Ce n’est un secret pour personne, la peinture a sa propre typologie et se divise en genres. Ce phénomène est né en Europe au XVe siècle, lorsque le concept de peinture de première classe s'est formé, qui comprenait des peintures de nature mythologique et historique, et que les peintures de seconde classe comprenaient des paysages, des portraits et des natures mortes. Mais cette répartition a perdu de sa pertinence vers 1900, lorsqu'il y avait trop de genres et de styles et qu'il aurait été trop démodé d'utiliser une division claire entre ces deux groupes uniquement. C'est pourquoi je veux parler aujourd'hui des types de peinture actuels.

Nature morte (nature morte- "nature morte") - images de choses inanimées. Ce genre est né au XVe siècle et a gagné son indépendance au XVIIe grâce aux artistes hollandais. Le genre est devenu indépendant grâce à l'avènement de l'âge d'or en Hollande ; les artistes ont été gâtés par l'abondance de nourriture et d'autres choses qui étaient auparavant considérées comme des objets de luxe et de richesse ; c'est sur cette base qu'est né un genre aussi restreint que le néerlandais ; la nature morte est apparue. De nos jours, la nature morte est un type de peinture très répandu et très demandée par les acheteurs de tableaux.

Portrait- une personne ou un groupe de personnes représenté sur la photo. Les limites de ce style sont très vagues ; le portrait croise très souvent d'autres styles, comme le paysage ou la nature morte. Les portraits peuvent également être historiques, posthumes ou religieux. Il y a aussi un autoportrait, où l'artiste se dessine.

Paysage- un genre très important en peinture. L’artiste y peint une nature ou un terrain intact ou transformé par l’homme. Elle a depuis longtemps dépassé les vues habituelles sur la mer ou la montagne et constitue aujourd’hui l’un des types de peinture les plus populaires. Les paysages peuvent être urbains, ruraux, marins, montagnards, etc. Auparavant, les paysages étaient peints uniquement en plein air, lorsque l'artiste peignait d'après nature ce qu'il voyait. De nos jours, cette pratique est de moins en moins courante et les artistes modernes préfèrent travailler à partir de photographies.

Marina- la même nature morte marine, seulement avec le nom correct. Les marinas représentent des événements qui se déroulent en mer, des batailles, de grosses vagues, des cargos, etc. Ivan Aivazovsky était un représentant éminent de ce genre.

Peinture d'histoire- est née d'une nécessité : à la Renaissance, les artistes peignaient d'importants événements culturels et historiques. Les peintures historiques ne sont pas toujours basées sur l’histoire ; elles incluent également divers types de peinture, comme la mythologie, l’Évangile et les événements bibliques.

Peinture de bataille- un sujet qui révèle le thème de la guerre et de la vie militaire. L'artiste tente de représenter un moment important, épique et clé d'une bataille ou d'une bataille. Dans le même temps, la fiabilité peut progressivement passer au second plan.

Animalisme-représentations d'animaux, les peintures les plus anciennes appartenaient à ce genre, car même les artistes primitifs peignaient des animaux et les chassaient. Se confond presque toujours avec le paysage.

- c'est l'un des principaux types d'art ; est une représentation artistique du monde objectif utilisant des peintures colorées sur une surface. La peinture est divisée en : chevalet, monumentale et décorative.

- principalement représenté par des œuvres réalisées à la peinture à l'huile sur toile (carton, planches de bois ou nues). C’est le type de peinture le plus populaire. C'est ce type qui est habituellement appliqué au terme " peinture".

est une technique de peinture sur les murs lors de la décoration des bâtiments et des éléments architecturaux des bâtiments. Particulièrement courant en Europe fresque - peinture monumentale sur plâtre humide avec peintures hydrosolubles. Cette technique de dessin est bien connue depuis l'Antiquité. Plus tard, cette technique fut utilisée dans la conception de nombreuses églises religieuses chrétiennes et de leurs voûtes.

Peinture décorative — (du mot latin de decoro - décorer) est une façon de dessiner et d'appliquer des images sur des objets et des détails intérieurs, des murs, des meubles et d'autres objets décoratifs. Désigne les arts décoratifs et appliqués.

Les possibilités de l'art pictural ont été particulièrement clairement révélées par la peinture sur chevalet depuis le XVe siècle, depuis l'utilisation massive des peintures à l'huile. C'est là qu'une variété particulière de contenu et une forme profondément développée sont disponibles. Au cœur des moyens artistiques picturaux se trouvent les couleurs (les possibilités des peintures), en unité inextricable avec le clair-obscur, et la ligne ; la couleur et le clair-obscur sont développés et développés par des techniques de peinture avec une complétude et une luminosité inaccessibles aux autres types d'art. Cela détermine la perfection de la modélisation volumétrique et spatiale inhérente à la peinture réaliste, le rendu vif et précis de la réalité, la possibilité de réaliser les intrigues conçues par l'artiste (et les méthodes de construction des compositions) et d'autres avantages visuels.

