estuvo presente en todos los ensayos, se esforzó por asegurarse de que la música sonara "optimista". Probablemente tuvo éxito. Además, al parecer, "desde arriba" se decidió que la acción punitiva contra Shostakovich había terminado temporalmente: el principio del palo y la zanahoria estaba en vigor, y ahora era el momento de la zanahoria.
Se organizó un "reconocimiento público". No es casualidad que se encargaran artículos sobre la Quinta Sinfonía no solo a músicos, en particular a Mravinsky, sino también a Alexei Tolstoy, reconocido oficialmente como uno de los mejores escritores soviéticos, y al famoso piloto Mikhail Gromov. Por supuesto, este último no hablaría en las páginas de la prensa por su propia voluntad. El propio compositor escribió: “... El tema de mi sinfonía es la formación de la personalidad. Fue el hombre con todas sus vivencias lo que vi en el centro de la idea de esta obra, lírica en su almacén de principio a fin. El final de la sinfonía resuelve los momentos trágicamente tensos de las primeras partes de una manera alegre y optimista. A veces tenemos la cuestión de la legitimidad del género mismo de la tragedia en el arte soviético. Pero al mismo tiempo, la tragedia genuina a menudo se mezcla con la fatalidad, el pesimismo. Creo que la tragedia soviética como género tiene todo el derecho a existir..."
Sin embargo, escucha atentamente el final: ¿es todo inequívocamente optimista, como declaró el compositor? Un conocedor de la música, filósofo, ensayista G. Gachev escribe sobre el Quinto: "... 1937 - bajo el aullido de las masas que se manifiestan, marchando, exigiendo la ejecución de" enemigos del pueblo ", la máquina-guillotina del Estado gira y grita, y esto está en el final de la Quinta Sinfonía ... "Y además:" La URSS está en un sitio de construcción, pero quién sabe qué, ¿un futuro feliz o el Gulag? ..
MúsicaPrimera parte La sinfonía se despliega como una narración saturada de dolor personal y, al mismo tiempo, de profundidad filosófica. Las "preguntas" persistentes de los compases iniciales, tensas como un nervio estirado, son reemplazadas por la melodía de los violines: inestable, inquisitiva, con contornos rotos e indefinidos (los investigadores la definen con mayor frecuencia como hamletiana o fáustica). A continuación, una parte lateral, también en el timbre claro de los violines, ilustrada, castamente gentil. Hasta ahora no hay conflicto, solo diferentes lados de una imagen atractiva y compleja. Otras entonaciones irrumpieron en desarrollo: ásperas, inhumanas. En la cima de la ola dinámica, surge una marcha mecanicista. Parece que todo va reprimiendo el desalmado movimiento pesado al áspero golpe del tambor (esta es la primera manifestación poderosa de la imagen de una fuerza opresiva ajena, que se originó en la primera parte de la Cuarta Sinfonía, que recorrerá casi todo el mundo). de la obra sinfónica del compositor, saliendo a la luz la mayor fuerza en la Séptima Sinfonía). Pero “debajo de él” siguen surgiendo las entonaciones iniciales, “preguntas” de la introducción; se abren camino al azar, habiendo perdido su resistencia anterior. La repetición se ve ensombrecida por eventos anteriores. El tema secundario ahora no suena con los violines, sino en el diálogo de la flauta y el cuerno, amortiguado, eclipsado. En conclusión, también en la flauta, el primer tema suena en circulación, como al revés. Sus ecos suben, como iluminados por el sufrimiento.
La segunda parte según las leyes del ciclo sinfónico clásico, se aparta temporalmente del conflicto principal. Pero esto no es un retiro ordinario, no es una simple diversión. El humor no es tan afable como podría sonar inicialmente. En la música del scherzo de tres partes, insuperable en elegancia y artesanía de filigrana, hay una sonrisa sutil, ironía y, a veces, algún tipo de mecanismo. Parece que no es una orquesta lo que suena, sino un gigantesco juguete de cuerda. Hoy diríamos: son robots bailarines ... La diversión se siente como falsa, inhumana, a veces se escuchan notas siniestras. Quizás lo más claro aquí es la continuidad con los grotescos scherzos de Mahler.
la tercera parte concentrado, desprendido de todo lo externo, aleatorio. Esto es contemplación. Una profunda reflexión del artista-pensador sobre sí mismo, sobre el tiempo, sobre los hechos, sobre las personas. El fluir de la música es tranquilo, su desarrollo es pausado. Melodías penetrantes se reemplazan unas a otras, como si nacieran unas de otras. Se escuchan monólogos líricos, un breve episodio coral. ¿Quizás este es un réquiem para los que ya han muerto y para los que todavía esperan la muerte que acecha en la noche? Aparece la excitación, la confusión, el patetismo, se escuchan exclamaciones de dolor mental... La forma del papel es libre y fluida. Interactúa con varios principios compositivos, combina características de sonata, variación y rondó que contribuyen al desarrollo de una imagen dominante.
El final sinfonías (forma de sonata con un episodio en lugar de un desarrollo) en un movimiento de marcha decisivo y decidido, parece barrer todo lo superfluo. Está avanzando, cada vez más rápido, la vida misma tal como es. Y queda fusionarse con él o ser barrido por él. Si lo desea, puede interpretar esta música como optimista. En él, el ruido de la multitud callejera, la fanfarria festiva. Pero hay algo febril en este júbilo. El movimiento giratorio es reemplazado por sonidos de himnos solemnes que, sin embargo, carecen de un canto genuino. Luego hay un episodio de reflexión, una declaración lírica excitada. Nuevamente: reflexión, reflexión, salida del entorno. Pero hay que volver a él: se escuchan siniestros estallidos de tambores desde lejos. Y de nuevo entra la fanfarria oficial, sonando bajo los ambiguos compases -ya sean festivos o luctuosos- de los timbales. Con estos martillazos termina la sinfonía.
Sinfonía No. 6
Sinfonía núm. 6, en si menor, op. 54 (1939)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta piccolo, 2 oboes, cor anglais, 2 clarinetes, clarinete piccolo, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, caja, tambor de guerra, triángulo, platillos, bombo, tom-tom, xilófono, celesta, arpa, cuerdas.
historia de la creacionA mediados de los años treinta, Shostakovich trabajó muy duro. Por lo general, justo por encima de varias composiciones. Casi simultáneamente, se creó música para la obra de teatro de Afinogenov "Salut, Spain!", encargada por el Teatro Pushkin (antiguo y ahora Alejandría), romances basados en los poemas de Pushkin, música para las películas "Maxim's Youth", "Maxim's Return", "Vyborg Lado". En esencia, a excepción de algunos romances, todo lo demás se hizo por dinero, aunque el compositor siempre trabajó de manera muy responsable, sin permitir una actitud fácil ante las órdenes. La herida infligida por el editorial "Confundir en lugar de música", publicado el 28 de enero de 1936 en el órgano central del partido, el diario Pravda, no cicatrizó. Después de la difamación de que fue objeto en la prensa "Lady Macbeth del distrito de Mtsensk", y de hecho toda la dirección creativa del compositor, tuvo miedo de retomar la ópera. Aparecieron varias propuestas, se le mostró el libreto, pero Shostakovich invariablemente se negó. Se prometió a sí mismo no escribir una ópera hasta que Lady Macbeth se representara de nuevo. Por lo tanto, solo los géneros instrumentales permanecieron accesibles para él.
Una salida entre las obras impuestas y al mismo tiempo una prueba de sí mismo en un nuevo género fue el Primer Cuarteto de Cuerdas, que fue escrito a lo largo de 1938. Este fue solo el tercero, después del Trío juvenil y la Sonata para violonchelo y piano escrita en 1934, una apelación al género instrumental de cámara. El cuarteto se creó largo y duro. Shostakovich informó en detalle sobre todas las etapas de su composición en cartas a su amado amigo, la destacada figura musical Sollertinsky, quien estaba en el hospital en esos meses. Recién en otoño el compositor, con su característico humor específico, dijo: “Terminé… mi cuarteto, cuyo comienzo toqué para Ti. En el proceso de composición, reconstruí sobre la marcha. La primera parte fue la última, la última, la primera. Todas las partes 4. Resultó que no estaba tan caliente. Pero, por cierto, es difícil componer bien. Tienes que ser capaz de hacerlo".
Tras el final del cuarteto, surgió una nueva idea sinfónica. La Sexta Sinfonía se creó a lo largo de varios meses en 1939. Es significativo que aproximadamente un año antes de su estreno, en entrevistas con periódicos, Shostakovich dijo que le atraía la idea de una sinfonía dedicada a Lenin, una de gran escala, utilizando poemas y textos populares de Mayakovsky (obviamente, pseudo-folk, glorificando a los líderes, poemas que se crearon en gran cantidad y se hicieron pasar por arte popular), con la participación del coro y los cantantes solistas. Ya no sabemos si el compositor realmente consideró tal composición o si fue una especie de camuflaje. Quizás le pareció necesario escribir tal sinfonía para confirmar su lealtad: las acusaciones de formalismo, de la ajena de su obra al pueblo, aunque no tan agresivas como hace dos años, siguieron apareciendo. Y la situación política en el país no ha cambiado en absoluto. Los arrestos continuaron de la misma manera, las personas desaparecieron tan repentinamente, incluidos los conocidos cercanos de Shostakovich: el famoso director Meyerhold, el famoso mariscal Tukhachevsky. En esta situación, la Sinfonía de Lenin no fue en absoluto superflua, pero ... no funcionó. La nueva composición resultó ser una completa sorpresa para los oyentes. Todo fue inesperado: tres movimientos en lugar de los cuatro habituales, la ausencia de una rápida sonata allegro al principio, el segundo y tercer movimiento similares en términos de imágenes. Sinfonía sin cabeza - llamada Sexta por algunos críticos.
La sinfonía se interpretó por primera vez en Leningrado el 5 de noviembre de 1939 bajo la dirección de E. Mravinsky.
MúsicaCadenas ricas al principio primera parte se sumerge en la atmósfera del pensamiento tenso típico de Shostakovich: inquisitivo, indagador. Esta es música de asombrosa belleza, pureza y profundidad. El solo de flauta flautín, una melodía conmovedoramente solitaria, de alguna manera desprotegida, flota fuera de la corriente general y vuelve a entrar en ella. Se escuchan ecos de una marcha fúnebre... Ahora parece que se trata de una actitud triste, ya veces trágica, de una persona que se encuentra en circunstancias impensables. ¿Acaso lo que sucedía a su alrededor no daba motivos para tales sentimientos? El dolor personal de cada uno se desarrolló con muchas tragedias personales, convirtiéndose en el destino trágico del pueblo.
La segunda parte, scherzo, esto es una especie de torbellino irreflexivo de máscaras, no imágenes vivas. La diversión del carnaval de marionetas. Parece que apareció por un momento una brillante invitada de la primera parte (la flauta piccolo la recuerda). Y allí mismo: movimientos pesados, sonidos de fanfarria, timbales de la fiesta "oficial" ... Vuelve el torbellino irreflexivo de las máscaras de la muerte.
El final- esta es, quizás, una imagen de la vida que continúa como de costumbre, día tras día en la rutina habitual, sin dar tiempo ni oportunidad para la reflexión. La música, como casi siempre con Shostakovich, al principio no temerosa, casi deliberada en su alegría ligeramente exagerada, adquiere gradualmente características formidables, se convierte en un alboroto de fuerzas, más allá e inhumanas. Todo se mezcla aquí: temas musicales clásicos, Hyde-Mozart-Rossinian y entonaciones modernas de juventud, canciones alegremente optimistas y entonaciones rítmicas pop-dance. Y todo esto se funde en el júbilo general, sin dejar lugar a la reflexión, al sentimiento, a la manifestación de la personalidad.
Sinfonía No. 7
Sinfonía núm. 7, en do mayor, op. 60, Leningrado (1941)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta alto, flauta piccolo, 2 oboes, cor anglais, 2 clarinetes, clarinete piccolo, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompetas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, 5 timbales, triángulo, pandereta, caja, platillos, bombo, tom-tom, xilófono, 2 arpas, piano, cuerdas.
historia de la creacionNo se sabe exactamente cuándo, a finales de los años 30 o en 1940, pero en cualquier caso, incluso antes del comienzo de la Gran Guerra Patriótica, Shostakovich escribió variaciones sobre un tema inmutable: un passacaglia, similar en diseño al Bolero de Ravel. Se lo mostró a sus colegas y estudiantes más jóvenes (desde el otoño de 1937, Shostakovich enseñó composición y orquestación en el Conservatorio de Leningrado). El tema es simple, como si fuera un baile, desarrollado sobre el fondo del ritmo seco del tambor y creció hasta alcanzar una enorme potencia. Al principio sonaba inofensivo, incluso algo frívolo, pero se convirtió en un terrible símbolo de represión. El compositor pospuso esta composición sin interpretarla ni publicarla.
