ingles famoso Artistas - Famosos artistas ingleses
Guillermo Hogarth (1697-1764) fue el primer hombre en criar (1) británico arte pictórico (2) a un nivel de importancia. Nació en Londres. Su padre era maestro de escuela. Su temprano gusto por el dibujo (3) Fue notable y después de la escuela normal para su día, fue aprendiz (4) a un plato de plata grabador (5).
Su éxito lo atribuyó al trabajo duro: "No conozco nada parecido al genio", escribió: "el genio es nada más que (6) trabajo y diligencia (7)’.
Hogarth pintó muchos cuadros. El contrato matrimonial es la primera de la serie de sus fotografías que forman el famoso 'matrimonio a la moda' (8). Los dos padres de la imagen están sentados a la derecha. Uno, un conde, con motivos de orgullo para su árbol genealógico; el otro, probablemente un concejal de la City de Londres, examina el acuerdo matrimonial. El hijo del conde se admira ante el espejo; La hija del concejal juega con su anillo de bodas y escucha las bromas de un joven abogado.
El tema de la imagen es una protesta contra el matrimonio por dinero y vanidad (9). Hogarth fue el primer gran artista inglés.
Sir Joshua Reynolds (1723-1792), el primer presidente de la Real Academia, no sólo fue un pintor 236 sino el fundador de los principios académicos de una Escuela Británica.
Su propio trabajo fue influenciado por los venecianos, Tiziano (10) y Veronés (11). Su pasión por los ricos profundidad de las sombras (12) fue afortunado; para obtenerlo utilizó betún.
La tercera gran figura de la pintura del siglo XVIII, Thomas Gainsborough (1727-1788), nació en 1727 en la pequeña ciudad comercial de Sudbury, en Suffolk.
Gainsborough tuvo poca formación académica; aprendió a pintar no trabajando pesadamente en el estudio, sino observando el mundo real. Las elegantes poses y los tonos plateados de Van Dyck lo fascinaron y jugaron un papel importante en determinar el desarrollo de su habilidad. Quizás el más conocido hoy en día de todos los retratos de Gainsborough sea el famoso Blue Boy.
Pero curiosamente (13) bastante, era poco conocido en la época de Gainsborough y no hay información definitiva (14), sobre la fecha del cuadro. es un retrato con hábito de Van Dyck (15). Existe la opinión de que Gainsborough pintó El chico azul para establecer el punto que había planteado en un disputa (16) con Reynolds y otros pintores, cuando mantenido (17) que el dominante (18) El color de una imagen debe ser azul. su foto La chica de la cabaña con el perro y la jarra atrajo la atención general (19). El cuadro que representa a una pequeña campesina se exhibió por primera vez en 1814; la pose fácil de la niña, el giro natural de su cabeza y la expresión de su rostro hacen una fiel a la vida (20) imagen.
Gainsborough siempre se consideró un pintor de paisajes, pero la necesidad de pintar retratos lo alejó de su verdadero amor. para ganarse la vida (21).
Él fue el primero en presentar (22) libertad lírica en la pintura británica. Su logro residió en el descubrimiento de la belleza de su paisaje natal.
William Hogarth fue el primero en elevar las bellas artes británicas a su nivel adecuado. Nació en Londres. Su padre era maestro de escuela. Su temprana habilidad para dibujar fue impresionante y después de sus lecciones se formó como grabador de plata.
Su éxito es un trabajo duro: "Sé que no existe el genio", escribió, "el genio no es más que trabajo y diligencia".
Hogarth pintó muchos cuadros. " Contrato matrimonial" - el primero de una serie de cuadros que componen el famoso ciclo "El matrimonio a la moda". En el cuadro, ambos padres están representados a la derecha. Uno de ellos, un conde, señala con orgullo su pedigrí, el otro, quizás un miembro de la City de Londres, está estudiando un acuerdo matrimonial. El hijo de un conde disfruta de su aparición en el espejo, la hija de un miembro del ayuntamiento hace girar un anillo en sus manos y escucha los elogios de un joven abogado.
El tema de esta imagen es una protesta contra el matrimonio por dinero y arrogancia. Hogarth fue el primer artista inglés famoso.
Sir Joshua Reynolds, el primer presidente de la Royal Academy, no sólo fue un artista, sino también el fundador de los principios académicos" Escuela Británica".
Sus propias pinturas estuvieron significativamente influenciadas por los venecianos Tiziano y Veronés. Su fascinación por la riqueza de los contrastes sombríos tuvo éxito; para lograrlo utilizó resina de roca.
El tercer personaje famoso del siglo XVIII. Estaba Thomas Gainsborough, que nació en 1727 en la pequeña ciudad de Sudbury en el condado de Safolk.
Gainsborough no recibió una educación académica completa. Aprendió a dibujar no trabajando cuidadosamente en el estudio, sino contemplando mundo real. Las poses majestuosas y los tonos plateados de las pinturas de Van Dyck le fascinaron e influyeron en gran medida en el desarrollo de su habilidad. Al parecer, la más destacada entre las obras de Gainsborough es el retrato "El niño de azul".
Curiosamente, esta obra no fue muy conocida durante la vida de Gainsborough, por lo que se desconoce la fecha exacta de esta pintura. Este es un retrato al estilo de Van Dyck. Existe la opinión de que Gainsborough pintó "El niño de azul" para defender su punto de vista en la polémica con Van Dyck y otros artistas de que el color azul predomina en el cuadro. Su cuadro "Campesina con perro y taza" atrajo la atención del público. La pintura, que representa a una pequeña niña de pueblo, se exhibió por primera vez en 1814. La mirada sencilla de la niña, el movimiento natural de su cabeza y la expresión facial hicieron que esta imagen fuera realista.
