शेक्सपियर का ग्लोब थिएटर, पहली उपस्थिति और पुनरुद्धार। ब्रिटेन में थिएटर, ओपेरा और बैले अंग्रेजी भाषी देशों में थिएटर

थिएटर पहला कोर्ट थिएटर, जो 1672-1676 में अस्तित्व में था, को ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच और उनके समकालीनों ने यूरोपीय राजाओं के थिएटरों की छवि और समानता में एक प्रकार के नए "मज़े" और "शीतलता" के रूप में परिभाषित किया था। शाही दरबार में थिएटर तुरंत प्रकट नहीं हुआ। रूसियों

अंग्रेजी पुनर्जागरण थिएटर का जन्म और विकास बाजार चौराहे पर हुआ, जिसने इसके राष्ट्रीय ब्रिटिश स्वाद और लोकतंत्र को निर्धारित किया। सार्वजनिक मंचों पर सबसे लोकप्रिय शैलियाँ नैतिकता के नाटक और प्रहसन थे। एलिजाबेथ ट्यूडर के शासनकाल के दौरान, रहस्यों पर प्रतिबंध लगा दिया गया था। 16वीं शताब्दी की शुरुआत से, अंग्रेजी नाट्य कला एक नए चरण में पहुंची - मानवतावादी नाटक के विकास की शुरुआत, जो पृष्ठभूमि के खिलाफ आकार लेना शुरू कर दिया। राजनीतिक संघर्षकैथोलिक चर्च के साथ शाही शक्ति।

रंगमंच के मंच से एक नई मानवतावादी विचारधारा की निर्विवाद तीखी आलोचना और प्रचार आया, जो परिचित अंतर्संबंधों और नैतिकता नाटकों की आड़ में तैयार किया गया था। मानवतावादी जॉन रास्टेल के नाटक "इंटरल्यूड ऑन द नेचर ऑफ द फोर एलीमेंट्स" (1519) में, नैतिकता नाटकों के पारंपरिक आंकड़ों के अलावा, निम्नलिखित पात्र हैं: ज्ञान की प्यास, महिला प्रकृति, अनुभव और, विपरीत उनके लिए शैतान अज्ञान और वेश्या सुख की प्यास है। नाटक में इन पात्रों का अपूरणीय संघर्ष अस्पष्टता और अज्ञानता पर ज्ञान की जीत के साथ समाप्त होता है।

जॉन बेल अंग्रेजी सुधार में एक प्रमुख व्यक्ति और एक प्रसिद्ध लेखक, नाटक किंग जॉन के लेखक थे। नैतिकता नाटक में सामाजिक विषयों को जोड़कर, उन्होंने ऐतिहासिक इतिवृत्त की शैली में नाटकीयता की नींव रखी।

नये रंगमंच का जन्म मध्ययुगीन प्रहसन से हुआ। दरबारी कवि, संगीतकार और रंगीन चश्मे के आयोजक जॉन गेवुड ने व्यंग्यपूर्ण अंतर्संबंध लिखकर इस प्रहसन का विकास किया। उनमें, उन्होंने भिक्षुओं और भोग विक्रेताओं की धोखाधड़ी, लाभ के लिए लालची पादरी वर्ग की साज़िशों और दिखावटी धर्मपरायणता के साथ अपने पापों को छिपाने वाले पुजारियों की चालाक चालों का उपहास किया। मुख्य पात्र के अलावा - दुष्ट - और नकारात्मक पात्र- पादरी - सरल दिमाग वाले और अच्छे स्वभाव वाले आम लोगों ने छोटे रोजमर्रा के दृश्यों में भाग लिया। 16वीं सदी की शुरुआत के व्यंग्यात्मक अंतर्संबंध मध्ययुगीन प्रहसन रंगमंच और उभरते नाटकीय रंगमंच के बीच की कड़ी बन गए।

इतालवी संस्कृति और कला से अंग्रेजी लोगों के परिचय ने सक्रिय धारणा और लोकप्रियता में योगदान दिया प्राचीन संस्कृतिऔर प्राचीन सभ्यता की उपलब्धियाँ। लैटिन भाषा और सेनेका और प्लॉटस के कार्यों के गहन अध्ययन से प्राचीन त्रासदियों और हास्य का अंग्रेजी में अनुवाद हुआ। इन अनुवादों पर आधारित प्रदर्शन कुलीन और विश्वविद्यालयी परिवेश में बहुत लोकप्रिय हुए।

