¿Es Tatyana Nazarenko una representante del arte “oficial”?

Tatyana Nazarenko (*1944) - “reina de la Unión de Artistas” en su entrevista habla sobre el difícil destino del artista “de izquierda” en la Unión oficial de ayer. Más de una vez sus obras fueron censuradas por leales funcionarios del arte y retiradas de las exposiciones oficiales. Se creía que Nazarenko estaba "desfigurando al pueblo soviético". Hoy, según el artista, existe el peligro de una nueva falta de libertad. El mercado del arte comienza a dictarle al artista “qué y cómo hacer”.

Credo:
“Hago lo mismo todo el tiempo, variando el mismo tema: el tema de la soledad me parece uno de los dramas humanos más significativos en diferentes obras: en grandes lienzos históricos, en retratos o pinturas de género. El tema determina mucho en mis lienzos. Hacer pensar a la gente, llamarlos a la simpatía: este es el objetivo principal de mi trabajo."

Nació, vive y trabaja en Moscú.

1968: se graduó en el Instituto de Arte de Moscú que lleva el nombre de Surikov.

1969 - 1972 - trabajó en los talleres de la Academia de las Artes.

1969 - Se unió a la Unión de Artistas de la URSS.

Desde 1966 ha participado en numerosas exposiciones, incluidas las extranjeras.

1976 - Primer premio en el concurso internacional de jóvenes pintores en Sofía.

1987 - Medalla de plata de la Academia de las Artes de la URSS.

1993 - Premio Estatal de la Federación de Rusia en el campo de la literatura y las bellas artes.

Mi primer contacto con la obra de Tatyana Nazarenko tuvo lugar a mediados de los años setenta. Entonces yo era miembro de la sección juvenil de la Unión de Artistas. La joven historiadora del arte compartió con nosotros su opinión sobre las nuevas tendencias en la pintura soviética. Cuando apareció en la pantalla la imagen del cuadro de Nazarenko “Los partisanos vinieron” (1975, Ministerio de Cultura de la RSFSR), se escucharon exclamaciones de sorpresa en la sala. Alguien inmediatamente comenzó a atacar y criticar duramente el trabajo. Su decisión fue sorprendentemente inusual. La escena del levantamiento de los torturados de la horca fue representada como el levantamiento de la cruz en los lienzos de los viejos maestros. Y esto es en un país de ateísmo. Era obvio: una personalidad brillante, un artista serio e investigador había llegado al arte. Muy pronto Nazarenko se convertirá en uno de los artistas más destacados de su generación. Recibirá premios, elogios, pero también, a menudo, críticas y rechazos. Primera impresión. Que pequeña es. Y al mismo tiempo literalmente irradia energía. Y también el azul inusualmente brillante de sus ojos.

¿Soy tan pequeño? “Siempre me consideré muy poderoso”, se ríe el artista.

Mi papá es militar, mi mamá es doctora. Mi abuela me crió porque mis padres constantemente tenían que vivir en diferentes ciudades. Y viví con ella en Moscú.

La abuela seguirá siendo para siempre la persona principal de su vida. Cuando Tatyana tenga un hijo, ella ayudará a "criarlo". Nazarenko lo escribirá constantemente. En el cuadro “Mañana. La abuela y Nikolka” (1972, Dirección de Exposiciones de la Unión de Artistas) la representa protegiendo cuidadosamente el sueño de su nieto. El artista compara dos mundos: el mundo sabio y bondadoso de la vejez y el despreocupado, cuando cada día es una fiesta y un descubrimiento, el de la infancia. Escribe con cuidado y cariño cada una de las innumerables arrugas del rostro de su abuela y de sus ojos tristes y afectuosos.

La infancia de Nazarenko fue la infancia normal de un niño de una "buena" familia. Escuela de música. A los 11 años ingresó a la escuela de arte.

- ¿Tus padres reaccionaron con calma ante tu elección de ser artista?

No reaccionaron en absoluto. Entré a la escuela de arte, bueno, estudio y estudio. Es cierto que cuando uno de mis amigos dijo que un artista debería tener un marido rico o unos padres ricos, se alarmó. Estaban muy preocupados de que nunca ganaría dinero y tendría que alimentarme toda mi vida.

Ahora, después de recibir el Premio Estatal, me tomaron en serio. Pero en general, mi madre todavía dice a veces, sería mejor si te graduaras en un instituto de radio y fueras una persona normal. Sucedió que la clase de Tatyana en la escuela de arte resultó ser inusualmente rica en talento. Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya y Ksenia Nechitailo se convirtieron en sus compañeras de clase y amigas. Cada uno de ellos encontrará posteriormente su propio estilo único, un mundo de imágenes. Hoy en día, todos ellos son reconocidos "maestros" del arte de los años 1970 y 1980.

Para Nazarenko y los artistas de su generación, el período de formación y maduración coincidió con una época maravillosa e inolvidable: el período del "deshielo". Fue un tiempo de esperanza. Una época de genuino renacimiento y exploración de la cultura y el arte. Siempre recordaré mis primeros encuentros con el arte occidental moderno. A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, se llevaron a cabo en Moscú y Leningrado exposiciones de Pablo Picasso, Fernand Léger y artistas contemporáneos estadounidenses, ingleses, franceses y belgas. Multitudes de miles de museos asediados. La gente hace cola desde la noche.

Una de las impresiones más impactantes de aquellos años, recuerda Nazarenko, fue la exposición “30 años de la Unión de Artistas de Moscú”. En él, junto al conocido, vimos arte soviético cuya existencia ni siquiera sospechábamos.

Allí también se expusieron las obras de los jóvenes miembros de izquierda de la Unión: Andronov, los hermanos Nikonov, etc. Posteriormente fueron llamados maestros del “estilo severo”. Entonces ella, una aspirante a artista, y sus amigos ni siquiera podían imaginar que tendrían que continuar la lucha iniciada en los "años sesenta" por una mayor renovación y humanización del arte soviético.

Luego estudiará en el Instituto de Arte. Surikov. Ya durante mis estudios me di cuenta de que defenderme a mí mismo y a mi comprensión del arte no sería fácil.

- “En la escuela, y luego en el instituto, había cierta ambivalencia en relación a nuestro trabajo. Se nos exigía vivir como los Wanderers [...] Aquí está la historia de cómo escribí mi diploma. Tenía claro lo que quería: en una yurta hay dos mujeres, una joven y una anciana, en una cuna con un niño. Figuras iluminadas, fondo negro. La Adoración de los Magos." En la vida, no se conoce la felicidad de la maternidad. Un fondo negro no es posible al resolver un tema de este tipo. La oscuridad es negación. Tienes muchos materiales naturales, sigue la naturaleza." Obedecí, el resultado fue un trabajo que no habría hecho de otra manera si no me hubiera convencido."

En su búsqueda por crear arte “real”, Nazarenko, como muchos artistas de su generación que buscan arte, recurre a las tradiciones del arte clásico. Sus principales “maestros” son los maestros del Renacimiento del norte de Holanda. Por muy lejos que llegaran los jóvenes miembros de la Unión en sus búsquedas, siempre había un cierto límite, un límite de permisibilidad: debían permanecer dentro del marco de la pintura figurativa realista.

- Recibiste una educación académica. ¿Es realmente tuyo el arte realista?

Quizás no fue mío. Cuando yo estudiaba no sabíamos que podíamos trabajar de otra manera.

- Algunos artistas encontraron el coraje de romper con la Academia y su sistema. (Cito el ejemplo de la Leningrader Elena Gritsenko, quien se graduó con éxito en la Academia y luego abandonó su carrera como artista "oficial" y vinculó su destino con el underground).

Esto requiere carácter. Tenía una persona principal: mi abuela, a quien no quería molestar. Y algunas cosas, dejar el instituto y algo más, ni siquiera se me podían ocurrir, porque esto sería el colapso de los cimientos de mi abuela. Era amigo de muchos artistas underground, estaba en estrecho contacto con Kabakov, Bulatov, Vasiliev, pero no podía permitírmelo. Además, en aras del realismo, tenía muchas opciones.

- Sus primeras obras que aparecieron en exposiciones ya se diferenciaban de las habituales y tradicionales. ¿Hubo un deseo consciente de no seguir el camino trillado?

Recientemente visité el Instituto Surikov. Simplemente no podía creer lo que veía. El edificio en sí fue actualizado y reconstruido. Estamos ahora a mediados de los años 1990. Allí cuelgan como muestra pinturas y dibujos de la extrema derecha de la Unión. Me pareció que hacía mucho tiempo que no existían. Aprendimos de los demás. El mismo Zhilinsky. Con su ayuda descubrimos el Renacimiento y nos quedamos asombrados. De ahí surgió mi pasión por Bosch, Bruegel, Masaccio, Ucello. Sus obras siguen siendo para mí la cima del arte. Hasta ahora, cuando estás triste o algo no funciona, miras cómo está pintada la oreja "canon" de Van Eyck e inmediatamente quieres hacer algo similar.

Los maestros del “estilo severo” retrataron “a una persona común y corriente en un ambiente común y corriente”. Sus personajes se manifestaban y se realizaban en el trabajo cotidiano y en los contactos sociales. El héroe de los años setenta es menos claro y más propenso a la reflexión. La propia estructura pictórica es cada vez más compleja. La "apertura" de la declaración es reemplazada por alegoría, metáfora y alegoría.

Encontramos al nuevo héroe y esta bidimensionalidad de la narrativa en los retratos de grupo creados por Nazarenko en la década de 1970 (“Mis contemporáneos”, 1973, Museo de Arte de Saratov que lleva el nombre de Radishchev; “Tarde de Moscú”, 1978, Galería Tretyakov). Sus héroes son la propia artista y su círculo de amigos cercanos. Su obra es autobiográfica y autorretrato. Su propio destino, el destino de sus seres queridos y la vida de su generación se convierten en los temas principales de la artista.

En "Moscow Evening", Nazarenko recrea la atmósfera creativa y confidencial de las reuniones amistosas de los jóvenes de los setenta. Al anochecer, varios artistas están sentados en el estudio. “El sonido de una guitarra de siete cuerdas” evoca el pensamiento. Fuera de la ventana está Moscú. A lo lejos se pueden ver las torres y cúpulas de las iglesias del Kremlin. De la oscuridad emerge la figura de una bella desconocida con una peluca empolvada, un personaje de uno de los famosos retratos rusos del siglo XVIII.

En estas obras ya se han manifestado claramente los rasgos principales del estilo siempre reconocible de Nazarenko. Una recreación cuidada y amorosa de los signos del mundo circundante, acercando su obra a las obras de los viejos maestros holandeses. Exageración grotesca de los personajes. Aquí se reflejaron las lecciones de Bruegel, Bosch y el pueblo ruso "primitivo". Los críticos acusarán al artista de "desfigurar al pueblo soviético".

- “Me dicen: las personas en tus cuadros son una especie de grotesco. No estoy de acuerdo. Siempre exageramos nuestras fortalezas y minimizamos nuestros defectos. Simplemente veo a las personas tal como son. Con el tiempo, el tema de la soledad y la desunión crece en la obra de Nazarenko, a menudo combinado con imágenes de diversión general, los amigos del artista se reunieron para una fiesta, un carnaval ("El día de Tatiana", 1982, colección privada, Alemania; "Carnaval", 1979, Dirección de Exposiciones de la Unión de Artistas). Los carnavales, las mascaradas y las fiestas populares son uno de los temas favoritos de los “años setenta”. Es una especie de metáfora de la actuación y al mismo tiempo de la desunión, la soledad entre la multitud y la búsqueda del contacto con los demás.

Hubo un tiempo en que la entrada de los maestros del "estilo severo" en el arte no fue fácil y provocó un acalorado debate. Luego se acostumbraron, sus búsquedas recibieron reconocimiento “oficial”, muchos de ellos se convirtieron en maestros. Lo mismo volvió a suceder con los "setenta" más valientes, talentosos y buscadores. Ahora los ataques de las críticas se han convertido en su destino. Las acusaciones favoritas fueron acusaciones de “cerrazón” y “oscuridad” de su trabajo.

