Tatiana Nazarenko est-elle une représentante de l’art « officiel » ?

Tatiana Nazarenko (*1944) - "reine de l'Union des Artistes" parle dans son interview du sort difficile de l'artiste "de gauche" dans l'Union officielle d'hier. Plus d’une fois, ses œuvres furent censurées par des responsables artistiques fidèles et retirées des expositions officielles. On pensait que Nazarenko « défigurait le peuple soviétique ». Aujourd’hui, selon l’artiste, il existe un risque de nouveau manque de liberté. Le marché de l’art commence à dicter à l’artiste « quoi et comment faire ».

Credo:
"Je fais tout le temps la même chose, en variant le même thème - le thème de la solitude. La solitude me semble être l'un des drames humains les plus significatifs. Dans différentes œuvres : dans les grandes toiles historiques, dans les portraits ou les peintures de genre, cela Le thème détermine beaucoup de choses dans mes toiles. Faire réfléchir les gens, les appeler à la sympathie - c'est l'objectif principal de mon travail.

Né, vit et travaille à Moscou.

1968 - diplômé de l'Institut d'art Surikov de Moscou.

1969 - 1972 - travaille dans les ateliers de l'Académie des Arts.

1969 - rejoint l'Union des artistes de l'URSS.

Depuis 1966, il participe à de nombreuses expositions, notamment étrangères.

1976 - Premier prix au concours international des jeunes peintres de Sofia.

1987 - Médaille d'argent de l'Académie des Arts de l'URSS.

1993 - Lauréat du Prix d'État de la Fédération de Russie dans le domaine de la littérature et des beaux-arts.

Ma première connaissance du travail de Tatiana Nazarenko a eu lieu au milieu des années 1970. J'étais alors membre de la section jeunesse de l'Union des Artistes. La jeune historienne de l'art nous a fait part de ses réflexions sur les nouvelles tendances de la peinture soviétique. Lorsque l'image du tableau de Nazarenko «Les partisans sont venus» (1975, ministère de la Culture de la RSFSR) est apparue à l'écran, des exclamations de surprise se sont fait entendre dans la salle. Quelqu'un a immédiatement commencé à attaquer et à critiquer vivement le travail. Sa décision était étonnamment inhabituelle. La scène de la descente des torturés de la potence était représentée comme la descente de la croix sur les toiles des maîtres anciens. Et c'est dans un pays d'athéisme. C'était évident : une personnalité brillante, un artiste sérieux et chercheur était venu à l'art. Très bientôt, Nazarenko deviendra l'un des artistes phares de la génération. Elle recevra des récompenses, des éloges, mais aussi souvent des critiques et des rejets. Première impression. Comme elle est petite. Et en même temps, rayonnant littéralement d’énergie. Et aussi le bleu inhabituellement brillant de ses yeux.

Suis-je si petit ? «Je me suis toujours considéré comme si puissant», rit l'artiste.

Mon père est militaire, ma mère est médecin. Ma grand-mère m'a élevé parce que mes parents devaient constamment vivre dans des villes différentes. Et je vivais avec elle à Moscou.

La grand-mère restera à jamais la personne principale de sa vie. Lorsque Tatiana aura un fils, elle l'aidera à « l'élever ». Nazarenko l'écrira constamment. Dans le tableau « Matin. Grand-mère et Nikolka » (1972, Direction des expositions de l’Union des artistes), elle la représente en train de protéger soigneusement le sommeil de son petit-fils. L'artiste compare deux mondes : le monde sage et bienveillant de la vieillesse et celui insouciant, où chaque jour est une fête et une découverte, celui de l'enfance. Elle écrit avec soin et amour chacune des innombrables rides du visage de sa grand-mère et ses yeux tristes et affectueux.

L'enfance de Nazarenko a été l'enfance normale d'un enfant issu d'une « bonne » famille. École de musique. À l'âge de 11 ans, elle entre dans une école d'art.

- Vos parents ont-ils réagi sereinement à votre choix d'être artiste ?

Ils n’ont pas réagi du tout. Je suis entré dans une école d'art, eh bien, j'étudie et j'étudie. Certes, lorsqu'un de mes amis a dit qu'un artiste devait avoir un mari ou des parents riches, cela l'a alarmé. Ils étaient très inquiets du fait que je ne gagnerais jamais d'argent et que je devrais me nourrir toute ma vie.

Maintenant, après que je sois devenu lauréat du Prix d'État, ils m'ont pris au sérieux. Mais en général, ma mère dit encore parfois qu'il vaudrait mieux que tu sois diplômé d'un institut de radio et que tu sois une personne normale. Il se trouve que la classe de Tatiana à l’école d’art s’est révélée exceptionnellement riche en talents. Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya et Ksenia Nechitailo sont devenues ses camarades de classe et amies. Chacun d'eux trouvera par la suite son style unique, un monde d'images. Aujourd’hui, ils sont tous reconnus comme « maîtres » de l’art des années 1970-1980.

Pour Nazarenko et les artistes de sa génération, la période de formation et de maturation a coïncidé avec une période merveilleuse et inoubliable : la période du « dégel ». C'était une période d'espoir. Une période de véritable renouveau et d’exploration de la culture et de l’art. Je me souviendrai toujours de mes premières rencontres avec l’art moderne occidental. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, des expositions de Pablo Picasso, Fernand Léger et d'artistes contemporains américains, anglais, français et belges ont eu lieu à Moscou et à Leningrad. Des foules de milliers de musées assiégés. Les gens font la queue depuis la nuit.

L'une des impressions les plus marquantes de ces années, se souvient Nazarenko, a été l'exposition « 30 ans de l'Union des artistes de Moscou ». Là-dessus, à côté du célèbre, nous avons vu un art soviétique dont nous n'avions même pas soupçonné l'existence.

On y expose également les œuvres de jeunes membres de gauche de l'Union : Andronov, les frères Nikonov, etc. On les qualifiera par la suite de maîtres du « style sévère ». Ensuite, elle, artiste en herbe, et ses amis ne pouvaient même pas imaginer qu'ils devraient poursuivre la lutte commencée par les « années soixante » pour le renouveau et l'humanisation de l'art soviétique.

Ensuite, il étudiera à l'Art Institute. Sourikov. Déjà pendant mes études, j'ai réalisé que me défendre et défendre ma compréhension de l'art ne serait pas facile.

- « À l'école, puis à l'institut, il y avait une certaine ambivalence par rapport à notre travail. On nous demandait de vivre comme les Vagabonds [...] Voici l'histoire de la rédaction de mon diplôme. thème de la maternité. Je savais avec certitude que je voulais : dans une yourte, deux femmes - une jeune et une vieille - près d'un berceau avec un enfant, personnages lumineux, fond noir. les Mages." la vie, vous ne connaissez pas le bonheur de la maternité. Un fond noir n'est pas possible lors de la résolution d'un tel thème. L'obscurité est un déni. Vous avez beaucoup de matériaux naturels - suivez la nature. " J'ai obéi - le résultat a été un travail que je n'aurais pas fait différemment si je n'avais pas été convaincu. "

Dans sa quête de création d’art « réel », Nazarenko, comme de nombreux artistes en quête de sa génération, se tourne vers les traditions de l’art classique. Ses principaux « professeurs » sont les maîtres de la Renaissance nord-hollandaise. Peu importe jusqu'où les jeunes membres de l'Union allaient dans leurs recherches, il y avait toujours une certaine limite, une limite de permissivité : ils devaient rester dans le cadre d'une peinture figurative réaliste.

- Vous avez reçu une formation académique. L’art réaliste est-il vraiment le vôtre ?

Peut-être que ce n'était pas le mien. À l’époque où j’étudiais, nous ne savions pas que nous pouvions travailler différemment.

- Certains artistes ont trouvé le courage de rompre avec l'Académie et son système. (Je cite l'exemple de la Leningrader Elena Gritsenko, qui a obtenu son diplôme avec succès à l'Académie puis a abandonné sa carrière d'artiste « officielle » et a lié son destin à l'underground).

Cela demande du caractère. J'avais une personne principale - ma grand-mère, que je ne voulais pas contrarier. Et certaines choses - quitter l'institut et autre chose - ne pourraient même pas me venir à l'esprit, car cela signifierait l'effondrement des fondations de ma grand-mère. J’étais ami avec de nombreux artistes underground, j’étais en contact étroit avec Kabakov, Bulatov, Vasiliev, mais je ne pouvais pas me le permettre. De plus, pour plus de réalisme, j'avais plusieurs options.

- Déjà vos premières œuvres apparues lors d'expositions différaient des œuvres habituelles et traditionnelles. Y avait-il une volonté consciente de ne pas suivre les sentiers battus ?

J'ai récemment visité l'Institut Surikov. Je n'en croyais pas mes yeux. Le bâtiment lui-même a été rénové et reconstruit. Nous sommes maintenant au milieu des années 1990. Des peintures et des dessins de l’extrême droite de l’Union y sont accrochés à titre d’échantillons. Il me semblait qu'ils n'existaient plus depuis longtemps. Nous avons appris des autres. Le même Zhilinsky. Avec son aide, nous avons découvert la Renaissance et en avons été impressionnés. De là est née ma passion pour Bosch, Bruegel, Masaccio, Ucello. Leurs œuvres restent pour moi le summum de l’art. Jusqu’à présent, quand vous êtes triste ou que quelque chose ne marche pas, vous regardez comment est peinte l’oreille du « canon » Van Eyck et vous avez immédiatement envie de faire quelque chose de similaire.

Les maîtres du « style sévère » représentaient « une personne ordinaire dans un environnement ordinaire ». Leurs personnages se sont manifestés et réalisés dans le travail quotidien et dans les contacts sociaux. Le héros des années 70 est moins tranché, plus réfléchi. La structure picturale elle-même devient de plus en plus complexe. L'« ouverture » de l'énoncé est remplacée par l'allégorie, la métaphore et l'allégorie.

Nous rencontrons le nouveau héros et cette bidimensionnalité du récit dans les portraits de groupe réalisés par Nazarenko dans les années 1970 (« Mes contemporains », 1973, Musée d'art de Saratov du nom de Radichtchev ; « Soirée de Moscou », 1978, Galerie Tretiakov). Leurs héros sont l'artiste elle-même et son cercle d'amis proches. Son travail est autobiographique et autoportrait. Son propre destin, celui de ses proches et la vie de sa génération deviennent les thèmes phares de l’artiste.

Dans "Moscow Evening", Nazarenko recrée l'atmosphère créative et confidentielle des réunions amicales des jeunes années soixante-dix. Au crépuscule, plusieurs artistes sont assis dans l'atelier. « Le tintement des sept cordes d'une guitare » évoque la réflexion. Devant la fenêtre se trouve Moscou. Au loin, vous apercevrez les tours et les dômes des églises du Kremlin. De l'obscurité émerge la silhouette d'une belle inconnue coiffée d'une perruque poudrée - un personnage de l'un des célèbres portraits russes du XVIIIe siècle.

Dans ces œuvres, les principales caractéristiques du style toujours reconnaissable de Nazarenko sont déjà clairement apparues. Une recréation soignée et amoureuse des signes du monde environnant, rapprochant son œuvre de celle des anciens maîtres hollandais. Exagération grotesque des personnages. Les leçons de Bruegel, de Bosch et du peuple russe « primitif » se reflètent ici. Les critiques accuseront l’artiste de « défigurer le peuple soviétique ».

- "On me dit : les gens dans vos tableaux sont en quelque sorte grotesques. Je ne suis pas d'accord. Nous exagérons toujours nos forces et minimisons nos défauts. Je vois simplement les gens tels qu'ils sont. " Au fil du temps, le thème de la solitude et de la désunion grandit dans l'œuvre de Nazarenko, souvent combiné avec des images de plaisir général, les amis de l'artiste se sont réunis pour une fête, un carnaval (« Fête de Tatiana », 1982, collection privée, Allemagne ; « Carnaval », 1979, Direction des Expositions de l'Union des Artistes). Carnavals, mascarades, fêtes folkloriques sont l'un des sujets de prédilection des « soixante-dix ». C'est une sorte de métaphore du jeu d'acteur et en même temps de la désunion, de la solitude dans la foule et de la recherche du contact avec les autres.

À une époque, l’entrée des maîtres du « style sévère » dans l’art n’était pas facile et provoquait de vifs débats. Puis ils s'y sont habitués, leurs recherches ont reçu une reconnaissance « officielle », beaucoup d'entre eux sont devenus maîtres. La même chose s'est produite à nouveau avec les « soixante-dix » les plus courageux, les plus talentueux et les plus recherchés. Désormais, les attaques des critiques sont devenues leur lot. Les accusations préférées étaient les accusations de « fermeture » et d’« obscurité » de leur travail.