उसी समय, अभिजात वर्ग और प्रबुद्ध जनता ने पेट्रार्क के सॉनेट्स और एरियोस्टो की कविताओं की प्रशंसा की। बोकाशियो और बैंडेलो के उपन्यास विविध समाज के बीच जाने जाते थे। शाही दरबार में, मनोरंजन और मनोरंजन कार्यक्रमों के रूप में मुखौटे पेश किए गए, जिनमें इतालवी देहाती लोगों के दृश्य दिखाए गए।

नाट्य मंच पर राष्ट्रीय हास्य और त्रासदी के पहले उदाहरण सामने आए 16वीं शताब्दी के मध्य मेंशतक। पहली अंग्रेजी कॉमेडी, राल्फ रॉयस्टर डॉयस्टर (लगभग 1551) के लेखक निकोलस उडाल एक शिक्षित अदालत मनोरंजन आयोजक थे और अपने कार्यों के माध्यम से लोगों को "जीवन के अच्छे नियम" सिखाने की कोशिश करते थे।

थॉमस नॉर्टन और थॉमस सेक्विले का नाटक "होर्बोडुक" (1562) पहली बार महारानी एलिजाबेथ के दरबार में प्रदर्शित किया गया था और इसे पहली अंग्रेजी त्रासदी माना जाता है। यह रोमन त्रासदी की नकल को स्पष्ट रूप से दर्शाता है: नाटक का 5 कृत्यों में विभाजन, सामूहिक गायन और दूतों के एकालाप, खूनी अपराध, लेकिन कथानक पर आधारित है ऐतिहासिक तथ्यमध्यकालीन इतिहास से. त्रासदी का नैतिक रूपक मूकाभिनय और अंतर्संबंधों में निहित है जो अभिनेताओं ने कृत्यों के बीच प्रस्तुत किए, जो कथानक के अप्रत्याशित मोड़ों को समझाते हैं।

प्रहसनात्मक रहस्य और आदिम प्रहसनों के बाद प्राचीन और इटालियन नाटक के आधार पर एक नए अंग्रेजी नाटक का उदय हुआ, जिसमें रचनात्मक आधार, भागों की आनुपातिकता, क्रिया और पात्रों के विकास में तर्क था।

नई पीढ़ी के नाटककारों में से लगभग सभी ने विश्वविद्यालय की शिक्षा प्राप्त की थी और वे लोकतांत्रिक माहौल से आए थे। "यूनिवर्सिटी माइंड्स" नामक एक रचनात्मक समूह में एकजुट होने के बाद, उन्होंने अपने कार्यों में अभिजात वर्ग की उच्च मानवतावादी संस्कृति और लोक ज्ञान को लोककथाओं के साथ संश्लेषित करने का प्रयास किया।

विलियम शेक्सपियर के पूर्ववर्ती, प्रसिद्ध अंग्रेजी नाटककार जॉन लिली (लगभग 1554-1606), एक दरबारी कवि थे। ग्रीक इतिहासकार प्लिनी की कहानी पर आधारित उनकी सबसे दिलचस्प कॉमेडी, "अलेक्जेंडर एंड कैंपास्पे" (1584) में, उन्होंने अलेक्जेंडर महान की उदारता दिखाई, जिन्होंने अपने दोस्त, कलाकार एपेल्स के प्यार को देखा। बंदी कैंपास्पे ने उसे अपने दोस्त को सौंप दिया। इस प्रकार कर्तव्य और भावना के संघर्ष में कर्तव्य की जीत हुई। नाटक में अलेक्जेंडर की आदर्श छवि दार्शनिक डायोजनीज की संशयवादी छवि के विपरीत है, जिसका लोक ज्ञान और सामान्य ज्ञान सम्राट और उसके दल के आत्मविश्वास और अहंकार पर विजय प्राप्त करता है।