- “Quizás si hubiera nacido una década antes, habría estado con Popkov, con Nikonov y los años sesenta habrían sido los años más maravillosos para mí. Fueron francos... ¿Por qué no está claro con los años setenta? ... El patetismo de la dura vida cotidiana tuvo que desaparecer. Este es un cambio natural. Llegó la espiritualidad, la clausura, la escritura... Esto llegó en contraste con el héroe de los años sesenta con el pecho abierto: "¡Mira lo que soy!". ... Los años 70 nos obligaron a recurrir a la alegoría: una época ambigua, en la que parece que muchas cosas están permitidas, y al mismo tiempo, no, todo vuelve a estar cerrado."

Tatyana Nazarenko trabaja en una variedad de géneros. Y casi desde los primeros pasos se probó a sí mismo en una película histórica. La pintura histórica o temática ocupó un lugar destacado en el arte del realismo socialista, como antes en el academicismo. Es significativo que en el arte soviético siguiera siendo privilegio del artista masculino. A partir de “La ejecución de Narodnaya Volya” (1969-1972, Galería Tretyakov), cada pintura posterior de Nazarenko sobre un tema histórico se convierte en un acontecimiento. A diferencia de las pinturas históricas tradicionales del realismo socialista, que eran un ejemplo edificante del pasado "heroico", la imagen histórica para Nazarenko se convirtió en un diálogo-reflexión dirigido al espectador-interlocutor sobre el pasado y su conexión indisoluble con el presente. , sobre la historia como una tragedia de soledad que se repite siempre. Los héroes del artista son personas que sintieron agudamente la injusticia de la realidad circundante, se lanzaron a la lucha para cambiarla y se toparon con un muro de malentendidos. De esto trata su famoso díptico “Pugachev” (1980).

El rebelde, líder del levantamiento campesino, Emelyan Pugachev, está siendo llevado en una jaula a Moscú para ser ejecutado. El artista no busca reconstruir el acontecimiento. La escena central recuerda a grabados populares y oleografías antiguas. Un paisaje de juguete simplificado, muñecos de soldados con uniformes brillantes. Al recurrir a esta convención, ella deliberadamente se distancia a sí misma y al espectador de lo que está sucediendo. Esto sucedió hace mucho tiempo, dice el artista. La segunda parte fue escrita de una manera completamente diferente y cuidadosa, que recuerda a los "trucos" del siglo XVII. Presenta retratos, documentos y tomos antiguos que datan de la época del reinado de Catalina II y de la rebelión de Pugachev. Estos son “testigos presenciales” del suceso. Con su ayuda, todos pueden revivir el pasado y acercarse a él.

- "Mis pinturas históricas, por supuesto, están relacionadas con la actualidad. "Pugachev" es una historia de traición. A cada paso, los asociados de Pugachev lo abandonan, condenándolo a la ejecución. La vida incluso del artista más "de izquierda", un miembro de la Unión, estuvo cargada de una dualidad inevitable. Para ser “visible” y participar en exposiciones, había que hacer concesiones en un sentido u otro.

- ¿Cómo lograste seguir siendo tú mismo y seguir mostrando tu trabajo?

Siempre he distinguido claramente entre lo que escribo para mí y lo que escribo para exposiciones. Lo que hice por mí mismo fue sin ninguna esperanza de poder demostrarlo alguna vez. La primera exposición en la que pude mostrar al menos algo de esto fue en 1975. Llegó un encargo y seleccionó 3 obras. Decidí que si filmaban 5 obras principales, me negaría por completo a participar. Entonces tal vez mi vida hubiera sido diferente. Pero me dejaron estos 2 trabajos, software. La gente empezó a hablar de esta exposición... En general, mostré todas mis obras recién en 1989, en mi primera exposición personal.

A pesar de toda la “cerrazón” de los años setenta, en sus obras a menudo se puede sentir el deseo de contacto, la disposición a abrirse a un espectador atento e interesado. Una de estas pinturas "confesionales" fue el tríptico "Taller" de Nazarenko (1983, Galería Tretyakov). La artista nos introduce en el “laboratorio” de su creatividad. En el lado izquierdo se representa sentada de espaldas al espectador, inmersa en su trabajo. La parte central presenta el proceso mismo del nacimiento del cuadro. Como provenientes del olvido, aparecen en el lienzo figuras traslúcidas de personajes futuros. Se materializan ante nuestros ojos y adquieren características específicas. Numerosos objetos del estudio hablan de la artista, de su mundo, de sus pasiones. En la pared cuelga un molde de la máscara mortuoria de Pushkin, un retrato de una mujer de Cranach y, por supuesto, una reproducción de un retrato del “canónigo” Van Eyck, el maestro “principal” de Nazarenko. Sobre el escritorio hay libros viejos, una vela, un icono. El lado derecho muestra una ventana de taller abierta. En el alféizar de la ventana hay una guitarra, tubos de pintura, una botella de disolvente. Fuera de la ventana se ve claramente el Moscú vespertino.

- Tienes familia, hijos. ¿Debe haber sido difícil combinar ambos roles?

- Por supuesto que es difícil. Rompí con mi primer marido porque me dio a elegir. Fue entonces cuando di a luz a mi primer hijo... (aquí suspira, luego ríe) Esto es muy difícil de recordar. En ese momento yo estudiaba en los talleres de la Academia de las Artes. Tuve que quedarme con el niño o mudarme con mi abuela, que lo cuidaba. Siempre es más difícil para una mujer. Toda mi vida he estado dividida entre la creatividad y los niños. Más de una vez, los hijos de escritores, actrices y artistas famosos, en sus memorias sobre ellos, ajustan cuentas con sus madres por su infancia privada, reprochándoles su concentración egoísta en su creatividad. En “Autorretrato con su hijo” (1977, Ministerio de Cultura), junto a la artista que dibuja algo en un cuaderno, completamente absorta en su trabajo, se encuentra su hijo mayor, Nikolka. El niño observa atentamente, con curiosidad, cómo una hoja de papel en blanco cobra vida bajo su mano, convirtiéndose en un paisaje. Pero los celos también aparecen en la mirada del hijo. Quizás el ojo del artista registró involuntariamente los primeros brotes de un conflicto que se gestaba.

- ¿Se sintieron sus hijos en desventaja?

Horrible. Hace unas dos semanas hubo un programa en televisión en el que entrevistaron a mis hijos. Siempre me pareció que me debatía entre el trabajo y los niños, que les dedicaba mucho tiempo. El mayor ya tiene 24 años, el menor 8. Ambos, independientemente el uno del otro, dijeron que les presto poca atención. El más joven dijo que estaba siendo criado por su abuela: “Y mi madre es una artista maravillosa, y sobre todo voy a sus primeros días. Qué pesadilla”. El mayor dijo que no quería ser artista porque su madre pasaba todo el tiempo en el estudio.

- Resulta que si una mujer se dedica por completo a la creatividad, por muy bien que trate a sus hijos, ellos todavía se sienten privados

No, esto no se perdona. Sufren locamente. No planeé mi familia. Los niños siempre son creados por casualidad. Ella dio a luz al segundo deliberadamente. Y ahora me tomo mucho tiempo fuera del trabajo, porque entiendo que mucha gente hace arte, el arte puede prescindir de mí, pero no puede prescindir de mí. Pero resultó que esto no es suficiente para él.

Desde finales de la década de 1970, el tema de la vulnerabilidad, la “desnudez” y la indefensión del artista ante el juicio de un público perezoso e indiferente y de aquellos en el poder surge cada vez más en la obra de Nazarenko. Ya suena claramente en uno de sus mejores autorretratos: el cuadro "Flores. Autorretrato" (1979, Galería Tretyakov). Casi todo el espacio del lienzo lo ocupa un ramo de lirios dorados y frescos, y en la pared hay una reproducción de un cuadro de Van Eyck, a quien ella idolatra. La artista se queda pegada al borde del lienzo, con la mirada baja y los brazos extendidos sin fuerzas, alejándose de lo que habitualmente tanto le agrada y le sirve de constante fuente de inspiración.

Este tema se convierte en el leitmotiv de "El hombre del circo" (1984). A una altura vertiginosa, sobre los tejados de las casas, una artista vestida sólo en bikini se balancea “sin red de seguridad”. Abajo, el público aplaude su arriesgada actuación. Se trata de funcionarios de la Unión, vestidos formalmente: traje oscuro y corbata. Nazarenko dota a sus imágenes de rasgos de retrato reconocibles. Sin conocer las circunstancias específicas que contribuyeron a la aparición de esta obra, bien podría considerarse entre las obras relacionadas con el discurso feminista que tematizan el papel de la mujer en la sociedad.

Todavía no entiendo este movimiento feminista. Para mí esto es una tontería.

- Tu “Circus Girl” bien podría calificarse de obra “feminista”.

Tengo un destino creativo feliz. Entonces comencé a viajar al extranjero bastante temprano. Y luego, cuando de repente te dicen: “No irás a ningún otro lado, no verás nada, no exhibirás”. Entonces escribí “Circus Girl”. Durante algún tiempo fui miembro de algunos clubes de mujeres. No es interesante sentarse con mujeres y discutir algunos asuntos. En Occidente, por supuesto, tienen sus propios problemas, pero después viven mucho mejor. Compramos una casa en el pueblo. Entendí lo que es el pueblo ruso. Antes de eso, no lo sabía. Si comparamos a Alemania y Estados Unidos, este es un nivel de vida completamente diferente, empezando por los baños, las carreteras, Televisores, trapos, las mujeres occidentales pueden sentarse, charlar, pensar si defender sus derechos o los de sus hijos, o la ecología o la libertad de las minorías sexuales.

- Para mí, por ejemplo, fue muy importante el “descubrimiento” de escritoras y artistas olvidadas, a quienes debemos las feministas. La sensación de que las mujeres tienen una tradición en el arte da confianza.

Creo que la creatividad de las mujeres es una excepción. Esta es una anomalía.

- Pero cualquier creatividad, hasta cierto punto, es una anomalía.

Sí, en principio, la creatividad es siempre una anomalía. Y las mujeres, en mayor medida. Los niños sufren de esto. No es normal que una mujer no tenga hijos.

- Si hablamos de artistas y escritores, incluso hoy les resulta mucho más difícil abrirse paso.

Nunca me he encontrado con discriminación. Quizás sólo en los albores de mi juventud, cuando quise entrar en un taller monumental. Me dijeron que su líder, Alexander Deineka, no quiere tener chicas en su taller. Luego Elena Romanova estudió con él. Tal vez fue sólo un rumor, y si hubiera sido más persistente, tal vez hubiera llegado allí.

- Los artistas occidentales tienen muchas menos probabilidades que sus colegas de ser incluidos en exposiciones prestigiosas; las grandes galerías siguen siendo reacias a exponer obras de mujeres.

Bueno, ¿qué es importante?

- No, más bien inconscientemente.

Por supuesto, inconscientemente. Porque, por regla general, las artistas femeninas son peores. Porque simplemente no tienen la oportunidad de realizarse plenamente. Demuestro que los artistas modernos no son en modo alguno inferiores a sus colegas. Ella está de acuerdo y llega directamente a una conclusión feminista: - Si se crean las mismas condiciones, las mujeres no son diferentes de los hombres. Pero esto nunca sucedió. Volviendo al tema de los niños...

- ¿Por qué crees que criar hijos es sólo tu tarea? ¿Por qué un hombre no puede participar de la misma manera en esto?

Él absolutamente no puede. Cuando di a luz a mi segundo hijo, no era lo que quería. Pero mi marido no tuvo hijos. Él quería este niño. Di a luz a los 42 años. Decidí dar a luz a un niño y dejar que mi marido lo cuide, le enseñe y le ponga esquís. Este pobre niño sólo me ama a mí. Y por eso yo, una infeliz mujer de 50 años, tengo que levantarme temprano, hacer ejercicios con él, comprobar las lecciones, aprender inglés, ir a esquiar, algo que tengo miedo de esquiar... Me siento en el taller con mucho gusto. , pero ¿qué puedo hacer? ya apareció.

Aún así, los hombres tienen ventajas. Son físicamente mucho más fuertes y resistentes.

- Pero los hombres también tienen un límite físico. Uno establece un récord mundial en natación y el otro juega al ajedrez.

