Le début du XIXe siècle fut une période d’essor culturel et spirituel en Russie.. Si en termes de développement économique et sociopolitique, la Russie était à la traîne des États européens avancés, alors en matière de réalisations culturelles, non seulement elle suivait leur rythme, mais elle était souvent en avance. Le développement de la culture russe dans la première moitié du XIXe siècle s’appuie sur les transformations de l’époque précédente. La pénétration d’éléments des relations capitalistes dans l’économie a accru le besoin de personnes alphabétisées et instruites. Les villes sont devenues de grands centres culturels.
De nouvelles couches sociales ont été entraînées dans les processus sociaux. La culture s'est développée dans le contexte d'une conscience nationale toujours croissante du peuple russe et, à cet égard, avait un caractère national prononcé. Elle a eu une influence significative sur la littérature, le théâtre, la musique et les beaux-arts. Guerre patriotique de 1812, qui a accéléré à un degré sans précédent la croissance de la conscience nationale du peuple russe et sa consolidation. Il y a eu un rapprochement avec le peuple russe des autres peuples de Russie.
Le début du XIXe siècle est à juste titre appelé l'âge d'or de la peinture russe. C’est alors que les artistes russes atteignirent un niveau de compétence qui plaça leurs œuvres sur un pied d’égalité avec les meilleurs exemples de l’art européen.
Trois noms révèlent la peinture russe du XIXe siècle - Kiprenski , Tropinine , Venetsianov. Chacun a une origine différente : propriétaire foncier illégitime, serf et descendant d'un marchand. Chacun a sa propre aspiration créative – romantique, réaliste et « parolier de village ».
Malgré sa passion précoce pour la peinture historique, Kiprensky est avant tout connu comme un portraitiste exceptionnel. On peut dire cela au début du 19e siècle. il devient le premier portraitiste russe. Les maîtres anciens, devenus célèbres au XVIIIe siècle, ne pouvaient plus rivaliser avec lui : Rokotov mourut en 1808, Levitsky, qui lui survécut 14 ans, ne peignait plus à cause d'une maladie des yeux, et Borovikovsky, qui ne vécut pas plusieurs Quelques mois avant le soulèvement, les décembristes travaillaient très peu.
Kiprensky a eu la chance de devenir un chroniqueur artistique de son époque. « L'histoire en visages » peut être considérée comme ses portraits, qui représentent de nombreux acteurs des événements historiques dont il était contemporain : héros de la guerre de 1812, représentants du mouvement décembriste. La technique du dessin au crayon, dont l'enseignement faisait l'objet d'une attention particulière à l'Académie des Arts, était également utile. Kiprensky a essentiellement créé un nouveau genre : le portrait pictural.
Kiprensky a créé de nombreux portraits de personnalités culturelles russes et, bien sûr, le plus célèbre d'entre eux est Pouchkine. Il a été écrit sur ordre Delviga, l’ami du poète au lycée, en 1827. Les contemporains ont noté l’étonnante similitude du portrait avec l’original. L'artiste a libéré l'image du poète des traits quotidiens inhérents au portrait de Pouchkine par Tropinine, peint la même année. Alexandre Sergueïevitch a été capturé par l'artiste à un moment d'inspiration où il recevait la visite d'une muse poétique.
La mort a rattrapé l'artiste lors de son deuxième voyage en Italie. Ces dernières années, beaucoup de choses ont mal tourné pour le célèbre peintre. Une crise créative a commencé. Peu de temps avant sa mort, sa vie a été éclipsée par un événement tragique : selon ses contemporains, l'artiste aurait été faussement accusé de meurtre et aurait eu peur de quitter la maison. Même épouser son élève italien n'a pas égayé ses derniers jours.
Peu de gens ont pleuré le peintre russe décédé à l’étranger. Parmi les rares qui ont vraiment compris quel genre de maître la culture russe avait perdu se trouvait l'artiste Alexandre Ivanov, qui se trouvait alors en Italie. En ces tristes jours, il écrivait : Kiprensky « fut le premier à faire connaître le nom russe en Europe ».