- "Peut-être que si j'étais né une décennie plus tôt, j'aurais été avec Popkov, avec Nikonov. Et les années soixante auraient été les années les plus merveilleuses pour moi. Elles étaient franches... Pourquoi n'est-ce pas clair avec les années soixante-dix ?. .. Le pathos de la dure vie quotidienne a dû disparaître. C'est un changement naturel. La spiritualité, l'isolement, l'écriture sont venus... Cela contrastait avec le héros des années soixante avec la poitrine ouverte : « regarde ce que je suis ! ... Les années 70 nous ont obligés à recourir à l'allégorie : une époque ambiguë, où il semble que tout est permis, et en même temps, non, tout est à nouveau fermé."

Tatyana Nazarenko travaille dans une variété de genres. Et presque dès les premiers pas, il s'est essayé au film historique. La peinture historique ou thématique occupe une place prépondérante dans l'art du réalisme socialiste, comme auparavant dans l'académisme. Il est significatif que, dans l’art soviétique, cela reste le privilège de l’artiste masculin. À partir de « L’exécution de Narodnaya Volya » (1969-1972, Galerie Tretiakov), chaque tableau ultérieur de Nazarenko sur un sujet historique devient un événement. Contrairement aux peintures historiques traditionnelles du réalisme socialiste, qui étaient un exemple édifiant du passé « héroïque », le tableau historique de Nazarenko est devenu un dialogue-réflexion adressé au spectateur-interlocuteur sur le passé et son lien indissoluble avec le présent. , sur l'histoire comme une tragédie de solitude sans cesse répétée. Les héros de l’artiste sont des individus qui ont ressenti avec acuité l’injustice de la réalité environnante, se sont engagés dans la lutte pour la changer et se sont heurtés à un mur d’incompréhension. Son célèbre diptyque « Pougatchev » (1980) parle de cela.

Le rebelle, chef du soulèvement paysan Emelyan Pougatchev, est emmené dans une cage à Moscou pour y être exécuté. L'artiste ne cherche pas à reconstituer l'événement. La scène centrale rappelle les estampes populaires et les oléographes anciens. Un paysage jouet simplifié, des figurines de poupées de soldats en uniformes lumineux. En recourant à cette convention, elle se distancie délibérément, ainsi que le spectateur, de ce qui se passe. Cela s'est produit il était une fois, il y a très longtemps, raconte l'artiste. La deuxième partie est écrite d’une manière complètement différente, soignée, qui n’est pas sans rappeler les « trucs » du XVIIe siècle. Il présente des portraits anciens, des documents et des volumes remontant à l'époque du règne de Catherine II et de la rébellion de Pougatchev. Ce sont des « témoins oculaires » de l’événement. Avec leur aide, chacun peut faire revivre le passé et s'en rapprocher.

- "Mes peintures historiques, bien sûr, sont liées à aujourd'hui. "Pugatchev" est une histoire de trahison à chaque étape. Les associés de Pougatchev l'abandonnent, le condamnant à l'exécution. " La vie même de l’artiste le plus « de gauche », membre de l’Union, était chargée d’une inévitable dualité. Pour être « visible » et participer aux expositions, il fallait faire des compromis d’une manière ou d’une autre.

- Comment avez-vous réussi à rester vous-même tout en montrant votre travail ?

J'ai toujours fait une distinction claire entre ce que j'écris pour moi et ce que j'écris pour les expositions. Ce que j’ai fait pour moi-même était sans aucun espoir de pouvoir un jour le montrer. La première exposition au cours de laquelle j'ai pu montrer au moins une partie de cela a eu lieu en 1975. Une commande est venue et a retiré 3 œuvres. J'ai décidé que s'ils tournaient 5 œuvres principales, je refuserais complètement de participer. Alors peut-être que ma vie aurait été différente. Mais ils ont quitté ces 2 emplois, des logiciels pour moi. Ils ont commencé à parler de cette exposition... En général, je n'ai montré toutes mes œuvres qu'en 1989, lors de ma première exposition personnelle.

Malgré toute la « fermeture » des années soixante-dix, on ressent souvent dans leurs œuvres un désir de contact, une volonté de s'ouvrir à un spectateur attentif et intéressé. L’une de ces peintures « confessionnelles » était le triptyque « L’Atelier » de Nazarenko (1983, Galerie Tretiakov). L'artiste nous fait découvrir le « laboratoire » de sa créativité. Sur le côté gauche, elle se représente assise, dos au spectateur, plongée dans son travail. La partie centrale présente le processus même de la naissance du tableau. Comme sorties de l'oubli, des figures translucides de futurs personnages apparaissent sur la toile. Ils se matérialisent sous nos yeux et acquièrent des caractéristiques spécifiques. De nombreux objets de l'atelier racontent l'artiste, son univers, ses passions. Au mur sont accrochés un moulage du masque mortuaire de Pouchkine, un portrait féminin de Cranach et, bien sûr, une reproduction d’un portrait du « chanoine » Van Eyck, le « principal » professeur de Nazarenko. Sur le bureau se trouvent des livres anciens, une bougie, une icône. Le côté droit montre une fenêtre d'atelier ouverte. Sur le rebord de la fenêtre se trouvent une guitare, des tubes de peinture, une bouteille de solvant. Par la fenêtre, le soir Moscou est clairement visible.

- Avez-vous de la famille, des enfants. Cela a dû être difficile de combiner ces deux rôles ?

- Bien sûr, c'est difficile. J'ai rompu avec mon premier mari parce qu'il m'a donné le choix. C'est justement à ce moment-là que j'ai donné naissance à mon premier enfant... (ici elle soupire, puis rit) C'est très difficile à retenir. A cette époque, j'étudiais dans les ateliers de l'Académie des Arts. Je devais soit m'asseoir avec l'enfant, soit emménager chez ma grand-mère, qui s'occupait de lui. C'est toujours plus difficile pour une femme. Toute ma vie, j'ai été tiraillée entre la créativité et les enfants. Plus d'une fois, les enfants d'écrivains, d'actrices et d'artistes célèbres, dans leurs mémoires à leur sujet, règlent ensuite leurs comptes avec leurs mères pour leur enfance défavorisée, leur reprochant leur concentration égoïste sur leur créativité. Dans « Autoportrait avec son fils » (1977, Ministère de la Culture), à ​​côté de l'artiste dessinant quelque chose dans un cahier, complètement absorbé par son travail, se tient son fils aîné Nikolka. Le garçon regarde attentivement, avec curiosité, une feuille de papier vierge prendre vie sous sa main, se transformant en paysage. Mais la jalousie se glisse aussi dans le regard du fils. Peut-être que l’œil de l’artiste a involontairement enregistré les premiers germes d’un conflit naissant.

- Vos enfants se sont-ils sentis défavorisés ?

Terrible. Il y a environ deux semaines, il y avait une émission télévisée dans laquelle mes enfants étaient interviewés. Il m'a toujours semblé que j'étais tiraillé entre le travail et les enfants, que je leur consacrais beaucoup de temps. L'aîné a déjà 24 ans, le plus jeune 8 ans. Tous deux, indépendamment l'un de l'autre, ont dit que je leur prêtais peu d'attention. Le plus jeune a déclaré qu'il avait été élevé par sa grand-mère : « Et ma mère est une merveilleuse artiste, et la plupart du temps, je vais à ses vernissages. Quel cauchemar. » L'aîné disait qu'il ne voulait pas devenir artiste parce que sa mère passait tout son temps en atelier.

- Il s'avère que si une femme se consacre entièrement à la créativité, peu importe la façon dont elle traite ses enfants, ils se sentent toujours privés

Non, ce n'est pas pardonné. Ils souffrent terriblement. Je n'ai pas planifié ma famille. Les enfants sont toujours créés par hasard. Elle a délibérément donné naissance à son deuxième. Et maintenant, je m'éloigne beaucoup du travail, car je comprends que beaucoup de gens font de l'art, l'art peut se passer de moi, mais lui ne peut pas se passer de moi. Mais il s’est avéré que cela ne lui suffit pas.

Depuis la fin des années 1970, le thème de la vulnérabilité, de la « nudité » et de l’impuissance de l’artiste face au jugement d’un public paresseux et indifférent et de ceux au pouvoir apparaît de plus en plus dans l’œuvre de Nazarenko. Elle apparaît déjà clairement dans l'un de ses meilleurs autoportraits - le tableau "Fleurs. Autoportrait" (1979, Galerie Tretiakov). Presque tout l'espace de la toile est occupé par un bouquet de lys frais et dorés, et au mur se trouve une reproduction d'un tableau de Van Eyck, qu'elle idolâtre. L'artiste se tient collée au bord de la toile, les yeux baissés et les bras mollement tendus, se détournant de ce qui lui plaît tant habituellement et lui sert de constante source d'inspiration.

Ce thème devient le leitmotiv de « The Circus Man » (1984). À une hauteur vertigineuse, au-dessus des toits des maisons, une artiste vêtue uniquement d’un bikini se tient en équilibre « sans filet de sécurité ». Ci-dessous, le public applaudit sa performance risquée. Il s'agit de fonctionnaires de l'Union, habillés formellement : costumes sombres et cravates. Nazarenko confère à ses images des traits de portrait reconnaissables. Sans connaître les circonstances particulières qui ont contribué à l’apparition de cette œuvre, elle pourrait bien être considérée parmi les œuvres liées au discours féministe qui thématisent le rôle des femmes dans la société.

Je ne comprends toujours pas ce mouvement féministe. Pour moi, c'est absurde.

- Votre « Circus Girl » pourrait bien être qualifiée d'œuvre « féministe ».

J'ai un destin créatif heureux. J’ai donc commencé à voyager à l’étranger assez tôt. Et puis, quand ils vous disent tout d'un coup : « Vous n'irez nulle part ailleurs, vous ne verrez rien, vous n'exposerez pas. » Alors j'ai écrit « Circus Girl », c'est quel genre de féminisme ? J'ai été membre de certains clubs de femmes pendant un certain temps. Ce n'est pas intéressant de s'asseoir avec des femmes et de discuter de certaines choses. En Occident, bien sûr, elles ont leurs propres problèmes, mais elles vivent beaucoup mieux après. nous avons acheté une maison dans le village. J'ai compris ce qu'est le peuple russe. Avant cela, je ne le savais pas. Si nous prenons l'Allemagne et l'Amérique à titre de comparaison, c'est un niveau de vie complètement différent, à commencer par les toilettes, les routes, les télévisions, les chiffons. Les femmes occidentales peuvent s'asseoir, discuter, réfléchir à savoir si elles doivent défendre leurs droits ou leurs enfants, ou pour l'écologisation, ou pour la liberté des minorités sexuelles.

- Pour moi, par exemple, la « découverte » d'écrivains et d'artistes oubliés, à qui l'on doit les féministes, était très importante. Le sentiment que les femmes ont une tradition artistique donne confiance.

Je crois que la créativité des femmes est une exception. C'est une anomalie.

- Mais toute créativité, dans une certaine mesure, est une anomalie.

Oui, en principe, la créativité est toujours une anomalie. Et les femmes - dans une mesure encore plus grande. Les enfants en souffrent. Il n’est pas normal qu’une femme n’ait pas d’enfants.

- Si nous parlons d'artistes et d'écrivains, aujourd'hui encore, il leur est beaucoup plus difficile de percer.

Je n'ai jamais été victime de discrimination. Peut-être seulement à l'aube de ma jeunesse, lorsque j'ai eu envie de me lancer dans un atelier monumental. On m'a dit que son chef, Alexandre Deineka, ne voulait pas avoir de filles dans son atelier. Ensuite, Elena Romanova a étudié avec lui. Peut-être que c'était juste une rumeur, et si j'avais été plus persistant, j'y serais peut-être parvenu.

- Les artistes occidentaux sont beaucoup moins susceptibles que leurs confrères de figurer dans des expositions prestigieuses ; les grandes galeries sont encore réticentes à exposer des œuvres de femmes.

Eh bien, qu'est-ce qui est important ?

- Non, plutôt inconsciemment.

Bien sûr, inconsciemment. Parce que, en règle générale, les artistes féminines sont pires. Parce qu'ils n'ont tout simplement pas la possibilité de se réaliser pleinement. Je prouve que les artistes modernes ne sont en rien inférieurs à leurs confrères. Elle est d'accord et arrive directement à une conclusion féministe : - Si l'on crée les mêmes conditions, les femmes ne sont pas différentes des hommes. Mais cela n'est jamais arrivé. Revenons au sujet des enfants...

- Pourquoi pensez-vous qu'élever des enfants n'est que votre tâche ? Pourquoi un homme ne peut-il pas prendre la même part dans cette affaire ?

Il ne peut absolument pas. Quand j’ai donné naissance à mon deuxième enfant, ce n’était pas ce que je voulais. Mais mon mari n'avait pas d'enfants. Il voulait cet enfant. J'ai accouché à 42 ans. J'ai décidé, je vais donner naissance à un enfant et laisser mon mari s'occuper de lui, lui apprendre, le mettre sur des skis. Ce pauvre enfant n'aime que moi. Et donc moi, une malheureuse femme de 50 ans, je dois me lever tôt, faire des exercices avec lui, vérifier les cours, apprendre l'anglais, faire du ski, ce que j'ai peur de skier... Je m'assois dans l'atelier avec grand plaisir , mais que puis-je faire ? il est déjà apparu.