Une autre différence dans les différences entre les types de peinture est la technique d'exécution selon les types de peintures. Les signes généraux ne suffisent pas toujours à déterminer. La frontière entre peinture et graphisme dans chaque cas individuel : par exemple, les œuvres réalisées à l’aquarelle ou au pastel peuvent appartenir aux deux domaines, selon la démarche de l’artiste et les tâches qu’il se fixe. Bien que les dessins sur papier soient classés comme graphiques, l’utilisation de différentes techniques de peinture brouille parfois la distinction entre peinture et graphisme.

Il faut tenir compte du fait que le terme sémantique « peinture » lui-même est un mot de la langue russe. Il a été utilisé comme terme lors de la formation des beaux-arts en Russie à l’époque baroque. L’usage du mot « peinture » à cette époque ne s’appliquait qu’à un certain type de peinture réaliste. Mais à l’origine, cela vient de la technique ecclésiale de peinture d’icônes, qui utilise le mot « écrire » (lié à l’écriture) car ce mot est une traduction du sens des textes grecs (ceux-ci sont « perdus dans la traduction »). Le développement en Russie de sa propre école d’art et l’héritage des connaissances académiques européennes dans le domaine de l’art ont développé la portée du mot russe « peinture », l’inscrivant dans la terminologie pédagogique et le langage littéraire. Mais dans la langue russe, une particularité du sens du verbe «écrire» s'est formée par rapport à l'écriture et au dessin.

Genres de peinture

Au cours du développement des beaux-arts, plusieurs genres classiques de peintures se sont formés, qui ont acquis leurs propres caractéristiques et règles.

Portrait est une représentation réaliste d'une personne dans laquelle l'artiste tente d'obtenir une ressemblance avec l'original. L'un des genres de peinture les plus populaires. La plupart des clients ont utilisé le talent des artistes pour perpétuer leur propre image ou, souhaitant obtenir l'image d'un proche, d'un parent, etc. Les clients cherchaient à obtenir un portrait à l'image (voire à l'embellir) laissant une incarnation visuelle dans l'histoire. Les portraits de styles variés constituent la partie la plus populaire des expositions de la plupart des musées d’art et des collections privées. Ce genre comprend également un type de portrait tel que autoportrait - une image de l'artiste lui-même, peinte par lui-même.

Paysage- l'un des genres de peinture populaires dans lesquels l'artiste cherche à représenter la nature, sa beauté ou sa particularité. Différents types de nature (l'ambiance de la saison et la météo) ont un fort impact émotionnel sur tout spectateur - il s'agit d'une caractéristique psychologique d'une personne. Le désir de tirer une impression émotionnelle des paysages a fait de ce genre l'un des plus populaires en matière de créativité artistique.

- ce genre est à bien des égards similaire au paysage, mais présente une caractéristique clé : les peintures représentent des paysages avec la participation d'objets architecturaux, de bâtiments ou de villes. Une attention particulière est portée aux vues des rues des villes qui transmettent l’atmosphère d’un lieu. Une autre direction de ce genre est la représentation de la beauté de l'architecture d'un bâtiment particulier - son apparence ou les images de ses intérieurs.

- un genre dans lequel le sujet principal des tableaux est un événement historique ou son interprétation par l'artiste. Ce qui est intéressant, c’est qu’un grand nombre de peintures sur un thème biblique appartiennent à ce genre. Car au Moyen Âge, les scènes bibliques étaient considérées comme des événements « historiques » et les principaux clients de ces peintures étaient l’église. Les sujets bibliques « historiques » sont présents dans les œuvres de la plupart des artistes. La seconde naissance de la peinture historique se produit à l’époque du néoclassicisme, lorsque les artistes se tournent vers des sujets historiques bien connus, des événements de l’Antiquité ou des légendes nationales.

- reflète des scènes de guerres et de batailles. La particularité n'est pas seulement le désir de refléter un événement historique, mais aussi de transmettre au spectateur l'élévation émotionnelle de l'exploit et de l'héroïsme. Par la suite, ce genre devient aussi politique, permettant à l'artiste de transmettre au spectateur son point de vue (son attitude) sur ce qui se passe. Nous pouvons constater un effet similaire de l’accent politique et de la force du talent de l’artiste dans l’œuvre de V. Vereshchagin.

est un genre de peinture avec des compositions à partir d'objets inanimés, utilisant des fleurs, des produits et des plats. Ce genre est l’un des plus récents et s’est formé dans l’école de peinture hollandaise. Son apparition est peut-être due à la particularité de l'école hollandaise. Le boom économique du XVIIe siècle en Hollande a suscité un désir de luxe abordable (peintures) parmi une partie importante de la population. Cette situation attire un grand nombre d'artistes en Hollande, provoquant une intense concurrence entre eux. Les modèles et les ateliers (personnes vêtues de vêtements appropriés) n'étaient pas accessibles aux artistes pauvres. Lorsqu'ils peignaient des tableaux à vendre, ils utilisaient des moyens improvisés (objets) pour composer les tableaux. Cette situation dans l’histoire de l’école hollandaise est à l’origine du développement de la peinture de genre.

