Prva koreografska predstava v Rusiji je bil »Orfejev balet«, prikazan v »komedijskem dvorcu« carja Alekseja Mihajloviča na njegovem posestvu - vasi Preobraženskoe pri Moskvi (13. februar 1675?). Od 1. polovice 18. stol. balet so uvedli koreografi in plesni pedagogi iz Italije in Francije. Rusija, ki ima bogato plesno folkloro, se je izkazala za zelo plodna tla za razvoj baletnega gledališča. Rusi so razumeli znanost, ki so jo učili tujci, v zameno v tuji ples vnesli svoje intonacije. Leta 1730. v Petrogradu je baletne prizore v dvornih opernih predstavah uprizarjal J.-B. Lande in A. Rinaldi (Fossano). Leta 1738 se je odprla Sanktpeterburška baletna šola (zdaj Sanktpeterburška akademija za ples po imenu A. Ya. Vaganova), katere ustanovitelj in direktor je bil Lande. Leta 1773 v avtopralnici. Izobraževalni dom je odprl baletni oddelek - predhodnik in temelj Moskovske koreografske šole. Eden njegovih prvih učiteljev in koreografov je bil L. Paradise. Do konca 18. stol. na posestvih grofov Šeremetjev v bližini Moskve (Kuskovo, Ostankino) itd. so se začele razvijati podložne skupine. Do takrat sta imela Petrograd in Moskva dvorna in javna gledališča. Tam so delovali veliki tuji skladatelji, koreografi in mnogi drugi. Ruski izvajalci-A. S. Sergejeva, V. M. Mihajlova, T. S. Bublikov, G. I. Raikov, N. P. Berilova. Od leta 1760. rus. balet se je razvil v splošni smeri gledališča klasicizma. Ideal estetike klasicizma je bila »plemenite narave«, norma umetniškega dela pa stroga sorazmernost, izražena v obliki treh enot - kraja, časa in dejanja. V okviru teh normativnih zahtev je središče dogajanja postal človek, njegova usoda, njegova dejanja in doživetja, predani enemu cilju, zaznamovani z eno samo vsesplošno strastjo. Žanr herojsko-tragedičnega baleta je ustrezal osnovnim načelom klasicizma. Nosilec estetike baletnega klasicizma na Zahodu je bil J. J. Nover, ki je baletno predstavo obravnaval kot samostojno umetniško celoto, z močno zapletno intrigo, logično in dosledno razvito akcijo, z junaki - nosilci močnih strasti. V 2. polovici 18. stol. v Sankt Peterburgu so balete uprizorili Avstrijec F. Hilferding, Italijani G. Canziani, G. Angiolini, ki so včasih uporabljali ruske ploskve (na primer "Semira", ki temelji na tragediji A. P. Sumarokova, ki jo je uprizoril Angiolini in z njegova glasba, 1772). Te predstave s svojimi ostrimi konflikti in podrobno akcijo so bile novost na ruskem odru. Med drugim je v Moskvi deloval Italijan G. Solomoni, ki je promoviral balete Novera, ki je uprizoril »Zaman previdnost« v koreografiji J. Daubervala (uprizorjena pod naslovom »Prevarana starka«, 1800).
Razcvet ruskega baleta v 18. in 19. stoletju.
Na prelomu iz 18. v 19. stol. Ruski balet je vstopil v svoj razcvet. Pojavili so se domači skladatelji - A. N. Titov, S. I. Davidov in rusificirani tuji skladatelji - K. A. Kavos, F. E. Scholz. Ruski plesalec in koreograf I. I. Valberkh je začrtal pot do sinteze ruskega uprizoritvenega sloga z dramatično pantomimo in virtuozno plesno tehniko italijanskega baleta ter s strukturnimi oblikami francoske šole. V njegovi umetnosti so bila uveljavljena načela sentimentalizma. Vodilni žanr je bil melodramski balet.Dogodki domovinske vojne leta 1812 so povzročili razcvet divertismentnih baletov: v Sankt Peterburgu jih je postavil Walberch, v Moskvi I.M.Abletz, I.K.Lobanov, A.P.Glushkovsky. Solisti so bili: v Sankt Peterburgu E. I. Kolosova, v Moskvi - T. I. Gluškovskaja, A. I. Voronina-Ivanova. V letih 1800-20. V Sankt Peterburgu se je začelo delo koreografa C. Didelota. Nadaljevalec tradicije Novere in Daubervala je Didelot uprizarjal balete na mitološke teme (Zefir in Flora, 1808; Kupid in Psiha, 1809; Acis in Galatea, 1816) in junaško-zgodovinske teme (Madžarska koča ali Slavni izgnanci "F. .Venua, 1817 "Raoul de Créqui, ali Vrnitev iz križarskih vojn" Kavosa in T.V. Žučkovskega, 1819). V sodelovanju s Kavosom je postavil načelo programiranja, ki temelji na enotnosti glasbene in koreografske dramaturgije baletne predstave. V njegovih predromantičnih baletih so ansambli solističnih in kordebaletnih plesov sodelovali na kompleksne načine. Didelotovi herojsko-tragetični baleti so razkrivali dogajanje s sredstvi psihologizirane pantomime in bili bogati s kontrastnimi dramskimi situacijami. Njegovi komični baleti so imeli raznolika izrazna sredstva ("Mlada mlekarica ali Nicetta in Luca" F. Antonolinija, 1817; "Vrnitev iz Indije ali Lesena noga" Venua, 1821). Leta 1823 je Didelot postavil balet na podlagi pesmi A. S. Puškina "Kavkaški ujetnik ali senca neveste". E. I. Kolosova, M. I. Danilova, A. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (A. Poirot), N. O. Golts so zasloveli v njegovih predstavah.
V Moskvi je od leta 1806 baletna skupina zasebnega gledališča M. Meddoxa prešla pod jurisdikcijo Direktorata cesarskih gledališč. Do leta 1812 so se tu večkrat zamenjali manjši koreografi. Po izgonu Francozov iz Moskve je baletno šolo in skupino vodil Didelotov učenec, koreograf A. P. Gluškovski. Privrženec Walberga in Didelota je Gluškovski v svoji izdaji prenesel sanktpeterburški repertoar na moskovski oder, predvsem Didelotove balete, uprizoril anakreontične balete in melodramske balete, uporabil zaplete A. S. Puškina (»Ruslan in Ljudmila ali strmoglavljenje Černomorja). , Zlobni čarovnik« Scholz, 1821) in V. A. Žukovski (»Trije pasovi ali ruski Cendrillon« Scholza, 1826). Gluškovski je pripravil podložke. baletne skupine, v kateri so plesali Voronina-Ivanova, T. I. Gluškovskaja, V. S. in D. S. Lopuhins, ustvariti romantični repertoar.
V 1. tretjini 19. stol. Ruska baletna umetnost je dosegla ustvarjalno zrelost in se oblikovala kot nacionalna šola. Najbolj natančno je posebnost uprizoritvene umetnosti ruskih plesalcev opredelil A. S. Puškin, ko je ples svojega sodobnika A. I. Istomina opisal kot »z dušo poln polet«. Balet ima med drugimi zvrstmi gledališča privilegiran položaj. Oblasti so mu namenile veliko pozornost in ga podprle z državnimi subvencijami. Leta 1825 so v Moskvi odprli Bolšoj teater, baletna skupina pa je dobila tehnično opremljen oder in hkrati vodilnega plesalca, učitelja in koreografa predromantičnega smeri F. V. Gyullen-Sor. Do začetka 1830-ih. moskovske in peterburške baletne skupine so nastopale v dobro opremljenih gledališčih. Ruski balet so organsko sprejeli tisti, rojeni na Zahodu. evropska romantika. Do sredine 30. let. Nastope so odlikovali sijaj in harmoničnost, visoka šola spretnosti in usklajenost zasedbe.