जॉन लिली ने तथाकथित रोमांटिक कॉमेडी की नींव रखी। उन्होंने गद्यात्मक भाषण को एक उज्ज्वल काव्यात्मक स्वाद देते हुए, गेय तत्व को नाटकीय कार्रवाई में पेश किया। उन्होंने भविष्य में दो कॉमेडी शैलियों - रोमांटिक और फार्सिकल - के विलय का रास्ता बताया।

अंग्रेजी पुनर्जागरण नाटक के सच्चे संस्थापक क्रिस्टोफर मार्लो (1564-1593) थे, जो एक प्रसिद्ध नाटककार, दार्शनिक और नास्तिक सामग्री के कार्यों के लेखक थे। एक मोची का बेटा, जिसने अपनी दृढ़ता के माध्यम से मास्टर ऑफ साइंस की शैक्षणिक डिग्री हासिल की, वह साहस और स्वतंत्र सोच से प्रतिष्ठित था। सी. मार्लो ने एक पुजारी के करियर के बजाय एक थिएटर मंडली में एक अभिनेता के काम को प्राथमिकता दी, जो कैम्ब्रिज विश्वविद्यालय से स्नातक होने के बाद उनके सामने खुला था। उनका पहला नाटकीय काम, टैमरलेन द ग्रेट, नास्तिक विचारों से भरा था। दो भागों में यह स्मारकीय कार्य दो वर्षों में लिखा गया था (भाग I 1587 में और भाग II 1588 में)। "टैमरलेन द ग्रेट" 14वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के प्रसिद्ध पूर्वी विजेता, तैमूर की एक नाटकीय जीवनी है। मार्लो ने अपने नायक को एक महान नायक की ताकत और उपस्थिति दी। और, जो विशेष रूप से महत्वपूर्ण है, उसने एक महान सामंती स्वामी बनाया, जैसा कि वास्तव में तैमूर था, एक "कम पैदा हुआ चरवाहा" जो केवल अपनी इच्छाशक्ति, ऊर्जा और बुद्धि की शक्ति से वैध शासकों से ऊपर उठ गया।

के. मार्लो का नाटक "द ट्रैजिक हिस्ट्री ऑफ डॉक्टर फॉस्टस" (1588) ( चावल। 22) दूसरे पक्ष को उजागर करता है मानव जीवन. ज्ञान की प्यास और जीवन के आनंद की खातिर तपस्वी सिद्धांतों की अस्वीकृति और उच्च शक्ति के प्रति बिना शर्त समर्पण को नास्तिक डॉक्टर फॉस्टस की छवि में दर्शाया गया है। डॉक्टर फॉस्टस की मुक्त चेतना और उसके परिणामस्वरूप अकेलेपन का नाटक उन्हें पश्चाताप की ओर ले जाता है, जबकि विचार की स्वतंत्रता के संघर्ष में भारी ऊर्जा जारी करता है।

ऐतिहासिक इतिहास की सामग्री पर लिखी गई सी. मार्लो की आखिरी त्रासदी, "एडवर्ड II", अंग्रेजी नाटक का आधार बनी, जिसे डब्ल्यू. शेक्सपियर ने अपने कार्यों में सफलतापूर्वक विकसित किया।

राजा और उनके अनुचरों का मानना ​​था कि सी. मार्लो और उनके कार्यों ने सत्ता के लिए एक गंभीर खतरा पैदा कर दिया है। इस संबंध में, नाटककार को शारीरिक रूप से समाप्त करने का आदेश दिया गया था। 30 मई, 1593 को राजा की प्रिवी काउंसिल के एक एजेंट द्वारा मार्लो की हत्या कर दी गई।

इसके साथ ही सी. मार्लो के नाटकों के साथ, "यूनिवर्सिटी माइंड्स" समूह के अन्य नाटककारों के नाटकों का मंच पर मंचन किया गया: थॉमस किड - "द स्पैनिश ट्रेजेडी" (1587) और रॉबर्ट ग्रीन - "मॉन्क बेकन और फ्रायर बोंगे", " जेम्स चतुर्थ" और "जॉर्ज ग्रीन", वेकफील्ड फील्ड वॉचमैन" (1592)।