Peinture de genre — les sujets des peintures sont des scènes quotidiennes de la vie quotidienne ou des vacances, généralement avec la participation de gens ordinaires. Tout comme la nature morte, elle s'est répandue parmi les artistes hollandais au XVIIe siècle. Pendant la période du romantisme et du néoclassicisme, ce genre a pris une nouvelle naissance ; les peintures s'efforcent non pas tant de refléter la vie quotidienne, mais de la romantiser, d'introduire un certain sens ou une certaine moralité dans l'intrigue.

Marina- un type de paysage qui représente des vues sur la mer, des paysages côtiers surplombant la mer, des levers et couchers de soleil en mer, des navires ou encore des batailles navales. Bien qu'il existe un genre de bataille distinct, les batailles navales appartiennent toujours au genre « marina ». Le développement et la vulgarisation de ce genre peuvent également être attribués à l'école hollandaise du XVIIe siècle. Il était populaire en Russie grâce au travail d'Aivazovsky.

— une particularité de ce genre est la création de peintures réalistes représentant la beauté des animaux et des oiseaux. L’une des caractéristiques intéressantes de ce genre est la présence de peintures représentant des animaux inexistants ou mythiques. Les artistes spécialisés dans les images d'animaux sont appelés animalistes.

Histoire de la peinture

Le besoin d'images réalistes existe depuis l'Antiquité, mais présente un certain nombre d'inconvénients dus au manque de technologie, d'écoles systématiques et d'éducation. Dans l'Antiquité, on trouve plus souvent des exemples de peinture appliquée et monumentale avec la technique du dessin sur plâtre. Dans les temps anciens, une plus grande importance était accordée au talent de l'interprète ; les artistes étaient limités dans la technologie de fabrication des peintures et dans la possibilité de recevoir une éducation systématique. Mais déjà dans l'Antiquité, des connaissances et des œuvres spécialisées se sont formées (Vitruve), qui seront à la base d'une nouvelle floraison de l'art européen à la Renaissance. La peinture décorative connaît un développement important au cours de l'Antiquité grecque et romaine (l'école se perd au Moyen Âge), dont le niveau ne sera atteint qu'après le XVe siècle.

Peinture d'une fresque romaine (Pompéi, 1er siècle avant JC), exemple du niveau de technologie de la peinture ancienne :

L'« Âge sombre » du Moyen Âge, le christianisme militant et l'Inquisition conduisent à interdire l'étude du patrimoine artistique de l'Antiquité. La vaste expérience des maîtres anciens, les connaissances dans le domaine des proportions, de la composition, de l'architecture et de la sculpture sont interdites, et de nombreux trésors artistiques sont détruits en raison de leur dévouement aux divinités anciennes. Un retour aux valeurs de l'art et de la science en Europe ne se produit qu'à la Renaissance (renaissance).

Les artistes du début de la Renaissance (renaissance) ont dû rattraper leur retard et retrouver les réalisations et le niveau des artistes anciens. Ce que nous admirons dans les œuvres des artistes du début de la Renaissance, c’est le niveau des maîtres romains. Un exemple clair de la perte de plusieurs siècles de développement de l'art (et de la civilisation) européenne pendant les « âges sombres » du Moyen Âge, du christianisme militant et de l'Inquisition - la différence entre ces peintures du 14ème siècle !

L'émergence et la diffusion de la technologie de fabrication des peintures à l'huile et de la technique de peinture avec celles-ci au XVe siècle ont donné lieu au développement de la peinture sur chevalet et d'un type particulier de produits d'artiste - les peintures en couleur avec des peintures à l'huile sur toile ou bois apprêtés.

La peinture a connu un énorme progrès qualitatif au cours de la Renaissance, en grande partie grâce au travail de Leon Battista Alberti (1404-1472). Il fut le premier à poser les fondements de la perspective en peinture (traité « De la peinture » de 1436). L’école d’art européenne lui doit (son travail de systématisation des connaissances scientifiques) l’émergence (le renouveau) de la perspective réaliste et des proportions naturelles dans les peintures des artistes. Dessin célèbre et familier de Léonard de Vinci "L'Homme de Vitruve"(proportions humaines) de 1493, dédié à la systématisation des connaissances anciennes de Vitruve sur les proportions et la composition, a été créé par Léonard un demi-siècle plus tard que le traité d'Alberti « De la peinture ». Et le travail de Léonard s’inscrit dans la continuité du développement de l’école d’art européenne (italienne) de la Renaissance.