Pourtant, les hommes ont des avantages. Ils sont physiquement beaucoup plus forts et plus résistants.

- Mais les hommes ont aussi une limite physique. L'un établit un record du monde de natation et l'autre joue aux échecs.

Nous avons été élevés dans le but de ne pas être pires que les hommes, plus faibles. Par conséquent, je me suis habitué à être sur un pied d’égalité. Porter moi-même des tableaux, remplir moi-même la toile... Je ne peux en rien céder à un homme. Par exemple, je veux m'asseoir avec d'énormes « choses ». Mais je ne peux pas physiquement le soulever.

- Pourquoi cela doit-il être un travail énorme ?

Mais je ne voulais pas me sentir une femme. J'ai prouvé que je pouvais, comme n'importe quel homme, faire de grandes choses lorsque, par exemple, j'écrivais trois par trois.

- Alors, vous aviez d'une manière ou d'une autre le sentiment d'être secondaire ?

Oui bien sûr. J'étais très intéressé par les armes. J'ai écrit des images avec des armes. Je ne voulais vraiment rien céder.

Je me souviens que lorsque j’étais membre du comité d’exposition, en règle générale, il était possible de deviner qu’il s’agissait d’œuvres de femmes. Peut-être quand l’artiste n’a pas cherché à le cacher. Ce n'était ni pire ni meilleur. C'était différent. En règle générale, de petites œuvres, des portraits d'enfants ou quelque chose en rapport avec des jouets ou des natures mortes. Quelque chose d'un peu plus tendre.

- Probablement parce que la vie des artistes féminines est quelque peu différente de celle de leurs collègues masculins. Un homme peut se permettre d'abandonner complètement les soucis quotidiens, la responsabilité d'élever ses enfants et de se consacrer entièrement à la créativité. Ainsi, tout cela repose sur les épaules des femmes. Et la situation sociale de l’artiste détermine dans une certaine mesure l’éventail de ses thèmes. Comme vous l’avez déjà dit, « la vie quotidienne détermine la conscience ».

Oui bien sûr.

- Aujourd'hui, l'artiste a la liberté, même si la liberté absolue n'existe bien sûr pas. Tu peux faire ce que tu veux.

Dans une certaine mesure, je me suis toujours senti libre. J'avais beaucoup d'œuvres dont je savais avec certitude qu'elles ne quitteraient jamais les murs de l'atelier. Désormais, tout est dicté par le montant d’argent. D'un manque de liberté, vous vous retrouvez dans un autre. Si vous avez de l’argent, vous pouvez louer n’importe quelle salle et exposer ce que vous voulez. S’ils ne sont pas là, vous ne publierez rien. Je peux faire ce que je veux dans l'atelier, mais personne n'en a besoin. J'ai complètement perdu tout intérêt pour l'art. Peut-être que ce n’était pas là avant, mais il y avait une sorte d’apparence. Si maintenant mon enfant voulait devenir artiste, je le frapperais avec un bâton en lui disant : ne deviens pas artiste... Mais avec mon premier enfant, je voulais vraiment qu'il devienne artiste. Maintenant, nous sommes devenus des serviteurs. Personnellement, j'ai envie de servir les riches lors de présentations et de fêtes. Depuis quelque temps, dans notre société, nous sommes placés dans une situation tellement anormale que nous sommes l'élite, que nous sommes capables d'influencer quelque chose. Les poètes lisent leurs poèmes devant des milliers de personnes. Dans la cabine du camion, on pouvait voir des photos épinglées.

- Autrefois, un bon livre, un film, une peinture était un souffle de liberté. Et maintenant, les gens ont d'autres valeurs et opportunités. Ils peuvent voyager, faire du shopping. Il s’est avéré que tout le monde n’a pas besoin d’art ; au contraire, peu de gens en ont besoin. Mais il ne s’agit peut-être que de processus temporaires.

Je suis un mauvais philosophe, je ne sais pas combien de temps il faudra pour que les gens s'intéressent à l'art et à quel point ce sera intéressant. Désormais, c’est le galeriste qui dicte. Ils conseillent quoi et comment faire. Dans tout contrat, même les dimensions des tableaux sont précisées. Parce que les bourgeois ont des murs de cette taille. Cela devrait être quelque chose d’agréable à l’œil. Mon mari me dit que j'ai besoin de quelque chose de brillant et commercialisable.

- Vous et moi étions contemporains du « dégel ». Nous avons grandi à cette époque. Aujourd'hui, nous avons le privilège d'assister à la perestroïka. Est-il possible de comparer d'une manière ou d'une autre l'atmosphère et les sensations de cette époque avec ce qui se passe sous nos yeux aujourd'hui ?

Beaucoup de gens n’ont pas réussi ce test : tout était permis, voyager et autre chose. Nous communiquions davantage, étions plus francs. Après les tentations provoquées par la perestroïka, les gens ont changé. Et, en général, dans une certaine mesure, je pense qu'ils étaient meilleurs avant. L'exposition personnelle de l'artiste (1989) a été présentée non seulement en Russie, mais aussi en Occident : en Allemagne, en Amérique. Il a été accueilli avec un grand intérêt par le public et les critiques étrangers. L'artiste a acquis la renommée de « Reine de l'Union des Artistes ». Pour certains « nouveaux » critiques russes, prêts à tout remettre à plat et à détruire « jusqu’au sol » dans la lutte pour l’art « contemporain », l’exposition de Nazarenko était l’une des raisons pour régler ses comptes avec les années soixante-dix. L'un d'eux a déclaré : « En général, l'exposition a démontré l'épuisement historique de la peinture des années 70 et est devenue une sorte de rupture avec leur créativité brillante mais éphémère. »

- "Je ne me sens pas comme une génération perdue. Nous avons réussi à goûter à la liberté pendant le « dégel ». Et dans l'intemporalité de Brejnev, nous avons essayé de montrer lors des expositions ce que nous pensions : soit directement, soit à travers des allégories. Mes peintures ont été davantage retirées des expositions. plus d'une fois. "Pugacheva" trois fois..."

La concentration excessive sur ses griefs et ses incompréhensions fut l’une des raisons de la crise de la créativité de l’artiste, qui dura plusieurs années. Les unes après les autres, des peintures commencent à apparaître, rappelant de plus en plus les fantasmogories de Bosch. Dans ceux-ci, les responsables de l'Union et le « public indifférent » se sont transformés en créatures laides, mi-humaines, mi-animaux, tourmentant l'artiste. Cependant, Nazarenko n’a jamais été une personne indifférente, centrée sur elle-même. Sous ses yeux, les espoirs associés à la perestroïka se sont transformés en inflation et en appauvrissement. Des vieilles femmes sont apparues dans les rues, vendant leurs derniers biens, des mendiants et des sans-abri. Elle a répondu à ce qui se passait autour d’elle avec sa « Transition ».

Le passage souterrain du métro est aujourd'hui un refuge pour les sans-abri et les réfugiés. Ici vivent des vendeurs de journaux et de fleurs, des musiciens, des mendiants et des personnes handicapées. L'artiste l'a « transporté » dans les salles de la Maison Centrale des Artistes et a confronté le spectateur aux moins fortunés, aux défavorisés, et l'a forcé à scruter les visages de ceux qu'il s'était plus d'une fois empressé de passer dans « le impatience de son cœur. Et bien sûr, comme dans beaucoup de ses œuvres, parmi les autres personnages, il y a l'artiste elle-même.

La transition est à la fois l'état de la société post-soviétique d'aujourd'hui, qui va on ne sait où, et c'est aussi une nouvelle étape intéressante dans le développement créatif de Nazarenko.

Devant nous se trouve la peinture sculpturale - la deuxième réalité, la réalité de l'art. L’artiste maintient la mesure nécessaire de convention et de distance. En y regardant de plus près, les figurines se révèlent être du contreplaqué brut et peint. Leur revers n’est pas traité. Les personnages eux-mêmes sont représentés avec une netteté grotesque. Des « figures de transition », selon la juste définition d’un des critiques.

« La Transition » a suscité un vif intérêt parmi le public et parmi les « initiés » et est devenue sans aucun doute l'un des événements culturels les plus importants de ces dernières années. L’artiste confirme une fois de plus sa place dans l’art et « prouve » clairement qu’il était trop tôt pour enterrer les années soixante-dix.

Dans sa "Transition", l'éternelle question russe résonnait à nouveau clairement : "Rus', où te précipites-tu...", la douleur et l'espoir de l'artiste s'expriment...

1 centime. par : Lebedeva, V. Tatiana Nazarenko, M., 1991.
2 Citation. par : Efimovich, N. « On dit que je défigure le peuple soviétique... » V ; « Komsomolskaïa Pravda », 21 décembre 1991.
3 Cité par : Lebedeva, V. Décret. op.
4 Cité par : Efimovich, N. ibid.
5 "Art", 1989, L" 8, 76.
6 Cité. de : Efimovitch, N. ibid.

Tatiana Nazarenko a largement assez d'insignes : lauréate du Prix d'État, membre titulaire de l'Académie des Arts, membre du présidium de cette académie. De plus, cette mondaine a soutenu sa thèse, et ses peintures se trouvent dans les musées les plus prestigieux de New York, Londres, Paris, Berlin, dans notre Galerie Tretiakov, au Musée Russe de Saint-Pétersbourg...

E L’art est devenu un classique. Les œuvres de Tatyana Nazarenko sont à juste titre chères. Mais à la veille de son récent anniversaire, Tatiana... a décidé de parler non pas d'art, mais de son destin, de ses événements et de ses sentiments très personnels.

« Enfant, j'étais une fille anguleuse, timide et maladroite », se souvient l'artiste. «Maman avait toujours peur que je ne me marie jamais. C'est pour cela qu'on m'a donné une telle éducation : danse, musique, dessin...

— Comment es-tu devenu artiste ?

— Au début, il y avait une école de musique. Et c'est seulement alors que je suis entré à l'école d'art de l'Institut Surikov. Les enfants qui y entraient suivaient une formation spéciale et étudiaient avec des enseignants pendant plusieurs années. Je ne connaissais même pas le sens des mots « nature morte », « paysage », « aquarelle », « peintures à l'huile ». Avant l'examen de peinture, le professeur m'a tout expliqué de manière simple. Ensuite, je suis allé à l'université. Après avoir obtenu son diplôme en 1969 avec des notes « excellentes », elle entre dans l'atelier de l'Académie des Arts. Après un certain temps, parmi un très petit nombre de collègues expérimentés, elle s'est vue offrir un voyage d'un mois en Italie.

- Comparez-vous maintenant avec celui des années 70. Qu’aimeriez-vous rapporter du passé ? Peut-être que j'ai soif de vivre ?

- Rien! J'ai déjà soif de vivre. J'ai l'impression d'avoir 30 ans, voire 25 ans ! Même si nous avons découvert beaucoup de choses sur nous-mêmes quand nous étions jeunes. Ils déambulaient comme des êtres vivants dans tous les musées et expositions. Fatigués, nous sommes allés au distributeur automatique, avons bu quelques boissons portveshka pour 40 kopecks, avons ri, sommes retournés aux ateliers de Surikov et avons écrit comme des animaux. Après le « rouge », mes pensées sont devenues plus audacieuses et plus aiguisées.

Plus tard, j’ai commencé à m’inquiéter de beaucoup de choses, par exemple de la contradiction entre l’homme et le pouvoir. Parmi les condamnés à pendaison se trouvait Sofya Perovskaya, que j'ai peinte d'après une photographie de Natalia Gorbanevskaya, et l'homme sage et barbu à côté d'elle sur l'échafaud est Andrei Sinyavsky, écrivain et philosophe expulsé d'URSS. Personne n’en savait alors. Je ne pouvais pas m’opposer ouvertement au système ; je ne voulais pas apporter un autre chagrin dans la maison. Le mari de ma grand-mère, mon grand-père, a été abattu en 1937...

« Volonté du peuple » a longuement visité diverses expositions : de l'exposition de la ville de Moscou à l'exposition de toute l'Union. Pour cela, j'ai reçu un prix du Komsomol. Avant même de prendre l’argent entre mes mains, j’ai décidé de le boire. J'ai invité des amis à m'aider à le faire. "Komsomol - jamais!" Et tous les amis, ainsi que le professeur Dmitry Zhilinsky, ont unanimement refusé de boire avec cet argent. "Eh bien, viens à mon anniversaire, le 24 juin", je n'étais pas perdu. Nous nous sommes gavés des tartes de grand-mère. Je me souviens de ce prix du Komsomol comme d'une gifle de la part d'amis.

— Quel genre d'incident s'est produit avec le tableau « Les Partisans sont venus », qui a été retiré de l'exposition parce que Lénine a été vu mort à côté de la potence ?

