Le 25 novembre, l'une des expositions les plus importantes et uniques de ces dernières années s'ouvre dans le bâtiment d'ingénierie de la galerie Tretiakov. 42 œuvres d'art de la Pinacothèque du Vatican seront présentées à Moscou pendant trois mois.
La popularité de diverses expositions présentant des chefs-d'œuvre de différentes époques à Moscou a récemment été incroyablement élevée. Les billets doivent être achetés à l'avance. Les gens s’habillent chaudement et font la queue pour regarder des peintures uniques. Que vois-tu cette fois ? La réponse est dans le rapport.
1. L'exposition est située dans le bâtiment d'ingénierie de la galerie Tretiakov. Il s'agit du bâtiment le plus proche de la station de métro Tretiakovskaya. Trois salles au troisième étage. Grand, moyen et petit. 
2. Le hall du milieu accueille en premier les visiteurs. Une brève introduction aux musées du Vatican et au plan de la basilique Saint-Pierre avec la place devant elle. 
3. Tout commence par une exposition qui n'a jamais quitté le Vatican auparavant. "Le Christ le Bénieur." XIIe siècle, école romaine. 
4. La salle du milieu est remplie de peintures de petite taille. Outre les œuvres de Bellini, Raphaël et Caravage, mentionnées dans le titre de l'exposition, vous pourrez voir Margaritone d'Arezzo, Pietro Lorenzetti, Gentile da Fabriano, Fra Beato Angelico. 
5. La Pinacothèque du Vatican a été fondée par le pape Pie VI dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Sur ordre de Napoléon Bonaparte, ils furent emmenés à Paris, mais revinrent ensuite à leur place. Pendant de nombreuses années, la collection a été reconstituée et n’a décoré que les appartements du pape et certaines pièces. Ce n'est qu'en 1908 que la collection rejoint les rangs des expositions muséales accessibles au public. Au début, il était situé dans les locaux du palais du Belvédère et reçut plus tard son propre bâtiment. 
6. La plupart des œuvres de la Pinacotene du Vatican sont réalisées par des Italiens. Une plus petite partie est constituée de la collection acquise d'art byzantin et encore moins d'œuvres d'autres pays. 
7. 42 œuvres sont arrivées à Moscou. Cela représente près de 10 % de l’ensemble de la collection. Auparavant, un si grand nombre d’œuvres n’avait jamais été exporté du Vatican. La décision d'organiser des expositions temporaires d'œuvres russes au Vatican et de la collection du Vatican en Russie a été prise au plus haut niveau. Le soutien financier à ce projet a été apporté par la fondation caritative « Art, Science et Sports » d’Alisher Usmanov, qui a soutenu à plusieurs reprises des expositions à la Galerie Tretiakov. 
8. L'importance de l'événement est soulignée par la visite du Cardinal Giuseppe Bertello. Il est gouverneur de l’État de la Cité du Vatican, ce qui équivaut à peu près au poste de Premier ministre en Russie. 
9. La deuxième salle en ligne est grande. Les plus grandes œuvres de la collection sont rassemblées ici. 
10. Toutes les peintures sont signées en russe et en anglais. Les inscriptions sont sous vos pieds. soulignant le grand seuil. 
11. Et n'oubliez pas de regarder dans le petit hall au fond de l'entrée. Ces 8 œuvres présentent la série "Observations astronomiques" de Donato Creti. 
12.
À mon avis, non professionnel, c'est une exposition très intéressante. Petit, mais même sous cette forme, il semble complet. Les thèmes religieux de toutes les œuvres ne sont pas surprenants, mais ils ne frappent pas non plus. Nous comprenons tous que le Vatican est le centre du catholicisme dans le monde. Ses collections de thèmes religieux sont très diverses.
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La Galerie Tretiakov a accueilli une exposition intitulée « Chefs-d’œuvre de la Pinacothèque du Vatican ». L'heure de son passage est du 19/02/2016 au 19/02/2017. Qu'est-ce que la Pinacothèque, quelle est sa signification pour les résidents de Russie, vous pouvez le découvrir dans l'article.
