Malarstwo rosyjskiego średniowiecza - freski, mozaiki, ikony - cieszą się ciągłym zainteresowaniem historyków sztuki i naukowców na całym świecie.
Staroruskie malarstwo monumentalne (freski i mozaika) pojawiło się w czasach Rusi Kijowskiej za panowania książąt Włodzimierza (980-1015) i Jarosława Mądrego (1019-1054). Przed panowaniem Włodzimierza Ruś była pogańska i czciła wiele bóstw. Książę ten ochrzcił Kijów i większość Rusi, przyjmując chrześcijaństwo z Bizancjum. Nowa religia ustanowiła jednego Boga i na wiele stuleci określiła kształt historii i kultury Rosji.
Na przestrzeni wieków rosyjscy rzemieślnicy przejmowali subtelną sztukę „Greków” (jak nazywano Bizantyjczyków, ponieważ mówili po grecku).
Mozaika- monumentalny rodzaj malarstwa, w którym obraz powstaje poprzez ułożenie zestawu i utrwalenie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
Smalta- małe kawałki kolorowego, nieprzezroczystego szkła. Dobrze odbija światło i zachowuje swoją jasność przez wiele stuleci.
Aby ozdobić kijowskie kościoły mozaikami, zbudowano warsztat, w którym wyrabiano smaltę. Kostki smaltu pomalowano na różne kolory. I tak naukowcy policzyli 177 odcieni na mozaice Hagia Sophia!
Do stworzenia kompozycji w kopule i absydzie wykorzystano technikę mozaiki, jako najdroższą i najbardziej skomplikowaną.
Pozostałe części świątyni pomalowano freskami.
Fresk- rodzaj malarstwa monumentalnego, malowanie farbami wodnymi na mokrym tynku. Freski są najbardziej podatne na zniszczenie przez światło, w przeciwieństwie do mozaik. Freski tracą także swój pierwotny wygląd, gdy z biegiem czasu w tynku pojawiają się pęknięcia.
Niektóre freski przetrwały do dziś. Aby zapobiec dłuższemu blaknięciu, ciemnieniu lub zniszczeniu pod wpływem wilgoci, istniały specjalne przepisy, które mistrz przekazywał uczniowi z pokolenia na pokolenie i które utrzymywano w ścisłej tajemnicy.
Rosyjskie średniowiecze nie znało malarstwa olejnego.
Hagia Sophia w Kijowie- najstarszy zabytek, w którym zachowało się monumentalne malarstwo Rusi przedmongolskiej.
W zenicie centralnej kopuły Hagia Sophia w Kijowie, w medalionie, znajduje się ogromny, półpostaciowy wizerunek Chrystusa Pantokratora. Wokół medalionu ulokowano czterech archaniołów. Zachowała się tylko jedna mozaikowa figura w niebieskiej szacie, a pozostałe trzy zostały dodane w oleju w 1884 roku przez M. A. Vrubela.
Z dwunastu naturalnej wielkości wizerunków apostołów umieszczonych w ścianach lekkiego bębna przetrwała jedynie górna część mozaikowej postaci Pawła. Poniżej, na kulistych żaglach podtrzymujących centralną kopułę katedry św. Zofii w Kijowie, umieszczono czterech ewangelistów (w całości zachował się jedynie wizerunek Marka). Na popręgach zachowało się piętnaście mozaikowych medalionów z wizerunkami męczenników. Na dwóch filarach wschodniego łuku znajduje się mozaikowa scena Zwiastowania: po lewej stronie Archanioł Gabriel, po prawej Matka Boska.
 |
| Dziewica Maryja |
Na środkowej kondygnacji absydy katedry św. Zofii szeroko rozmieszczona jest wielofigurowa kompozycja „Eucharystia” (komunia).
Dolną kondygnację absydy kijowskiej świątyni Hagia Sophia zajmują wizerunki „ojców Kościoła” – świętych i archidiakonów (mozaika zachowała się jedynie w górnej części figur).
Dekoracja głównego ołtarza katedry św. Zofii Kijowskiej jest znakomitym przykładem syntezy architektury i malarstwa, która jest ogólnie charakterystyczna dla całego starożytnego wnętrza św. Zofii Kijowskiej. Sceny i postacie na mozaikach są symbolami ujawniającymi główne postanowienia doktryny chrześcijańskiej. Odbierane są jako swoisty epigraf do późniejszej malarskiej opowieści, przedstawionej w technice fresku. Na scenach transeptu (głównego poprzecznego podziału świątyni) znajdują się sceny ewangeliczne o charakterze narracyjnym, z których najlepiej zachowane to: „Ukrzyżowanie”, „Zejście Chrystusa do piekła”, „Pojawienie się Chrystusa Niewiasty niosące mirrę”, a także scena „Zesłanie Ducha Świętego”, wyróżniająca się kompozycją, niepowtarzalnym stylem pisma i łagodną kolorystyką.
 |
| fresk „Zejście Chrystusa do piekła” („Zejście do piekła”). Transept. Północna strona Sofii Kijów |
Znaczące miejsce w malowniczej dekoracji świątyni św. Zofii w Kijowie zajmują ozdoby, które zdobią otwory okienne i drzwiowe, oprawiają poszczególne kompozycje freskowe i mozaikowe oraz podkreślają główne linie architektoniczne wnętrza. Najczęściej mają charakter roślinny i składają się ze stylizowanych palmet, pędów winorośli, loków i pąków. Geometryczne struktury ozdobne są mniej powszechne. Eleganckie i kolorowe ozdoby wprowadzają także element świecki do ogólnego systemu malarstwa św. Zofii Kijowskiej
Ogólny widok ołtarza
W XII - n.e XIII wiek. Miasto Włodzimierz stało się centrum życia politycznego i kulturalnego ziem rosyjskich. Zasady malarstwa monumentalnego zaczęły się zmieniać. Na freskach Włodzimierza-Suzdala apostołowie nie są masywnymi postaciami świątyni kijowskiej, z hipnotyzującym spojrzeniem skierowanym bezpośrednio na widza. Artysta przedstawił apostołów w dynamicznych pozach. Ubrani są w szerokie, powiewne płaszcze i stoją naprzeciw siebie, jakby rozmawiali. Twarze świętych są obszerne, przejścia od światła do cienia płynne. W katedrze włodzimierskiej, podobnie jak w Zofii Kijowskiej, greckiemu mistrzowi pomagali malarze rosyjscy, dla których taka współpraca była najlepszą szkołą.
Od X wieku do 1240 roku w Nowogrodzie zbudowano 125 kościołów. Na specjalne zaproszenie do Nowogrodu przybył Teofan Grek (ok. 1340-1410), wybitny malarz bizantyjski. W ciągu swojego życia namalował wiele kościołów na Rusi i poza nią, ale zachowały się jedynie freski z nowogrodzkiej cerkwi Przemienienia Pańskiego przy ulicy Iljina.
Ikona(starożytny grecki „obraz”, „obraz”) - w chrześcijaństwie święty obraz osób lub wydarzeń z historii biblijnej lub kościoła.
Zjednoczenie ziem rosyjskich wokół Moskwy otworzyło nową erę w rozwoju rosyjskiej historii i kultury. Fuzja dziedzictwa bizantyjskiego i słowiańskiego stworzyła rdzeń rosyjskiej kultury narodowej. Malarstwo monumentalne Rusi Moskiewskiej, wywodzące się z tradycji bizantyjskiej i włodzimiersko-suzdalskiej, przeżyło niezwykły rozkwit w twórczości największych mistrzów swojej epoki – Andrieja Rublowa (ok. 1360-1430) i Dionizego (ok. 1440-1505).
Andriejowi Rublowowi zlecono malowanie najważniejszych kościołów Rusi Moskiewskiej. Wraz ze swoim nauczycielem Teofanem Grekiem namalował wnętrze katedry Zwiastowania na Kremlu moskiewskim, a także ozdobił katedrę Trójcy-Sergiusza i odrestaurował obraz katedry Wniebowzięcia we Włodzimierzu po jarzmie mongolsko-tatarskim.
W jego twórczości można doszukać się kontemplacyjno-lirycznego kierunku malarstwa.
Twórczość Andrieja Rublowa należy do najwyższych osiągnięć rosyjskiej i światowej sztuki duchowej, która wyrażała wzniosłe zrozumienie duchowego piękna i siły moralnej narodu ruskiego. Cechy te są nieodłącznie związane z ikonami rangi Zvenigorodu („Zbawiciel”, „Apostoł Paweł” (znajdujący się w Muzeum Rosyjskim), „Archanioł Michał”, wszystkie z przełomu XIV i XV wieku), gdzie lakoniczne gładkie kontury i szeroka stylistyka pędzla bliska jest technikom malarstwa monumentalnego.
W okresie XIV – n.e. XV wiek Rublow stworzył swoje arcydzieło - ikonę Trójcy (znajdującej się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej). Tradycyjną opowieść biblijną wypełnił głęboką treścią poetycką i filozoficzną. Odchodząc od tradycyjnych kanonów, w centrum kompozycji umieścił pojedynczy kielich (symbolizujący śmierć ofiarną), a jego zarys powtórzył w konturach bocznych aniołów. Centralny (symbolizujący Chrystusa) anioł zajął miejsce ofiary i jest podkreślony wyrazistym kontrastem plam ciemnej wiśni i błękitu. Kompozycję wpisaną w okrąg przesiąknięte są głębokimi, kołowymi rytmami, podporządkowującymi wszystkie linie konturu, których konsystencja daje niemal muzyczny efekt. Ikony malowano temperą (nie znali farb olejnych).
Jego twórczość pozostawała pod głębokim wpływem największych mistrzów starożytnego malarstwa rosyjskiego, w tym Dionizego. Dionizjusz to ostatni z najwybitniejszych malarzy ikon starożytnej Rusi, przedstawiciel złotego wieku rosyjskiego malarstwa ikonowego.
„Ukrzyżowanie” jest ikoną świątecznego obrzędu. Zawiera nie tylko śmierć, cierpienie i grozę, ale także zdeptanie tej śmierci, radość przyszłego zmartwychwstania, pojednanie za grzechy wszystkich ludzi. Cała ta ikona jest ruchem pionowym, rozpoczynającym się od niezwykle wydłużonej postaci Chrystusa, symbolizującej przejście ze sfery ziemskiej do niebiańskiej. Przełom ten następuje poprzez krzyż, który jest jednym z najważniejszych symboli chrześcijańskich. Płaszczyzna ikony jest mentalnie podzielona pionowo na trzy strefy: dolna, najwęższa, oznacza świat podziemny, środkowa - świat ludzi na ziemi, górna - niebo. Łączą się tu dwie perspektywy: tradycyjna dla malarstwa (cały świat) i tradycyjna dla malarstwa ikonowego – odwrotna (postać Chrystusa). Głównym znaczeniem tej ikony jest niezrozumiały cud, przemiana upokorzenia i cierpienia Boga-Człowieka w jego wywyższenie i uwielbienie, jego śmierć w symbol nieśmiertelności.
 |
| Ukrzyżowanie. Dionizjusz |
 |
| Freski katedry Narodzenia Najświętszej Marii Panny w klasztorze Ferapontow. Dionizjusz |
 |
| Zejście do piekła. Dionizjusz |
Rosyjskie malarstwo ikonowe to piękna sztuka starożytnej Rusi, która rozwinęła się w głębi Cerkwi prawosławnej, która rozpoczęła się pod koniec X wieku wraz z chrztem Rusi. Malarstwo ikonowe pozostawało rdzeniem starożytnej kultury rosyjskiej aż do końca XVII wieku, kiedy to w czasach Piotra Wielkiego zostało wyparte przez świeckie rodzaje sztuk pięknych.