Gainsborough siempre se consideró un pintor de paisajes, pero se vio obligado a abandonar su verdadera pasión por los paisajes y los retratos pintados para ganarse la vida.
Fue pionero en la libertad lírica en el arte británico. Su éxito se basa en estudiar la belleza de su naturaleza nativa.
Vocabulario
1. ser el primer hombre en criar - ser el primer artista en criar
2. arte pictórico - bellas artes
3. gusto por el dibujo – inclinación a dibujar
4. ser aprendiz - ser asistente, alumno de un maestro
5. grabador - grabador
6. nada más que - aquí: nada más que
7. diligencia - diligencia
8. “matrimonio a la mode” - serie (francesa) de pinturas “matrimonio de moda”
9. vanidad - arrogancia, vanidad
10. Tiziano - Tiziano Vecellio (1477-1576), famoso artista italiano
11. Veronese Paolo - Veronese Paolo (1528-1588), famoso artista italiano
12. profundidad de las sombras - contrastes de sombras
13. curiosamente - interesante
14. información definitiva - cierta información
15. con el hábito de Van Dyck - a la manera de Van Dyck
16. disputa - discusión
17. mantener - afirmar, defender
18. predominante - lo que prevalece, dominante
19. para atraer la atención general - para atraer la atención general
20. fiel a la vida - aquí: realista, realista
21. ganarse la vida - ganarse la vida
22. presentar - presentar
Preguntas
1. ¿Quién fue el primer artista inglés de los siglos XVII-XVIII?
2. ¿Cuál es el tema del cuadro de Hogarth El contrato matrimonial?
3. ¿Quién fue el primer presidente de la Real Academia?
3. ¿Qué cuadros de Gainsborough conoces?
4. ¿Gainsborough pintó sólo retratos?
5. ¿Cuál es el color predominante en sus cuadros?
Moderno artistas ingleses poco conocido por los aficionados al arte ruso. Permítanme presentarles las pinturas del increíble artista Russ Mills ( Molinos Russ) de Kingsbridge, Reino Unido. Su trabajo se sitúa entre las bellas artes urbanas, el arte callejero y la gráfica contemporánea.
A pesar de su técnica pictórica bastante progresiva, Russ Mills no es en absoluto joven. Nació en 1952, en Yorkshire. Esta es una personalidad bastante versátil y creativa. Ras, además de pintar, participa en el proyecto musical "Undark" y crea instalaciones multimedia, y también enseña en el Royal College of Art, Glasgow School of Art. Por invitación da conferencias en otras universidades del Reino Unido y del extranjero.
Este inglés moderno Se centra principalmente en la forma humana, particularmente en los rostros, entrelazados con elementos del reino animal, reflejando a menudo lo absurdo de la naturaleza humana. Durante su larga vida creativa, Russ Mills ha trabajado en el diseño gráfico de álbumes musicales de celebridades como Nine Inch Nails, Roger Eno, Japan, Harold Budd y Brian Eno, David Sylvian, Michael Brook y The Overload. Se pueden utilizar sus obras gráficas. como cuadros para el interior de discotecas, bares e incluso oficinas. Su expresividad y dinámica resaltarán perfectamente el interior de una habitación en la que la vida está en constante auge.
¿Artistas de qué país hicieron una contribución especial al desarrollo de la pintura mundial?
Cuando se hace esta pregunta, a menudo se recuerda a los artistas franceses. Más . Y nadie duda en absoluto de la influencia.
Pero si tomamos el siglo XVIII y principios del XIX, es importante señalar los méritos. Artistas ingleses.
Durante este período, varios maestros brillantes trabajaron en el país de Foggy Albion, quienes cambiaron radicalmente el arte mundial.
1. William Hogarth (1697-1764)
Guillermo Hogarth. Auto retrato. 1745 Tate British Gallery, Londres Hogarth vivió tiempos difíciles. A principios del siglo XVIII apenas surgía en Inglaterra la sociedad burguesa, que sustituyó a la feudal.
Los valores morales todavía eran inestables. Con toda seriedad, el interés propio y el enriquecimiento por cualquier medio se consideraban virtudes. Como en los años 90 del siglo XX en Rusia.
Hogarth decidió no quedarse callado. Y trató de abrir los ojos de sus compatriotas ante la decadencia de los valores morales. Con la ayuda de pinturas y grabados.
Comenzó con una serie de pinturas titulada "Carrera de prostituta". Lamentablemente, las pinturas no han sobrevivido. Sólo quedan los grabados.
Guillermo Hogarth. Carrera de prostituta: atrapada por un proxeneta. Grabado. 1732 Esta es una historia real sobre una chica del pueblo, Mary, que llegó a la ciudad en busca de fortuna. Pero cayó en las garras de un viejo proxeneta. Vemos esta escena en el primer grabado. Convertida en una mujer mantenida, pasó su corta vida entre marginados sociales.
Hogarth tradujo deliberadamente sus pinturas en grabados para distribuirlas ampliamente. Por eso intentó llegar a la mayor cantidad de gente posible.
Además, no sólo quería advertir a las niñas pobres como María. Pero también aristócratas. A juzgar por su serie de obras “Fashionable Marriage”.