— En fait, il y avait là l'artiste Viktor Popkov, qui a posé pour moi. Les affirmations de la commission étaient donc absurdes, même si Victor portait une moustache et une barbe pour ressembler au leader de la révolution. J'ai dû me couvrir le visage avec un foulard sur la photo. Je l'ai fait et je le regrette. Après cet incident, Popkov a été presque immédiatement tué accidentellement dans la rue lors d'une attaque de bandits contre des collectionneurs. Une sorte de mysticisme. Mes « Partisans » se trouvent maintenant dans la galerie Tretiakov. Je me demande, ne devrais-je pas remettre le visage de l’artiste à sa place, puisque c’est arrivé ?!

—Avez-vous eu beaucoup de conseillers dans votre vie ?

— J'avais une grand-mère très sage. Elle m'a beaucoup conseillé, mais je me suis marié contre son avis, même si je l'adorais. « Si tu l'épouses, je mourrai », c'est ainsi qu'a réagi ma grand-mère lorsqu'elle a reconnu mon premier marié. "D'accord, grand-mère, je ne sortirai pas, mais ne meurs pas." Et puis, en regardant la nuit, ma grand-mère a dit : « Je ne mourrai pas, fais ce que tu veux.

— Elle avait l'air d'apprécier son deuxième mari ?

- Oui, grand-mère aimait les hommes beaux et pragmatiques. Alexander avait sa propre entreprise et, en plus, m'a beaucoup aidé dans mon travail. Peintures conçues et vendues. Sasha a découpé les contours en contreplaqué épais de 130 tableaux. C'étaient des silhouettes que j'apercevais dans les passages, c'étaient des gens de caractères différents, un échantillon social direct de la société. Les gens en transition des années 90 sont des intellectuels, des employés de bureau, des retraités soudain devenus mendiants. Ils étaient unis par l'inquiétude, l'instabilité, ils se sont retrouvés par-dessus bord. C'était une période de transition dans notre société.

— Ce sujet est-il épuisé ?

— En partie, bien sûr, oui, même si les gens sont devenus différents, moins grossiers. La génération a changé en 10-12 ans. Sasha et moi avons rompu et j'ai appris à le couper moi-même, même si « tricher » est déjà une étape dépassée.

-Pour toi, qu'est-ce que l'amour ? Habitude, mouvement interne, maladie ?

- Non non. Je ne sais pas ce qu'est l'amour. C'est peut-être une dépendance envers un seul homme. J’ai aimé mon premier et mon deuxième mari et je ne comprends pas comment on peut vivre avec un homme sans amour. Même si j'attends toujours l'amour, je l'attends avec impatience. Pour moi, la notion de « mariage arrangé » est impossible. Je ne fais rien par calcul.

"Vous ne peignez pas du tout de tableaux sur l'amour charnel, même si je soupçonne que les relations amoureuses avec les hommes font partie de votre vie."

"Je ne connais pas la vraie vérité sur l'amour et le sexe." Tout se passe tout seul. Mais plus je vis, moins je sais comment commencer des romans, comment les terminer sans danger pour l’un et l’autre. Contrairement aux conseils des magazines féminins sur papier glacé, j'aime appeler en premier les hommes, surtout les plus beaux. Je me le reproche souvent. Le manque de romance chez la jeunesse affecte. J'ai eu une liaison avec un homme qui était de plusieurs années plus jeune que moi. Je viens de rentrer d'Allemagne, j'ai acheté beaucoup de vêtements - à la mode et différents, et, sans défaire mes valises, je me suis précipité à Pitsunda. J'ai rencontré un jeune homme dans le train. Donc pendant toutes les vacances je n'ai jamais défait cette valise. Il n’y avait pas de temps pour les vêtements à la mode.

- Eh bien, si l'amour se reproduit, es-tu prêt pour cela ? Et si un homme veut avoir un enfant ensemble ?

"Je rêve moi-même d'une fille." Maintenant, tout peut m'arriver. Je suis une femme forte et en bonne santé. Il y a beaucoup de femmes dans le monde qui accouchent facilement à mon âge. J'ai récemment passé un test et mon corps ressemble à celui d'une femme de 30 ans. Savez-vous quel âge j'ai maintenant ? J'ai plusieurs années...

— Pour élever un enfant, il faut de la santé et de l'argent. Imaginez que la peinture ne soit pas demandée. Comment gagneriez-vous de l’argent ?

- On ne sait jamais. Je n'ai peur de rien et j'ai une attitude normale envers le travail physique. Je peux tout faire : cultiver des légumes dans une serre et les vendre aux voisins. Après tout, je peux chanter dans les boîtes de nuit appartenant à des amis.

-Es-tu une bonne femme au foyer ? Aimez-vous votre maison?

— Je suis très attaché à certaines choses, j'adore les meubles anciens. J'adore la vaisselle blanche et bleue. J'apporte des décors d'Allemagne, d'Italie et de République tchèque. Je n'achète que des antiquités. J'aime régaler mes invités avec de bonnes assiettes. Après être parti, je comprends l'inutilité de l'idée : ils cassent la vaisselle. Je n’ai pas l’habitude de recevoir des cuisiniers, donc je peux préparer le dîner rapidement, j’aime faire des tartes. Cela se fait rapidement, car ma famille et moi sommes indifférents à la nourriture, même si je reconnais la cuisine comme une forme d'art, mais je ne vais pas au-delà d'une côtelette avec des oignons et des pommes de terre. J'aime mariner moi-même le saumon norvégien ; je mets simplement un morceau de poisson dans de la saumure (sel et sucre) pendant exactement trois heures - et je le mets à table. Je peux conserver des concombres avec de l'ail, des tomates et des courgettes. Je suis heureux lorsque ma production est appréciée par les invités. Et lors des grandes fêtes, je peux faire un gâteau Napoléon selon la recette de ma grand-mère. Sept couches de gâteau sont remplies de crème anglaise - et sous charge pendant un jour et demi à deux jours.

- Le dimanche, toute ta famille se met à table, tu prends un verre ?

- Non, ni mon premier mari, ni mon second, ni mes enfants ne sont totalement non-buveurs. Et je l'adore moi-même ! Mais vous ne boirez pas seul.

- On dit de toi que tu es fait d'acier solide - tu peux percer tout ce que tu veux.

- Ce n'est qu'une apparence !

Interviewé par Anatoly MELIKHOV

Photos utilisées dans le matériel : ANATOLIYA MELIKHOVA

Elle a travaillé sous la direction de Korzhev.

Le genre présente un grand intérêt pour le chercheur

peintures avec autoportraits de T. Nazarenko. Il y a beaucoup de controverses autour de cet artiste. Certains voient dans ses œuvres une rationalité et un calcul sobre, d'autres y voient une obsession ardente, une passion créatrice vivante.

Fleurs. Autoportrait. 1979

Il nous semble qu'ils contiennent les deux. Et cela se manifeste particulièrement clairement et avec acuité dans les peintures de Nazarenko, parmi lesquelles un autoportrait. Et presque toutes ses peintures l'incluent, y compris les peintures historiques (« Exécution de Narodnaya Volya », « Les partisans sont venus »). Le rôle de l'autoportrait semble particulièrement actif et efficace dans les tableaux « Mes contemporains », « Conversation », « Jeunes artistes », « Grand-mère et Nikolka », « Réveillon du Nouvel An », « Tea Party à Polenov ». Chacun d’eux révèle, ou du moins pose, des problèmes très importants de l’existence humaine. Il y a ici des réflexions difficiles sur le sens de la vie et de la créativité, le changement de génération, l'inévitabilité de la mort, etc. Nous pensons que dans chaque cas, Nazarenko a présenté une partie intime de sa vie personnelle, sa propre biographie (oui, c'est apparemment l'affaire) . Nous pensons que chaque situation est non seulement bien pensée, mais aussi profondément vécue et endurée. C’est pourquoi les autoportraits inclus dans ses peintures sont considérés comme allant de soi, comme partie intégrante de la composition. L'inclusion d'un autoportrait dans le tableau est devenue un besoin créatif nécessaire pour Nazarenko. « Dans l'un de mes... tableaux « Après les examens », craignant que mon autoportrait ne soit un peu fatigué, ou plutôt qu'il ne corresponde tout simplement pas à la situation donnée (un groupe d'étudiants), même si je me sentais en au bon endroit là, j'ai essayé de peindre un personnage différent. Ce fut un remplacement douloureux et très insatisfaisant », se souvient l'artiste.

Malgré tout cela, il convient de noter que chacun des autoportraits inclus dans les peintures de Nazarenko vit dans un espace psychologique particulier, isolé des autres personnages. Nous ressentons en eux non pas tant un participant direct à l'événement représenté, mais plutôt un personnage particulier regardant leurs partenaires, non pas avec indifférence, mais toujours avec un regard extérieur. L'héroïne, dotée des traits d'un portrait d'artiste, réfléchit toujours. Parfois son regard est tourné vers nous. Exactement comme dans les compositions mentionnées ci-dessus des maîtres de la Renaissance. Et il pose la même éternelle question : « Qu’en pensez-vous ?

Pougatchev. Diptyque.

Dans le diptyque « Pougatchev », un conflit aigu et un moment dramatique sont choisis : Emelyan Pougatchev est emmené dans une cage vers le lieu d'exécution à Moscou. Et ce n’est pas n’importe qui qui a de la chance, mais le jeune Souvorov. Mais quel est cet étrange spectacle qui se déroule sous nos yeux ? Les soldats sans visage, élégamment habillés, ressemblent à des jouets hétéroclites. Et Suvorov sur un cheval blanc ressemble à une poupée ; toute son apparence ressemble tellement à ses innombrables images qu'il semble privé de traits individuels et devient un signe, un schéma. Et son cheval ne marche pas, mais semble flotter dans les airs, et ses mains fragiles et sans vie ne tiennent pas les rênes du jouet... Et aussitôt toute cette histoire prend les traits d'une fantasmagorie, et ce ne sont plus les gens qui commettre certaines actions, mais certaines marionnettes participent à une sorte de jeu qu'elles n'ont pas inventé.

La structure picturale de cette toile est également volontaire, rappelant l'oléographie peinte. Les nuages ​​​​flottants sont très dodus, et la couleur dorée des collines et des bâtiments lointains est extrêmement épaisse, et les costumes bleu-rouge-blanc des soldats et la silhouette de Pougatchev en chemise rouge planant au-dessus de leurs têtes sont écrits ouvertement, des tons extrêmement contrastés...

Et la deuxième partie du diptyque, enfermée dans le même cadre, est complètement différente. Il s’agit d’un long panneau vertical, peint dans la tradition du trompe-l’œil du XVIIIe siècle. Des coloriages sombres « de musée », des papiers soigneusement écrits cachés derrière un ruban, plusieurs portraits datant de l'époque de la révolte de Pougatchev, un morceau de vieux brocart, plusieurs livres, une bougie fondue dans un bougeoir... Tout est très sérieux, soigneusement écrit, tout semble porter une fine poussière d'époques passées, des traces du contact des personnes qui ont créé ces choses.

Décembristes. Soulèvement du régiment de Tchernigov. 1976

Il n’y a aucune expérience momentanée dans les peintures historiques de Nazarenko. Nous regardons des événements de longue date à travers le temps, et tout ce qui se passe semble s'alléger, se figer, s'éloigner de l'adversité quotidienne et acquérir la clarté et l'exhaustivité d'un symbole.

La même dualité est présente dans ses portraits de groupe. Leurs personnages sont des portraits reconnaissables, les collisions sont crédibles :

Premier été. 1987

vacances de jeunesse, conversations dans l'atelier... Et en même temps, il y a quelque chose de mystérieux en eux, transformant les scènes du quotidien en fantasmes romantiques. Ainsi, le passé et le présent se rejoignent étroitement dans le triptyque « Vie » (1983).

Et encore une fois, l'artiste matérialise les pensées et les sentiments, représente les objets qui évoquent ces pensées. Dans les trois toiles qui composent la composition du triptyque, on retrouve une grand-mère, déjà très âgée, ridée, soutenant sa tête grise de ses mains fermées. Et sa vie défile devant ses yeux. Mais T. Nazarenko n'aurait pas été fidèle à elle-même si les réalités tangibles et physiques n'avaient pas convergé dans le monde qu'elle dépeint. qui ne sont visibles qu'au regard spirituel, si la frontière entre le passé et le présent n'était pas instable...

Anna Semionovna Abramova est décédée à Moscou à l'âge de 89 ans, après avoir vécu assez longtemps pour voir le travail de Tanya reconnu, après avoir vu ses photographies sur les couvertures de magazines, les reproductions de ses œuvres dans des livres.

Les œuvres de T. Nazarenko contiennent le pouvoir de persuasion et la capacité de traduire ses idées en images à part entière. Voici un œil aiguisé et une envolée d'imagination, les reflets de notre contemporain et l'éternel désir d'amour et de compréhension mutuelle. Et il y a aussi l'idée dans ses œuvres que ces contacts ne sont pas si simples pour une personne moderne. Et c’est pourquoi si souvent, dans les tableaux de Nazarenko, les personnages proches sont si éloignés les uns des autres et les mains tendues pendent en l’air.