W przypadku Bizancjum można trafnie nazwać rok, który stał się początkiem imperium bizantyjskiego, kultury i cywilizacji. Cesarz Konstantyn I Wielki przeniósł swoją stolicę do miasta Bizancjum (od I w. n.e.).
mi. część Cesarstwa Rzymskiego) i w 330 roku przemianował je na Konstantynopol.Pierwsze wieki istnienia państwa bizantyjskiego można uznać za najważniejszy etap w kształtowaniu się światopoglądu społeczeństwa bizantyjskiego, opartego na tradycjach pogańskiego hellenizmu i zasadach chrześcijaństwa. Formowanie się chrześcijaństwa jako systemu filozoficznego i religijnego było procesem złożonym i długotrwałym. Chrześcijaństwo wchłonęło wiele ówczesnych nauk filozoficznych i religijnych. Dogmat chrześcijański rozwinął się pod silnym wpływem bliskowschodnich nauk religijnych, judaizmu i manicheizmu. Był to syntetyczny system filozoficzno-religijny, którego ważnym elementem były starożytne nauki filozoficzne. Niemożność pogodzenia chrześcijaństwa ze wszystkim, co nosiło piętno pogaństwa, zostaje zastąpiona kompromisem między światopoglądem chrześcijańskim a starożytnym. Najbardziej wykształceni i dalekowzroczni teolodzy chrześcijańscy rozumieli potrzebę opanowania całego arsenału kultury pogańskiej, aby wykorzystać go w tworzeniu koncepcji filozoficznych. Myśliciele tacy jak Bazyli z Cezarei, Grzegorz z Nyssy i Grzegorz z Nazjanzu kładą podwaliny pod filozofię bizantyjską, która jest zakorzeniona w historii myśli greckiej. W centrum ich filozofii znajduje się rozumienie istnienia jako doskonałości. Rodzi się nowa estetyka, nowy system wartości duchowych i moralnych, zmienia się sam człowiek tamtej epoki, jego wizja świata i stosunek do wszechświata, przyrody i społeczeństwa.
Okresy w historii sztuki bizantyjskiej
Okres wczesnochrześcijański (tzw. kultura przedbizantyjska, I-III w.)
wczesny okres bizantyjski, „złoty wiek” cesarza Justyniana I, architektura Hagia Sophia w Konstantynopolu i mozaiki w Rawennie (VI-VII w.)
okres ikonoklastyczny (VII – początek IX w.). Nazywano go Ciemnym Czasem – w dużej mierze przez analogię z podobnym etapem rozwoju Europy Zachodniej.
Okres renesansu macedońskiego (867-1056) jest powszechnie uważany za klasyczny okres sztuki bizantyjskiej.
okres konserwatyzmu za panowania cesarzy z dynastii Komnenów (1081-1185)
okres renesansu paleologicznego, odrodzenie tradycji hellenistycznych (1261-1453).
Sztuka Cesarstwa Bizantyjskiego jest w dużej mierze przedmiotem debaty wśród historyków, filozofów i znawców kultury. Ale jeśli w ciągu kilku stuleci zaginęło wiele traktatów filozoficznych i obrazów, wówczas piękne bizantyjskie mozaiki wykonane z kamienia i smaltu stały się symbolem epoki i całej cywilizacji. W Cesarstwie Bizantyjskim zaczęto produkować mozaiki i smaltę; w źródłach historycznych pojawiają się opowieści o eksperymentach mistrzów smaltu w celu uzyskania różnych odcieni smaltu oraz próbach nadania szkłu smaltowemu różnych właściwości. Mozaiki wykonane ze smalty były nieodzownym atrybutem nie tylko budynków sakralnych i pałaców królewskich, ale także ozdabiały wnętrza domów zwykłych obywateli.
W porównaniu do antycznych mozaik wykonanych z kawałków kamienia, kompozycje smaltowe wyróżniały się większą różnorodnością barw, jasnością, grą światła na powierzchni i, co ważne, były znacznie tańsze. Zadecydowało to o szybkim rozpowszechnieniu się technologii smaltu zarówno w samym Cesarstwie Bizantyjskim, jak i poza jego granicami (w szczególności na starożytnej Rusi)
Bizantyjskie mozaiki wykonane ze smalty. Wczesny okres bizantyjski
Mauzoleum Galli Placidii w Rawennie, V wiek.
Mauzoleum Galli Placidii według legendy zbudowano ją jako miejsce pochówku córki cesarza Teodozjusza. Jednak tak naprawdę Galla została pochowana w Rzymie, a jej tzw. mauzoleum była kaplicą poświęconą św. Wawrzyniec – szczególnie czczony męczennik w rodzinie Teodozjusza i patron rodziny cesarskiej. Podobnie jak wiele innych budynków Rawenny, to martyrium zostało zbudowane przy użyciu techniki murowania lombardzkiego. Na zewnątrz jest bardzo podobny do konstrukcji fortecy: zamkniętą bryłę, celowo odgrodzoną od świata zewnętrznego, podkreślają grube mury i wąskie okna, przypominające strzelnice. W planie mauzoleum jest krzyżem greckim; na przecięciu ramion krzyża znajduje się sześcian, wewnątrz którego znajduje się kopuła na żaglach. Ciężkie, wiszące sklepienie, nie mające wyraźnych granic, pozbawione jest otworów okiennych. Dopiero przez wąskie okna w ścianach do wnętrza kościoła wpada przyćmione, migoczące światło.
Dolna część ścian kaplicy (do wysokości człowieka) wyłożona jest przezroczystym, płynącym marmurem o lekko żółtawym odcieniu. Powierzchnie kopuły i łuków, a także zaokrąglone odcinki ścian pod łukami (lunety) ozdobione są mozaikami smaltowymi. Kawałki smalty o nieregularnym kształcie tworzą nierówną powierzchnię. Z tego powodu światło z niego odbija się pod różnymi kątami, tworząc nie jednolity zimny połysk, ale magiczne, promienne migotanie, jakby fruwało w półmroku świątyni.
Tematyka malarstwa mauzoleum związana jest z obrzędem pogrzebowym. Mozaiki znajdują się jedynie w górnych partiach świątyni. Pośrodku sklepienia znajduje się krzyż (symbol zwycięstwa nad śmiercią) z gwiazdami na błękitnym niebie. Sklepienia zdobią gęste wzory kwiatowe związane z symboliką Ogrodu Eden. W południowej, dolnej lunecie przedstawiono św. Wawrzyniec idący z krzyżem na śmierć. W otwartej gablocie eksponowane są księgi czterech Ewangelii, inspirujące męczennika do bohaterskich czynów w imię Zbawiciela.
Święty Wawrzyniec. Mozaika południowej lunety Mauzoleum Galla Placydia w Rawennie. Około 440.
W górnych, dużych lunetach po bokach okien, apostołowie przedstawieni są parami w pełnej długości. Podnoszą ręce do kopuły z krzyżem, w niemym geście ucieleśniającym ewangeliczne wezwanie, uosobione w obrazie św. Wawrzyńca: „Weź swój krzyż i naśladuj mnie”. Apostołowie ukazani są w taki sposób, że ich zwroty i gesty organizują ruch okrężny, przechodząc od lunety do lunety. Tylko najwyżsi naczelni apostołowie Piotr i Paweł we wschodniej lunecie (gdzie znajduje się ołtarz) są przedstawieni symetrycznie: tutaj część się kończy.
W północnej, dolnej lunecie – ze ściany nad wejściem Chrystus w obrazie Dobrego Pasterza spogląda na gościa. Owce chodzą wokół Niego po zielonej trawie, a On czule dotyka owiec, gdy się zbliżają. Boski Pasterz ubrany jest w złote szaty i siedzi na wzgórzu niczym cesarz na tronie, mocno wsparty na krzyżu. Krzyż pełni tu rolę atrybutu władzy, niczym laska cesarska; Chrystus ustanawia ją na całym świecie jako znak triumfalnego marszu chrześcijaństwa. Postać Syna Bożego ukazana jest w skomplikowanym kontrapoście: ma skrzyżowane nogi, rękę wyciąga do owiec, ale głowę ma zwróconą w drugą stronę, a wzrok skierowany jest w dal.
Chrystusa Dobrego Pasterza. Mozaika północnej lunety Mauzoleum Galla Placydia w Rawennie. Około 440.
Cechą charakterystyczną mozaik Mauzoleum Galla jest kontrast dwóch lunet.
Scena z Dobrym Pasterzem utrzymana jest w duchu starożytnej pastorałki, z celowo wzruszającymi obrazami. Różowo-zielona paleta, subtelne przejścia kolorystyczne i zastosowanie półtonów w oddaniu ciała ukazują niesłabnący urok antyku, podkreślony zamknięciem kompozycji w ciężkiej i bujnej ramie otaczającego sklepienia skrzynkowego.
Scena z wizerunkiem św. Lavrentia demonstruje narodziny nowego języka artystycznego. Kompozycja jest przejrzysta, wyróżnia się prostą symetrią dużych form. Obraz został celowo wyniesiony na pierwszy plan. Początki perspektywy odwróconej (obraz kraty pod znacznie zmniejszonym oknem) tworzą iluzję przestrzeni „przewracającej się” na widza. Kompozycja nie jest zbudowana centralnie i piramidalnie (na wzór „Dobrego Pasterza”), ale poprzecznie, po przekątnych. Figura św. Lavrentia uchwycona w ruchu. Delikatne kontury fałd jego ubrania nie opadają, lecz unoszą się i krzyżują w kapryśnym rytmie. W twarzy świętej nie ma śladu delikatnego piękna i psychologicznej neutralności duszpasterstwa. Zasada duchowa, ekstatyczne oświecenie męczennika za wiarę, objawia się w nim ostro i potężnie.
