Bien: "Bases de l'illustration à partir des faits saillants" . Matériel illustrateur à partir de zéro d'une entreprise bien connue ! Convient aux débutants. Les critiques ne sont que positives, parfois même chics ! Le matériel reçoit l’étiquette matérielle exclusive ! Le matériel peut être rapidement supprimé, nous vous recommandons de sauvegarder/télécharger immédiatement. Envoyé le matériel la toileavec commentaire :

Salut tout le monde! Matériel pour apprendre à devenir illustrateur À PARTIR DE ZÉRO. Les auteurs sont des professionnels dans leur domaine et ont rassemblé de nombreuses et excellentes critiques sur plusieurs années. Le cours est très détaillé et convient à toutes les catégories de personnes et à tout niveau de formation. Ce travail rapporte assez bien. Je vous conseille d'étudier et d'appliquer les compétences dans la pratique. N’oubliez pas la pratique ; entraînez-vous avant d’offrir des services. Bonne chance à tous et bonne fin d'été !

Le matériel peut être supprimé à la demande du détenteur des droits d’auteur !

Description du cours:

Nous vous apprenons à créer des graphiques vectoriels professionnels, des logos, des icônes et des illustrations à partir de zéro, même si vous n'avez jamais dessiné auparavant.

Avantages :

• Le cours dure 4 semaines et se compose de 8 leçons de 2 heures chacune.
• Grande quantité matériel utile et des bonus tout au long de votre formation.
• Vous apprendrez non seulement les bases du programme Adobe Illustrator, les bases de l'illustration, mais vous construirez également votre portfolio, qui vous permettra de prendre des commandes commerciales immédiatement après avoir terminé les cours !

Programme des cours :

LEÇON N°1. INTRODUCTION AU PROGRAMME :

• Différences entre Adobe Illustrator et d'autres éditeurs vectoriels.
• Introduction à la notion de vecteur (raster et vecteur).
• Création d'un document. Paramètres du document.
• Mise en place du programme (dimension, interface).
• Connaître l'interface.
• Construction à la plume, technique de Bézier.
• Nœuds d'une courbe vectorielle.

ZD : Création d'un objet vectoriel complexe.

LEÇON N°2. VECTEUR ET SES PROPRIÉTÉS :

• Interaction de plusieurs objets.
• Travailler avec des calques.
• Regroupement. Dégroupage.
• Isolation. Niveaux d'isolation.
• Couleur et trait.
• Travailler avec des dégradés et des maillages de dégradés.

ZD : Création de personnage

LEÇON N°3. MANIPULATIONS AVEC OBJETS :

• Construction de courbes.
• Travail en profondeur avec les nœuds.
• Combiner des objets. Types, méthodes.
• Opérations avec des objets.
• Créer des modèles.
• Constructeur de formes.

ZD : Création d'un complexe graphique vectoriel.

LEÇON N°4. TRAVAILLER AVEC LE TEXTE :

• Types de texte.
• Bases de la typographie : interlignage, crénage, suivi.
• Méthodes de création de polices.
• Création d'une affiche. Plongez dans l'impression
• Triangulation.

ZD : Rendu d'une police de plusieurs manières. Création d'une affiche

LEÇON N°5. EFFETS POUR VECTEUR. GRAPHIQUES RASTER :

• Effets qui modifient la visualisation des objets vectoriels.
• Gérer les effets des objets vectoriels.
• Types de transparence des objets.
• Combiner un vecteur avec un raster.
• Tracer.
• Dépistage.
• Masque d'objets vectoriels.

ZD : Combinaison de vecteur, raster et texte. Application d'effets.

LEÇON N°6. TECHNIQUES ET OUTILS SUPPLÉMENTAIRES. PARTIE 1:

• Nouvel illustrateur - fonctionnalités de 2018.
• Glitch, longues ombres et autres techniques graphiques.
• Travailler avec une tablette.
• Dessin. Créer un pinceau

ZD :

LEÇON N°7. TECHNIQUES ET OUTILS SUPPLÉMENTAIRES. PARTIE 2:

• Déformation des marionnettes.
• Grille de perspective.
• Analyse et rendu différents types illustrations.
• Créer un cachet sur les médias.

