Realistyczny sposób pisania wzbogacił literaturę o obrazy i symbole. Gribojedow zastosował tę technikę w komedii „Biada dowcipu”. Rzecz w tym, że przedmioty mają określone znaczenie symboliczne. Obrazy symboliczne mogą być od początku do końca, to znaczy powtarzać się kilka razy w całym tekście. W tym przypadku znaczenie symbolu staje się istotne dla fabuły. Szczególną uwagę należy zwrócić na te obrazy-symbole, które zawarte są w tytule pracy. Dlatego też należy położyć nacisk na znaczenie nazwy i symbolikę figuratywną dramatu „Burza”.
Aby odpowiedzieć na pytanie, jaką symbolikę kryje się w tytule spektaklu „Burza”, warto wiedzieć, dlaczego i dlaczego dramatopisarz posłużył się tym właśnie obrazem. Burza w dramacie pojawia się w kilku postaciach. Pierwsze jest zjawiskiem naturalnym. Kalinow i jego mieszkańcy zdają się żyć w oczekiwaniu na burze i deszcz. Wydarzenia rozgrywające się w sztuce rozgrywają się na przestrzeni około 14 dni. Przez cały ten czas od przechodniów lub głównych bohaterów słychać frazy, że zbliża się burza. Kulminacją spektaklu jest przemoc żywiołów: to burza i grzmot zmuszają bohaterkę do przyznania się do zdrady. Co więcej, grzmoty towarzyszą niemal całemu aktowi czwartemu. Z każdym uderzeniem dźwięk staje się głośniejszy: Ostrowski zdaje się przygotowywać czytelników na najwyższy punkt konfliktu.
Symbolika burzy ma inne znaczenie. „Burza z piorunami” jest różnie rozumiana przez różnych bohaterów. Kuligin nie boi się burzy, bo nie widzi w niej nic mistycznego. Dikoy uważa burzę za karę i powód do pamiętania o istnieniu Boga. Katerina postrzega burzę jako symbol skały i losu – po najgłośniejszym grzmocie dziewczyna wyznaje Borysowi swoje uczucia. Katerina boi się burz, bo jest to dla niej równoznaczne z Sądem Ostatecznym. Jednocześnie burza pomaga dziewczynie zdecydować się na desperacki krok, po którym staje się szczera wobec siebie. Dla Kabanova, męża Kateriny, burza ma swoje znaczenie. Mówi o tym na początku historii: Tichon musi na jakiś czas wyjechać, a to oznacza, że straci kontrolę i rozkazy swojej matki. „Przez dwa tygodnie nie będzie nade mną burzy, nie będę miał kajdan na nogach…” Tichon porównuje zamieszki natury z nieustanną histerią i kaprysami Marfy Ignatiewnej.
Jeden z głównych symboli „Burzy” Ostrowskiego można nazwać Wołgą. To tak, jakby oddzielała dwa światy: miasto Kalinow, „ciemne królestwo” i świat idealny, który każdy z bohaterów wymyślił dla siebie. Wyraźne w tym względzie są słowa Barynyi. Kobieta dwukrotnie powiedziała, że rzeka jest wirem, który przyciąga piękno. Z symbolu rzekomej wolności rzeka zmienia się w symbol śmierci.
Katerina często porównuje się do ptaka. Marzy o tym, żeby odlecieć i wyrwać się z tej uzależniającej przestrzeni. „Mówię: dlaczego ludzie nie latają jak ptaki? Wiesz, czasami czuję się, jakbym był ptakiem. Kiedy stoisz na górze, czujesz potrzebę latania” – mówi Katya do Varvary. Ptaki symbolizują wolność i lekkość, których dziewczyna jest pozbawiona.
Spektakl „Burza z piorunami” to jedno z najjaśniejszych dzieł Ostrowskiego, które wyraża protest przeciwko tyranii i despotyzmowi panującemu w „ciemnym królestwie” klasy kupieckiej XIX wieku. „Burza z piorunami” Aleksander Nikołajewicz napisał w okresie zasadniczych przemian zachodzących w rosyjskim społeczeństwie, więc nieprzypadkowo Ostrowski wybrał ten tytuł dla swojego dramatu. W zrozumieniu spektaklu dużą rolę odgrywa słowo „burza”, ma ono wiele znaczeń. Z jednej strony burza jest zjawiskiem naturalnym, które jest jednym z aktorów.
Z drugiej strony burza symbolizuje procesy zachodzące w samym rosyjskim społeczeństwie. Wreszcie „burza” to wewnętrzny konflikt głównej bohaterki dramatu, Kateriny.
Burza zajmuje ważne miejsce w kompozycji dramatu. W pierwszym akcie dialogowi Kateriny z Varvarą, w którym bohaterka wyznaje swoje uczucia do Borysa, towarzyszy obraz zbliżającej się burzy. W czwartym akcie jeden z mieszkańców miasta Kalinow, patrząc na nadciągającą burzę, zapowiada nieuniknioną śmierć: „Pamiętajcie moje słowo, że ta burza nie przejdzie na marne! ...Albo kogoś zabije, albo dom się spali...” Punkt kulminacyjny spektaklu – scena skruchy Kateriny za zdradę męża – rozgrywa się na tle piorunów. Ponadto pisarz niejednokrotnie uosabia burzę w dialogach mieszkańców miasta Kalinova: „I tak skrada się do nas i czołga się jak żywa istota”. W ten sposób Ostrovsky pokazuje, że burza jest jedną z bezpośrednich postaci w sztuce.