Teme romantike in realizma
Konflikt med sanjami in resničnostjo - glavni v romantični umetnosti - je prenovil teme in slog umetniške ustvarjalnosti. V baletnem gledališču sta se pojavili dve vrsti romantične umetnosti. Prvi je uveljavljal nezdružljivost sanj in resničnosti v posplošeni lirični ravnini, kjer so prevladovale fantastične podobe - silfi, vilije, najade. Drugi je gravitiral k napetim življenjskim situacijam in včasih vseboval motive za kritiko resničnosti (v središču najrazličnejših, pogosto eksotičnih dogajanj je bil junak-sanjač, ki se podaja v boj proti zlu). Med figurami prve veje sta koreograf F. Taglioni in plesalka M. Taglioni; druga sta koreograf J. Perrot in plesalec F. Elsler. Obe smeri je združilo novo, estetsko obetavno razmerje med plesom in pantomimo. Ples je stopil v ospredje in postal vrhunec dramskega dogajanja. Romantična umetnost se je jasno pokazala v performansu, zlasti E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya, T. Guerino. Repertoar ruskega gledališča vključuje vse najbolj znane romantične balete zahodne Evrope. Evropa: "La Sylphide", "Giselle", "Esmeralda", "Corsair", "Naiad in ribič", "Katarina, razbojnikova hči". V šestdesetih letih 19. stoletja se je v Rusiji začel propad romantične predstave. V letih, ko sta ruska književnost in umetnost pridobili realistično usmeritev, je balet ostal dvorno gledališče z obilico ekstravagantnih učinkov in divertimentnih številk. Obenem je A. Saint-Leon obogatil besedišče tako klasičnega kot karakternega plesa, razširil zmožnosti razširjenih plesnih zasedb, popestril dosežke M. I. Petitpasa. Istočasno je K. Blazis izboljšal tehniko plesalcev v moskovski baletni šoli. Poetične višine baletne umetnosti so ohranili M. N. Muravyova, P. P. Lebedeva, N. K. Bogdanova, V. F. Geltser.
Zgodovinsko gledano je bil ruski balet tisti, ki je oživil baletno umetnost v novi kakovosti. Koreograf M. I. Petipa je svojo ustvarjalno dejavnost začel v kanonih zastarele estetike romantike. Vendar je nadaljeval proces obogatitve plesa, ki se je začel v tem obdobju. V njegovih baletih na glasbo skladateljev osebja cesarskih gledališč C. Pugnija ("Kralj Candaulus", 1868) in L. Minkusa ("La Bayadère", 1877) je bila smiselna podlaga in vrhunec dejanja mojstrsko razvita klasika plesnih ansamblov, kjer so se razvijale in nasprotovale teme corps de baleta in solistične plesne, plesne motivike in značilnosti. Po zaslugi Petipaja se je pojavila estetika »velikega« oziroma akademskega baleta - monumentalnega spektakla, zgrajenega po normah scenarija in glasbene dramaturgije, pri čemer se je zunanje dogajanje razkrilo v pantomimski mizansceni, notranje pa v kanonične strukture klasičnega plesa. Petipajevo iskanje se je zaključilo v sodelovanju s P. I. Čajkovskim (Tnuljčica, 1890; Labodje jezero, 1895) in A. K. Glazunovom (Raymonda, 1898; Letni časi, 1900), katerih partiture so postale vrhunec baletnega simfonizma 19. stoletja. Delo koreografa L. I. Ivanova, Petipajevega pomočnika (Hrestač, 1892; prizori labodov v Labodjem jezeru, 1895), je že napovedovalo novo podobo plesa zgodnjega 20. stoletja. E. O. Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, P. A. Gerdt, N. G. Legat, M. F. Kshesinskaya, A. I. Sobeshchanekaya, A. V. Shiryaev, O. I. Preobrazhenskaya, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi. 
Do začetka 20. stol. Ruski balet je zasedel vodilno mesto v svetovnem baletnem gledališču. Koreograf-reformator M. M. Fokin je posodobil vsebino in obliko baletne predstave ter ustvaril novo vrsto predstave - enodejanski balet, podrejen akciji od konca do konca, kjer se je vsebina razkrila v neločljivi enotnosti glasbe. , koreografija, scenografija (»Chopiniana«, »Petruška«, »Šeherezada«). Tudi A. A. Gorsky (»Gudulina hči« po romanu »Notredamska katedrala« V. Hugoja, 1902; »Salammbô« po romanu G. Flauberta, 1910) je zagovarjal celovitost baletne akcije, zgodovinsko verodostojnost slog in naravnost plastičnosti. Glavna soavtorja obeh koreografov nista bila skladatelja, temveč umetnika (včasih sta bila tudi avtorja scenarija). Fokinove predstave so oblikovali L. S. Bakst, A. N. Benois, A. Ya Golovin, N. K. Roerich; Gorsky - K. A. Korovin. Na reformatorske koreografe je vplivala umetnost ameriškega plesalca A. Duncana, promotorja »svobodnega« plesa. Vendar pa je bilo skupaj z zastarelim zavrnjeno nekaj dragocenega - posploševanje glasbenih in koreografskih podob. Najdeno pa je bilo tudi nekaj novega - balet je vstopil v kontekst umetniških gibanj svojega časa. Od leta 1909 je S. P. Diaghilev organiziral gostovanja ruskega baleta v Parizu, znana kot Ruske sezone. Svetu so razkrili skladatelja I. F. Stravinskega in koreografa Fokina (Ognjena ptica, 1910; Petruška, 1911), plesalca in koreografa V. F. Nižinskega (Favnovo popoldne, 1912; Posvećenje pomladi, 1913) in druge, pritegnili znane glasbenike. in umetniki v baletno gledališče.
Ruske sezone Djagiljeva v tujini
Z začetkom ruskih sezon v tujini, ki jih je organiziral Djagiljev, je ruski balet obstajal tako v Rusiji kot v Evropi. Po oktobru 1917, ko so številni umetniki emigrirali, se je ruski balet še posebej intenzivno razvijal v tujini. Skozi leta 1920-40. Ruski umetniki (A. P. Pavlova s svojo skupino), koreografi (Fokine. L. F. Myasin, B. F. Nijinska, J. Balanchine, B. G. Romanov, S. M. Lifar) so vodili skupine (»Balle Russe de Monte Carlo«, »Original Ballet Russe«, »Russian Romantično gledališče" in mnogi drugi), so ustvarili šole in skupine v mnogih državah Evrope in Amerike, ki so imele velik vpliv na svetovni balet. Te skupine so dolga leta ohranjale ruski repertoar in tradicijo ruske plesne šole, hkrati pa so bile pod vplivom umetnosti regij, kjer so delovale, in se ji postopoma približale.
V Rusiji po letu 1917 je balet ostal glavno središče nacionalne umetnosti. Kljub emigraciji številnih uglednih osebnosti baletnega gledališča je šola ruskega baleta preživela in spodbujala nove izvajalce. Patos gibanja v novo življenje, revolucionarne teme in, kar je najpomembneje, prostor za ustvarjalno eksperimentiranje so navdihnili baletne mojstre in jim omogočili drznost. Ob tem so ohranili tradicijo predhodnikov in akademizem uprizoritvene kulture. Vodja trupe Bolšoj teatra Gorsky je predelal balete klasične dediščine in ustvaril lastne odrske izdaje (Labodje jezero, 1920; Giselle, 1922). Vodil v dvajsetih letih 20. stoletja. Petrogradska skupina F. V. Lopukhov, poznavalec klasične dediščine, je nadarjeno obnovila stari repertoar. Lopukhov je postavil prvo plesno simfonijo »Veličina vesolja« (1922), alegorično upodabljal revolucijo (»Rdeči vihar«, 1924) in se obrnil k tradiciji ljudskih žanrov (»Pulcinella«, 1926; »Zgodba o Lisica ...«, 1927).
Intenzivno ustvarjalno delo in iskanje novih oblik je potekalo tako zunaj akademskih gledališč kot znotraj njihovih zidov. V teh letih so se razvila različna področja plesne umetnosti. Odprli so se studii Duncan, L. I. Lukin, V. V. Maya, I. S. Chernetskaya, L. N. Alekseeva, N. S. Poznyakov, delavnica N. M. Foreggerja, "Heptakhor", "Mladi balet". M. Balanchivadze, studio "Dramballet". Posebej pomembno je bilo delo K. Ya. Goleizovskega, ki je inovativno razvil žanr pop-koreografskih miniatur in uprizarjal balete tako v Moskovskem komornem baletnem studiu kot v Bolšoj teatru (»Jožef Lepi«, 1925, Eksperimentalno gledališče - podružnica Bolšoj teatra). Do sredine 20. let. Obdobje eksperimentov v vsej ruski umetnosti, zlasti koreografski, se je končalo z zaprtjem številnih studiev in kampanjami v tisku za vrnitev k tradiciji ruske kulture 19. stoletja.