Sens du mot
Pinakothek est un terme issu de la fusion de deux mots grecs. La première partie du terme signifie "planche", c'est-à-dire "image", et la seconde - "stockage". Il n’est pas difficile de deviner ce qu’est la Pinacothèque. Dans la Grèce antique, c'était le nom donné à la pièce dans laquelle étaient conservées les images pittoresques. Peu à peu, le sens du terme a quelque peu changé.
Qu'est-ce que la Pinacothèque dans le passé et le présent
Il y avait un bâtiment dans l'aile gauche duquel étaient conservées des peintures apportées en cadeau à la déesse Athéna. Ils étaient logés dans plusieurs salles à six colonnes. La collection était composée de diverses œuvres peintes. Il était accessible aux citoyens d’Athènes. Le premier catalogue, qui a commencé à systématiser le référentiel, a été créé par Polémon d'Ilion au troisième et deuxième siècle avant JC. e. Il y avait des pinacothèques à l'Héraion (Temple d'Héra).
Les citoyens de la Rome antique utilisaient ce terme pour désigner une pièce dans laquelle étaient conservées des œuvres d’art.
À la Renaissance, le terme était utilisé pour désigner des collections de peintures ouvertes au public.
Qu’est-ce que la Pinacothèque aujourd’hui ? Le terme fait référence aux galeries d'art. Un bon exemple est l’une des pinacothèques les plus célèbres au monde.
Pinacothèque du Vatican
La collection de peintures du Vatican est apparue il y a quelques centaines d'années. Son fondateur est considéré comme le pape Pie VI. Plusieurs décennies plus tard, en 1797, la plupart des tableaux furent envoyés à Paris. Napoléon en a donné l'ordre. En 1815, la collection était revenue au Vatican. La décision de restituer les objets de valeur a été prise lors du Congrès de Vienne, tenu après les guerres napoléoniennes.
Les œuvres de peinture n'avaient pas d'emplacement permanent. Ils furent déplacés d'une salle à l'autre jusqu'à être placés dans une aile du Palais du Belvédère. Le public n’a pu voir la Pinakothek qu’en 1908.
Vingt-quatre ans plus tard, un bâtiment spécial est construit pour la collection. Le client de la construction était le pape Pie XI et l'architecte était L. Beltrami.
La collection se compose d'environ 460 peintures, réparties dans dix-huit salles par ordre chronologique. Il contient des œuvres sur des thèmes religieux. Ce sont principalement des œuvres de maîtres italiens.
Exemples de salles :
- La première salle présente les œuvres des écoles médiévales de maîtres tels que Nicolo Giovanni.
- La huitième salle contient des œuvres de Raphael Santi, notamment des tapisseries basées sur ses créations.
- La dixième salle est représentée par l'école de Raphaël et la peinture vénitienne.
- La douzième salle est composée de peintures de style baroque : œuvres de Nicolas Poussin, du Caravage, de Guido Reni.
- La salle du XVIIIe contient des icônes et des mosaïques des XVe et XVIe siècles.
Vous pouvez visiter la Pinacothèque en achetant un billet unique pour l'entrée à la Chapelle Sixtine et le coût en 2016 était de seize euros.
En novembre 2016, la Pinacothèque du Vatican a ouvert ses portes dans la Galerie Tretiakov. Qu'est-ce qui est présenté dans la collection présentée et quelle est sa signification pour les résidents et les invités de Moscou ?
Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque du Vatican dans la Galerie Tretiakov
L'exposition (Pinacothèque du Vatican) se compose de quarante tableaux. Il s'agit d'œuvres de Giovanni Belini, du Caravage, de Raphaël et d'autres maîtres du XIIe au XVIIIe siècle. Cela se poursuivra jusqu'au 19 février 2017.
Les billets pour la Pinacothèque du Vatican coûteront cinq cents roubles par personne. La visite de l'exposition dure trente minutes. Vous pouvez acheter des billets à tout moment sur le site personnel de la Galerie Tretiakov.
Selon le commissaire de l'exposition, Arkady Ippolitov, l'exposition est une sorte d'explication de l'idée « Moscou est la troisième Rome ». La Pinacothèque abrite l’État depuis sept siècles. L’institution de la papauté est selon lui le lien entre la civilisation européenne et le monde antique.