Baptysterium prawosławnych w Rawennie, V wiek. Mozaika kopułowa
Przykładem budowli typu centrycznego jest baptysterium (baptysterium) prawosławnych w Rawennie. Plan jest ośmiokątem. Baptysterium zostało udekorowane za czasów biskupa Neona (451-73). Jej luksusowa dekoracja pozwala poczuć szczególny blask ceremonii chrzcielnej. Dekoracja jest bardzo przemyślana architektonicznie, a dekoracja architektoniczna (wzbogacony porządek joński) i rzeźbiarska (wysokie płaskorzeźby z wizerunkami proroków) organicznie łączy się z malarstwem mozaikowym i stanowi jego integralną część.
Główną cechą dekoracji jest realizacja jednego motywu na wszystkich jej poziomach - łuku na kolumnach lub portyku z frontonem na kolumnach. Motyw ten tworzy najniższą kondygnację ośmiokątnego baptysterium, gdzie głębokie arkazolie przeplatają się z fałszywymi niszami. Na drugim poziomie mnoży się: łuki, obramowanie rzeźb proroków, otaczają otwory okienne. W bardziej złożonej i bogatej formie ten sam motyw występuje w trzeciej, mozaikowej warstwie dekoracji. Tutaj motyw ten urzeczywistnił się iluzjonistycznie: odtwarza przestrzeń bazyliki, gdzie po bokach absyd umieszczono portyki z krzesłami biskupimi i drzewami owocowymi, w których prezentowane są trony z krzyżami lub ołtarze z otwartymi Ewangeliami na tronach. Wyżej, w ostatniej kondygnacji otaczającej centralny medalion, motyw łuku na kolumnach pojawia się w ukrytej formie: kolumny stają się tu luksusowymi złotymi kandelabrami oddzielającymi postacie apostołów, a łuki lub frontony stają się krzywiznami wiszących draperiów girlandy z ramy centralnego medalionu.
Wystrój baptysterium nawiązuje ściśle do tematu Niebieskiego Jeruzalem, ukazanego oczom chrześcijanina w scenie Chrztu Zbawiciela (Trzech Króli), znajdującej się w kopule, bezpośrednio nad chrzcielnicą. Dekoracja sprawia wrażenie „wpasowanej” w kulę kopuły, osiąga się to dzięki specjalnej technice: figury i oddzielające je elementy potraktowano jako rodzaj promieni – złotych promieni wychodzących z centralnego dysku. Temat Jerozolimy powyżej wyjaśnia obecność koron w rękach apostołów: będą oni zasiadać na dwunastu tronach, aby sądzić dwanaście pokoleń Izraela. Tym samym chrzest zostaje od razu osadzony w kontekście poszukiwania dobrej odpowiedzi na sąd Chrystusa, a bujne, owocujące drzewa w częściach symbolicznych bazylik trzeciego poziomu są obrazem duszy chrześcijańskiej wydającej dobre owoce. W ocenie należy przyjąć, że „Światło przyszło na świat”, a motyw światła wypływającego z centralnego medalionu z Chrystusem, zaznaczonego biało-złotymi strumieniami (na poziomie koła apostolskiego), nabiera w kompozycji szczególnego znaczenia.
Baptysterium Prawosławnych w Rawennie. V wiek Mozaika kopułowa.
Centralny medalion ze sceną chrztu Chrystusa (Trzech Króli).
Wokół centralnego medalionu znajduje się krąg apostolski.
Temat Niebieskiego Jeruzalem pojawia się w ścisłym splocie z tematem Kościoła ziemskiego. Obok perspektywy wizji Niebiańskiego Miasta w scenie Objawienia Pańskiego, nie mniej istotny jest tu wątek przekazania mocy i łask. Od Zbawiciela przyjmującego chrzest (centralny medalion) błogosławiona energia poprzez apostołów (promienie promieniste) przekazywana jest do ziemskiego kościoła (symbolizują to ołtarze i katedry biskupie trzeciego poziomu dekoracji). Ten odpływ korzystnej energii uważa się za ciągły, stały.
Ideę niewyczerpalności, nieskończoności tego przepływu podkreśla specyfika składu koła apostolskiego: nie ma w nim początku ani końca, nie ma centrum, ku któremu zmierzaliby uczniowie Chrystusa. Dokładniej, to centrum znajduje się poza samym okręgiem, jest to obraz Zbawiciela na centralnym medalionie. Obraz jako całość robi ogromne wrażenie. Postacie apostołów ukazane są w ruchu. Wielkość ich kroków podkreślają szeroko rozstawione nogi i łuk bioder. Nadal istnieje iluzja przestrzeni: powierzchnia, po której chodzą apostołowie, wydaje się jaśniejsza niż tajemnicze i bezdenne niebieskie tło głównego obrazu. Ciężkie i bujne stroje przywodzą na myśl przepych rzymskich szat patrycjuszowskich. W tunikach apostolskich różnią się tylko dwa kolory - biały, uosobiający światło i złoty - światło niebiańskie. Tylko wielokolorowe cienie (szary, niebieski, szary) podkreślają te świetliste szaty. Złote ubrania porównuje się do cienkiej, zwiewnej tkaniny - leży bujnie, jakby fałdy pęczniejące. Biała tkanina natomiast zastyga w nienaturalnie kruche fałdy.
Temat Objawienia Pańskiego to przede wszystkim temat wypływu światła, dawania światła. Apostołowie ukazani są jako nosiciele tego wiecznego światła, ponieważ niosą światło chrześcijańskiego oświecenia – oświecenia prawdą. Twarze apostołów robią wrażenie, każdy z nich ma odrębną osobowość. Pojawiają się jako realne jednostki, czemu sprzyja nierozwinięta jeszcze typologia i ikonografia wizerunków chrześcijańskich. Duże nosy, ostro zarysowane fałdy nosowo-wargowe, wydatne zmarszczki, mocno wystające karki, pulchne usta, wyrazisty wygląd. W tych obrazach, przyrównanych do rzymskich patrycjuszy, można dostrzec niesamowitą energię wewnętrzną, która symbolizuje potęgę Kościoła chrześcijańskiego V wieku, który stał się praktycznie jedyną władzą duchową i polityczną w świecie zachodnim.
Wielki Pałac Cesarski w Konstantynopolu. V wiek
W przeciwieństwie do budynków sakralnych z tamtej epoki, podłoga Wielkiego Pałacu Cesarskiego w Konstantynopolu zawiera dużą liczbę obrazów przedstawiających sceny z życia codziennego z udziałem ludzi i zwierząt. Uwagę przykuwa układ mozaiki tła – setki tysięcy kawałków gładkiej białej mozaiki tworzą przedziwny wzór, w którym zadziwiają rozmachem dzieła i dokładnością starożytnych mistrzów.
Orzeł i wąż. Mozaika na podłodze Wielkiego Pałacu Cesarskiego w Konstantynopolu. V wiek
Jeleń i wąż. Mozaika na podłodze Wielkiego Pałacu Cesarskiego w Konstantynopolu. V wiek
Zając i psy. Mozaika na podłodze Wielkiego Pałacu Cesarskiego w Konstantynopolu. V wiek
Chłopiec z koszem. Mozaika na podłodze Wielkiego Pałacu Cesarskiego w Konstantynopolu. V wiek
Scena duszpasterska. Mozaika na podłodze Wielkiego Pałacu Cesarskiego w Konstantynopolu. V wiek
Kościół San Vitale w Rawennie, VI wiek
W kompozycjach dominuje idealna równowaga. Formy architektoniczne, motywy roślinne, ciała ludzkie, przyrównane do najprostszych figur geometrycznych, zdają się być rysowane za pomocą linijki. Draperie nie mają ani objętości, ani żywej miękkości. Nie ma w niczym żywego uczucia substancji, nawet odrobiny naturalnego oddechu. Przestrzeń w końcu traci jakiekolwiek podobieństwo do rzeczywistości.
Bazylika Sant'Apollinare Nuovo w Rawennie, VI wiek
W przedstawianiu męczenników i męczenników widać wyraźny trend, który można nazwać sakralizacją stylu. Obraz świadomie dąży do oderwania się od konkretnych skojarzeń życiowych. Nawet najdalszy ślad wyimaginowanej przestrzeni lub środowiska akcji znika – całą wolną przestrzeń zajmuje nieskończone złote tło. Kwiaty pod stopami Mędrców i Męczenników pełnią rolę czysto symboliczną i dodatkowo podkreślają nierzeczywistość tego, co jest przedstawione.
Bazylika Sant'Apollinare in Classe w Rawennie, VI wiek
Styl mozaik wykazuje wyraźne oznaki zachodniego gustu. Formy są abstrakcyjne i celowo uproszczone, w kompozycji dominuje liniowy rytm; Szerokie i eteryczne plamy sylwetek pomalowane są równomierną barwą, która jako jedyna zachowuje wyrazistość. Zewnętrzna elegancja i dźwięczność kolorów rekompensują anemiczny i amorficzny styl.
Bizantyjskie mozaiki wykonane ze smalty. Epoka dynastii Komnenów
Mozaiki smaltowe w kościele Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny w Daphne
Najbardziej uderzającym i kompletnym przejawem stylu bizantyjskiego końca XI wieku i epoki Komnenów są mozaiki kościoła Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny w Daphne niedaleko Aten, reprezentujące wyjątkowe zjawisko w historii sztuki bizantyjskiej. Świątynia urządzona jest częściowo według schematu klasycznego: w kopule – Pantokrator z szesnastoma prorokami, w ścianach bębna, w absydzie – Matka Boża z czczącymi prorokami. Jednak duża liczba scen świątecznych umiejscowiona jest na płaskich powierzchniach ścian, a nie tylko na przejściowych elementach architektury pomiędzy częściami prostokątnymi i okrągłymi czy łukowymi przejściami.
Chrystus jest Pantokratorem. Mozaika kościoła Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny w Daphne. Około 1100
Mozaiki Daphne tworzą atmosferę święta, niezmąconego spokoju i powszechnej harmonii. Wszelkie ponure odcienie całkowicie znikają z malarstwa, a obrazy ewangelii wypełniają poetyckie piękno. Nawet w scenach namiętności nie ma śladu namiętności i patosu cierpienia i poświęcenia. W tym świecie szlachetnego i neutralnego piękna nie ma miejsca na krew, ból i koronę cierniową Ukrzyżowania.
W mozaikach Daphne rosną tendencje narracyjne: pojawia się w nich więcej scen, pejzaży i elementów architektonicznych, więcej uwagi poświęca się fabule. Jednak główną motywacją mistrza nie jest bynajmniej chęć wyraźnego rozwoju historii. Starannie dobrane detale, idealny charakter akcji, brak emocji, a przede wszystkim ekspresji i napięcia duchowego ujmuje świat nie jako proces, ale jako stan. Artystę interesuje raczej nie to, co się dzieje, ale to, jak to się dzieje.