Socialistični realizem in njegov konec
To je bil začetek oblikovanja uradne metode socialističnega realizma v koreografskem gledališču, kjer so v ospredje prihajale predstave, v katerih so prihajale v ospredje forme »velikega baleta« 19. stoletja. v kombinaciji z novo vsebino (»Rdeči mak«, 1927). Uradne zahteve po realizmu in dostopnosti umetnosti so privedle do prevlade na odru predstav, ustvarjenih v žanru tako imenovanega dramskega baleta. Baleti te vrste so večdelni, običajno temeljijo na zapletu znanega literarnega dela, zgrajenega po zakonih dramske predstave, katere vsebina je bila predstavljena s pantomimo in figurativnim plesom. Najbolj znani mojstri tega žanra so bili R. V. Zakharov ("Bakhchisaray Fountain", 1934; "Lost Illusions", 1935) in L. M. Lavrovski ("Kavkaški ujetnik", 1938; "Romeo in Julija", 1940). V. I. Vainonen ("Pariški plameni", 1932), V. M. Chabukiani ("Laurencia", 1939) so si prizadevali za večjo plesnost znotraj dramskega baleta. V tridesetih letih prejšnjega stoletja oblikovala se je nova šola uprizarjanja, ki sta jo na eni strani zaznamovala liričnost in psihološka globina (v delih G. S. Ulanove, K. M. Sergejeva, M. M. Gaboviča), na drugi pa junaški način plesa, izražanja in dinamika (v delih M. T. Semenova in mnogih moških plesalcev, zlasti Chabukiani, A. N. Ermolaev). Med vodilnimi umetniki poznih 20-ih - zgodnjih 30-ih. tudi T. M. Večeslova, N. M. Dudinskaya, O. V. Lepeshinskaya.
V tridesetih letih prejšnjega stoletja Baletno gledališče v Rusiji se je intenzivno razvijalo. Nova operna in baletna gledališča z baletnimi skupinami so bila odprta v Leningradu (Maly Opera Theatre), Moskvi (Moskovski umetniški balet - pozneje gledališče po imenu K. S. Stanislavsky in Vl. I. Nemirovich-Danchenko) in mnogih drugih mestih Rusije. Kljub uspehom pa je monopol ene smeri v baletnem gledališču vodil v umetno kultivirano uniformnost. Številne vrste predstav so izginile iz gledališke uporabe, zlasti enodejanke, vključno z brezprizornimi in simfoničnimi baleti. Plesne oblike in plesni jezik so se osiromašili, saj so predstave uporabljale izključno klasični ples in le ponekod ljudske značilne plese. Ker so bila vsa iskanja zunaj dramskega baleta razglašena za formalistična, so Lopukhov po uničujoči kritiki baleta D. D. Šostakoviča »Svetli potok«, Golejzovski, L. V. Yakobson in nekateri drugi izgubili možnost uprizoritve baletov v vodilnih baletnih hišah. ali pa so jih potisnili na oder. Vsi predstavniki neakademskih gibanj, svobodnega plastičnega in ritmičnega plesa so prenehali s producentskim delom. Toda v poznih 1940-ih - zgodnjih 1950-ih. nastopila je kriza uradno podprtega dramskega baleta. Koreografi, ki so bili predani tej smeri, so jo neuspešno poskušali ohraniti in s pomočjo odrskih učinkov povečali zabavno vrednost predstav (npr. prizor poplave v Bronastem jezdecu Zakharova, 1949). Kljub temu so se izvajalske veščine in njena tradicija ohranili. V teh letih so se na odru pojavili M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, V. T. Bovt, N. B. Fadeechev. Prelomnica je bila konec petdesetih let, ko se je pojavila nova generacija koreografov. Prvi, ki so stopili na pot inovativnosti, so bili leningrajski koreografi Yu N. Grigorovich ("Kamniti cvet", 1957; "Legenda o ljubezni", 1961; pozneje "Spartak", 1968) in I. D. Belsky ("Obala upanja", 1959; Leningrajska simfonija, 1961), ki je predstavo zgradil na podlagi glasbene in plesne dramaturgije, njeno vsebino pa razkriva v plesu. Blizu te generacije koreografov N.D.Kasatkina in V.Yu Vasilev, O.M. V istih letih sta se Lopukhov in Goleizovski vrnila k ustvarjalnosti in ustvarila številne nove produkcije; oživeli so prej pozabljeni žanri - enodejanka, plakatni balet, satirični balet, baletna simfonija, koreografska miniatura, razširila se je tematika baletne predstave, obogatil se je besedni zaklad. V tem procesu prenove je imel L. pomembno vlogo. V. Jakobson. Koreograf je neumorno iskal nova umetniška izrazna sredstva in uporabljal podobe drugih baletnih umetnosti. Na baletnih odrih Rusije se je pojavila nova generacija izvajalcev, ki so v prvih letih svojega delovanja postali zavezniki novega vala koreografov: M. N. Baryshnikov, N. I. Bessmertnova, V. V. Vasiljev, I. A. Kolpakova, M. L. Lavrovski, M.-R. . E. Liepa, N. R. Makarova, E. S. Maksimova, R. X. Nurejev, A. E. Osipenko, A. I. Sizova, Yu.V. Solovjov, N. I. Sorokina, N. V. Timofejeva. Po intenzivnem vzponu baletne umetnosti v 60. in zgodnjih 70. letih 20. stoletja. prišlo je do upočasnitve njenega razvoja, ko je na glavnih odrih nastajalo le malo novega ali pomembnega, veliko uprizoritev je bilo epigonskih. Kljub temu se eksperimentalno delo v teh letih ni ustavilo, ko so M. M. Plisetskaya, V. V. Vasiliev, N. N. Boyarchikov, G. D. Aleksidze, D. A. Bryancev ustvarjali predstave.
V poznih 80-ih - zgodnjih 90-ih. Občutno se je povečalo število gostovanj v tujini tako baletnih skupin največjih opernih in baletnih gledališč kot manjših skupin, posebej ustvarjenih v komercialne namene. Od leta 1970. Ruski umetniki, ki so čutili pomanjkanje povpraševanja v zastarelem in slabem repertoarju gledališč, so začeli vse bolj delati v tujini. Prvi je v tujini ostal Nurejev, za njim Makarova in Barišnikov; Pozneje, ko je bila ta praksa legalizirana, so Grigorovič, Vinogradov, pa tudi Pliseckaja, Vasiljev in drugi začeli delovati v tujini, včasih pa so uprizarjali predstave in celo vodilne ruske baletne skupine v ZDA in Evropi delajo v številnih tujih skupinah .
Korenine ruskega baleta, kot vsake umetniške zvrsti, ležijo v plesni folklori. Najverjetneje so bili to kultni plesi (vse vrste okroglih plesov) in igralni plesi ("Pere-dance", "Kuma, kje sem bil" itd.). Ruski balet ni samo ohranil vseh estetskih kanonov, ampak je postal tudi trendsetter v svetu baleta.
Izvori
V Kijevski Rusiji na prelomu iz 8. v 9. stoletje so se začeli pojavljati prvi plesalci, profesionalci na svojem področju - klošarji ... Čez nekaj časa, ko je Moskva postala prestolnica, klošarji niso bili več nujno moški.
V 15.–16. stoletju so veseli spektakli mummerjev z obrazi, skritimi z maskami, tako imenovani »maškarji«, presenetili in presenetili gostujoče tujce.
V 17. stoletju je zgodovino ruskega baleta zaznamovalo odprtje gledališča v Kremlju. Po ustaljeni tradiciji se je vsaka predstava v tem gledališču vedno končala z inter-seungi (posebnimi nastopi baletnih plesalcev). Te tako imenovane entrée so izvajali moški, oblečeni v pompozna oblačila. Igralci so prikazali več elementov družabnega plesa.
Kraljevska zabava
Za prvo celovito baletno predstavo v Rusiji velja predstava, uprizorjena 8. februarja 1673. Ta pomemben dogodek se je zgodil na dvoru carja Alekseja Mihajloviča in se je imenoval "Balet Orfeja in Evridike". Zgodovina ruskega baleta ga opisuje kot menjavo obrednih poz, počasne plese, priklone in prehode. Med njimi so igralci govorili na pamet naučene besede ali peli. Vse to je bilo malo podobno pravi gledališki predstavi. Bila je prav kraljevska zabava, mamljiva s svojo nejasnostjo.
Medtem I. Gregory, organizator gledališča, povabi Nicolo Lima, da organizira tečaje usposabljanja gledaliških veščin za kraljevo gledališče. Sprva je 10 otrok plemiških meščanov, nato 20, uspešno končalo šolanje in carju pokazalo balet "Orfej" v francoskem slogu.