Ale obraz burzy ma także znaczenie symboliczne. Dlatego Tichon nazywa karcenie swojej matki Marfy Ignatievny Kabanovej „burzą z piorunami”. Dikoy krzyczy tak bardzo, że dla swoich bliskich jest prawdziwą „burzą z piorunami”. A samo „ciemne królestwo” można postrzegać jako społeczeństwo patriarchalne, w którym ignorancja, okrucieństwo i oszustwo są chmurami burzowymi, przerażającymi w swojej czerni.
Burza jest postrzegana przez bohaterów na różne sposoby. Tak więc Dikoy mówi: „Za karę zesłano nam burzę z piorunami”, a szalona dama przy pierwszych uderzeniach piorunów ogłasza: „Wszyscy spłoniecie w nieugaszonym ogniu!” W ten sposób pisarz tworzy obraz ponurej świadomości religijnej, co wpływa również na postawę Katarzyny wobec burzy jako kary Bożej: „Nie jest tak strasznie, że cię zabije, ale że śmierć nagle zastanie cię takim, jakim jesteś, z wszystkimi twoimi grzechy...” Jednocześnie sztuka daje wyobrażenie o burzy jako elemencie oczyszczającym. Kuligin mówi o niej: „No cóż, czego się boisz, módl się, powiedz! Każda trawa, każdy kwiat się cieszy, a my chowamy się, boimy, jakby miało nadejść jakieś nieszczęście! Burza zabije! To nie burza, ale łaska! Przechodząca burza zdaje się zmywać kłamstwa i obłudę panujące w „ciemnym królestwie”; samobójstwo Kateriny uwidacznia bezduszność moralną Kabanikhy i tych, którzy doprowadzili bohaterkę do takiego finału, umożliwiając bunt Tichona przeciwko podstawom patriarchalnego społeczeństwa .
„Burza z piorunami” to także symbol duchowego dramatu Kateriny. U bohaterki dochodzi do wewnętrznego konfliktu pomiędzy uczuciem religijnym, zrozumieniem „niezatartego grzechu” a pragnieniem miłości, wewnętrznej wolności. Katerina nieustannie przeczuwa zbliżającą się katastrofę. Ale taka jest, zdaniem Ostrowskiego, logika wizerunku bohaterki - Katerina nie jest w stanie żyć zgodnie z prawami „ciemnego królestwa”, ale nie jest też w stanie zapobiec tragedii.
Tytuł sztuki Ostrowskiego przybiera wiele odcieni i staje się dwuznaczny. Obraz burzy rzuca światło na wszystkie aspekty tragicznego konfliktu w sztuce. A my, czytelnicy, dzięki geniuszowi artysty słowa, możemy za każdym razem odkrywać dla siebie nowe odcienie znaczeń tkwiące w dziele.
Dzieła kierunku realistycznego charakteryzują się nadawaniem przedmiotom lub zjawiskom symbolicznego znaczenia. A. S. Gribojedow jako pierwszy zastosował tę technikę w komedii „Biada dowcipu”, co stało się kolejną zasadą realizmu.
A. N. Ostrovsky kontynuuje tradycję Gribojedowa i nadaje znaczenie zjawiskom naturalnym, słowom innych postaci i ważnemu dla bohaterów krajobrazowi. Ale sztuki Ostrowskiego mają też swoją specyfikę: obrazy od końca do końca - symbole podane są w tytułach dzieł, dlatego tylko rozumiejąc rolę symbolu osadzonego w tytule, możemy zrozumieć cały patos dzieła .
Analiza tego tematu pomoże nam dostrzec cały zespół symboli występujących w dramacie „Burza z piorunami” oraz określić ich znaczenie i rolę w przedstawieniu.
Jednym z ważnych symboli jest rzeka Wołga i wiejski widok na drugim brzegu. Rzeka jest jak granica pomiędzy zależnym, przez wielu nie do zniesienia życiem na brzegu, na którym stoi patriarchalny Kalinow, a wolnym, wesołym życiem tam, na drugim brzegu. Katerina, główna bohaterka spektaklu, przeciwległy brzeg Wołgi kojarzy z dzieciństwem, z życiem przedmałżeńskim: „Jakże się bawiłam! Całkowicie odsunąłem się od ciebie. Katerina chce uwolnić się od męża o słabej woli i despotycznej teściowej, „odlecieć” od rodziny zgodnie z zasadami Domostrojewa. „Mówię: dlaczego ludzie nie latają jak ptaki? Wiesz, czasami czuję się, jakbym był ptakiem. Kiedy stoisz na torusie, czujesz potrzebę latania” – mówi Katerina Varvara. Katerina wspomina ptaki jako symbol wolności, zanim rzuciła się z klifu do Wołgi: „Lepiej w grobie... Pod drzewem jest grób... Jak miło!... Słońce je grzeje, zwilża wodą deszcz... jest na nim wiosna, trawa rośnie, jest taka miękka... ptaki przylecą do drzewa, zaśpiewają, wydobędą dzieci...”
Rzeka symbolizuje także ucieczkę w stronę wolności, okazuje się jednak, że jest to ucieczka w stronę śmierci. A według słów tej pani, na wpół szalonej starszej kobiety, Wołga to wir, który wciąga w siebie piękno: „Tutaj prowadzi piękno. Tutaj, tutaj, na głębokiej wodzie!”