Chrzest Chrystusa. Mozaika kościoła Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny w Daphne. Około 1100
W Daphne opracowano zasady kompozycyjne malarstwa bizantyjskiego. Mozaikowe kompozycje są bardzo swobodne, wypełnione szerokim powiewem przestrzeni niezajętej przez formy. Charakterystyczna jest nie tylko posągowość, ale idealna, pełna okrągłość brył, upodabniająca postacie obrazu do pięknej okrągłej rzeźby. Zmienił się stosunek postaci do siebie i do przestrzeni: postacie są przedstawiane pod różnymi kątami i rozkładami, obfitość zarysów trzech czwartych i profili tworzy ciągły ruch objętości z głębi na zewnątrz. Obszerne, ale lekkie tkaniny ukazują plastyczność brył, a jednocześnie pozostają w tyle za powierzchnią, jakby lekko rozwiane przez wiatr.
Pojawienie się anioła Joachimowi. Mozaika kościoła Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny w Daphne. Około 1100
Twarze uderzają szczególnym, chłodnym pięknem, spokojem, nieskończonym dystansem od świata namiętności i emocji. Nawet ładne, delikatne typy (Matka Boża, anioły) są całkowicie oderwane od emocjonalnej czułości. Poczucie idealnej beznamiętności porównuje obraz człowieka i Boga-Człowieka do beznamiętności idealnie zorganizowanego i uporządkowanego kosmosu. Paleta kolorów smaltu nabiera szczególnej lekkości i wewnętrznego blasku. Niezwykłe bogactwo odcieni kolorystycznych, błyskawicznie przekształcających podstawowy ton, wywołuje wrażenie drgającej powierzchni tkanin. Wszystkie kolory ujęte są w jedną, chłodno-srebrną tonację z przewagą odcieni jesionu, srebra, błękitu, zimnego różu i lśniącego szafiru. Złote tło smaltu sprawia wrażenie luźnego i przejrzystego dzięki jasnemu, lekko zielonkawemu odcieniowi złota.
Mozaiki z katedry w Cefalu
Mozaiki bazyliki w Cefalu (Sycylia) należą do klasycznego ruchu w sztuce epoki komneńskiej, który przetrwał przez cały XII wiek. Powstanie mozaik w Cefalu zbiegło się z panowaniem Manuela Komnena, czasem powszechnej ekspansji sztuki bizantyjskiej, genialnym dziełem artystów Konstantynopola na całym świecie, wskrzeszającym chwałę wielkiego Cesarstwa Rzymskiego, którego odrodzenie wielkości o jakim marzył cesarz.
Zespół wykonali mistrzowie Konstantynopola na zlecenie króla Normandii Rogera II. Kompozycje łączą w sobie bizantyjską doskonałość artystycznego wykonania i głębię duchowego znaczenia z niezwykłym, nieco barbarzyńskim poczuciem świątecznego luksusu. Najważniejszym elementem mozaikowej dekoracji katedry jest monumentalny wizerunek Chrystusa Pantokratora w muszli absydy. Ten typowo bizantyjski obraz tradycyjnie zajmował centralną kopułę greckich świątyń. W ręku Chrystusa jest Ewangelia, na której rozłożonym fragmencie czytamy: „Ja jestem światłością świata”. Odzwierciedlając dwoisty charakter ówczesnej kultury sycylijskiej, napis jest reprodukowany w dwóch językach, na jednej stronie po łacinie, na drugiej po grecku, choć sam obraz jest niewątpliwie dziełem mistrza bizantyjskiego.
Chrystusa Pantokratora. Mozaika konchy absydy katedry w Cefalu. XII wiek
Oblicze Chrystusa jest pełne wielkości, ale nie ma w nim tej surowej powściągliwości i duchowej intensywności, które są charakterystyczne dla wschodnich chrześcijańskich poglądów na temat Chrystusa jako „potężnego Sędziego”. Kompozycję wyróżnia klarowność, rygor, przejrzystość języka artystycznego i wewnętrznego znaczenia. Postać Chrystusa jest pełna łaski i szczególnej szlachetności formy.
2 - Freski
Seria nieszczęść, które spadły na kulturę europejską, w jakiejś metodycznej sekwencji, zniszczyła te zabytki. Ale przede wszystkim cierpieli z powodu zaniedbań i braku funduszy. W szczególności historia imperium jest obecnie (z krótkimi przerwami) historią stopniowej demoralizacji i bankructwa. Do tego dochodziła obojętność na klasyczną sztukę dekadenckich pogan i nienawiść wobec niej triumfujących fanatyków chrześcijańskich. Świątynie zamykano i niszczono z braku wiernych, bożki niszczono niczym diabelskie maski, w ten sposób ginęły źródła wiedzy artystycznej i inspiracji, gdyż nie tylko sztuka katakumb była dzieckiem sztuki starożytnej, ale cała sztuka Bizancjum aż do w X wieku (i częściowo później) było tak samo. Do tego powolnego rozkładu organicznego należy dodać bardziej przerażające, a czasem nawet śmiertelne kryzysy, takie jak napływ barbarzyńców. Włochy, z wyjątkiem regionu papieskiego, były już w VII wieku „pustynią kulturową”, a wszystkie główne bastiony starożytnej edukacji stały się dzikie i opuszczone pod naporem elementów przybywających z Azji: Egipt, Antiochia, cała północ Afryki. Pod nowym znakiem islamu następuje już odrodzenie niektórych z tych obszarów.
W prawdziwej „stolicy” upadającego królestwa, w „nowym Rzymie” – w Konstantynopolu, kryzysy te odpowiadają zamieszkom dynastycznym i innym, najazdom i oblężeniom, a także dewastacji długotrwałego ruchu ikonoklastycznego. Co jedni oszczędzili, inni zniszczyli. W szczególności ikonoklastowie niszczą wszystko, co stworzyli ich poprzednicy, całą twórczość chrześcijańsko-kościelną, w zamian zaznaczając pewien zwrot w kierunku starożytnego „świeckiego” rozumienia sztuki; reakcyjne duchowieństwo pokonuje ikonoklastów, z tym większą wściekłością kontynuować dzieło niszczenia pogańskiej starożytności. Żałosne pozostałości hellenizmu zginęły następnie pod warstwami kultury arabskiej, a następnie tureckiej.
Od tego, co pozostało z ostatniego (już chrześcijańskiego) okresu malarstwa starożytnego, wszystko sprowadza się do mozaik ściennych i fresków w Rawennie, Rzymie, Neapolu, Synaju, Salonikach, na Cyprze, w małych kościołach egipskich, po kilkadziesiąt rękopisów z ilustracjami (żadnych z których są oryginalne), tekstylia, głównie egipskie i kilka mozaikowych podłóg. Ponadto pośrednią ideę malarstwa dają przedmioty z kości słoniowej i dekoracje reliefowe na palestyńskich naczyniach naftowych i marmurowych sarkofagach. Wszystkie te zabytki potwierdzają siłę sztuki hellenistycznej, z którą spotkaliśmy się już analizując freski kampańskie i rzymskie, wszystkie noszą cechy sztuki późnej aleksandryjskiej (czy wschodnioazjatyckiej), a jednocześnie wyrażają już mocno swego rodzaju „egzotykę”; obcy klasycyzmowi. Należy pomyśleć, że elementy narodowe chwilowo stłumione przez Greków i Rzymian w prowincjach azjatyckich i afrykańskich, królestwie Aleksandra i imperium Cezarów, od chwili osłabienia kultury aluwialnej zdobywców, zaczęły ją stopniowo ponownie przejmować , a do tego dodano rolę Wschodu jako kolebki powszechnie przyjętej religii oficjalnej i wreszcie wpływ cywilizacji perskiej napierającej na imperium od wschodu.
Młody Dawid, psalmista wśród trzody. Miniatura z „Psałterza Paryskiego” z X wieku
Ten „orientalny odcień” chrześcijańskiej sztuki starożytnej przyczynił się z jednej strony do ignorowania wszelkich elementów czysto plastycznych: malarstwo stawało się coraz bardziej „płaskie” 1 ; z drugiej strony ten sam „orientalny odcień” nadawał sztuce całego imperium majestatyczny schematyzm obcy kulturze klasycznej. Dwór cesarzy bizantyjskich zapożyczył wiele cech etykiety ze wschodnich rytuałów dworskich, nadając te same cechy sztuce kościelnej, która została bezpośrednio powiązana z władzą cesarską.
Równolegle z surową powagą i schematycznym protokołem napłynęło ze wschodu pragnienie niesamowitego luksusu i przepychu, wyrażające się zarówno w ogromnym wykorzystaniu złota i srebra, jak i gęstych, jasnych kolorów.
Przeniesienie relikwii św. Znaczek do Wenecji. W tle kompozycji widać katedrę św. Marka utrzymana jest w oryginalnej formie. Rzadki przykład „weduty” w malarstwie bizantyjskim. Mozaika z XIII wieku na fasadzie katedry.
Można postawić tezę, że wszystko, co w chrześcijańskiej sztuce antycznej delikatne, eleganckie, harmonijne, dowcipne i mniej lub bardziej żywotne, to ostatnie ślady zanikającego hellenizmu. Wręcz przeciwnie, wszystko, co bezduszne i „dumne” w swoich formach, różnorodne i luksusowe w kolorach, wszystko to przyszło ze wschodu i nie najmniejszą rolę mogły odegrać zaginione kultury Asyrii i Babilonu, które dały ich ostatnie odbicie w sztuce w tym samym czasie Sasanidów.
Główne zmiany w sztuce chrześcijańskiej, jak można się spodziewać, nastąpiły w obszarze malarstwa religijnego o charakterze historycznym i symbolicznym, do którego przeciwnie, zajmiemy się później, w obszarze będącym przedmiotem naszych badań w tej części; tj. w pejzażu, a także w malarstwie zwierząt i martwej przyrody, od dawna, aż do X wieku (a w miniaturze jeszcze dłużej), obserwujemy ciągłe przywracanie starożytnych form i jakby nawet samego ducha sztuki hellenistycznej.
W roku 330, na długo przed rozpadem Cesarstwa Rzymskiego na część zachodnią i wschodnią, cesarz Konstantyn zbudował na terytorium Azji Mniejszej miasto nazwane jego imieniem – Konstantynopol. To miasto zostało zbudowane na miejscu starożytnego miasta Bizancjum. Następnie, gdy Cesarstwo Rzymskie zostało podzielone, wschodnią część nazwano Bizancjum, a Konstantynopol stał się jego stolicą.
Sztuka bizantyjska rozwinęła się na bazie kultury hellenistycznej Grecji, Palestyny, Egiptu ptolemejskiego i Iranu. Bizancjum zapoczątkowało kształtowanie się kultury grecko-wschodniej. Sztuka bizantyjska przesiąknięta jest ideami prawosławia. Kult łączył wszystkie rodzaje sztuki: architekturę, malarstwo, literaturę, rzeźbę, sztukę użytkową. Ponieważ sztuka bizantyjska ma charakter kultowy, jest ściśle kanonizowana.