Naloga je postavljena
Šele po četrt stoletja je Peter I, ki se je lotil reforme ruskega kulturnega življenja, v življenje ruske družbe uvedel glasbo in ples. Odloči se, da bo umetnost vcepil v elitne sloje prebivalcev Sankt Peterburga. Da bi to dosegel, Peter I zapre moskovsko gledališče Alekseja Mihajloviča in izda revolucionarni odlok. Ta odlok o zborih je zavezoval vse državne ustanove k obveznemu poučevanju družabnih plesov. Te reforme so položaj plesnega mojstra postavile nedosegljivo visoko. Prav tem upraviteljem skupščin ima balet zasluge za pojav novosti v baletnih plesnih gibanjih, ki so prišle iz tujine v obliki elementov iz narodnih slovanskih plesov.
Avtorica V. Krasovskaya (»Zgodovina ruskega baleta« - Leningradska umetnost, 1978) meni, da so se zahvaljujoč energiji in brezpogojni naravi Petra I v dvoranah palače začele odvijati predstave baletnih skupin, glasbenikov in opernih umetnikov, povabljenih iz tujine. .
V začetku leta 1738 je bila v državi organizirana šola baletne umetnosti, ki je postala pravzaprav prva. Zgodovina ruskega baleta na kratko govori o tem obdobju. Diplomanti šole so delali v baletnih skupinah tujih gledališč kot ti figuranti (corps de ballet actors). In šele veliko pozneje so jim dovolili, da se pridružijo glavnim strankam.
Prvo poklicno usposabljanje
Zgodovinarji menijo, da je Sukhuputny zibelka sodobnega baleta, kjer je deloval slavni Jean Baptiste Lange, ki je s svojimi učenci uprizoril tri dvorne baletne predstave. Kot kaže zgodovina ruskega baleta, so postale praktično prve baletne predstave, ki so ustrezale vsem zakonom in normam Kraljeve akademije za ples v prestolnici Francije.
Kadeti plemiškega zbora so sodelovali v akademski, lirični, polkarakteristični in hkrati komični baletni predstavi italijanske skupine Fessano.
Elizabeta I, da ne bi izgubila usposobljenih baletnih plesalcev, odpre lastno plesno šolo Njenega veličanstva, katere prvi sprejem je bilo 12 otrok meščanov.
In do konca leta 1742 je cesarica podpisala odlok o ustanovitvi baletne skupine ruskih plesalcev. Tu so se pojavile prve ruske zvezde - profesionalni baletni plesalci: Aksinya Baskakova in Afanasy Toporkov.
Prekinitev mrtve točke
Smrt Baptista Landeja prinaša zmedo v koreografski posel v državi. Predstave v režiji Fessana postanejo monotone in dolgočasne burleske. Občinstva takšne produkcije ne pritegnejo.
Zgodovina ruskega baleta na kratko opisuje to obdobje. V tem času se v Evropi postavlja vprašanje reforme koreografije. Rousseau in Saint-Mars zahtevata, da se baletniki znebijo pompoznih oblačil ter mask in lasulj. Diderot toplo priporoča spreminjanje zgodbe baletnih predstav. Medtem John Weaver, ne da bi čakal na splošne spremembe, uprizori plesno predstavo z dobro premišljenim zapletom, Georges Nover pa napiše legendarna "Pisma o plesu".
Ruski balet ne zaostaja veliko. Pojav Hilferdinga je dokaz za to. Ta nemški specialist je v Sankt Peterburgu vzpostavil zapletne koreografske predstave. V Parizu so se zgodbene baletne produkcije pojavile šele 15 let pozneje. Hilferdingu je pomagal Leopold Paradiso. Že v 50. letih 18. stoletja so ustvarjali samostojne baletne igre.
Začetek dramskih produkcij
Prva drama v ruskem baletu pripada A. P. Sumarokovu. Spodbujal je pohvalne plesne predstave in sestavil literarno podlago za baletni predstavi »Zatočišče kreposti« in »Nove lovorike«.
Gasparo Angiolini, koreograf, ki ga je povabil car, je okrepil svetlost not slovanske ljudske pesmi in postavil baletno predstavo Zabava o božičnem času. Catherine II je zelo pohvalila predstavo. Leta 1779 je celotna zakonodajna komisija odobrila balet, katerega glasba je bila napisana na podlagi slovanskega folklora.
Po tako velikem uspehu je Angilini prešel na zabavne gledališke produkcije, ki so satirično obravnavale aktualna vprašanja. To so bili panegiriki, ki so povzročili razburjenje: »Zmagoslavna Rusija« (hvalili so poraz turške vojske pri Kagulu in Largi), »Novi Argonavti« (veličastna oda floti ruskega imperija) in »Zmagovalno razmišljanje« ( postavilo se je vprašanje, ki skrbi vse o potrebi po cepljenju proti divjajočim črnim kozam).
Malo prej je bila uprizorjena prva junaška baletna predstava "Semira". Od tega trenutka so koreografi začeli posvečati veliko pozornost izraznosti baletnega plesa. Kajti plesalci so lahko hkrati vključeni v zabavne operne predstave nedržavnih gledališč in v psevdo-ruske operne predstave, za katere je libreto sestavila cesarica sama.
Do novega leta 1778 v Sankt Peterburgu (kot kaže zgodovina ruskega baleta, knjige slikovito opisujejo ta edinstveni dogodek) pričakujeta gledalce dve gledališči: komercialno "Svobodno gledališče" in dvorno.
Prve podložne skupine
V drugi polovici 18. stoletja je postalo modno obvladovanje plesne umetnosti. In že v začetku leta 1773 je bilo pod mentorstvom Leopolda Paradisea v prestolnici na podlagi sirotišnice odprto prvo izobraževalno središče, ki je kasneje postalo prvo javno gledališče. V prvi sprejem je bilo vključenih 60 otrok. Yu. Bakhrushin v svojih knjigah govori o prvih koreografskih predstavah, ki jih je postavil sloviti Cosimo Meddox.
Zgodovina ruskega baleta, ki jo je zelo podrobno preučeval in opisal, v celoti razkriva to obdobje plesne umetnosti. Medox je z ekipo mladih plesalcev, ki so se šolali v Rusiji, uprizarjal komične opere, koreografske predstave, posvečene resničnim dogodkom (na primer »Zavzetje Očakova«) in divertismente.
V tem ozadju se je podložno gledališče začelo hitro razvijati. V zadnjem desetletju 18. stoletja so bile znane že velike skupine podložnih igralcev. Takšne skupine so imeli Zorič, Golovkina, Apraksin, Šeremetjev, Potemkin in drugi posestniki.
Isto obdobje sta zaznamovala razvoj in uprizarjanje ženskih plesnih tehnik in odrske dekoracije za predstave. Pojavlja se nova tradicija določanja prizorišča dogajanja na odru, slikanja kulis v realističnem slogu, uporabe igre polsence in svetlobe.
Praznovanje ruskega baleta
Zgodovina ruskega baleta 19. in 20. stoletja je bogata in raznolika. Do začetka 19. stoletja doseže baletna umetnost zrelost, ki jo občinstvo ceni. Ruske balerine v svoje koreografije vnašajo zračnost, plemenitost in ekspresivnost. To je zelo primerno opazil A. S. Puškin, ko je opisal lepoto plesnih gibov svoje sodobnice, zvezde baletnega odra, Istomine: »duše poln let« (besedna zveza je postala sinonim za balet). Njena obrazna mimika in uglajenost plesnih gibov sta vzbujala občudovanje. Večina gledalcev se je odpravila na
Anastasia Likhutina, Ekaterina Teleshova in Maria Danilova niso bile nič manj lepe.
Baletne predstave pridobivajo na priljubljenosti. Baletni ples kot umetnost postane privilegiran, zanj se dodeljujejo državne subvencije.
V 60. letih prejšnjega stoletja je kulturno elito zajelo novo gibanje realizma. V rusko gledališče prihaja kriza. Pri koreografskih predstavah se je le-ta izražala v primitivizmu zgodbe, ki je bila prilagojena določenemu plesu. Balerine, ki so dosegle popolnost, ponujajo ples v realističnih predstavah.
Zgodovina ustvarjanja ruskega baleta vstopa v novo fazo. Preporod se je začel s Petrom Čajkovskim, ki je prvi napisal glasbo za koreografsko produkcijo. Prvič v zgodovini baleta je glasba postala tako pomembna kot ples. In se znašla celo v rangu z operno glasbo in simfoničnimi skladbami. Če je bila pred Čajkovskim glasba napisana za plesne prvine, je zdaj baletni igralec s plastičnostjo, gibanjem in gracioznostjo skušal prenesti glasbeno razpoloženje in čustva ter tako gledalcu pomagal razvozlati zaplet, ki ga je skladatelj prepisal v note. Svet še vedno občuduje znamenito Labodje jezero.