Nos educaron para que no deberíamos ser peores que los hombres, más débiles. Por eso me acostumbré a estar en igualdad de condiciones. Llevar cuadros yo mismo, rellenar el lienzo yo mismo... No puedo ceder ante un hombre en nada. Por ejemplo, quiero sentarme con "cosas" enormes. Pero no puedo levantarlo físicamente.

- ¿Por qué tiene que ser un trabajo enorme?

Pero no quería sentirme mujer. Demostré que podía, como cualquier hombre, hacer algo grande cuando, por ejemplo, escribía de tres en tres.

- Entonces, ¿tuviste de una forma u otra la sensación de ser secundario?

Sí, seguro. Estaba muy interesado en las armas. Escribí cuadros con armas. Realmente no quería ceder ante nada.

Recuerdo que cuando era miembro del comité de la exposición, por regla general, se podía adivinar que se trataba de un trabajo de mujeres. Quizás cuando el artista no se propuso ocultarlo. No fue ni peor ni mejor. Esto fue diferente. Por regla general, obras pequeñas, retratos de niños, o algo relacionado con juguetes, o naturalezas muertas. Algo un poco más tierno.

- Probablemente porque las vidas de las artistas femeninas son algo diferentes en comparación con las de sus colegas masculinos. Un hombre puede darse el lujo de abandonar por completo las preocupaciones cotidianas, la responsabilidad de criar a sus hijos y dedicarse por completo a la creatividad. Por tanto, todo esto recae sobre los hombros de las mujeres. Y la situación social de la artista determina en cierta medida la gama de sus temas. Como ya has dicho, “la vida cotidiana determina la conciencia”.

Sí, seguro.

- Hoy el artista tiene libertad, aunque la libertad absoluta, por supuesto, no existe. Puedes hacer lo que quieras.

Hasta cierto punto, siempre me sentí libre. Tenía muchas obras que sabía con seguridad que nunca saldrían de las paredes del estudio. Ahora todo lo dicta la cantidad de dinero. De una falta de libertad te encuentras en otra. Si tienes dinero, puedes alquilar cualquier sala y exponer lo que quieras. Si no están allí, no publicarás nada. Puedo hacer lo que quiera en el taller, pero nadie lo necesita. Perdí por completo el interés por el arte. Quizás no estaba allí antes, pero había algún tipo de apariencia. Si ahora mi hijo quisiera ser artista, lo golpearía con un palo, diciéndole: no te hagas artista... Pero con mi primer hijo, tenía muchas ganas de que fuera artista. Ahora nos hemos convertido en sirvientes. Personalmente tengo ganas de servir a los ricos en presentaciones y fiestas. Durante algún tiempo en nuestra sociedad nos encontramos en una situación tan anormal que somos la élite, que podemos influir en algo. Los poetas leen sus poemas ante audiencias de miles de personas. En la cabina del camión se podían ver algunas fotografías clavadas.

- Antes, un buen libro, una película, una pintura eran un soplo de libertad. Y ahora la gente tiene otros valores y oportunidades. Pueden viajar, comprar. Resultó que no todo el mundo necesita el arte; al contrario, pocas personas lo necesitan. Pero tal vez estos sean sólo procesos temporales.

Soy un mal filósofo, no sé cuánto tiempo pasará hasta que la gente se interese por el arte y qué tan interesante será. Ahora dicta el galerista. Aconsejan qué y cómo hacer. En cualquier contrato se especifican incluso los tamaños de los cuadros. Porque los burgueses tienen paredes de este tamaño. Debe ser algo agradable a la vista. Mi marido me dice que necesito algo brillante y comercializable.

- Tú y yo éramos contemporáneos del “deshielo”. Crecimos en este momento. Hoy tenemos el privilegio de ser testigos de la perestroika. ¿Es posible comparar de alguna manera la atmósfera y las sensaciones de aquella época con lo que sucede hoy ante nuestros ojos?

Mucha gente no pasó esta prueba: todo estaba permitido, viajar y algo más. Solíamos comunicarnos más, éramos más francos. Después de las tentaciones que trajo la perestroika, la gente cambió. Y, en general, hasta cierto punto creo que antes eran mejores. La exposición personal del artista (1989) se mostró no sólo en Rusia, sino también en Occidente: en Alemania y Estados Unidos. Fue acogido con gran interés por el público y la crítica extranjera. La artista se ganó la reputación de “Reina de la Unión de Artistas”. Para algunos “nuevos” críticos rusos que, en la lucha por el arte “contemporáneo”, están dispuestos a limpiar todo de nuevo y destruirlo “hasta los cimientos”, la exposición de Nazarenko fue una de las razones para ajustar cuentas con los años setenta. Uno de ellos afirmó: “En general, la exposición demostró el agotamiento histórico de la pintura de los “años setenta” y se convirtió en una especie de alejamiento de su brillante pero transitoria creatividad”.

- “No me siento como una generación perdida. Logramos saborear la libertad durante el “deshielo”. Y en la atemporalidad de Brezhnev intentamos mostrar en las exposiciones lo que pensábamos: ya sea directamente o mediante alegorías. Mis pinturas fueron retiradas de las exposiciones. "Pugacheva" tres veces..."

La concentración excesiva en sus quejas y malentendidos fue una de las razones de la crisis de la creatividad de la artista, que duró varios años. Una tras otra, comenzaron a aparecer pinturas que recordaban cada vez más la fantasmagoría del Bosco. En ellos, los funcionarios de la Unión y el “público indiferente” se convirtieron en criaturas feas, mitad humanos, mitad animales, que atormentaban al artista. Sin embargo, Nazarenko nunca ha sido una persona indiferente, centrada en sí misma. Ante sus ojos, las esperanzas asociadas con la perestroika se convirtieron en inflación y empobrecimiento. Aparecieron en las calles ancianas vendiendo sus últimas pertenencias, mendigos y vagabundos. Ella respondió a lo que sucedía a su alrededor con su “Transición”.

El pasaje subterráneo del metro es hoy un refugio para personas sin hogar y refugiados. Aquí viven vendedores de periódicos y flores, músicos, mendigos y personas discapacitadas. El artista lo “transportó” a los pasillos de la Casa Central de Artistas y confrontó al espectador con los menos afortunados, los desfavorecidos, y lo obligó a mirar los rostros de aquellos a quienes más de una vez se había apresurado a escabullirse en “el impaciencia de su corazón”. Y por supuesto, como en muchas de sus obras, entre el resto de personajes se encuentra la propia artista.

La transición es a la vez el estado de la sociedad postsoviética actual, que nadie sabe dónde, y también es una nueva e interesante etapa en el desarrollo creativo de Nazarenko.

Ante nosotros está la pintura escultórica: la segunda realidad, la realidad del arte. El artista mantiene la medida necesaria de convención y distancia. Tras una inspección más cercana, las figuras resultan ser de madera contrachapada pintada y en bruto. Su reverso no se trata. Los propios personajes están representados con grotesca nitidez. “Figuras de transición”, según la acertada definición de uno de los críticos.

“La Transición” despertó un gran interés entre el público y entre los “iniciados” y se convirtió sin duda en uno de los acontecimientos culturales más importantes de los últimos años. La artista confirmó una vez más su lugar en el arte y “demostró” claramente que era demasiado pronto para enterrar los años setenta.

En su “Transición” volvió a sonar claramente la eterna pregunta rusa: “Rus', ¿a dónde corres?”, se expresó el dolor y la esperanza de la artista...

1 centavo. por: Lebedeva, V. Tatyana Nazarenko, M., 1991.
2 Cita. por: Efimovich, N. “Dicen que estoy desfigurando al pueblo soviético...” V; "Komsomolskaya Pravda", 21 de diciembre de 1991.
3 citado por: Lebedeva, V. Decreto. op.
4 citado por: Efimovich, N. ibíd.
5 "Arte", 1989, L" 8, 76.
6 Citado. de: Efimovich, N. ibíd.

Tatiana Nazarenko tiene insignias más que suficientes: ganadora del Premio Estatal, miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes, miembro del presidium de esta academia. Además, esta socialité defendió su tesis y sus cuadros se encuentran en los museos más prestigiosos de Nueva York, Londres, París, Berlín, en nuestra Galería Tretyakov, en el Museo Ruso de San Petersburgo...

mi El arte se ha convertido en un clásico. Las obras de Tatyana Nazarenko son merecidamente caras. Pero en vísperas del reciente aniversario, Tatyana... decidió hablar no de arte, sino de su destino, acontecimientos y sentimientos muy personales.

“Cuando era niña, yo era una niña angulosa, tímida y torpe”, recuerda la artista. “Mamá siempre tuvo miedo de que yo nunca me casara. Por eso me dieron esa educación: baile, música, dibujo...

— ¿Cómo te convertiste en artista?

— Al principio había una escuela de música. Y sólo entonces entré en la escuela de arte del Instituto Surikov. Los niños que ingresaban allí recibían una formación especial y estudiaban con profesores durante varios años. Ni siquiera sabía el significado de las palabras "naturaleza muerta", "paisaje", "acuarela", "pinturas al óleo". Antes del examen de pintura, la profesora me explicó todo de forma sencilla. Luego fui a la universidad. Tras graduarse en 1969 con notas “excelentes”, ingresó en el taller de la Academia de las Artes. Después de un tiempo, entre muy pocos colegas de alto nivel, le concedieron un viaje de un mes a Italia.

- Compárate ahora con el de los años 70. ¿Qué te gustaría recuperar del pasado? ¿Quizás tengo sed de vida?

- ¡Nada! Ya estoy lleno de sed de vida. ¡Me siento como si tuviera 30, incluso 25! Aunque descubrimos mucho sobre nosotros mismos cuando éramos jóvenes. Deambularon como seres vivos por todos los museos y exposiciones. Cansados, fuimos a la máquina expendedora, bebimos un par de bebidas portveshka por 40 kopeks, nos reímos, volvimos a los talleres de Surikov y escribimos como animales. Después del “rojo”, mis pensamientos se volvieron más audaces y agudos.

Después comencé a preocuparme por muchas cosas, por ejemplo, la contradicción entre el hombre y el poder. Entre los condenados a la horca se encontraba Sofya Perovskaya, a quien pinté a partir de una fotografía de Natalya Gorbanevskaya, y el hombre sabio y barbudo que está junto a ella en el patíbulo es Andrei Sinyavsky, un escritor y filósofo expulsado de la URSS. Nadie lo sabía entonces. No podía oponerme abiertamente al sistema; no quería traer otro dolor a la casa. El marido de mi abuela, mi abuelo, recibió un disparo en 1937...

"Voluntad del Pueblo" pasó mucho tiempo visitando varias exposiciones: desde la exposición de la ciudad de Moscú hasta la exposición de toda la Unión. Por ello recibí un premio del Komsomol. Antes incluso de tomar el dinero en mis manos, decidí beberlo. Invité a amigos para que me ayudaran a hacer esto. "Komsomol - ¡nunca!" Y todos los amigos, junto con el profesor Dmitry Zhilinsky, se negaron por unanimidad a beber con este dinero. "Bueno, entonces ven a mi cumpleaños, el 24 de junio", no estaba perdido. Nos atiborramos de pasteles de la abuela. Recuerdo este premio del Komsomol como una bofetada de amigos.

— ¿Qué incidente ocurrió con el cuadro “Llegaron los partisanos”, que fue retirado de la exposición porque vieron a Lenin muerto junto a la horca?

— De hecho, allí yacía el artista Viktor Popkov, que posó para mí. De modo que las afirmaciones de la comisión eran absurdas, aunque Víctor llevaba bigote y barba para parecerse al líder de la revolución. Tuve que taparme la cara con un pañuelo en la foto. Lo hice y me arrepiento. Después de este incidente, casi de inmediato Popkov murió accidentalmente en la calle durante un ataque de bandidos a coleccionistas. Algún tipo de misticismo. Mis “partisanos” se encuentran ahora en la Galería Tretyakov. Estoy pensando, ¿no debería devolver la cara del artista a su lugar, ya que esto sucedió?

—¿Has tenido muchos asesores en tu vida?

— Tuve una abuela muy sabia. Ella me aconsejó mucho, pero me casé en contra de su consejo, aunque la adoraba. “Si te casas con él, me moriré”, así reaccionó mi abuela cuando reconoció a mi primer novio. "Está bien, abuela, no saldré, pero no te mueras". Y luego, mirando la noche, mi abuela dijo: “No voy a morir, haz lo que quieras”.