"यूनिवर्सिटी माइंड्स" समूह के नाटककारों के रचनात्मक समुदाय ने राष्ट्रीय नाटक के विकास में एक नए चरण की शुरुआत की - पुनर्जागरण त्रासदी और कॉमेडी का उद्भव। धीरे-धीरे, एक नए नायक की छवि उभरी - साहसी और साहसी, मानवतावादी आदर्श के प्रति समर्पित।

16वीं शताब्दी के अंत में, अंग्रेजी लोक रंगमंच ने सभी क्रांतिकारी विचारों को आत्मसात करते हुए और संघर्ष में अपनी मानवीय गरिमा की रक्षा करने वाले बहादुर नायकों की नकल करते हुए, अपने प्रदर्शन के लिए लोगों की भारी भीड़ को आकर्षित किया। थिएटर मंडलों की संख्या में लगातार वृद्धि हुई; होटल के प्रांगणों और शहर के चौराहों से प्रदर्शन इस उद्देश्य के लिए विशेष रूप से बनाए गए थिएटरों में स्थानांतरित हो गए।

1576 में जेम्स बर्बेज द्वारा लंदन में पहला थिएटर बनाया गया, जिसे "थिएटर" कहा गया। इसके बाद कई थिएटर भवनों का निर्माण हुआ: कर्टेन, ब्लैकफ्रायर्स, रोज़ और स्वान ( चावल। 23). इस तथ्य के बावजूद कि सिटी काउंसिल ऑफ कॉमन्स ने अपने आदेश से 1576 में ही लंदन में नाट्य प्रदर्शनों के मंचन पर रोक लगा दी थी, थिएटर टेम्स के दक्षिणी तट पर एक ऐसे क्षेत्र में स्थित थे जो कॉमन्स काउंसिल के अधिकार से परे था।

लकड़ी की बड़ी सार्वजनिक थिएटर इमारतें विभिन्न आकारों में आती थीं: गोल, चौकोर या अष्टकोणीय। इमारत में कोई छत नहीं थी, केवल मंच के ऊपर एक छोटी छतरी थी। इन थिएटरों में अधिकतम 2,000 दर्शक बैठ सकते थे। आम लोगों सहित अधिकांश दर्शकों ने खड़े होकर प्रदर्शन देखा। अमीर शहरवासियों ने दीर्घाओं में सीटें लीं, जो थिएटर की गोल दीवारों के भीतर तीन स्तरों में स्थित थीं।

1599 में ग्लोब थिएटर बनाया गया, जहाँ डब्ल्यू शेक्सपियर ने काम किया। इमारत का आकार अष्टकोणीय था, मंच समलम्बाकार था, इसका आधार सभागार में फैला हुआ था। कार्यात्मक स्थान को तीन भागों में विभाजित किया गया था: मंच का अगला भाग - प्रोसेनियम; पिछला हिस्सा, जो एक फूस की छतरी को सहारा देने वाले दो स्तंभों द्वारा अलग किया गया था; शीर्ष पर पीछे के मंच के ऊपर एक बालकनी है। इस जटिल संरचना को एक छोटे टॉवर द्वारा पूरा किया गया था, जिस पर प्रदर्शन के दौरान एक झंडा लटका दिया गया था। मंच को आमतौर पर कालीनों और चटाईयों से सजाया जाता था, और पर्दा, शैली (कॉमेडी या त्रासदी) के आधार पर, नीला या काला हो सकता था। पहले ग्लोब थिएटर की इमारत 1613 में आग से नष्ट हो गई थी। पुनर्स्थापना के बाद यह 1645 तक अस्तित्व में रहा ( चावल। 24).