Tropinin est entré dans l'histoire de l'art russe en tant que portraitiste exceptionnel. Il a déclaré : « Le portrait d’une personne est peint pour la mémoire de ses proches, de ceux qui l’aiment. » Selon les contemporains, Tropinin aurait peint environ 3 000 portraits. Il est difficile de dire s’il en est ainsi. L'un des livres sur l'artiste contient une liste de 212 personnes précisément identifiées que Tropinin a représentées. Il possède également de nombreux ouvrages intitulés « Portrait d’une femme inconnue ». Des dignitaires de l'État, des nobles, des guerriers, des hommes d'affaires, des fonctionnaires mineurs, des serfs, des intellectuels et des personnalités de la culture russe ont posé pour Tropinin. Parmi eux : l'historien Karamzine, l'écrivain Zagoskin, le critique d'art Odoevsky, les peintres Bryullov et Aivazovsky, le sculpteur Vitali, l'architecte Gilardi, le compositeur Alyabyev, les acteurs Shchepkin et Mo-chalov, le dramaturge Sukhovo-Kobylin.
L’une des meilleures œuvres de Tropinin est un portrait de son fils. Il faut dire que c’est une des « découvertes » de l’art russe du XIXe siècle. il y avait un portrait d'enfant. Au Moyen Âge, l’enfant était considéré comme un petit adulte qui n’avait pas encore grandi. Les enfants étaient même habillés avec des tenues qui ne différaient pas de celles des adultes : au milieu du XVIIIe siècle. les filles portaient des corsets serrés et des jupes larges à rabats. Seulement au début du 19ème siècle. ils ont vu un enfant dans l'enfant. Les artistes ont été parmi les premiers à le faire. Il y a beaucoup de simplicité et de naturel dans le portrait de Tropinin. Le garçon ne pose pas. Intéressé par quelque chose, il se retourna un instant : sa bouche était entrouverte, ses yeux brillaient. L'apparence de l'enfant est étonnamment charmante et poétique. Des cheveux dorés ébouriffés, un visage ouvert et enfantinement rebondi, un regard vif d'yeux intelligents. On sent avec quel amour l'artiste a peint le portrait de son fils.
Tropinin a peint deux fois des autoportraits. Sur la dernière, datée de 1846, l'artiste a 70 ans. Il se représentait avec une palette et des pinceaux à la main, appuyé sur un mashtabel - un bâton spécial utilisé par les peintres. Derrière lui se trouve un panorama majestueux sur le Kremlin. Dans sa jeunesse, Tropinin possédait une force héroïque et une bonne humeur. À en juger par l'autoportrait, il a conservé sa force physique même dans la vieillesse. Le visage rond avec des lunettes rayonne de bonne nature. L'artiste est décédé 10 ans plus tard, mais son image est restée dans la mémoire de ses descendants - un homme grand et gentil qui a enrichi l'art russe de son talent.
Venetsianov a découvert le thème paysan dans la peinture russe. Il fut le premier parmi les artistes russes à montrer la beauté de sa nature natale dans ses toiles. L'Académie des Arts ne privilégie pas le genre du paysage. Il occupait l'avant-dernière place en importance, laissant derrière lui une place encore plus méprisable : la maison. Seuls quelques maîtres peignaient la nature, préférant les paysages italiens ou imaginaires.
Dans de nombreuses œuvres de Venetsianov, la nature et l’homme sont indissociables. Ils sont liés aussi étroitement qu'un paysan à la terre et à ses dons. L'artiste a créé ses œuvres les plus célèbres - « Fenaison », « Sur les terres arables du printemps », « À la récolte de l'été » - dans les années 20. C'était l'apogée de sa créativité. Personne dans l'art russe n'était capable de montrer la vie et le travail des paysans avec autant d'amour et de poésie que Venetsianov. Dans le tableau "Sur le champ labouré. Printemps", une femme herse un champ. Ce travail dur et épuisant est sublime sur la toile de Venetsianov : une paysanne vêtue d’une élégante robe d’été et d’un kokochnik. Avec son beau visage et sa silhouette souple, elle ressemble à une déesse antique. Menée par les brides de deux chevaux obéissants attelés à une herse, elle ne marche pas, mais semble planer au-dessus du champ. La vie se déroule calmement, mesuréement et paisiblement. Des arbres rares deviennent verts, des nuages blancs flottent dans le ciel, le champ semble sans fin, au bord duquel un bébé est assis, attendant sa mère.