ZD : Utilisez l'une des techniques de création de graphiques de la leçon et appliquez-la dans votre projet ou sur un sujet libre.

LEÇON N°8. AUTOMATISATION DU PROCESSUS. SAUVEGARDE DU PROJET. CONSEIL :

• Paramètres de couleur et jeux de couleurs.
• Scripts et plugins.
• Intégration avec d'autres programmes. Préparation, sauvegarde et export des fichiers.
• Marché du travail et conseils

TACHE FINALE: Création d'un logo, d'une icône et d'un menu complet en fonction du thème sélectionné.

Le lien de téléchargement de ce matériel est disponible uniquement pour les utilisateurs enregistrés du site. L'inscription sur le site est gratuite et ne prendra pas beaucoup de temps. Si vous avez déjà un compte, vous pouvez vous connecter.

Le matériel est fourni à titre informatif uniquement !

Mon école virtuelle propose des cours et des formations sur le travail dans Adobe Illustrator . En 2012, j'ai enregistré un court cours vidéo « Adobe Illustrator in One, Two, Three », que je distribue toujours gratuitement à mes abonnés.

Puis, en 2014, avec mon équipe, j'ai lancé une formation en ligne sur la création d'illustrations vectorielles pour les microstocks. La formation s'est avérée très populaire et réussie - nous avons recruté 4 fois des groupes de 50 à 70 personnes.

Pendant le cours, beaucoup de nos étudiants ont non seulement pu créer des portefeuilles de haute qualité, mais ils ont également commencé à gagner de l'argent sur les microstocks !

Plusieurs travaux des participants à la formation

Pour voir l'image entière, cliquez sur sa vignette

Les anciens de notre formation Adobe Illustrator me demandaient souvent si j'envisageais de préparer une nouvelle formation pour illustrateurs avancés.

La question est assez logique, car en illustration vectorielle, comme en design, il n’y a pas de limite à la perfection !

Ayant appris à dessiner des icônes simples, des ornements et des textures qui commencent à être vendus sur les microstocks, une personne y prend goût. Dessiner des illustrations vectorielles devient pour lui non seulement un passe-temps, mais aussi un revenu en constante augmentation. Bien sûr, tout le monde veut gagner le plus possible, et pour cela, vous devez être compétitif et améliorer constamment vos compétences.

Ce n'est un secret pour personne qu'il existe une énorme concurrence sur les microstocks. Si vous entrez sur ce marché avec un ensemble standard d'icônes, d'arrière-plans abstraits et de maquettes, il vous sera alors extrêmement difficile de vous démarquer des milliers de concurrents proposant des portefeuilles similaires.

Pour que votre travail soit remarqué, il doit être différent d'une manière ou d'une autre, avoir son propre "zeste".

Il y a 2 façons pour cela :

Première voie : rechercher constamment de nouveaux formulaires non standard et des styles de rendu pour se démarquer de la foule des illustrateurs.

La deuxième façon : trouver un créneau avec relativement peu de concurrence et devenir l'un des meilleurs.

Il n’est pas nécessaire d’être professeur de sociologie pour comprendre que la deuxième option a de bien plus grandes chances de succès.

Mais comment trouver un tel créneau ? Et comment savez-vous que vous pouvez vraiment y parvenir ?

Un jour, en cherchant du matériel pour des cours sur le travail avec un maillage de dégradé dans Adobe Illustrator, j'ai trouvé des illustrations sur Internet Andreï Panchenko.

En plus des thèmes « adultes » dans le portfolio de l'auteur, j'ai vu de nombreux personnages de « dessins animés » amusants - principalement des illustrations de petits animaux mignons avec de grands yeux et des sourires timides. La qualité et l'attractivité de ces personnages ne font pas non plus douter de la compétence de l'auteur.