Quoi qu'elle écrive - et l'éventail de ses sujets est inhabituellement large, elle travaille avec la même intensité sur une peinture historique et sur des scènes de vacances de jeunesse, sur un portrait, un paysage, une nature morte - elle apporte dans ses œuvres quelque chose d'insaisissable et sans aucun doute faisant ils sont le produit de notre époque, la façon de penser de notre contemporain. Le spectateur sent le temps palpiter dans son art.

T. Nazarenko fait partie des artistes dont le talent s'est révélé dans les années soixante-dix. Des individus créatifs brillants se sont développés et ont mûri au cours de ces années. Les difficultés ont brisé les faibles et renforcé les forts. Tatyana Nazarenko fait partie des plus fortes.

Grande fenêtre. 1985

Le tableau « Grande fenêtre » (1985) de l'artiste moscovite T. Nazarenko est significatif, car il soulève de graves problèmes moraux liés à notre époque actuelle. Ici, le problème de la conscience de soi, du bien-être de l'homme moderne dans le monde qui l'entoure, du contact émotionnel avec la réalité, avec la nature, avec le monde objectif, est résolu comme par contradiction : au lieu du silence, de la paix, de la clarté, de l'harmonie qui ennoblit l'âme - tension froide, rigidité, disharmonie des contrastes, incompatibilité frappante spirituelle et matérielle, soulignée par l'image d'un mannequin creux sur le rebord de la fenêtre, le vide effrayant du monde objectif, l'inconfort de l'existence humaine dans cet environnement. Dans l'impartialité dure et nue d'un autoportrait (un visage fatigué et pâle reflété dans le miroir, un regard sans étincelle d'inspiration), dans les couleurs froides et les lignes sèches du paysage qui s'ouvre devant la fenêtre, dans le choc indifférent des Usine de Moscou, nouveauté industrielle et antiquité du Kremlin, dans les multiples accessoires du travail artistique quotidien.

Un jour, Tatiana Nazarenko - et elle vit chaque été dans un village près de Toula - est tombée sur un séchoir à grains abandonné. J’ai demandé à mon mari de prendre une photo : on ne pouvait pas imaginer un symbole plus brillant de l’ère soviétique ! J'ai décidé d'utiliser définitivement le séchoir à grains dans l'installation sur toile.

— Malheureusement, j'ai commencé à comprendre le même Ilya, qui réalise ses installations depuis longtemps. C'est bien plus intéressant que de simplement dessiner. J'y arrive maintenant.

Pour se consacrer à la vraie peinture, il faut un état d’esprit et un pays différents. Récemment, j'étais dans un grand musée européen. Et je me suis surpris à penser : je vais venir au village maintenant, prendre une toile et écrire avec plaisir entre arroser les lits. Et puis je me suis ressaisi : bon, j'écrirai, mais et ensuite ? Attendre un acheteur ?

- Mais qu'en est-il de l'inspiration, celle où il est impossible de respirer ?

— Oh, je n'aime pas le mot « inspiration ». Je ne peux pas dire qu’il soit impossible de vivre sans toucher à la toile. Peut être. Mais le processus créatif est toujours un peu différent de ce qu’ils disent et écrivent.

— A en juger par votre contreplaqué « Portrait de Catherine II », récemment présenté au Nouveau Manège, avez-vous complètement changé la peinture traditionnelle ?

- Il ne s'agit pas de trahison. L'artiste doit abandonner sa perception du monde. Et c’est exactement ainsi que je perçois notre réalité à la fin des années 90. C’est pourquoi je ne peins pas de portraits de « nouveaux Russes ». C'est seulement intéressant d'écrire là
robes en soie. Les visages n'expriment rien. Par conséquent, même si j’écris maintenant quelque chose spécifiquement pour la vente - vous ne pourrez pas très bien vivre avec une pension d’académicien de quelques centaines de roubles - ce sont des natures mortes. Fleurs. Il arrive que je vende mes anciennes œuvres préférées. Mais pas « Pougatchev », que les responsables soviétiques ont retiré des expositions.

Fille de cirque. 1984

— Pourquoi alors as-tu vendu ta fameuse « Circus Girl » ?

- C'est mon mari. J'étais alors en Amérique. Et quand il m’a appelé et m’en a parlé, j’étais prêt à le tuer. En général, j'ai beaucoup de mal à me séparer de mes œuvres. Surtout si une foule de tantes modernes gazouillantes arrive, fouillant dans les œuvres et essayant de faire baisser les prix. L'ambiance d'un bazar demeure. Même s’il semble gênant de refuser, ils viennent parce qu’ils se connaissent.

Un jour, j'ai dû vendre une œuvre contre mon gré. Quand j'ai dit que c'était ma nature morte préférée, une nature morte à la maison, l'un des messieurs qui sont venus m'a dit : "Mais Piotr Ivanovitch peut faire en sorte que vous ne voliez nulle part." Et je devais aller à Paris. J'ai ri : maintenant je suis libre, je vais traverser l'Ukraine. Et ils m’ont répondu : « Mais Piotr Ivanovitch peut s’assurer que l’avion n’arrive pas. » J'étais vraiment horrifié, mon Dieu, qui m'a été amené, un mafieux ?! J'ai donc dû, à mon grand regret, vendre cette œuvre. Le prix élevé ne les a même pas arrêtés.

- Et c'est ainsi que vous célébrez votre anniversaire - avec une sorte de confusion dans votre âme ?

- Je vis comme ça tout le temps. Et au début des années 90, quand le pays s’est effondré et qu’il y avait un sentiment d’inutilité, et en 85, quand je n’avais pas le droit d’aller à l’étranger et qu’il semblait que la vie était finie. Je me souviens aussi du désespoir matinal du début de cette année, lorsque j'ai appris que, sur ordre des autorités, mon inoffensif monument en contreplaqué « Ouvrier et Paysan », qui se dressait à l'entrée du Manège lors de mon exposition, avait été retiré. Certains pensaient qu’il n’y avait pas de place pour lui près du Kremlin. J'ai ressenti ce que j'avais ressenti il ​​y a de nombreuses années lorsque mes peintures ont été retirées de l'exposition. J'ai récemment rencontré l'un de ces responsables des arts. Je ne m’attendais pas à me rencontrer en tant qu’académicien. Il prospère....

Nikolaï EFIMOVITCH.

L'artiste Tatiana Nazarenko a créé sa propre tradition : pour la cinquième année, elle célèbre sa fête - la fête de Tatiana, le 25 janvier - avec une exposition de nouvelles œuvres. La première a eu lieu à la Galerie Tretiakov, l'actuelle "Mon Paris" s'ouvre dans la galerie Manège, dans la Salle Centrale d'Exposition.

Le talent de Nazarenko couvre tous les genres de la peinture. Et on s'attend à des surprises à chacune de ses expositions.

L’année dernière, Nazarenko a créé l’illusion d’un passage souterrain lors de son exposition, le peuplant d’une foule de visages douloureusement familiers. Ses héros semblent être sortis des tableaux pour devenir de « fausses » figures en contreplaqué, comme celles que les photographes de rue placent à côté d’eux. Les sculptures en contreplaqué peuvent être déplacées et échangées. La réception ne nous rappelle que superficiellement le kitsch de la rue. Chaque personnage devient une sorte de portrait social, reflétant exactement les signes du temps. L'exposition « Transition » a déjà visité les États-Unis et poursuit désormais son voyage à travers l'Allemagne.

Tatiana Nazarenko a vécu à Paris l'année dernière au printemps. Sans la cohue touristique, en famille, au rythme normal de la vie citadine. Et, comme elle le dit, elle s’y sentait calme et à l’aise. La nouvelle exposition est le résultat de ce voyage et la poursuite de l'expérimentation de la peinture et de la sculpture sur contreplaqué.

L'artiste parmi ses personnages parisiens.

A chacun son Paris. Nazarenko s'intéressait aux Parisiens. Ses personnages actuels sont des étudiants, des bourgeois, des jeunes fashionistas en petites robes noires, des serveurs, des commerçants, des prostituées, des religieuses, un joueur d'orgue... Devant nous se trouvent des rues de la ville de tous types : de jour comme de nuit, dans un café, dans un se garer, chez un bouquiniste. Et parmi ces sculptures en contreplaqué, comme vous pouvez le voir sur la photographie, l’artiste elle-même se positionne très naturellement.
Si dans « Transition » de l’année dernière vous étiez opprimé par le fond gris, ici les couleurs vives jouent sur des plans colorés. Mais l’appel des expositions ne se réduit nullement à l’opposition. Nazarenko n’est pas enclin à être direct. Elle aime les Parisiens, mais elle ne les flatte pas.

Inga PRELOVSKAÏA

Il est généralement admis qu’elle est l’étoile la plus brillante parmi les artistes russes contemporains. Peintures des collections du Musée russe et de la Galerie Tretiakov et de célèbres collections privées. Lauréat du Prix d'État, membre correspondant de l'Académie des Arts et professeur à l'Institut Surikov. C'est tout Tatiana Nazarenko.

Figurines en contreplaqué représentant des habitants antipathiques des passages souterrains de Moscou, de « faux » monuments à LUZHK0VU avec une pelle, Kirkorov et d'autres installations. provoquant l'indignation des critiques esthétiques. C'est aussi Tatiana Nazarenko,

Saint Pierre sur le projet « 12 bonnes œuvres ».

La XIVe Foire d'art de Moscou « Art Manège » s'est tenue il y a quatorze ans dans la salle centrale d'exposition. C'était un projet très ambitieux, preuve de la viabilité du marché de l'art russe. Mais au départ, l’idée était posée avec une bombe omnivore : l’art de salon coexistait ici avec les stands de galeries prestigieuses. L'éclat kitsch et la pauvreté intellectuelle combinés par Art Manege ont contribué à l'ascension de la star de « Art-Moscou : concours peer-to-peer », organisé à la Maison centrale des artistes. Art Manege a tenté de sauver sa réputation - soit avec l'approbation d'un conseil d'experts, dirigé par un expert de renommée mondiale, Viktor Misiano, soit
en invitant des commissaires (ce qui n'a aucun sens pour une foire), de l'artiste Alexander Yakut au galeriste Vladimir Ovcharenko. N'a pas aidé. Et « Manège » renonce depuis plusieurs années à ses prétentions à l'élévation, représentant tout ce qui existe (plus précisément, ceux qui ont payé pour louer le site). Il y a quelques années à peine, les exposants d'Art Moscou entraient au Manège pour constater l'incompétence de leurs adversaires, défilant avec un regard arrogant. Cependant, en raison de la crise financière et des problèmes douaniers, cette initiative s'est avérée infructueuse. Ainsi, au vernissage actuel, on pouvait rencontrer des militants de l'art contemporain qui, avec une gêne cachée, se demandaient : « Et vous
Que faites-vous ici? Autrement dit, Art Manege, en substance, ne s’est pas amélioré, mais il est resté une plate-forme potentielle pour le marché.

Et cette fois, même pour un expert, il y avait quelque chose à voir. Cependant, le meilleur n’est pas représenté ici par l’art pseudo-moderne, mais par le modernisme et la « seconde avant-garde » des non-conformistes. Meilleur projet « L'art de trois décennies. 1910 - 1930 » est généralement non commercial. Le « Club des collectionneurs d'art » a présenté des objets d'artistes du premier tiers du siècle dernier provenant de collections privées. L'exposition a été réalisée par le président du club, Valery Dudakov, l'un des meilleurs experts du marché des antiquités. Nadejda Lermontova,
Vera, Mikhail... Les noms sont impressionnants, même si les choses ne le sont pas tellement. Et la « Galerie SHPENGLER » (dans une vie antérieure connue sous le nom de « Vieilles années »), connue pour sa collaboration constante avec la Galerie Tretiakov, a montré ses favoris - de l'élève de Burliuk, le futuriste ouralien repentant Viktor Ufimtsev, à l'abstraction underground du Valentin Okorokov des années 60. Comme toujours, "Pan Dan" - avec le sien, Yakovlev et. La nouvelle « Galerie sur Vspolny », appartenant à la « Société pour l'encouragement des arts », également affiliée à la Galerie nationale Tretiakov, a présenté Plavinsky, de qualité tout à fait muséale. Au stand du Nouveau Manège, Lev Melikhov, chroniqueur de l'underground, a exposé ses photographies de manuels.

Eh bien, deux hits de la foire : l'exposition « InArtis » avec des sérigraphies d'Andy Warhol (circulées et non signées, mais réalisées avec la bénédiction de l'auteur) et « Zebra Bliss : anciennement connu sous le nom de « Musée des ex-libris » - ce ne sont pas des ex-libris, mais de magnifiques objets du « nouveau réalisme » français classique » Armand, le graffeur Criqui ou encore Keith Haring, le célèbre « new waver » américain.