— ¿Parecía que le agradaba su segundo marido?

- Sí, a la abuela le encantaban los hombres guapos y profesionales. Alexander tenía su propio negocio y, además, me ayudó mucho en mi trabajo. Diseñé y vendí cuadros. Sasha recortó gruesos contornos de madera contrachapada de 130 cuadros. Eran siluetas que vi en los pasillos; eran personas de diferentes caracteres, una muestra social directa de la sociedad. La gente de los años 90 en transición son intelectuales, oficinistas, jubilados que de repente se convirtieron en mendigos. Los unía la preocupación, la inestabilidad, se encontraban por la borda. Este fue un período de transición en nuestra sociedad.

— ¿Se ha agotado este tema?

— En parte, claro que sí, aunque la gente se ha vuelto diferente, menos grosera. La generación ha cambiado en 10-12 años. Sasha y yo rompimos y yo aprendí a cortarlo yo mismo, aunque "hacer trampa" ya es una etapa superada.

-¿Qué crees que es el amor? ¿Hábito, movimiento interno, enfermedad?

- No, no. No sé qué es el amor. Quizás esto sea una adicción a un hombre. Amaba tanto a mi primer marido como a mi segundo marido y no entiendo cómo se puede vivir con un hombre sin amor. Aunque siempre espero el amor, lo espero con ansias. Para mí, el concepto de “matrimonio concertado” es imposible. No hago nada por cálculo.

"No pintas cuadros sobre el amor carnal en absoluto, aunque sospecho que las relaciones románticas con hombres son parte de tu vida".

"No sé la verdad sobre el amor y el sexo". Todo va por sí solo. Pero cuanto más vivo, menos sé cómo empezar una novela y cómo terminarla sin causar daño a ambos. Contrariamente al consejo de las revistas femeninas de moda, me gusta llamar primero a los hombres, especialmente a los guapos. A menudo me culpo por esto. La falta de romance en la juventud afecta. Tuve una aventura con un hombre que era muchos años menor que yo. Acabo de regresar de Alemania, compré mucha ropa, moderna y diferente, y, sin desempacar las maletas, corrí a Pitsunda. Conocí a un chico joven en el tren. Así que durante todas las vacaciones nunca desempaqué esta maleta. No había tiempo para ropa de moda.

- Bueno, si el amor vuelve a suceder, ¿estás preparado para ello? ¿Qué pasa si un hombre quiere tener un hijo juntos?

"Yo mismo sueño con una niña". Ahora me puede pasar cualquier cosa. Soy una mujer sana y fuerte. Hay muchas mujeres en el mundo que pueden dar a luz fácilmente a mi edad. Hace poco me hice una prueba y mi cuerpo es como el de una mujer de 30 años. ¿Sabes cuántos años tengo ahora? tengo muchos años...

— Para criar a un hijo se necesita salud y dinero. Imagínese que la pintura no tiene demanda. ¿Cómo ganarías dinero?

- Nunca se sabe. No tengo miedo de nada y tengo una actitud normal ante el trabajo físico. Puedo hacer cualquier cosa: cultivar hortalizas en un invernadero y venderlas a los vecinos. Después de todo, puedo cantar en clubes nocturnos propiedad de amigos.

-¿Eres buena ama de casa? ¿Amas tu hogar?

— Tengo mucho apego a ciertas cosas, adoro los muebles viejos. Me encantan los platos blancos y azules. Traigo sets de Alemania, Italia y República Checa. Sólo compro antigüedades. Me gusta invitar a los invitados a buenos platos. Después de irme, comprendo la inutilidad de la idea: rompen los platos. No estoy acostumbrado a que vengan cocineros, así que puedo preparar la cena rápidamente y me gusta hornear pasteles. Esto se hace rápidamente, ya que mi familia y yo somos indiferentes a la comida, aunque reconozco la cocina como un arte, pero no paso más allá de una chuleta con cebolla y papa. A mí me gusta encurtir salmón noruego; simplemente pongo un trozo de pescado en salmuera (sal y azúcar) durante exactamente tres horas y lo llevo a la mesa. Puedo conservar pepinos con ajo, tomates y calabacines. Me siento feliz cuando los invitados aprecian mi producción. Y en los días festivos importantes puedo hornear un pastel de Napoleón según la receta de mi abuela. Se rellenan siete capas de bizcocho con natillas y, bajo carga, durante un día y medio o dos.

- Los domingos se sienta toda tu familia a la mesa, ¿tomas algo?

- No, ni mi primer marido, ni mi segundo, ni mis hijos son completamente no bebedores. ¡Y a mí me encanta! Pero no beberás solo.

- Dicen de ti que estás hecho de acero resistente: puedes atravesar lo que quieras.

- ¡Esto es sólo una apariencia!

Entrevistado por Anatoly MELIKHOV

Fotos utilizadas en el material: ANATOLIYA MELIKHOVA

Trabajó bajo el liderazgo de Korzhev.

De gran interés para el investigador son el género.

cuadros con autorretratos de T. Nazarenko. Hay mucha controversia sobre este artista. Algunos ven racionalidad y cálculo sobrio en sus obras, otros ven una obsesión ardiente, una pasión creativa viva.

Flores. Autorretrato. 1979

Nos parece que contienen ambos. Y esto se manifiesta de manera especialmente clara y aguda en las pinturas de Nazarenko, que incluyen un autorretrato. Y casi todas sus pinturas lo incluyen, incluidas las históricas ("La ejecución de Narodnaya Volya", "Los partisanos han venido"). El papel del autorretrato parece especialmente activo y eficaz en las pinturas "Mis contemporáneos", "Conversación", "Artistas jóvenes", "La abuela y Nikolka", "Nochevieja", "La fiesta del té en Polenov". Cada uno de ellos revela, o al menos plantea, problemas muy importantes de la existencia humana. Aquí hay pensamientos difíciles sobre el significado de la vida y la creatividad, el cambio de generaciones, la inevitabilidad de la muerte, etc. Creemos que en cada caso Nazarenko presentó algún fragmento íntimo de su vida personal, su propia biografía (sí, esto aparentemente es el caso). Creemos que cada situación no sólo está bien pensada, sino también profundamente vivida y soportada. Y por ello, los autorretratos incluidos en sus pinturas se dan por sentados, como parte integral de la composición. La inclusión de un autorretrato en la pintura se convirtió en una necesidad creativa necesaria para Nazarenko. “En uno de mis... cuadros “Después de los exámenes”, yo, temiendo que mi autorretrato estuviera algo cansado, o mejor dicho, simplemente no encajaba en la situación dada (un grupo de estudiantes), aunque me sentía en lugar allí, intenté pintar otro personaje. Fue un reemplazo doloroso y muy insatisfactorio”, recuerda el artista.

Con todo esto, sin embargo, cabe destacar que cada uno de los autorretratos incluidos en las pinturas de Nazarenko vive en un espacio psicológico especial, aislado de otros personajes. Sentimos en ellos no tanto un partícipe directo del hecho representado, sino más bien un personaje especial que mira a sus compañeros, aunque no con indiferencia, sino con una mirada exterior. La heroína, dotada de rasgos de retrato de artista, siempre está pensando. A veces su mirada se vuelve hacia nosotros. Exactamente como en las composiciones de los maestros del Renacimiento antes mencionadas. Y expresa la misma eterna pregunta: “¿Qué opinas de esto?”

Pugachov. Díptico.

En el díptico "Pugachev", se elige un conflicto agudo y un momento dramático: Emelyan Pugachev es llevado en una jaula al lugar de ejecución en Moscú. Y no cualquiera tiene suerte, sino el joven Suvorov. Pero ¿qué es este extraño espectáculo que se desarrolla ante nuestros ojos? Los soldados sin rostro elegantemente vestidos son como juguetes abigarrados. Y Suvorov sobre un caballo blanco parece un muñeco; Toda su apariencia es tan similar a sus innumerables imágenes que parece desprovisto de rasgos individuales y se convierte en un signo, un diagrama. Y su caballo no camina, sino que parece flotar en el aire, y sus manos frágiles y sin vida no sujetan las riendas de juguete... E inmediatamente toda esta historia adquiere rasgos de fantasmagoría, y ya no son las personas las que cometen ciertas acciones, pero algunos títeres participan en algún tipo de juego que no inventaron.

También es deliberada la estructura pictórica de este lienzo, que recuerda a la oleografía pintada. Las nubes flotantes son muy regordetas, y el color dorado de las colinas y los edificios distantes es extremadamente denso, y los trajes azul-rojo-blanco de los soldados y la figura de Pugachev con una camisa roja elevándose sobre sus cabezas están escritos en abierto. tonos extremadamente contrastantes...

Y la segunda parte del díptico, encerrada en el mismo marco, tiene un aspecto completamente diferente. Se trata de un largo panel vertical, pintado según la tradición del trampantojo del siglo XVIII. Colores oscuros de “museo”, papeles cuidadosamente escritos escondidos detrás de una cinta, varios retratos que datan de la época de la rebelión de Pugachev, un trozo de brocado antiguo, varios libros, una vela derretida en un candelabro... Todo es muy serio, con cuidado. escrito, todo parece llevar fino polvo de épocas pasadas, huellas del tacto de las personas que crearon estas cosas.

Decembristas. Levantamiento del regimiento Chernigov. 1976

No hay ninguna experiencia momentánea en las pinturas históricas de Nazarenko. Miramos acontecimientos de larga data a través del tiempo, y todo lo que sucede parece iluminarse, congelarse, romper con la adversidad cotidiana y adquirir la claridad y la plenitud de un símbolo.

La misma dualidad está presente en sus retratos de grupo. Sus personajes son retratos reconocibles, las colisiones son creíbles:

Primer verano. 1987

vacaciones juveniles, conversaciones en el taller... Y al mismo tiempo, hay algo misterioso en ellos, que convierte escenas cotidianas en fantasías románticas. Así, el pasado y el presente se unen estrechamente en el tríptico “La vida” (1983).

Y nuevamente, el artista materializa pensamientos y sentimientos, representa los objetos que evocan estos pensamientos. En los tres lienzos que componen la composición del tríptico aparece una abuela, ya muy anciana, arrugada, sosteniendo su cabeza gris con las manos cerradas. Y su vida pasa ante su mente. Pero T. Nazarenko no habría sido fiel a sí misma si las realidades tangibles y físicas no hubieran convergido en el mundo que ella representaba. que son visibles sólo a la mirada espiritual, si la línea entre el pasado y el presente no fuera inestable...

Anna Semyonovna Abramova murió en Moscú a la edad de 89 años, habiendo vivido para ver reconocida la obra de Tanya, habiendo visto sus fotografías en las portadas de revistas y reproducciones de sus obras en libros.

Las obras de T. Nazarenko contienen el poder de persuasión y la capacidad de traducir sus ideas en imágenes completas. Aquí hay una mirada aguda y un vuelo de imaginación, los reflejos de nuestro contemporáneo y el eterno deseo de amor y comprensión mutua. Y en sus obras también está la idea de que estos contactos no son tan simples para una persona moderna. Y es por eso que tan a menudo en las pinturas de Nazarenko las personas cercanas están tan lejos unas de otras y las manos extendidas cuelgan en el aire.

Independientemente de lo que escriba, y la variedad de sus temas es inusualmente amplia, trabaja con igual intensidad en una pintura histórica y en escenas de vacaciones juveniles, en un retrato, un paisaje, una naturaleza muerta, aporta a sus obras algo esquivo y sin duda transformador. ellos el producto de nuestros días, la forma de pensar de nuestro contemporáneo. El espectador siente el tiempo palpitar en su arte.

T. Nazarenko es uno de los artistas cuyo talento se reveló en los años setenta. Durante estos años se desarrollaron y maduraron brillantes personas creativas. Las dificultades quebraron a los débiles y fortalecieron a los fuertes. Tatyana Nazarenko es una de las fuertes.