J'ai recherché le travail d'Andrey sur plusieurs sites de stockage et j'ai découvert que
Qu'ont-ils bonne note- ce n'est pas un hasard s'ils apparaissent sur la première page de Google lors de la recherche de personnages de dessins animés pour enfants.

J'ai décidé de contacter Andrey et de discuter d'une éventuelle coopération. Il s'est avéré que la création illustrations de personnages- une niche boursière assez rentable, puisque, contrairement à d'autres, elle ne compte pas encore beaucoup de concurrents.

Andrey a vendu sa première illustration sur microstock il y a 9 ans, alors que son portfolio ne comprenait que quelques œuvres de base. De plus, l’œuvre est loin d’être « tueuse ». Andrei lui-même dit aujourd'hui qu'à l'époque il ne pouvait pas faire grand-chose. Cependant, depuis lors, ses illustrations sont vendues presque tous les jours et apportent à l'auteur un revenu stable, qui n'est en aucun cas affecté par les fluctuations du taux de change rouble-dollar !

J'ai aussi appris qu'Andrey lui-même pensait depuis longtemps à enseigner aux autres, il a même enregistré plusieurs vidéos pour YouTube, mais il n'a jamais eu le temps de faire autre chose... En un mot, il a facilement accepté de devenir l'un des professeurs de notre Virtual École .

Rencontrer:
Andreï Panchenko
Illustrateur,
microchauffeur.

«J'illustre depuis environ 10 ans. Au début c'était un passe-temps, mais maintenant c'est ma principale activité professionnelle.

A participé à de nombreux projets indépendants, en particulier réalisé des travaux pour Disney Channel. A travaillé avec plusieurs grandes entreprises de meubles, telles que OJSC Vector et Leader, sur la conception de produits préscolaires.

Actuellement, je vends mes illustrations sur des microstocks – je travaille activement avec presque tous les principaux microstocks et je dessine des illustrations personnalisées.

Le portefeuille d'Andrey :

Nous avons décidé de préparer une nouvelle formation sur le thème de la création illustrations de personnages. Pourquoi sur ce sujet ?

Premièrement, comme je l’ai déjà dit, le créneau des illustrations de personnages est très demandé avec relativement peu de concurrence. En apprenant à créer de telles illustrations, un illustrateur ou un pigiste de Microstock peut augmenter considérablement son revenu régulier.

Deuxièmement, dessiner des caractères vectoriels nécessite haut niveau maîtrise des outils Adobe Illustrator. Par conséquent, un tel cours sera particulièrement utile à tous ceux qui souhaitent « perfectionner » correctement leurs compétences professionnelles.

Eh bien, troisièmement, j'ai été extrêmement inspiré par le flux de travail de création d'illustrations réalisé par Andrey. Son travail se distingue par une grande précision, la confiance et la rationalité de toutes les actions. C'est tout simplement fascinant de voir comment table rase de drôles de personnages espiègles apparaissent sous vos yeux - un chat botté, un bébé tigre ou un mouton.

Je suis sûr qu'il sera extrêmement utile pour les illustrateurs débutants de recevoir des leçons de maîtrise d'Andrey.

La chose la plus intéressante est que dans son travail, Andrey n'utilise délibérément pas Tablette graphique- il dessine toutes les illustrations avec une souris ordinaire ! De plus, il n’a pas de tablette du tout. Ainsi, il démystifie clairement le mythe selon lequel des illustrations de haute qualité ne peuvent être créées qu'à l'aide d'une tablette Wacom.

N'oubliez pas d'activer le son sur votre ordinateur

Il nous a fallu plus de six mois pour développer et créer le cours. En conséquence, Andrey a enregistré 30 leçons vidéo détaillées, dans lesquelles il a montré en détail le processus de création d'une illustration vectorielle de personnage professionnel - de croquis au crayon avant l'implémentation finale dans Adobe Illustrator.