En général, cela ne s’est pas avéré gênant. Et les artistes russes vivants étaient représentés par des noms dignes et des œuvres dignes : Tatiana Nazarenko, Klara Golitsyna, Konstantin Sutyagin, Alexander Shevchenko...
Mais que Dieu ait pitié, c'est ce qu'il fallait chercher
sur une superficie totale de 5000 mètres carrés.

Eh bien, si vous voulez des découvertes et de nouvelles impressions, vous obtiendrez toutes les étiquettes de prix et étiquettes de prix. Une foire est comme une foire. D’ailleurs, comme prévu, nos anticonformistes vendaient de plus en plus. La plupart des galeries méconnues du public éclairé ne payaient pas leur stand. Mais contrairement à Art Moscou : la foire Art Manège, elle ne rend pas publics ses résultats commerciaux. Il est timide, n'est-ce pas ?

Fedor Romer.

Des dizaines de toiles, se cachant les unes les autres, étaient entassées contre l'un des murs de l'atelier. Et avant que l'artiste n'ait eu le temps de tourner vers moi son œuvre suivante, j'ai lu son titre, comme si je parcourais la table des matières d'un livre inconnu.

« Mariage ouzbek » - j'ai lu sur une civière. Et pendant que Tatiana Nazarenko déplie lentement la toile, j'ai le temps de me réjouir du thème, me semble-t-il, créé pour notre magazine féminin. Mais voici la photo devant moi. Je regarde, et une sorte d'anxiété incompréhensible m'envahit. Pourquoi? Où? Après tout, il ne semble y avoir rien de tragique sur la toile : près d'un ventilateur bas, des musiciens peints de manière quelque peu parodique appellent les gens à des vacances en famille, à côté d'un garçon maigre et pâle qui couvre de fleurs le chemin qui mène à la maison. A gauche, dans le coin de la photo, se trouvent les invités. Des personnes d'âges différents, de tempéraments différents, perçoivent différemment la célébration à venir : certaines sont ouvertement heureuses, d'autres sont simplement curieuses. Et tout cela est authentique et coloré. Alors, quel est le problème ? D’où vient cette prémonition persistante de malheur ? Peut-être est-ce dû au fond rouge alarmant de l’image ou au visage triste du garçon. disperser des fleurs ? Ou peut-être des invités ? C’est comme s’ils tardaient volontairement à franchir le seuil de la maison préparée pour les vacances.

J'en parle à Tatiana Grigorievna

Oui, lors de ce mariage, dit-elle, un événement tragique s'est produit : le beau-père de la mariée est décédé. Un homme merveilleux qui l'a élevée et éduquée. Apparemment, cette impression douloureuse, à laquelle j'essayais de ne pas penser en travaillant sur le tableau, a eu un effet...

Eh bien, apparemment, pour tout véritable artiste, la vérité de la vie et la vérité de l’art sont indissociables.

Tatyana Nazarenko, diplômée de l'Institut Surikov, a fait ses débuts dans des expositions pendant ses années d'études avec les tableaux « Mère avec enfant » (1966) et « Maternité ». Ce deuxième tableau, peint en 1968, est également l’œuvre de diplôme de l’artiste. La même année, « Le Mariage ouzbek » est créé.

Étudiants.

Dans des œuvres ultérieures, telles que "Jeunes artistes", "Étudiants", "Mes contemporains", "Après l'examen", "Invités dans le dortoir", l'auteur n'est pas tant attiré par l'intrigue que par la profondeur des caractéristiques psychologiques. .

Après examen.

Et pourtant, l’œuvre de Nazarenko « L’exécution de Narodnaya Volya » a reçu la plus grande renommée. La jeune artiste a réussi à sa manière à comprendre le thème tragique de la Narodnaya Volya, dont elle a toujours admiré la hauteur morale.

Cette image résume dans une certaine mesure les années d’études à l’institut, où les professeurs du jeune artiste étaient les célèbres peintres A. Gritsay et D. Zhilinsky. Mais en même temps, elle étudie auprès de maîtres italiens et allemands du début de la Renaissance. N'est-ce pas là que le ciel de « L'exécution de Narodnaya Volya » a la couleur d'une fresque fanée de la Renaissance - bleu clair, bleu clair ? Et dans les portraits des contemporains de Nazarenko, non, non, et il entourera son visage d'un collier. qui rappelle un volant espagnol.

L'artiste est attiré à la fois par le genre, le portrait et la composition historique. Mais elle a des peintures que l’on perçoit comme de la poésie, comme de la musique. L'essentiel chez eux est l'ambiance. L'une de ces peintures est « Soirée à Tarusa ». La solitude et la perte se cachent dans de petites maisons éloignées les unes des autres, entourées de pins austères ; la faible lumière jaune d'une lanterne balancée par le vent est agitée. Ce tableau a été peint dans la Maison des Artistes de Tarusa, apparemment un de ces jours. quand le désir de la maison abandonnée l'emporte sur tous les autres sentiments.

"Adieu à l'hiver", "Rencontre avec les invités à la ferme d'État moldave", le récit lyrique "Festivités du Nouvel An", la nature morte "Fleurs dans l'atelier" et "Dans l'atelier" ont été résolus dans une tonalité majeure complètement différente. Pour ses deux dernières œuvres, Tatiana Nazarenko a reçu le premier prix au Concours International des Jeunes Peintres de Sofia

Et maintenant, ses peintures sont exposées en RDA et sont très appréciées du public allemand.

Tatiana Nazarenko, lauréate du prix Lénine Komsomol, est constamment en recherche. C'est la clé de sa réussite. Actuel et futur.

Nazarenko Tatiana Grigorievna

Tatiana Nazarenko

(Né en 1944)

Peintre. Engagé dans la photographie artistique. Peintre portraitiste, paysagiste, peintre de genre, maître de la peinture historique.

En 1955-1962, elle étudie à l'École secondaire d'art de Moscou de l'Institut d'art d'État de Moscou du nom de V.I. Surikov, puis en 1962-1968 à l'Institut d'art d'État de Moscou du nom de V.I. Surikov avec D.D. Zhilinsky.

J'enseigne actuellement dans le même institut.

Lauréat du Prix d'État de Russie, membre à part entière de l'Académie russe des arts.

T.G. Nazarenko est l'un des leaders de la vie artistique des années 1970. La créativité de sa génération se caractérise par l'analyticité, le désir d'une lecture multiforme du sens d'une œuvre, l'accent mis sur l'intonation personnelle et l'ironie.

Le langage de l'allégorie était proche de nombreux maîtres de cette époque. Nazarenko se souvient : « Les années 70 nous ont obligés à recourir à l’allégorie : une époque ambiguë où beaucoup de choses semblaient être autorisées, et en même temps non, fermées à nouveau. »

Elle était particulièrement célèbre pour ses peintures sur des thèmes historiques (« Exécution de Narodnaya Volya », 1969-1972 ; « Décembristes », 1978). Elle y combine documentaire, esprit de témoignage, perspective historique et sa propre idée de l'événement.

L'intérêt pour les différentes étapes de l'histoire et de la culture, les éléments de stylisation et la citation directe d'œuvres célèbres - tout cela rapproche l'art de Nazarenko de l'esthétique du postmodernisme.

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Nazarenko Tatiana Grigorievna

Artiste émérite de Russie, lauréat du Prix d'État de la Fédération de Russie, Prix du gouvernement de Moscou, membre du présidium, membre titulaire de l'Académie des arts de Russie, professeur

Né le 24 juin à Moscou. Père - Nazarenko Grigory Nikolaevich (1910-1990). Mère - Abramova Nina Nikolaevna (née en 1920). Conjoint : Zhigulin Alexander Anatolyevich (né en 1951). Enfants : Nazarenko Nikolay Vasilievich (né en 1971), Zhigulin Alexander Alexandrovich (né en 1987).

Le père de Tatiana Nazarenko, soldat de première ligne, militaire de carrière, a été affecté après la guerre en Extrême-Orient et ses parents sont partis. Tanya est restée à Moscou avec sa grand-mère, Anna Semionovna Abramova. Elle lui montre d'abord ses notes scolaires, puis ses dessins et peintures.

A. S. Abramova est veuve depuis 1937. Son mari, Nikolai Nikolaevich Abramov, a été illégalement réprimé et est mort en détention. Restée seule, elle a travaillé comme institutrice de maternelle, infirmière, a élevé et aidé ses deux filles à poursuivre des études supérieures, a élevé sa petite-fille Tatiana, puis a aidé à élever son fils aîné Nikolai. Grand-mère avait en elle une source inépuisable d'amour, mais il semble que son principal amour était toujours Tanya, qui l'aimait aussi. Anna Semionovna Abramova a vécu dans les peintures de l'artiste Tatiana Nazarenko : « Matin et Nikolka » (1972), « Portrait de A. S. Abramova » (1976), « Souvenirs » (1982), « Vie » (1983), « Puits blancs. À la mémoire de ma grand-mère" (1987).

À l'âge de 11 ans, Tatiana entre à l'école d'art de Moscou. Un cercle d'amis s'y forme rapidement : Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo - futurs brillants maîtres des années 1970. Ce fut une époque orageuse et généreuse, riche en divers événements de la vie culturelle, une époque d'essor de l'art national, de connaissance d'œuvres marquantes des classiques nationaux et étrangers du XXe siècle, jusqu'alors interdites et inconnues des jeunes. .

En 1962, Tatyana Nazarenko entre au département de peinture de l'Institut d'art V. I. Surikov, où ses professeurs étaient D. D. Zhilinsky, A. M. Gritsai, S. N. Shilnikov. Après avoir obtenu son diplôme de l'institut, de 1968 à 1972, elle a travaillé dans l'atelier de création de l'Académie des Arts de l'URSS sous la direction de G. M. Korzhev.

L'art de Tatiana Nazarenko s'est formé sous l'influence des événements mouvementés des années 1960 et des souvenirs des événements tragiques des années 1930. Il combine une attitude pleine de sang, un amour de la vie, la capacité de vivre les événements quotidiens comme des vacances - et une anxiété constante, qui permet de transformer ces vacances en événements étranges et complexes, où tout est vrai et faux, où il y a autant amusant que triste, où se croisent de nombreuses couches de perception, de nombreux espaces superposés les uns aux autres, où le temps est instable, la précision des observations de terrain et l'imagination la plus débridée s'entremêlent.

Le travail de Tatiana Nazarenko comporte un fort élément analytique. Quel que soit le genre de peinture dans lequel elle travaille, le contenu principal de ses peintures s'exprime non seulement et pas tant à travers l'intrigue, mais à travers l'atmosphère spirituelle générale, qui détermine l'état psychologique des personnages, la coloration émotionnelle des paysages, des objets, et le langage plastique de son art. Cette spiritualité de la peinture, combinée à une approche analytique étroite des phénomènes représentés, constitue l’originalité significative des œuvres de l’artiste.

Adéquation au temps, profonde modernité est l’un des traits déterminants du travail de l’artiste. Nazarenko apporte dans ses œuvres quelque chose d'insaisissable, mais qui en fait sans aucun doute un produit de notre époque, la façon de penser de notre contemporain. Le spectateur sent le temps palpiter dans son art.

Ces caractéristiques ont commencé à apparaître dès les premières œuvres indépendantes de l’artiste, dans les recherches multidirectionnelles de ses premières années de troisième cycle.

A la fin de ses études à l'institut, en 1965-1967, Nazarenko voyage en Asie centrale. Le Kazakhstan, l'Ouzbékistan et le Kirghizistan ont déterminé pendant plusieurs années l'éventail des sujets de ses œuvres. Les peintures d'Asie centrale de Nazarenko ("Mère avec enfant", "Maternité", "Samarkand. Cour", "Mariage ouzbek", "Prière", "Garçons à Boukhara") reflètent ses observations vivantes. Mais pas seulement. Ces œuvres semblaient contenir tout le bagage de ses acquisitions étudiantes. Mais ils montrent déjà une autre qualité essentielle du jeune artiste : l'originalité. Sous les formes habituelles de « l’art des années soixante », un contenu différent en émerge. Tout y est beaucoup plus instable et ambigu, ils sont inhabituellement musicaux, des traits primitifs y apparaissent : le désir de supprimer la représentation, d'apporter le sourire, la simplicité et le jeu.

Et ce n'est pas un hasard si immédiatement après la série sur l'Asie centrale, Nazarenko se tourne vers des sujets beaucoup plus proches de lui. Elle peint des tableaux où les personnages principaux sont elle-même et ses amis. La vie d'une génération devient le sujet de son art.

Le début des années 1970 est pour Nazarenko, comme pour la plupart des artistes de sa génération, une période de recherche d'un genre, d'une manière et d'un thème. L'artiste s'essaye à la fois au style primitiviste et au système du néoclassicisme strict, peignant des toiles romantiques, décoratives et ludiques. Au cours de ces années, elle écrit des œuvres aussi diverses que « Exécution de Narodnaya Volya » (1969-1972), « Arbre du Nouvel Athos » (1969), « Dimanche dans la forêt » (1970), « Portrait d'une actrice de cirque » ( 1970), "Adieu à l'hiver" (1973), "Célébration du Nouvel An" (1973), "Matin. Grand-mère et Nikolka" (1972), "Jeunes artistes" (1968), "Mes contemporains" (1973), "Déjeuner " (1970), "Portrait d'Igor Kupryashin" (1974).