Po raz pierwszy dama pojawia się przed pierwszą burzą i straszy Katerinę słowami o katastrofalnej urodzie. Te słowa i grzmoty w świadomości Kateriny stają się prorocze. Katerina chce uciec do domu przed burzą, bo widzi w tym karę Bożą, ale jednocześnie nie boi się śmierci, ale boi się stanąć przed Bogiem po rozmowie z Barbarą o Borysie, rozważając te myśli być grzesznym. Katerina jest bardzo religijna, ale takie postrzeganie burzy jest bardziej pogańskie niż chrześcijańskie.
Bohaterowie inaczej postrzegają burzę. Na przykład Dikoy wierzy, że burza jest zsyłana przez Boga jako kara, aby ludzie pamiętali o Bogu, to znaczy postrzega burzę w sposób pogański. Kuligin twierdzi, że burza to elektryczność, ale jest to bardzo uproszczone zrozumienie tego symbolu. Ale potem, nazywając łaskę burzy, Kuligin ujawnia w ten sposób najwyższy patos chrześcijaństwa.
Niektóre motywy monologów bohaterów mają także znaczenie symboliczne. W akcie 3 Kuligin stwierdza, że życie domowe bogatych ludzi w mieście bardzo różni się od życia publicznego. Zamki i zamknięte bramy, za którymi „gospodarstwa domowe zjadają i tyranizują rodzinę”, są symbolem tajemnicy i obłudy.
W tym monologu Kuligin potępia „ciemne królestwo” tyranów i tyranów, którego symbolem jest zamek na zamkniętej bramie, aby nikt nie mógł ich zobaczyć i potępić za znęcanie się nad członkami rodziny.
W monologach Kuligina i Feklushiego brzmi motyw procesu. Feklusha opowiada o procesie, który jest niesprawiedliwy, choć ortodoksyjny. Kuligin mówi o procesie między kupcami w Kalinowie, ale tego procesu nie można uznać za sprawiedliwy, ponieważ główną przyczyną występowania spraw sądowych jest zazdrość, a z powodu biurokracji w sądownictwie sprawy są opóźnione, a każdy kupiec jest tylko szczęśliwy że „Tak, dla niego też będzie to grosz”. Motyw procesu w sztuce symbolizuje niesprawiedliwość panującą w „ciemnym królestwie”.
Pewne znaczenie mają także obrazy na ścianach galerii, po której wszyscy biegają podczas burzy. Obrazy symbolizują posłuszeństwo w społeczeństwie, a „ognista Gehenna” to piekło, którego boi się szukająca szczęścia i niezależności Katerina, a Kabanikha się nie boi, bo poza domem jest szanowaną chrześcijanką i się nie boi sądu Bożego.
Ostatnie słowa Tichona mają także inne znaczenie: „To dobrze, Katya! Dlaczego zostałam na świecie i cierpiałam!”
Rzecz w tym, że przez śmierć Katerina zyskała wolność w nieznanym nam świecie, a Tichonowi nigdy nie będzie dość hartu ducha i siły charakteru, by albo walczyć z matką, albo popełnić samobójstwo, bo ma słabą wolę i słabą wolę.
Podsumowując to, co zostało powiedziane, można stwierdzić, że rola symboliki jest w przedstawieniu bardzo ważna.
Nadając zjawiskom, przedmiotom, pejzażom i słowom bohaterów inne, głębsze znaczenie, Ostrovsky chciał pokazać, jak poważny był wówczas konflikt nie tylko pomiędzy nimi, ale także wewnątrz każdego z nich.
Dzieła kierunku realistycznego charakteryzują się nadawaniem przedmiotom lub zjawiskom symbolicznego znaczenia. A. S. Gribojedow jako pierwszy zastosował tę technikę w komedii „Biada dowcipu”, co stało się kolejną zasadą realizmu. A. N. Ostrovsky kontynuuje tradycję Gribojedowa i nadaje znaczenie zjawiskom naturalnym, słowom innych postaci i ważnemu dla bohaterów krajobrazowi. Ale sztuki Ostrowskiego mają też swoją specyfikę: obrazy przekrojowe - w tytułach dzieł podane są symbole, dlatego tylko rozumiejąc rolę symbolu zawartego w tytule, możemy zrozumieć cały patos dzieła. Analiza tego tematu pomoże nam dostrzec cały zespół symboli w dramacie „Burza z piorunami” oraz określić ich znaczenie i rolę w spektaklu. Jednym z ważnych symboli jest rzeka Wołga i wiejski widok na drugim brzegu. Rzeka jest jak granica pomiędzy zależnym, przez wielu nie do zniesienia życiem na brzegu, na którym stoi patriarchalny Kalinow, a wolnym, wesołym życiem tam, na drugim brzegu. Katerina, główna bohaterka spektaklu, przeciwległy brzeg Wołgi kojarzy z dzieciństwem, z życiem przedmałżeńskim: „Jakże się bawiłam! Całkowicie odsunąłem się od ciebie. Katerina chce uwolnić się od męża o słabej woli i despotycznej teściowej, „odlecieć” od rodziny zgodnie z zasadami Domostrojewskiego. „Mówię: dlaczego ludzie nie latają jak ptaki? Wiesz, czasami czuję się, jakbym był ptakiem. Kiedy stoisz na torusie, czujesz potrzebę latania” – mówi