L'exposition commence par la plus ancienne icône de Rome, le Christ bénissant, qui remonte au XIIe siècle. Il a été écrit sous l’influence de Byzance. L'icône conserve les souvenirs d'une seule église, montrant la racine unique à partir de laquelle l'art de l'Italie et de la Russie s'est développé.
Amis, bon après-midi. Samedi, nous avons eu la chance de visiter une exposition unique de chefs-d’œuvre du Vatican, vous avez encore la possibilité de la voir d’ici deux mois, ne la manquez pas.
L'exposition a lieu dans le bâtiment d'ingénierie de la Galerie nationale Tretiakov (Lavrushinsky Lane, 12) du 25 novembre 2016 au 19 février 2017. Malheureusement, vous ne pourrez pas acheter de billets via le site Internet, mais vous pouvez facilement venir au musée et achetez un billet sur place, à la billetterie. Malgré le grand nombre de visiteurs, nous n'avons vu aucune file d'attente.
Mode de fonctionnement:
Mardi, mercredi, dimanche de 10h00 à 18h00 (entrée jusqu'à 17h00)
Jeudi, vendredi, samedi de 10h00 à 21h00 (entrée jusqu'à 20h00)
Le lundi est un jour de congé.
Accordez-vous quelques heures pour visiter l’exposition ; une heure n’est clairement pas suffisante.
Pour être honnête, je suis toujours très impressionné, je ne sais même pas par où commencer. Des œuvres du XIIe au XVIIIe siècles sont présentées. Il s'agit d'un dixième de la collection, qui comprend 460 œuvres. Il est intéressant de noter qu'un certain nombre de tableaux ont quitté leurs murs d'origine pour la première fois, étant donné que tout le monde, à la lumière du durcissement de la politique économique, ne peut pas se permettre de voyager à l'étranger. Je pense que nous avons beaucoup de chance et je recommande de profiter de cette opportunité. , vous ne resterez certainement pas indifférent. Malheureusement, prendre des photos lors de l'exposition est strictement interdit, j'ai donc pris toutes les photos sur Internet, ainsi que la description de la brochure de l'exposition et de mémoire ce que j'ai réussi à retenir de l'audioguide.
L'exposition commence par la rare icône antique « Le Christ bénissant », créée dans la seconde moitié du XIIe siècle par un maître travaillant à Rome sous l'influence de la peinture byzantine. Avant d'entrer dans la Pinacothèque, elle se trouvait dans l'église Santa Maria in Campo Marzio, l'une des plus anciennes de Rome. Le maître romain a présenté Jésus-Christ à l'image de Pantocrator, c'est-à-dire le souverain de l'univers, et l'icône, étant une analogie avec les anciennes images russes du Sauveur Pantocrator, préserve le souvenir de l'unité de l'Église chrétienne avant le schisme. , c'est-à-dire avant sa division en catholique et orthodoxe, et montre la parenté directe de l'art italien et russe issu de la même racine.
L'exposition se poursuit avec Margaritone di Magnano, surnommée Margaritone d'Arezzo ca. 1216-1290).
Saint François d'Assise. 1250-1270. Image de l'autel. Bois, tempera, or. 127,2x53,9 cm.
« Margaritone d'Arezzo, né avant Giotto et Duccio, est l'un des plus grands peintres de l'Italie médiévale. Le tableau figure dans tous les manuels d'histoire de l'art comme exemple exceptionnel du style roman tardif, mais il est également intéressant car il s'agit de l'une des premières images de saint François d'Assise, réalisée peu après sa canonisation en 1228. Saint François a joué un rôle essentiel dans l'histoire de l'Église d'Occident ; ce n'est pas pour rien que le pape actuel a choisi son nom, qui est devenu le premier François de l'histoire du Vatican. Cette œuvre est peut-être exactement celle que Vasari a décrite dans « La vie de Margaritone » comme peinte d’après nature, de sorte qu’elle peut être considérée presque comme l’un des premiers portraits de la peinture italienne.
J'ai été choqué à la fois par les icônes elles-mêmes et par leur conservation, pensez-y, cela date des XIIe-XIIIe siècles !