La historia que se describe en él era muy típica de esa época. Un aristócrata empobrecido se casa con la hija de un rico comerciante. Pero esto es sólo un trato que no implica una unión de corazones.
El cuadro más famoso de esta serie, “Tete-a-Tete”, demuestra el vacío de su relación.
Guillermo Hogarth. Matrimonio de moda. Tete-a-Tete. 1743 Galería Nacional de Londres La esposa se divirtió con los invitados toda la noche. Y el marido recién llegó a casa por la mañana, devastado por la juerga (a juzgar por la mancha en su cuello, ya estaba enfermo de sífilis). La condesa se levanta casualmente y está a punto de bostezar. Su rostro muestra total indiferencia hacia su marido.
Y no es de extrañar. Ella comenzó una aventura paralela. La historia terminará tristemente. El marido encontrará a su mujer en la cama con su amante. Y será apuñalado con una espada en un duelo. El amante será enviado a la horca. Y la condesa se suicidará.
Hogarth no era sólo un caricaturista. Su habilidad es demasiado alta. Combinaciones de colores complejas y armoniosas. Y también una expresividad increíble. Puedes "leer" fácilmente sus pinturas, entendiendo cuáles son las relaciones entre las personas.
Guillermo Hogarth. Matrimonio de moda. Duelo y muerte del conde. 1743 Galería Nacional de Londres Los méritos de Hogarth son difíciles de sobreestimar. Después de todo, él inventó realismo crítico. Nadie antes que él había representado en la pintura tantos conflictos y dramas sociales.
Reynolds no reinventó la rueda. Pero impuso estándares muy altos para todos los artistas europeos.
3. Thomas Gainsborough (1727-1788)
Thomas Gainsborough. Auto retrato. 1758-1759 Galería Nacional de Retratos, Londres A Gainsborough se le puede llamar con razón el artista inglés más famoso del siglo XVIII. Vivió al mismo tiempo que Reynolds. Eran rivales.
La diferencia entre Reynolds y Gainsborough es visible a simple vista. El primero tiene tonalidades rojas y doradas; Imágenes majestuosas y solemnes.
Gainsborough tiene tonos azul plateado y verde oliva. Además de retratos aireados e íntimos.
Thomas Gainsborough. Retrato de una dama vestida de azul. 1778-1782 , San Petersburgo Todo esto lo vemos en el retrato “La dama de azul”. Sin intensidad de emociones. Simplemente una imagen hermosa y gentil. Para conseguir este efecto, Gainsborough trabajó con un pincel fino de casi 2 metros de largo.
Gainsborough siempre se consideró principalmente un pintor de paisajes. Pero la necesidad de ganar dinero le obligó a pintar retratos por encargo. Irónicamente, se hizo famoso y permaneció en la historia precisamente como retratista.
Pero el artista se comprometió consigo mismo. A menudo representa sujetos en el regazo de la naturaleza. Combinando un retrato odiado y un paisaje amado.
Thomas Gainsborough. Retrato del señor y la señora Hallett (paseo matutino). 1785 Galería Nacional de Londres Los clientes no podían decidir cuál de los dos retratistas les gustaba más. Y los aristócratas encargaron retratos tanto de Reynolds como de Gainsborough. Eran demasiado diferentes. Pero en cuanto a la resistencia de las obras no eran inferiores entre sí.
Pero a diferencia de Reynolds, su oponente también se sintió atraído gente sencilla. Con igual pasión pintó tanto a la duquesa como al plebeyo.
Thomas Gainsborough. Chica con cerdos. 1782 Colección privada Reynolds intercambió su cuadro “Niñas con cerdos” con un coleccionista por un cuadro que tenía. Creer que esto es mejor trabajo su rival.
Las obras de Gainsborough son únicas por su calidad. También hay pinceladas descubiertas que, desde la distancia, dan vida y respiran a lo que sucede.
Son líneas suaves y sombreadas. Es como si todo sucediera en aire húmedo, como ocurre en Inglaterra.
Y, por supuesto, una combinación inusual de retrato y paisaje. Todo esto distingue a Gainsborough de muchos otros retratistas de su época.
4. William Blake (1757-1827)
Tomás Phillips. Retrato de William Blake. 1807 Galería Nacional de Retratos, Londres William Blake era una persona extraordinaria. Desde pequeño tuvo visiones místicas. Y cuando creció, se hizo anarquista. No reconoció las leyes ni la moralidad. Creer que así se oprime la libertad humana.
Tampoco reconoció la religión. Considerándolo el principal restrictor de las libertades. Por supuesto, estas opiniones se reflejaron en sus obras. “El Arquitecto del Mundo” es su agudo ataque al cristianismo.
William Blake. Gran arquitecto. Grabado coloreado a mano. 36x26cm 1794 Museo Británico, Londres El Creador sostiene una brújula que traza límites para el hombre. Límites que no se deben traspasar. Limitar nuestro pensamiento, vivir dentro de límites estrechos.
Para sus contemporáneos, su trabajo era demasiado extraordinario, por lo que nunca recibió reconocimiento durante su vida.
Algunos vieron en sus obras profecías y acontecimientos futuros. Al percibir a Blake como un hombre dichoso, el hombre no es él mismo.
Pero Blake nunca fue oficialmente declarado loco. Trabajó fructíferamente toda su vida. Y era un experto en todos los oficios. También fue un excelente grabador. Y un brillante ilustrador. Habiendo creado increíbles acuarelas para " Divina Comedia»Dante.