Katerina Varvara. Katerina wspomina ptaki jako symbol wolności, zanim rzuciła się z klifu do Wołgi: „Lepiej w grobie... Pod drzewem jest grób... Jak miło!... Słońce je grzeje, zwilża wodą deszcz... jest na niej wiosna, trawa rośnie, jest taka miękka... ptaki przylecą do drzewa, zaśpiewają, wydobędą dzieci...” Rzeka symbolizuje także ucieczkę ku wolności, ale okazuje się, że jest to ucieczka w stronę śmierci. A według słów tej pani, na wpół szalonej starszej kobiety, Wołga to wir, który wciąga w siebie piękno: „Tutaj prowadzi piękno. Tutaj, tutaj, prosto w wir!” Po raz pierwszy dama pojawia się przed pierwszą burzą i straszy Katerinę słowami o katastrofalnej urodzie. Te słowa i grzmoty w świadomości Kateriny stają się prorocze. Katerina chce uciec do domu przed burzą, bo widzi w tym karę Bożą, ale jednocześnie nie boi się śmierci, ale boi się stanąć przed Bogiem po rozmowie z Barbarą o Borysie, rozważając te myśli być grzesznym. Katerina jest bardzo religijna, ale to postrzeganie burzy jest bardziej pogańskie niż chrześcijańskie. Bohaterowie postrzegają burzę inaczej. Na przykład Dikoy wierzy, że Bóg zesłał burzę jako karę, aby ludzie pamiętali o Bogu, to znaczy postrzega burzę w sposób pogański. Ku-ligin mówi, że burza to elektryczność, ale jest to bardzo uproszczone zrozumienie tego symbolu. Ale z drugiej strony, nazywając łaskę burzy, Kuligin odsłania w ten sposób najwyższy patos chrześcijaństwa. Niektóre motywy monologów bohaterów mają także znaczenie symboliczne. W trzecim akcie Kuligin stwierdza, że życie domowe bogatych ludzi w mieście bardzo różni się od życia publicznego. Zamki i zamknięte bramy, za którymi „gospodarstwa domowe zjadają i tyranizują rodzinę”, są symbolem tajemnicy i hipokryzji. W tym monologu Kuligin potępia „ciemne królestwo” tyranów i tyranów, którego symbolem jest zamek na zamkniętym zamku. bramę, aby nikt nie mógł ich zobaczyć i osądzić za znęcanie się nad członkami rodziny. W monologach Kuligina i Feklushy brzmi motyw procesu. Feklusha opowiada o procesie, który jest niesprawiedliwy, choć ortodoksyjny. Kuligin mówi o procesie między kupcami w Kalinowie, ale tego procesu nie można uznać za sprawiedliwy, ponieważ główną przyczyną występowania spraw sądowych jest zazdrość, a z powodu biurokracji w sądownictwie sprawy są opóźnione, a każdy kupiec jest tylko szczęśliwy że „Tak, dla niego też będzie to grosz”. Motyw procesu w spektaklu symbolizuje niesprawiedliwość panującą w „ciemnym królestwie”. Pewne znaczenie mają także obrazy na ścianach galerii, po której wszyscy biegają podczas burzy. Obrazy symbolizują posłuszeństwo w społeczeństwie, a „ognista Gehenna” to piekło, którego boi się szukająca szczęścia i niezależności Katerina, a Kabanikha się nie boi, bo poza domem jest szanowaną chrześcijanką i się nie boi sądu Bożego. Ostatnie słowa Tichona mają także inne znaczenie: „To dobrze, Katiu! Ale dlaczego ja zostałam na świecie i cierpiałam!” Rzecz w tym, że przez śmierć Katerina zyskała wolność w nieznanym nam świecie, a Tichonowi nigdy nie będzie dość hartu ducha i siły charakteru, by walczyć z matką lub popełnić samobójstwo, więc jak ma słabą wolę i słabą wolę. Podsumowując to, co zostało powiedziane, możemy powiedzieć, że rola symboliki jest w przedstawieniu bardzo ważna, poprzez nadanie zjawisk, przedmiotom, krajobrazowi i słowom bohaterów innego charakteru. głębsze znaczenie, Ostrowski chciał pokazać, jak poważny był wówczas konflikt nie tylko pomiędzy nimi, ale także wewnątrz każdego z nich. Sztuki A. Ostrowskiego są pełne różnorodnej symboliki. Przede wszystkim są to symbole kojarzone ze światem przyrody: las, burza, rzeka, ptak, lot. Bardzo ważną rolę w sztukach odgrywają także imiona bohaterów, najczęściej imiona pochodzenia starożytnego: starożytnej Grecji i Rzymu. Motywy teatru starożytnego w twórczości Ostrowskiego nie zostały jeszcze dostatecznie zbadane, dlatego trudno uwzględnić wszystkie semantyczne wydźwięki imion greckich i rzymskich. Jasne jest jednak, że imiona te nie zostały wybrane przez autora przypadkowo; ich kompozycja dźwiękowa, obrazowość i znaczenie w języku rosyjskim nie wymagają komentarza. Ale nie zapominajmy, że Dikoj to nie tylko wszechpotężny Sawiel Prokofiewicz, ale także jego bratanek Borys. W końcu matka Borysa „nie mogła dogadać się z bliskimi”, „wydawało