El 22 de junio de 1941 su vida, como la de todas las personas de nuestro país, cambió radicalmente. Comenzó la guerra, los planes anteriores fueron tachados. Todos comenzaron a trabajar para las necesidades del frente. Shostakovich, junto con todos los demás, cavó trincheras y estuvo de servicio durante los ataques aéreos. Hizo arreglos para equipos de concierto enviados a unidades activas. Naturalmente, no había pianos al frente, y cambió los acompañamientos para pequeños conjuntos, haciendo otro trabajo necesario, según le parecía. Pero como siempre con este músico-publicista único -como fue el caso desde la infancia, cuando las impresiones momentáneas de los turbulentos años revolucionarios se transmitieron en la música-, una gran idea sinfónica dedicada a lo que estaba sucediendo comenzó a madurar de inmediato. Comenzó a escribir la Séptima Sinfonía. La primera parte se completó en el verano. Logró mostrárselo a su amigo más cercano I. Sollertinsky, quien el 22 de agosto partía rumbo a Novosibirsk junto a la Sociedad Filarmónica, de la que había sido director artístico durante muchos años. En septiembre, ya en la sitiada Leningrado, el compositor creó la segunda parte y se la mostró a sus colegas. Comenzó a trabajar en la tercera parte.
El 1 de octubre, por orden especial de las autoridades, él, junto con su esposa y sus dos hijos, fueron trasladados en avión a Moscú. Desde allí, después de medio mes en tren, se dirigió más al este. Inicialmente, se planeó ir a los Urales, pero Shostakovich decidió detenerse en Kuibyshev (como se llamaba a Samara en esos años). El Teatro Bolshoi tenía su sede aquí, había muchos conocidos que por primera vez aceptaron al compositor y su familia, pero muy rápidamente el liderazgo de la ciudad le asignó una habitación y, a principios de diciembre, un apartamento de dos habitaciones. En él se colocó un piano, prestado por una escuela de música local. Podríamos seguir trabajando.
A diferencia de las primeras tres partes, creadas literalmente de una sola vez, el trabajo en la final avanzó lentamente. Fue triste, inquietante. Madre y hermana permanecieron en la sitiada Leningrado, que experimentó los días más terribles, hambrientos y fríos. El dolor para ellos no se fue por un minuto. También fue malo sin Sollertinsky. El compositor está acostumbrado al hecho de que un amigo siempre está ahí, que puedes compartir los pensamientos más íntimos con él, y esto en esos días de denuncia general se convirtió en el mayor valor. Shostakovich le escribía a menudo. Informaba literalmente de todo lo que se podía confiar al correo censurado. En particular, sobre el hecho de que el final "no está escrito". No en vano, la última parte no funcionó durante mucho tiempo. Shostakovich comprendió que en la sinfonía dedicada a los acontecimientos de la guerra, todos esperaban una solemne apoteosis victoriosa con el coro, una celebración de la victoria venidera. Pero todavía no había motivos para esto, y escribió según lo insinuaba su corazón. No es casualidad que más tarde se difundiera la opinión de que el final era inferior en significado a la primera parte, que las fuerzas del mal resultaron ser mucho más fuertes que el principio humanista que se les oponía.
El 27 de diciembre de 1941 se completó la Séptima Sinfonía. Por supuesto, Shostakovich quería que su orquesta favorita la interpretara: la Orquesta Filarmónica de Leningrado dirigida por Mravinsky. Pero estaba lejos, en Novosibirsk, y las autoridades insistieron en un estreno urgente: se le dio un significado político a la interpretación de la sinfonía, que el compositor llamó Leningrado y dedicó a la hazaña de su ciudad natal. El estreno tuvo lugar en Kuibyshev el 5 de marzo de 1942. Tocó la orquesta del Teatro Bolshoi bajo la dirección de Samuil Samosud.
Es muy curioso lo que el “escritor oficial” de la época, Alexei Tolstoi, escribió sobre la sinfonía: “La Séptima Sinfonía está dedicada al triunfo de lo humano en el hombre. Intentemos (al menos en parte) penetrar en el camino del pensamiento musical de Shostakovich: en las formidables noches oscuras de Leningrado, bajo el estruendo de las explosiones, en el resplandor de los incendios, lo llevó a escribir esta obra franca.<…>La Séptima Sinfonía surgió de la conciencia del pueblo ruso, que aceptó sin vacilar una batalla a muerte con las fuerzas negras. Escrito en Leningrado, ha crecido al tamaño de un gran arte mundial, comprensible en todas las latitudes y meridianos, porque cuenta la verdad sobre una persona en un tiempo sin precedentes de sus desastres y pruebas. La sinfonía es transparente en su enorme complejidad, es a la vez severa y lírica de manera varonil, y todo vuela hacia el futuro, que se revela más allá de las fronteras de la victoria del hombre sobre la bestia.
... Los violines hablan de una felicidad sin tormentas: el problema acecha en él, todavía es ciego y limitado, como ese pájaro que "camina alegre por el camino de los desastres" ... En este bienestar, desde las profundidades oscuras de contradicciones no resueltas, surge el tema de la guerra - corto, seco, claro como un gancho de acero.
Hacemos una salvedad, la persona de la Séptima Sinfonía es alguien típico, generalizado y querido por el autor. Shostakovich mismo es nacional en la sinfonía, su furiosa conciencia rusa, que derribó el séptimo cielo de la sinfonía sobre las cabezas de los destructores, es nacional.
El tema de la guerra surge remotamente y al principio parece una especie de danza simple y espeluznante, como el baile de las ratas aprendidas con la melodía de un cazador de ratas. Como un viento que se intensifica, este tema comienza a sacudir la orquesta, se apodera de ella, crece, se fortalece. El cazador de ratas, con sus ratas de hierro, se eleva desde detrás de la colina... Esta es una guerra en movimiento. Ella triunfa en timbales y tambores, los violines responden con un grito de dolor y desesperación. Y para ti, agarrando la barandilla de roble con los dedos, parece: ¿realmente está todo arrugado y hecho pedazos? En la orquesta: confusión, caos.
No. El hombre es más fuerte que los elementos. Los instrumentos de cuerda comienzan a luchar. La armonía de los violines y las voces humanas de los fagotes son más potentes que el rugido de la piel de burro tendida sobre los tambores. Con un latido desesperado de tu corazón ayudas al triunfo de la armonía. Y los violines armonizan el caos de la guerra, silencian su rugido cavernario.
El maldito cazador de ratas ya no existe, ha sido arrastrado al negro abismo del tiempo. Solo pensativa y severa -después de tantas pérdidas y desastres- se escucha la voz humana del fagot. No hay retorno a la felicidad sin tormentas. Ante la mirada del hombre, sabio en el sufrimiento, está el camino recorrido, donde busca la justificación para la vida.
Por la belleza del mundo se derrama sangre. La belleza no es diversión, ni deleite ni ropa festiva, la belleza es la recreación y el arreglo de la naturaleza salvaje por las manos y el genio del hombre. La sinfonía parece tocar con un ligero soplo la gran herencia del camino humano, y cobra vida.
La parte media (tercera - L. M.) de la sinfonía es un renacimiento, el renacimiento de la belleza del polvo y las cenizas. Es como si ante los ojos del nuevo Dante, las sombras del gran arte, de la gran bondad, fueran evocadas por el poder de la reflexión severa y lírica.
La parte final de la sinfonía vuela hacia el futuro. Ante los oyentes... Se revela un majestuoso mundo de ideas y pasiones. Vale la pena vivir y luchar por esto. No sobre la felicidad, sino sobre la felicidad ahora habla el poderoso tema del hombre. Aquí, estás atrapado por la luz, estás como en un torbellino ... Y nuevamente te balanceas sobre las olas azules del océano del futuro. Con tensión creciente, esperas... la culminación de una gran experiencia musical. Los violines te recogen, no tienes nada que respirar, como en las alturas de las montañas, y junto a la tormenta armónica de la orquesta, en una tensión impensable, te lanzas al avance, al futuro, a las ciudades azules de la más alta dispensación. ... ”(“Pravda”, 1942, 16 de febrero).
Ahora esta crítica perspicaz se lee con ojos completamente diferentes, ya que la música se escucha de una manera diferente. "Felicidad sin tormentas", "ciega y limitada": se dice con mucha precisión sobre la vida llena de optimismo en la superficie, bajo la cual se encuentra libremente el archipiélago Gulag. Y "el cazador de ratas con sus ratas de hierro" no es sólo la guerra.
¿Qué es, una terrible procesión del fascismo en toda Europa, o el compositor interpretó su música de manera más amplia, como un ataque del totalitarismo a una persona? ... ¡Después de todo, este episodio fue escrito antes! En realidad, esta dualidad de significado se puede ver en las líneas de Alexei Tolstoy. Una cosa está clara: aquí, en la sinfonía dedicada al héroe de la ciudad, al mártir de la ciudad, el episodio resultó ser orgánico. Y toda la gigantesca sinfonía de cuatro partes se convirtió en un gran monumento a la hazaña de Leningrado.
Después del estreno de Kuibyshev, las sinfonías se llevaron a cabo en Moscú y Novosibirsk (dirigidas por Mravinsky), pero la más notable, verdaderamente heroica, fue dirigida por Karl Eliasberg en la sitiada Leningrado. Para realizar una sinfonía monumental con una gran orquesta, se llamó a los músicos de las unidades militares. Antes del comienzo de los ensayos, algunos tuvieron que ser hospitalizados: alimentados, tratados, ya que todos los habitantes comunes de la ciudad se volvieron distróficos. El día de la interpretación de la sinfonía, el 9 de agosto de 1942, todas las fuerzas de artillería de la ciudad sitiada fueron enviadas para suprimir los puntos de tiro del enemigo: nada debería haber interferido con el significativo estreno.
Y la sala de columnas blancas de la Filarmónica estaba llena. Leningrados pálidos y demacrados lo llenaron para escuchar la música dedicada a ellos. Los oradores lo llevaron por toda la ciudad.
El público de todo el mundo percibió la actuación de la Séptima como un evento de gran importancia. Pronto hubo solicitudes del extranjero para enviar la partitura. La competencia por la primera interpretación de la sinfonía estalló entre las orquestas más importantes del hemisferio occidental. La elección de Shostakovich recayó en Toscanini. Un avión que transportaba preciosos microfilmes voló a través de un mundo envuelto en llamas de guerra, y el 19 de julio de 1942 se interpretó la Séptima Sinfonía en Nueva York. Comenzó su marcha victoriosa alrededor del mundo.
MúsicaPrimera parte comienza en un Do mayor claro y claro con una amplia melodía cantarina de carácter épico, con un pronunciado sabor nacional ruso. Se desarrolla, crece, se llena con más y más poder. La parte lateral también es canción. Se asemeja a una canción de cuna suave y tranquila. La conclusión de la exposición suena pacífica. Todo respira la tranquilidad de la vida pacífica. Pero desde algún lugar lejano se escucha un golpe de tambor, y luego aparece una melodía: una chansonette primitiva, similar a coplas banales, es la personificación de la vida cotidiana y la vulgaridad. Esto comienza el "episodio de invasión" (así, la forma del primer movimiento es una sonata con un episodio en lugar de un desarrollo). Al principio, el sonido parece inofensivo. Sin embargo, el tema se repite once veces, intensificándose cada vez más. No cambia melódicamente, solo la textura se espesa, se agregan más y más instrumentos nuevos, luego el tema se presenta no en una sola voz, sino en complejos de cuerdas. Y como resultado, se convierte en un monstruo colosal: una máquina trituradora de destrucción que parece borrar toda la vida. Pero hay oposición. Después de un poderoso clímax, la repetición se oscurece, en colores menores condensados. Particularmente expresiva es la melodía de la parte lateral, que se ha vuelto triste y solitaria. Se escucha el solo de fagot más expresivo. Ya no es una canción de cuna, sino más bien un llanto puntuado por espasmos insoportables. Solo en el código por primera vez la parte principal suena en mayor, afirmando finalmente la superación de las fuerzas del mal, que tanto costó conseguir.
La segunda parte- scherzo - sostenido en suaves tonos de cámara. El primer tema, presentado por las cuerdas, combina una brillante tristeza y una sonrisa, humor e introspección ligeramente perceptibles. El oboe interpreta expresivamente el segundo tema - romance, extendido. Luego entran otros instrumentos de viento. Los temas se alternan en una compleja estructura de tres partes, creando una imagen atractiva y brillante en la que muchos críticos perciben la imagen musical de Leningrado como noches blancas y transparentes. Sólo en la parte media del scherzo aparecen otros rasgos duros, nace una imagen caricaturizada, distorsionada, llena de excitación febril. La repetición del scherzo suena apagada y triste.
la tercera parte- adagio majestuoso y conmovedor. Se abre con una introducción coral que suena como un réquiem por los muertos. Le sigue la patética locución de los violines. El segundo tema se acerca al del violín, pero el timbre de la flauta y un carácter más cantado transmiten, en palabras del propio compositor, "éxtasis por la vida, admiración por la naturaleza". El episodio medio de la parte se distingue por un drama tormentoso, tensión romántica. Puede percibirse como un recuerdo del pasado, una reacción a los trágicos acontecimientos de la primera parte, exacerbada por la impresión de belleza perdurable en la segunda. La repetición comienza con el recitativo de los violines, el coral vuelve a sonar y todo se desvanece en los golpes misteriosamente retumbantes del tom-tom, el susurro del trémolo de los timbales. Comienza la transición a la última parte.