Parmi ses héros, vous pouvez presque toujours trouver votre propre image - et une mesure de l'impitoyable vigilance de l'œil, la capacité de mettre l'accent sur ce qui est caractérisé au détriment de ce qui est idyllique et prospère, tout aussi fortement par rapport à soi-même qu'à tout autre. autre modèle.

Les portraits de groupe, conçus comme des peintures de genre, sont caractéristiques en ce sens ("Étudiants", 1969; "Jeunes artistes", 1968; "Mes contemporains", 1973; "Journée brumeuse à Shikotan", 1976; "Après l'examen", 1976). . Leurs personnages sont reconnaissables et ressemblent à des portraits, les collisions sont crédibles : vacances de jeunesse, conversations dans l'atelier... Et en même temps, il y a en eux quelque chose de mystérieux, transformant les scènes du quotidien en fantasmes romantiques.

Les compositions historiques de Tatiana Nazarenko reflètent le point de vue de notre contemporain sur le passé. Ses peintures présentent simultanément le passé et le présent, un événement historique – et notre compréhension actuelle de celui-ci. L'approche même de la résolution du sujet est déjà caractéristique : dans les peintures historiques - « Exécution du Narodnaya Volya », « Les partisans sont venus » (1975), « Le soulèvement du régiment de Tchernigov » (1978), « Pougatchev » (1980). - l'artiste choisit des moments tragiques et culminants, nécessitant la plus haute tension des forces spirituelles des participants à l'action. Le silence et le silence sont ici significatifs.

Le tableau de Tatiana Nazarenko « L'exécution des volontaires du peuple » est apparu à l'Exposition de la jeunesse de Moscou en 1972. La photo a été remarquée par tout le monde, même si tout le monde ne l'a pas acceptée. Il combinait de manière complexe l’adhésion aux modèles de la Renaissance, un penchant pour les réflexions généralisées et un sentiment tragique de vulnérabilité des combattants de la liberté, pour les idéaux spirituels, face à la force écrasante et sans visage de la machine de répression. Pour le tableau « L'exécution de Narodnaya Volya », Nazarenko a reçu le prix du Komsomol de Moscou. En 1976, elle obtient le 1er prix au Concours International des Jeunes Peintres de Sofia (Bulgarie).

La compassion, le sens de la responsabilité sociale - ces qualités se sont ensuite développées et renforcées dans l'art de Tatiana Nazarenko, acquérant des formes d'incarnation différentes, parfois bizarres, entrelacées de motifs de carnavals, de vacances, de festivités, d'autoportraits romantiques, de jeux artistiques. Et partout règne une anxiété invisible et claire, le sentiment que derrière le bien-être précaire de notre vie quotidienne se cache le dur destin des autres générations, leur douleur et leur souffrance.

Nazarenko adore écrire des carnavals. L’une des premières œuvres « carnavalesques » de l’artiste est « Les festivités du Nouvel An » (1973), dans laquelle elle s’efforce de montrer le sens intérieur du carnaval, l’éventail des sentiments divers et assez complexes éprouvés par les personnes rassemblées par hasard.

Au fil des années, l’élément ludique s’intensifie dans le travail de l’artiste. La narration disparaît des œuvres et l'allégorie apparaît. À titre allégorique, il utilise également des réminiscences de l'art du passé - qu'il s'agisse de citations presque directes d'œuvres classiques, de costumes historiques sur nos contemporains ou de la présence d'objets du passé dans des compositions dédiées au présent.

Dans la seconde moitié des années 1970 et au début des années 1980, Nazarenko peint plusieurs portraits de groupe d'amis réunis pour une occasion festive. Il s'agit des tableaux « Réveillon du Nouvel An » (1976), « Soirée de Moscou » (1978), « Carnaval » (1979), « Le jour de Tatiana » (1982), « Septembre à Odessa » (1985) et bien d'autres, ainsi comme celles écrites sur les toiles antérieures "Jeunes Artistes" (1968) et "Mes Contemporains" (1974).

Si dans les premiers portraits de groupe de Nazarenko on pouvait clairement ressentir le silence, la concentration, le désir des personnages de s'entendre, d'écouter la vérité, alors dans les œuvres ultérieures (« Carnaval », « Le Jour de Tatiana », etc.) l'élément débridé du carnaval règne. Les costumes et les poses sont extravagants, l'esprit de la fête possède non seulement les personnes, mais aussi les objets. Cependant, ce sont des vacances sans plaisir, sans communication sans compréhension mutuelle et sans proximité spirituelle. Le thème de la solitude, si important pour l'artiste, est intimement combiné dans son travail avec le thème du carnaval (« Portrait déguisé », 1982).

Il y a des éléments de carnaval dans les peintures « Carousel » (1982) et dans le diptyque « Dance » (1980).

Dans les œuvres de Nazarenko, il y a un désir de contact avec le spectateur, une volonté de s’ouvrir à un regard attentif et sympathique. L'artiste a écrit plusieurs œuvres où elle parle presque directement du caractère confessionnel de son art, de la douleur et de la difficulté de se montrer sans protection, exposé devant le tribunal de l'indifférence universelle (« Fleurs. Autoportrait », 1979 ; « Cirque Fille », 1984 ; « Spectateurs », 1988 ; « Repas », 1992).

L'une des peintures les plus insolites de Tatiana Nazarenko est le triptyque « Atelier » (1983). L'artiste présente au spectateur un véritable atelier dans lequel de véritables tableaux ont été créés (« Le Jour de Tatiana » et « Carnaval »), et en même temps le processus de réalisation de son projet.

Il existe une autre forme de « confession » dans les œuvres de Nazarenko. Dans de telles œuvres, elle n'a pas besoin d'ironie, elle n'a pas besoin de vêtements colorés d'un carnaval : ici, la chose la plus proche et la plus chaleureuse est incarnée... Et presque toujours dans ces peintures il y a une image d'une grand-mère : « Matin et grand-mère. Nikolka", le triptyque "Vie" (1983) et autres . En 1982, le tableau «Mémoires» a été peint, dans lequel l'artiste semblait matérialiser les associations de vie apparues en regardant des photographies anciennes.

Parmi les principales œuvres de Tatiana Nazarenko figurent également : « Home Concert » (1986), diptyque « Happy Old Age » (1988), « Little Orchestra » (1989), « Wreckage » (1990), « Monument to History » (triptyque , 1992), « Time » (triptyque, 1992), « Mad World » (1992), « Spell » (1995), « Homeless » (2001).

Tatyana Nazarenko est une artiste sociale. « J’ai toujours été intéressée par les gens, dit-elle. Je ne peux pas me détourner, je ne peux pas ignorer le malheur des autres. Faire réfléchir, les appeler à l’empathie est le principal objectif de mon travail. Une preuve évidente en est son exposition « Transition » (1995-1996) - une installation de 120 « faux-pas » en contreplaqué peint à taille humaine. Lors de l'exposition, les visiteurs devaient s'arrêter et regarder les visages de malheureuses vieilles femmes, de personnes handicapées, de musiciens errants - tous ceux qu'ils croisent quotidiennement dans les souterrains, mais passent le plus souvent sans s'arrêter pour regarder. L'exposition a été un grand succès (elle a ensuite été vue par des résidents d'Allemagne, des États-Unis et de Finlande) et « Transition » est devenue pour l'artiste littéralement une transition vers une nouvelle étape de la vie, vers un nouvel art.

En 1997, a eu lieu son exposition « Mon Paris », où se trouvaient également des personnages en contreplaqué - des garçons de café parisiens en longs tabliers blancs, des vendeurs de poisson... La même année, une autre exposition de Tatiana Nazarenko - « La Table de Moscou » a eu lieu à à la galerie Marat Gelman, puis au Musée national russe de Saint-Pétersbourg dans le cadre de l'exposition « Art contre géographie ». En mai - septembre 2002, le Musée de Kuskovo a accueilli une exposition de l'artiste « Je suis moi-même heureux d'être trompé... » (L'Art de la tromperie).

Depuis 1966, date à laquelle Nazarenko a montré ses œuvres pour la première fois à la VIIe Exposition de la jeunesse de Moscou, elle a constamment participé à des expositions urbaines et panrusses, à des expositions de beaux-arts en Russie et à l'étranger. Les premières expositions personnelles ont eu lieu à Leverkusen (1986), Brême, Oldenburg, Odessa, Kiev, Lvov (toutes 1987). Depuis lors, les expositions personnelles de l'artiste ont eu lieu à Moscou (la première - 1989), Cologne, Washington, New York, Boston, Madrid, Tallinn, Helsinki et dans d'autres villes. Les œuvres de Tatiana Nazarenko sont conservées dans les collections de la Galerie nationale Tretiakov (Moscou), du Musée national russe (Saint-Pétersbourg), du Musée national des femmes dans les arts (Washington), du Musée national juif (Washington), du Musée d'Art Moderne (Sofia), le Musée d'Art Moderne (Budapest) et d'autres musées d'art du monde entier, dans des collections privées.

Les œuvres créatives de Tatiana Nazarenko ont reçu des prix prestigieux : le Prix d'État de la Fédération de Russie (1993), le Prix du gouvernement de Moscou (1999), la médaille d'argent de l'Académie des arts de l'URSS (1985), la médaille d'or de l'Académie russe des arts. Arts (2005).

T. G. Nazarenko - Artiste émérite de Russie (2002), depuis 1997 - membre correspondant, depuis 2001 - membre à part entière, membre du présidium de l'Académie des arts de Russie ; Professeur du Département de peinture, chef de l'atelier de peinture sur chevalet à l'Institut académique d'art d'État de Moscou du nom de V. I. Surikov (1998). Membre de l'Union des Artistes depuis 1969.

Vit et travaille à Moscou.

Né le 24 juin à Moscou. Père - Nazarenko Grigory Nikolaevich (1910-1990). Mère - Abramova Nina Nikolaevna (née en 1920). Conjoint - Zhigulin Alexander Anatolyevich (né en 1951). Enfants : Nazarenko Nikolay Vasilievich (né en 1971), Zhigulin Alexander Alexandrovich (né en 1987).

Le père de Tatiana Nazarenko, soldat de première ligne, militaire de carrière, a été affecté après la guerre en Extrême-Orient et ses parents sont partis. Tanya est restée à Moscou avec sa grand-mère, Anna Semionovna Abramova. Elle lui montre d'abord ses notes scolaires, puis ses dessins et peintures.

COMME. Abramova est veuve depuis 1937. Son mari, Nikolai Nikolaevich Abramov, a été illégalement réprimé et est mort en détention. Restée seule, elle a travaillé comme institutrice de maternelle, infirmière, a élevé et aidé ses deux filles à poursuivre des études supérieures, a élevé sa petite-fille Tatiana, puis a aidé à élever son fils aîné Nikolai. Grand-mère avait en elle une source inépuisable d'amour, mais il semble que son principal amour était toujours Tanya, qui l'aimait aussi. Anna Semionovna Abramova a vécu dans les peintures de l'artiste Tatiana Nazarenko : « Matin et Nikolka » (1972), « Portrait d'A.S. Abramova » (1976), « Souvenirs » (1982), « Vie » (1983), « Puits blancs. À la mémoire de ma grand-mère" (1987).

À l'âge de 11 ans, Tatiana entre à l'école d'art de Moscou. Un cercle d'amis s'y forme rapidement : Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo - futurs brillants maîtres des années 1970. Ce fut une époque orageuse et généreuse, riche en divers événements de la vie culturelle, une époque d'essor de l'art national, de connaissance d'œuvres marquantes des classiques nationaux et étrangers du XXe siècle, jusqu'alors interdites et inconnues des jeunes. .

En 1962, Tatyana Nazarenko entre au département de peinture du V.I. Surikov, où étaient ses professeurs D.D. Zhilinsky, A.M. Gritsai, S.N. Chilnikov. Après avoir obtenu son diplôme de l'institut, de 1968 à 1972, elle a travaillé dans l'atelier de création de l'Académie des arts de l'URSS sous la direction de G.M. Korjeva.

L'art de Tatiana Nazarenko s'est formé sous l'influence des événements mouvementés des années 1960 et des souvenirs des événements tragiques des années 1930. Il combine une attitude pleine de sang, un amour de la vie, la capacité de vivre les événements quotidiens comme des vacances - et une anxiété constante, qui permet de transformer ces vacances en événements étranges et complexes, où tout est vrai et faux, où il y a autant amusant que triste, où se croisent de nombreuses couches de perception, de nombreux espaces superposés les uns aux autres, où le temps est instable, la précision des observations de terrain et l'imagination la plus débridée s'entremêlent.