jej się to bardzo dzikie”. Oznacza to, że Borys jest Dikoyem po stronie ojca. Co z tego wynika? Tak, wynika z tego, że nie był w stanie obronić swojej miłości i chronić Kateriny. W końcu jest ciałem swoich przodków i wie, że jest całkowicie w mocy „ciemnego królestwa”. A Tichon to Kabanow, niezależnie od tego, jak „cichy” jest. Więc Katerina biegnie po tym ciemnym lesie wśród zwierząt podobnych do stworzeń. Wybrała Borysa niemal nieświadomie, jedyną różnicą między nim a Tichonem jest jego imię (Borys to po bułgarsku „wojownik”). Dzikie, uparte postacie, z wyjątkiem Dzikiego, reprezentuje w sztuce Varvara (ona jest poganką, „barbarzyńcą). ”, nie jest chrześcijaninem i zachowuje się odpowiednio) i Kudryash, na którym znajduje się odpowiedni Shapkin, dyskutując z nim. Kuligin, poza powszechnie znanymi skojarzeniami z Kulibinem, wywołuje także wrażenie czegoś małego, bezbronnego: na tym strasznym bagnie jest brodźcem, ptakiem – i niczym więcej. Chwali Kalinowa, tak jak brodziec chwali swoje bagno. Imiona kobiece w sztukach Ostrowskiego są bardzo dziwaczne, ale imię głównej bohaterki prawie zawsze niezwykle trafnie charakteryzuje jej rolę w fabule i losach. Larisa oznacza po grecku „mewa”, Katerina oznacza „czysta”. Larisa pada ofiarą pirackich transakcji handlowych Paratowa: sprzedaje „ptaki” - „Jaskółkę” (parowiec), a następnie Larisę - mewę. Katerina jest ofiarą swojej czystości, swojej religijności, nie mogła znieść rozdzierania swojej duszy, ponieważ nie kochała męża i okrutnie się za to karała. Co ciekawe, Kharita i Marta (odpowiednio w „Posagu” i „Burzy z piorunami”) są Ignatievnami, czyli „ignorantami” lub, z naukowego punktu widzenia, „ignorantami”. Stoją jakby na uboczu tragedii Larisy i Kateriny, choć z pewnością oboje są winni (nie bezpośrednio, ale pośrednio) za śmierć córki i synowej w „Posagu ” nie jest otoczony przez „zwierzęta”. Ale to ludzie z ogromnymi ambicjami, bawiący się nimi jak coś. Mokij jest „bluźniercą”, Wasilij jest „królem”, Juliusz to oczywiście Juliusz Cezar, a także Kapitonich, czyli żyjący głową (kaput - głowa) i być może starający się rządzić. I wszyscy patrzą na Larisę jako na stylową, modną, luksusową rzecz, na niespotykanie szybki statek, na luksusową willę. A to, co Larisa myśli lub czuje, jest sprawą drugorzędną, wcale ich nie interesującą. A wybraniec Larisy, Paratow Siergiej Siergiejewicz – „bardzo szanowany” z rodziny aroganckich rzymskich patrycjuszy – budzi skojarzenia z tak słynnym w historii tyranem, jak Lucjusz Sergiusz Katylina I wreszcie Charita – matka trzech córek – jest kojarzona Charytki, boginie młodości i piękna, było ich trzy, ale ona też je niszczy (pamiętajmy o strasznym losie pozostałych dwóch sióstr – jedna wyszła za ostrzejszego, druga została zasztyletowana przez kaukaskiego męża). W spektaklu „Las” Aksyusha jest całkowicie obca temu światu złych duchów. Las można rozumieć jako nowe „ciemne królestwo”. Tyle, że nie mieszkają tu kupcy, ale kikimory, takie jak Gurmyżskaja i Ulita. Aksyusha jest obca, ponieważ jej imię oznacza po grecku „cudzoziemiec” lub „cudzoziemiec”. W świetle tego warte uwagi są pytania, które zadają sobie Aksyusha i Piotr: „Czy jesteś jednym z nas, czy kimś innym?” - „Czyim jesteś? Czy to twoje?” Ale imię Gurmyzhskaya (Raisa - po grecku „nieostrożny”, „frywolny”) jest dla niej bardzo odpowiednie, ale wydaje się zbyt delikatną cechą tej wiedźmy. Julitta (Julia) jest ponownie spokrewniona ze słynną w Rzymie rodziną Julianów, ale to imię może bardziej bezpośrednio sugerować jej zdeprawowany charakter. Przecież w starożytnej rosyjskiej opowieści „Na początku Moskwy” zbrodnicza żona księcia Daniela, zdrajcy i oszusta, nazywa się Ulita. Nazwiska aktorów Schastlivtsev i Neschastlivtsev (Arkady i Giennadij) uzasadniają ich pseudonimy i zachowanie. Arkady oznacza „szczęśliwy”, a Giennadij oznacza „szlachetny”. Milonow ma oczywiście coś wspólnego z Maniłowem i Mołchalinem, a Bodaev, zarówno pod względem nazwiska, jak i manier, jest spadkobiercą Sobakiewicza, więc ujawnienie znaczenia imion i nazwisk w sztukach Ostrowskiego pomaga zrozumieć zarówno fabułę, jak i główne obrazy. . Choć nazwisk i imion nie można w tym przypadku nazwać „mówieniem”, bo taka jest cecha sztuk klasycyzmu, to jednak mówią one w szerokim – symbolicznym – znaczeniu tego słowa.