Al principio final- el mismo trémolo de timbales apenas audible, el sonido silencioso de violines con sordinas, señales amortiguadas. Hay una reunión gradual y lenta de fuerzas. En la neblina crepuscular, nace el tema principal, lleno de energía indomable. Su despliegue es colosal en alcance. Esta es una imagen de lucha, de rabia popular. Es reemplazado por un episodio a ritmo de sarabanda, triste y majestuoso, como un recuerdo de los caídos. Y luego comienza el firme ascenso hacia el triunfo de la conclusión de la sinfonía, donde el tema principal del primer movimiento, como símbolo de la paz y la victoria venidera, suena deslumbrante con trompetas y trombones.
Sinfonía No. 8
Sinfonía núm. 8, en do menor, op. 65 (1943)
Composición orquestal: 4 flautas, 2 flautas piccolo, 2 oboes, cor anglais, 3 clarinetes, clarinete piccolo, clarinete bajo, 3 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, pandereta, caja, platillos, bombo, tom-tom, xilófono, cuerdas.
historia de la creacionCon el comienzo de la Gran Guerra Patriótica, Shostakovich fue evacuado a Kuibyshev, como se llamaba entonces a Samara, una ciudad en el Volga Medio. Los aviones enemigos no volaban allí, y en octubre de 1941, cuando Moscú estaba en peligro inminente de invasión, todas las instituciones estatales, las embajadas y el Teatro Bolshoi fueron evacuados. Shostakovich vivió en Kuibyshev durante casi dos años, donde completó su Séptima Sinfonía. También fue interpretada allí por primera vez por la Orquesta del Teatro Bolshoi.
Shostakovich languideció en Kuibyshev. Se sentía mal sin amigos, sobre todo añoraba a su amigo más íntimo, Sollertinsky, quien junto a la Filarmónica de Leningrado, de la que era director artístico, se encontraba en ese momento en Novosibirsk. También añoraba la música sinfónica, que era prácticamente inexistente en la ciudad del Volga. Fruto de la soledad y los pensamientos sobre los amigos fueron los romances basados en poemas de poetas ingleses y escoceses, escritos en 1942. Sollertinsky se dedicó al más significativo de ellos: el soneto 66 de Shakespeare. El compositor dedicó una sonata para piano a la memoria del profesor de piano de Shostakovich, L. Nikolaev, quien murió en Tashkent (el Conservatorio de Leningrado se ubicó temporalmente allí). Comenzó a escribir la ópera The Players basada en el texto completo de la comedia de Gogol.
A fines de 1942, cayó gravemente enfermo. Fue atacado por fiebre tifoidea. La recuperación fue dolorosamente lenta. En marzo de 1943, para la corrección final, fue enviado a un sanatorio cerca de Moscú. En ese momento, la situación militar se había vuelto más favorable, algunos comenzaron a regresar a Moscú. Shostakovich también comenzó a pensar en mudarse a la capital para la residencia permanente. Poco más de un mes después, ya se estaba instalando en Moscú, en el piso que acababa de recibir. Allí comenzó a trabajar en su siguiente, la Octava Sinfonía. Básicamente, se creó en el verano en la Casa de la Creatividad de los Compositores cerca de la ciudad de Ivanovo.
Se consideró oficialmente que su tema -en continuación del Séptimo- era una demostración de los crímenes del fascismo en suelo soviético. De hecho, el contenido de la sinfonía es mucho más profundo: encarna el tema de los horrores del totalitarismo, la confrontación entre el hombre y la máquina antihumana de represión, destrucción, no importa cómo se llame, en cualquier forma que aparezca. En la Octava Sinfonía, este tema se revela de manera multifacética, generalizada, en un alto plano filosófico.
A principios de septiembre, Mravinsky llegó a Moscú procedente de Novosibirsk. Este era el director en quien Shostakovich más confiaba. Mravinsky interpretó la Quinta y Sexta Sinfonías por primera vez. Trabajó con la familia de Shostakovich, la Orquesta Filarmónica de Leningrado, en contacto directo con Sollertinsky, quien como nadie comprendió a su amigo y ayudó al director en la correcta interpretación de sus obras. Shostakovich le mostró a Mravinsky la música, que aún no había sido completamente grabada, y el director se encendió con la idea de ejecutar la obra de inmediato. A fines de octubre llegó nuevamente a la capital. Para entonces, el compositor había terminado la partitura. Los ensayos comenzaron con la Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS. Shostakovich quedó tan complacido con el impecable trabajo del director con la orquesta que le dedicó la sinfonía a Mravinsky. El estreno bajo su dirección tuvo lugar en Moscú el 4 de noviembre de 1943.
La Octava Sinfonía es el clímax de la tragedia en la obra de Shostakovich. Su veracidad es despiadada, sus emociones se calientan al límite, la tensión de los medios expresivos es verdaderamente colosal. La sinfonía es extraordinaria. En él se violan las proporciones habituales de luz y sombra, imágenes trágicas y optimistas. Prevalece el color áspero. Entre las cinco partes de la sinfonía, no hay una sola que desempeñe el papel de interludio. Cada uno de ellos es profundamente trágico.
MúsicaPrimera parte el más grande - dura alrededor de media hora. Casi tantos como los otros cuatro juntos. Su contenido es multifacético. Esta es una canción sobre el sufrimiento. Es contemplación, concentración. La inevitabilidad del duelo. Llorando por los muertos - y preguntas dolorosas. Preguntas de miedo: ¿cómo? ¿por qué? como pudo pasar todo esto Imágenes espeluznantes y de pesadilla emergen en el desarrollo, que recuerdan los grabados contra la guerra de Goya o las pinturas de Picasso. Las exclamaciones penetrantes de los instrumentos de viento de madera, el chasquido seco de las cuerdas, golpes terribles, como un martillo que aplasta a todos los seres vivos, un sonajero metálico. Y sobre todo, una marcha pesada triunfante, que recuerda a la marcha de invasión de la Séptima Sinfonía, pero desprovista de su concreción, aún más terrible en su generalización fantástica. La música habla de una terrible fuerza satánica que trae la muerte a todos los seres vivos. Pero también provoca una oposición colosal: una tormenta, una terrible tensión de todas las fuerzas. En la letra, ilustrada, sincera, surge la resolución de la experiencia.
La segunda parte- una ominosa marcha militar-scherzo. Su tema principal se basa en el molesto sonido de un segmento de la escala cromática.
“Al pesado y victorioso paso de la melodía al unísono, los metales y parte de los instrumentos de madera responden con fuertes exclamaciones, como una multitud que grita con entusiasmo en el desfile” (M. Sabinina). Su movimiento rápido es reemplazado por un galope de juguete fantasmal (un tema secundario de la forma de sonata). Ambas imágenes son mortales, mecanicistas. Su desarrollo da la impresión de una catástrofe inexorablemente inminente.
la tercera parte-toccata- con un terrible movimiento inhumano e inexorable, todo lo reprime con su pisada. Esta es una monstruosa máquina de destrucción en movimiento, que tritura sin piedad a todos los seres vivos. El episodio central de una compleja forma tripartita es una especie de danza macabra con una melodía burlonamente danzante, una imagen de la muerte bailando su danza terrible sobre montañas de cadáveres...
La culminación de la sinfonía es la transición al cuarto movimiento, el pasacalles majestuoso y lúgubre. El tema estricto, ascético, que entra después de una pausa general, suena como la voz del dolor y la ira. Se repite doce veces, inalterable, como embelesado, en registros graves y graves, y sobre su fondo se despliegan otras imágenes: sufrimiento oculto, meditación, profundidad filosófica.
Poco a poco, hacia el principio final, siguiendo la passacaglia sin interrupción, como si brotara de ella, se produce la iluminación. Como después de una larga y terrible noche llena de pesadillas, amaneció. En las melodías tranquilas del fagot, el canto despreocupado de la flauta, el canto de las cuerdas, las llamadas brillantes de la trompa, se dibuja un paisaje, lleno de colores cálidos y suaves, un paralelo simbólico al renacimiento del corazón humano. . El silencio reina en la tierra atormentada, en el alma atormentada del hombre. Imágenes de sufrimiento emergen varias veces al final, como una advertencia, como una llamada: “¡Recuerda, no dejes que esto vuelva a suceder!”. La coda del finale, escrita en una forma compleja que combina las características de una sonata y un rondó, pinta una imagen de la paz sufrida, sufrida, llena de poesía elevada.
Sinfonía No. 9
Sinfonía núm. 9 en mi bemol mayor, op. 70 (1945)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta piccolo, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, campanas, triángulo, pandereta, caja, platillos, bombo, cuerdas.
historia de la creacionEn los primeros meses de la posguerra, Shostakovich trabajó en su nueva sinfonía. Cuando los periódicos informaban sobre el próximo estreno de la Novena, tanto melómanos como críticos esperaban escuchar una obra monumental escrita en el mismo esquema que los dos ciclos anteriores grandiosos, pero llenos de luz, glorificando la victoria y los vencedores. El estreno, que tuvo lugar según la tradición establecida en Leningrado bajo la dirección de Mravinsky, el 3 de noviembre de 1945, sorprendió a todos y desilusionó a algunos. La composición era en miniatura (menos de 25 minutos de duración), elegante, algo parecida a la Sinfonía Clásica de Prokofiev, un poco haciéndose eco de la Cuarta de Mahler... Exteriormente sin pretensiones, de apariencia clásica - los principios del sinfonismo vienés de Haydn y Mozart están claramente trazados en ella - provocó las opiniones más contradictorias. Algunos creían que la nueva obra apareció "fuera de tiempo", otros, que el compositor "respondió a la victoria histórica del pueblo soviético", que fue "un alegre suspiro de alivio". La sinfonía fue definida como "una obra lírico-comedia, no exenta de elementos dramáticos que desencadenan la línea principal de desarrollo" y como "un panfleto trágico-satírico".
El compositor, que fue la conciencia artística de su tiempo, nunca se caracterizó por la diversión serena, un juego alegre de sonidos. Y la Novena Sinfonía, con toda su elegancia, ligereza, incluso brillo exterior, está lejos de ser una composición libre de problemas. Su diversión no es para nada inocente y se balancea al borde de lo grotesco, las letras se entrelazan con el dramatismo. No es casualidad que el concepto de sinfonía, e incluso sus entonaciones individuales, hagan recordar la Cuarta Sinfonía de Mahler.
No podía ser que Shostakovich, quien recientemente perdió a su amigo más cercano (Sollertinsky murió en febrero de 1944), no recurrió al amado compositor del difunto: Mahler. Este maravilloso artista austriaco, toda su vida, según su propia definición, escribiendo música sobre el tema "cómo puedo ser feliz si un ser vivo sufre en algún lugar", creó mundos musicales, en cada uno de los cuales una y otra vez trató de resolver "malditos preguntas” : por qué vive una persona, por qué tiene que sufrir, qué es la vida y la muerte ... Al borde de los siglos, creó un Cuarto asombroso, sobre el cual luego escribió: “Este es un hijastro perseguido que tiene visto muy poca alegría hasta ahora ... Ahora sé que el humor es como amable, probablemente diferente del ingenio, la broma o el capricho alegre, se entiende en el mejor de los casos no a menudo. En su comprensión del humor, Mahler partía de la doctrina del cómico Jean-Paul, que consideraba el humor como una risa protectora: con él, una persona se salva de las contradicciones, que es incapaz de eliminar, de las tragedias que llenan su vida. , de la desesperación, que inevitablemente abraza con una mirada seria al entorno... La ingenuidad del Cuarto Mahler no es por ignorancia, sino por el deseo de evitar "preguntas malditas", de contentarse con lo que es, y no buscar , para no exigir más. Rechazando su monumentalidad y drama característicos, Mahler en el Cuarto recurre al lirismo y lo grotesco, expresando con ellos la idea principal: el choque del héroe con un mundo vulgar y, a veces, terrible.
Todo esto resultó ser muy cercano a Shostakovich. ¿No es de ahí de donde viene su concepto de la Novena?