Le tableau « À la récolte l’été » semble poursuivre le précédent. La récolte est mûre, les champs sont pleins de chaume doré - le moment est venu de la récolte. Au premier plan, mettant sa faucille de côté, une paysanne allaite son enfant. Le ciel, le terrain et les hommes qui y travaillent sont indissociables pour l'artiste. Mais néanmoins, le sujet principal de son attention est toujours la personne.
Venetsianov a créé toute une galerie de portraits de paysans. C'était une nouveauté pour la peinture russe. Au XVIIIe siècle les gens du peuple, et surtout les serfs, n'intéressaient guère les artistes. Selon les historiens de l’art, Venetsianov fut le premier dans l’histoire de la peinture russe à « capturer et recréer avec précision le type populaire russe ». «Les Faucheurs», «Fille aux bleuets», «Fille au veau», «Berger endormi» - de belles images de paysans, immortalisées par Venetsianov. Les portraits d’enfants de paysans occupent une place particulière dans l’œuvre de l’artiste. Comme c'est bon « Zakharka » - un garçon aux grands yeux, au nez retroussé et aux grandes lèvres avec une hache sur l'épaule ! Zakharka semble personnifier la nature paysanne énergique, habituée au travail depuis l'enfance.
Alexey Gavrilovich a laissé un bon souvenir de lui-même non seulement en tant qu'artiste, mais aussi en tant que professeur exceptionnel. Lors d'un de ses séjours à Saint-Pétersbourg, il engagea comme élève un artiste novice, puis un autre, un troisième... C'est ainsi qu'est née toute une école d'art, entrée dans l'histoire de l'art sous le nom de Venetsianovsky. Pendant un quart de siècle, environ 70 jeunes hommes talentueux y sont passés. Venetsianov a tenté de racheter les artistes serfs de leur captivité et était très inquiet si cela échouait. Le plus talentueux de ses élèves, Grigori Soroka, n'a jamais reçu sa liberté de son propriétaire terrien. Il vécut jusqu'à l'abolition du servage, mais, poussé au désespoir par la toute-puissance de son ancien propriétaire, il se suicida.
De nombreux étudiants de Venetsianov vivaient dans sa maison avec un soutien total. Ils ont appris les secrets de la peinture vénitienne : ferme adhésion aux lois de la perspective, attention particulière à la nature. Parmi ses étudiants se trouvaient de nombreux maîtres talentueux qui ont laissé une marque notable sur l'art russe : Grigory Soroka, Alexey Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. «Venetsianovtsy» - ils appelaient affectueusement ses animaux de compagnie.
Ainsi, on peut affirmer que dans le premier tiers du XIXe siècle, le développement culturel de la Russie a connu un essor rapide et que cette époque est appelée l'âge d'or de la peinture russe.
Les artistes russes ont atteint un niveau de compétence qui place leurs œuvres au même niveau que les meilleurs exemples de l'art européen.
Glorifier les actes héroïques du peuple, l'idée de son éveil spirituel, dénoncer les maux de la Russie féodale, tels sont les thèmes principaux des beaux-arts du XIXe siècle.
Dans le portrait, les caractéristiques du romantisme sont particulièrement distinctes - l'indépendance de la personnalité humaine, son individualité, la liberté d'exprimer ses sentiments.
De nombreux portraits de personnalités culturelles russes, y compris des portraits d'enfants, ont été réalisés. Le thème paysan, le paysage qui montrait la beauté de notre nature natale, devient à la mode.
Le romantisme (romantisme français), mouvement idéologique et artistique de la culture européenne et américaine de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Né en réaction au rationalisme et au mécanisme de l'esthétique du classicisme et de la philosophie des Lumières, qui se sont imposés lors de l'éclatement révolutionnaire de l'ancien ordre mondial, le romantisme opposait l'utilitarisme et le nivellement de l'individu aux aspirations à une liberté sans limites. et l'infini, une soif de perfection et de renouveau, et le pathétique de l'indépendance personnelle et civile.
La douloureuse discorde entre l’idéal et la réalité constituait la base de la vision romantique du monde ; Son affirmation caractéristique de la valeur intrinsèque de la vie créatrice et spirituelle humaine, la représentation de passions fortes, la spiritualisation de la nature, l'intérêt pour le passé national, le désir de formes d'art synthétiques se conjuguent avec les motifs de la tristesse du monde, le désir de explorer et recréer le côté « ombre », « nuit » de l’âme humaine, avec la fameuse « ironie romantique », qui a permis aux romantiques de comparer et d’assimiler avec audace le haut et le bas, le tragique et le comique, le réel et le fantastique. Se développant dans de nombreux pays, le romantisme a partout acquis une forte identité nationale, déterminée par les traditions et les conditions historiques locales.