William Blake. Un torbellino de amantes. 1824-1727 Ilustración para la Divina Comedia de Dante Lo único que Blake tenía en común con su época era la moda de todo lo terrible y fabuloso. Después de todo, en la Inglaterra del siglo XIX se celebraban el romanticismo y los motivos de los cuentos de hadas.
Por tanto, su cuadro “El espíritu de la pulga” encaja bien en series generales obras de aquellos años.
William Blake. Fantasma de una pulga. 1819 Temple, oro, madera. 21 x 16 cm. Tate Gran Bretaña, Londres. Blake afirmó que vio el alma del chupasangre. Pero fue colocado en una pulga diminuta. Si esta alma habitara en una persona, se derramaría mucha sangre.
Blake claramente nació antes de su tiempo. Su obra es inquietantemente similar a la de los simbolistas y surrealistas del siglo XX. Recordaron a este maestro 100 años después de su muerte. Se convirtió en su ídolo e inspirador.
5. Juan Constable (1776-1837)
Ramsay Reinagle. Retrato de Juan Constable. 1799 Galería Nacional de Retratos, Londres A pesar de apariencia aristocrática El alguacil era hijo de un molinero. Y le encantaba trabajar con las manos. Sabía arar, construir cercas y pescar. Quizás por eso sus paisajes carecen de patetismo. Son naturales y realistas.
Antes que él, los artistas pintaron paisajes abstractos, a menudo italianos. Pero Constable estaba escribiendo sobre un área específica. Un río real, una cabaña y árboles.
Juan Constable. Carro de heno. 1821 Galería Nacional de Londres Su “Hay Wagon” es el paisaje inglés más famoso. Fue esta obra la que una vez fue vista por el público francés en la Exposición de París de 1824.
Los jóvenes quedaron especialmente impresionados. Quienes vieron en esta imagen lo que ellos mismos buscaban. Sin pomposidad académica. Sin ruinas antiguas ni atardeceres espectaculares. Pero solo la vida cotidiana zonas rurales. Bello en su naturalidad.
Después de esta exposición, Constable vendió hasta 20 de sus cuadros en París. En su Inglaterra natal, sus paisajes casi nunca se compraban.
Pero a diferencia de Gainsborough, rara vez se dedicó a los retratos para ganar dinero. Continuar mejorando específicamente en pintura de paisaje.
Para ello, estudió los fenómenos naturales desde un punto de vista científico. Y supo seleccionar tonalidades muy cercanas a las que se encuentran en la naturaleza. Era especialmente bueno con el cielo, los contrastes de nubes claras y oscuras.
Juan Constable. Catedral Salisbury. Vista desde el jardín del obispo. 1826 Colección Frick, Nueva York Pero Constable es famoso no sólo por sus pinturas increíblemente realistas. Pero también con mis bocetos.
El artista creó un boceto del mismo tamaño que el futuro cuadro. Trabajando al aire libre. Era un saber hacer. Y es precisamente este método de trabajo el que retomarán más tarde los impresionistas.
Juan Constable. Barco y cielo tormentoso. 1824-1828 Colección Real de Arte, Londres Pero Constable a menudo escribía obras completas en el estudio a partir de estos bocetos. Aunque gozaron de mayor popularidad entre el público de la época, no eran tan vivos y llenos de movimiento como los sketches.
En casa, la grandeza del Condestable no se hizo realidad hasta el siglo XX. A día de hoy es uno de los artistas más queridos de Inglaterra. Podemos decir que los rusos lo tratan con la misma inquietud.
6. William Turner (1775-1851)
Guillermo Turner. Auto retrato. 1799 Tate British Gallery, Londres El artista inglés William Turner logró hacerse famoso en su juventud y convertirse en académico de artes. Casi inmediatamente empezó a ser llamado el “artista de la luz”. Porque el sol estaba frecuentemente presente en sus lienzos.
Si miras los paisajes de otros artistas, rara vez verás el sol. Es demasiado brillante.
Este brillo es difícil de retratar. Te golpea los ojos. Distorsiona todo a su alrededor. Pero Turner no tenía miedo de esto. Dibujando el sol tanto en su cenit como al atardecer. Envolviendo audazmente todo lo que lo rodea con luz.
Guillermo Turner. Puerto de Dieppe. 1826 Colección Frick, Nueva York, EE. UU. Pero Turner, aunque era un académico y valoraba su título, no pudo evitar experimentar. Tenía una mente extraordinaria y ágil.
Por ello, después de un par de décadas, su obra evolucionó enormemente. Cada vez hay menos detalles en ellos. Cada vez más luz. Cada vez más sensaciones.
Una de las pinturas más famosas de esa época es "El último viaje del barco valiente".
Aquí vemos un poco de alegoría. Los veleros están siendo sustituidos por los de vapor. Una era reemplaza a otra. El sol se pone y el mes sale para reemplazarlo (arriba a la izquierda).
Guillermo Turner. El último viaje del barco Brave. 1838 Galería Nacional de Londres Aquí el sol todavía domina. La puesta de sol ocupa buena mitad de la imagen. Y en obras posteriores el artista llega casi al abstraccionismo. Exagerando todas tus aspiraciones anteriores. Quitando detalles, dejando sólo sensaciones y luz.
Guillermo Turner. La mañana después de la inundación. 1843 Museo Tate, Londres Como comprenderéis, el público no pudo apreciar tales obras. La reina Victoria se negó a nombrar caballero a Turner. La reputación se ha visto sacudida. En la sociedad se escuchaban cada vez más indicios de locura.