44. OSTROWSKI JAKO MISTRZ GRACZY
Ostrovsky wystawiał swoje sztuki na przełomie lat 40. i 50. XX wieku. Był to krytyczny okres dramaturgiczny w historii rosyjskiej sceny, kiedy wypełniły ją albo bombastyczne tragedie, albo wodewil i wrażliwe melodramaty, częściowo zapożyczone z Zachodu. Właściwie nie było rosyjskiego teatru ludowego, który szerzej odzwierciedlałby życie Rosji, Ostrowski występował w swoich sztukach przede wszystkim jako artysta realista pierwszej klasy. Mając doskonałą wiedzę o rosyjskim życiu, zwłaszcza o życiu kupców, Ostrovsky wprowadził na scenę rosyjskie życie w całej jego oryginalności i naturalności. Życie rodzinne kupców z jego despotyzmem i tyranią, chamstwem i ignorancją w życiu publicznym i domowym, bezsilna pozycja kobiet, rytualna strona życia, uprzedzenia i przesądy, mowa ludowa - wszystko to znalazło odzwierciedlenie w codziennych sztukach Ostrowskiego tak prawdziwie i wyraźnie, że widz teatralny zdawał się odczuwać atmosferę rosyjskiego życia scenicznego. Po ostatecznym zerwaniu z szablonami klasycyzmu i romantyzmu i uczynieniu ze swoich licznych dzieł „sztuki życia”, OstroEsky dokończył dzieło Fonwizina, Gribojedowa, Puszkina i Gogola. w dramaturgii i na zawsze ustanowił triumf dramatu realistycznego w Rosji. Nie powinniśmy zapominać, że Ostrowski opisał życie nie tylko kupców. Widzimy w jego sztukach urzędników i urzędników, i swatów, i aktorów, i biznesmenów nowej formacji, i szlachtę, i biednych pracujących intelektualistów, i generałów, i chłopów itp. Jest to cała encyklopedia życia i zwyczajów epoka ze wszystkimi jej pozytywnymi i negatywnymi stronami Powrót do tragedii na palach i wrażliwej metodyki po realistycznych sztukach Ostrowskiego stał się niemożliwy jakimi technikami charakteryzują się Maniłow, Sobakiewicz, Plyushkin i Cziczikow w wierszu Gogola „Martwe dusze” czy Obłomow w powieści Gonczarowa „Oblomow”. Mowa każdej postaci służy jako jedna z ważnych technik typizacji w dziełach gatunku epickiego. Jednak w powieściach autor ma do dyspozycji różnorodne sposoby charakteryzowania bohaterów, łącznie z bezpośrednią charakterystyką autorską. W spektaklu nie ma mowy autora. Dlatego język występujących w nim postaci jest głównym środkiem ich typizacji. Postacie w sztuce, jak wyjaśnia Gorki, „powstają wyłącznie i wyłącznie poprzez ich przemówienia”. Bohater spektaklu musi mówić tak, jak mówiłaby osoba o jego charakterze, sposobie myślenia, nastroju, poziomie kulturowym i pozycji społecznej lub zawodzie. W rezultacie wizerunek bohatera w sztuce może okazać się typowy i wyrazisty tylko wtedy, gdy jego mowa jest typowa dla tego obrazu. W sztukach Ostrowskiego występuje ponad tysiąc postaci, a każda z nich mówi w odpowiadającym im języku duchowy wygląd i zawód. Zatem lirycznie zabarwiony język Kateriny w sztuce „Burza z piorunami” nie ma nic wspólnego z szorstką, gwałtowną mową Dziczy. Z kolei mowa Dikiya znacznie różni się od mowy innego tyrana - Gordeya Tortsova („Ubóstwo nie jest wadą”), który daje się ponieść zewnętrznej, ostentacyjnej stronie kultury i używa takich „obcych” słów jak nebel, szampan, fikanty itp. Umiejętna indywidualizacja Przemówienia bohaterów charakteryzują Ostrowskiego jako wspaniałego mistrza dialogu. Wystarczy przeczytać lub posłuchać rozmowy Kabanovej, Tichona i Kateriny w trzeciej scenie drugiego aktu lub rozmowy Dikiya z Kuliginem w drugiej scenie czwartego aktu, aby się o tym przekonać. Różnica w mowie bohaterów tych dialogów jest przedstawiona tak wyraziście i wyraźnie, że charakter każdej postaci staje się jasny bez żadnego wyjaśnienia. W sztukach Ostrowskiego należy zwrócić uwagę na umiejętne wykorzystanie bogactw językowych poezji ludowej: pieśni, przysłowia, powiedzenia itp. Przypomnijmy sobie na przykład pieśni Kudryasza z trzeciego aktu dramatu „Burza z piorunami”. Ostrovsky używa nawet przysłów w tytułach swoich sztuk: „Nie żyj tak, jak chcesz”, „Nie siedź we własnych saniach”, „Swoich policzymy”, „Bieda nie jest wadą” , „Prawda jest dobra, ale szczęście jest lepsze”, „Stary przyjaciel jest lepszy niż dwa nowe” itp. Wierność i dokładność języka ludowego Ostrowskiego zauważył już Dobrolyubov. Oceniając niezwykłe mistrzostwo językowe Ostrozskiego, Gorki nazwał go „. czarodziej słowa”. Kompozycja sztuk Ostrozskiego spełnia także zadanie realistycznego przedstawienia rzeczywistości. Akcja jego sztuk toczy się zazwyczaj powoli, spokojnie, zgodnie z ukazywanym w nich stabilnym, osiadłym trybem życia. Ostrovsky unika dramatycznych efektów w postaci strzałów, samobójstw, przebrań itp. Samobójstwo Katarzyny w dramacie „Burza z piorunami” należy traktować nie jako zabieg sceniczny wzmacniający wrażenie spektaklu, ale jako dramatyczny finał przygotowany przez cały bieg wydarzeń. Bardzo ważną cechą sztuk Ostrowskiego jest element komiczny, umiejętnie wykorzystany przez dramaturga. Przejawia się to u Ostrowskiego w różnych postaciach: albo jako humor podgrzany ciepłem i współczuciem, gdy ukazuje małych, uciskanych, uczciwych ludzi, mimowolne ofiary nierówności społecznych, albo jako oskarżycielski, satyryczny śmiech skierowany przeciwko despotyzmowi tyranów, bezwstydności i bezwzględność drapieżników, deprawacja szlachetności itp. n. Satyryczny charakter sztuk Ostrowskiego głęboko ujawnił Dobrolubow w swoich artykułach poświęconych Ostrowskiemu, wielki krytyk wyjaśniał, jak bardzo było to możliwe w ramach cenzury carskiej, jakie znaczenie ideologiczne miał śmiech Ostrowskiego, mający na celu obnażenie różnych aspektów. dramaturgii „ciemnego królestwa” Ostrowskiego – złożonego zjawiska, które pochłonęło doświadczenie wielu dramaturgów rosyjskich i zachodnioeuropejskich, których twórczość Ostrowski dokładnie przestudiował. Najważniejszą zaletą twórczości Ostrowskiego jest głęboki realizm, wyrażony w szerokim, zgodnym z prawdą pokrycie życia Rosjan, w tworzeniu wielu typowych obrazów z różnych klas społecznych, w niezwykłej charakterystyce przedstawianego otoczenia i naturalności konstrukcji spektakli.