लंदन के थिएटरों में अधिकांश भाग के अभिनेता, प्रसिद्ध लोगों को छोड़कर, जो रईसों के संरक्षण का आनंद लेते थे, कम आय वाले और शक्तिहीन लोग थे। शाही फरमान में कलाकारों को बेघर आवारा लोगों के बराबर माना गया और उन मंडलियों के लिए सजा का प्रावधान किया गया जिनके पास अमीर संरक्षक नहीं थे। अधिकारियों के थिएटरों के प्रति सख्त रवैये के बावजूद साल-दर-साल उनकी लोकप्रियता बढ़ती गई और उनकी संख्या बढ़ती गई।

उस समय थिएटर मंडलियों के संगठन का स्वरूप दो प्रकार का था: स्वशासन के साथ अभिनेताओं की आपसी साझेदारी और एक उद्यमी की अध्यक्षता में एक निजी उद्यम, जिसके पास प्रॉप्स का स्वामित्व होता था और नाटककारों से नाटक के मंचन के अधिकार खरीदे जाते थे। एक निजी उद्यमी किसी भी मंडली को काम पर रख सकता है और अभिनेताओं को अपनी सनक के बंधन में बांध सकता है।

डब्ल्यू. शेक्सपियर के नेतृत्व में मंडली ( चावल। 25) और उनके मित्र, प्रसिद्ध अभिनेता रिचर्ड बर्बेज ( चावल। 26), को "द लॉर्ड चेम्बरलेन्स मेन" कहा जाता था। मंडली की आय नाटककार और थिएटर के प्रमुख अभिनेताओं के बीच उनके हिस्से के अनुसार वितरित की गई थी।

मंडली की मात्रात्मक संरचना 10-14 लोगों से अधिक नहीं थी, जिन्हें थिएटर के प्रदर्शनों की सूची में कई भूमिकाएँ निभानी थीं। महिला भूमिकाएँ सुंदर युवा पुरुषों द्वारा निभाई गईं, जिन्होंने अपने आंदोलनों की प्लास्टिसिटी और अपनी आवाज की गीतात्मकता के माध्यम से प्रामाणिक प्रदर्शन हासिल किया। अभिनेताओं के अभिनय का सामान्य तरीका एक महाकाव्य शैली और उदात्त करुणा से आंतरिक नाटक के संयमित रूप में संक्रमण के चरण का अनुभव कर रहा था। डब्ल्यू शेक्सपियर के युग में दुखद शैली के प्रमुख अभिनेता रिचर्ड बर्बेज और एडवर्ड एलेन थे ( चावल। 27).

डब्ल्यू शेक्सपियर ने अपने करीबी दोस्त और सहायक रिचर्ड बर्बेज को अपनी त्रासदियों में मुख्य भूमिकाएँ सौंपीं। बरबेज ने अपनी आवाज़ पर उत्कृष्ट पकड़ के साथ, न केवल अपने मोनोलॉग को कुशलतापूर्वक प्रस्तुत किया, बल्कि उसे निखारा भी भावनात्मक रंगदिखावे और हाव-भाव के साथ भूमिकाएँ। कॉमेडी शैली में, अभिनेता रॉबर्ट आर्मिन और विलियम केम्प ( चावल। 28) और रिचर्ड टैरलटन। सबसे विशिष्ट हास्य अभिनेता रॉबर्ट आर्मिन थे, जिन्होंने शेक्सपियर के नाटक एज़ यू लाइक इट और किंग लियर में विदूषक की पूरी भूमिका निभाई थी। दार्शनिक अर्थऔर नाटकीय सामग्री.

एक नाटककार और निर्देशक के रूप में, डब्ल्यू शेक्सपियर ने अपने काम में उनसे पहले बनाई गई नाटकीय कला की सभी उपलब्धियों को संश्लेषित किया और इस कला को पूर्णता तक पहुंचाया। उन्होंने इसकी मुख्य दिशा को परिभाषित किया, जो मानव प्रकृति के सार की दर्पण छवि प्राप्त करना था, चाहे वह किसी भी रूप में प्रकट हो।

इस काल की प्रदर्शन कलाओं में अभिनय की महत्वपूर्ण भावनात्मक तीव्रता की विशेषता है। नाटक का स्वर तेज़ पाठ और सक्रिय इशारों से नहीं, बल्कि अभिनेता की समृद्ध कल्पना और उस स्थिति को व्यक्त करने की क्षमता से तय हुआ था जिसे वह अनुभव कर रहा था। अभिनेताओं को सलाह, जो डब्ल्यू शेक्सपियर ने अपनी त्रासदी में हेमलेट के मुख से व्यक्त की, वह कलाकारों की सभी पीढ़ियों के लिए एक शाश्वत मार्गदर्शक है, जब तक यथार्थवादी नाट्य कला जीवित है। महान अंग्रेजी नाटककार के काम में नाटक थियेटर अपने विकास के शिखर पर पहुंच गया। यूरोपीय पुनर्जागरण. शेक्सपियर के काम ने सामान्य सीमाओं का विस्तार किया और अभिनेताओं की अगली पीढ़ियों को मनुष्य की आध्यात्मिक दुनिया को प्रकट करने की दिशा में नाटकीय कला को विकसित करने और सुधारने के तरीके दिखाए।