Esta es la suerte de todos los verdaderos artistas. Da un paso demasiado grande hacia adelante. Y el público lo “alcanzó” sólo décadas, o incluso siglos después. Esto es lo que le pasó al gran Turner.
7. Prerrafaelitas
Cuando se habla de artistas ingleses, es difícil ignorar a los prerrafaelitas. Además, en el siglo XXI se han vuelto muy populares.
¿De dónde surgió tanto amor por estos artistas?
Los prerrafaelitas empezaron con objetivos elevados. Querían encontrar una salida al callejón sin salida de la pintura académica y demasiado rígida. Están cansados de escribir mitos y relatos históricos poco conocidos por el gran público. Queríamos mostrar una belleza real y viva.
Y los prerrafaelitas empezaron a pintar imágenes femeninas. Resultaron muy hermosos y atractivos.
Basta con mirar sus bellezas pelirrojas. Por regla general, eran sus amantes en la vida real.
Los prerrafaelitas comenzaron a glorificar activamente la belleza femenina. Como resultado, aparte de esto, no quedó nada más en ellos.
Empezaron a parecer fotografías lujosas y escenificadas para revistas de moda. Precisamente estas imágenes son fáciles de imaginar para la publicidad de perfumes femeninos.
Por eso los prerrafaelitas eran tan populares entre la gente del siglo XXI. En la era de la publicidad glamorosa y muy brillante.
John Everett Millais. Ofelia. 1851 Tate Britain, Londres A pesar del evidente vacío de muchas obras, fueron estos artistas quienes estuvieron en los orígenes del desarrollo del diseño, que rompió con el arte. Después de todo, los prerrafaelitas (por ejemplo, William Morris) trabajaron activamente en bocetos de telas, papel tapiz y otras decoraciones de interiores.
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Espero que después de este artículo, los artistas ingleses te hayan abierto una nueva faceta. No siempre fueron sólo los italianos y los holandeses quienes influyeron en el arte mundial. Los británicos también hicieron una contribución significativa.
2 - Destacados retratistas ingleses
Los retratistas ingleses más famosos del siglo XVIII incluyen a Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough. Ambos comenzaron a desarrollarse bajo la influencia del arte italiano y francés y con el tiempo pasaron a motivos nacionales en sus obras. La pintura de Reynolds se acerca en muchos aspectos al estilo barroco, mientras que Gainsborough trabajó de una manera cercana al rococó.
El trabajo de Reynolds.
De los otros tres maestros principales arte ingles Sir Joshua Reynolds (1723-1792), el primer presidente de la Real Academia de las Artes, fundada en 1768, fue el más versátil y erudito, el más seguro de sí mismo y el más coherente. Armstrong escribió una monografía sobre él. Cuando Goodson, el maestro de Reynolds, dejó de satisfacerlo, comenzó a copiar las pinturas de Rembrandt. El fruto más maduro de sus estudios sobre Rembrandt es un autorretrato juvenil con sombrero en la Galería Nacional de Retratos. Luego se sintió atraído por Italia, donde permaneció de 1749 a 1752; aquí se convirtió en un eclecticista consciente. Miguel Ángel se convirtió en su ídolo. Pero eligió principalmente a boloñeses y venecianos como líderes. Profundizó en el más profundo estudio de las técnicas coloristas de los viejos maestros; no dejó nada desatendido; la base racional de su arte es evidente en todas partes. En sus pinturas históricas apenas supera el nivel del eclecticismo; aquí, como por capricho del artista, las formas rubensianas se combinan con los colores titianianos y el claroscuro correggiano. Ejemplos típicos de este tipo son “La Sagrada Familia” en la Galería Nacional, “La Templanza de Escipión” en el Hermitage y “La esperanza que nutre el amor” en Bowood. Su pintura mitológica más famosa, La serpiente en la hierba, en la Galería Nacional, representa al dios del amor desatando el "cinturón de la belleza" de una niña. Una excursión al reino del romance es un cuadro nuevo para esa época, sorprendente por su horror: “El conde Ugolino en la Torre del Hambre”, ubicado en la galería de la ciudad de Noll, en Kent.
Arroz. 237 - "Señor exiliado". Pintura de Joshua Reynolds en la National Gallery de Londres
Como retratista, Reynolds combinaba la observación directa de lo que veía con un humor sublime y magnánimo, desplegando sobre esta base todos los encantos de su deslumbrante elocuencia pictórica; y aunque en el contenido alegórico y en las circunstancias de otros retratos se mostró completamente un hijo de su tiempo, otros retratos, por ejemplo, "El Señor exiliado" de la National Gallery, están llenos de una profundidad espiritual inmediata y sentida. Creó una masa de naturalezas verdaderamente integrales; Especialmente los retratos de sus niños exudan una frescura y una naturalidad poco comunes.
Arroz. 238 - "Las tres hermanas de la señorita Montgomery coronan el herma de Himeneo". Pintura de Joshua Reynolds en la National Gallery de Londres
A su regreso de Italia, en 1753, la atención general despertó su retrato del Capitán Keppel, ahora en la colección de Lord Rosbury en Londres. Aquí, por primera vez, no vieron una figura o una cabeza representada en el lienzo, sino un organismo vivo. El período de 1753 a 1765 abarca el primer período de madurez del artista. A esta época pertenecen retratos magníficos, sencillos y frescos, entre ellos Kitty Fisher en la colección del conde de Crewe (1759) y el famoso retrato de Nellie O'Brien (1763) en la Galería Wallace, luego el retrato del pastor Laurence Sterne ( 1760), propiedad del Marqués de Lansdowne, y del actor Garrick entre las figuras de "Tragedia" y "Comedia", en la colección de Lord Rothschild en Londres.