L'école romantique la plus cohérente s'est développée en France, où les artistes, réformant le système des moyens d'expression, ont dynamisé la composition, combiné les formes avec un mouvement rapide, utilisé des couleurs vives et riches et un style de peinture large et généralisé (peinture de T. Gericault, E. Delacroix, O. Daumier, plastique - P.J. David d'Angers, A.L. Bari, F. Ryud). En Allemagne et en Autriche, le romantisme précoce se caractérise par une attention particulière à tout ce qui est hautement individuel, une tonalité mélancolique-contemplative de la structure figurative-émotionnelle. , les ambiances mystiques-panthéistes (portraits et compositions allégoriques de F.O. Runge, paysages de K.D. Friedrich et J.A. Koch), la volonté de faire revivre l'esprit religieux de la peinture allemande et italienne du XVe siècle (l'œuvre des Nazaréens) ; , K. Spitzweg, M. von Schwind, F.G. Waldmüller).
En Grande-Bretagne, les paysages de J. Constable et R. Bonington sont connus pour la fraîcheur romantique de la peinture, les images fantastiques et les moyens d'expression inhabituels sont les œuvres de W. Turner, G.I. Fusli, attaché à la culture du Moyen Âge et du début de la Renaissance - l'œuvre des maîtres du mouvement préraphaélite romantique tardif (D.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris et autres artistes). Dans de nombreux pays d'Europe et d'Amérique, le mouvement romantique était représenté par des paysages (peintures de J. Inness et A.P. Ryder aux USA), des compositions sur des thèmes de la vie populaire et de l'histoire (les œuvres de L. Galle en Belgique, J. Manes en République tchèque, V. Madaras en Hongrie, P. Michalovsky et J. Matejko en Pologne et autres maîtres).
Le destin historique du romantisme était complexe et ambigu. L'une ou l'autre tendance romantique a marqué l'œuvre des grands maîtres européens du XIXe siècle - artistes de l'école de Barbizon, C. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet en France, A. von Menzel en Allemagne et d'autres peintres. Dans le même temps, l'allégorie complexe, les éléments de mysticisme et de fantaisie, parfois inhérents au romantisme, ont trouvé une continuité dans le symbolisme, et en partie dans l'art du post-impressionnisme et de l'art nouveau.
Les données de référence et biographiques de la "Small Bay Planet Art Gallery" ont été préparées sur la base de matériaux de "Histoire de l'art étranger" (édité par M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great Russian Encyclopédie".
L’art, comme nous le savons, est extrêmement multiforme. Un grand nombre de genres et de tendances permettent à chaque auteur de réaliser au maximum son potentiel créatif et donnent au lecteur la possibilité de choisir exactement le style qu'il aime.
L’un des mouvements artistiques les plus populaires et sans aucun doute les plus beaux est le romantisme. Cette tendance s'est généralisée à la fin du XVIIIe siècle, couvrant la culture européenne et américaine, mais atteignant ensuite la Russie. Les idées principales du romantisme sont le désir de liberté, de perfection et de renouveau, ainsi que la proclamation du droit à l'indépendance humaine. Curieusement, cette tendance s'est largement répandue dans absolument toutes les grandes formes d'art (peinture, littérature, musique) et est devenue véritablement répandue. Par conséquent, nous devrions examiner plus en détail ce qu’est le romantisme et également mentionner ses figures les plus célèbres, tant étrangères que nationales.
Le romantisme en littérature
Dans ce domaine de l'art, un style similaire est apparu initialement en Europe occidentale, après la révolution bourgeoise en France en 1789. L'idée principale des écrivains romantiques était le déni de la réalité, les rêves d'un temps meilleur et un appel au combat. pour un changement de valeurs dans la société. En règle générale, le personnage principal est un rebelle, agissant seul et cherchant la vérité, ce qui, à son tour, le rend sans défense et confus face au monde qui l'entoure, de sorte que les œuvres des auteurs romantiques sont souvent empreintes de tragédie.