Mais la peinture a connu un développement brillant et massif à partir des XVIe et XVIIe siècles, lorsque la technique de la peinture à l'huile s'est généralisée, diverses technologies de fabrication de peintures sont apparues et des écoles de peinture se sont formées. C'est le système de connaissances et d'éducation artistique (techniques du dessin), combiné à la demande d'œuvres d'art de la part de l'aristocratie et des monarques, qui a conduit à l'épanouissement rapide des beaux-arts en Europe (période baroque).

Les capacités financières illimitées des monarchies, des aristocraties et des entrepreneurs européens sont devenues un excellent terrain pour le développement ultérieur de la peinture aux XVIIe et XIXe siècles. Et l'affaiblissement de l'influence de l'Église et d'un mode de vie laïc (multiplié par le développement du protestantisme) ont permis la naissance de nombreux sujets, styles et mouvements de la peinture (baroque et rococo).

Au cours du développement des beaux-arts, les artistes ont développé de nombreux styles et techniques qui conduisent au plus haut niveau de réalisme dans leurs œuvres. À la fin du XIXe siècle (avec l’avènement des mouvements modernistes), d’intéressantes transformations ont commencé dans la peinture.

La disponibilité de l'éducation artistique, la concurrence de masse et les exigences élevées du public (et des acheteurs) envers les compétences des artistes donnent naissance à de nouvelles orientations dans les méthodes d'expression.

Les beaux-arts ne sont plus limités uniquement par le niveau technique ; les artistes s’efforcent d’introduire des significations particulières, des façons de « regarder » et une philosophie dans leurs œuvres.

Une œuvre d’art réalisée avec des peintures (huile, détrempe, aquarelle, gouache, etc.) appliquées sur n’importe quelle surface dure est appelée peinture. Le principal moyen d'expression de la peinture est la couleur, sa capacité à évoquer divers sentiments et associations renforce l'émotivité de l'image. L'artiste dessine généralement la couleur requise pour peindre sur une palette, puis transforme la peinture en couleur sur le plan de peinture, créant ainsi un ordre de couleurs - la coloration. Selon la nature des combinaisons de couleurs, elle peut être chaude et froide, joyeuse et triste, calme et tendue, claire et sombre.

Les images du tableau sont très visuelles et convaincantes. La peinture est capable de transmettre le volume et l'espace, la nature sur un plan, révélant le monde complexe des sentiments et des personnages humains, incarnant des idées universelles, des événements du passé historique, des images mythologiques et des envolées de fantaisie.

Contrairement à la peinture en tant que type d'art indépendant, l'approche (méthode) picturale peut être utilisée dans ses autres types : en dessin, en graphisme et même en sculpture. L’essence de l’approche picturale réside dans la représentation d’un objet en relation avec l’environnement spatial lumière-air qui l’entoure, dans une subtile gradation de transitions tonales.

La variété des objets et des événements du monde environnant, proche

l'intérêt des artistes pour eux a conduit à l'émergence au XVIIe -

XX siècles genres de peinture : portrait, nature morte, paysage, animalier, quotidien (peinture de genre), genres mythologiques, historiques, de combat. Dans les œuvres d’art, il peut y avoir une combinaison de genres ou de leurs éléments. Par exemple, une nature morte ou un paysage peut compléter avec succès une image de portrait.

Selon les techniques techniques et les matériaux utilisés, la peinture peut être divisée selon les types suivants : huile, détrempe, cire (encaustique), émail, colle, peintures à l'eau sur plâtre humide (fresque), etc. Dans certains cas, il est difficile de séparer la peinture du graphisme. Les œuvres réalisées à l’aquarelle, à la gouache et au pastel peuvent concerner à la fois la peinture et le graphisme.

La peinture peut être monocouche, réalisée immédiatement, ou multicouche, y compris la sous-couche et le vitrage, des couches de peinture transparentes et translucides appliquées sur la couche de peinture séchée. Cela permet d'obtenir les nuances et nuances de couleurs les plus fines.

Les moyens d'expression artistique importants en peinture sont, outre la couleur (couleur), la tache et le caractère du trait, le traitement de la surface de la peinture (texture), les valeurs montrant de subtils changements de ton en fonction de l'éclairage, les réflexes qui apparaissent à partir de l’interaction de couleurs adjacentes.

La construction du volume et de l'espace dans la peinture est associée à une perspective linéaire et aérienne, aux propriétés spatiales des couleurs chaudes et froides, à la modélisation de la forme par la lumière et l'ombre et au transfert de la tonalité de couleur globale de la toile. Pour créer une image, en plus de la couleur, vous avez besoin d'un bon dessin et d'une composition expressive. En règle générale, l'artiste commence à travailler sur la toile en recherchant la solution la plus réussie dans les croquis. Puis, dans de nombreuses esquisses pittoresques d'après nature, il