Ventana grande. 1985

Es significativo el cuadro “La ventana grande” (1985) del artista moscovita T. Nazarenko, que plantea serios problemas morales asociados con la actualidad de nuestras vidas. Aquí el problema de la autoconciencia, el bienestar del hombre moderno en el mundo que lo rodea, el contacto emocional con la realidad, con la naturaleza, con el mundo objetivo, se resuelve como por contradicción: en lugar de silencio, paz, claridad, armonía que ennoblece el alma: tensión fría, rigidez, falta de armonía de contrastes, llamativa incompatibilidad espiritual y material, enfatizada por la imagen de un maniquí hueco en el alféizar de la ventana, el aterrador vacío del mundo objetivo, la incomodidad de la existencia humana en este entorno. En la dura y desnuda imparcialidad de un autorretrato (un rostro pálido y cansado reflejado en el espejo, una mirada sin una chispa de inspiración), en los colores fríos y las líneas secas del paisaje que se abre fuera de la ventana, en el choque indiferente de Fábrica de Moscú, novedad industrial y antigüedad del Kremlin, en los múltiples complementos del quehacer artístico cotidiano.

Un día, Tatyana Nazarenko, que vive todos los veranos en un pueblo cerca de Tula, se encontró con una secadora de granos abandonada. Le pedí a mi marido que me tomara una foto: ¡no se puede imaginar un símbolo más brillante de la era soviética! Definitivamente decidí utilizar el secador de granos en la instalación sobre lienzo.

— Desafortunadamente, comencé a entender al mismo Ilya, que ya hace mucho tiempo que realiza sus instalaciones. Es mucho más interesante que simplemente dibujar. Llego a esto ahora.

Para dedicarse a la pintura real, se necesita un estado de ánimo y un país diferentes. Recientemente estuve en un gran museo europeo. Y me sorprendí pensando: vendré ahora al pueblo, cogeré un lienzo y escribiré con mucho gusto entre riegos de camas. Y luego me recompuse: bueno, escribiré, pero ¿qué sigue? ¿Esperar a un comprador?

- ¿Pero qué pasa con la inspiración, esa en la que es imposible respirar?

— Oh, no me gusta la palabra “inspiración”. No puedo decir que sea imposible vivir sin tocar el lienzo. Tal vez. Pero el proceso creativo siempre es un poco diferente de lo que dicen y escriben.

— A juzgar por su retrato de Catalina II de madera contrachapada, presentado recientemente en el New Manege, ¿ha cambiado por completo la pintura tradicional?

- No se trata de traición. El artista debe abandonar su percepción del mundo. Y así es exactamente como percibo nuestra realidad a finales de los años 90. Por eso no pinto retratos de "nuevos rusos". Sólo es interesante escribir allí.
vestidos de seda. Los rostros no expresan nada. Por lo tanto, incluso si ahora estoy escribiendo algo específicamente para la venta (no podrás vivir muy bien con una pensión académica de unos pocos cientos de rublos), estas son naturalezas muertas. Flores. Sucede que vendo mis viejas obras favoritas. Pero no "Pugachev", que los funcionarios soviéticos retiraron de las exposiciones.

Chica de circo. 1984

— ¿Por qué entonces vendiste tu famosa “Circus Girl”?

- Este es mi marido. Yo estaba en Estados Unidos entonces. Y cuando me llamó y me contó esto, estaba dispuesto a matarlo. En general, me cuesta mucho separarme de mis obras. Especialmente si llega una multitud de tías modernas, gorjeantes, hurgando en las obras e intentando bajar los precios. La sensación de bazar permanece. Aunque parezca inconveniente negarse, vienen porque se conocen.

Un día tuve que vender una obra en contra de mis deseos. Cuando dije que ésta era mi naturaleza muerta favorita, la de mi hogar, uno de los caballeros que vino dijo: "Pero Pyotr Ivanovich puede hacerlo para que no vuele a ninguna parte". Y tuve que ir a París. Me reí: ahora soy libre, volaré por Ucrania. Y me respondieron: "Pero Piotr Ivanovich puede asegurarse de que el avión no llegue". Realmente me horroricé, Dios mío, ¿quién me trajo a mí, un mafioso? Entonces, para mi disgusto, tuve que vender esta obra. El alto precio ni siquiera los detuvo.

- ¿Y así celebras tu aniversario, con algún tipo de confusión en el alma?

- Vivo así todo el tiempo. Y a principios de los noventa, cuando el país se derrumbó y había un sentimiento de inutilidad, y en el 85, cuando no me permitieron ir al extranjero y parecía que la vida se había acabado. También recuerdo la desesperación de la mañana de principios de este año, cuando me enteré de que, por orden de los funcionarios, habían retirado mi inofensivo monumento de madera contrachapada “Trabajador y campesino”, que se encontraba a la entrada del Manege durante mi exposición. Algunas personas pensaban que no había lugar para él cerca del Kremlin. Me sentí como hace muchos años cuando mis pinturas fueron retiradas de la exposición. Hace poco conocí a uno de estos funcionarios artísticos. No esperaba encontrarme como académico. Él está prosperando...

Nikolái EFIMOVICH.

La artista Tatyana Nazarenko ha creado su propia tradición: por quinto año celebra su onomástica, el día de Tatyana, el 25 de enero, con una exposición de nuevas obras. La primera tuvo lugar en la Galería Tretyakov, la actual, "Mi París", se estrena en la galería Manege, en la Sala Central de Exposiciones.

El talento de Nazarenko abarca todos los géneros de la pintura. Y esperas sorpresas de cada una de sus exposiciones.

El año pasado, Nazarenko creó la ilusión de un pasaje subterráneo en su exposición, poblándolo con una multitud de rostros dolorosamente familiares. Sus héroes parecen haber salido de las pinturas y convertirse en figuras “falsas” de madera contrachapada, como las que los fotógrafos callejeros colocan junto a ellos. Las esculturas de madera contrachapada se pueden mover e intercambiar. La recepción nos recuerda sólo superficialmente al kitsch callejero. Cada figura se convirtió en una especie de retrato social, reflejando exactamente los signos de la época. La exposición “Transition” ya visitó Estados Unidos y ahora continúa su recorrido por Alemania.

Tatiana Nazarenko vivió en París el año pasado en la primavera. Sin prisas turísticas, en familia, en el ritmo normal de la vida urbana. Y, como ella misma dice, allí se sentía tranquila y a gusto. La nueva exposición es el resultado de este viaje y la continuación del experimento con la pintura y la escultura en madera contrachapada.

El artista entre sus personajes parisinos.

Cada uno tiene su propio París. Nazarenko estaba interesado en los parisinos. Sus personajes actuales son estudiantes, burgueses, jóvenes fashionistas con vestiditos negros, camareros, comerciantes, prostitutas, monjas, organilleros... Ante nosotros hay una variedad de tipos de calles de la ciudad: de día y de noche, en un café, en una parque, en una librería de segunda mano. Y entre estas esculturas de madera contrachapada, como se puede ver en la fotografía, la propia artista se sitúa con mucha naturalidad.
Si en la “Transición” del año pasado te oprimía el fondo gris, aquí los colores brillantes juegan en planos de colores. Pero la lista de exposiciones no se reduce en absoluto a la oposición. Nazarenko no está dispuesto a ser sencillo. Le gustan los parisinos, pero no los halaga.

Inga PRELOVSKAYA

Generalmente se acepta que es la estrella más brillante entre los artistas rusos contemporáneos. Las pinturas se encuentran en las colecciones del Museo Ruso y la Galería Tretyakov y en colecciones privadas famosas. Laureado con el Premio Estatal, miembro correspondiente de la Academia de las Artes y profesor del Instituto Surikov. Todo esto es Tatyana Nazarenko.

Figuras de madera contrachapada de habitantes antipáticos de los pasajes subterráneos de Moscú, monumentos "falsos" a LUZHK0VU con una pala, Kirkorov y otras instalaciones. causando indignación entre los críticos estéticos. Esta también es Tatyana Nazarenko,

San Pedro sobre el proyecto “12 buenas obras”.

La XIV Feria de Arte de Moscú “Art Manege” se celebró en la Sala Central de Exposiciones Manege hace catorce años y comenzó como un proyecto muy ambicioso, prueba de la viabilidad del mercado del arte ruso. Pero inicialmente, la idea fue plantada con una bomba omnívora: aquí el arte de salón coexistía con los stands de galerías de alto nivel. La brillantez kitsch y la pobreza intelectual que combinaba Art Manege ayudaron al ascenso de la estrella de “Art-Moscow: peer-to-peer competidores”, que tuvo lugar en la Casa Central de Artistas. Art Manege intentó salvar su reputación, ya sea con la aprobación de un consejo de expertos, encabezado por un experto de reputación mundial, Viktor Misiano, o
invitando a curadores (lo cual es una tontería para una feria), desde el artista Alexander Yakut hasta el galerista Vladimir Ovcharenko. No ayudó. Y “Manege” lleva varios años renunciando a la elevación, representando todo lo que existe (más precisamente, aquellos que pagaron dinero para alquilar el sitio). Hace apenas unos años, los expositores de Art Moscú entraron en Manezh para comprobar la incompetencia de sus oponentes, que desfilaban con mirada arrogante. Sin embargo, debido a la crisis financiera y los problemas aduaneros, no tuvo éxito. Así, en la actual inauguración se podían encontrar activistas del arte contemporáneo que, con disimulada vergüenza, se preguntaban unos a otros: “Y tú
¿Qué estás haciendo aquí? Es decir, Art Manege, de hecho, no mejoró, pero siguió siendo una plataforma potencial para el mercado.

Y esta vez había algo que ver incluso para un experto. Sin embargo, lo mejor aquí no está representado por el arte pseudomoderno, sino por el modernismo y la “segunda vanguardia” de los inconformistas. Mejor proyecto “El Arte de Tres Décadas. 1910 - 1930" generalmente no es comercial. El “Club de Coleccionistas de Bellas Artes” presentó piezas de artistas del primer tercio del siglo pasado procedentes de colecciones privadas. La exposición corrió a cargo del presidente del club, Valery Dudakov, uno de los mejores expertos en el mercado de antigüedades. Nadezhda Lérmontova,
Vera, Mikhail... Los nombres son impresionantes, aunque las cosas no lo son tanto. Y la “Galería SHPENGLER” (en una vida pasada conocida como “Años Viejos”), conocida por su constante colaboración con la Galería Tretyakov, mostró a sus favoritos, desde el alumno de Burliuk, el futurista arrepentido de los Urales Viktor Ufimtsev, hasta el abstraccionista clandestino de la Valentin Okorokov, años 60. Como siempre, "Pan Dan" - con el suyo, Yakovlev y. La recién creada “Galería de Vspolny”, perteneciente a la “Sociedad para el Fomento de las Artes”, también afiliada a la Galería Estatal Tretyakov, presentó a Plavinsky, de bastante calidad museística. En el stand de New Manege, Lev Melikhov, cronista del underground, expuso sus fotografías de libro de texto.

Bueno, dos éxitos de la feria: la exposición “InArtis” con serigrafías de Andy Warhol (circulada y sin firmar, pero realizada con la bendición del autor) y “Zebra Bliss: antes conocido como el “Museo de los Ex libris” - No se trata de ex libris, sino de magníficos objetos del clásico "nuevo realismo" francés "Armand, del grafitero Criqui e incluso de Keith Haring, el famoso "new waver" americano.

En general, resultó no ser vergonzoso. Y los artistas rusos vivos estuvieron representados por nombres y obras dignos: Tatyana Nazarenko, Klara Golitsyna, Konstantin Sutyagin, Alexander Shevchenko...
Pero Dios tenga piedad, esto es lo que teníamos que buscar.
en una superficie total de 5000 metros cuadrados.

Bueno, si quieres descubrimientos y nuevas impresiones, obtendrás todas las etiquetas de precios y etiquetas de precios. Una feria es como una feria. Por cierto, como predijimos, nuestros inconformistas vendían cada vez más. La mayoría de las galerías desconocidas para el público ilustrado no pagaron por sus stands. Pero, a diferencia de Art Moscú: la feria Art Manege, no hace públicos sus resultados comerciales. Es tímido, ¿no?

Fedor Romer.

Decenas de lienzos, oscureciéndose unos a otros, estaban amontonados contra una de las paredes del estudio. Y antes de que la artista tuviera tiempo de volverme hacia mí su siguiente trabajo, leí su título, como si estuviera hojeando el índice de un libro desconocido.