Vous préparez depuis longtemps la publication de votre propre livre : le matériel a été sélectionné, édité, testé sur vos proches ; tu as déjà trouvé maison d'édition, que vous contacterez... Il semblerait qu'un peu plus, et vous aurez entre les mains un livre avec vos initiales sur la couverture.

Mais soyez prudent - et n'oubliez pas encore une chose, plus que aspect importantédition de livre. Il s'agit de l'illustrer. Déjà à partir de la traduction du mot « illustration », il devient clair pourquoi la conception visuelle d'un livre est importante - ce n'est rien de plus qu'une « image visuelle » de son contenu.

La sélection des illustrations (tant pour la conception de la couverture que pour le texte de l'ouvrage) doit être abordée de la manière la plus responsable, car, en règle générale, un lecteur potentiel évalue un livre en fonction de sa conception. Par conséquent, les illustrations doivent avant tout refléter fidèlement l’essence du livre tout en retenant le regard. Une couverture « sombre » peut « tuer » même l’œuvre la plus brillante, parce que... Il est peu probable qu'un lecteur potentiel le retourne, et encore moins lise le texte lui-même.

La meilleure option (mais aussi la plus coûteuse) est de confier l’illustration du texte à un artiste professionnel. La principale chose qui est exigée de l'auteur est de déterminer le style d'illustration souhaité : graphisme, anime, caricature, illustrations de contes de fées et ainsi de suite. En fonction du style, notre maison d'édition détermine un artiste pour le futur livre, qui se familiarise avec l'œuvre, et finalement les illustrations sont perçues comme ne faisant qu'un avec le texte et aident le lecteur à naviguer dans le contenu du livre avant même de le lire.

Si vous envisagez de rechercher vous-même un artiste et de fournir plus tard simplement à l'éditeur des illustrations toutes faites, faites attention à ce qui suit.

Essentiellement, l'artiste est le co-auteur du livre. L'idée et les images dans lesquelles l'auteur l'incarne peuvent avoir besoin d'un support visuel - et avec une compétence suffisante de l'artiste, une illustration peut non seulement fournir ce support visuel, mais aussi détourner l'attention d'éventuelles lacunes mineures du style de l'auteur. Par exemple, dans romans historiques ou dans la fantaisie : l'auteur peut ne pas être suffisamment habile dans l'art de décrire la vie quotidienne, et alors le lecteur « tombera » de l'époque ou ne croira pas ce qui se passe dans le livre - puisque les événements se déroulent « inconnu où et inconnu quand." Dans ce cas, le talent de l'artiste peut « faire revivre » et compléter l'image qui apparaît dans la tête du lecteur - et les défauts style littéraire ne sera pas perçu de manière aussi catégorique.

Lorsque vous avez choisi l'artiste, soyez prudent dans le choix du contenu des illustrations. Une grande illustration sur double page représentant un événement insignifiant ne provoquera qu'un sentiment de perplexité chez le lecteur, puisqu'il ne pourra pas immédiatement corréler l'image et l'intrigue de l'œuvre.

Illustrer des recueils de poésie nécessite une approche particulière. N'oubliez pas qu'un petit volume d'œuvres nécessite une plus grande concentration de la part du lecteur que lors de la lecture de prose - et cela signifie que des illustrations trop lumineuses peuvent simplement « tirer la couverture » sur elles-mêmes : votre livre attirera l'attention, mais uniquement avec des images (et après les avoir visionnés, commenceront-ils à le lire eux-mêmes ? des poèmes ?).

Si vous ne connaissez aucun artiste, et que vous ne savez même pas à qui vous adresser, faites appel aux services de freelances. Aujourd'hui, alors que nous ne sommes plus limités par les frontières territoriales, rien n'empêche, lors de la préparation d'un livre à Vladivostok, d'utiliser des illustrations créées par un artiste de Crimée.

Du studio de design Al Power, nous expliquons pourquoi il est important pour toute marque de développer son propre style d'illustrations et comment créer une ligne directrice accessible pour celles-ci.