46. Oryginalność artystyczna wiersza N. A. Niekrasowa „Kto dobrze żyje na Rusi”
Wiersz „Kto dobrze żyje na Rusi” zajmuje centralne miejsce w twórczości N. A. Niekrasowa. Stała się swoistym artystycznym zwieńczeniem ponad trzydziestoletniej twórczości literackiej autora. Wszystkie motywy jego wczesnych tekstów zostały niejako zebrane i rozwinięte w wierszu, wszystkie nurtujące go problemy zostały przemyślane i wykorzystano najwyższe osiągnięcia artystyczne. N. A. Niekrasow stworzył nie tylko specjalny gatunek poematu społeczno-filozoficznego. Podporządkował je swemu ostatecznemu zadaniu: ukazaniu Rosji jej przeszłości, teraźniejszości i przyszłości. Rozpoczynając pisanie „na gorąco”, czyli zaraz po reformie 1861 r., epickiego poematu o wyzwoleńczym, odrodzonym narodzie, N. A. Niekrasow bez końca rozwijał swój pierwotny plan. Poszukiwanie „szczęśliwców” na Rusi zaprowadziło go od nowoczesności do starożytnych korzeni: poeta stara się zrozumieć nie tylko skutki zniesienia pańszczyzny, ale także bardzo filozoficzny charakter takich pojęć, jak „szczęście”, „wolność” , „grzech”, bo poza tym filozoficznym rozumieniem nie da się zrozumieć istoty chwili obecnej i przewidzieć przyszłości ludzi. Zasadnicza nowość gatunku wyjaśnia fragmentaryzację wiersza, zbudowanego z pojedynczych, niedokończonych rozdziałów. Zjednoczony obrazem – symbolem drogi, wiersz rozbija się na czyjeś historie, a także losy kilkudziesięciu osób. Każdy odcinek sam w sobie mógłby stać się fabułą piosenki lub opowieści, legendy lub powieści. Razem w swej jedności stanowią los narodu rosyjskiego, ukazując jego historyczną drogę od niewoli do wolności. Dlatego dopiero w ostatnim rozdziale pojawia się wizerunek „obrońcy ludu” Griszy Dobrosklonowa – tego, który pomoże ludziom odnaleźć wolność. Każdy z bohaterów wiersza ma swój własny głos. N. A. Niekrasow łączy mowę baśniową, codzienną i poetycką i wprowadza do niej element wartościujący, zmuszając czytelnika do postrzegania mowy bohatera tak, jak chce autor. Nie odnosimy wrażenia, że wiersz jest niespójny stylistycznie, gdyż wszystkie zastosowane tu techniki podporządkowane są wspólnemu zadaniu: stworzyć wiersz bliski i zrozumiały dla chłopa. Zadanie autora przesądziło nie tylko o innowacyjności gatunkowej, ale także o całej oryginalności poetyki dzieła. N. A. Niekrasow w swoich tekstach wielokrotnie odwoływał się do motywów i obrazów folklorystycznych. Buduje wiersz o życiu ludowym w całości oparty na folklorze. Wszystkie główne gatunki folkloru są w takim czy innym stopniu zaangażowane w dzieło: bajka, piosenka, epopeja, legenda, piosenka. Jakie jest miejsce i znaczenie folkloru w wierszu? Po pierwsze, elementy folkloru pozwalają N. A. Niekrasowa, aby odtworzyć obraz chłopskiego wyobrażenia o świecie, wyrazić pogląd ludu na wiele ważnych kwestii. Po drugie, poeta umiejętnie posługuje się szczególnymi technikami folklorystycznymi, stylem, systemem figuratywnym, prawami i środkami artystycznymi. Wizerunki Kudeyara i Savely'ego zaczerpnięto z folkloru. Sztuka ludowa zasugerowała N. A. Niekrasowowi wiele porównań; niektóre z nich opierają się nawet na zagadkach. Poeta stosuje charakterystyczne dla mowy ludowej powtórzenia, paralelizm negatywny, podejmowanie końca wersu na początku następnego oraz stosowanie wykrzykników pieśniowych. Ale najbardziej podstawową różnicą między folklorem a fikcją, którą znajdujemy u N. A. Niekrasowa, jest brak autorstwa. Folklor wyróżnia się tym, że ludzie wspólnie tworzą dzieło, ludzie je opowiadają i ludzie go słuchają. W folklorze stanowisko autora zastępuje moralność narodowa. Indywidualny punkt widzenia autora jest obcy samej naturze ustnej sztuki ludowej. Literatura autorska zwraca się w stronę folkloru, gdy zachodzi potrzeba głębszego wniknięcia w istotę moralności narodowej; gdy samo dzieło adresowane jest nie tylko do inteligencji (większości czytelników XIX w.), ale