Je ne m'étendrai pas sur toutes les expositions, je ne noterai que celles qui m'ont le plus marqué et qui m'ont choqué par leur habileté. Poursuivant l'inspection de la première salle, je voudrais attirer l'attention sur 3 fresques de Melozzo degli Ambrosi, surnommé Melozzo da Forli (1438-1494).
Anges jouant du luth. 1480. Fragments d'une fresque retirés du mur. Taille correcte : 117×93,5 cm.
L'artiste «... fut invité à Rome par le pape Sixte IV. Il a réalisé de nombreuses fresques dans les églises romanes, de sorte que Melozzo peut être considéré comme le fondateur de l'école romaine, qui a prospéré aux XVIe et XVIIe siècles. Trois anges jouant de la musique sont des fragments de sa peinture du dôme de l'église de Santi Apostoli, une immense composition à plusieurs figures « L'Ascension du Christ ».
La fresque était perçue par les contemporains comme un triomphe du pouvoir papal, qui relançait Rome. L'orchestre divin des anges symbolisait la beauté surnaturelle du paradis, et le concept abstrait de « musique du ciel » est associé aux constructions philosophiques du modèle du monde, dont parlaient les pythagoriciens et les platoniciens. Melozzo, en tant qu'artiste de la Renaissance, combine dans son œuvre les traditions anciennes et chrétiennes. Ses anges, glorifiant le Seigneur selon les paroles de la Bible : « Qu'ils louent son nom avec des visages, avec du tympan et de la harpe, qu'ils lui chantent, car le Seigneur prend plaisir en son peuple, glorifiant les humbles par le salut », sont idéaux, comme les statues antiques, et en même temps vitaux : ils ressemblent à de jeunes pages à la cour des souverains de la Renaissance.»
La fresque « L'Ange jouant de la viole », peu d'œuvres de Melozzo nous sont parvenues ; la plupart de ses fresques ont été perdues pendant la perestroïka, mais d'après ce qui reste, on peut juger de l'ampleur de son talent. Melozzo, se tournant vers des modèles médiévaux, leur insuffle une nouvelle vie, anticipant Michel-Ange, Raphaël, Corrège et la peinture des coupoles des églises baroques.
Il convient également de noter l'œuvre de Gentile da Fabriano (vers 1370-1427).
Scènes de la vie de Saint Nicolas le Wonderworker : Saint Nicolas calme la tempête et sauve le navire. D'ACCORD. 1425. Prédelle. Bois, détrempe. Mais ce n'est pas tant pour son intrigue que pour le fait que l'auteur représente ici la terre comme ronde, ce qui était une innovation absolue pour l'époque. Regardez la ligne d'horizon. 
Eh bien, je ne peux m'empêcher d'attirer l'attention sur l'une des expositions centrales de la première salle, Giovanni Bellini (vers 1432-1516). Lamentation du Christ avec Joseph d'Arimathie, Nicodème et Marie-Madeleine. D'ACCORD. 1471-1474. Haut d'autel. Bois, huile. 107×84 cm.
« Bellini est le plus grand artiste de l'école vénitienne du XVe siècle. Ce tableau est l'un de ses chefs-d'œuvre. C'était le fleuron d'un grand autel et, dans sa composition, Bellini fait un pas décisif vers la grandeur calme de la Haute Renaissance, dépassant nombre de ses artistes florentins contemporains. L'œuvre est avant-gardiste dans le simple fait qu'elle est peinte à l'huile, selon une technique complètement nouvelle pour l'Italie, récemment importée des Pays-Bas à Venise. L'iconographie est également originale. Habituellement, le personnage principal de la scène des Lamentations est la Vierge Marie. Seuls Joseph d'Arimathie, Saint Nicodème et Marie-Madeleine sont représentés ici soutenant Jésus par derrière. Le silence pensif dans lequel sont plongés les personnages, souligné par la tension de leurs mains jointes, confère à cette scène une acuité psychologique rare.
Regarder un tableau de Carlo Crivelli (1435-1494). Deuil. 1488. Lunette. Bois, tempera, or. Pendant longtemps, je n'ai pas pu comprendre la technique dans laquelle il a été exécuté, le travail ici est si délicat qu'il semble que l'image soit tissée en brocart, c'est incroyable, je n'ai jamais rien vu de tel auparavant.