“Boda uzbeka”, leí en una camilla. Y mientras Tatyana Nazarenko despliega lentamente el lienzo, yo tengo tiempo de regocijarme con el tema, según me parece, creado para nuestra revista femenina. Pero aquí está la imagen frente a mí. Miro y una especie de ansiedad incomprensible me invade. ¿Por qué? ¿Dónde? Al fin y al cabo, no parece haber nada trágico en el lienzo: cerca de un soplador, unos músicos pintados de forma un tanto paródica llaman a la gente a unas vacaciones familiares, junto a un niño delgado y pálido que cubre de flores el camino hacia la casa. A la izquierda, en la esquina de la imagen, están los invitados. Personas de diferentes edades, diferentes temperamentos perciben la próxima celebración de diferentes maneras: algunos están abiertamente felices, otros simplemente sienten curiosidad. Y todo esto es auténtico y colorido. Entonces, ¿cuál es el problema? ¿De dónde viene esta persistente premonición de problemas? Quizás tenga que ver con el alarmante fondo rojo de la imagen o con la cara triste del niño. esparciendo flores? ¿O tal vez invitados? Es como si deliberadamente tardaran en cruzar el umbral de la casa preparada para las vacaciones.

Le estoy hablando de esto a Tatyana Grigorievna.

Sí, en esta boda ocurrió un hecho trágico: el padrastro de la novia murió. Un hombre maravilloso que la crió y educó. Al parecer, esta dolorosa impresión, en la que intenté no pensar mientras trabajaba en el cuadro, sí tuvo efecto...

Bueno, aparentemente, para todo verdadero artista, la verdad de la vida y la verdad del arte son inseparables.

Tatyana Nazarenko, graduada del Instituto Surikov, debutó en exposiciones durante sus años de estudiante con los cuadros "Madre con hijo" (1966) y "Maternidad". Este segundo cuadro, pintado en 1968, fue también el trabajo de graduación del artista. Ese mismo año se creó “La boda uzbeka”.

Estudiantes.

En obras posteriores, como "Artistas jóvenes", "Estudiantes", "Mis contemporáneos", "Después del examen", "Invitados en el dormitorio", el autor se sintió atraído no tanto por la trama como por la profundidad de las características psicológicas. .

Después del examen.

Y, sin embargo, la obra de Nazarenko "La ejecución de Narodnaya Volya" recibió la mayor fama. La joven artista logró comprender a su manera el trágico tema de Narodnaya Volya, cuya altura moral siempre admiró.

Esta imagen, en cierta medida, resume los años de estudio en el instituto, donde los maestros del joven artista fueron los famosos pintores A. Gritsay y D. Zhilinsky. Pero al mismo tiempo estudió con maestros italianos y alemanes del primer Renacimiento. ¿No es aquí donde el cielo en “La ejecución de Narodnaya Volya” tiene el color de un descolorido fresco renacentista: azul claro, claro? Y en los retratos de los contemporáneos de Nazarenko, no, no, y se rodeará la cara con un collar. que recuerda a un volante español.

El artista se siente atraído tanto por el género, el retrato como por la composición histórica. Pero tiene cuadros que percibes como poesía, como música. Lo principal en ellos es el estado de ánimo. Una de estas pinturas es “Tarde en Tarusa”. La soledad y la pérdida acechan en pequeñas casas alejadas unas de otras, rodeadas de austeros pinos; la tenue luz amarilla de una linterna mecida por el viento es inquietante. Este cuadro fue pintado en la Casa de Artistas de Tarusa, aparentemente en uno de los días. cuando el anhelo por el hogar abandonado supera todos los demás sentimientos.

"Adiós al invierno", "Encuentro con invitados en la granja estatal de Moldavia", la narración lírica "Fiestas de Año Nuevo", la naturaleza muerta "Flores en el taller" y "En el taller" se resolvieron en un tono mayor completamente diferente. Por sus dos últimas obras, Tatyana Nazarenko recibió el primer premio en el Concurso Internacional de Jóvenes Pintores de Sofía.

Y ahora sus cuadros se exponen en la RDA y son muy apreciados por los espectadores alemanes.

Tatyana Nazarenko, ganadora del Premio Lenin Komsomol, está en constante búsqueda. Ésta es la clave de su éxito. Actual y futuro.

Nazarenko Tatyana Grigorievna

Tatiana Nazarenko

(Nacido en 1944)

Pintor. Se dedica a la fotografía artística. Retratista, paisajista, pintor de género, maestro de la pintura histórica.

En 1955-1962 estudió en la Escuela Secundaria de Arte de Moscú en el Instituto Estatal de Arte de Moscú que lleva el nombre de V.I. Surikov, luego en 1962-1968 en el Instituto Estatal de Arte de Moscú que lleva el nombre de V.I.

Actualmente docente en el mismo instituto.

Laureado con el Premio Estatal de Rusia, miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes de Rusia.

T.G. Nazarenko es uno de los líderes de la vida artística de los años 70. La creatividad de su generación se caracteriza por la analiticidad, el deseo de una lectura multifacética del significado de una obra, el énfasis en la entonación personal y la ironía.

El lenguaje de la alegoría estaba cerca de muchos maestros de esta época. Nazarenko recuerda: “Los años 70 nos obligaron a recurrir a la alegoría: una época ambigua en la que muchas cosas parecían estar permitidas y, una vez más, no, cerradas de nuevo”.

Fue especialmente famosa por sus pinturas sobre temas históricos ("Ejecución de Narodnaya Volya", 1969-1972; "Decembristas", 1978). En ellos combina documental, espíritu de testimonio, perspectiva histórica y una idea propia del acontecimiento.

Interés por diversas etapas de la historia y la cultura, elementos de estilización y citas directas de obras famosas: todo esto acerca el arte de Nazarenko a la estética del posmodernismo.

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nazarenko Tatiana Grigórievna

Artista de Honor de Rusia, ganador del Premio Estatal de la Federación de Rusia, Premio del Gobierno de Moscú, miembro del Presidium, miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes de Rusia, profesor

Nacido el 24 de junio en Moscú. Padre: Nazarenko Grigory Nikolaevich (1910-1990). Madre: Abramova Nina Nikolaevna (nacida en 1920). Cónyuge: Zhigulin Alexander Anatolyevich (nacido en 1951). Niños: Nazarenko Nikolay Vasilievich (nacido en 1971), Zhigulin Alexander Alexandrovich (nacido en 1987).

El padre de Tatyana Nazarenko, un soldado de primera línea, un militar de carrera, después de la guerra fue destinado al Lejano Oriente y sus padres se fueron. Tanya se quedó en Moscú con su abuela, Anna Semyonovna Abramova. Primero le mostró sus notas escolares y luego sus dibujos y pinturas.

A. S. Abramova es viuda desde 1937. Su marido, Nikolai Nikolaevich Abramov, fue reprimido ilegalmente y murió bajo custodia. Al quedarse sola, trabajó como maestra de jardín de infantes, enfermera, crió y ayudó a sus dos hijas a obtener una educación superior, crió a su nieta Tatyana y luego ayudó a criar a su hijo mayor, Nikolai. La abuela tenía una fuente inagotable de amor dentro de sí misma, pero parece que su amor principal seguía siendo Tanya, quien también la amaba. Anna Semyonovna Abramova vivió en las pinturas de la artista Tatyana Nazarenko: “Mañana y Nikolka” (1972), “Retrato de A. S. Abramova” (1976), “Recuerdos” (1982), “Vida” (1983), “ Pozos blancos. En memoria de mi abuela” (1987).

A la edad de 11 años, Tatyana ingresó en la Escuela de Arte de Moscú. Allí se formó rápidamente un círculo de amigos: Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo, futuras maestras brillantes de la década de 1970. Fue una época tormentosa, generosa, rica en diversos acontecimientos de la vida cultural, una época de auge del arte nacional, de conocimiento de obras destacadas de los clásicos nacionales y extranjeros del siglo XX, hasta entonces prohibidas y desconocidas para los jóvenes. .

En 1962, Tatyana Nazarenko ingresó en el departamento de pintura del Instituto de Arte V. I. Surikov, donde sus profesores fueron D. D. Zhilinsky, A. M. Gritsai, S. N. Shilnikov. Después de graduarse del instituto, de 1968 a 1972, trabajó en el taller creativo de la Academia de Artes de la URSS con G. M. Korzhev.

El arte de Tatiana Nazarenko se formó bajo la influencia de los turbulentos acontecimientos de los años 60 y los recuerdos de los trágicos acontecimientos de los años 30. Combina una actitud plena, el amor por la vida, la capacidad de vivir los acontecimientos cotidianos como unas vacaciones y una ansiedad constante, que permite convertir estas vacaciones en acontecimientos extraños y complejos, donde todo es verdad y no es verdad, donde hay tan divertida como tristeza, donde hay muchas capas de percepción, muchos espacios superpuestos, donde el tiempo es inestable, se entrelazan la precisión de las observaciones de campo y la imaginación más desenfrenada.

El trabajo de Tatyana Nazarenko tiene un fuerte elemento analítico. Cualquiera que sea el género de pintura en el que trabaje, el contenido principal de sus pinturas se expresa no solo y no tanto a través de la trama, sino a través de la atmósfera espiritual general, que determina el estado psicológico de los personajes y el color emocional de los paisajes y objetos. , y el lenguaje plástico de su arte. Esta espiritualidad de la pintura, combinada con un acercamiento analíticamente cercano a los fenómenos representados, constituye la originalidad significativa de las obras del artista.

La adecuación del tiempo, la profunda modernidad es una de las características definitorias de la obra del artista. Nazarenko aporta algo esquivo a sus obras, pero que sin duda las convierte en un producto de nuestros días, de la forma de pensar de nuestro contemporáneo. El espectador siente el tiempo palpitar en su arte.

Estos rasgos comenzaron a aparecer ya en los primeros trabajos independientes de la artista, en las búsquedas multidireccionales de sus primeros años de posgrado.

Al finalizar sus estudios en el instituto, en 1965-1967, Nazarenko viajó a Asia Central. Kazajstán, Uzbekistán y Kirguistán determinaron durante varios años la variedad de temas de sus obras. Las pinturas de Asia Central de Nazarenko ("Madre con hijo", "Maternidad", "Samarcanda. Patio", "Boda uzbeka", "Oración", "Niños en Bukhara") reflejaban sus observaciones vivas. Pero no sólo eso. Estas obras parecían contener todo el bagaje de sus adquisiciones estudiantiles. Pero ya muestran otra cualidad integral del joven artista: la originalidad. Debajo de las formas habituales del “arte de los años sesenta”, emerge de ellas un contenido diferente. Todo en ellos es mucho más fluido y ambiguo, son inusualmente musicales, en ellos aparecen rasgos primitivos: el deseo de quitar la representación, de traer la sonrisa, la sencillez y el juego.

Y no es casualidad que inmediatamente después de la serie sobre Asia Central, Nazarenko aborde temas mucho más cercanos a él. Pinta cuadros donde los personajes principales son ella y sus amigos. La vida de una generación se convierte en el tema de su arte.

El comienzo de la década de 1970 para Nazarenko, como para la mayoría de los artistas de su generación, fue una época de búsqueda de un género, una manera y un tema. La artista prueba tanto el estilo primitivista como el sistema del neoclasicismo estricto, pintando lienzos románticos, decorativos y divertidos. Durante estos años, escribió obras tan diversas como "La ejecución de Narodnaya Volya" (1969-1972), "Árbol en Nuevo Athos" (1969), "Domingo en el bosque" (1970), "Retrato de una actriz de circo" ( 1970), "Adiós al invierno" (1973), "Celebración de Año Nuevo" (1973), "Mañana. La abuela y Nikolka" (1972), "Jóvenes artistas" (1968), "Mis contemporáneos" (1973), "Almuerzo " (1970), "Retrato de Igor Kupryashin" (1974).

Entre sus héroes casi siempre puedes encontrar tu propia imagen, y una medida de la vigilancia despiadada del ojo, la capacidad de enfatizar lo marcado a expensas de lo idílico-próspero, con la misma fuerza en relación contigo mismo como con cualquier otro. otro modelo.