Koreograf A. Gorsky je v svoje predstave vnesel elemente sodobne režije in začel posvečati veliko pozornost umetniškemu oblikovanju odra, saj je menil, da mora biti gledalec popolnoma potopljen v dogajanje na odru. Prepovedal je uporabo elementov pantomime. M. Fokin je radikalno obrnil situacijo. Oživil je romantični balet in naredil govorico telesa v plesu razumljivo in govorno. Po Fokinu bi morala biti vsaka odrska uprizoritev edinstvena. To pomeni, da morajo biti glasbena spremljava, slog in plesni vzorec edinstveni za določeno predstavo. V prvih letih 20. stoletja so bile njegove produkcije "Egiptovske noči", "Umirajoči labod", "Sen kresne noči", "Acis in Galatea" in druge razprodane.
Leta 1908 P. povabi Fokina, da postane glavni režiser pariških "ruskih sezon". Zahvaljujoč temu povabilu Fokin postane svetovno znan. In ruski baletni plesalci so vsako leto začeli zmagoslavno nastopati v francoski prestolnici. Zgodovina ruskega baleta poveličuje plesalce ruske skupine, katerih imena pozna ves svet: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Vaslav Nižinski itd. In to v času zatona evropskega baleta!
Diaghilev je tvegal in zmagal. Zbral je skupino mladih in nadarjenih baletnih igralcev in jim dal svobodo delovanja. Dovolil nam je delovati izven znanih okvirov, ki jih je postavil slavni, a že precej ostareli Petipa.
Svoboda delovanja je dala plesalcem možnost odkrivanja in izražanja. Poleg teh revolucionarnih novosti je Djagilev k umetniškemu snovanju pritegnil svoje najslavnejše sodobnike (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) in skladatelje (C. Debissy, M. Ravel, I. Stravinski). Zdaj je vsaka baletna produkcija postala mojstrovina.
Po oktobrski revoluciji je veliko plesalcev in koreografov zapustilo uporniško Rusijo. A jedro je ostalo. Ruski balet se postopoma približuje ljudem. Strani zgodovine v obdobju nastajanja so videle marsikaj...
Po sredini 20. stoletja so plesalci in koreografi nove generacije na odre vrnili pozabljene plesne miniature, simfonije in enodejanke. Število studiev in gledališč se je začelo vztrajno povečevati.
"Triumphator", balerina, baletni kritik
Slavna ruska plesalka Vera Mihajlovna Krasovskaja se je rodila v Ruskem imperiju 11. septembra 1915. Po srednji šoli je leta 1933 vstopila in uspešno diplomirala na leningrajski koreografski šoli. Študirala je pri slavni Vaganovi Agripini. Od takrat do leta 1941 je Krasovskaya služila v gledališču. Kirov. Ukvarja se z baleti akademskega repertoarja.
Leta 1951 je Vera Mikhailovna končala podiplomski študij na Gledališkem inštitutu v Leningradu. A. Ostrovskega, po osnovnem izobraževanju na Fakulteti za gledališke vede.
Šola profesionalizma, ki jo je Krasovskaya prejela najprej v razredu Agrippine Vaganove, nato v baletnih produkcijah Mariinskega gledališča, je skupaj z enciklopedično bazo znanja, aristokracijo, kulturnimi tradicijami in neverjetnim znanjem jezikov (francoščine in angleščine) omogočila postala briljantna in vsekakor največja kritika baletne umetnosti.
Leta 1998 se je dobra novica razširila po gledališkem svetu. Nagrado Triumph je prejela Vera Mikhailovna Krasovskaya. Zgodovina ruskega baleta, ki jo je kot umetnostna zgodovinarka in kritičarka opisala v knjigah (nekatere so prevedene v tuje jezike) in člankih (več kot 300), je Vero Mihajlovno naredila dobitnico brezplačne ruske nagrade Triumf. Ta nagrada je priznanje za odličnost v umetnosti in literaturi.
Leta 1999 je umrla Vera Mikhailovna Krasovskaya.
Epilog
Zgodovina ruskega baleta hvaležno hrani imena mojstrov plesne umetnosti, ki so ogromno prispevali k oblikovanju ruske koreografije. To so znani C. Didelot, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diaghilev, M. Fomin in mnogi drugi. In talent ruskih umetnikov je pritegnil in danes privablja ogromno gledalcev v različnih državah sveta.
Še danes veljajo ruske baletne skupine za najboljše na svetu.
Zgodovina baleta se začne v času renesanse v Italiji. Zrasla je iz ceremonialnih predstav, ki so jih za aristokrate uprizarjali njihovi služabniki: glasbeniki in plesalci na dvoru. Takrat je bil balet kot neizkušen osemnajstletni mladenič: neroden, a z ognjem v očeh. Razvil se je izjemno hitro. Kot isti mladenič, ki so ga prvič spustili v delavnico in ga poklicali za vajenca.
Takrat je bila baletna moda povsem drugačna: kostumi so ustrezali času, tutujev in špic preprosto ni bilo, občinstvo pa je imelo priložnost sodelovati pri tem ob koncu predstave.
To je zanimivo! V času rojstva baleta v Italiji je bilo komaj kaj več kot pet koreografov. Do danes so se ohranili zapiski le treh strokovnjakov, od katerih je eden postal »boter baleta«: v svojih zapiskih je Domenico da Piacenza plese imenoval ballo. Ko se je beseda utrdila, se je preoblikovala v balli in balletto, začeli so jo uporabljati tudi drugi ljubitelji plesa in jo nazadnje pripisali baletu kot umetnosti.
Catherine de Medici postane pomembna osebnost v zgodovini razvoja baleta. Iz Italije prinese to umetnost v Francijo in priredi spektakel za povabljene goste. Veleposlaniki iz Poljske so si na primer lahko ogledali veliko predstavo Le Ballet des Polonais.
Menijo, da je bila modernemu baletu zares najbližja mojstrovina Ballet Comique de la Reine, ki je občinstvo držala v napetosti več kot pet ur. Postavljena je bila leta 1581.
17. stoletje
17. stoletje je nova faza v razvoju baleta. Ločen od preprostega plesa je postal samostojna umetnost, ki jo je strastno podpiral Ludvik XIV. Mazarin je zanj naročil koreografa iz Italije, ki je uprizoril balete s kraljevim sodelovanjem.
Leta 1661 je Louis ustanovil Prvo akademijo za ples, ki je poučevala baletno umetnost. Prvi koreograf Ludvika XIV., monsieur Lully, je vzel vajeti prve baletne šole v svoje roke. Pod njegovim vodstvom je Akademija za ples napredovala in dajala ton celotnemu baletnemu svetu. Naredil je vse, kar je bilo v njegovi moči, da je balet iz mladega in neizkušenega mladeniča z ognjem v očeh spremenil v veličastnega čednega moškega, ki je poznan in spoštovan povsod. Leta 1672 je bila z njegovo podporo ustanovljena plesna akademija, ki je še danes po vsem svetu znana kot balet Pariške opere. Drugi dvorni koreograf Ludvika XIV., Pierre Beauchamp, je delal na terminologiji plesa.
Leto 1681 je bilo še eno pomembno leto v zgodovini baleta. Prvič so dekleta sodelovala v produkciji gospoda Lullyja. 4 lepotice so vdrle v svet plesa in utrle pot drugim. Od tega nepozabnega trenutka so se dekleta začela ukvarjati z baletom.
XVIII stoletja
V 18. stoletju je balet še naprej osvajal srca ljubiteljev gracioznega plesa po vsem svetu. Ogromno število uprizoritev, nove oblike izražanja lastnega "jaza" na odru, slava ni več v ozkih dvorskih krogih. Baletna umetnost je prišla v Rusijo. Leta 1738 se je v Sankt Peterburgu odprla Carska baletna šola.
Bolj ko se je bližala sredina stoletja, svetlejša je postajala baletna umetnost. Evropa je bila navdušena nad njim, večino visokih ljudi je zanimal balet. Povsod so se odprle baletne šole. Razvila se je tudi baletna moda. Dekleta so snela maske, spremenili so se stili oblačil. Zdaj so se plesalci oblekli v lahka oblačila, ki so jim omogočala izvajanje korakov, ki so bili do takrat nemogoči.
19. stoletje
V začetku 19. stoletja se je baletna teorija aktivno razvijala. Leta 1820 je Carlo Blasis napisal "Osnovno razpravo o teoriji in praksi plesne umetnosti". Začne se prehod iz kvantitete v kvaliteto, vse več pozornosti se posveča detajlom.