élabore les éléments nécessaires de la composition. Le travail sur un tableau peut commencer par dessiner la composition avec un pinceau, appliquer une sous-couche et

peindre directement la toile avec l'un ou l'autre moyen pictural. De plus, même les croquis et études préparatoires ont parfois une signification artistique indépendante, surtout s'ils appartiennent aux pinceaux d'un peintre célèbre. La peinture est un art très ancien, qui a connu une évolution au fil des siècles, depuis les peintures rupestres du Paléolithique jusqu'aux dernières tendances picturales du XXe siècle. La peinture offre un large éventail de possibilités pour réaliser des idées allant du réalisme à l'abstraction. D’énormes trésors spirituels ont été accumulés au cours de son développement. Dans les temps anciens, il y avait un désir de reproduire le monde réel tel qu'une personne le voit. Cela a provoqué l'émergence des principes du clair-obscur, des éléments de perspective et l'émergence d'images picturales volumétriques-spatiales. De nouvelles possibilités thématiques se sont ouvertes pour représenter la réalité par des moyens picturaux. La peinture servait à décorer les temples, les habitations, les tombeaux et autres structures et était en unité artistique avec l'architecture et la sculpture.

La peinture médiévale avait un contenu majoritairement religieux. Il se distinguait par l'expression de couleurs sonores, principalement locales, et l'expressivité des contours.

Le fond des fresques et des peintures était généralement conventionnel, abstrait ou doré, incarnant l'idée divine dans son mystérieux scintillement. Le symbolisme des couleurs a joué un rôle important.

A la Renaissance, le sentiment de l'harmonie de l'univers, l'anthropocentrisme (l'homme au centre de l'univers) se reflète dans des compositions picturales sur des thèmes religieux et mythologiques, dans des portraits, des scènes quotidiennes et historiques. Le rôle de la peinture s'est accru, développant un système scientifiquement fondé de perspective linéaire et aérienne, le clair-obscur.

La peinture abstraite est apparue, qui a marqué l'abandon de la figuration et l'expression active de l'attitude personnelle de l'artiste envers le monde, l'émotivité et la conventionnalité de la couleur, l'exagération et la géométrisation.

formes, caractère décoratif et associativité des solutions de composition.

Au 20ème siècle La recherche de nouvelles couleurs et de moyens techniques pour créer des peintures se poursuit, ce qui conduira sans aucun doute à l'émergence de nouveaux styles de peinture, mais la peinture à l'huile reste toujours l'une des techniques préférées des artistes.

L'art est la créativité dans sa totalité.
Quels arts connaissez-vous ?
Littérature, musique, danse, théâtre, cinéma.

beaux arts– spatial, non étendu dans le temps. Cela nécessite un espace à deux ou trois dimensions. Bien qu'à notre époque, grâce aux capacités techniques, une forme d'art ait émergé qui inclut l'espace temporaire (l'art vidéo).

Les beaux-arts reflètent la réalité à travers des images visuelles :
- la diversité du monde environnant ;
- les pensées et les sentiments d'une personne.
C’est une façon de comprendre l’environnement et soi-même.

Pour ce faire, l'artiste utilise la généralisation et l'imagination.

Types de beaux-arts :
Architecture
Peinture
Graphique
Sculpture
Arts et artisanat
Arts théâtraux et décoratifs
Conception

Architecture

L'architecture est l'art de construire des bâtiments et des structures pour la vie et les activités des personnes.

Le mot « architecture » vient du grec « Arhus » – principal, le plus élevé ;
"Tectonico" - construction.

Nécessite un espace tridimensionnel.. Il a également un espace interne - l'intérieur.

Peinture

La peinture est une forme d'art dont les œuvres sont créées à l'aide de peintures (tempera, peintures à l'huile, acrylique, gouache, ...).

Graphique

Le graphisme est un type d’art qui comprend le dessin et les images imprimées. "Grapho" - J'écris, dessine, dessine.
Les dessins sont réalisés au crayon, à l'encre, sépia, sanguine...
Images imprimées – gravures, lithographies, gravures sur bois, monotypes.

Les graphiques sont divisés en chevalet, livre et appliqué.
L'aquarelle, la gouache et le pastel se situent à la limite de la peinture et du graphisme.

Les premières œuvres graphiques furent des peintures rupestres d’art primitif.
Dans la Grèce antique, l'art graphique était au plus haut niveau : la peinture sur vase.

Sculpture

Le terme vient du latin « sculpere » – couper, sculpter.
Contrairement à la peinture et au graphisme, la sculpture a du volume.
Une sculpture est une image en trois dimensions.

Matériaux : os, pierre, bois, argile, métal, cire...
La sculpture est l’une des formes d’art les plus anciennes.
Les premières œuvres sculpturales étaient des idoles, des amulettes et représentaient des dieux antiques.
On distingue la sculpture ronde (vue sous différents côtés) et le relief (haut, moyen, bas, contre-relief).
La sculpture est divisée en types : chevalet et monumentale (monuments, monuments) et monumentale-décorative (décoration architecturale).