Si l'on compare cette direction, par exemple, avec le classicisme, alors l'ère du romantisme se distinguait par une totale liberté d'action - les écrivains n'hésitaient pas à utiliser une variété de genres, les mélangeant et créant un style unique, basé sur un d'une manière ou d'une autre sur le principe lyrique. L'actualité des œuvres était remplie d'événements extraordinaires, parfois même fantastiques, dans lesquels le monde intérieur des personnages, leurs expériences et leurs rêves se manifestaient directement.
Le romantisme comme genre de peinture
Les beaux-arts ont également subi l’influence du romantisme et leur mouvement s’est basé ici sur les idées d’écrivains et de philosophes célèbres. La peinture en tant que telle s'est complètement transformée avec l'avènement de ce mouvement ; de nouvelles images tout à fait inhabituelles ont commencé à y apparaître. Les thèmes du romantisme abordaient l'inconnu, y compris les terres exotiques lointaines, les visions et les rêves mystiques, et même les profondeurs sombres de la conscience humaine. Dans leur travail, les artistes se sont largement appuyés sur l'héritage des civilisations et des époques anciennes (Moyen Âge, Orient ancien, etc.).
La direction de cette tendance dans la Russie tsariste était également différente. Si les auteurs européens ont abordé des thèmes anti-bourgeois, alors les maîtres russes ont écrit sur le thème de l'anti-féodalisme.
L'envie de mysticisme était beaucoup moins prononcée que chez les représentants occidentaux. Les personnalités nationales avaient une idée différente de ce qu'était le romantisme, qui dans leur travail peut être vu sous la forme d'un rationalisme partiel.
Ces facteurs sont devenus fondamentaux dans le processus d'émergence de nouvelles tendances artistiques sur le territoire de la Russie, et grâce à eux, le patrimoine culturel mondial connaît le romantisme russe en tant que tel.
La présentation présentera le travail de peintres exceptionnels de France, d'Allemagne, d'Espagne et d'Angleterre de l'époque romantique.
Le romantisme dans la peinture européenne
Le romantisme est un mouvement de la culture spirituelle de la fin du XVIIIe et du premier tiers du XIXe siècle. La raison de son apparition était la déception face aux résultats de la Révolution française. La devise de la révolution est « Liberté, égalité, fraternité ! » s’est avéré utopique. L'épopée napoléonienne qui a suivi la révolution et la sombre réaction ont provoqué une ambiance de déception et de pessimisme. Une nouvelle maladie à la mode, « World Sorrow », s'est rapidement répandue en Europe et un nouveau héros est apparu, aspirant, errant à travers le monde à la recherche d'un idéal et, plus souvent, à la recherche de la mort.
Contenu de l'art romantique
À l'ère de la sombre réaction, le poète anglais George Byron est devenu le maître des pensées. Son héros Childe Harold est un penseur sombre, tourmenté par la mélancolie, errant à travers le monde à la recherche de la mort et se séparant de la vie sans aucun regret. Mes lecteurs, j'en suis sûr, se souviennent maintenant d'Onéguine, Pechorin, Mikhaïl Lermontov. La principale chose qui distingue un héros romantique est son rejet absolu de la vie grise et quotidienne. Le romantique et le philistin sont des antagonistes.
"Oh, laisse-moi saigner,
Mais laissez-moi de l'espace rapidement.
J'ai peur d'étouffer ici,
Dans le monde maudit des commerçants...
Non, mieux vaut un vil vice,
Vol, violence, vol,
Que la moralité comptable
Et la vertu des visages bien nourris.
Hé petit nuage, emmène-moi
Emportez-le avec vous lors d'un long voyage,
En Laponie ou en Afrique,
Ou du moins à Stettin – quelque part !
G. Heine
L'évasion de la vie quotidienne grise devient le contenu principal de l'art du romantisme. Où un romantique peut-il « échapper » à la vie quotidienne et à l'ennui ? Si vous, mon cher lecteur, êtes un romantique dans l’âme, alors vous pouvez facilement répondre à cette question. Premièrement, Le passé lointain devient attractif pour notre héros, le plus souvent le Moyen Âge avec ses nobles chevaliers, ses tournois, ses châteaux mystérieux et ses Belles Dames. Le Moyen Âge a été idéalisé et glorifié dans les romans de Walter Scott, de Victor Hugo, dans la poésie des poètes allemands et anglais, dans les opéras de Weber, Meyerbeer et Wagner. En 1764, le premier roman d'horreur «gothique» anglais, Le Château d'Otrante de Walpoll, fut publié. En Allemagne au début du XIXème siècle, Ernest Hoffmann écrivait « L’Elixir du Diable » d’ailleurs, je vous conseille de le lire ; Deuxièmement, une merveilleuse opportunité « d'évasion » pour un romantique était la sphère de la pure fiction, la création d'un monde imaginaire et fantastique. Rappelez-vous Hoffmann, son « Casse-Noisette », « Les Petits Tsakhes », « Le Pot d'Or ». Il est clair pourquoi les romans de Tolkien et les histoires de Harry Potter sont si populaires de nos jours. Il y a toujours des romances ! Après tout, c’est un état d’esprit, n’est-ce pas ?