Entre 1765 y 1775 las poses de las figuras en los retratos de Reynolds se vuelven más calculadas, el colorido más refinado, las cortinas más descuidadas, el personal más artificial. Estos incluyen: "Lady Sarah Banbury sacrificando a las Gracias" (1766) y "Lady Black como Juno, a quien Venus le da un cinturón", perteneciente a Sir Henry Banbury, la Sra. Hartley, en forma de ninfa, con su hijo. , con la forma del joven Baco, en la colección de Lord Northbrook (1772), pintura algo falsa, de color áspero "Las tres hermanas de la señorita Montgomery coronando el Herm of Hymen" (1775) de la Galería Nacional, aquí también se incluye la encantadora " Chica con fresas" (1771) en la Galería Wallace, la pequeña Frances Crewe caminando por un campo envuelta en una capa y con una cesta al brazo (1770), en la colección del conde de Crewe, y imagen encantadora en el Castillo de Windsor, que representa a una princesita tendida en el suelo con un perro (1773).
Arroz. 239 - "Niña con fresas". Pintura de Joshua Reynolds en la Wallace Gallery de Londres
Los últimos dieciséis años de su vida se consideran el período más maduro de la obra de Reynolds. Un conocimiento profundo de las personas representadas se convierte cada vez más en su la cualidad más importante. La ropa, de magníficos colores, se vuelve a drapear con más cuidado. El fondo del paisaje conserva todavía sólo un significado secundario, puramente decorativo. Pero todos los detalles se combinan en un todo grande y armonioso. De una larga serie de obras magistrales, destaca el fresco retrato del pequeño Crewe (1775) en la colección del conde de Crewe, Lady Crosby vestida con asombroso gusto en gris y dorado (1778) de Sir Charles Tennant, el magnífico “colegio” ( 1779) en el Castillo de Warwick, un retrato profundamente espiritual, destacan Lord Thurloe (1781), propiedad del Marqués de Bass, y el sorprendentemente poderoso retrato de Lord Heathfield con la Llave de Gibraltar en la mano (1787) en la National Gallery. Entre los mejores se encuentran los retratos de la gran actriz Miss Siddons como musa trágica en un trono flotando en las nubes, detrás del cual se ven personificaciones de pasiones dramáticas (1784), en Grosvenor House, duquesa de Devonshire con su animada hija en su regazo. (1786), en el Castillo de Chatsworth), y la encantadora "La edad inocente", una niña sentada en la hierba con los brazos cruzados sobre el pecho (1790), en la Galería Nacional de Londres.
Reynolds nunca quiso ser él mismo; pero sin embargo en su mejores trabajos Su gran personalidad es inmediatamente visible.
La creatividad de Gainsborough
Cuatro años menor que Reynolds era su gran rival Thomas Gainsborough (1727-1788), quien lo superó en originalidad y espontaneidad de carácter artístico. En Reynolds se siente más el barroco del siglo XVII, en Gainsborough, el rococó del siglo XVIII. Para Gainsborough, sobre quien hay buenos libros de Fulcher, Armstrong, la señora Bell y Pauli, los viejos maestros originales parecían no existir en absoluto. Comenzó pintando los paisajes de su tierra natal rural de Suffolk. Habiéndose familiarizado (después de 1760) con las pinturas de Van Dyck, comenzó a copiarlas diligentemente. Van Dyck se convirtió en la luz guía de su arte. Sin embargo, él mismo tenía un sentido de la verdad y la belleza más fuerte que Van Dyck. Vio a las mujeres inglesas y el paisaje inglés con sus propios ojos ingleses y los representó con un pincel amplio y saludable que se volvió más claro y “impresionista” con los años. Sus retratos suelen tener la relación más estrecha con el paisaje nativo, y los paisajes a menudo se convierten involuntariamente en un género, o los animales en ellos pasan de imágenes periféricas a imágenes principales.
El primer período independiente de la creatividad de Gainsborough (1746-1758) tuvo lugar en Ipswich, entre pruebas y experimentos, realizados primero con el tacto y gradualmente adquiriendo más confianza. De las primeras pinturas conservadas en la Galería Nacional se encuentran un hermoso retrato doble, pintado un tanto secamente, de sus hijas, una de las cuales está atrapando una mariposa, y un hermoso paisaje conocido como Bosque de Cornard, que, a pesar o precisamente debido a la distribución de los árboles en como recuerda a Gobbem, sigue siendo el más fresco en cuanto a sentido de la naturaleza de todos sus paisajes.
El segundo período de su obra (1758-1774) tuvo lugar en un ambiente artístico más vibrante y en un mejor ambiente de vida en Bass. Aquí aparecieron al principio retratos cuidadosamente dibujados e iluminados, casi dulcemente, como el del clérigo Orpin leyendo la Biblia en la Galería Nacional. El retrato de busto de Georgiana Spencer (1762), propiedad del conde Spencer en Londres, se distingue por su elegante sencillez, la figura de tamaño natural del músico Fisher en Hampton Court y la media figura del actor Colman en el National; La galería respira vida cálida. Probablemente ya en 1770 apareció el famoso "Blue Boy", ubicado en Grosvenor House: un retrato cara a cara del joven Betall, con tonos cálidos cuerpos con un fantástico traje azul, sobre el fondo de un paisaje en tono marrón: un verdadero milagro por la nobleza del diseño y el peculiar efecto colorido; Junto a este "Blue Boy" se puede colocar "Pink Boy", un retrato de un niño vestido de raso rosa, de la colección del barón Ferdinand Rothschild en Londres.