17वीं शताब्दी के मध्य में इंग्लैंड में एक लंबी बुर्जुआ-प्यूरिटन क्रांति समाप्त हुई, जिसके कारण समाज में प्यूरिटनवाद की स्थापना हुई। प्यूरिटन हठधर्मिता में से एक, जिसमें कहा गया था कि एक व्यक्ति को अपने भाग्य के सामने समर्पण नहीं करना चाहिए, उसका वैचारिक बैनर बन गया। समकालीनों के अनुसार, उस समय देश में व्यभिचार और नैतिक पतन का बोलबाला था। मित्रता, विवेक और सार्वजनिक कर्तव्य पूरी तरह से अपना अर्थ खो चुके हैं। 17वीं सदी के अंत और 18वीं सदी की शुरुआत में, स्वतंत्रतावाद, या स्वतंत्र सोच, अंग्रेजी दर्शन में अग्रणी प्रवृत्ति बन गई, जिसने बड़े पैमाने पर नाटक और रंगमंच को प्रभावित किया। बाद में इस दिशा ने एक विशिष्ट रूप धारण कर लिया और इसे बुद्धि के नाम से जाना जाने लगा। इंग्लैंड में स्टुअर्ट राजशाही की बहाली के बाद, कुलीन समुदाय के बीच बुद्धि को काफी सम्मान दिया गया। धीरे-धीरे, इस तथ्य के अनुसार कि एक नई बुर्जुआ विचारधारा बन रही थी, बुद्धि के प्रति दृष्टिकोण भी बदल गया, यह अधिक से अधिक आलोचनात्मक हो गया। यह कला को प्रभावित नहीं कर सका। बुद्धि के अनुयायियों के दृष्टिकोण से, जीवन एक जटिल कला है जिसके लिए व्यक्ति से सावधानी और अंतर्दृष्टि की आवश्यकता होती है। झूठ को सच्चाई के साथ कुशलता से जोड़ा जाना चाहिए, और ईमानदारी और सीधेपन को चालाकी और धोखे के साथ जोड़ा जाना चाहिए। चर्च विवाह को एक बंधन माना जाता था, जो मनुष्य की गुलामी की गवाही देता था।

अनैतिक सिद्धांतों ने सम्माननीय बुर्जुआ वर्ग के साथ-साथ लेखकों और दार्शनिकों की ओर से उचित आक्रोश पैदा किया। जैसे-जैसे पूंजीपति वर्ग की शक्ति मजबूत हुई और उसका प्रभाव बढ़ा, उसने सक्रिय रूप से "मजाकिया" लोगों पर हमला करना शुरू कर दिया। यह मुख्य रूप से अंग्रेजी थिएटर के साथ उनके संघर्ष में व्यक्त हुआ था।

इंग्लैंड में राजशाही की बहाली से पहले, क्रॉमवेल के शासनकाल के दौरान, एक विशेष संसदीय डिक्री द्वारा थिएटर पर प्रतिबंध लगा दिया गया था। प्यूरिटन सरकार थिएटर को अनैतिकता, पापपूर्णता और बुराई के लिए प्रजनन स्थल मानती थी। नगर परिषदों ने थिएटर कंपनियों के खिलाफ कई आरोप लगाए, कभी-कभी अभिनेताओं या नाटकों से असंबंधित। थिएटरों की प्रतिष्ठा इतनी कम हो गई कि शहरवासियों ने उनमें जाना बंद कर दिया। भुखमरी से बचने के लिए, अभिनेताओं को शहरों को छोड़कर दूरदराज के प्रांतों में जाने के लिए मजबूर होना पड़ा जहां वे कुछ कमा सकते थे। थिएटर मंडलियाँ और स्कूल बिखर गए, वक्तृत्व और प्रदर्शन कला, संगीत और नृत्य के शिक्षक शहर छोड़कर चले गए। प्रांतीय अधिकारी महल मालिकों द्वारा आयोजित शौकिया प्रदर्शनों के प्रति वफादार थे। और शहरों में थिएटर को संगीत और नाटकीय प्रदर्शन (बहाना) में पुनर्जीवित किया गया।