Troisième voie L’évasion du héros romantique de la réalité est une évasion vers des pays exotiques épargnés par la civilisation. Cette voie a conduit à la nécessité d'une étude systématique du folklore. L’art du romantisme reposait sur des ballades, des légendes et des épopées. De nombreuses œuvres d'art visuel et musical romantique sont associées à la littérature. Shakespeare, Cervantès, Dante redeviennent les maîtres de la pensée.
Le romantisme dans les beaux-arts
Dans chaque pays, l'art du romantisme a acquis ses propres caractéristiques nationales, mais en même temps, toutes leurs œuvres ont beaucoup en commun. Tous les artistes romantiques sont unis par une attitude particulière envers la nature. Le paysage, contrairement aux œuvres du classicisme, où il ne servait que de décor, de fond, acquiert aux romantiques une âme. Le paysage contribue à souligner l'état du héros. Il sera utile de comparer Beaux-arts européens du romantisme avec l'art et.
L'art romantique préfère les paysages nocturnes, les cimetières, les brumes grises, les rochers sauvages, les ruines d'anciens châteaux et monastères. Une attitude particulière envers la nature a contribué à la naissance des célèbres parcs paysagers anglais (rappelez-vous les parcs français habituels avec des allées droites et des buissons et des arbres taillés). Les sujets des peintures sont souvent des histoires et des légendes du passé.
Présentation "Le romantisme dans les beaux-arts européens" contient un grand nombre d'illustrations présentant le travail d'artistes romantiques exceptionnels de France, d'Espagne, d'Allemagne et d'Angleterre.
Si le sujet vous intéresse, peut-être que vous, cher lecteur, serez intéressé à lire le contenu de l'article « Romantisme : nature passionnée" sur le site Arthive dédié à l'art.
J'ai trouvé la plupart des illustrations d'excellente qualité sur le site Gallerix.ru. Pour ceux qui souhaitent approfondir le sujet, Je recommande de le lire:
- Encyclopédie pour enfants. T.7. Art. – M. : Avanta+, 2000.
- Beckett V. Histoire de la peinture. – M. : Astrel Publishing House LLC : AST Publishing House LLC, 2003.
- De grands artistes. Tome 24. Francisco José de Goya et Lucientes. – M. : Maison d'édition « Direct-Media », 2010.
- De grands artistes. Tome 32. Eugène Delacroix. – M. : Maison d’édition « Direct-Media », 2010
- Dmitrieva N.A. Une brève histoire de l'art. Numéro III : Pays d'Europe occidentale du XIXe siècle ; Russie du 19ème siècle. – M. : Art, 1992
- Emokhonova L.G. Culture artistique mondiale : Manuel. Un manuel pour les étudiants. moy. péd. cahier de texte établissements. – M. : Centre d'édition « Académie », 1998.
- Loukicheva K.L. Histoire de la peinture dans les chefs-d'œuvre. – Moscou : Astra-Media, 2007.
- Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova Culture artistique mondiale. XIXème siècle. - Saint-Pétersbourg : Peter, 2007.
- Mini-encyclopédie. Préraphaélisme. – Vilnius : VAB « BESTIAIRE », 2013.
- Samin D.K. Cent grands artistes. – M. : Veche, 2004.
- Freeman J. Histoire de l'art. – M. : Maison d'édition Astrel, 2003.