L’illustration est une forme de design. Sans restrictions prescrites, ce n'est qu'un élément de l'art. Nous utilisons des lignes directrices pour apporter de la clarté à nos illustrations.

Pourquoi est-ce

La clé pour identifier votre style est d'identifier vos valeurs fondamentales et de justifier l'utilisation d'illustrations. Une fois que vous aurez créé une certaine cohérence stylistique, vous aurez un style global qui s’harmonisera avec vos images. Cela signifie que n’importe quel illustrateur pourra facilement travailler avec votre plateforme et être sûr qu’il ne perturbera pas le style général.

Pour créer un style cohérent, il est essentiel de définir des indicateurs clés, tels que la palette de couleurs ou l'épaisseur de la police. Cependant, n’oubliez pas l’importance des illustrations pour votre style général et la fonction qu’elles remplissent sur votre plateforme.

Exemple de style d'illustration

Vous ne pouvez pas simplement le prendre et le dessiner

Avant de commencer un projet, il est important de décider de ce que vous et vos parties prenantes souhaitez réaliser avec le projet.

Je pose généralement quelques questions qui m'aident, moi et la partie prenante, à mieux comprendre ce que nous essayons de retirer du projet.

Objectifs

• Pourquoi veux-tu ajouter des illustrations ?
• Comment allez-vous évaluer le projet ?

Guide de style existant

Avoir un guide de style qui existe déjà aide généralement beaucoup. Il ne doit pas être basé sur des illustrations. Les directives de conception de base et tout ce qui distingue une marque donnée sur la plateforme vous aideront à vous concentrer correctement sur le projet.

Vous devez également comprendre comment les illustrations s’intégreront dans la palette de couleurs existante. Ce n’est pas parce qu’une entreprise a sa propre palette de couleurs que les illustrations s’harmoniseront harmonieusement avec elle. Après tout, les illustrations doivent se démarquer du reste des éléments de l’interface, donc l’utilisation des couleurs de la marque dans les images peut avoir un effet négatif.

Valeurs

Dans quelle mesure pensez-vous que les illustrations sont appropriées pour votre plateforme ? Pensez-vous qu'ils mettront en valeur la personnalité de votre marque ? Seront-ils nets, clairs, drôles, détaillés, etc. ?

C’est essentiellement la principale caractéristique du style. Avant même de commencer à travailler, vous devez comprendre quel rôle vous attribuez aux illustrations dans l'interface. Comment allez-vous les utiliser : comme guide d'utilisation, pour combler des lacunes ou simplement pour ajouter de la personnalité à votre projet.

Tableaux d'ambiance

Créez des moodboards de style qui complètent bien votre produit. Cela permettra à l'illustrateur de comprendre plus facilement le moment où une partie prenante pointe un élément de style et dit : « Je veux ça ». Bien sûr, ce ne sera pas la solution finale, mais au moins cela permettra au concepteur de comprendre ce qu'il attend de lui.

Lors de la création d’un moodboard, vous ne devez pas entrer dans les détails. Les tableaux d'humeur servent davantage à définir un vecteur de direction pour les travaux ultérieurs. Il existe de nombreuses ressources pour la recherche dans ce domaine, telles que Behance, Dribbble, Pinterest, iStock ou la même bonne vieille recherche d'images Google. Tout cela est fait afin de collecter autant d'informations que possible avant de commencer à créer le premier plan de travail.

Ne vous précipitez pas pour vous mettre au travail tout de suite. Tout d’abord, comprenez ce que vous faites et pourquoi.

Il est temps de retrousser vos manches

Heureusement, j’ai déjà créé de telles directives. Lorsque j'ai rejoint l'équipe Globoforce, on m'a confié la tâche de créer un style illustré à utiliser sur notre plateforme en marque blanche.

Le but principal des illustrations était d’ajouter de la personnalité aux zones où notre projet semblait inachevé. En fait niveau simple cela ressemblait à ceci : créer un style d’illustration commun qui apporterait une cohérence sur l’ensemble de la plateforme.