« Carlo Crivelli, vénitien de naissance, a quitté très tôt sa ville natale et est devenu célèbre dans la région des Marches. De son vivant, il fut populaire, mais il fut oublié et redécouvert seulement à la fin du XIXe siècle. Cette lunette, qui couronnait le grand autel, est l'une de ses œuvres les plus étonnantes. Par souci d'expressivité, l'artiste recourt à des violations évidentes des proportions, et afin d'entrelacer les mains de Jésus, de la Vierge Marie et de Madeleine, Crivelli rend la main droite du Christ beaucoup plus longue que la gauche. Penché sur un nœud de paumes, le visage de Madeleine, déformé par les pleurs, devient le centre émotionnel de l’image. L’œuvre est fortement influencée par le gothique du Nord et se caractérise par cette incroyable intensité d’expérience psychologique caractéristique des mouvements religieux mystiques du XVe siècle.
La plupart des œuvres avec leurs intrigues nous emmènent là où a eu lieu la naissance du Christ et d'autres événements.
Passant à la deuxième salle de l’exposition, je voudrais commencer par une description du tableau qui m’a le plus frappé, à savoir le tableau de Guido Reni « Saint Matthieu et l’Ange », 1635-1640. Format du tableau 85×68 cm, huile sur toile. Saint Matthieu, nom original Lévi, l'un des douze apôtres et auteur du premier Évangile. Reni a peint ce tableau au cours de ses cinq années d'âge adulte. « Saint Matthieu et l’Ange » est considérée comme l’une des œuvres les plus significatives de la dernière période de son œuvre. La magie du regard de Matthieu et de l'ange est frappante, comment l'un s'écoute l'autre, avec quelle précision et grâce étonnantes l'artiste a pu transmettre la gamme complexe des sentiments des deux dans leurs regards.
Le deuxième tableau le plus puissant sur moi était le tableau attribué au Pensionante del Saraceni, « Le Reniement de Saint Pierre ». Le tableau a été considéré comme l'œuvre du Caravage jusqu'en 1943, mais a ensuite été attribué à un élève de Carlo Saraceni, l'un des principaux représentants du premier caravagisme. Le nom de l'étudiant n'a pas encore été établi et il est provisoirement appelé « Pensionante del Saraceni », ce qui signifie en italien « invité des Saraceni ». Ses toiles se démarquent parmi les œuvres d'autres caravagesques : l'artiste ne plonge pas le fond dans l'obscurité, mais illumine l'ensemble du tableau d'une lumière même irisée. L'intrigue de l'image est l'histoire évangélique du reniement de l'apôtre Pierre. La veille de son arrestation, Jésus lui a prédit qu'il renierait trois fois avant le premier coq. Une servante s'est approchée de Pierre, qui attendait des nouvelles à la porte de la maison du grand prêtre, où Jésus arrêté avait été emmené, et, le reconnaissant, a dit : « Et elle avec Jésus de Galilée », mais l'apôtre a nié sur la photo. , le visage de Peter est dans l'ombre, comme pour cacher sa honte.
L'une des œuvres centrales de la deuxième salle est l'œuvre de Michel-Ange Merisi, surnommé Caravage, « La Mise au Tombeau », que l'artiste a peinte pour le temple romain de Santa Maria della Valicella. Il est considéré comme l'un des meilleurs de son œuvre. La composition « Mise au tombeau » est structurée de telle manière que le spectateur qui la regarde fait involontairement partie de l'image. Le tombeau de pierre dans lequel ils veulent mettre le Christ est tourné vers le spectateur avec un de ses coins - ce coin semble briser une fine barrière entre le monde de l'image et la réalité ordinaire. L'impression est renforcée par le coude pointu de Nicodème tenant Jésus par les jambes. Il semble qu'ils veuillent transmettre le corps immobile du Christ à celui qui regarde l'image.