In tisto glavno, kar baletu prinese začetek 19. stoletja, je ples na prstih. Inovacija je bila sprejeta z velikim navdušenjem in sprejela jo je večina koreografov.
Nasploh je teh sto let dalo baletni umetnosti zelo veliko. Balet se je spremenil v nenavadno lahek in zračen ples, kot poletni veter, ki se poraja v žarkih vzhajajočega sonca. Teorija in praksa sta hodili z roko v roki: objavljenih je bilo veliko znanstvenih del, ki se še vedno uporabljajo pri poučevanju baleta.
XX stoletje
Dvajseto stoletje je minilo v znamenju ruskega baleta. V Evropi in Ameriki je do začetka stoletja zanimanje za balet zamrlo, po prihodu mojstrov iz Rusije pa se je tam znova razplamtela ljubezen do baletne umetnosti. Ruski igralci so organizirali dolge turneje, na katerih so vsi imeli priložnost uživati v njihovih veščinah.
Revolucija leta 1917 ni mogla preprečiti razvoja baleta. Mimogrede, baletni tutu, ki smo ga vajeni, se je pojavil približno ob istem času, predstave pa so postale globlje.
V 20. stoletju balet ni umetnost samo za aristokrate in plemiške hiše. Balet postane dostopen širši javnosti.
XXI stoletje
V našem času balet ostaja ista čarobna umetnost, v kateri lahko s pomočjo plesa govorijo o vseh človeških čustvih. Še naprej se razvija in raste, spreminja se s svetom in ne da bi izgubil svojo pomembnost.
Predložitev vašega dobrega dela v bazo znanja je preprosta. Uporabite spodnji obrazec
Študenti, podiplomski študenti, mladi znanstveniki, ki bazo znanja uporabljajo pri študiju in delu, vam bodo zelo hvaležni.
Objavljeno na http://www.allbest.ru
Uvod
Balet (francosko ballet, iz latinščine ballo - plešem) je vrsta odrske umetnosti, katere glavno izrazno sredstvo sta neločljivo povezana glasba in ples.
Najpogosteje balet temelji na nekem zapletu, dramskem konceptu, libretu, obstajajo pa tudi brezzapletni baleti. Glavni vrsti plesa v baletu sta klasični ples in karakterni ples. Pomembno vlogo tukaj igra pantomima, s pomočjo katere igralci prenašajo občutke likov, njihov "pogovor" med seboj in bistvo dogajanja. Sodobni balet pogosto uporablja tudi elemente gimnastike in akrobatike.
1. Rojstvo baleta
Balet je nastal v Italiji v času renesanse (XVI. stoletje), sprva kot plesni prizor, ki ga združuje eno samo dejanje ali razpoloženje, epizoda v glasbeni predstavi ali operi. Iz Italije izposojen dvorni balet je v Franciji zacvetel kot veličasten ceremonialni spektakel. Glasbena osnova prvih baletov (The Queen's Comedy Ballet, 1581) so bili ljudski in dvorni plesi, ki so bili del antične suite. V drugi polovici 17. stoletja so se pojavile nove gledališke zvrsti, kot so komedija-balet, opera-balet, v katerih je pomembno mesto dobila baletna glasba in jo poskušali dramatizirati. Toda balet je postal samostojna oblika odrske umetnosti šele v drugi polovici 18. stoletja po zaslugi reform francoskega koreografa J. J. Noverja. Na podlagi estetike francoskega razsvetljenstva je ustvarjal predstave, v katerih se vsebina razkriva v dramatično ekspresivnih plastičnih podobah, in uveljavil aktivno vlogo glasbe kot »programa, ki določa gibe in dejanja plesalca«.
2. Nadaljnji razvoj baleta
Nadaljnji razvoj in razcvet baleta sta se zgodila v dobi romantike.
Moderni baletni kostum (kostum vile sladkorne slive iz predstave "Hrestač").
Nazaj v 30. letih 18. stoletja. Francoska balerina Camargo je skrajšala svoje krilo (tutu) in opustila pete, kar ji je omogočilo, da je v svoj ples vnesla drsnike. Do konca 18. stol. baletni kostum postane veliko lažji in svobodnejši, kar močno pripomore k hitremu razvoju plesne tehnike. Da bi ples naredili bolj zračen, so izvajalci poskušali stati na prstih, kar je pripeljalo do izuma špic. V prihodnosti se prstna tehnika ženskega plesa aktivno razvija. Prva, ki je kot izrazno sredstvo uporabila ples na pointe, je bila Maria Taglioni.
Dramatizacija baleta je zahtevala razvoj baletne glasbe. Beethoven je v svojem baletu Prometejeva dela (1801) prvič poskusil simfonizirati balet. Romantična smer se je uveljavila v Adamovih baletih Giselle (1841) in Corsair (1856). Delibesova baleta Coppélia (1870) in Sylvia (1876) veljata za prva simfonizirana baleta. Hkrati se je pojavil poenostavljen pristop k baletni glasbi (v baletih C. Pugna, L. Minkusa, R. Driga idr.), kot melodična glasba, jasna v ritmu, ki služi le kot spremljava plesa.
Balet prodre v Rusijo in se začne širiti že pod Petrom I. v začetku. XVIII stoletja Leta 1738 so na željo francoskega plesnega mojstra Jean-Baptista Lande v Sankt Peterburgu odprli prvo baletno plesno šolo v Rusiji (danes Akademija ruskega baleta Vaganova).
Zgodovina ruskega baleta se začne leta 1738. Takrat se je na prošnjo gospoda Landeja pojavila prva šola baletne umetnosti v Rusiji - zdaj svetovno znana Sanktpeterburška akademija za ples, poimenovana po Agripini Jakovlevni Vaganovi. Vladarji ruskega prestola so vedno skrbeli za razvoj plesne umetnosti. Mihail Fedorovič je bil prvi od ruskih carjev, ki je v osebje svojega dvora uvedel nov položaj plesalca. Bil je Ivan Lodygin. Moral je ne samo plesati sam, ampak tudi učiti te obrti druge. Na razpolago mu je bilo danih devetindvajset mladeničev. Prvo gledališče se je pojavilo pod carjem Aleksejem Mihajlovičem. Takrat je bilo običajno med dejanji predstave prikazati odrski ples, ki se je imenoval balet. Kasneje je s posebnim ukazom cesarja Petra Velikega ples postal sestavni del dvornega bontona. V tridesetih letih 18. stoletja se je plemiška mladina morala učiti plesa. V Sankt Peterburgu so družabni plesi postali obvezna disciplina v kadetskem korpusu Gentry. Z odprtjem poletnega gledališča v letnem vrtu in zimskega gledališča v krilu Zimskega dvorca so kadeti začeli sodelovati v baletnih plesih. Plesni učitelj v korpusu je bil Jean-Baptiste Lande. Dobro je razumel, da se plemiči v prihodnje ne bodo več posvečali baletni umetnosti. Čeprav so v baletih plesali enakovredno kot profesionalci. Lande je kot nihče drug videl potrebo po ruskem baletnem gledališču. Septembra 1737 je vložil peticijo, v kateri je lahko utemeljil potrebo po ustanovitvi nove posebne šole, kjer bi se dekleta in fantje preprostega izvora učili koreografske umetnosti. Kmalu je bilo tako dovoljenje izdano. Dvanajst deklet in dvanajst vitkih fantov je bilo izbranih izmed služabnikov palače, ki jih je Lande začel učiti. Vsakodnevno delo je prineslo rezultate, javnost je bila nad videnim navdušena. Od leta 1743 so Landejevi nekdanji učenci začeli prejemati plače kot baletni plesalci. Šola je zelo hitro uspela zagotoviti ruski oder z odličnimi baletnimi plesalci in veličastnimi solisti. Imena najboljših študentov prve kohorte ostajajo v zgodovini: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrej Nesterov
Nacionalna identiteta ruskega baleta se je začela oblikovati v začetku 19. stoletja po zaslugi dela francoskega koreografa Sh.L. Didlo. Didelot krepi vlogo corps de baleta, povezavo med plesom in pantomimo ter uveljavlja prednost ženskega plesa.
Pravo revolucijo v baletni glasbi je naredil Čajkovski, ki je vanjo vnesel neprekinjen simfonični razvoj, globoko figurativno vsebino in dramatično ekspresivnost. Glasba njegovih baletov Labodje jezero (1877), Trnuljčica (1890), Hrestač (1892) je skupaj s simfonično glasbo pridobila sposobnost razkrivanja notranjega toka dogajanja. Utelešajte značaje likov v njihovi interakciji, razvoju, boju. V koreografiji sta inovativnost Čajkovskega utelešala koreografa Marius Petipa in L. I. Ivanov, ki sta postavila temelje simfonizaciji plesa. Tradicijo simfoniziranja baletne glasbe je nadaljeval Glazunov v baletih Raymonda (1898), Služabnica (1900) in Letni časi (1900).