Essayez, essayez et réessayez

Personne ne dit que ce processus est rapide et facile. Nous avons exploré de nombreux styles qui n’ont finalement pas fonctionné pour nous. Il s’agit d’explorer des idées. Rien n'est fait en vain ; toutes les idées contribuent à façonner la décision finale. C'est comme sauter par-dessus un obstacle de plus avant la ligne d'arrivée.

Certains styles fonctionnent, d’autres non. Et vous devez être prêt à rejeter les idées qui sont évidemment bonnes, mais qui ne conviennent pas à votre projet.

Langue des illustrations

Il est important que tout le monde parle le même langage en matière de terminologie. Vous devez créer un langage de termes qui sera compréhensible et pratique pour tout le monde. Trouvez des termes que les gens comprendront. Vous n'avez pas besoin d'entrer dans les détails : vous avez juste besoin d'un ensemble de mots spécifiques qui permettront aux concepteurs et aux parties prenantes de communiquer.

Nos icônes

Pour améliorer la convivialité de notre site, nous utilisons des icônes. Notre guide de style détaille les règles d'utilisation ainsi que le choix de leur taille (de 12 à 64 pixels).

Iconographie

Nos illustrations de textes

Une illustration textuelle permet de démontrer une certaine fonctionnalité ou de décrire une expérience. De telles illustrations sont agréables à regarder, ne prennent pas beaucoup de place sur la page et ajoutent de la personnalité à l'interface.

Illustrations de texte

Nos illustrations de l’état inoccupé

Les illustrations d'un état inoccupé sont utilisées pour expliquer une fonctionnalité, mais jamais comme objectif principal d'un composant. Dans la plupart des cas, ils sont nécessaires pour indiquer la nécessité de remplir un espace vide.

Illustrations d’un état inoccupé

Illustrations de scènes

Les illustrations de scènes sont placées dans un espace plus grand et ont pour fonction d'expliquer une fonctionnalité ou un scénario à l'utilisateur plus en détail.

Illustrations de scènes

Notre approche

Des illustrations peuvent être utilisées pour donner vie à l’interface. Ils servent à informer l'utilisateur et à attirer son attention.

Rester simple

Notre produit étant en marque blanche, les illustrations seront utilisées pour une grande variété de catégories de clients. C'est pourquoi nous avons décidé de nous en tenir au style le plus simple et passif possible.

Utiliser des caractères

Nous nous abstenons d'utiliser des personnages partout. L'utilisation de personnages soulève des questions sur la race et le sexe, et étant donné la diversité de nos clients, la simplicité est préférable.

Schéma de couleur

Notre palette de couleurs a été choisie en fonction des objectifs commerciaux. Sa nature discrète reflète la nôtre. grand cercle clients. Notre objectif est de ravir les utilisateurs avec des illustrations, et non de se plonger dans la compréhension des couleurs de la marque.

Balance de couleur

En général, nous avons arrêté d’utiliser beaucoup de couleurs dans les illustrations. Nous avons essayé de nous concentrer sur notre « blanc fantôme », en utilisant les autres couleurs du schéma uniquement à des fins d’équilibre.

Le blanc est notre couleur principale. Essayez de l'utiliser pour les éléments clés d'une illustration

Causes

La couleur ne doit pas être choisie subjectivement. Les illustrations doivent être passives et ne pas trop attirer l’attention. Les couleurs peuvent être utilisées, mais de manière sélective. Le style doit être soigné et sobre.

Jeu de couleurs pour illustrer les états inactifs

Pour l’option des états inactifs, nous avons utilisé notre couleur et notre trait « blanc fantôme ». Ici, seule l’ombre est utilisée et aucune couleur. Afin de réduire la charge visuelle, nous avons utilisé une transparence de 50 %.

Illustration d'état vide

Accident vasculaire cérébral

Nous utilisons généralement un trait de six pixels. S'il y a de petits détails, sélectionnez un trait de trois pixels. Nous utilisons également des arrondis dans les coins partout. La couleur du trait est toujours la même - #8A8EA0.