Durante la estancia de Gainsborough en Bass, surgieron algunos de los paisajes más famosos: de tono marrón, cerrados en su unidad, calentados por la maravillosa luz de una parte de la naturaleza boscosa inglesa. Entre los más bellos se encuentran el "Carro" y el "Abrevadero de ganado" en la Galería Nacional.
Arroz. 241 - "Abrevadero de ganado". Pintura de Thomas Gainsborough en la National Gallery de Londres.
Gainsborough se mudó a Londres en 1774. Sólo aquí su talento se desarrolló hasta alcanzar la máxima libertad artística y virtuosismo. Los colores delicados, bastante fríos y elegantemente elegidos de las figuras y sus ropas se combinan cada vez más armoniosamente con el fondo. Su pincel se vuelve más claro, más libre y más ancho. Pintó retratos del rey Jorge III, la reina Carlota y sus hijos en innumerables ocasiones. La mayoría de ellos se pueden ver en el Castillo de Windsor y el Palacio de Buckingham. De los retratos de damas más famosos de Gainsborough, el retrato de la señora Graham, vestida con un vestido rojo y colocada de manera un tanto incómoda en una columna alta de la galería de Edimburgo, pertenece a los primeros años de Londres. La medida completa de su talento se expresa en los retratos de la actriz Sra. Robinson ("Perdita") en la Galería Wallace, Sra. Sheridan (de soltera Eliza Linley) en la colección de Lord Rothschild, Lady Sheffield de Ferdinand Rothschild y Sra. Beaufoy. de Alfred Rothschild en Londres: todas figuras individuales en tamaño natural, de pie contra el fondo de un paisaje con un parque, pero el más famoso de todos es el retrato de la actriz Sra. Siddons en la Galería Nacional. El mismo Siddons, a quien Reynolds retrató como una musa trágica, está sentado en Gainsborough's con un elegante vestido de noche, un gran sombrero y un cortinado rojo. A lo mejor retratos masculinos Gainsborough posee un retrato de Ralph Schomberg con un traje rojo amarillento, en la Galería Nacional.
Un gran grupo de retratos de la familia Bagli, en la misma galería, se remonta al último período de actividad de Gainsborough. Las poses de las figuras son forzadas y deliberadas, pero los colores encantadores de esta imagen y la escritura ligera y aireada le confieren un gran mérito pictórico. Excelente como paisaje es la pintura ovalada, no muy grande, del Castillo de Windsor, que representa el “Paseo matutino” del duque de Cumberland y su esposa. El excelente “Picnic” del St. James’s Park, propiedad de Sir Algernon Nield, que recuerda tanto a Watteau como a Monet, tiene un carácter completamente paisajístico. Un lugar digno junto a esta imagen lo ocupa el magnífico puerto deportivo de Grosvenor House. La pintura de paisajes siempre fue el amor secreto de Gainsborough.
Otros retratistas ingleses
El quinto en la línea de estos pioneros de la pintura inglesa fue George Romney (1734-1802), cuya descripción detallada se ofrece en la obra en dos volúmenes de Ward y Roberts. Sólo recientemente comenzaron a incluirlo entre los grandes maestros. Al regresar en 1775 de Roma, donde había absorbido opiniones falsas clásicas, se convirtió, sin embargo, en retratista en Londres y compitió con Reynolds y Gainsborough por el favor de los clientes. En sus retratos se puede reconocer fácilmente al nieto del clasicismo tanto en la plasticidad de las figuras como en el dibujo. Fue, además, el mejor retrato de la “bella inglesa”, como estamos acostumbrados a imaginarla, sana y al mismo tiempo lánguida. Sus retratos están pintados con claridad y firmeza, pero de ninguna manera angulares o secos. Con tonos locales claros, se distinguen por un tinte refinado, aunque a veces algo rojizo.
La Galería Nacional de Londres tiene ocho pinturas de Romney, pero ninguna de sus verdaderas obras maestras, como Niños bailando de la mano de Lord Gower en la Colección del Duque de Sutherland, o el retrato de la Sra. Ressel y su hijo en la de Sir George Ressel en Londres. Su base pseudoclásica es evidente en el grupo de Lady Warwick con sus hijos y en Miss Vernon como Hebe de Lord Warwick, así como en el retrato de Lady Hamilton como bacante en la Galería Nacional.
Arroz. 243 - "Lady Hamilton como bacante". Pintura de George Romney en la National Gallery de Londres.
El retratista británico más importante de la generación más joven de artistas que surgió en la segunda mitad del siglo fue el escocés Sir Henry Rayburn (1756-1828), que visitó Italia antes de establecerse en Edimburgo. El biógrafo de Rayburn, Armstrong, atribuye su principal cualidad principalmente a la impresión que le causó en Roma Inocencio X de Velázquez. En espontaneidad, frescura y amplitud de conceptos, en la calidez cautivadora y vivacidad de tonos y colores, sólo pocos pueden igualarlo. Sus mejores obras incluyen en la galería de Edimburgo retratos de la Sra. Campbell, John Wilson con un caballo y un autorretrato del artista, en el Edinburgh Archery Hall un sorprendente retrato de cuerpo entero de Nathaniel Spence tensando un arco, en el Museo de Glasgow un retrato de Sir John Sinclair, en la Galería Nacional de Londres, una dama con sombrero de paja, en Dresde, un retrato del obispo Lucius O'Byrne. Una característica de la época fue que Rayburn pasó de una mayor amplitud y libertad del pincel a un. Carta más coherente y sólida.