Bonne chance!
direction
Le romantisme (romantisme français) est un mouvement idéologique et artistique de la culture de la fin du XVIIIe siècle - la première moitié du XIXe siècle, caractérisé par l'affirmation de la valeur intrinsèque de la vie spirituelle et créatrice de l'individu, la représentation de forts passions et personnages (souvent rebelles), nature spiritualisée et curative. Elle s’est répandue dans diverses sphères de l’activité humaine. Au XVIIIe siècle, tout ce qui était étrange, pittoresque et existant dans les livres, et non dans la réalité, était qualifié de romantique. Au début du XIXe siècle, le romantisme devient la désignation d'une nouvelle direction, opposée au classicisme et aux Lumières.
Né en Allemagne. Le signe avant-coureur du romantisme est Sturm et Drang et le sentimentalisme en littérature.
Le romantisme remplace le siècle des Lumières et coïncide avec la révolution industrielle, marquée par l'apparition de la machine à vapeur, de la locomotive à vapeur, du bateau à vapeur, de la photographie et des périphéries des usines. Si les Lumières se caractérisent par le culte de la raison et de la civilisation fondée sur ses principes, alors le romantisme affirme le culte de la nature, des sentiments et du naturel chez l'homme. C'est à l'ère du romantisme que prennent forme les phénomènes du tourisme, de l'alpinisme et du pique-nique, destinés à restaurer l'unité de l'homme et de la nature. L'image du « noble sauvage », armé de la « sagesse populaire » et non gâté par la civilisation, est recherchée.
La catégorie du sublime, centrale du romantisme, a été formulée par Kant dans son ouvrage Critique du jugement. Selon Kant, il y a un plaisir positif dans le beau, exprimé dans une contemplation calme, et il y a un plaisir négatif dans le sublime, sans forme, sans fin, provoquant non pas la joie, mais l'étonnement et la compréhension. Le chant du sublime est associé à l’intérêt du romantisme pour le mal, son ennoblissement et la dialectique du bien et du mal (« Je fais partie de cette force qui veut toujours le mal et fait toujours le bien »).
Le romantisme oppose l'idée éducative du progrès et la tendance à rejeter tout ce qui est « dépassé et dépassé » avec un intérêt pour le folklore, les mythes, les contes de fées, l'homme ordinaire, le retour aux racines et à la nature.
Le romantisme oppose la tendance à l’athéisme à une refonte de la religion. « La vraie religion est le sentiment et le goût de l'infini » (Schleiermacher). Le concept déiste de Dieu en tant qu'Esprit suprême s'oppose au panthéisme et à la religion en tant que forme de sensualité, l'idée du Dieu vivant.
Selon les mots de Benedetto Croce : « Le romantisme philosophique a levé l’étendard de ce qu’on appelle parfois à tort l’intuition et la fantaisie, au mépris de la raison froide, de l’intellect abstrait. » Prof. Jacques Barzin a noté que le romantisme ne peut être considéré comme une rébellion contre la raison : c'est une rébellion contre les abstractions rationalistes. Comme l'écrit le professeur. G. Skolimowski : « La reconnaissance de la logique du cœur (dont Pascal parle de manière si expressive), la reconnaissance de l'intuition et du sens profond de la vie équivaut à la résurrection d'une personne capable de voler. C’est pour défendre ces valeurs, contre l’invasion du matérialisme philistin, du pragmatisme étroit et de l’empirisme mécaniste, que le romantisme s’est rebellé. »
Les fondateurs du romantisme philosophique : les frères Schlegel (August Wilhelm et Friedrich), Novalis, Hölderlin, Schleiermacher.
Représentants : Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Lucy Madox Brown, Gillot St. Évr.
Le développement du romantisme dans la peinture s'est déroulé dans le cadre de vives polémiques avec les adeptes du classicisme. Les romantiques reprochaient à leurs prédécesseurs la « froide rationalité » et le manque de « mouvement de la vie ». Dans les années 20-30, les œuvres de nombreux artistes étaient caractérisées par le pathos et l'excitation nerveuse ; ils montraient une tendance aux motifs exotiques et aux jeux d'imagination, capables de nous éloigner du « quotidien ennuyeux ». La lutte contre les normes classiques figées a duré longtemps, près d’un demi-siècle. Le premier qui réussit à consolider la nouvelle orientation et à « justifier » le romantisme fut Théodore Géricault.
L'une des branches du romantisme en peinture est le style Biedermeier.
Le romantisme est né en Allemagne, parmi les écrivains et philosophes de l'école de Jena (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, les frères F. et A. Schlegel). La philosophie du romantisme a été systématisée dans les travaux de F. Schlegel et F. Schelling
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