Arts décoratifs et appliqués (DAI)

Dans chaque maison, divers objets vivent et nous servent. Et s'ils sont touchés par la main d'un artiste, d'un bijoutier ou d'un artisan populaire, ils deviennent alors une œuvre d'art décoratif et appliqué. Le terme est apparu au XVIIIe siècle. du mot français "décor" - décoration partout.
Appliqué signifie quelque chose auquel une compétence ou un art est appliqué.

Conception

Depuis la période primitive, on peut retracer le développement de cette forme d’art.

Art théâtral et décoratif

Ce type d'art comprend la création de décors, d'accessoires, de costumes et de maquillage.

GENRES

Le terme « genre » vient du français – type, genre.
Les premiers genres indépendants sont apparus aux Pays-Bas au XVIe siècle.

Historique
Mythologique, religieux
Bataille
Portrait
Paysage
Nature morte
Domestique
Marina
Animaliste
Intérieur

Genre historique

Le genre historique est une œuvre d’art qui reflète de véritables personnages ou événements historiques.

Genre mythologique

Le genre mythologique est une œuvre d'art qui reflète des sujets mythologiques.

Religieux

Genre de bataille

Le genre bataille est une œuvre d’art qui reflète des épisodes militaires.
Un artiste qui écrit sur des thèmes de bataille est appelé un peintre de bataille.

Portrait

Un portrait est une image d'une personne en sculpture, en peinture et en graphisme.
Les portraits peints par des artistes nous apportent des images de personnes d’époques passées.

Paysage

Le paysage est une image dans laquelle la nature est devenue le contenu principal.
Le terme « paysage » vient de la langue française et signifie « nature ». Le paysage en tant que genre indépendant est originaire des Pays-Bas.
La peinture de paysage est variée. Il existe des paysages qui traduisent avec précision certains coins de la nature, tandis que d'autres véhiculent subtilement l'état. Il y a aussi des paysages fantastiques.

Nature morte

Le terme « nature morte » vient d'un mot français signifiant littéralement « nature morte ».
Ce sont des tableaux dont les héros sont divers articles ménagers, des fruits, des fleurs ou de la nourriture (poisson, gibier, etc.).
Les natures mortes nous parlent non seulement des choses, mais aussi de leurs propriétaires, de leur vie, de leur mode de vie et de leurs habitudes.

Genre quotidien

Le genre du quotidien est constitué de peintures qui reflètent des épisodes de la vie quotidienne des gens.

Marina

Marina est une œuvre d'art qui représente la mer.
Un artiste qui peint la mer s’appelle un peintre de marine.

Genre animalier

Le genre animalier est une œuvre d'art qui représente des animaux.

Intérieur

Image de la décoration intérieure d’une structure architecturale.

Style artistique

La notion de « style » est une originalité qui permet de déterminer immédiatement à quelle époque historique l'œuvre a été créée.
Un style artistique (élevé) est une direction qui inclut tous les types d'art.
Par exemple, le baroque est un style élevé et le rococo est une tendance.
Les grands ou hauts styles comprennent les classiques de l'Antiquité, le style roman et gothique au Moyen Âge, le style Renaissance, qui a marqué la période de transition du Moyen Âge à l'Âge moderne, le baroque et le classicisme à l'âge moderne. Le dernier grand style au tournant des XIXe et XXe siècles. est devenu l'Art Nouveau, dans lequel on a tenté de raviver l'unité de l'architecture, de la décoration et des beaux-arts.
La combinaison de plusieurs types d’art dans une seule œuvre s’appelle une synthèse des arts.
En d’autres termes, un style artistique atteint son plus haut niveau lorsqu’il inclut tous les types d’art.
S'étant développés au cours d'une certaine époque historique, les styles haut de gamme ont été continuellement transformés et relancés à l'étape suivante dans une nouvelle qualité. Par exemple, le classicisme du XVIIe siècle. en France, il s'appuie sur les classiques antiques, alors qu'il est très différent du néoclassicisme de la seconde moitié du XVIIIe siècle. et, bien sûr, du néoclassicisme en tant que tendance éclectiste de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle.

Image artistique

Une image artistique est une forme de reflet (reproduction) de la réalité objective dans l'art.

La peinture se distingue par une variété de genres et de types. Chaque genre se limite à sa propre gamme de sujets : l'image d'une personne (portrait), le monde environnant (paysage), etc.
Les variétés (types) de peinture diffèrent par leur objectif.

À cet égard, il existe plusieurs types de peinture dont nous parlerons aujourd'hui.

Peinture sur chevalet

Le type de peinture le plus populaire et le plus célèbre est la peinture sur chevalet. On l'appelle ainsi parce qu'il est réalisé sur une machine - un chevalet. La base est en bois, carton, papier, mais le plus souvent en toile tendue sur châssis. Un tableau de chevalet est une œuvre indépendante réalisée dans un genre spécifique. Il a une richesse de couleur.

Peintures à l'huile

Le plus souvent, la peinture sur chevalet est réalisée avec des peintures à l'huile. Vous pouvez utiliser des peintures à l'huile sur toile, bois, carton, papier et métal.