także do ludu. Obydwa te zadania postawił N. A. Niekrasow w wierszu „Kto dobrze żyje na Rusi”. I jeszcze jeden ważny aspekt odróżnia literaturę oryginalną od folkloru. Twórczość oralna nie zna pojęcia „tekstu kanonicznego”: każdy słuchacz staje się współautorem dzieła, opowiadając je na swój własny sposób. N. A. Niekrasow dążył do takiego aktywnego współtworzenia autora i czytelnika. Dlatego jego wiersz został napisany „w języku wolnym, jak najbardziej zbliżonym do mowy potocznej”. Badacze nazywają werset wiersza „genialnym znaleziskiem” N. A. Niekrasowa. Swobodny i elastyczny licznik poetycki, niezależność od rymu, otworzyła możliwość hojnego przekazania oryginalności języka ludowego, zachowując całą jego dokładność, aforyzm i specjalne przysłowiowe frazy; organicznie wplatają się w materię wiersza wiejskie pieśni, powiedzenia, lamenty, elementy baśni ludowej (magiczny, samodzielnie złożony obrus częstuje wędrowców) i umiejętnie odtwarzają dziarskie przemówienia pijanych panów na jarmarku oraz pełne wyrazu monologi chłopskich mówców oraz absurdalnie obłudne rozumowanie tyrana-właściciela ziemskiego. Kolorowe sceny ludowe, pełne życia i ruchu, okrągłe tańce o charakterystycznych wyrazistych twarzach i postaciach – wszystko to tworzy niepowtarzalną polifonię w wierszu Niekrasowa.
Autor spektaklu „Burza z piorunami” używa znaczenia tego słowa w kilku znaczeniach. U Ostrowskiego burze jako zjawisko naturalne pojawiają się w spektaklu kilka razy. Podczas pierwszej rozmowy Kateriny i Varvary, kiedy ta pierwsza dzieli się swoimi przeżyciami emocjonalnymi, opowiada swoje sny, złe przeczucia, nadchodzi burza i to właśnie tutaj Katerina mówi, że bardzo boi się burzy. Potem zbiera się przed wyznaniem Kateriny o zdradzie, uczucia w duszy głównej bohaterki się gotują, wszystko w niej się gotuje i właśnie wtedy słychać grzmot. I podczas spowiedzi zaczyna się burza. Burza jest powiązana ze stanem umysłu głównego bohatera. Burza zaczyna się, gdy w jej duszy wszystko jest niespokojne, nie ma jej, gdy Katerina jest szczęśliwa z Borysem.
Burza ma także znaczenie przenośne, sama Katerina jest jak burza, odważnie przyznaje się do tego, co zrobiła, nie wstydząc się otaczających ją osób. Nie sądzę, żeby którykolwiek z pozostałych mieszkańców był w stanie się przyznać; na przykład Varvara nie byłaby w stanie powiedzieć tego otwarcie; była przyzwyczajona do robienia wszystkiego po cichu, tak aby nikt się nie dowiedział. Dla Kabanikhy to cios, Katerina uderza ją jak burza, bo stara się być publicznie biała i puszysta, a teraz honor jej rodziny jest zszargany. A śmierć Kateriny jest bardzo głośna, słyszeli o niej wszyscy mieszkańcy miasta, wszyscy będą o tym dyskutować, wielu zrozumie, że to teściowa jest w dużej mierze winna śmierci swojej synowej , teraz zmieni się o niej opinia w społeczeństwie, a jej siła osłabnie, ale dla niej to jest najważniejsze. Katerinie udało się zepsuć moc Kabanikhy swoimi działaniami.
Na przykład Kuligin uważa burzę za radość; zwykle przed burzą jest duszno, nie ma wystarczającej ilości powietrza, a po niej wszystko zdaje się ożywać, wszystkie żywe istoty się cieszą, tylko ludzie się boją. Oczywiście w czasach pisania sztuki zjawisko takie traktowano z dużą ostrożnością; wielu nazywało je ostrzeżeniem przed jakimś nieszczęściem, głosem Boga, bo nie wiedzieli, jak ono powstało. Po śmierci Kateriny sytuacja w społeczeństwie zostanie rozwiązana, protest ten odbije się echem w duszach mieszkańców miasta, nawet wtedy, gdy Borys opłakiwał swoją żonę, po raz pierwszy zaczął obwiniać matkę za powód takiego czynu . Varvara nie boi się już ucisku matki i postanawia opuścić dom, ku wolności, teraz Kabanikha nie ma w domu nikogo, kto mógłby rządzić, jej cel, jakim jest niedopuszczenie do rozwoju współczesnego pokolenia zgodnie z jego zasadami, nie został osiągnięty, jej autorytet został zostanie osłabiona, zostanie pokonana.