W bizantyjskiej kulturze artystycznej łączą się dwie zasady: esencja emocjonalna i duchowa oraz zasada dekoracyjna, wspaniała rozrywka i wyrafinowany spirytyzm (spirito - duch). Wyjątkowość sztuki bizantyjskiej polega na tym, że łączyła ona obie w jeden system artystyczny, ściśle normatywny, kanoniczny, przesiąknięty duchem uroczystej i tajemniczej ceremonii. Przepych, przepych, złoto i marmur, piękno i blask – wszystko okazało się stosowne, jako symbol duchowej błogości, a jednocześnie ten luksus wpisywał się w styl Cesarstwa Wschodniorzymskiego i gusta bogatego dworu Konstantynopola. Okresy rozwoju sztuki bizantyjskiej. Okres wczesny – „Złoty wiek cesarza Justyniana 527-565”. – 4-7 wieków AD Okres ikonoklazmu - VIII wiek - I połowa IX wieku. ne Renesans macedoński 2. połowa IX - X wiek. AD Okres Komninów (dynastia Komnenów) – 11-12 wieków. AD Okres paleologów (dynastia paleologów) – 1261-1453. OGŁOSZENIE Głównymi formami malarstwa bizantyjskiego były: monumentalne malarstwo świątynne (mozaika, fresk), ikony, miniatury książkowe Mozaika jest najbardziej charakterystycznym dziełem geniuszu bizantyjskiego. Małe wielokolorowe kostki smalty (stopu szkła z farbami mineralnymi) migoczą, błyskają, mienią się, odbijając światło. Dokładnie obliczając kąt padania światła, nadając powierzchni mozaiki nieco chropowatą, mistrzowie uzyskali wspaniałe efekty obrazowe. Uwzględniono optyczne zespolenie barw w oku modlącej się osoby patrzącej na nią z dużej odległości. Najstarsze mozaiki znajdują się w grobowcach i świątyniach Rawenny (Włochy). Okres Justyniana. 1. Mauzoleum Galli Placidiusa: „Chrystus Dobry Pasterz”, połowa V w. Na niebieskim tle wizerunek młodego Chrystusa. Chrystus jest przedstawiany w ikonografii jako Emmanuel („Bóg z nami”). Chrystus jako Dobry Pasterz, idea Ogrodów Edenu2. Kościół św. Witalija, Rawenna, VI wiek. OGŁOSZENIE : Dwie sparowane mozaiki: cesarz Justynian ze swoim orszakiem i cesarzowa Teodora ze swoim orszakiem.3. Sparowana mozaika „Męczennicy i Męczennicy”, Kościół San Apollinare w Nuovo (połowa VI wieku). Mozaika wykonana jest na złotym tle, w odcieniach bieli i zieleni. Obecność bujnej dekoracyjności i duchowości. Męczennicy są w stanie oczekiwania, w ich rękach są korony chwały. Postacie ukazane są frontalnie, statycznie. Ich imiona są wyryte nad głowami męczenników, ale nie ma indywidualnego opisu. Stan bycia w duchowej jedności z Bogiem, co upodabnia go do mozaiki Justyniana. Jeśli męczennicy różnią się nieznacznie pod względem wieku, to męczennicy również tego nie mają. Podobieństwo wyglądu świadczy o podobieństwie ich losu. Dla artysty ważne było podkreślenie, że wszyscy są „braćmi i siostrami w Chrystusie” Okres Komneński. Mozaiki z okresu komneńskiego wyróżniają się różnorodnością stylistyczną. 1. Cesarz Jan II i cesarzowa Irina przed Matką Boską z Dzieciątkiem Carewiczem Aleksiejem Obie mozaiki pochodzą z XII wieku. i znajdują się w Zofii w Konstantynopolu. Postacie są zastygłe w napiętych pozach. Całkowicie zamieniły się w płaskie sylwetki pokryte geometrycznymi wzorami, jakby naklejone na złote tło. Ludzkie ciało znika za grą ozdobnych form. Twarze zbudowane są z małych, dobrze dopasowanych kostek smaltowych, które jednocześnie układają się w geometryczne wzory. W tej wersji rumieniec na policzkach cesarzowej bardziej przypomina tatuaż, a refleksy na twarzy Aleksieja przypominają blizny. 2. Chrystus, XII wiek.3. Dziewica z Dzieciątkiem, 9c Znajduje się w centralnej absydzie Zofii Konstantynopola. Według legendy mozaikę wykonał słynny grecki artysta Łazarz. Zmarł w 854 r., po wielu cierpieniach z powodu ikonoklastów. Artysta podkreślił kosmiczną rolę Dziewicy w zbawieniu świata, a dodatkowo uwydatnił motyw Matki Bożej jako tronu Bożej mądrości. Żywe i pełnokrwiste doświadczenie antyku, wskazujące, że dla sztuki bizantyjskiej klasyka, będąca obrazem idealnego ludzkiego piękna, była także drogą poszukiwania najwyższej duchowości. Obrazy obdarzone są autentyczną monumentalnością, dominuje aspekt posągowy, powaga i królewskość Matki Bożej kreowana jest tu nie tylko przez nieosiągalną wielkość, ale także przez idealną abstrakcję od świata ziemskich wymiarów. Dziewica Maryja jest tu Królową Nieba, ale być może po raz ostatni jest także Boginią. Ikonografia „Panahrantos” – „Najczystszy”. Interpretacja wizerunku dziecka – małego dorosłego.
Inny styl mają mozaiki kościołów w Daphni i Cefalu. Zamiast malowniczego rozwiązania mozaik z okresu komneńskiego kultywuje się zamkniętą linię konturową. Mozaiki te charakteryzują się świetną grafiką 1. Chrystus Pantokrator (Pantokrator), absyda katedry w Cefalu 2. Chrzest Chrystusa, klasztor w Daphne 3. Pantokrator, w kopule kościoła klasztornego w Daphne Obrazy są bardziej rygorystyczne, ascetyczny, surowy. Okres paleologa. W mozaikach z okresu paleologa widać większą ekspresję i swobodę ruchu. Wszystko w tych mozaikach się poruszyło. Figury nie są statyczne i nie są frontalne. Nie są zwróceni twarzą do modlącego się, ale zwróceni do siebie. Tworzy się pewne ogólne rozwiązanie kompozycyjne. Na tych mozaikach pojawiają się obrazy fantastycznych budowli architektonicznych, wystających już w nieco zagłębionej przestrzeni. Mozaiki kościoła Kahrie-Jami. Ucieczka świętych Józefa i Marii do Egiptu przed skrybami króla Heroda Mistrzowie fresków sięgali po freski, jeśli kościół był bardzo mały lub biedny. Zwiastowania, Kościół Najświętszej Marii Panny, VII wiek. Bracia Machabeusze i ich matka Samona, Kościół Najświętszej Marii Panny, VII wiek. Fresk wyróżnia się swobodą, naturalnością ułożenia postaci i brakiem sztywności w pozach. Formy rzeźbione są szerokim, swobodnie rzuconym pociągnięciem pędzla. Zwiastowania, Kościół Najświętszej Marii Panny, VIII w. Interpretacja twarzy to „natchniona brzydota”. Uczucie wewnętrznego spalania.” Piękny Anioł”, Kościół Najświętszej Marii Panny, VIII w. Chłodniejsza kolorystyka, mocne zaokrąglenie, mocna, szeroka linia. Ucieczka do Egiptu, Kościół Mariacki, VIII w. Formy są bardziej masywne i plastycznie określone. Ojcowie Święci, Zofia z Ochrydy, XII wiek.
Okres od połowy IX do XIV wieku to czas największego rozkwitu bizantyjskich mozaik i fresków. Jednym z najwcześniejszych zabytków z tego okresu jest mozaika Hagia Sophia w Salonikach. Kompozycja „Wniebowstąpienie” (880–885) znajduje się w kopule świątyni. W centrum Chrystus w medalionie, z nieproporcjonalnie dużą głową, siedzący na tęczy. Medalion podtrzymują dwa latające anioły w białych szatach z wielobarwnymi skrzydłami. Bezpośrednio pod Chrystusem, w bębnie kopuły, Matka Boża ukazana jest w pełnej wysokości z wzniesionymi ramionami („Oranta”), po obu jej stronach znajdują się dwaj Aniołowie wskazujący rękami na wstępującego Chrystusa. W tym samym rzędzie stoi dwunastu apostołów, oddzielonych od siebie wysokimi drzewami z nagimi pniami i zielonymi koronami. W muszli absydy ukazana jest Matka Boża z Dzieciątkiem siedząca na tronie (przełom XI i XII w.). W sklepieniu vimy ołtarza znajduje się obraz krzyża, pozostały po czasach ikonoklazmu.
Wybitnym zabytkiem chrześcijańskiej sztuki renesansu macedońskiego są doskonale zachowane mozaiki klasztoru Hosios Loukas (św. Łukasza), pochodzące z 1. połowy XI wieku. Kopuła świątyni przedstawia Pięćdziesiątnicę: pośrodku kompozycji znajduje się „Przygotowany tron”, na szczycie którego znajduje się gołąb z głową w złotej aureoli, symbolizujący Ducha Świętego. Z medalionu promienie światła padają na dwunastu apostołów siedzących w kopule, a nad głową każdego apostoła znajduje się język płomienia. Apostołowie są przedstawieni jako siedzący na tronach i rozmawiający ze sobą; Każdy apostoł trzyma w ręku Ewangelię. W żaglach kopuły przedstawiciele różnych narodów w fantazyjnych strojach stoją i słuchają apostołów. Konchę absydy ołtarza zajmuje obraz Matki Boskiej z Dzieciątkiem siedzących na tronie. Na cykl chrystologiczny składają się cztery kompozycje znajdujące się w głównej części świątyni („Zwiastowanie”, „Boże Narodzenie”, „Gromniczne” i „Chrzest”) w żaglach nad tympanonem kopuły, sceny Męki Pańskiej w prezbiterium („ Umycie nóg”, „Ukrzyżowanie”, „Zejście do piekła”) i „Zesłanie Ducha Świętego” w małej kopule nad ołtarzem. Pozostałą część przestrzeni świątyni zdobi wiele wizerunków świętych (około 150) z szeroko otwartymi, nieproporcjonalnie dużymi oczami i ciemnymi źrenicami: wśród świętych znaczące miejsce zajmują czcigodni, co wynika z klasztornego charakteru budowli . W diakonie zachowały się mozaiki przedstawiające sceny ze Starego Testamentu: Daniela w lwiej jaskini, trzech młodzieńców w piecu babilońskim.