La jeune Maria se figea dans un cri silencieux, levant les mains vers le ciel, ses cheveux dépassant dans différentes directions - apparemment, elle les déchira en lamentations. La tête de Marie-Madeleine est tristement baissée, il cache ses larmes, inquiet de la perte. La mère de Jésus ne pleure ni ne crie, elle regarde silencieusement le visage de son fils, sachant qu'elle ne le reverra plus jamais. Les visages des hommes sont concentrés et tristes.
Jean, fronçant les sourcils, regarde le visage sans vie de son Maître, et Nicodème, fort et trapu, regarde le fond du tombeau, tendu sous le poids du corps de Jésus. Le corps du Christ est dépourvu de toute nuance cadavérique ; il est pâle, comme s'il avait perdu toutes les couleurs de la vie. 
Bien entendu, l'un des objets les plus significatifs de l'exposition sont deux petites grisailles de Raphael Santi, qui formaient la prédelle du retable de l'église de San Francesco al Prato de Pérouse, connu sous le nom de retable de Baglioni, au centre duquel se trouvait la «Mise au Tombeau», aujourd'hui conservée dans la Galerie Borghèse. "Vera", la partie latérale de la prédelle, apparaît sous la forme d'une figure féminine avec un calice à la main, des putti dans les niches latérales tiennent des tablettes avec des monogrammes du nom de Jésus.
Dans la Troisième Salle, nous sommes présentés avec la série « Observations astronomiques », le Soleil, la Lune, Mercure, Vénus, Mars, Jupiter, Satupn, Comète. Une série inhabituelle de peintures, montées dans un seul cadre, représentant des observations nocturnes de toutes les planètes alors connues du système solaire, créées par l'artiste bolognais Donato Creti, commandées par le comte Luigi Ferdinando Marsili, astronome amateur. Le comte a décidé d'envoyer les tableaux au pape Clément 11 dans l'espoir de le convaincre ainsi d'allouer de l'argent pour la construction d'un observatoire à Bologne et a atteint son objectif, les fonds ont été alloués.
Il y a encore de nombreuses œuvres dignes et uniques présentées à l'exposition et vous, les amis, avez encore deux mois pour la visiter et voir toutes ces créations de vos propres yeux, je vous souhaite bonne chance.
« Roma Aeterna » ou « Rome éternelle » regroupe quarante-deux œuvres de la première rangée, dont la plupart ont rarement quitté la Pinakothek (et certaines œuvres n'ont jamais quitté la Pinakothek), reliant sept siècles de l'histoire du Vatican - du XIIe au le 18. Le commissaire du projet est un critique d'art, conservateur du département de gravure et un auteur qui repense les images de l'Italie dans ses livres (« Surtout la Lombardie. Images d'Italie XXI », « Seulement Venise. Images d'Italie XXI »),
— une sélection de chefs-d'œuvre incontestés pour l'exposition à Moscou : il n'y a vraiment pas ici une seule œuvre passable qui prenne la poussière dans les entrepôts depuis des années.
Caravage. Position dans le cercueil. D'ACCORD. 1602-1603
Wikimédia CommonsL'exposition s'ouvre avec « Le Christ bénissant » - une icône romaine du XIIe siècle, ainsi que l'une des premières images de François d'Assise interprétée par Margaritone d'Arezzo. Dans les deux cas, des traces de l'esthétique byzantine et du gothique naissant sont clairement visibles. visible. La série d'œuvres de Donato Creti « Observations astronomiques » du XVIIIe siècle, qui comprenait huit petites peintures avec des images des planètes du système solaire. La série a été commandée par l'artiste le comte Luigi Marsili, qui l'a offerte en cadeau. au pape Clément XI afin de le convaincre de la nécessité de parrainer l'ouverture du premier laboratoire astronomique à Bologne.
Nicolas Poussin. Le tourment de saint Érasme. 1628
Wikimédia CommonsEntre eux se trouvent les œuvres qui composent la couleur de la collection papale : le manuel Lamentation du Christ, Le Rêve de Sainte-Hélène de Véronèse et La Mise au Tombeau du Caravage, de petites grisailles de Raphaël - Foi et Charité, une immense toile de Nicolas Poussin Le Tourment de Saint Érasme "de la Basilique Saint-Pierre, ainsi que les anges musiciens de Melozzo da Forli, qui ornent tous les souvenirs "papaux" - des billets d'entrée aux musées du Vatican aux coques souvenirs pour iPhone.