Donc

L'objectif principal d'un guide d'illustration est de créer un style cohérent et reconnaissable qui reflète les valeurs fondamentales de votre plateforme. Pour ce faire, vous devez suivre trois étapes :

1. Déterminez pourquoi vous avez besoin d’illustrations.
2. Créez un style qui convient à vous et à vos objectifs commerciaux.
3. Documentez votre style de manière à pouvoir facilement le cloner pour d'autres concepts.

L’étude complète peut être consultée.

Vous me verrez créer une esquisse conceptuelle, un arrière-plan, puis affiner progressivement l'image en dessinant les détails. D'ailleurs, vous pouvez facilement appliquer les techniques présentées dans cette leçon lors de la création de vos illustrations, logos et autres projets ! Suivre des tutoriels comme celui-ci facilitera toujours le processus de dessin, mais si vous pensez que vous n'êtes pas assez bon en dessin, ce n'est jamais une mauvaise idée d'essayer, car le but de ces tutoriels est d'améliorer vos compétences, un d'une façon ou d'une autre! Je suis sûr que ceux d'entre vous qui ne savent pas dessiner des dessins à grande échelle peuvent commencer par des croquis rapides comme celui-ci.

J'ai utilisé les outils suivants :
-Photoshop CS3
- Tablette USB Wacom Graphire 3 (bleue)

Étape 1: J'ai commencé avec un croquis. Ensuite j'ai peint la surface du sol. Ici, comme vous pouvez le voir sur le dessin terminé, il y a beaucoup d'herbe verte et cela me rappelle la vieille chanson : "Green Green Grass at Home". Alors essayez d'imaginer quelque chose comme ça. Peut-être qu'ici, non loin de la petite maison, se trouve un vieux chêne, à l'ombre duquel vous aimiez tant jouer lorsque vous étiez enfant. Une fois que j'ai choisi la scène, j'ai commencé à réfléchir aux couleurs : nuances principales et de fond. Ici, j'ai essayé d'imaginer une image claire. J'ai commencé à dessiner sur un fond vierge auquel j'ai ajouté quelques fleurs. Je n'aime pas travailler avec des dessins dont le fond est simple et inexpressif. L'ajout de différentes couleurs maintient l'image intéressante et contribue également à obtenir l'ambiance souhaitée.

Étape 2: J'ai ajouté des détails à l'aide d'un pinceau de petit diamètre. Pour ces illustrations, j'utilise uniquement les pinceaux fournis par défaut avec Photoshop. Vous pouvez télécharger d'autres pinceaux si vous le souhaitez. Voici les pinceaux que j'ai utilisés pour cette illustration. Dans mon dessin, j'utiliserai uniquement des pinceaux standards. Avant de commencer à peindre, vous devez configurer vos pinceaux.

Étape 3: Vous devez maintenant choisir les couleurs principales de votre composition. Et voici mes couleurs pour cette illustration. Comme d'habitude, je souhaite créer un dessin très lumineux. Pour le fond j'ai choisi des tons jaunes et bleus. Toutes les autres couleurs sont destinées à l'environnement. Ouvrez un autre fichier et enregistrez vos couleurs. Et gardez ce nouveau fichier toujours ouvert pendant que vous dessinez.

Cliquez sur l'image pour voir l'image en taille réelle et en qualité 100%.

Étape 4: J'ai décidé de retirer la vieille voiture qui était garée près de la maison. Elle n'a vraiment pas sa place ici. Cette voiture ne correspond pas au reste du design. J'ai donc dû effacer la voiture et dessiner un vieux chêne à la place, vous voudrez peut-être peindre un autre arbre. J'ai fait un croquis en couleur avec un gros pinceau rond et dur, puis j'ai peint grossièrement les détails avec le même pinceau mais avec un diamètre plus petit. J'ai également créé un nouveau calque pour l'herbe et fait un croquis.