MúsicaPrimera parte exteriormente simple, alegre y que recuerda a las allegro sonatas de los clásicos vieneses. La fiesta principal es sin nubes y sin preocupaciones. Rápidamente es reemplazado por un tema de baile lateral de la flauta flautín, acompañado de acordes de cuerdas pizzicato, timbales y tambor. Parece provocativo, casi bufonesco, pero escucha con atención: ¡tiene una clara afinidad con el tema de la invasión de la Séptima! Eso, después de todo, al principio también parecía ser una melodía primitiva e intrépida. ¡Y aquí, en el desarrollo del Noveno, aparecen sus características nada inofensivas! Los temas están sujetos a una distorsión grotesca, el motivo de lo vulgar, una vez popular polka "Oira" invade. En la repetición, el tema principal ya no puede volver a su anterior descuido, y el tema secundario está completamente ausente: pasa a la coda, terminando la parte irónicamente, ambiguamente.
La segunda parte- Lírica moderada. El solo de clarinete suena como una meditación lúgubre. Se reemplaza por las frases excitadas de las cuerdas, un tema secundario de la forma sonata sin desarrollo. En toda la parte dominan las entonaciones de romance sincero, sincero, es lacónico, recogido.
En contraste con ella scherzo(en la forma compleja de tres partes habitual para esta parte) pasa volando en un veloz torbellino. Al principio despreocupada, en la pulsación incesante de un ritmo claro, la música cambia gradualmente, pasa a una verdadera juerga de un movimiento torbellino, que lleva a que el largo sonoro entre sin interrupción.
entonaciones de luto Largo, y especialmente el monólogo lúgubre del fagot solista, interrumpido por exclamaciones de metales, recuerdan la tragedia que siempre está invisiblemente cerca, por más ingenua que reine la diversión en la superficie. La cuarta parte es lacónica: es solo un breve recordatorio, una especie de introducción improvisada al final.
A final vuelve a reinar el elemento de alegría oficial. Sobre el solo de fagot, que sonaba sincero y sincero en la parte anterior, y ahora comienza un tema de baile torpe (la parte principal de la forma de sonata con características de rondó), I. Nestyev escribe: en un comediante riendo y guiñando un ojo juguetonamente. Más de una vez durante el final, esta imagen regresa, y en la repetición ya no está claro si se trata de una celebración espontánea que se desborda o de una fuerza inhumana, mecanicista y triunfante. En el volumen máximo de la coda, un motivo suena casi idéntico al tema de la "vida celestial", el final de la Cuarta Sinfonía de Mahler.
Sinfonía No. 10
Sinfonía núm. 10 en mi menor, op. 93 (1953)
Composición orquestal: 2 flautas, flauta piccolo, 3 oboes, cor anglais, 2 clarinetes, clarinete piccolo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, pandereta, caja, platillos, bombo , tom-tom, xilófono, cuerdas.
historia de la creacionLa Décima Sinfonía, una de las composiciones autobiográficas más personales de Shostakovich, fue compuesta en 1953. La anterior, la Novena, se creó hace ocho años. Se la esperaba como la apoteosis de la victoria, pero recibió algo extraño, ambiguo, que provocó tanto desconcierto como descontento con las críticas. Y luego hubo una resolución del partido en 1948, en la que la música de Shostakovich fue reconocida como formalista y dañina. Comenzaron a "reeducarlo": "hicieron ejercicio" en numerosas reuniones, lo despidieron del conservatorio; se creía que la educación de los jóvenes músicos no podía confiarse a un formalista de terry.
Durante varios años, el compositor se encerró en sí mismo. Escribió música para películas para ganar dinero, principalmente glorificando a Stalin. Compuso el oratorio "Canción de los bosques", la cantata "El sol brilla sobre nuestra patria", poemas corales basados en poemas de poetas revolucionarios, obras que debían asegurar a las autoridades su total lealtad. El compositor expresó sus verdaderos sentimientos en el Concierto para violín, único en su sinceridad, profundidad y belleza. Su ejecución fue imposible durante muchos años. También se escribió "sobre la mesa" el ciclo vocal "De la poesía popular judía", una obra completamente impensable en un ambiente de antisemitismo oficial que prevalece tras el inicio del "caso del médico asesino" inspirado en el Kremlin y la frenética campaña. contra el cosmopolitismo.
Pero llegó marzo de 1953. Stalin está muerto. El "caso de los médicos" se dio por terminado. Las víctimas de la represión comenzaron a regresar gradualmente de los campamentos. Olía a algo nuevo, en cualquier caso, diferente.
Nadie sabía lo que se avecinaba. Probablemente, los pensamientos de Shostakovich eran contradictorios. Durante tantos años el país vivió bajo el terrible yugo de un tirano. Tantos muertos, tanta violencia contra las almas...
Pero surgió la esperanza de que el tiempo terrible había terminado, que se avecinaban cambios para mejor. ¿No es esta la música de la sinfonía que el compositor escribió en el verano de 1953, que se estrenó el 17 de diciembre de 1953 en Leningrado bajo la batuta de Mravinsky?
Reflexiones sobre el pasado y el presente, brotes de esperanza - al comienzo de la sinfonía. Las partes posteriores pueden percibirse como una comprensión del tiempo: lo terrible, el pasado en anticipación del Gulag, y para alguien en el Gulag mismo, el pasado (segundo); el presente es un punto de inflexión, todavía bastante confuso, que se encuentra, por así decirlo, al borde del tiempo (tercero); y el presente, aspirando al futuro con esperanza (final). (En esta interpretación, hay una analogía lejana con los principios compositivos de la Tercera Sinfonía de Mahler).
MúsicaPrimera parte comienza con tristeza, con severidad. La fiesta principal es larguísima, en cuyo largo despliegue son innegables las entonaciones lúgubres. Pero el reflejo lúgubre se va y aparece con cautela un tema ligero, como el primer brote tímido que busca el sol. Gradualmente, aparece el ritmo del vals, no el vals en sí, sino un indicio de él, como el primer rayo de esperanza. Esta es la parte lateral de la forma sonata. Es pequeño y se va, reemplazado por el desarrollo del tematismo original, lúgubre, lleno de pensamientos pesados y arrebatos dramáticos. Estos sentimientos dominan a lo largo de toda la parte. Solo en la repetición regresa el tímido vals, y la coda trae algo de iluminación.
La segunda parte- no muy tradicional para Shostakovich scherzo. En contraste con los movimientos similares completamente "malvados" en algunas de las sinfonías anteriores, contiene no solo una marcha inhumana, una fanfarria, un movimiento inexorable que lo abarca todo. También hay fuerzas opuestas: lucha, rechazo. No es casualidad que oboes y clarinetes canten una melodía que repite casi textualmente el motivo de la introducción al Boris Godunov de Mussorgsky. Hay un pueblo que ha sufrido tanto. Una feroz batalla estalla, capturando las tres secciones de la forma de scherzo de tres partes. La increíble tensión de la lucha conduce al comienzo de la siguiente parte.
la tercera parte, que parecía misterioso durante muchos años, en la interpretación propuesta se vuelve bastante lógica. No se trata de una lírica filosófica, ni de una meditación, como es habitual en las partes lentas de sinfonías anteriores. Su comienzo es como una salida del caos (la forma de la pieza se construye según el esquema A - BAC - A - B - A - A / C [desarrollo] - código). Por primera vez en la sinfonía aparece un tema autógrafo, basado en el monograma D - Es - C - H (las iniciales de D. Sh. en transcripción latina). Este es el suyo, el pensamiento del compositor en una encrucijada histórica. Todo fluctúa, todo es inestable y poco claro. Las llamadas de las trompas francesas recuerdan la Segunda Sinfonía de Mahler. Allí, el autor tiene una nota "La voz del que clama en el desierto". ¿No es lo mismo aquí? ¿Son estas las trompetas del Juicio Final? En cualquier caso, el soplo de un punto de inflexión. Cuestión de preguntas. Los estallidos dramáticos y las reminiscencias del movimiento inhumano tampoco son casuales. Y el tema-monograma, el tema-autógrafo recorre todo. Es él, Shostakovich, quien experimenta una y otra vez, repiensa lo que ha vivido antes. La parte termina con una solitaria repetición entrecortada de D-Es - C - H, D - Es - C - H...
El final También comienza de manera poco convencional, con una profunda reflexión. Los monólogos de los vientos solistas se reemplazan entre sí. Gradualmente, dentro de la introducción lenta, se forma el tema futuro del final. Al principio, su sonido es cuestionador, incierto. Pero ahora, finalmente, ella, habiéndose animado, se recupera, como una conclusión afirmativa después de largas dudas. Todavía podría ser bueno. "La señal de trompeta distante da lugar al tema principal del final, aireado, ligero, rápido, murmurando con alegres corrientes de primavera" (G. Orlov). El tema dinámico y vivo se está volviendo cada vez más impersonal, la parte lateral no contrasta con él, pero continúa el flujo general, que está ganando aún más impulso en el desarrollo. El scherzo temático está entretejido en él. Todo termina en el clímax. Luego de una pausa general, se escucha un tema de autógrafos. Ya no se va: suena después de la repetición, se vuelve decisivo y gana en el código.
Sinfonía No. 11
Sinfonía núm. 11, en sol menor, op. 93, "1905" (1957)
Composición orquestal: 3 flautas, flautín, 3 oboes, cor anglais, 3 clarinetes, clarinete bajo, 3 fagotes, contrafagot, 4 trompetas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, caja, platillos, bombo, tom- tom, xilófono, celesta, campanas, arpas (2–4), cuerdas.
historia de la creacionEn 1956 se llevó a cabo el XX Congreso del Partido Comunista, que reinó supremo en el país. En este congreso, por primera vez, se habló de los crímenes de Stalin. Parecía que ahora la vida cambiaría. Flotaba con el espíritu de libertad, aunque todavía muy relativo. La actitud hacia el trabajo de Shostakovich también ha cambiado. Anteriormente condenado, considerado un pilar del arte antipopular - formalismo, ahora es menos criticado. Incluso hay un artículo que hubiera sido impensable hace unos años. El destacado musicólogo I. Nestyev escribe: “En los últimos años, hemos tenido una idea escasa y pequeñoburguesa del trabajo de D. Shostakovich… El miserable esquema parece poco convincente, según el cual Shostakovich 'reconstruyó' toda su vida, como un soldado en entrenamiento: según este esquema, resultó que el compositor primero cayó en el formalismo (La nariz, Segunda y Tercera sinfonía), luego "reconstruyó" (Quinta sinfonía), luego volvió a caer en el formalismo (Octava sinfonía) y nuevamente " reconstruido" ("Canción de los bosques"). Algunos opositores a la Décima Sinfonía y al Concierto para violín ya anhelaban una nueva repetición del ciclo familiar, que recuerda a la curva de temperatura en la malaria tropical…” Afortunadamente, esos tiempos ya pasaron. Sin embargo, todavía era peligroso escribir todo lo que estaba en el corazón abiertamente, expresar la opinión de uno directamente. Y seguían apareciendo las obras “con doble fondo”, con subtexto que cada uno podía entender diferente.
Se acercaba el año 1957, el cuadragésimo aniversario del poder soviético, que debía celebrarse magnífica y solemnemente. Como antes, el arte oficial estaba preparando sus regalos para el aniversario: obras que glorificaban al régimen, glorificaban al PCUS, "la fuerza dirigente y rectora". Shostakovich no pudo sino responder a esta fecha: a pesar de todos los cambios en la política interna, esto no se le perdonaría. Y aparece una extraña sinfonía. Con un subtítulo de programa "1905", fue creado en 1957. Escrito formalmente para el cuadragésimo aniversario del poder soviético, está dedicado, incluso de acuerdo con el título del programa, de ninguna manera a la glorificación del "Gran Octubre". Shostakovich aborda el mismo tema que siempre lo ha preocupado. Personalidad y poder. El hombre y las fuerzas antihumanas que se le oponen. Luto por las víctimas inocentes. Pero ahora, y de acuerdo con el plan del programa, y bajo la influencia del tiempo, o más bien, porque el tiempo mismo inspiró tal idea, la sinfonía llama a la contraofensiva, a la lucha contra las fuerzas del mal.
Interpretada en Moscú el 30 de octubre de 1957, dirigida por Nathan Rakhlin, la sinfonía, por primera vez desde la Primera, despertó elogios unánimes de la crítica. Pero, aparentemente, no fue casualidad que los críticos extranjeros escucharan el crepitar de las ametralladoras, el rugido de los cañones en ella ... Esto no fue en la Plaza del Palacio el 9 de enero de 1905, sino que fue bastante recientemente en Hungría, donde en 1956 Las tropas soviéticas "ponen las cosas en orden", reprimiendo el impulso del pueblo húngaro por la libertad. Y el contenido de la sinfonía, como siempre con Shostakovich, resultó ser, ¿inconscientemente? - mucho más amplio que el programa oficial anunciado y, como siempre, profundamente moderno (esto está escrito, en particular, por uno de los investigadores más interesantes de la obra del gran compositor, Genrikh Orlov).