Začetek 20. stoletja so zaznamovala inovativna iskanja, želja po preseganju stereotipov in konvencij akademskega baleta 19. stoletja. V svojih baletih je koreograf Bolšoj teatra A.A. Gorsky si je prizadeval doseči doslednost v razvoju dramske akcije, zgodovinsko avtentičnost, poskušal je okrepiti vlogo corps de baleta kot množičnega značaja, preseči ločitev pantomime in plesa. M. M. Fokin je veliko prispeval k ruski baletni umetnosti, saj je bistveno razširil paleto idej in podob baleta, ga obogatil z novimi oblikami in slogi. Njegove produkcije baletov "Chopiniana", "Petrushka", "Firebird" in drugih za "Ruske sezone" so prinesle slavo ruskemu baletu v tujini. Miniatura "Umirajoči labod" (1907), ki jo je Fokin ustvaril za Anno Pavlovo, je pridobila svetovno slavo. V letih 1911-13 je bila na podlagi "Ruskih sezon" ustanovljena stalna skupina "Ruski balet Djagiljeva". Potem ko je Fokine zapustil skupino, je Vaslav Nijinsky postal njen koreograf. Njegova najbolj znana produkcija je bil balet "Posvećenje pomladi" na glasbo Stravinskega.
balet Čajkovski romantika oder
3. Sodobni ples
Sodobni ples je smer v plesni umetnosti, ki se je pojavila v začetku 20. stoletja kot posledica odmika od strogih norm baleta v korist ustvarjalne svobode koreografov.
Balet je navdihnil prosti ples, katerega ustvarjalce niso zanimale toliko nove plesne tehnike ali koreografije, temveč ples kot posebna filozofija, ki lahko spremeni življenje. To gibanje, ki je nastalo na začetku dvajsetega stoletja (Isadora Duncan velja za njegovo ustanoviteljico), je služilo kot vir številnih trendov v sodobnem plesu in je dalo zagon reformi samega baleta.
Objavljeno na Allbest.ru
...Podobni dokumenti
Zgodovina nastanka baleta kot oblike uprizoritvene umetnosti, ki vključuje formalizirano obliko plesa. Ločitev baleta od opere, nastanek nove vrste gledališke predstave. Ruski balet S.P. Djagiljev. Svetovni balet ob koncu 9. in v začetku 20. stoletja.
povzetek, dodan 02.08.2011
Ples kot oblika umetnosti. Vrste in zvrsti koreografije. Italijanski balet 17. stoletja. Romantični balet v Rusiji. Položaj rok in nog, položaj telesa in glave v klasičnem plesu. Libreto baleta "Vodnjak Bakhchisarai". Liki francoskega baleta 18. stoletja.
goljufija, dodana 11/04/2014
Upoštevanje plesa kot umetniške oblike, katere material so gibi in položaji človeškega telesa, ki tvorijo enoten umetniški sistem. Možnosti koreografije pri razkrivanju človeških čustev. Enotnost duha in telesa v glasbeni plastičnosti baleta.
test, dodan 24.12.2012
Filozofske in estetske značilnosti kulture renesanse. Mesto glasbe v renesančnem umetnostnem sistemu. Glasba in ples: vidiki interakcije. Koreografija o pristopih k samoodločbi. Žanrska paleta plesne umetnosti renesanse.
predmetno delo, dodano 19.12.2010
Glavne sestavine baleta, proces njegovega ustvarjanja na podlagi literarnega dela. Namen kostumov in scenografije, vloge junakov v baletni uprizoritvi. Zgodovina nastanka baleta zaradi delitve plesa na vsakdanje in odrske oblike.
predstavitev, dodana 25.02.2012
Folklorni plesi kot izvor ruskega baleta, vloga podložnega baleta v njegovem razvoju. Prvi ruski profesionalni plesalci. Balet 19. in 20. stoletja. – nadaljevanje ljudske tradicije v ruskem klasičnem plesu. Rojstvo moderne plesne umetnosti.
povzetek, dodan 20.05.2011
Širjenje romantike kot gibanja v umetnosti. Sinteza umetnosti, filozofije, religije v romantičnem umetniškem sistemu. Zaton baletne umetnosti v Evropi, njen razcvet v Rusiji. Izjemni koreografi in koreografinje romantike.
test, dodan 3. 11. 2013
Balet pred letom 1900. Nastanek baleta kot dvornega spektakla. Veščina zgodnjih italijanskih plesnih učiteljev. Balet v dobi razsvetljenstva. Romantični balet. Balet 20. stoletja Ruski balet S.P. Djagiljev. Balet v ZDA. Svetovni balet. Združeno kraljestvo. Francija.
povzetek, dodan 11.08.2008
Koncept koreografije kot vrste umetnosti, njene značilnosti in posebnosti, zgodovina njenega nastanka in razvoja. Faze razcveta baletne umetnosti, njene vodilne šole in smeri. Razvoj koreografije in baleta v sodobni Ukrajini.
povzetek, dodan 10.4.2009
Zgodovina baleta. Začetki temeljev baletne tehnike v Pariški operi leta 1681. Ukinitev baleta v Turkmenistanu leta 2001. Baleti znanih skladateljev. Izjemni mojstri ruske baletne umetnosti. Šola klasičnega baleta.
V kateri državi se je pojavil in uprizoril prvi balet?
- Ples je skozi zgodovino pomemben. Tradicije narativnega plesa so se razvile na Kitajskem, v Indiji, Indoneziji in stari Grčiji. Gledališki ples je bil dobro uveljavljen v širši areni starogrškega gledališča. Ko je Rimsko cesarstvo osvojilo Grčijo, je asimiliralo grški ples in gledališče z njuno umetnostjo in kulturo.1 Medtem ko je bil ples še naprej pomemben ves srednji vek, se je kljub občasnemu zatiranju s strani Cerkve baletna umetnost pojavila šele pozno 1400 v Italiji. Italija je začela baletno tradicijo, a njen razcvet so omogočili Francozi. Francoski balet je z vključitvijo vidikov italijanskega baleta postal pomemben in vplival na plesno zvrst na mednarodni ravni. Do danes večina baletnega besedišča izvira iz francoščine.
Ampak iz enciklopedije... Pravijo, da je tradicija baleta prišla k nam iz Kitajske, Indije in Indonezije ... Stare Grčije in tako naprej .... Tradicija baleta se je razvila v Italiji ob koncu 15. stoletja (1400...) Francozi pa so jo razvili.... torej očitno ne 1581
Baletna umetnost je nastala v Italiji pred več kot 500 leti. Najbogatejša ljudska plesna kultura, ohranjena kultura starodavne pantomime, družabni plesi na dvoru, pustne cerkvene procesije, teoretske razprave o plesu, plesni vložki med dejanji commedia dell'arte, te in drugačne zvrsti plesne umetnosti so postavile temelje prihodnosti. svetovni balet. Italijanske skladatelje, plesne mojstre in umetnike so nenehno vabili v Francijo, kjer se je postopoma oblikovala zvrst baletne predstave, ki se je v Italijo vrnila v 17. stoletju. V 18. stoletju se je razvil italijanski stil izvajanja, ki so ga zaznamovali virtuoznost in uglajene manire. Nastale so cele umetniške družine, ki so svetu dale velike koreografe in plesalce: Vestris, Taglioni in drugi. Iz Italije pa se je balet začel širiti po Evropi in nato vplival na ameriški balet. Salvatore Vigano je na primer na prelomu iz 18. v 19. stoletje ustvaril žanr koreodrame, ki je postal tako priljubljen v vseh naslednjih stoletjih. Italijani so v obdobju romantike v svetovnem baletu v 19. stoletju igrali pomembno vlogo. Legendarni balerini tiste dobe, Maria Taglioni in Carlotta Grisi, sta bili Italijanki. V 18. in 19. stoletju so italijanski koreografi in umetniki gostovali in delovali v Rusiji ter prispevali k oblikovanju ruskega baletnega gledališča. Konec 19. in v začetku 20. stoletja je Enrico Cicchetti poučeval ples številne znane ruske plesalce. Postopoma je balet v Italiji izgubil vodilni položaj v korist francoskega in nato ruskega baleta. Toda veliki mojstri italijanske plesne umetnosti sestavljajo veličastno zgodovino svetovnega baleta v preteklih stoletjih.