Étape 5: J'ai ensuite commencé à peindre plus en détail sur l'herbe verte avec un petit pinceau rond dur et un pinceau rond doux pour lisser l'image... mais je changerai peut-être cela plus tard, par exemple il pourrait y avoir du bleu rougeâtre ou fleurs jaunes. Mais sur ce moment, je pense que l'herbe verte est exactement ce dont vous avez besoin.

Étape 6: Quand je cherche une couleur adaptée, je fais ceci :

Étape 7: Maintenant, faites attention à la façon dont je dessine le bois. Je ne montre pas beaucoup de types de bois dans ce tutoriel. Il n'y en a que deux types présentés ici : un pour la porte et le second pour la clôture.

Étape 8: Maintenant, permettez-moi de redimensionner la toile. Comme vous pouvez le constater, si vous souhaitez obtenir un dessin avec beaucoup de détails, vous devrez alors travailler sur toile. grande taille(environ 2000 ou 2600 pixels).

Étape 9: Ajoutez des détails à l'aide d'un petit pinceau. Ici, faites attention à la façon dont je dessine les détails du toit.

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Étape 10: Dans les prochaines étapes, je vais créer quelques calques supplémentaires pour l'herbe verte. La raison pour laquelle vous créez plusieurs calques est que vous devrez ajuster le dessin plus tard. Il est beaucoup plus facile de corriger les erreurs si les éléments principaux de votre dessin sont des objets distincts. J'ai grossièrement coloré le dessin à l'aide d'un gros pinceau rond et dur, puis j'ai ajouté des détails avec le même pinceau, mais avec un diamètre plus petit. J'ai également créé un nouveau calque pour les cheveux et fait un croquis. Revenons à la question de savoir comment dessiner l'herbe. Cliquez simplement sur l'icône du pinceau, sélectionnez une couleur différente et peignez comme indiqué dans mes croquis. Ensuite, répétez simplement la même action.

Étape 11: Il est maintenant temps de commencer à détailler les nuages. Lors du dessin des nuages, j'ai coloré la forme en blanc sur des calques séparés, puis j'ai changé le mode de fusion du calque en Superposition afin que l'effet soit visible dans le dessin. Et je n'ai utilisé que deux couches pour les nuages. Une couleur est utilisée comme couleur de base et l’autre couleur est utilisée pour augmenter la luminosité de l’arrière-plan. Essayez de trouver un équilibre en combinant formes différentes pinceaux et essayez de dessiner des nuages ​​en utilisant différents traits. Vous devez également définir la lumière et les ombres. Des photographies du ciel réel vous aideront dans cette affaire. Recherchez simplement sur Google différentes formes de nuages.

Étape 12: je voulais aussi ajouter un peu de luminosité lumière du soleil et d'autres détails, comme un éclair. Après plusieurs tentatives, j'ai opté pour l'option présentée dans mon dessin. Cela semblait assez difficile à ce stade, mais j'y reviendrai plus tard. Je dois également noter que chaque élément du design se trouvait sur son propre calque, ce qui m'a permis de sélectionner rapidement l'objet souhaité et de changer facilement les couleurs. Appuyez sur Commande+Clic (sous Mac) ou Ctrl+Clic (sous Windows) sur l'icône du calque dans la palette Calques pour sélectionner l'opacité.

Étape 13: Paramètres. Il est très important. Vous pouvez récupérer couleur désirée et ainsi changer toute l'atmosphère. Maintenant, j'utilise Color Balance. Après cela, j'ai modifié la luminosité et le contraste. Vous remarquerez comment l'effet d'éclairage change.

conclusions:

Il est maintenant temps de fermer Photoshop. J'espère que tu as aimé! Comme touche finale, j'ajoute un filtre Smart Sharpen au dessin plat pour obtenir des lignes plus nettes et plus nettes. Cela permet de faire ressortir de petits détails tels que les faits saillants. J'espère que vous avez apprécié la lecture de ce tutoriel.

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