Las cuatro partes de la sinfonía se suceden sin interrupción, cada una con un subtítulo de programa. La primera parte es "Plaza del Palacio". La imagen de sonido creada por Shostakovich es asombrosamente impresionante. Esta es una ciudad muerta y sin alma, propiedad del estado. Pero esto no es sólo la Plaza del Palacio, como sugiere el programa al oyente. Este es todo un vasto país donde se asfixia la libertad, se oprime la vida y el pensamiento, se pisotea la dignidad humana. La segunda parte es "El nueve de enero". La música representa una procesión popular, oraciones, lamentaciones, una terrible masacre... La tercera parte - "Memoria eterna" - es un réquiem por los muertos. El final - "Nabat" - una imagen de la ira de la gente. Por primera vez en una sinfonía, Shostakovich hace un uso extensivo del material de la cita, construyendo sobre él un lienzo sinfónico monumental. En el corazón de sus canciones revolucionarias.
MúsicaPrimera parte se basa en las canciones "Listen" y "Prisoner", que en el proceso de desarrollo se perciben como los temas principales y secundarios de la forma sonata. Sin embargo, la sonata aquí es condicional. Los investigadores encuentran en la primera parte características de una forma concéntrica (A - B - C - B - A). Por su papel dentro del ciclo, es un prólogo que crea el escenario de la escena. Incluso antes de la aparición del tema de la canción, los sonidos restringidos y ominosamente adormecidos crean una imagen de represión, de vida bajo opresión. Contra un fondo tembloroso, uno puede escuchar los himnos de la iglesia, luego suena una campana sorda. A través de esta música adormecedora, se abre paso la melodía de la canción “¡Escucha!”. (Como un asunto de traición, como la conciencia de un tirano / La noche de otoño es oscura. / Más oscura que esa noche surge de la niebla / Una visión sombría de una prisión.) Pasa varias veces, es aplastado, dividido en cortos separados motivos, según las leyes de desarrollo de los propios temas sinfónicos del compositor. Se reemplaza por la melodía de la canción "Prisionero" (La noche es oscura, aprovecha los minutos). Ambos temas se llevan a cabo repetidamente, pero todo somete la imagen original: represión, opresión.
La segunda parte se convierte en un campo de batalla. Sus dos temas principales son melodías de poemas corales escritos por Shostakovich un poco antes sobre los textos de poetas revolucionarios: "9 de enero" (¡Goy, tú, el zar, nuestro padre!) y la áspera melodía coral "¡Desnúdate la cabeza!" . El movimiento consta de dos episodios fuertemente contrastantes, vívidos en su visibilidad concreta: "la escena de la procesión" y "la escena de la ejecución" (como se les suele llamar en la literatura sobre esta sinfonía).
la tercera parte- "Eterna memoria" - lenta, lúgubre, comienza con la canción "Te caíste víctima" en el ritmo áspero y medido del cortejo fúnebre, en un timbre particularmente expresivo de violas con sordina. Luego suenan las melodías de las canciones "Mar Glorioso, Sagrado Baikal" y "Sean valientes, camaradas, en el paso". En la sección central de un formulario complejo de tres partes, aparece un tema más claro "Hola, libertad de expresión de la libertad". Un amplio movimiento conduce a un clímax, en el que, a modo de apelación, aparece el motivo “Bare your heads” del movimiento anterior. Hay un punto de inflexión en el desarrollo, que conduce a un final rápido, como un huracán que arrasa con todo.
Cuarta parte- "Nabat", escrito en forma libre, - comienza con la frase decisiva de la canción "Rage, tyrants". En el contexto del movimiento rápido de cuerdas y vientos de madera, los golpes agudos de los tambores, se llevan las melodías tanto de la primera canción como de la siguiente: "Sean valientes, camaradas, al paso". Se llega al clímax, en el que, como en la parte anterior, suena el motivo “Bare your heads”. La sección central está dominada por "Varshavyanka", a la que se une una melodía festiva y brillante de la opereta "Luces" de Sviridov, relacionada entonadamente con los temas de "Varshavyanka" y "Audazmente, camaradas, al paso". En el código del final, poderosos golpes de toque sacan a la superficie el tema "¡Goy, tú, el rey, nuestro padre!" y “¡Descubre tus cabezas!”, sonando amenazante y asertivo.
Sinfonía No. 12
Sinfonía núm. 12 en re menor, op. 112, "1917" (1961)
Composición orquestal: 3 flautas, flauta piccolo, 3 oboes, 3 clarinetes, 3 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, caja, platillos, bombo, tom-tom, cuerdas.
historia de la creacionEl 29 de septiembre de 1960, hablando en la revista de radio Vida Musical de la Federación Rusa, Shostakovich habló sobre su nueva sinfonía, que está dedicada a la imagen de Lenin. Según la compositora, su idea surgió hace muchos años. En la década de 1930, los periódicos informaron que Shostakovich estaba trabajando en la Sinfonía de Lenin. Se suponía que usaría los poemas de Mayakovsky. Pero luego, en lugar de este programa, apareció el Sexto.
El genial compositor fue completamente sincero. Fue un hombre de su tiempo, un intelectual hereditario, educado en las ideas de libertad, igualdad y fraternidad de todos los pueblos. Las consignas proclamadas por los comunistas no podían sino atraerlo. En aquellos años, los crímenes del poder aún no estaban asociados con el nombre de Lenin, se explicaban precisamente como desviaciones de la línea leninista, el "culto a la personalidad" de Stalin. Y Shostakovich, tal vez, realmente buscó encarnar la imagen del "líder del proletariado mundial". Pero... el trabajo no funcionó. Es significativo cómo se manifestó la naturaleza artística, además de las aspiraciones conscientes: Shostakovich, un maestro insuperable de la forma, que supo crear lienzos colosales que nunca dejan indiferente al oyente ni por un momento, esta sinfonía parece alargarse. Pero es uno de los más breves del compositor. Como si la posesión brillante habitual de su arte aquí traicionó al Maestro. La superficialidad de la música también es obvia. No en vano la obra les pareció a muchos cinematográfica, es decir, ilustrativa. Uno debe pensar que el propio compositor entendió que la sinfonía no resultó ser "leninista" en su totalidad, es decir, encarnando exactamente esta imagen, tal como la presentó la propaganda oficial. Por lo tanto, su nombre no es "Lenin", sino "1917".
A mediados de los 90, tras la caída del régimen comunista, aparecieron otros puntos de vista sobre la Duodécima Sinfonía. Así, el investigador japonés de la obra de Shostakovich, Fumigo Hitotsunayagi, cree que en uno de los motivos principales de la sinfonía se cifran las iniciales de I. V. Stalin. El compositor Gennady Banshchikov señala que “varios congresos consecutivos y absolutamente idénticos en significado, pero diferentes en el código musical en el final de la sinfonía son inolvidables congresos de fiestas interminables. Así es como me explico el drama a mí mismo.<…>porque de lo contrario es completamente imposible de entender. Porque para la lógica normal esto es un completo absurdo.
La sinfonía se completó en 1961 y se interpretó por primera vez el 15 de octubre del mismo año en Moscú bajo la dirección de K. Ivanov.
MúsicaLas cuatro partes de la sinfonía tienen subtítulos programáticos.
Primera parte- "Petrogrado Revolucionario" - comienza solemne y severamente. Después de una breve introducción, sigue una sonata allegro llena de energía furiosa. La parte principal está escrita en el carácter de una marcha dinámica y asertiva, el canto secundario es ligero. En el desarrollo aparecen los motivos de las canciones revolucionarias. La conclusión del movimiento hace eco del comienzo: reaparecen los majestuosos acordes de la introducción. Gradualmente, la sonoridad disminuye, el silencio, la concentración se establece.
La segunda parte- "Spill" - un paisaje musical. El movimiento tranquilo y pausado de las cuerdas bajas da lugar a la aparición de una melodía-monólogo de los violines. El clarinete solo trae nuevos colores. En la parte media del movimiento (su forma combina signos de compleja tripartición y variaciones), aparecen ligeras melodías de flauta y clarinete que le dan un toque pastoral. Poco a poco el color se espesa. El clímax del movimiento es un solo de trombón.
la tercera parte dedicado a los acontecimientos de una memorable noche de octubre. Los golpes amortiguados de los timbales suenan cautelosos y alarmantes. Son reemplazadas por cuerdas de pizzicato fuertemente rítmicas, la sonoridad sube y baja de nuevo. Temáticamente, este movimiento está conectado con los anteriores: primero utiliza un motivo de la sección central de "Spill", luego aparece ampliado, en el poderoso sonido de los trombones y la tuba, a los que luego se unen otros instrumentos, un tema secundario. de "Petrogrado Revolucionario". La culminación general de toda la sinfonía es el plano de la Aurora, un atronador solo de batería. En la repetición de la forma de tres partes, ambos temas suenan simultáneamente.
final sinfónico- "El amanecer de la humanidad". Su forma, libre, no susceptible de una interpretación unívoca, es considerada por algunos investigadores como variaciones dobles con coda. El tema principal, fanfarria solemne, recuerda melodías similares de películas con música de Shostakovich, como "La caída de Berlín", que glorifican la victoria, el líder. El segundo tema es como un vals, en el sonido transparente de las cuerdas, hace recordar las frágiles imágenes de la juventud. Pero su trazo se acerca a uno de los temas de Spill, que crea una unidad figurativa. La sinfonía termina con una apoteosis victoriosa.
M. Sabinina considera el ciclo completo como una forma gigantesca de tres partes, donde la sección central contrastante es "Spill", y la tercera parte sirve como enlace que conduce a la repetición y la coda en "Dawn of Humanity".
Sinfonía No. 13
Sinfonía núm. 13 en si bemol menor, op. 113 (1962)
Reparto: 2 flautas, flautín, 3 oboes, cor anglais, 3 clarinetes, clarinete flautín, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, castañuelas, pandereta, taco, caja tambor, látigo, platillos, bombo, tom-tom, campanas, campanas, xilófono, 4 arpas, piano, cuerdas (incluidos los contrabajos de cinco cuerdas); voces: bajo solo, bajo coro.
historia de la creacionA mediados de la década de 1950, se produjeron cambios cardinales en la URSS. Los Congresos 20 y 22 del gobernante Partido Comunista denunciaron oficialmente el culto a la personalidad de Stalin, el tirano que mantuvo a un país enorme en un estado de terror insensible durante varias décadas. Comenzó un período que, según el exitoso título simbólico de la historia de I. Ehrenburg, comenzó a llamarse el deshielo. La intelectualidad creativa tomó este tiempo con entusiasmo. Parecía, finalmente, que se puede escribir sobre todo lo que duele, que interfiere en la vida. Y la denuncia general también interfirió: dijeron que si se reúnen tres personas, una de ellas seguramente resultará ser un oficial secreto, un oficial secreto de la policía secreta soviética; y la situación de las mujeres que fueron "liberadas" hasta tal punto que fueron empleadas en los trabajos más difíciles: en el campo, en la construcción de carreteras, en las máquinas, y después de un duro día de trabajo tenían que hacer colas interminables en la Tiendas para alimentar algo a la familia. Y otro tema delicado es el antisemitismo, que fue política de Estado en los últimos años de la vida de Stalin. Todo esto no podía dejar de emocionar a Shostakovich, quien siempre reaccionó muy bruscamente a los acontecimientos de la época.
El concepto de la sinfonía se remonta a la primavera de 1962. El compositor se sintió atraído por los poemas de Evg. Yevtushenko dedicado a la tragedia de Babi Yar. Esto fue en septiembre de 1941. Las tropas fascistas ocuparon Kyiv. Unos días después, con el pretexto de la evacuación, en sus afueras, en un enorme barranco llamado Babi Yar, se reunieron todos los judíos de la ciudad. El primer día, treinta mil personas fueron fusiladas. El resto esperaba su turno. Durante varios días seguidos, los vecinos de los alrededores escucharon disparos de ametralladoras. Dos años más tarde, cuando llegó el momento de retirarse de la tierra ocupada, los nazis comenzaron a destruir febrilmente las huellas del crimen. Se cavaron enormes fosos en el barranco, donde se apilaron los cadáveres en varias filas. Las excavadoras trabajaron, cientos de prisioneros construyeron enormes hornos donde quemaban los cadáveres. Los prisioneros sabían que su turno llegaría más tarde: lo que vieron fue demasiado terrible para permitirles sobrevivir. Algunos optaron por un escape desesperadamente atrevido. De varios cientos de personas, cuatro o cinco lograron escapar. Le contaron al mundo sobre los horrores de Babi Yar. Sobre esto - los poemas de Yevtushenko.
Inicialmente, el compositor iba a escribir un poema vocal-sinfónico. Luego vino la decisión de ampliar el marco de la obra a una sinfonía en cinco movimientos. Las siguientes partes, también escritas para los poemas de Yevtushenko, son "Humor", "En la tienda", "Miedos" y "Carrera". Por primera vez en una sinfonía, el compositor buscó expresar su intención de manera absolutamente concreta, no solo con música, sino también con palabras. La sinfonía fue creada en el verano de 1962. Su primera actuación tuvo lugar en Moscú el 18 de diciembre de 1962 bajo la dirección de Kirill Kondrashin.