Peintures à l'huile
Les peintures à l'huile sont des suspensions de pigments et de charges inorganiques dans des huiles végétales siccatives ou des huiles siccatives ou à base de résines alkydes, parfois avec ajout de substances auxiliaires. Utilisé en peinture ou pour peindre le bois, le métal et d'autres surfaces.

V. Perov « Portrait de Dostoïevski » (1872). Huile sur toile
Mais une image pittoresque peut également être créée à l’aide de détrempe, de gouache, de pastels et d’aquarelles.

Aquarelle

Peintures à l'aquarelle

L'aquarelle (Aquarelle française - aqueuse ; acquarello italien) est une technique de peinture qui utilise des peintures aquarelles spéciales. Lorsqu'ils sont dissous dans l'eau, ils forment une suspension transparente de pigment fin, qui crée un effet de légèreté, de légèreté et de subtiles transitions de couleurs.

J. Turner « Lac Firvaldstät » (1802). Aquarelle. Tate Britain (Londres)

Gouache

La gouache (gouache française, peinture à l'eau guazzo italienne, splash) est un type de peinture adhésive hydrosoluble, plus dense et plus mate que l'aquarelle.

Peintures à la gouache
Les peintures à la gouache sont fabriquées à partir de pigments et de colle additionnées de blanc. Le mélange de blanc donne à la gouache une qualité mate et veloutée, mais lors du séchage, les couleurs deviennent quelque peu blanchies (éclaircies), ce dont l'artiste doit tenir compte lors du processus de dessin. En utilisant des peintures à la gouache, vous pouvez recouvrir les tons sombres avec des tons clairs.

Vincent Van Gogh "Couloir à Asulum" (craie noire et gouache sur papier rose)

Pastel [e]

Le pastel (du latin pâtes - pâte) est un matériau artistique utilisé en graphisme et en peinture. Le plus souvent, il se présente sous la forme de crayons de couleur ou de crayons sans monture, en forme de barres de section ronde ou carrée. Il existe trois types de pastels : secs, à l'huile et à la cire.

I. Levitan « Vallée de la rivière » (pastel)

Détrempe

Tempera (tempera italienne, du latin temperare - mélanger les peintures) - peintures à l'eau préparées à base de pigments en poudre sèche. Le liant pour les peintures à la détrempe est le jaune d'un œuf de poule dilué avec de l'eau ou un œuf entier.
Les peintures à la détrempe sont parmi les plus anciennes. Avant l'invention et la diffusion des peintures à l'huile jusqu'aux XVe-XVIIe siècles. les peintures à la détrempe étaient le matériau principal pour la peinture sur chevalet. Ils sont utilisés depuis plus de 3 000 ans. Les célèbres peintures des sarcophages des pharaons égyptiens antiques étaient réalisées avec de la détrempe. La peinture à la détrempe était principalement réalisée par des maîtres byzantins. En Russie, la technique de la peinture à la détrempe était dominante jusqu'à la fin du XVIIe siècle.

R. Streltsov « Camomilles et violettes » (tempera)

Encaustique

L'encaustique (du grec ancien ἐγκαυστική - l'art de brûler) est une technique de peinture dans laquelle la cire est le liant des peintures. La peinture est réalisée avec des peintures fondues. De nombreuses icônes paléochrétiennes ont été peintes selon cette technique. Originaire de la Grèce antique.

"Ange". Technique d'encaustique

Nous attirons votre attention sur le fait que vous pouvez trouver une autre classification, selon laquelle l'aquarelle, la gouache et d'autres techniques utilisant du papier et des peintures à l'eau sont classées comme graphiques. Ils combinent les caractéristiques de la peinture (richesse des tons, construction de la forme et de l'espace avec la couleur) et du graphisme (le rôle actif du papier dans la construction de l'image, l'absence du relief spécifique du coup de pinceau caractéristique d'une surface picturale).

Peinture monumentale

La peinture monumentale consiste à peindre sur des structures architecturales ou d'autres fondations. Il s’agit du type de peinture le plus ancien, connu depuis le Paléolithique. Grâce à sa stationnarité et sa durabilité, il en reste de nombreux exemples provenant de presque toutes les cultures qui ont créé une architecture développée. Les principales techniques de peinture monumentale sont la fresque, le secco, la mosaïque, le vitrail.

Fresque

Fresque (de la fresque italienne - fraîche) - peinture sur plâtre humide avec des peintures à l'eau, une des techniques de peinture murale. Une fois séchée, la chaux contenue dans l'enduit forme une fine pellicule de calcium transparente, rendant la fresque durable.
La fresque a une surface mate agréable et est durable dans des conditions intérieures.