Oprócz mozaik w Hosios Loukas zachowało się szereg fresków datowanych na okres od połowy X do pierwszej ćwierci XI wieku. Jedna z nich przedstawia Jozuego w stroju wojskowym: na głowie ma hełm, na ciele założono kolczugę, w lewej ręce włócznię, a za pasem miecz. Kompozycja „Spotkanie Chrystusa z Janem Chrzcicielem” umieszczona jest w dwóch łukach: w lewym łuku znajduje się obraz Poprzednika zwróconego ku Chrystusowi w płaszczu podbitym wełną, z krzyżem w prawej ręce i wyciągniętą lewą ręką do Jezusa; w prawym łuku - Chrystus ze zwojem w lewej ręce i prawą ręką uniesioną w geście błogosławieństwa; Poprzednik jest przedstawiony jako stojący na ziemi, a Jezus idzie w jego stronę. W kompozycji „Wejście Pana do Jerozolimy” Chrystus ze zwojem w ręku siedzi na ośle; dziecko wspinające się na drzewo patrzy na Chrystusa; ludzie z gałązkami palmowymi pozdrawiają nadchodzącego Mesjasza. W scenie Złożenia do grobu Chrystus jest przedstawiony owinięty w całuny pogrzebowe; tylko Jego twarz z zamkniętymi oczami pozostaje otwarta; pogrążona w żałobie Matka Boża pochylona nad ciałem Chrystusa; Józef i Nikodem podtrzymują ciało rękami. Ta sama kompozycja przedstawia inną scenę z ewangelii: dwie kobiety niosące mirrę przy pustym grobie, na wieczku którego siedzi Anioł.
Zachowane mozaiki kościoła Hagia Sophia w Konstantynopolu dają jedynie częściowe wyobrażenie o zespole jego wystroju wnętrz. Duże znaczenie w mozaikach przywiązywano do wizerunków Chrystusa i Marii Panny, a także wizerunków cesarzy i cesarzowych. W muszli absydy ołtarza zachował się mozaikowy obraz Matki Bożej na tronie z Dzieciątkiem siedzącym na Jej kolanach, wykonany w 867 r. Postawa Matki Bożej jest statyczna, postać majestatyczna, ciało ubrane w ciemnoniebieskie maforium jest nieproporcjonalnie duże w porównaniu z głową; Twarze Matki i Dziecka są zaprojektowane według starożytnych tradycji. Mozaikowy obraz Chrystusa na tronie z otwartą Ewangelią pochodzi z początku X wieku; po dwóch stronach Chrystusa medaliony przedstawiające Matkę Bożą i Archanioła; u stóp tronu – cesarz Leon VI Mądry, pochylony w pełnej czci modlitwie (C886-912). Na przełomie X i XI w. powstał mozaikowy obraz Matki Bożej na tronie z Dzieciątkiem; Po Jej prawej stronie stoi cesarz Justynian z modelem kościoła Hagia Sophia w dłoniach, po lewej stronie stoi Konstantyn Wielki z symbolicznym modelem miasta. Wizerunek Chrystusa na tronie z nadchodzącym cesarzem Konstantynem Monomą pochodzi z 1044 roku 
domu i cesarzowej Zoi. Około 1118 r. powstała mozaika, na której przedstawieni są cesarz Jan Komnen i cesarzowa Irena obok Matki Boskiej trzymającej Dzieciątko na rękach.
Ze wszystkich zachowanych kompozycji mozaikowych Zofii Konstantynopola najbardziej imponująca pod względem siły wyrazu jest Deisis z 1261 roku. W centrum kompozycji znajduje się Chrystus w niebieskiej himacji z prawą ręką uniesioną w geście błogosławieństwa, a po lewej Ewangelia. Twarz Chrystusa naznaczona jest piętnem miękkiej koncentracji 
i nos jest wydłużony, usta pełne. Oczy, jak na ikonie Pantokratora na Synaju, są asymetryczne; spojrzenie jest nieostre, co stwarza wrażenie obecności i jednocześnie pewnego oddzielenia Chrystusa od modlącego się. Matka Boża i Jan Chrzciciel są zwróceni na wpół zwróceni do Zbawiciela: na ich twarzach widać piętno smutku i skupienia.
Mozaiki z Hagia Sophia w Kijowie są jednym z najwybitniejszych zabytków sztuki bizantyjskiej pierwszej połowy XI wieku. Ogólnie program dekoracji wnętrz świątyni koncentruje się na modelach bizantyjskich. Z oryginalnego zespołu mozaikowego, który zajmował powierzchnię 640 metrów kwadratowych. m, tylko około 260 mkw. m, ale zachowane mozaiki dają wyobrażenie o wielkości planu i doskonałości jego realizacji. W kopule świątyni znajduje się medalion z wizerunkiem Chrystusa Pantokratora, pod nim znajdują się cztery postacie Archaniołów (częściowo zachowała się tylko jedna z nich). W bębnie kopuły, pomiędzy oknami, umieszczono wizerunki apostołów (zachowała się tylko część postaci apostoła Pawła); w żaglach jest czterech ewangelistów (przeżył tylko Marek). Na łukach podtrzymujących kopułę umieszczono cztery medaliony, z których zachowały się dwa – Matka Boża i Chrystus Kapłan: ten ostatni to „semicko-palestyński” typ wizerunku Chrystusa z krótkimi kręconymi włosami i starannie przystrzyżoną brodą. Na łukach poprzecznych znajdują się medaliony z wizerunkami czterdziestu męczenników z Sebasty (z czterdziestu zachowało się 15 medalionów). W muszli absydy Matka Boża „Oranta” ukazana jest w pełnej wysokości: Jej postać (wysokość 5,45 m) dominuje nad całym mozaikowym zespołem świątyni. Nad „Orantą” znajduje się Deisis w trzech medalionach; pod „Orantą” w środkowym rejestrze znajduje się „Komunia Apostołów” (Chrystus jest przedstawiony dwukrotnie), a w dolnym rejestrze obrzęd 
Świętych, w centrum których w obrocie o trzy czwarte ukazani są diakoni z monstrancjami, co nadaje całemu obrzędowi wyraźnie liturgiczny charakter. Kompozycja „Zwiastowanie” umieszczona jest na filarach przed konchą ołtarza. Na ścianach katedry znajdują się liczne wizerunki świętych. Postacie Chrystusa, Marii Panny i świętych w kompozycjach Kijowskiej Zofii wyróżniają się statycznością i monumentalnością; dominują pozy czołowe. Rysy twarzy większości postaci są podkreślone geometrycznie, oczy są powiększone, usta pełne, nos szeroki.
Wybitnym zabytkiem bizantyjskiego malarstwa monumentalnego są freski kościoła Hagia Sophia w Ochrydzie (Macedonia) pochodzące z lat 1037-1056. Freski wyróżniają się kunsztem wykonania, wyrazistością twarzy i różnorodnością kompozycyjną. W muszli absydy ołtarza ukazana jest Matka Boska w pozie statycznej, zasiadającej na tronie; w Jej rękach w owalnym medalionie jest Dzieciątko Chrystus. W dolnym rejestrze – komunia apostołów: w centrum kompozycji Chrystus stojący pod cyborium i zwrócony twarzą do widza; Prawą rękę podnosi w geście błogosławieństwa, w lewej trzyma chleb; po obu stronach Zbawiciela są dwaj Aniołowie; po prawej i lewej stronie apostołowie podchodzą do Zbawiciela, ustawieni w rzędzie. Na sklepieniu absydy ołtarza znajduje się okazała kompozycja „Wniebowstąpienie”, pośrodku której w medalionie znajduje się wizerunek Chrystusa siedzącego na tęczy; Medalion podtrzymują cztery anioły. Po dwóch stronach medalionu znajdują się rzędy apostołów i aniołów (po jednym aniołku w każdym rzędzie); apostołowie przedstawieni są w dynamicznych pozach, z twarzą zwróconą do wznoszącego się Chrystusa; wśród apostołów jest Matka Boża. Pod każdym rzędem znajduje się kolejny, w którym przedstawiono Anioły. Ściany absydy ołtarza zdobią wizerunki świętych, sceny ze Starego Testamentu dotyczące Eucharystii (w szczególności gościnności Abrahama) oraz sceny z Nowego Testamentu.
Okazały zespół mozaik klasztoru Zaśnięcia Najświętszej Marii Panny w Daphni (Grecja) pochodzi z końca XI wieku, okresu tzw. renesansu komneńskiego. W zespole dominuje wizerunek Chrystusa Pantokratora: wysokie brwi, spojrzenie skierowane w bok, fałdy na twarzy, czole i szyi, potężny tułów - wszystko to nadaje obrazowi surowość nietypową jak na standardy bizantyjskie. W bębnie kopułowym przedstawiono szesnastu proroków. W absydzie ołtarza znajduje się Matka Boża wraz z oddającymi Jej cześć prorokami. Wiele uwagi poświęca się wielofigurowym kompozycjom poświęconym głównym świętom kościelnym. Postacie bohaterów są dynamiczne i pełne wdzięku; bohaterowie ukazani są w różnorodnych pozach – czołowej, profilowej, półobróconej; Twarze naznaczone są piętnem spokoju i skupienia. Anioły są bohaterami wielu kompozycji, co stwarza wrażenie ciągłości 
znacząca obecność Sił Niebieskich w życiu człowieka. W cyklu Theotokos znajdują się liczne kompozycje z życia Matki Bożej, m.in. Jej Narodziny, Wprowadzenie i Wniebowzięcie. Ogólnie zespół mozaik charakteryzuje się chęcią jak najpełniejszego odzwierciedlenia głównych wydarzeń roku liturgicznego: temat mozaik koncentruje się nie tyle na sekwencji wydarzeń ewangelicznych, ile na kalendarzu kościelnym.
Malowidło kościoła Wniebowzięcia NMP we wsi pochodzi z lat 90-tych XI wieku. Ateni (Ateni Syjon). Gruzińskie malarstwo monumentalne było genetycznie związane z Bizancjum, miało jednak wyraźne cechy narodowe, które w pełni znalazły odzwierciedlenie w malarstwie Atona Syjonu. W muszli absydy ołtarza ukazana jest Matka Boża Nikopea z Dzieciątkiem Chrystus, po obu jej stronach znajdują się Archaniołowie Michał i Gabriel. Poniżej kompozycja „Eucharystia” z apostołami zwróconymi twarzą do Chrystusa. W najniższym rejestrze znajdują się święci, w otworach międzyokiennych stylity. Inne wizerunki absydy ołtarza przedstawiają archidiakona Stefana i Czcigodnego Rzymianina Słodkiego Śpiewaka, a także patronów świątyni, w tym króla Dawida IV Budowniczego. W absydzie północnej umieszczono cykl świąt, w apsydzie południowej 14 scen z życia Najświętszej Marii Panny, w apsydzie zachodniej – Sąd Ostateczny. Tromposy (zamiast ewangelistów) przedstawiają uosobione biblijne rzeki Nil, Piszon, Tygrys i Eufrat w postaci młodych mężczyzn na falach. Ogólny styl obrazów wskazuje, że należały one do mistrzów gruzińskich. Przeważają ciemne kolory, sylwetki postaci są wyraźnie określone, obrazy wyróżniają się monumentalnością, statyką i ciężkością form.