El futuro destino de la sinfonía fue difícil. El tiempo estaba cambiando, el pico del "deshielo" ya estaba detrás de nosotros. Las autoridades pensaron en el hecho de que habían dado demasiada voluntad al pueblo. Comenzó una progresiva restauración del estalinismo y renació el antisemitismo estatal. Y claro, la primera parte provocó el descontento de altos funcionarios. Se ofreció a Shostakovich para reemplazar algunas de las líneas más poderosas de Babi Yar. Entonces, en lugar de líneas
creo que ahora soy judio
Aquí estoy vagando por el antiguo Egipto,
Y aquí estoy en la cruz, crucificado, muriendo,
Y todavía en mí - rastros de uñas ...
el poeta tenía para ofrecer otras, mucho más “suaves”:
Estoy parado aquí, como en la primavera,
Dándome fe en nuestra hermandad.
Aquí mienten los rusos y los ucranianos,
Yacen con los judíos en la misma tierra...
También se reemplazó otra punta afilada. en lugar de lineas
Y yo mismo soy como un continuo llanto silencioso
Más de miles de miles enterrados,
Soy cada tiro viejo aquí,
Soy cada niño tiro aquí...
apareció lo siguiente:
Pienso en la hazaña de Rusia,
El fascismo bloqueando el camino mismo.
Hasta la gota de rocío más pequeña
Cerca de mí con toda esencia y destino.
Pero a pesar de estos cambios, la sinfónica siguió despertando el recelo de las autoridades. Durante muchos años después del estreno, no se permitió su realización. Solo en nuestro tiempo la prohibición tácita ha perdido su fuerza.
MúsicaPrimera parte- "Babi Yar" - lleno de tragedia. Este es un réquiem por los muertos. Los sonidos tristes en él se reemplazan por un canto amplio, la tristeza profunda se combina con el patetismo. El tema-símbolo principal se repite una y otra vez en los "cruces" de los episodios, cuando la narración del narrador es sustituida por la exhibición de vívidas imágenes concretas: la masacre de Dreyfus, el niño de Bialystok, Ana Frank... La narración musical se desarrolla de acuerdo con la lógica del texto poético. Los patrones habituales del pensamiento sinfónico se combinan con los de la ópera vocal. Las características de la forma de la sonata se pueden rastrear, pero implícitamente: están en un desarrollo ondulatorio, en los contrastes de la exposición de imágenes y en alguna sección de desarrollo, relativamente hablando (algunos investigadores interpretan el primer movimiento como un rondó con tres episodios contrastantes). El brillante resultado de la parte son las palabras acentuadas, subrayadas por la música:
La sangre judía no está en mi sangre,
Pero odiado por la malicia endurecida
Soy para todos los antisemitas como judío,
Y es por eso que soy un verdadero ruso.
La segunda parte- "Humor" - burlón, lleno de energía hirviente. Este es un elogio del humor, un flagelador de los vicios humanos. En él cobran vida las imágenes de Till Ulenspiegel, los bufones rusos, Hadji Nasreddin.
Domina un scherzo algo pesado, grotesco, sarcasmo, bufonería. La maestría de la orquestación de Shostakovich se manifiesta en todo su esplendor: los solemnes acordes de tutti -y la melodía "sonriente" del clarinete flautín, la melodía caprichosamente quebrada del violín solista- y el siniestro unísono del coro masculino bajo y la tuba; un motivo de ostinato de un corno inglés con un arpa, creando un fondo de "pitido", en el que los instrumentos de viento de madera imitan toda una orquesta de gaitas: una escena de bufón popular. El episodio intermedio (en parte, se trazan los rasgos de una sonata rondó) se basa en la música del romance "Macpherson antes de la ejecución" con una procesión formidable al lugar de la ejecución, el ritmo siniestro de los timbales, señales militares de instrumentos de metal, trémolo y trinos de madera y cuerdas. Todo esto no deja dudas sobre de qué tipo de humor estamos hablando. Pero su verdadero humor popular no se puede matar: el motivo despreocupado de las flautas y los clarinetes parece escaparse de la aterradora opresión y permanece invicto.
la tercera parte, dedicado a las mujeres rusas, es una parte lenta clásica de una sinfonía con una melodía que se desarrolla lentamente, concentrada, llena de nobleza y, a veces, incluso de patetismo. Consiste en monólogos vocales-instrumentales de libre desarrollo, según la lógica del texto poético (M. Sabinina también encuentra en él rasgos de rondó). El carácter principal del sonido es ilustrado, lírico, con predominio del timbre de los violines. A veces hay una imagen de una procesión, que está enmarcada por los sonidos secos de castañuelas y un flagelo.
Cuarta parte de nuevo lento, con rasgos de rondo y copla variada. Como si el estado lírico-filosófico habitual de Shostakovich se hubiera “estratificado”. Aquí, en "Miedos" - la profundidad del pensamiento, la concentración. El comienzo es en una sonoridad temblorosa, donde un trémolo sordo de timbales se superpone a las notas graves y apenas audibles de las cuerdas. En el peculiar timbre ronco de la tuba, aparece un tema angular, un símbolo del miedo que acecha en las sombras. La salmodia del coro le responde: “Los miedos se están muriendo en Rusia…” Acompañado por el coro, en episodios instrumentales: patéticas melodías de cuerno, inquietantes fanfarrias de trompeta, susurro de cuerdas. Gradualmente, la naturaleza de la música cambia: se van las imágenes sombrías, aparece una melodía ligera de violas, que recuerda a una alegre canción de marcha.
final sinfónico- "Carrera" - lírico-comedia rondó. Habla de caballeros de carrera y verdaderos caballeros. Las estrofas vocales suenan jocosas, los episodios instrumentales que se alternan con ellas están llenos de lirismo, de gracia, a veces pastorales. En la coda, la melodía lírica se derrama ampliamente. Suenan los desbordamientos de cristal de la celesta, vibra la campana, como si se abrieran brillantes distancias seductoras.
Sinfonía No. 14
Sinfonía núm. 14, op. 135 (1969)
Reparto: castañuelas, taco de madera, 3 tomtoms (soprano, alto, tenor), látigos, campanas, vibráfono, xilófono, celesta, cuerdas; soprano solo, bajo solo.
historia de la creacionShostakovich había pensado durante mucho tiempo sobre los problemas de la vida y la muerte, el significado de la existencia humana y su inevitable final, incluso en aquellos años en que era joven y lleno de fuerza. Así que en 1969 volvió al tema de la muerte. No solo el final de la vida, sino una muerte violenta, prematura y trágica.
En febrero de 1944, al recibir la noticia de la muerte repentina, en la flor de la vida, de su amigo más cercano I. Sollertinsky, el compositor le escribió a su viuda: “Ivan Ivanovich y yo hablamos de todo. También hablaron de lo inevitable que nos espera al final de la vida, es decir, de la muerte. Los dos le teníamos miedo y no queríamos. Amábamos la vida, pero sabíamos que… tendríamos que separarnos de ella…”.
Luego, en los terribles años treinta, ciertamente se habló de muerte prematura. De hecho, al mismo tiempo, dieron la palabra para cuidar a los familiares, no solo a los niños y las esposas, sino también a las madres. La muerte caminaba a su lado todo el tiempo, se llevaba a familiares y amigos, podía tocar sus casas también... Tal vez en la parte de la sinfonía "Oh, Delvig, Delvig", la única donde no se trata de violencia, pero aun así tan prematura, injusta para la muerte del talento, Shostakovich recuerda al amigo fallecido prematuramente, cuyo pensamiento, según el testimonio de los familiares del compositor, no lo dejó hasta la última hora. "Ay, Delvig, Delvig, por qué tan temprano...". "¿Qué y dónde está la alegría del talento entre los villanos y los tontos..." - estas palabras hacen eco del memorable soneto 66 de Shakespeare, dedicado a su amado amigo. Pero la conclusión suena ahora más liviana: “Para que nuestra unión, libre, alegre y orgullosa, no muera…”
La sinfonía fue creada en el hospital. El compositor estuvo más de un mes en él, del 13 de enero al 22 de febrero. Fue un "evento planeado": el estado de salud del compositor requería un tratamiento repetido periódicamente en un hospital, y Shostakovich fue allí con calma, habiendo abastecido todo lo que necesitaba: papel de música, cuadernos, un atril. Trabajé bien en soledad, con calma. Tras ser dado de alta del hospital, el compositor entregó una sinfonía completamente terminada para correspondencia y aprendizaje. El estreno tuvo lugar en Leningrado el 29 de septiembre de 1969 y se repitió en Moscú el 6 de octubre. Los artistas fueron G. Vishnevskaya, M. Reshetin y la Orquesta de Cámara de Moscú dirigida por R. Barshai. Shostakovich dedicó la Decimocuarta Sinfonía a B. Britten.
Esta es una sinfonía increíble - para soprano, bajo y orquesta de cámara sobre versos de Federico García Lorca, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Küchelbecker y Rainer Maria Rilke. Once partes - once escenas en una sinfonía: el mundo más rico, polifacético y cambiante. Andalucía bochornosa, taberna; una roca solitaria en un recodo del Rin; celda de prisión francesa; Pushkin Petersburgo; trincheras, sobre las que silban las balas... Los héroes son igualmente diversos: Lorelei, un obispo, caballeros, un suicida, cosacos, una mujer que ha perdido a su amante, un prisionero, la Muerte. El estado de ánimo general de la música es lúgubre, que va desde reservadamente concentrado hasta furiosamente, frenéticamente trágico. Su esencia es una protesta contra todo lo que quebranta los destinos humanos, las almas, las vidas, contra la opresión y la tiranía.
MúsicaLas partes de la sinfonía se suceden casi sin interrupción, están conectadas por la lógica de la dramaturgia musical, conectando a diferentes poetas, poemas que difieren mucho en el tema, el género y el estilo.
El monólogo "Cien ardientemente enamorados se durmieron con un sueño de siglos" (De profundis) es lírico y filosófico, con una melodía solitaria y triste de violines en un registro alto, una especie de introducción lenta a la sonata allegro.
Se le opone la danza trágica "Malagenya", dura, rápida, con armonías atonales. Es scherzosen, pero este es solo el segundo episodio de la introducción, que conduce a un movimiento que puede considerarse análogo a la sonata allegro.
Ella es "Lorelei", una balada romántica sobre el choque de la belleza con el fanatismo. El conflicto más agudo surge entre las imágenes de una muchacha hermosa y pura y un obispo cruel con su guardia inexorable. Comenzando con el latigazo cervical, la balada incluye un tormentoso diálogo entre el obispo y Lorelei (parte principal), y luego su declaración lírica (parte lateral), luego su condena, exilio, caída en las olas del Rin, lleno de drama, efectivo, incluyendo y expresivo arioso, y arremolinado fugato a cinco voces, y momentos sonoro-pictóricos.
La elegía triste "Suicidio" es un análogo de la parte lenta de la sinfonía, su centro lírico. Esta es una declaración profundamente emotiva, en la que el comienzo vocal pasa a primer plano. La orquesta solo enfatiza los momentos más expresivos con el brillo de sus colores. La unidad del ciclo sinfónico se destaca por la afinidad de las entonaciones de este movimiento con el melodismo de la sección inicial de la sinfonía y el mundo figurativo de Lorelei.
La dura marcha grotesca "On the Guard" desarrolla los sombríos momentos militantes de la "Lorelei", se hace eco de la "Malagenia", siendo tanto en el carácter como en el significado de la sinfonía scherzo. En sus asociaciones rítmicas con esos temas característicos de Shostakovich, cuyo ápice fue el tema de la invasión de la Séptima Sinfonía, son claras. “Esto es a la vez un motivo militar animado, una marcha de “soldados valientes”, y una procesión-ataque de una fuerza letal que juega con una persona como un gato con un ratón” (M. Sabinina).
La sexta parte es un dúo amargamente irónico y triste “Señora, mire, ha perdido algo. - Oh, bagatelas, este es mi corazón ... "- una transición al desarrollo de una sinfonía que se desarrolla en las siguientes partes -" In Sante Prison "- un monólogo de prisionero, detallado, musical y emocionalmente rico, pero trágicamente sin esperanza , que lleva a un clímax: “La respuesta de los cosacos al sultán turco, llena de sarcasmo, ira, amargura y burla despiadada. Está dominado por el movimiento desenfrenado, casi espontáneo, los motivos severos y entrecortados, la recitación vocal, excitada internamente, pero sin convertirse en un canto genuino. En el interludio orquestal, aparece un ritmo de baile que evoca asociaciones con "Humor" de la Decimotercera Sinfonía.