Los retratos de Reynolds desarrollaron principalmente el talento del londinense John Hoppner (1759-1810), un maestro en la representación de hermosas mujeres inglesas de mejillas rojas, a quienes pintó con colores claros y fríos, en una interpretación fresca y amorosa. El retrato de la condesa de Oxford en la National Gallery es una de sus mejores obras. Estos últimos se encuentran en colecciones privadas. Los cuatro hijos de Douglas están homenajeados en la colección de Lord Rothschild en Londres.
A Hoppner le sigue inmediatamente Sir Thomas Lawrence (1769-1830), el retratista inglés más famoso del primer cuarto del siglo XIX, aunque claramente surgido del siglo XVIII y considerado representativo de la decadencia del gran arte inglés de esta época. . Vizeva volvió a recuperar su reputación artística. En sus mejores obras se nos presenta como un maestro con gran capacidad de observación y una refinada técnica pictórica. Está bastante bien representado en la Galería Nacional por los retratos del banquero Angerstein, la princesa Lieven y Philippe Sensom. Arriba están sus imágenes del Papa Pío VII y el Cardenal Consalvi en el Castillo de Windsor, luego del joven Lemton, vestido con un traje rojo y tendido en la hierba, en la colección del Conde de Durham en Londres, la encantadora Miss Feren (Lady Dorby ) caminando, ligeramente envuelto en pieles, con el paisaje de fondo, en Pierzont Morgan, en Nueva York.
Artistas ingleses famosos
La historia del desarrollo de la arte mundial Estuvo muy influido por artistas procedentes de Italia, alemanes, franceses y holandeses. Como es habitual, se ignoran los méritos de los artistas británicos, que en su mayoría pertenecen a los siglos XVIII y XIX. Sin embargo, durante este período, aparecieron varios representantes brillantes de la brumosa Albión, sus obras de arte merecen un lugar de honor en las colecciones más valiosas del mundo.
El primer artista de origen inglés, William Hogarth, abrió la época dorada de la pintura británica. Hogarth creó pinturas en estilo realista y fue un maestro del grabado. Los personajes de sus lienzos eran sirvientes, mendigos, marineros y marginales. El artista reveló hábilmente las brillantes emociones alegres y las profundas tristezas capturadas en las fotografías de las personas.
Joshua Reynolds dejó una huella brillante en la pintura inglesa. El primer presidente de la Real Academia de las Artes creó pinturas de asombrosa belleza. Entre los héroes del retrato, puedes encontrar representantes mojigatos de moda de la nobleza y diosas antiguas. Joshua Reynolds fue un gran teórico de la pintura, sus trabajos científicos sobre bellas artes fueron estudiados por más de una generación de artistas.
El rival de Reynolds, Thomas Gainsborough, se ganó la vida con magníficos retratos de la nobleza, pero su género de pintura favorito era el paisaje. El artista reflejó magistralmente la individualidad y captó los rasgos profundos de sus personajes. A lo largo de su carrera artística, Gainsborough ha evolucionado constantemente. y esta aspiración a la excelencia se puede rastrear a través de sus obras. En el declive de su carrera, sus pinturas pueden atribuirse al impresionismo tardío.
Además de los retratistas famosos, la pintura inglesa ha generado una gran cantidad de paisajistas increíbles, como Sikkert, Turner, Wilson, Moreland.
Traducción
La historia del desarrollo del arte mundial estuvo muy influenciada por artistas de Italia, alemanes, franceses y holandeses. Como es habitual, se ignoran los méritos de los artistas ingleses, que en su mayoría datan de los siglos XVIII y XIX. Sin embargo, durante este período se dieron a conocer varios representantes destacados de Foggy Albion, cuyas obras artísticas merecen un lugar honorable en las colecciones más valiosas del mundo.
El primer artista de origen inglés, William Hogarth, marcó el inicio de la época dorada de la pintura en Gran Bretaña. Hogarth pintaba al estilo del realismo y era un maestro del grabado. Los personajes de sus lienzos eran sirvientes, mendigos, marineros y marginados. El artista reveló hábilmente las brillantes emociones alegres y profundas y tristes de las personas representadas en las pinturas.
Joshua Reynolds dejó una huella brillante en la pintura inglesa. El primer presidente de la Real Academia de las Artes creó lienzos de asombrosa belleza. Entre los héroes del retrato se pueden encontrar representantes elegantes y remilgados de la nobleza y diosas antiguas. Joshua Reynolds fue un gran teórico de la pintura; más de una generación de artistas estudió las bellas artes a partir de sus trabajos científicos.
El rival de Reynolds, Thomas Gainsborough, se ganaba la vida pintando magníficos retratos de la nobleza, pero su género de pintura favorito era el paisaje. El artista reflejó magistralmente la individualidad y capturó los rasgos profundos de sus personajes. A lo largo de su carrera artística, Gainsborough estuvo en constante evolución y ese deseo de perfección se puede apreciar en su obra. Al final de su carrera, sus pinturas pueden catalogarse como impresionismo tardío.