Le travail de Tatiana Nazarenko comporte un fort élément analytique. Quel que soit le genre de peinture dans lequel elle travaille, le contenu principal de ses peintures s'exprime non seulement et pas tant à travers l'intrigue, mais à travers l'atmosphère spirituelle générale, qui détermine l'état psychologique des personnages, la coloration émotionnelle des paysages, des objets, et le langage très plastique de son art. Cette spiritualité de la peinture, combinée à une approche analytique étroite des phénomènes représentés, constitue l’originalité significative des œuvres de l’artiste.

Adéquation au temps, profonde modernité est l’un des traits déterminants du travail de l’artiste. Nazarenko apporte dans ses œuvres quelque chose d'insaisissable, mais qui en fait sans aucun doute un produit de notre époque, la façon de penser de notre contemporain. Le spectateur sent le temps palpiter dans son art.

Le meilleur de la journée

Ces caractéristiques ont commencé à apparaître dès les premières œuvres indépendantes de l’artiste, dans les recherches multidirectionnelles de ses premières années de troisième cycle.

À la fin de ses études à l'institut, en 1965-67, Nazarenko se rend en Asie centrale. Le Kazakhstan, l'Ouzbékistan et le Kirghizistan ont déterminé pendant plusieurs années l'éventail des sujets de ses œuvres. Les peintures d’Asie centrale de Nazarenko (« Mère avec enfant », « Maternité », « Samarkand. Cour », « Mariage ouzbek », « Prière », « Garçons à Boukhara ») reflètent ses observations vivantes. Mais pas seulement. Ces œuvres semblaient contenir tout le bagage de ses acquisitions étudiantes. Mais ils montrent déjà une autre qualité essentielle du jeune artiste : l’originalité. Sous les formes habituelles de « l’art des années soixante », un contenu différent en émerge. Tout y est beaucoup plus instable et ambigu, ils sont inhabituellement musicaux, des traits primitifs y apparaissent : le désir de supprimer la représentation, d'apporter le sourire, la simplicité et le jeu.

Et ce n'est pas un hasard si immédiatement après la série sur l'Asie centrale, Nazarenko se tourne vers des sujets beaucoup plus proches de lui. Elle peint des tableaux où les personnages principaux sont elle-même et ses amis. La vie d'une génération devient le sujet de son art.

Le début des années 1970 est pour Nazarenko, comme pour la plupart des artistes de sa génération, une période de recherche d'un genre, d'une manière et d'un thème. L'artiste s'essaye à la fois à la manière « primitiviste » et au système du néoclassicisme strict, en peignant des toiles romantiques, décoratives et ludiques. Au cours de ces années, elle a écrit des œuvres aussi diverses que « L'exécution de Narodnaya Volya » (1969-1972), « L'arbre du Nouvel Athos » (1969), « Dimanche dans la forêt » (1970), « Portrait d'une actrice de cirque ». (1970), « Les adieux à l'hiver » (1973), « Les festivités du Nouvel An » (1973), « Matin. Grand-mère et Nikolka" (1972), "Jeunes artistes" (1968), "Mes contemporains" (1973), "Déjeuner" (1970), "Portrait d'Igor Kupryashin" (1974).

Parmi ses héros, vous pouvez presque toujours trouver votre propre image - et une mesure de la cruauté de l'œil, la capacité de mettre l'accent sur ce qui est caractérisé au détriment de ce qui est idyllique et prospère, aussi fortement par rapport à soi-même qu'à tout autre. modèle.

Les portraits de groupe, conçus comme des peintures de genre, sont caractéristiques en ce sens (« Étudiants », 1969 ; « Jeunes artistes », 1968 ; « Mes contemporains », 1973 ; « Journée brumeuse à Shikotan », 1976 ; « Après l'examen », 1976). . Leurs personnages sont reconnaissables et ressemblent à des portraits, les collisions sont crédibles : vacances de jeunesse, conversations dans l'atelier... Et en même temps, il y a en eux quelque chose de mystérieux, transformant les scènes du quotidien en fantasmes romantiques.

Les compositions historiques de Tatiana Nazarenko reflètent le point de vue de notre contemporain sur le passé. Ses peintures présentent simultanément le passé et le présent, un événement historique – et notre compréhension actuelle de celui-ci. L'approche même de la résolution du sujet est caractéristique : dans les peintures historiques - « L'exécution des volontaires du peuple », « Les partisans sont venus » (1975), « Les décembristes. Soulèvement du régiment de Tchernigov" (1978), "Pugachev" (1980) - l'artiste choisit des moments tragiques et culminants qui nécessitent la plus haute tension des forces spirituelles des participants à l'action. Le silence et le silence sont ici significatifs.

Le tableau de Tatiana Nazarenko « L’exécution de Narodnaïa Volia » est apparu à l’Exposition de la jeunesse de Moscou en 1972. La photo a été remarquée par tout le monde – même si tout le monde ne l’a pas acceptée. Il combinait de manière complexe l’adhésion aux modèles de la Renaissance, un penchant pour les réflexions généralisées et un sentiment tragique de vulnérabilité des combattants de la liberté, pour les idéaux spirituels, face à la force écrasante et sans visage de la machine de répression. Pour le tableau «Exécution de Narodnaya Volya», Nazarenko a reçu le prix du Komsomol de Moscou. En 1976, elle obtient le 1er prix au concours international des jeunes peintres de Sofia (Bulgarie).

La compassion, le sens de la responsabilité sociale - ces qualités se sont ensuite développées et renforcées dans l'art de Tatiana Nazarenko, acquérant des formes d'incarnation différentes, parfois bizarres, entrelacées de motifs de carnavals, de vacances, de festivités, d'autoportraits romantiques, de jeux artistiques. Et partout règne une anxiété invisible et claire, le sentiment que derrière le bien-être précaire de notre vie quotidienne se cache le dur destin des autres générations, leur douleur et leur souffrance.

Nazarenko adore écrire des carnavals. L’une des premières œuvres « carnavalesques » de l’artiste est « Célébration du Nouvel An » (1973), dans laquelle elle s’efforce de montrer le sens intérieur du carnaval, l’éventail des sentiments divers et assez complexes ressentis par les personnes qui se rassemblent par hasard.

Au fil des années, l’élément ludique s’intensifie dans le travail de l’artiste. La narration disparaît des œuvres et l'allégorie apparaît. À titre allégorique, il utilise également des réminiscences de l'art du passé - qu'il s'agisse de citations presque directes d'œuvres classiques, de costumes historiques sur nos contemporains ou de la présence d'objets du passé dans des compositions dédiées au présent.

Dans la seconde moitié des années 1970 et au début des années 1980, Nazarenko peint plusieurs portraits de groupe d'amis réunis pour une occasion festive. Il s'agit des tableaux « Réveillon du Nouvel An » (1976), « Soirée de Moscou » (1978), « Carnaval » (1979), « Le jour de Tatiana » (1982), « Septembre à Odessa » (1985) et bien d'autres, ainsi que comme celles écrites sur les toiles antérieures « Jeunes artistes » (1968) et « Mes contemporains » (1974).

Si dans les premiers portraits de groupe de Nazarenko on pouvait clairement ressentir le silence, la concentration, le désir des personnages de s'entendre, d'écouter la vérité, alors dans les œuvres ultérieures (« Carnaval », « Le Jour de Tatiana », etc.) l'élément débridé du carnaval règne. Les costumes et les poses sont extravagants, l'esprit de la fête possède non seulement les personnes, mais aussi les objets. Cependant, ce sont des vacances sans plaisir, sans communication sans compréhension mutuelle et sans proximité spirituelle. Le thème de la solitude, si important pour l'artiste, est intimement combiné dans son travail avec le thème du carnaval (« Portrait in a Fancy Dress », 1982).

Il y a des éléments de carnaval dans les tableaux « Carousel » (1982) et le diptyque « Dance » (1980).

Dans les œuvres de Nazarenko, il y a un désir de contact avec le spectateur, une volonté de s’ouvrir à un regard attentif et sympathique. L'artiste a écrit plusieurs œuvres où elle parle presque directement du caractère confessionnel de son art, de la douleur et de la difficulté de se montrer sans protection, exposé devant le tribunal de l'indifférence universelle (« Fleurs. Autoportrait », 1979 ; « Cirque Fille », 1984 ; « Spectateurs », 1988 ; « Repas », 1992).

L'une des peintures les plus insolites de Tatiana Nazarenko est le triptyque « Atelier » (1983). L'artiste présente au spectateur un véritable atelier dans lequel de véritables tableaux ont été créés (« Le Jour de Tatiana » et « Carnaval »), et en même temps le processus de réalisation de son projet.

Il existe une autre forme de « confession » dans les œuvres de Nazarenko. Dans de telles œuvres, elle n'a pas besoin d'ironie, elle n'a pas besoin des vêtements colorés d'un carnaval : ici s'incarne le plus proche, le plus chaleureux... Et presque toujours dans ces tableaux il y a l'image d'une grand-mère : « Matin. Grand-mère et Nikolka », triptyque « Vie » (1983) et autres. En 1982, le tableau «Mémoires» a été peint, dans lequel l'artiste semble matérialiser les associations de vie nées en regardant des photographies anciennes.

Parmi les principales œuvres de Tatiana Nazarenko figurent également : « Home Concert » (1986), diptyque « Happy Old Age » (1988), « Little Orchestra » (1989), « Wreckage » (1990), « Monument to History » (triptyque , 1992), « Time » (triptyque, 1992), « Mad World » (1992), « Spell » (1995), « Homeless » (2001).

Tatyana Nazarenko est une artiste sociale. « J'ai toujours été intéressée par les gens », dit-elle. « Je ne peux pas me détourner et ignorer le malheur de quelqu’un d’autre. » Faire réfléchir les gens, les inciter à sympathiser, tel est l’objectif principal de mon travail. Une preuve évidente en est son exposition « Transition » (1995-96) - une installation de 80 « trucs » en contreplaqué peint réalisés à taille humaine. Lors de l'exposition, les visiteurs devaient s'arrêter et regarder les visages de malheureuses vieilles femmes, de personnes handicapées, de musiciens errants - tous ceux qu'ils croisent quotidiennement dans les souterrains, mais passent le plus souvent sans s'arrêter pour regarder. L'exposition a été un grand succès (elle a ensuite été vue par des résidents d'Allemagne, des États-Unis et de Finlande) et « Transition » est devenue pour l'artiste littéralement une transition vers une nouvelle étape de la vie, vers un nouvel art.

En 1997 a eu lieu son exposition « Mon Paris », où se trouvaient également des personnages en contreplaqué - des garçons de café parisiens en longs tabliers blancs, des vendeurs de poisson... Une autre exposition de Tatiana Nazarenko « La Table de Moscou » a eu lieu la même année au Galerie Marat Gelman, puis présentée au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg dans le programme de l'exposition « Art contre Géographie ». En mai-septembre 2002, le Musée de Kuskovo a accueilli une exposition de l'artiste « Je suis heureux d'être trompé moi-même... » (L'Art de la tromperie).

Depuis 1966, date à laquelle Nazarenko a montré ses œuvres pour la première fois à la VIIe Exposition de la jeunesse de Moscou, elle a constamment participé à des expositions urbaines et panrusses, à des expositions de beaux-arts en Russie et à l'étranger. Les premières expositions personnelles ont eu lieu à Leverkusen (1986), Brême, Oldenburg, Odessa, Kiev, Lvov (toutes en 1987). Depuis, les expositions personnelles de l’artiste ont eu lieu à Moscou (la première en 1989), Cologne, Washington, New York, Boston, Madrid, Tallinn, Helsinki et dans d’autres villes. Les œuvres de Tatiana Nazarenko sont conservées dans les collections de la Galerie nationale Tretiakov (Moscou), du Musée national russe (Saint-Pétersbourg), du Musée national des femmes dans les arts (Washington), du Musée national juif (Washington), du Musée d'Art Moderne (Sofia), le Musée d'Art Moderne (Budapest) et d'autres musées d'art du monde entier, dans des collections privées.

Les œuvres créatives de Tatiana Nazarenko ont reçu des prix prestigieux : le Prix d'État de la Fédération de Russie (1993), le Prix du gouvernement de Moscou (1999) et la médaille d'argent de l'Académie des arts de l'URSS (1985).

T.G. Nazarenko - Artiste émérite de Russie (2002), depuis 1997 - membre correspondant, depuis 2001 - membre à part entière, membre du présidium de l'Académie des arts de Russie ; Professeur du Département de peinture, chef de l'atelier de peinture sur chevalet de l'Institut académique d'art d'État de Moscou du nom de V.I. Surikova (1998). Membre de l'Union des Artistes depuis 1969.

Vit et travaille à Moscou.

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robocop 08.03.2008 01:09:26

Tatiana Nazarenko académicien, professeur, artiste et en même temps une créature comme le monde n'a jamais vu, bonjour à vous, victime de harcèlement sexuel