La paleta del artista cambia dramáticamente en las siguientes partes. “Oh, Delvig, Delvig” es una música hermosa, sublimemente noble. Es algo estilizado, absolutamente desprovisto de una actitud irónica hacia los versos de Kuchelbecker, que se destacan en estilo de todo el material poético de la sinfonía. Más bien, es un anhelo por un ideal irremediablemente desaparecido, una armonía perdida para siempre. La melodía, cercana a los romances rusos, en su habitual forma de copla, es a la vez libre, fluida, mutable. A diferencia de otras partes, va acompañada de acompañamiento, y no de una parte orquestal independiente, figurativamente independiente del texto y la voz. Así se encarna el centro semántico de la sinfonía, preparado por el desarrollo sinfónico anterior: la afirmación de un alto principio ético.
La muerte de un poeta juega el papel de una repetición, un retorno temático y constructivo a las imágenes iniciales de la sinfonía. Sintetiza los principales elementos del tematismo: los giros instrumentales "De profundis", que también aparecen en las partes medias de la sinfonía, cantando recitativos desde el mismo lugar, y las entonaciones expresivas de la cuarta parte.
La última parte -“Conclusión” (Muerte omnipotente)- es un epílogo que completa un apasionante poema sobre la vida y la muerte, coda sinfónica de la obra. Marcha con ritmo claro, golpes secos de castañuelas y tomtom, vocal fragmentada e intermitente - no es una línea - la inicia una línea punteada. Pero luego los colores cambian: suena un coral sublime, la parte vocal se despliega en una cinta sin fin. La marcha dura se devuelve en el código. La música se desvanece gradualmente, como si retrocediera en la distancia, dando una mirada al majestuoso edificio de la sinfonía.
Sinfonía No. 15
Sinfonía núm. 15, op. 141 (1971)
Composición orquestal: 2 flautas, flautín, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, triángulo, castañuelas, taco de madera, flagelo, tomtom (soprano), tambor de guerra, platillos, grandes tambor, tom-tom, campanas, celesta, xilófono, vibráfono, cuerdas.
historia de la creacionTras el estreno de la Decimocuarta Sinfonía en el otoño de 1969, 1970 comenzó bastante tormentoso para Shostakovich: el 4 de enero se interpretó la Octava Sinfonía, una de las más difíciles. Esto siempre ha estado asociado con una gran emoción para el compositor. Luego fue necesario ir varias veces de Moscú a Leningrado: el director Kozintsev, con quien comenzó la cooperación en la década de 1920, trabajó en la película King Lear en Lenfilm. Shostakovich escribió música para él. A fines de febrero, tuve que volar a Kurgan, la ciudad donde trabajó en todo el país el conocido médico Ilizarov, que trató al compositor. Shostakovich pasó más de tres meses en su hospital, hasta el 9 de junio. Allí se escribió el Decimotercer Cuarteto, similar en estructura figurativa a la sinfonía de reciente creación. En el verano, el compositor se vio obligado a vivir en Moscú, ya que había otro concurso que lleva el nombre de Tchaikovsky, en el que tradicionalmente presidía. En el otoño, nuevamente tuve que someterme a un tratamiento con Ilizarov, y solo a principios de noviembre, Shostakovich regresó a casa. Incluso este año, apareció un ciclo de baladas "Fidelidad" en los versos de E. Dolmatovsky para un coro masculino sin acompañamiento: estos fueron los resultados creativos del año, eclipsados, como todos los últimos, por la mala salud constante. Al año siguiente, 1971, apareció la Decimoquinta Sinfonía, fruto del camino creativo del gran sinfonista de nuestros días.
Shostakovich lo escribió en julio de 1971 en la Casa de la Creatividad de los Compositores de Repino cerca de Leningrado, su lugar favorito, donde siempre trabajó particularmente bien. Aquí se sentía como en casa, en el clima que le era familiar desde la infancia.
En Repin, en solo un mes, apareció una sinfonía, que estaba destinada a convertirse en el resultado de todo el trabajo sinfónico de Shostakovich.
La sinfonía se distingue por su estricto clasicismo, claridad y equilibrio. Esta es una historia sobre valores eternos y duraderos y, al mismo tiempo, sobre lo más íntimo y profundamente personal. El compositor se niega programáticamente, desde la introducción de la palabra. Nuevamente, como lo fue del cuarto al décimo, el contenido de la música está encriptado. Y nuevamente, ella está más asociada con los lienzos de Mahler.
Músicaprimera parte el compositor nombró "Tienda de juguetes". Juguetes... ¿Tal vez marionetas? Fanfarria y disparo al comienzo de la primera parte, como antes del comienzo de la función. Aquí brilló un tema secundario de la Novena (¡sutilmente similar al "tema de la invasión" de la Séptima!), luego una melodía del preludio de piano, sobre la cual Sofronitsky dijo una vez: "¡Qué vulgaridad penetrante!" Así, el mundo figurativo de la sonata allegro queda claramente caracterizado. La melodía de Rossini, fragmento de la obertura de la ópera "Guillermo Tell", se incluye orgánicamente en el tejido musical.
La segunda parte abre con acordes lúgubres, sonidos lúgubres. El solo de violonchelo es una melodía de asombrosa belleza, que cubre un rango colosal. El coro de metales suena como una marcha fúnebre. El trombón, como en la Sinfonía funeraria y triunfal de Berlioz, interpreta un solo lúgubre. ¿Qué están enterrando? ¿era? ideales? ¿ilusiones?.. La marcha alcanza un gigantesco clímax oscuro. Y después de eso, vigilancia, secreto ...
la tercera parte- una vuelta al teatro de títeres, a los pensamientos y sentimientos predeterminados, esquemáticos.
Misterioso el final, comenzando con el leitmotiv del rock de Der Ring des Nibelungen de Wagner. Tras un tema lírico típico de Shostakovich, como iluminado por el sufrimiento, tras un tema pastoril no menos característico, se desarrolla un passacaglia. Su tema, pasando por violonchelos y contrabajos en pizzicato, recuerda tanto el tema de la invasión como el tema de la pasacalles del Primer Concierto para violín. (Surge un pensamiento: tal vez para el compositor, la forma estricta y bien meditada del passacaglia con su repetición constante e invariable de la misma melodía, la forma a la que recurrió tantas veces en su camino creativo, es el símbolo de la "jaula" en la que está encerrado en un estado totalitario, ¿el espíritu humano? ¿Un símbolo de la falta de libertad que todos en la URSS sufrieron - y el creador más que otros? Después de todo, no es casualidad que el las melodías de estos passacales, cuyo simbolismo está tan desnudo en la Séptima, ¿están cerca?) del clímax. Y - recesión. Un tema de baile ligero completa la sinfonía, cuyos últimos compases son un repiqueteo seco de xilófono y tomtom.
El camino creativo de Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906-1975) está indisolublemente ligado a la historia de toda la cultura artística soviética y se reflejó activamente en la prensa (se publicaron muchos artículos, libros, ensayos, etc. sobre el compositor durante su vida) . En las páginas de la prensa, fue llamado un genio (el compositor tenía entonces solo 17 años):
“En el juego de Shostakovich ... la confianza alegremente tranquila de un genio. Mis palabras se refieren no sólo a la interpretación excepcional de Shostakovich, sino también a sus composiciones” (V. Walter, crítico).
Shostakovich es uno de los artistas más originales, originales y brillantes. Toda su biografía creativa es la trayectoria de un auténtico innovador que realizó una serie de descubrimientos en el campo tanto de lo figurativo como de los géneros y formas, modal-entonación. Al mismo tiempo, su obra absorbió orgánicamente las mejores tradiciones del arte musical. La creatividad desempeñó un papel muy importante para él, cuyos principios (ópera y voz de cámara) el compositor llevó a la esfera de la sinfonía.
Además, Dmitry Dmitrievich continuó la línea del sinfonismo heroico de Beethoven, el sinfonismo lírico-dramático. La idea de afirmación de la vida de su obra se remonta a Shakespeare, Goethe, Beethoven, Tchaikovsky. Por naturaleza artística
“Shostakovich es un “hombre de teatro”, lo conocía y lo amaba” (L. Danilevich).
Al mismo tiempo, su vida como compositor y como persona está conectada con las trágicas páginas de la historia soviética.
Ballets y óperas de D. D. Shostakovich
Los primeros ballets - "Golden Age", "Bolt", "Bright Stream"
El héroe colectivo de la obra es un equipo de fútbol (lo que no es casualidad, ya que el compositor era aficionado a los deportes, profesionalmente versado en las complejidades del juego, lo que le dio la oportunidad de escribir reportajes sobre partidos de fútbol, era un aficionado activo, egresado de la escuela de árbitros de fútbol). Luego viene el ballet "Bolt" sobre el tema de la industrialización. El libreto fue escrito por un ex soldado de caballería y en sí mismo, desde un punto de vista moderno, era casi una parodia. El ballet fue creado por el compositor en el espíritu del constructivismo. Los contemporáneos recordaron el estreno de diferentes maneras: algunos dicen que el público proletario no entendió nada y abucheó al autor, otros recuerdan que el ballet fue recibido con aplausos. La música del ballet The Bright Stream (estreno - 04/01/35), que tiene lugar en una granja colectiva, está saturada no solo de entonaciones líricas, sino también cómicas, que tampoco podrían sino afectar el destino del compositor. .
Shostakovich compuso mucho en sus primeros años, pero algunas de las obras fueron destruidas por él personalmente, como, por ejemplo, la primera ópera "Gitanos" después de Pushkin.
Ópera "La Nariz" (1927-1928)
Causó una feroz controversia, como resultado de lo cual fue retirado del repertorio de los teatros durante mucho tiempo, y luego resucitó nuevamente. En las propias palabras de Shostakovich, él:
“... Y menos guiado por el hecho de que la ópera es ante todo una pieza musical. En "La Nariz" se igualan los elementos de acción y música. Ni uno ni otro ocupan un lugar predominante.
En un esfuerzo por sintetizar la música y la interpretación teatral, el compositor combinó orgánicamente su propia individualidad creativa y varias tendencias artísticas en la obra (Love for Three Oranges, Wozzeck de Berg, Jump Over the Shadow de Krenek). La estética teatral del realismo tuvo una gran influencia en el compositor.En conjunto, La nariz sienta las bases, por un lado, del método realista, por otro, de la dirección “gogoliana” en la dramaturgia operística soviética.
Ópera Katerina Izmailova (Lady Macbeth del distrito de Mtsensk)
Estuvo marcada por una brusca transición del humor (en el ballet Bolt) a la tragedia, aunque los elementos trágicos ya eran visibles en La nariz, formando su subtexto.
Eso - “... la encarnación del sentimiento trágico del terrible sinsentido del mundo representado por el compositor, en el que todo lo humano es pisoteado y las personas son títeres lamentables; Su Excelencia la Nariz se eleva sobre ellos” (L. Danilevich).
En tales contrastes, el investigador L. Danilevich ve su papel excepcional en la actividad creativa de Shostakovich y, más ampliamente, en el arte del siglo.
La ópera "Katerina Izmailova" está dedicada a la esposa del compositor N. Varzar. La idea original era a gran escala: una trilogía que describiera el destino de una mujer en diferentes épocas. "Katerina Izmailova" sería la primera parte, representando la protesta espontánea de la heroína contra el "reino oscuro", empujándola hacia el camino del crimen. La heroína de la siguiente parte debería haber sido una revolucionaria, y en la tercera parte el compositor quería mostrar el destino de una mujer soviética. Este plan no estaba destinado a hacerse realidad.
De las evaluaciones de la ópera por parte de los contemporáneos, las palabras de I. Sollertinsky son indicativas:
“Se puede decir con toda responsabilidad que en la historia del teatro musical ruso después de La dama de picas no ha aparecido una obra de tal magnitud y profundidad como Lady Macbeth.
El propio compositor llamó a la ópera una "tragedia-sátira", uniendo así los dos aspectos más importantes de su obra.
Sin embargo, el 28 de enero de 1936, el periódico Pravda publicó un artículo titulado “Confundir en lugar de música” sobre la ópera (que ya había recibido grandes elogios y reconocimiento del público), en el que se acusaba a Shostakovich de formalismo. El artículo resultó ser el resultado de un malentendido de las complejas cuestiones estéticas planteadas por la ópera, pero como resultado, el nombre del compositor se indicó claramente de manera negativa.
Durante este difícil período, el apoyo de muchos colegas resultó ser invaluable para él, quienes manifestaron públicamente que saludaba a Shostakovich con las palabras de Pushkin sobre Baratynsky:
"Él es original con nosotros, porque piensa".
(Aunque el apoyo de Meyerhold difícilmente podría haber sido apoyo en esos años. Más bien, creó un peligro para la vida y obra del compositor).
Para colmo, el 6 de febrero, el mismo periódico publica un artículo llamado "Ballet Falsity", que en realidad tacha el ballet "Bright Stream".