En este sentido, son característicos los retratos de grupo, diseñados como pinturas de género ("Estudiantes", 1969; "Artistas jóvenes", 1968; "Mis contemporáneos", 1973; "Día de niebla en Shikotan", 1976; "Después del examen", 1976) . Sus personajes son reconocibles y parecidos a retratos, las colisiones son creíbles: vacaciones juveniles, conversaciones en el taller... Y al mismo tiempo, hay algo misterioso en ellos, que convierte escenas cotidianas en fantasías románticas.

Las composiciones históricas de Tatyana Nazarenko reflejan la visión del pasado de nuestro contemporáneo. Sus pinturas presentan simultáneamente el pasado y el presente, un acontecimiento histórico y nuestra comprensión actual del mismo. El enfoque mismo para resolver el tema ya es característico: en pinturas históricas: "La ejecución del Narodnaya Volya", "Los partisanos vinieron" (1975), "El levantamiento decembrista del regimiento de Chernigov" (1978), "Pugachev" (1980). - el artista elige momentos trágicos y culminantes que requieren la mayor tensión de las fuerzas espirituales de los participantes en la acción. El silencio y el silencio son significativos aquí.

El cuadro de Tatyana Nazarenko "La ejecución de los voluntarios del pueblo" apareció en la Exposición Juvenil de Moscú en 1972. La imagen fue notada por todos, aunque no todos la aceptaron. Combinaba intrincadamente la adhesión a los modelos del Renacimiento, una inclinación por las reflexiones generalizadas y una trágica sensación de vulnerabilidad de los luchadores por la libertad, por los ideales espirituales, ante la fuerza aplastante y anónima de la máquina de represión. Por el cuadro “La ejecución de Narodnaya Volya”, Nazarenko recibió el Premio Komsomol de Moscú. En 1976 obtuvo el 1er premio en el Concurso Internacional de Jóvenes Pintores de Sofía (Bulgaria).

Compasión, sentido de responsabilidad social: estas cualidades se desarrollaron y fortalecieron más tarde en el arte de Tatyana Nazarenko, adquiriendo formas de encarnación diferentes, a veces extrañas, entrelazadas con motivos de carnavales, fiestas, festividades, con autorretratos románticos y juegos artísticos. Y en todas partes hay una ansiedad invisible y claramente presente, un sentimiento de que detrás del precario bienestar de nuestra vida cotidiana se esconde el duro destino de otras generaciones, su dolor y sufrimiento.

A Nazarenko le encanta escribir carnavales. Una de las primeras obras de “carnaval” de la artista es “Fiestas de Año Nuevo” (1973), en la que se esfuerza por mostrar el significado interno del carnaval, la gama de sentimientos diversos y bastante complejos que experimentan las personas reunidas por casualidad.

Con el paso de los años, el elemento lúdico se intensifica en la obra del artista. La narrativa desaparece de las obras y aparece la alegoría. A título alegórico, también utiliza reminiscencias del arte del pasado, ya sean citas casi directas de obras clásicas, trajes históricos de nuestros contemporáneos o la presencia de objetos del pasado en composiciones dedicadas al presente.

En la segunda mitad de la década de 1970 y principios de la de 1980, Nazarenko pintó varios retratos grupales de amigos reunidos para una ocasión festiva. Estas son las pinturas "Nochevieja" (1976), "Tarde de Moscú" (1978), "Carnaval" (1979), "Día de Tatiana" (1982), "Septiembre en Odessa" (1985) y muchas otras. como los lienzos escritos anteriormente "Jóvenes artistas" (1968) y "Mis contemporáneos" (1974).

Si en los primeros retratos grupales de Nazarenko se podía sentir claramente el silencio, la concentración, el deseo de los personajes de escucharse entre sí, de escuchar la verdad, entonces en obras posteriores ("Carnaval", "El día de Tatiana", etc.) el elemento desenfrenado del carnaval reina. Los trajes y las poses son extravagantes, el espíritu de la fiesta lo poseen no sólo las personas, sino también los objetos. Sin embargo, estas son unas vacaciones sin diversión, comunicación sin comprensión mutua y cercanía espiritual. El tema de la soledad, tan importante para la artista, se combina intrincadamente en su obra con el tema del carnaval (“Retrato disfrazado”, 1982).

Hay elementos de carnavalización tanto en los cuadros “Carrusel” (1982) como en el díptico “Danza” (1980).

En las obras de Nazarenko hay un deseo de contacto con el espectador, una voluntad de abrirse a una mirada atenta y comprensiva. La artista escribió varias obras donde habla casi directamente del carácter confesional de su arte, de lo doloroso y difícil que es mostrarse desprotegido, expuesto ante el tribunal de la indiferencia universal (“Flores. Autorretrato”, 1979; “Circo Chica”, 1984; “Espectadores”, 1988; “Comida”, 1992).

Una de las pinturas más inusuales de Tatyana Nazarenko es el tríptico “Taller” (1983). El artista presenta al espectador un taller real en el que se crearon pinturas reales ("El día de Tatiana" y "Carnaval") y, al mismo tiempo, el proceso de realización de su plan.

Hay otra forma de “confesión” en las obras de Nazarenko. En tales obras no necesita ironía, no requiere la ropa colorida de un carnaval: aquí se encarna lo más cercano y cálido... Y casi siempre en estos cuadros hay una imagen de una abuela: “Mañana y. Nikolka”, el tríptico “Vida” (1983) y otros. En 1982 se pintó el cuadro “Recuerdos”, en el que el artista parecía materializar las asociaciones de vida que surgían al mirar fotografías antiguas.

Entre las principales obras de Tatyana Nazarenko se encuentran también: “Home Concert” (1986), díptico “Happy Old Age” (1988), “Little Orchestra” (1989), “Wreckage” (1990), “Monument to History” (tríptico , 1992), “El tiempo” (tríptico, 1992), “Mad World” (1992), “Spell” (1995), “Homeless” (2001).

Tatyana Nazarenko es una artista social. “Siempre me han interesado las personas”, dice. “No puedo dar la espalda, no puedo ignorar la desgracia de los demás, hacer que la gente piense, llamarlos a la empatía es el principal objetivo de mi trabajo”. Una prueba clara de ello fue su exposición “Transition” (1995-1996), una instalación de 120 piezas “falsas” de madera contrachapada pintada y hechas a tamaño humano. En la exposición, los visitantes tenían que detenerse y mirar los rostros de ancianas desafortunadas, personas discapacitadas, músicos errantes, todos aquellos a quienes ven todos los días en los pasajes subterráneos, pero que la mayoría de las veces pasan sin detenerse a mirar. La exposición fue un gran éxito (más tarde fue vista por residentes de Alemania, Estados Unidos y Finlandia), y "Transition" se convirtió para el artista en una transición literal a una nueva etapa de la vida, a un nuevo arte.

En 1997, tuvo lugar su exposición "Mi París", donde también había figuras hechas de madera contrachapada: garçons de café parisinos con largos delantales blancos, vendedores de pescado... Otra exposición de Tatyana Nazarenko - "Mesa de Moscú" se celebró el mismo año en en la galería Marat Gelman, y luego se exhibió en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo en el programa de la exposición “Arte versus Geografía”. En mayo-septiembre de 2002, el Museo Kuskovo acogió una exposición del artista “Yo mismo me alegro de que me engañen...” (El arte del engaño).

Desde 1966, cuando Nazarenko mostró por primera vez sus obras en la VII Exposición Juvenil de Moscú, ha participado constantemente en exposiciones de la ciudad y de toda Rusia, exposiciones de bellas artes en Rusia y en el extranjero. Las primeras exposiciones personales tuvieron lugar en Leverkusen (1986), Bremen, Oldenburg, Odessa, Kiev, Lvov (todas en 1987). Desde entonces, las exposiciones personales del artista se han realizado en Moscú (la primera, 1989), Colonia, Washington, Nueva York, Boston, Madrid, Tallin, Helsinki y otras ciudades. Las obras de Tatyana Nazarenko se conservan en las colecciones de la Galería Estatal Tretyakov (Moscú), el Museo Estatal Ruso (San Petersburgo), el Museo Nacional de la Mujer en las Artes (Washington), el Museo Nacional Judío (Washington), el Museo. de Arte Moderno (Sofía), el Museo de Arte Moderno (Budapest) y otros museos de arte de todo el mundo, en colecciones privadas.

Las obras creativas de Tatiana Nazarenko han recibido importantes premios: el Premio Estatal de la Federación Rusa (1993), el Premio del Gobierno de Moscú (1999), la medalla de plata de la Academia de las Artes de la URSS (1985), la medalla de oro de la Academia Rusa de Artes (2005).

T. G. Nazarenko - Artista de Honor de Rusia (2002), desde 1997 - miembro correspondiente, desde 2001 - miembro de pleno derecho, miembro del presidium de la Academia de las Artes de Rusia; Profesor del Departamento de Pintura, Jefe del Taller de Pintura de Caballete del Instituto Académico Estatal de Arte de Moscú que lleva el nombre de V. I. Surikov (1998). Miembro de la Unión de Artistas desde 1969.

Vive y trabaja en Moscú.

Nacido el 24 de junio en Moscú. Padre: Nazarenko Grigory Nikolaevich (1910-1990). Madre: Abramova Nina Nikolaevna (nacida en 1920). Cónyuge: Zhigulin Alexander Anatolyevich (nacido en 1951). Niños: Nazarenko Nikolay Vasilievich (nacido en 1971), Zhigulin Alexander Alexandrovich (nacido en 1987).

El padre de Tatyana Nazarenko, un soldado de primera línea, un militar de carrera, después de la guerra fue destinado al Lejano Oriente y sus padres se fueron. Tanya se quedó en Moscú con su abuela, Anna Semyonovna Abramova. Primero le mostró sus notas escolares y luego sus dibujos y pinturas.

COMO. Abramova es viuda desde 1937. Su marido, Nikolai Nikolaevich Abramov, fue reprimido ilegalmente y murió bajo custodia. Al quedarse sola, trabajó como maestra de jardín de infantes, enfermera, crió y ayudó a sus dos hijas a obtener una educación superior, crió a su nieta Tatyana y luego ayudó a criar a su hijo mayor, Nikolai. La abuela tenía una fuente inagotable de amor dentro de sí misma, pero parece que su amor principal seguía siendo Tanya, quien también la amaba. Anna Semyonovna Abramova vivió en las pinturas de la artista Tatyana Nazarenko: “Mañana y Nikolka” (1972), “Retrato de A.S Abramova” (1976), “Recuerdos” (1982), “Vida” (1983), “ Pozos blancos. En memoria de mi abuela” (1987).

A la edad de 11 años, Tatyana ingresó en la Escuela de Arte de Moscú. Allí se formó rápidamente un círculo de amigos: Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo, futuras maestras brillantes de la década de 1970. Fue una época tormentosa, generosa, rica en diversos acontecimientos de la vida cultural, una época de auge del arte nacional, de conocimiento de obras destacadas de los clásicos nacionales y extranjeros del siglo XX, hasta entonces prohibidas y desconocidas para los jóvenes. .

En 1962, Tatyana Nazarenko ingresó en el departamento de pintura del Instituto de Arte V.I. Surikov, donde sus profesores eran D.D. Zhilinsky, A.M. Gritsai, S.N. Shilnikov. Después de graduarse del instituto, de 1968 a 1972 trabajó en el taller creativo de la Academia de Artes de la URSS con G.M. Korzheva.

El arte de Tatiana Nazarenko se formó bajo la influencia de los turbulentos acontecimientos de los años 60 y los recuerdos de los trágicos acontecimientos de los años 30. Combina una actitud plena, el amor por la vida, la capacidad de vivir los acontecimientos cotidianos como unas vacaciones y una ansiedad constante, que permite convertir estas vacaciones en acontecimientos extraños y complejos, donde todo es verdad y no es verdad, donde hay tan divertida como tristeza, donde hay muchas capas de percepción, muchos espacios superpuestos, donde el tiempo es inestable, se entrelazan la precisión de las observaciones de campo y la imaginación más desenfrenada.