इंग्लैंड में स्टुअर्ट राजशाही की बहाली के बाद, थिएटर के पुनरुद्धार के लिए एक अनुकूल अवधि शुरू हुई। शहर के थिएटरों के दर्शकों में विशेष रूप से अभिजात वर्ग और शहरी कुलीन वर्ग शामिल थे। नाटकीय कला ने शुद्धता-विरोधी और बुर्जुआ-विरोधी भावना को व्यक्त किया, जो कई वर्षों के उत्पीड़न और जबरन चुप्पी के बाद टूट गई। असंख्य में व्यंग्यात्मक हास्यमूर्ख मूर्ख या व्यभिचारी पति की भूमिका हमेशा असहाय बुर्जुआ को सौंपी जाती थी।

पुनर्स्थापन युग के रंगमंच को एक लंबी अवधि में बहाल किया गया था, और इस अवधि के दौरान इसमें जो परिवर्तन हुए वे महत्वपूर्ण थे। इंग्लैण्ड में नाट्य एकाधिकार स्थापित हो गया। एक थिएटर मंडली को संगठित करने और एक थिएटर बनाने के अधिकार के लिए एक शाही पेटेंट जारी किया गया था। और लॉर्ड चेम्बरलेन सेंसरशिप के प्रभारी थे, जो थिएटर मंडली की गतिविधियों तक फैली हुई थी। लंदन में अभिनय कंपनियों और थिएटर स्थलों की संख्या अंग्रेजी सरकार द्वारा नियंत्रित और विनियमित थी। थिएटर प्रदर्शनों की सूची पर विशेष ध्यान दिया गया।

इंग्लैंड में पुनर्स्थापना अवधि के दौरान, प्रदर्शन प्रदर्शित करने और थिएटर मंडलियों और प्रॉप्स को रखने के लिए एक विशेष इमारत बनाई गई थी। यह काफी आकार का एक आयताकार इनडोर कमरा था, जिसमें दर्शक पूर्व-पुनर्स्थापना अवधि की तुलना में अधिक आरामदायक स्थितियों में थे। थिएटर में अब बैकस्टेज और एक प्रोसेनियम था जो स्टालों तक फैला हुआ था और बक्सों की दोहरी पंक्ति से घिरा हुआ था। सबसे पहले, ऐसे थिएटरों में, विशेष रूप से महान दर्शकों को मंच पर, अभिनेताओं के करीब कुर्सियों पर बैठाया जाता था। इससे कलाकारों को कुछ असुविधा हुई।

प्रदर्शनों के मंचन के लिए, सेट विशेष रूप से बनाए गए थे, साथ ही विभिन्न उपकरण भी बनाए गए थे, जिससे उड़ानों और विभिन्न परिवर्तनों का अनुकरण करना संभव हो गया था। शेक्सपियर के थिएटर के लड़कों की जगह लेने के लिए अभिनेत्रियों ने महिला भूमिकाओं में मंच संभाला। पुनर्स्थापना काल की सबसे प्रतिभाशाली महिला अभिनेत्रियों में नेल गुइन ( चावल। 29), मैरी नैप, एलिजाबेथ बैरी (चित्र 30), एलिनोर ली और अन्य क्रांतिकारी अभिनेत्रियाँ। नाट्य प्रदर्शन का दायरा भी व्यापक हो गया है। पारंपरिक नाटक के अलावा, मूकाभिनय या प्रहसन को प्रदर्शन में शामिल किया जा सकता है। संगीतमय नृत्य मध्यांतर बहुत लोकप्रिय थे। बाद में, बैलेड ओपेरा को थिएटर के प्रदर्शनों की सूची में शामिल किया गया। उस अवधि के दौरान शास्त्रीय त्रासदियों को बड़ी सफलता मिली।