A raíz de estos artículos, que supusieron un duro golpe para el compositor, su actividad como compositor de ópera y ballet llegó a su fin, a pesar de que durante muchos años intentaron constantemente interesarle en diversos proyectos.
Sinfonías de Shostakovich
En las obras sinfónicas (el compositor escribió 15 sinfonías), Shostakovich utiliza a menudo el método de la transformación figurativa basado en un profundo replanteamiento de la temática musical, que, en consecuencia, adquiere una pluralidad de significados.
- O Primera sinfonía Una revista de música estadounidense escribió en 1939:
Esta sinfonía (trabajo de tesis) completó el período de aprendizaje en la biografía creativa del compositor.
- Segunda sinfonía- esto es un reflejo de la vida contemporánea del compositor: tiene el nombre de "Octubre", encargado por el décimo aniversario de la Revolución de Octubre por el departamento de propaganda del Sector Musical de la Editorial Estatal. Marcó el comienzo de la búsqueda de nuevos caminos.
- Tercera Sinfonía marcado por un lenguaje musical democrático y cantor en comparación con el Segundo.
El principio de la dramaturgia del montaje, la teatralidad y la visibilidad de las imágenes empiezan a trazarse en relieve.
- cuarta sinfonía- una sinfonía-tragedia, que marca una nueva etapa en el desarrollo de la sinfonía de Shostakovich.
Al igual que "Katerina Izmailova", fue olvidada temporalmente. El compositor canceló el estreno (se suponía que tendría lugar en 1936), creyendo que estaría "fuera de tiempo". Recién en 1962 la obra fue interpretada y recibida con entusiasmo, a pesar de la complejidad, nitidez del contenido y lenguaje musical. G. Khubov (crítico) dijo:
"En la música de la Cuarta Sinfonía, la vida misma hierve y burbujea".
- Quinta sinfonía a menudo comparado con el tipo de dramaturgia de Shakespeare, en particular, con "Hamlet".
"debe estar impregnado de una idea positiva, como, por ejemplo, el patetismo que afirma la vida de las tragedias de Shakespeare".
Entonces, sobre su Quinta Sinfonía, dijo:
“El tema de mi sinfonía es la formación de la personalidad. Fue el hombre con todas sus experiencias lo que vi en el centro del concepto de este trabajo.
- Verdaderamente icónico Séptima Sinfonía ("Leningrado"), escrito en la sitiada Leningrado bajo la impresión directa de los terribles acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial.
Según Koussevitzky, su música
“Inmenso y humano y puede compararse con la universalidad de la humanidad del genio de Beethoven, nacido, como Shostakovich, en una era de convulsiones mundiales…”.
El estreno de la Séptima Sinfonía tuvo lugar en la sitiada Leningrado el 09/08/42 con la retransmisión del concierto por radio. Maxim Shostakovich, el hijo del compositor, creía que esta obra reflejaba no solo el antihumanismo de la invasión fascista, sino también el antihumanismo del terror estalinista en la URSS.
- Octava sinfonía(estrenada el 11.04.1943) es la primera culminación de la línea trágica de la obra del compositor (el segundo clímax es la Decimocuarta Sinfonía), cuya música suscitó polémica con intentos de menospreciar su significado, pero es reconocida como una de las obras destacadas del siglo XX.
- En la Novena Sinfonía(terminado en 1945) el compositor (existe tal opinión) respondió al final de la guerra.
En un esfuerzo por deshacerse de la experiencia, trató de apelar a las emociones serenas y alegres. Sin embargo, a la luz del pasado, esto ya no era posible: la línea ideológica principal está inevitablemente marcada por elementos dramáticos.
- Décima Sinfonía continuó la línea establecida en la Sinfonía No. 4.
Después, Shostakovich recurre a un tipo diferente de sinfonismo, que encarna la epopeya revolucionaria del pueblo. Entonces, aparece una dilogía: las sinfonías n. ° 11 y 12, que llevan los nombres "1905" (sinfonía n. ° 11, dedicada al 40 aniversario de octubre) y "1917" (sinfonía n. ° 12).
- Sinfonías Decimotercera y Decimocuarta marcada también por características especiales del género (características del oratorio, influencia del teatro de ópera).
Se trata de ciclos vocales-sinfónicos de varias partes, donde se manifestó plenamente la inclinación hacia la síntesis de géneros vocales y sinfónicos.
La obra sinfónica del compositor Shostakovich es multifacética. Por un lado, son obras escritas bajo la influencia del miedo a lo que está pasando en el país, algunas de ellas fueron escritas por orden, otras para protegerse. Por otro lado, se trata de reflexiones veraces y profundas sobre la vida y la muerte, declaraciones personales del compositor, que sólo sabía hablar con soltura el lenguaje de la música. Takova decimocuarta sinfonía. Se trata de una obra vocal-instrumental, en la que se utilizan los versos de F. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. Rilke. El tema principal de la sinfonía es una reflexión sobre la muerte y el hombre. Y aunque el propio Dmitry Dmitrievich dijo en el estreno que esto es música y vida, el material musical en sí habla del camino trágico de una persona, de la muerte. En verdad, el compositor se elevó aquí a la altura de las reflexiones filosóficas.
Obras para piano de Shostakovich
La nueva tendencia estilística en la música para piano del siglo XX, negando en muchos aspectos las tradiciones del romanticismo y el impresionismo, cultivó la presentación gráfica (a veces deliberadamente seca), a veces enfatizando la nitidez y la sonoridad; el ritmo era de particular importancia. Un papel importante en su formación pertenece a Prokofiev, y mucho es característico de Shostakovich. Por ejemplo, utiliza ampliamente diferentes registros, compara sonoridades contrastantes.
Ya en la obra infantil, trató de dar respuesta a hechos históricos (la pieza para piano "Soldado", "Himno a la Libertad", "Marcha Fúnebre en Memoria de las Víctimas de la Revolución").
N. Fedin señala, recordando los años de conservatorio del joven compositor:
"Su música hablaba, charlaba, a veces con bastante picardía".
El compositor destruyó parte de sus primeras obras y, a excepción de Danzas Fantásticas, no publicó ninguna de las obras escritas antes de la Primera Sinfonía. "Fantastic Dances" (1926) rápidamente ganó popularidad y entró firmemente en el repertorio musical y pedagógico.
El ciclo de "Preludios" está marcado por la búsqueda de nuevas técnicas y caminos. El lenguaje musical aquí está desprovisto de pretensiones, complejidad deliberada. Las características separadas del estilo del compositor individual están estrechamente entrelazadas con los típicos melos rusos.
La Sonata para piano n.º 1 (1926) originalmente llamada "Octubre", es un atrevido desafío a las convenciones y al academicismo. La obra muestra claramente la influencia del estilo pianístico de Prokofiev.
La naturaleza del ciclo de piezas para piano "Aforismos" (1927), que consta de 10 piezas, por el contrario, está marcada por la intimidad, la presentación gráfica.
En la Primera Sonata y en los Aforismos, Kabalevsky ve "un escape de la belleza exterior".
En la década de 1930 (después de la ópera Katerina Izmailova) aparecieron 24 preludios para piano (1932-1933) y el Primer Concierto para piano (1933); en estas obras se forman las características del estilo de piano individual de Shostakovich, que luego se indican claramente en la Segunda Sonata y las partes de piano del Quinteto y el Trío.
En 1950-51, el ciclo "24 Preludios y Fugas" op. 87, refiriéndose en su estructura al CTC de Bach. Además, ninguno de los compositores rusos creó tales ciclos antes de Shostakovich.
La segunda sonata para piano (op. 61, 1942) fue escrita bajo la influencia de la muerte de L. Nikolaev (pianista, compositor, profesor) y está dedicada a su memoria; al mismo tiempo reflejaba los acontecimientos de la guerra. La intimidad marcó no sólo el género, sino también la dramaturgia de la obra.
"Quizás en ningún otro lugar Shostakovich fue tan ascético en el campo de la textura de piano como aquí" (L. Danilevich).
Arte de cámara
El compositor creó 15 cuartetos. Para trabajar en el Primer Cuarteto (op. 40, 1938), según él mismo admite, comenzó "sin pensamientos ni sentimientos especiales".
Sin embargo, el trabajo de Shostakovich no solo cautivó, sino que creció la idea de crear un ciclo de 24 cuartetos, uno para cada tonalidad. Sin embargo, la vida decretó que este plan no estaba destinado a materializarse.
La composición hito que completó su línea de creatividad anterior a la guerra fue el Quinteto para dos violines, viola, violonchelo y piano (1940).
Este es “un reino de reflexiones tranquilas avivado por la poesía lírica. Aquí hay un mundo de pensamientos elevados, sentimientos moderados y castamente claros, combinados con diversión festiva e imágenes pastorales” (L. Danilevich).
Más tarde, el compositor no pudo encontrar tanta paz en su obra.
Así, el Trío en memoria de Sollertinsky encarna tanto los recuerdos de un amigo fallecido como los pensamientos de todos aquellos que murieron en una terrible guerra.
Cantata-oratorio creatividad
Shostakovich creó un nuevo tipo de oratorio, cuyas características son el uso generalizado de la canción y otros géneros y formas, así como la publicidad y la posteridad.
Estas características se plasmaron en el oratorio de luz solar "Canción de los bosques", creado "inmediatamente después de los eventos" asociados con la activación de la "construcción verde": la creación de cinturones de protección forestal. Su contenido se revela en 7 partes
(“Cuando termine la guerra”, “Vestiremos a la Madre Patria de bosques”, “Recuerdo del pasado”, “Pioneros plantan bosques”, “Stalingraders se adelantan”, “Caminata del futuro”, “Gloria”).
Cercano al estilo de la cantata de oratorio “El sol brilla sobre nuestra patria” (1952) en la op. Dolmatovski.
Tanto en el oratorio como en la cantata se tiende a la síntesis del canto-coral y las líneas sinfónicas de la obra del compositor.
Por la misma época aparece un ciclo de 10 poemas para coro mixto sin acompañamiento de las palabras de los poetas revolucionarios del cambio de siglo (1951), que es un ejemplo destacado de epopeya revolucionaria. El ciclo es la primera obra en la obra del compositor donde no hay música instrumental. Algunos críticos creen que las obras creadas según las palabras de Dolmatovsky, mediocres, pero que ocuparon un lugar importante en la nomenclatura soviética, ayudaron al compositor a participar en la creatividad. Entonces, uno de los ciclos sobre las palabras de Dolmatovsky se creó inmediatamente después de la 14ª sinfonía, como en oposición a ella.
música de cine
La música de cine juega un papel muy importante en el trabajo de Shostakovich. Es uno de los pioneros de este tipo de arte musical, que realizó su eterno deseo por todo lo nuevo, lo desconocido. En ese momento, el cine todavía era mudo y la música de cine se veía como un experimento.
Al crear música para películas, Dmitry Dmitrievich no se esforzó por la ilustración del rango visual en sí, sino por el impacto emocional y psicológico, cuando la música revela el profundo subtexto psicológico de lo que sucede en la pantalla. Además, el trabajo en el cine impulsó al compositor a recurrir a capas del arte popular nacional antes desconocidas para él. La música para películas ayudó al compositor cuando sus principales obras no sonaban. Así como las traducciones ayudaron a Pasternak, Akhmatova, Mandelstam.
Algunas de las películas con música de Shostakovich (estas eran películas diferentes):
"Juventud de Maxim", "Joven Guardia", "Tábano", "Hamlet", "Rey Lear", etc.
El lenguaje musical del compositor a menudo no se correspondía con las normas establecidas y en muchos aspectos reflejaba sus cualidades personales: apreciaba el humor, la palabra aguda, él mismo era ingenioso.
"La seriedad en él se combinó con la vivacidad de carácter" (Tyulin).
Sin embargo, cabe señalar que el lenguaje musical de Dmitry Dmitrievich se volvió cada vez más sombrío con el tiempo. Y si hablamos de humor, entonces con plena confianza podemos llamarlo sarcasmo (ciclos vocales sobre textos de la revista "Cocodrilo", sobre los versos del Capitán Lebyadkin, el héroe de la novela "Demonios" de Dostoievski)
Compositor, pianista, Shostakovich también fue maestro (profesor del Conservatorio de Leningrado), que formó a varios compositores destacados, incluidos G. Sviridov, K. Karaev, M. Weinberg, B. Tishchenko, G. Ustvolskaya y otros.
Para él, la amplitud de miras era de gran importancia, y siempre sintió y notó la diferencia entre el lado exteriormente espectacular y el lado profundamente emocional de la música. Los méritos del compositor fueron muy apreciados: Shostakovich se encuentra entre los primeros galardonados con el Premio Estatal de la URSS, recibió la Orden de la Bandera Roja del Trabajo (que en ese momento solo era posible para muy pocos compositores).
Sin embargo, el propio destino humano y musical del compositor es una ilustración de la tragedia del genio en.
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