Melozzo de Forli. Ange avec luth
Wikimédia CommonsOutre son attrait évident sur le plan du contenu, l'exposition est également devenue un geste diplomatique à grande échelle, présenté désormais comme
un résultat naturel du « lien spirituel vieux de plusieurs siècles entre Moscou et Rome ».
L'idée selon laquelle les principaux chefs-d'œuvre du Vatican seraient transférés dans le principal musée russe a été évoquée pour la première fois il y a trois ans - après une rencontre entre le président de la Russie et.
Paolo Véronèse. "Le rêve de Sainte-Hélène" 1580
Wikimédia CommonsEn 2017, une exposition de retour de peinture religieuse russe de la collection de la Galerie Tretiakov sera présentée au Vatican.
Contrairement aux expositions à succès précédentes, « Roma Aeterna » travaillera dans le bâtiment d'ingénierie de la galerie de Lavrushinsky Lane, et non dans la vallée de Krymsky. Le choix d'un espace d'exposition moins spacieux a été déterminé par la nécessité de maintenir les conditions d'humidité et climatiques nécessaires à la conservation des expositions - elles sont meilleures dans un bâtiment historique que dans un bâtiment moderne. La Galerie Tretiakov ne se fixe pas pour objectif de battre le record d’Aivazovsky, a déclaré le directeur de la Galerie Tretiakov. Cependant, pour éviter les files d'attente, la Galerie Tretiakov organise des séances d'une demi-heure lors de l'exposition. 90 personnes seront admises dans les salles. Cela durera jusqu'au 19 février 2017. Maintenant que les billets électroniques pour l'exposition, parus un mois avant son ouverture, ont déjà expiré avant la fin de l'année, la reprise des ventes est attendue d'ici peu.
Constantin Yuon. "Nouvelle planète". 1921. Photo : Galerie nationale Tretiakov
Exposition « Voie russe. De Denys à Malevitch" aux Musées du Vatican - une réponse à celle qui a eu lieu il y a deux ans à la Galerie nationale Tretiakov "Roma Aeterna. Chefs-d'œuvre de la Pinacothèque du Vatican. Bellini, Raphaël, Caravage." Le mot « chefs-d’œuvre » est fondamentalement absent du titre de l’exposition russe. Arkady Ippolitov, l'auteur de son idée et l'un des commissaires, est sûr que la force de l'art russe ne réside pas dans la maîtrise formelle, du moins ce n'est pas le sujet de l'exposition qu'il a inventée. Il s'agit de la recherche spirituelle obligatoire pour les artistes russes - peintres d'icônes, réalistes, artistes d'avant-garde. Bien qu'il soit d'usage de séparer clairement la peinture d'icônes pré-Pétrine de la peinture post-Pétrine, le réalisme russe du modernisme russe.
"La Vision d'Eulogius". 1585-1696. Photo : Galerie nationale Tretiakov
Voici, dans une version très simplifiée, l’idée de cette exposition complexe. Pour le mettre en œuvre, les principales peintures russes entrées dans la conscience nationale et les meilleures icônes capables de résister au mouvement ont été choisies. En outre, 47 des 54 objets apportés au Vatican proviennent de la collection de la Galerie Tretiakov, qui, pour la première fois, s'est séparée d'un si grand nombre d'objets parmi les plus demandés par le public. Il n'a pas été possible d'apporter uniquement le principal tableau religieux russe - "L'Apparition du Christ au peuple" d'Alexandre Ivanov : trop grand, trop lourd à soulever - il a été remplacé par une version plus petite du Musée russe.