W XII - pierwszej połowie XIII wieku w kościołach Włoch, zwłaszcza w sycylijskich miastach Cefalu, Monreale i Palermo, w Wenecji i Rzymie, powstało wiele zespołów mozaikowych w stylu bizantyjskim. Mozaiki absydy ołtarzowej katedry w Cefalu, pochodzące z 1. połowy XII w., stanowią jedno z najdoskonalszych dzieł sztuki bizantyjskiej. Według badacza „mozaiki te na pierwszy rzut oka zachwycają szlachetnym pięknem swoich czysto bizantyjskich form. Postacie wyróżniają się surowością proporcji, projektem niezwykłą siłą, interpretacją ubioru niemal starożytnym wdziękiem. Szczególnie wyrafinowany jest wizerunek Pantokratora w muszli, jego włosy i broda są starannie wymodelowane, a wyraz twarzy wyraźnie ascetyczny. Poniżej Pantokratora znajduje się „Oranta” o znacznie mniejszych rozmiarach, z dwoma Aniołami po obu stronach. Dolne rejestry apsydy ołtarza zajmują wizerunki apostołów. Chrystus i Matka Boża ukazani są w pozach ściśle frontalnych, natomiast postacie apostołów podane są w różnej kolejności. Graficzny charakter projektu, precyzja i wyrazistość linii łączą się w mozaikach Cefalu z wyrazistością obrazów, z których każdy ma swoje charakterystyczne cechy.
W mozaikach Włoch wpływy bizantyjskie współistnieją z wpływami teologii łacińskiej i lokalnych tradycji. Jedna z XII-wiecznych mozaik w Torcello (Wenecja) przedstawia kompozycję „Drugie przyjście”, która zawiera cztery rejestry. W centrum górnego rejestru, w owalnym medalionie, przedstawiono siedzącego Chrystusa z opuszczonymi ramionami, dłońmi zwróconymi w stronę publiczności (pokazuje rany od gwoździ na dłoniach). Z medalionu wypływa ognisty strumień, dzieląc kompozycję na królestwo zbawionych (po lewej stronie widza, czyli po prawej stronie Chrystusa) i królestwo potępionych (po lewej stronie). Po bokach Chrystusa stoi Matka Boża i Jan Chrzciciel, za nimi zastęp Aniołów. W tym samym rejestrze apostołowie przedstawieni są w białych szatach, z Ewangeliami lub zwojami w rękach; Piotr, zgodnie z tradycją, trzyma klucze. W centrum drugiego rejestru znajduje się „Tron Przygotowany”, za którym stoi ośmioramienny krzyż; przy krzyżu stoją dwaj Aniołowie, u stóp Tronu – klęczący Adam i Ewa. Po lewej stronie drugiego rejestru przedstawiono aniołów otwierających drzwi nieba sprawiedliwym; po prawej stronie aniołowie zanurzający głowy grzeszników w ogniu wiecznym; Wewnątrz płomienia Szatan jest przedstawiony jako zielone stworzenie z białymi pazurami, białymi włosami i brodą, siedzące na dwugłowym smoku. Lewą stronę trzeciego rejestru zajmują wizerunki zbawionych: świętych, męczenników, świętych i świętych kobiet zwróconych w modlitwie do Chrystusa. Po prawej stronie grzesznicy skazani na męki, przedstawieni nago. Lewą stronę dolnego rejestru zajmuje wizerunek Cherubina strzegącego wejścia do raju, roztropnego złodzieja z krzyżem u bram raju, Abrahama i Sary z licznym potomstwem. Po prawej stronie znajdują się różne przedziały piekła. Cała kompozycja jako całość odzwierciedla nie tyle bizantyjską wizję pośmiertnej nagrody dla grzeszników, ile raczej ideę Powtórnego Przyjścia, Sądu Ostatecznego i wiecznych mąk, charakterystyczną dla łacińskiego średniowiecza.
Mozaiki katedry św. Marka w Wenecji, wzorowane na kościele Świętych Apostołów w Konstantynopolu, powstawały na przestrzeni trzech wieków – od XII do XIV wieku. Mistrzowie – zarówno pochodzenia greckiego, jak i lokalnego – kontynuowali program malarskiej dekoracji świątyni, który rozwinął się w Bizancjum, wprowadzając jednak elementy charakterystyczne dla sztuki zachodniej. Znaczna część mozaik została zniszczona i została przebudowana w późniejszej epoce. Mozaiki San Marco reprezentują zespół bogaty w treść, w tym wielofigurowe kompozycje wykonane z wirtuozowskim kunsztem. Często kilka 
sceny łączą się w jedną kompozycję. Sceny Cyklu Pasji, powstałe w różnym czasie, łączy wyrazistość i dynamika. W scenie zdrady Judasza (1180-1190) rysy twarzy postaci negatywnych (Judasz, żołnierze, arcykapłani) są wręcz groteskowe, wiele postaci ukazanych jest z profilu. W scenie bitwy pod Getsemani (XIII w.) śpiący apostołowie ukazani są realistycznie; każdy śpi w pozycji charakterystycznej tylko dla niego: jeden z głową opartą na dłoni, drugi z głową na kolanach, trzeci na plecach, czwarty z głową pochyloną na kolanach, piąty itd. .
Na suficie zachodniego kruchty świątyni znajduje się kompozycja „Stworzenie świata” (1. połowa XIII w.), ilustrująca dwa pierwsze rozdziały Księgi Rodzaju. (Podobna kompozycja znajduje się także w katedrze w Montrealu na Sycylii.) W centrum kompozycji znajduje się medalion z ozdobą w środku. Medalion otoczony jest trzema rejestrami wizerunków: głównym bohaterem większości z nich jest Stwórca, przedstawiony jako Młodzież w aureoli w kształcie krzyża; w tym obrazie odżył „antyczny” obraz Chrystusa jako Dobrego Pasterza. Dni stworzenia symbolizują anielskie stworzenia w białych szatach, firmament symbolizuje okrąg, w który wpisane są słońce i księżyc o ludzkich twarzach oraz sześcioramienne gwiazdy. Historia Adama rozpoczyna się w drugim rejestrze i trwa w trzecim: twarz Adama w swoich głównych rysach przypomina oblicze Stwórcy, co wskazuje na stworzenie Adama na obraz i podobieństwo Boże. (Na mozaikach katedry w Montrealu, gdzie Stwórca jest przedstawiony z brodą i długimi włosami, Adam również ma brodę i długie włosy.) Rysy twarzy Ewy są z kolei podobne do Adama. Kompozycja zachwyca nie tylko doskonałością projektu artystycznego, ale także bogactwem treści teologicznych.
W okresie od XII do XIV wieku wiele świątyń w Azji Mniejszej, Grecji, Cyprze, Macedonii, Serbii i innych krajach ozdobiono freskami.
Najbogatsza kolekcja fresków zachowała się w kilku kościołach greckiego miasta Kastoria (prowincja Macedonii Zachodniej). Kościoły św. Mikołaja Rozstrzelania, Niezamożnych Świętych Kosmy i Damiana oraz Panagia Mauriotissa wyróżniają się szczególnym bogactwem wystroju wnętrz. Kościół św. Mikołaja został namalowany w latach 1160-1180 
lata; Przeważają opowieści ewangeliczne i sceny z życia świętego; Jeden z fresków przedstawia budowniczego świątyni Nikifora Kaznitsisa i jego żonę Annę trzymających w rękach model świątyni. W podobnym stylu około 1180 roku namalowano kościół Świętych Nienajemników. Kompozycja „Opłakiwanie Chrystusa” (szeroko rozpowszechniony temat w malarstwie kościołów bizantyjskich) wyróżnia się głęboką ekspresją. Wewnętrzna powściągliwość jest widoczna na twarzach wielkich męczenników, których wizerunki zdobią ściany świątyni. W malarstwie obu świątyń dominuje dążenie do realizmu i ekspresji; twarze są starannie przedstawione, pozy są elastyczne i wyraziste; Rysunek jest dokładny i graficzny. Styl malowideł w świątyni Panagia Mavriotissa, datowanych na początek XIII wieku, jest nieco inny: na figurach nie zawsze zachowane są prawidłowe proporcje, postacie są nieco kanciaste, twarze są bardziej schematyczne i konwencjonalne.
W serbskich kościołach zachowały się imponujące zespoły fresków: Najświętszej Marii Panny w Studenicy (1208-1209), Świętych Apostołów w Pecu (1230-1240), Zbawiciela w Mileszewie (1. połowa XIII w.), Świętej Trójcy w Sopocani (najstarsze freski pochodzą z 1265 r., późniejsze z XIII w. i lat 40. XIV w.), Matki Bożej w Gračanicy (ok. 1320 r.), Zbawiciela w Decani (ok. 1348 r.) i inne. Te freski łączą styl bizantyjski z lokalnymi wpływami. W fabule dominują tradycyjne motywy: sceny ze Starego i Nowego Testamentu, wizerunki starożytnych świętych. Jednak są też wizerunki osób, które odegrały ważną rolę w historii Serbii i jej Kościoła: św. Sawy, króla Władysława i jego brata Radosława (w Studenicy), króla Urosa i jego matki Anny (w Sopocanach). Niektóre obrazy z serbskich kościołów stały się znane na całym świecie, na przykład Anioł na kamieniu pustego grobowca z obrazu kościoła w Milesewie.