- Zgodovina baleta
Balet je dokaj mlada umetnost. Star je nekaj več kot štiristo let, čeprav ples krasi človeško življenje že od pradavnine. Balet se je rodil v severni Italiji v času renesanse. Italijanski knezi so oboževali razkošne dvorske veselice, na katerih je imel ples pomembno mesto. Podeželski plesi niso bili primerni za dvorne dame in gospodo. Njihova obleka, tako kot dvorane, kjer so plesali, ni dopuščala neorganiziranega gibanja. Posebni učitelji, plesni mojstri, so poskušali vzpostaviti red na dvornih plesih. S plemiči so vnaprej vadili posamezne figure in plesne gibe ter vodili skupine plesalcev. Postopoma je ples postajal vse bolj teatralen.
Izraz balet se je pojavil konec 16. stoletja (iz italijanskega balletto do ples). Toda takrat to ni pomenilo predstave, ampak le plesno epizodo, ki je prenašala določeno razpoloženje. Takšni baleti so bili običajno sestavljeni iz nepovezanih nastopov likov, največkrat junakov grških mitov. Po takih izhodih se je začel splošni ples velikega baleta.
http://gazeta.aif.ru/online/kids/127/08_01Postopoma se je balet ločil od opere in postal samostojna umetnost. Veliki reformator plesa je bil francoski koreograf Jean Georges Nover (1727-1810). Nover je zahteval ustvarjanje učinkovitega, torej smiselnega in ekspresivnega plesa, v katerem bi se dogodki, občutki in misli likov razkrivali v pantomimi in plesnih gibih. Od koreografov je Nover zahteval poleg pesniškega daru in bogate domišljije tudi široko izobrazbo. Glasbo je imenoval duša baleta. Noverjeva stališča so imela velik vpliv na razvoj koreografije.
Po naročilu Noverja je koreograf Jean Dauberval (1742-1806) postavil balet Zaman previdnost (1789), ki je posredoval občutke navadnih ljudi. Noverjev predhodnik v razvoju zgodbenega baleta je bil avstrijski koreograf Franz Hilferding (1710-1768), ki je veliko naredil na področju odrskega plesa v ruskem baletnem gledališču.
Prva, ki je ples na pointe uporabila kot sredstvo za ustvarjanje podobe, je bila Maria Taglioni (1804-1884), katere ime je povezano z baletom La Sylphide (glasba J. Schneizhofferja).
http://ickust.claw.ru/shared/icks/3350.htmKlasični balet
Klasični balet se je na Japonskem prvič pojavil leta 1912, ko je tja prišel italijanski koreograf Giovanni Rosi, ki je tri leta poučeval ples v gledališču Teikoku Gekid.
Leta 1922 je ruska balerina Anna Pavlova gostovala na Japonskem. Od takrat se je v državi pojavilo veliko zanimanje za klasično koreografijo in začelo se je strokovno izobraževanje lastnih plesalcev.
Od leta 1960 do 1964 je baletna šola poimenovana po M. Čajkovskega, kjer so poučevali sovjetski učitelji in koreografi. Na njegovi podlagi je nastala skupina Tokyo Baredan.
povezava se bo prikazala po potrditvi s strani moderatorjaBalet, torej plesno-gledališka predstava brez besed, je bil prvič uprizorjen v Londonu. To se je zgodilo na odru kraljevega gledališča 2. marca 1717. Prvi nemi balet v zgodovini se je imenoval Ljubezen Marsa in Venere, napisal pa ga je skladatelj angleške baročne šole John Vevers. Pred tem pomembnim dnem je plesne nastope praviloma spremljalo petje ali melodična recitacija. Vevers je bil prvi, ki je plastično umetnost plesa očistil zvokov, ki so ji bili tuji.
http://www.rg-rb.de/chk/2003/85/15.shtml - BALET (iz francoskega balleto in latinskega ballo dance), ima dva pomena: 1. Zvrst gledališke in glasbene umetnosti, v kateri se s pomočjo koreografije, plesa in plastične govorice ustvarja umetniška podoba. 2. Baletna predstava
Pojav baleta. Balet, najvišja stopnja koreografije (iz grščine choreia plesati in grapho pisati), v kateri se plesna umetnost povzpne na raven glasbene odrske uprizoritve, je kot dvorna aristokratska umetnost nastal veliko pozneje kot ples, v 1516. stoletju. Izraz balet se je pojavil v renesančni Italiji v 16. stoletju. in ni pomenil nastopa, ampak plesno epizodo. Balet je sintetična umetnost, v kateri je ples, glavno izrazno sredstvo baleta, tesno povezan z glasbo, z dramsko osnovo libreta, s scenografijo, z delom kostumografa, oblikovalca luči itd. Balet je raznolik: klasični pripovedni večdejanski balet, dramski balet; baletna simfonija brez zgodbe, baletno razpoloženje, miniatura. Po žanru je balet lahko komičen, herojski, folklorni. 20. stoletje baletu prinesel nove oblike: jazz balet, moderni balet.
Proces teatralizacije plesa je še posebej intenzivno potekal v Italiji, kjer je že leta 1415 st. Pojavili so se prvi plesni mojstri in na osnovi ljudskega plesa sta se oblikovali družabni in dvorni ples. V Španiji so zapletni plesni prizor imenovali morski ples (mavrski ples), v Angliji maska. Sredi 16. in v začetku 17. st. Nastal je figurativni, figurativni ples, organiziran glede na vrsto kompozicije geometrijskih likov (ballo-figurato). Slavni Balet turških žensk je bil uprizorjen leta 1615 na dvoru medičejskih vojvod v Firencah.
Prvo baletno predstavo, ki je združevala glasbo, besedo, ples in pantomimo, Circe ali kraljičin komični balet, je na dvoru Katarine Medičejske (Pariz) leta 1581 uprizoril italijanski koreograf Baltazarini di Belgioioso. Od takrat je žanr dvornega baleta (maškarade, pastorale, plesni divertismenti in interludiji).
Ples se je začel spreminjati v balet, ko so ga začeli izvajati po določenih pravilih. Prvi jih je oblikoval koreograf Pierre Beauchamp (1637-1705), ki je sodeloval z Lullyjem in je leta 1661 vodil Francosko akademijo za ples (bodočo pariško operno hišo). Zapisal je kanone plemenitega stila plesa, ki je temeljil na principu obračanja nog (en dehors). Ta položaj je dal človeškemu telesu možnost, da se prosto giblje v različnih smereh.
Vse plesalčeve gibe je razdelil v skupine: počepe (plie), poskoke (skids, entrechat, cabriole, jeté, sposobnost visenja v skoku, elevacijo), rotacije (piruete, fouettés), položaje telesa (drže, arabeske). Izvedba teh gibov je bila izvedena na podlagi petih položajev nog in treh položajev rok (port de bras). Vsi klasični plesni koraki izhajajo iz teh položajev nog in rok. Tako se je začelo nastajanje baleta, ki se je razvil do 18. stoletja. iz interludijev in divertismentov v samostojno umetnost.
V pariški operi v 17. stol. posebna zvrst gledališkega in glasbenega spektakla, opera in balet, so izvajali skladatelji J. B. Lully, A. Campra, J. F. Rameau. Sprva so baletno skupino sestavljali samo moški. Francoski plesalci so bili znani po svoji gracioznosti in gracioznosti (plemenitosti) svojega načina nastopanja. Italijanski plesalci so na oder pariške opere prinesli nov stil plesa - virtuozni slog, tehnično zapleten, poskočen stil plesa. Eden od začetnikov moškega odrskega plesa je bil Louis Dupre (1697-1774). Bil je prvi, ki je v plesu združil oba stila nastopanja. - Izraz balet se je pojavil konec 16. stoletja (iz italijanskega balletto do ples). Toda takrat to ni pomenilo predstave, ampak le plesno epizodo, ki je prenašala določeno razpoloženje. Takšni baleti so bili običajno sestavljeni iz nepovezanih nastopov likov, največkrat junakov grških mitov. Po takih izhodih se je začel splošni ples velikega baleta.
Prva baletna predstava je bila Kraljičina komedija, ki jo je leta 1581 v Franciji postavil italijanski koreograf Baltazarini di Belgioioso. V Franciji je prišlo do nadaljnjega razvoja baleta. Sprva so bili to baleti v maskah, nato pa pompozni melodramatični baleti z viteškimi in fantastičnimi zapleti, kjer so plesne epizode zamenjale vokalne arije in recitiranje poezije. Naj vas ne preseneti, takrat balet ni bil le plesna predstava.