Monastère de Gelati (Géorgie). Église de la Bienheureuse Vierge Marie. Fresque sur la face supérieure et sud de l'Arc de Triomphe

Un secco

Et secco (de l'italien secco - sec) est une peinture murale réalisée, contrairement aux fresques, sur du plâtre dur et séché, réhumidifié. Les peintures sont utilisées, broyées sur colle végétale, à l'œuf ou mélangées à de la chaux. Secco vous permet de peindre une plus grande surface en une journée de travail qu'avec la peinture à fresque, mais ce n'est pas une technique aussi durable.
La technique a secco s'est développée dans la peinture médiévale avec la fresque et était particulièrement répandue en Europe aux XVIIe et XVIIIe siècles.

Léonard de Vinci "La Cène (1498). Technique à sec

Mosaïque

La mosaïque (mosaique française, mosaïque italienne du latin (opus) musivum – (œuvre) dédiée aux muses) est un art décoratif, appliqué et monumental de genres variés. Les images d'une mosaïque sont formées en disposant, en plaçant et en fixant des pierres multicolores, du smalt, des carreaux de céramique et d'autres matériaux sur la surface.

Panneau mosaïque "Chat"

Vitrail

Le vitrail (français vitre - verre à fenêtre, du latin vitrum - verre) est une œuvre de verre coloré. Le vitrail est utilisé depuis longtemps dans les églises. À la Renaissance, le vitrail existait sous forme de peinture sur verre.

Vitrail du Palais de la Culture Mezhsoyuzny (Mourmansk)
Les types de peinture comprennent également le diorama et le panorama.

Diorama

La construction du diorama « Tempête du mont Sapun le 7 mai 1944 » à Sébastopol
Le diorama est une image picturale en forme de ruban, incurvée en demi-cercle, avec un sujet au premier plan. L’illusion de la présence du spectateur dans l’espace naturel est créée, obtenue grâce à une synthèse de moyens artistiques et techniques.
Les dioramas sont conçus pour un éclairage artificiel et sont situés principalement dans des pavillons spéciaux. La plupart des dioramas sont consacrés à des batailles historiques.
Les dioramas les plus célèbres : « Tempête du mont Sapun » (Sébastopol), « Défense de Sébastopol » (Sébastopol), « Batailles pour Rzhev » (Rzhev), « Briser le siège de Leningrad » (Saint-Pétersbourg), « Tempête de Berlin " (Moscou), etc.

Panorama

En peinture, un panorama est une image avec une vue circulaire, dans laquelle un fond pictural plat est combiné avec un premier plan en trois dimensions. Panorama crée l'illusion d'un espace réel entourant le spectateur dans un cercle complet de l'horizon. Les panoramas sont principalement utilisés pour représenter des événements couvrant une vaste zone et un grand nombre de participants.

Musée panoramique "Bataille de Borodino" (bâtiment du musée)
En Russie, les panoramas les plus célèbres sont le musée panoramique « Bataille de Borodino », « Bataille de Volochaev », « La défaite des troupes nazies à Stalingrad » dans le musée panoramique « Bataille de Stalingrad », « Défense de Sébastopol », panorama de le chemin de fer transsibérien.

Franz Roubo. Toile panoramique « Bataille de Borodino »

Peinture théâtrale et décorative

Décors, costumes, maquillage, accessoires contribuent à révéler davantage le contenu du spectacle (film). Le décor donne une idée du lieu et du moment de l’action, et active la perception du spectateur de ce qui se passe sur scène. L'artiste de théâtre s'efforce d'exprimer avec précision le caractère individuel des personnages, leur statut social, le style de l'époque et bien plus encore dans des croquis de costumes et de maquillage.
En Russie, l'épanouissement de l'art théâtral et décoratif s'est produit au tournant des XIXe et XXe siècles. A cette époque, les artistes exceptionnels M.A. ont commencé à travailler au théâtre. Vroubel, V.M. Vasnetsov, A. Ya. Golovine, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vroubel « Ville de la sucette ». Scénographie de l'opéra de N.A. "Le Conte du tsar Saltan" de Rimski-Korsakov pour l'Opéra privé russe de Moscou. (1900)

Miniature

Une miniature est une œuvre picturale de petites formes. Les portraits miniatures étaient particulièrement populaires - un portrait de petit format (de 1,5 à 20 cm), caractérisé par une subtilité particulière d'écriture, une technique d'exécution unique et l'utilisation de moyens inhérents uniquement à cette forme picturale.
Les types et formats de miniatures sont très divers : elles ont été peintes sur parchemin, papier, carton, ivoire, métal et porcelaine, à l'aquarelle, à la gouache, aux émaux artistiques spéciaux ou à la peinture à l'huile. L'auteur peut inscrire l'image, selon sa décision ou à la demande du client, dans un cercle, un ovale, un losange, un octogone, etc. Une miniature de portrait classique est considérée comme une miniature réalisée sur une fine plaque d'ivoire.

Empereur Nicolas Ier. Fragment d'une miniature de G. Morselli
Il existe plusieurs techniques miniatures.

Miniature en laque (Fedoskino)

Miniature avec un portrait de la princesse Zinaida Nikolaevna (bijoux Jusupov)