Nie mniej interesujące są zachowane freski kościołów macedońskich z tego samego okresu: św. Panteleimon w Nerezi (1164), św. Jerzy w Kurbinowie (1191), Theotokos Perivelepta w Ochrydzie (1295), św. Jerzy w Staro Nagorichina (1317) -1318), św. Demetriusz w klasztorze Markowskim (ok. 1370) i inni. W kopule kościoła Panteleimona w Nerezi przedstawiony jest Chrystus Pantokrator, w muszli absydy półpostać „Oranty” z Dzieciątkiem w okrągłym medalionie. Dolny rejestr apsydy zajmuje kompozycja „Eucharystia”, której centrum stanowi podłużny ołtarz, na którym stoi chleb i wino; za ołtarzem dwa anioły z ripidami przy cyborium; po bokach ołtarza dwukrotnie ukazany jest Chrystus rozdający uczniom Komunię. Na ścianach ołtarza widnieją przedstawienia świętych stojących na wpół zwróconych do widza, ze zwojami w rękach. Przed barierką ołtarza znajduje się wizerunek św. Pantelejmona, niebieskiego patrona świątyni, w rzeźbionej marmurowej gablocie z ikoną. Ściany świątyni zdobią wielofigurowe kompozycje przedstawiające różne sceny z Pisma Świętego. Niezrównanymi arcydziełami są kompozycje Cyklu Męki Pańskiej - „Zejście z krzyża” i „Opłakiwanie Jezusa”: pod względem siły wyrazu nie mają sobie równych w malarstwie bizantyjskim. W obu scenach Matka Boża z żałobną twarzą (smutek wyrażany w zmarszczkach brwi, uniesionych wysoko ku środkowi i obniżonych na krawędziach, w załamaniu warg, w oczach pełnych łez) przylgnęła do oblicze zmarłego Chrystusa. W scenie „Lamentacji” Matka Boża obydwoma rękami trzyma ciało Chrystusa, jedną obejmując szyję, drugą talię, tak że Zbawiciel spoczywa na Jej łonie (ten niezwykły układ postaci podkreśla macierzyństwo Matka Boża, Jej więzy krwi z narodzonym z Niej Zbawicielem). Jan i Józef wraz z Nikodemem kłaniali się przed ciałem Zmarłego w nabożnych pozach modlitewnych; Nad całą kompozycją unoszą się półpostacie aniołów.
Niewielki kościół w Kurbinowie zadziwia bogactwem wielofigurowych kompozycji wykonanych z wirtuozowskim kunsztem (historycy sztuki wyróżniają styl trzech mistrzów). Główna część fresków pochodzi z XII wieku, niektóre dodano w XVI wieku. W muszli absydy ukazana jest Dziewica Maryja siedząca na tronie z bawiącym się Dzieciątkiem Chrystus w Jej ramionach; po bokach Matki Bożej znajdują się Archaniołowie Michał i Gabriel. Dolny rejestr absydy zajmują i 
wizerunki świętych. Nad absydą znajduje się kompozycja „Wniebowstąpienie” z Chrystusem w medalionie, Aniołami, Matką Boską i apostołami. Po bokach absydy znajduje się Zwiastowanie: po lewej stronie Anioł w dynamicznej i pełnej wdzięku pozie, ze szczegółowymi fałdami ubioru; po prawej półsiedząca Matka Boska w równie nieoczekiwanej pozie: z głową zwróconą w stronę Archanioła, a kolana zgięte w drugą stronę. Ściany świątyni zdobią liczne wizerunki świętych, a także świętych wielkich męczenników - Tekli, Paraskewy, Teodory, Barbary, Anastazji i Katarzyny. Kompozycje wielofigurowe poświęcone są głównym świętom kościelnym. Pod względem oryginalności kompozycji i kunsztu wykonania wyróżnia się kompozycja „Zejście Chrystusa do piekieł”: Chrystus przedstawiony jest w centrum w pozie szybkiego ruchu; prawą ręką trzyma rękę Adama; w lewej ręce ma krzyż z koroną cierniową; głowa jest mocno pochylona w stronę Adama; himation trzepocze na wietrze. Postać Chrystusa wpisana jest w okrąg podzielony ośmioma promieniami światła na osiem części; kierunek głównych linii tworzących figurę pokrywa się z kierunkiem promieni, co nadaje całej kompozycji niemal geometryczną regularność i ścisłą proporcjonalność.
Freski kościoła Najświętszej Marii Panny i refektarza klasztoru Świętego Apostoła Jana Teologa na wyspie pochodzą z końca XII - początku XIII wieku. Patmos (Grecja). Namalowane z niezwykłą umiejętnością freski stanowią wybitny pomnik malarstwa monumentalnego 
. Jeden z fresków przedstawia „Gościnność Abrahama” – fabułę znaną z malowideł rzymskich katakumb i mozaik Rawenny. Jednak w tym przypadku nad trzema Aniołami siedzącymi w statycznych pozach widnieje napis „Święta Trójca”. Prawy i lewy anioł jest napisany w połowie obrócony, środkowy zwrócony jest w stronę widza; prawa ręka każdego Anioła jest uniesiona w geście błogosławieństwa; w lewej ręce dwóch bocznych Aniołów znajdują się laski, w lewej ręce środkowego Anioła zwój. Postać środkowego Anioła zajmuje centralne miejsce; ubrany jest w niebieską himation i ciemnoczerwoną tunikę (charakterystyczne kolory szaty Chrystusa), natomiast dwaj pozostali Aniołowie ubrani są w lekką himation i tuniki. Na stole trzy chleby, trzy noże i półmisek z głową i kośćmi cielęcia. W lewym rogu kompozycji Abraham przedstawiony jest z naczyniem w rękach; Brakuje Sary.
Świątynia Atonity Protat (północna Grecja) została namalowana około 1290 roku przez legendarnego artystę Manuela Panselina (informacje o nim zachowały się w dziele XVIII-wiecznego artysty atonickiego Dionizego z Fourny). Program ikonograficzny świątyni podzielony jest na kilka cykli tematycznych, z których każdy umieszczony jest w odrębnym rejestrze. Cykl świąteczny obejmuje wydarzenia z życia Chrystusa oparte na Ewangelii. Cykl Theotokos opiera się zarówno na narracji ewangelicznej, jak i na informacjach pochodzących z Tradycji Kościoła; Zwieńczeniem cyklu Dziewicy jest fresk „Wniebowzięcie”, który zajmuje całą zachodnią ścianę nawy głównej: jest to najbardziej wielofigurowa kompozycja w całym zespole. Cykl pasyjny składa się z ośmiu kompozycji ilustrujących ostatnie dni, godziny i minuty ziemskiego życia Chrystusa. Na cykl wielkanocny składają się cztery utwory poświęcone ukazaniu się Chrystusa uczniom po zmartwychwstaniu. Siedem kompozycji tworzy cykl związany ze świętem Zesłania Ducha Świętego i odpowiadający obchodom odzwierciedlonym w księdze liturgicznej Kolorowego Triodionu (Pentikostarion). Ściany świątyni zdobią liczne wizerunki świętych: przodków i proroków, ewangelistów i innych apostołów, świętych i diakonów, mnichów, wojowników, męczenników, nienajemników i uzdrowicieli. Panselin szczególną uwagę poświęcił wizerunkom świętych, którzy przybyli z Salonik, jego rodzinnego miasta.
Sztukę Panselina wyróżnia szczególna głębia duchowa, plastyczna klarowność, piękno obrazów i jasność kolorów. Artysta skłania się w stronę kompozycji symetrycznych, realizmu portretowego i rzeźbiarskich przedstawień ludzkiego ciała. W twórczości artysty odczuwalny jest wpływ hezychazmu; twarze – czy to Chrystusa na tronie, Matki Bożej na tronie, wielkich męczenników Theodore’a Stratelatesa czy Theodore’a Tyrone’a – tchną wewnętrzną ciszą i duchowością. Oblicza Chrystusa w kompozycjach jedno- i wielopostaciowych są niezwykle różnorodne. Jeden z fresków, znany jako „Śpiący Chrystus”, przedstawia Dzieciątko leżące na poduszce: oczy Dzieciątka są otwarte, ale jego wyraz twarzy jest senny, głowę podtrzymuje ręką. Na innym fresku Chrystus jest przedstawiony jako młody mężczyzna z krótkimi kręconymi włosami i krótką brodą (typ semicko-palestyński); napis głosi: „Jezus Chrystus w innej postaci”. W kompozycji „Zejście do piekła” ukazany jest Chrystus pochylający się nad Adamem, którego wyprowadza z piekła; rysy twarzy Zbawiciela są naznaczone piętnem współczucia i spokoju; przeciwnie, twarze i postacie Adama i Ewy są pełne dramatyzmu.
Jednym ze szczytów sztuki pięknej renesansu paleologicznego jest zespół mozaik klasztoru Chora w Konstantynopolu (Kahrie Jami). Świątynia, zbudowana w XII wieku, jest budowlą kopułową, do której przylegają jeszcze trzy budynki, każda z własną kopułą: narthex, exonarthex i pare-clesium. Świątynię ozdobiono mozaikami na początku XIV wieku. W jednej z kopuł świątyni przedstawiony jest m.in 
pokarm Chrystusa; Wokół medalionu ustawiono w rzędach 24 przodków. W kopule narteksu znajduje się Matka Boża, wokół której rozmieszczonych jest 16 przodków. Zatem wszyscy przodkowie Chrystusa wspomniani w Jego genealogii (Mt 1,1-16) są przedstawieni w mozaikowym zestawie dwóch kopuł. Ściany, sklepienia i żagle narteksu zdobią liczne sceny uzdrowień i cudów z Ewangelii, epizody z życia Najświętszej Maryi Panny oraz wizerunki świętych. W zespole figur dominują wizerunki Chrystusa i Matki Boskiej. Na jednej z mozaik w narteksie przedstawiono Chrystusa siedzącego na tronie; u stóp tronu klęczy u stóp tronu ktitor świątynny Theodore Metochites, wielki logoteta (pierwszy minister) cesarza Andronikosa II Palaiologosa, w wysokim nakryciu głowy, trzymający model świątyni Zbawiciela. Na innej mozaice Chrystus jest ukazany w pozycji stojącej; po prawej stronie 
Jest Matką Boga modlącą się, zwróconą do Niego na wpół odwróconą twarzą; u dołu kompozycji znajdują się niewielkie figurki sewastokratora Izaaka Komnena i zakonnicy Melanii (prawdopodobnie przyrodniej siostry cesarza Andronikosa II Paleologa). W lunecie egzonarteksu znajduje się imponujący obraz Chrystusa „Krainy Żywych”.
Zespół mozaiki klasztoru uzupełnia zespół fresków znajdujących się w parkeklezji klasztoru i powstałych w latach 1315-1320. Centrum semantyczne zespołu, na który składa się kilka scen wielopostaciowych i liczne pojedyncze wizerunki świętych, stanowi kompozycja „Zmartwychwstanie”. Tradycyjny temat „Zstąpienia do piekła” (a dokładniej wyjścia z piekła) jest tu interpretowany ze szczególnym dramatyzmem. Pośrodku kompozycji znajduje się frontalny wizerunek Chrystusa w białym ubraniu; Chrystus stoi z szeroko rozstawionymi nogami, prawą ręką trzyma rękę Adama, a lewą rękę Ewy. Adam i Ewa ukazani są w dynamicznych pozach: Adam niemal biegnący w stronę Chrystusa, Ewa z trudem powstająca z otchłani piekielnych. Po prawej stronie Chrystusa (na lewo od widza) przedstawiono Jana Chrzciciela i sprawiedliwych Starego Testamentu z aureolami. Po lewej stronie (na prawo od widza) znajdują się starotestamentowi grzesznicy, prowadzeni przez stojącego niezdecydowanego Kaina, syna Ewy.