El trabajo de Tatyana Nazarenko tiene un fuerte elemento analítico. Cualquiera que sea el género de pintura en el que trabaje, el contenido principal de sus pinturas se expresa no solo y no tanto a través de la trama, sino a través de la atmósfera espiritual general, que determina el estado psicológico de los personajes, el color emocional de los paisajes, los objetos, y el lenguaje muy plástico de su arte. Esta espiritualidad de la pintura, combinada con un acercamiento analíticamente cercano a los fenómenos representados, constituye la originalidad significativa de las obras del artista.

La adecuación del tiempo, la profunda modernidad es una de las características definitorias de la obra del artista. Nazarenko aporta algo esquivo a sus obras, pero que sin duda las convierte en un producto de nuestros días, de la forma de pensar de nuestro contemporáneo. El espectador siente el tiempo palpitar en su arte.

Lo mejor del dia

Estos rasgos comenzaron a aparecer ya en los primeros trabajos independientes de la artista, en las búsquedas multidireccionales de sus primeros años de posgrado.

Al finalizar sus estudios en el instituto, en 1965-67, Nazarenko viajó a Asia Central. Kazajstán, Uzbekistán y Kirguistán determinaron durante varios años la variedad de temas de sus obras. Las pinturas de Asia Central de Nazarenko (“Madre con niño”, “Maternidad”, “Samarcanda. Patio”, “Boda uzbeka”, “Oración”, “Niños en Bukhara”) reflejaron sus observaciones vivas. Pero no sólo eso. Estas obras parecían contener todo el bagaje de sus adquisiciones estudiantiles. Pero ya muestran otra cualidad integral del joven artista: la originalidad. Debajo de las formas habituales del “arte de los años sesenta”, emerge de ellas un contenido diferente. Todo en ellos es mucho más fluido y ambiguo, son inusualmente musicales, en ellos aparecen rasgos primitivos: el deseo de quitar la representación, de traer la sonrisa, la sencillez y el juego.

Y no es casualidad que inmediatamente después de la serie sobre Asia Central, Nazarenko aborde temas mucho más cercanos a él. Pinta cuadros donde los personajes principales son ella y sus amigos. La vida de una generación se convierte en el tema de su arte.

El comienzo de la década de 1970 para Nazarenko, como para la mayoría de los artistas de su generación, fue una época de búsqueda de un género, una manera y un tema. La artista prueba suerte tanto en el estilo “primitivista” como en el sistema del neoclasicismo estricto, pintando lienzos románticos, decorativos y lúdicos. Durante estos años, escribió obras tan diversas como "La ejecución de Narodnaya Volya" (1969-1972), "Árbol en Nuevo Athos" (1969), "Domingo en el bosque" (1970), "Retrato de una actriz de circo". (1970), “Adiós al invierno” (1973), “Fiestas de Año Nuevo” (1973), “Mañana. Abuela y Nikolka" (1972), "Jóvenes artistas" (1968), "Mis contemporáneos" (1973), "Almuerzo" (1970), "Retrato de Igor Kupryashin" (1974).

Entre sus héroes casi siempre se puede encontrar su propia imagen, y una medida de la perspicaz despiadada mirada, la capacidad de enfatizar lo agudo y caracterizado a expensas de lo idílico y próspero, con la misma fuerza en relación con uno mismo como con cualquier otro. otro modelo.

En este sentido, son característicos los retratos de grupo, diseñados como pinturas de género ("Estudiantes", 1969; "Artistas jóvenes", 1968; "Mis contemporáneos", 1973; "Día de niebla en Shikotan", 1976; "Después del examen", 1976). . Sus personajes son reconocibles y parecidos a retratos, las colisiones son creíbles: vacaciones juveniles, conversaciones en el taller... Y al mismo tiempo, hay algo misterioso en ellos, que convierte escenas cotidianas en fantasías románticas.

Las composiciones históricas de Tatyana Nazarenko reflejan la visión del pasado de nuestro contemporáneo. Sus pinturas presentan simultáneamente el pasado y el presente, un acontecimiento histórico y nuestra comprensión actual del mismo. Es característico el enfoque mismo para resolver el tema: en pinturas históricas: "La ejecución de los voluntarios del pueblo", "Los partisanos han venido" (1975), "Decembristas". Levantamiento del regimiento de Chernigov" (1978), "Pugachev" (1980): el artista elige momentos trágicos y culminantes que requieren la mayor tensión de las fuerzas espirituales de los participantes en la acción. El silencio y el silencio son significativos aquí.

El cuadro de Tatyana Nazarenko “La ejecución de Narodnaya Volya” apareció en la Exposición Juvenil de Moscú en 1972. La imagen llamó la atención de todos, aunque no todos la aceptaron. Combinaba intrincadamente la adhesión a los modelos del Renacimiento, una inclinación por las reflexiones generalizadas y una trágica sensación de vulnerabilidad de los luchadores por la libertad, por los ideales espirituales, ante la fuerza aplastante y anónima de la máquina de represión. Por el cuadro “Ejecución de Narodnaya Volya”, Nazarenko recibió el Premio Komsomol de Moscú. En 1976 recibió el primer premio en el concurso internacional de jóvenes pintores de Sofía (Bulgaria).

Compasión, sentido de responsabilidad social: estas cualidades se desarrollaron y fortalecieron más tarde en el arte de Tatyana Nazarenko, adquiriendo formas de encarnación diferentes, a veces extrañas, entrelazadas con motivos de carnavales, fiestas, festividades, con autorretratos románticos y juegos artísticos. Y en todas partes hay una ansiedad invisible y claramente presente, un sentimiento de que detrás del precario bienestar de nuestra vida cotidiana se esconde el duro destino de otras generaciones, su dolor y sufrimiento.

A Nazarenko le encanta escribir carnavales. Una de las primeras obras de “carnaval” de la artista es “Fiestas de Año Nuevo” (1973), en la que busca mostrar el significado interno del carnaval, la gama de sentimientos diversos y bastante complejos que experimentan las personas reunidas por casualidad.

Con el paso de los años, el elemento lúdico se intensifica en la obra del artista. La narrativa desaparece de las obras y aparece la alegoría. A título alegórico, también utiliza reminiscencias del arte del pasado, ya sean citas casi directas de obras clásicas, trajes históricos de nuestros contemporáneos o la presencia de objetos del pasado en composiciones dedicadas al presente.

En la segunda mitad de la década de 1970 y principios de la de 1980, Nazarenko pintó varios retratos grupales de amigos reunidos para una ocasión festiva. Estas son las pinturas "Nochevieja" (1976), "Tarde de Moscú" (1978), "Carnaval" (1979), "Día de Tatiana" (1982), "Septiembre en Odessa" (1985) y muchas otras, también. como los lienzos escritos anteriormente “Jóvenes Artistas” (1968) y “Mis Contemporáneos” (1974).

Si en los primeros retratos grupales de Nazarenko se podía sentir claramente el silencio, la concentración, el deseo de los personajes de escucharse entre sí, de escuchar la verdad, entonces en obras posteriores ("Carnaval", "El día de Tatiana", etc.) el elemento desenfrenado del carnaval reina. Los trajes y las poses son extravagantes, el espíritu de la fiesta lo poseen no sólo las personas, sino también los objetos. Sin embargo, estas son unas vacaciones sin diversión, comunicación sin comprensión mutua y cercanía espiritual. El tema de la soledad, tan importante para la artista, se combina intrincadamente en su obra con el tema del carnaval (“Retrato con disfraz”, 1982).

Hay elementos de carnavalización en los cuadros “Carrusel” (1982) y el díptico “Danza” (1980).

En las obras de Nazarenko hay un deseo de contacto con el espectador, una voluntad de abrirse a una mirada atenta y comprensiva. La artista escribió varias obras donde habla casi directamente del carácter confesional de su arte, de lo doloroso y difícil que es mostrarse desprotegido, expuesto ante el tribunal de la indiferencia universal (“Flores. Autorretrato”, 1979; “Circo Chica”, 1984; “Espectadores”, 1988; “Comida”, 1992).

Una de las pinturas más inusuales de Tatyana Nazarenko es el tríptico “Taller” (1983). El artista presenta al espectador un taller real en el que se crearon pinturas reales ("El día de Tatiana" y "Carnaval") y, al mismo tiempo, el proceso de realización de su plan.

Hay otra forma de “confesión” en las obras de Nazarenko. En tales obras no necesita ironía, no requiere la ropa colorida de un carnaval: aquí se encarna lo más cercano, lo más cálido... Y casi siempre en estos cuadros hay una imagen de una abuela: “Mañana. Abuela y Nikolka”, tríptico “Vida” (1983) y otros. En 1982 se pintó el cuadro “Recuerdos”, en el que el artista parecía materializar las asociaciones de vida que surgían al mirar fotografías antiguas.

Entre las principales obras de Tatyana Nazarenko se encuentran también: “Home Concert” (1986), díptico “Happy Old Age” (1988), “Little Orchestra” (1989), “Wreckage” (1990), “Monument to History” (tríptico , 1992), “El tiempo” (tríptico, 1992), “Mad World” (1992), “Spell” (1995), “Homeless” (2001).

Tatyana Nazarenko es una artista social. "Siempre me han interesado las personas", dice. "No puedo darme la vuelta y hacer a un lado la desgracia de otra persona". Hacer pensar a la gente, animarles a simpatizar: este es el objetivo principal de mi trabajo”. Una prueba clara de ello fue su exposición "Transición" (1995-96), una instalación de 80 "trucos" de madera contrachapada pintada y hechos a tamaño humano. En la exposición, los visitantes tenían que detenerse y mirar los rostros de ancianas desafortunadas, personas discapacitadas, músicos errantes, todos aquellos a quienes ven todos los días en los pasajes subterráneos, pero que la mayoría de las veces pasan sin detenerse a mirar. La exposición fue un gran éxito (más tarde fue vista por residentes de Alemania, Estados Unidos y Finlandia), y "Transition" se convirtió para el artista literalmente en una transición a una nueva etapa de la vida, a un nuevo arte.

En 1997 tuvo lugar su exposición “Mi París”, donde también había figuras hechas de madera contrachapada: garçons de café parisinos con largos delantales blancos, vendedores de pescado... Otra exposición de Tatyana Nazarenko “Mesa de Moscú” tuvo lugar el mismo año en el Galería Marat Gelman, y luego expuesta en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo en el programa de la exposición “Arte versus Geografía”. En mayo-septiembre de 2002, el Museo Kuskovo acogió una exposición del artista "Me alegro de que me engañen..." (El arte del engaño).

Desde 1966, cuando Nazarenko mostró por primera vez sus obras en la VII Exposición Juvenil de Moscú, ha participado constantemente en exposiciones de la ciudad y de toda Rusia, exposiciones de bellas artes en Rusia y en el extranjero. Las primeras exposiciones personales tuvieron lugar en Leverkusen (1986), Bremen, Oldenburg, Odessa, Kiev, Lvov (todas en 1987). Desde entonces, las exposiciones personales del artista se han realizado en Moscú (la primera en 1989), Colonia, Washington, Nueva York, Boston, Madrid, Tallin, Helsinki y otras ciudades. Las obras de Tatyana Nazarenko se conservan en las colecciones de la Galería Estatal Tretyakov (Moscú), el Museo Estatal Ruso (San Petersburgo), el Museo Nacional de la Mujer en las Artes (Washington), el Museo Nacional Judío (Washington), el Museo. de Arte Moderno (Sofía), el Museo de Arte Moderno (Budapest) y otros museos de arte de todo el mundo, en colecciones privadas.

Las obras creativas de Tatiana Nazarenko han recibido importantes premios: el Premio Estatal de la Federación Rusa (1993), el Premio del Gobierno de Moscú (1999), la medalla de plata de la Academia de las Artes de la URSS (1985).

TG Nazarenko - Artista de Honor de Rusia (2002), desde 1997 - miembro correspondiente, desde 2001 - miembro de pleno derecho, miembro del presidium de la Academia de las Artes de Rusia; Profesor del Departamento de Pintura, Jefe del Taller de Pintura de Caballete del Instituto Académico Estatal de Arte de Moscú que lleva el nombre de V.I. Surikova (1998). Miembro de la Unión de Artistas desde 1969.

Vive y trabaja en Moscú.

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robocop 08.03.2008 01:09:26

Tatyana Nazarenko académica, profesora, artista y al mismo tiempo una criatura como el mundo nunca ha visto, hola a ti, víctima de acoso sexual.