Isaac Lévitan. "Au-dessus de la paix éternelle." 1894. Photo : Galerie nationale Tretiakov
Il est naturel de se demander à quoi servent les sacrifices et si la peinture indigène vaut la peine d'être testée par une comparaison inévitable avec les grandes valeurs artistiques voisines du Vatican, les principales pour toute l'humanité ? Ne vaudrait-il pas mieux rassembler les icônes, incarnation évidente de la spiritualité russe, dans une exposition soignée et facile à comprendre ? Mais la Galerie Tretiakov a choisi de prendre un risque et on ne sait pas si elle a gagné. La « Voie russe » aura sûrement autant d’opposants que de fans : elle s’est révélée très controversée. L'idée de l'exposition, comme en témoignent les discussions sur les réseaux sociaux, n'est appréciée ni par les conservateurs du sol, convaincus que seule la Russie est sainte, ni par les libéraux occidentaux, qui ne reconnaissent pas son statut particulier. Ces conflits sont également traditionnels et font partie de la mentalité nationale.
Mikhaïl Vroubel. "Démon (assis)." 1890. Photo : Galerie nationale Tretiakov
Il est peu probable que tous deux acceptent l’abandon du principe chronologique de la construction d’une exposition. Ce n'est pas nouveau et bien maîtrisé, mais cela peut sembler un défi si dans un seul espace vous avez besoin de voir le point commun entre « La Procession dans la province de Koursk » d'Ilya Repin et « La Présentation de l'icône de Notre-Dame de Vladimir » de le XVIIe siècle, la « Troïka » hystériquement sentimentale de Vasily Perov et la « Sainte Trinité » angéliquement sereine de Paisius, le « Carré Noir » de Kazimir Malevitch (ils ont apporté un exemplaire d'un auteur tardif) et « Le Jugement dernier » d'une lettre de Novgorod. Mais comme il est intéressant de remarquer ce point commun, en abandonnant l'habitude de croire que tout le XIXe et plus encore le XXe siècle de la peinture russe ne concerne pas Dieu, mais son idée, non pas la foi sincère, mais les doutes et les dénégations ! Si l’exposition ne convainc pas du contraire, elle corrige les idées reçues. Les peintures familières, transférées des salles bondées de la galerie Tretiakov à l'espace haut et harmonieux conçu par le brillant génie de Lorenzo Bernini - l'espace de l'aile Charlemagne de la basilique Saint-Pierre, semblent plus solennelles et plus significatives que dans leur place permanente de résidence et sont compris différemment.
Ivan Kramskoï. "Le Christ au désert" 1872. Photo : Galerie nationale Tretiakov
La peinture russe, considérée comme véritablement descriptive et socialement sensible, dans sa sincérité et son sérieux, se révèle spirituellement et émotionnellement plus proche de la peinture d'icônes que de la peinture moderniste, qui lui a emprunté des techniques formelles. Le garçon de Kuzma Petrov-Vodkin, monté sur un cheval rouge, n’est pas l’emblématique Georges tuant le serpent. Et l'estampe populaire «Trinity» de Natalia Goncharova ne connaît pas l'harmonie de l'unité. Mais les cieux du paysage russe lui-même - « Au-dessus de la paix éternelle » d'Isaac Levitan - ne sont pas vides, et assis au centre de la salle, « Le Christ en prison », une sculpture en bois de Perm brillamment naïve, pleure, semble-t-il, le long de avec Dostoïevski épuisé du portrait de Perov et comme si son dos sent le Démon de Vroubel plongé dans ses pensées.
L'exposition commence avec plusieurs belles icônes, avec le titre promis de l'exposition « La Crucifixion » de Denys, après quoi apparaissent soudain « Voici l'homme » et « Le Calvaire » de Nikolai Ge, autrefois considérés comme presque blasphématoires. Mais cette transition ne semble pas injustifiée. Après tout, les principales peintures russes sont la même spéculation sur les couleurs, l'expression en images de ce qui remplit l'âme, et les doutes font partie de la foi. Le point final de la « Voie russe » est indiqué par une grande et lumineuse icône « Il se réjouit en toi », peinte il y a cinq siècles, et non par le « Carré noir » de Malevitch. L’exposition dans l’état papal ne pouvait évidemment pas s’arrêter là. Mais il restera trois mois au Vatican, puis les principaux tableaux retourneront à leur place, et nous vivrons avec eux et penserons à eux. Et l’expérience de la « Voie russe » peut aider dans ces réflexions.
Musées du Vatican
Façon russe. De Denys à Malevitch
Jusqu'au 16 février 2019