इस युग के दौरान इंग्लैंड ने राजनीतिक और सामाजिक जीवन में जिन विभिन्न परिवर्तनों का अनुभव किया, वे बदले में, लंदन थिएटरों के प्रदर्शनों में परिलक्षित हुए। पूंजीपति आत्मविश्वास से सत्ता में आए, और तीसरी संपत्ति के दर्शक थिएटर में आए। यह दर्शक, हॉल की अधिकांश सस्ती सीटों पर बैठे हुए, निर्णायक रूप से और ज़ोर से प्रदर्शन के संबंध में अपनी राय व्यक्त कर सकते थे, उसका अनुमोदन कर सकते थे या उसकी आलोचना कर सकते थे।

समाज में, मानवीय बुराइयों और अनैतिकता को आकर्षक रोशनी में प्रस्तुत करने वाले प्रदर्शनों पर आक्रोश तेजी से बढ़ने लगा। प्रतिक्रियावादी उपदेशक जेरेमी कोलियर की पुस्तक, "ए ब्रीफ स्केच ऑफ़ द इम्मोरैलिटी एंड इम्पिएटी ऑफ़ द इंग्लिश स्टेज" ने नाट्य समुदाय में प्रतिक्रियाओं और आक्रोश की झड़ी लगा दी। इस तथ्य के बावजूद कि थिएटर कर्मियों द्वारा पुस्तक की तीखी आलोचना की गई, इसके ठोस सकारात्मक परिणाम सामने आए। प्रदर्शनों की सूची बदल गई है, जिसमें अब उन विषयों के साथ नाटकीय कार्य शामिल हैं जो बुर्जुआ गुणों की पुष्टि करते हैं: धर्मपरायणता, मितव्ययिता और अखंडता।

नैतिकता के सुधार के लिए नागरिक समाजों ने लंदन के थिएटरों द्वारा मंचित कार्यों की सामग्री पर सख्ती से निगरानी रखी। प्रदर्शन में विशेष एजेंट मौजूद थे, जो प्रदर्शन की प्रगति का निरीक्षण कर रहे थे और नैतिकता के खिलाफ किसी भी हमले को रिकॉर्ड कर रहे थे। सेंसर ने इन उल्लंघनों के लिए उद्यमियों और अभिनेताओं पर मुकदमा चलाया। न केवल वे हिस्से जो सेंसर की ओर से अविश्वास पैदा करते थे, बल्कि पूरे नाटकों को भी बेरहमी से नाटकों के पाठ से काट दिया गया। पुनर्स्थापना काल के अंग्रेजी मंच के अग्रणी अभिनेता थॉमस बेटरटन ( चावल। 31), जिसे अनैतिक खेल के लिए मौत की धमकी दी गई थी, उसे कई भूमिकाओं की अपनी व्याख्या को संशोधित करने के लिए मजबूर किया गया ताकि वे नई मूल्य प्रणाली के अनुरूप हों।

18वीं शताब्दी की शुरुआत तक, अंग्रेजी थिएटर में बदलाव आया, उसने अपने नैतिक और नैतिक मूल्यों को संशोधित किया। न केवल मानवीय बुराइयों पर, बल्कि उनकी उत्पत्ति और सामाजिक पृष्ठभूमि को समझने के प्रयासों पर भी सबसे अधिक ध्यान दिया गया। थिएटर में कोई भी क्लुट्ज़ अभिजात और बुर्जुआ अपस्टार्ट, दरबारी पाखंडियों और नोव्यू अमीर व्यापारियों पर हंस सकता था। मंच पर किसी और की जिंदगी देखकर दर्शक ने अपनी जिंदगी के बारे में सोचा और फिर जिंदगी के कई सवालों के जरूरी जवाब मिल गए।

थिएटर एक प्रकार का स्कूल था जहाँ दर्शक सच्चे गुण और दोष को पहचानना सीखते थे। नाटकीय नायकों के उदाहरणों का उपयोग करते हुए, उन्होंने अपनी जीवन स्थिति और व्यवहार का तरीका विकसित किया। इस युग का रंगमंच इंग्लैंड की राष्ट्रीय संस्कृति का एक अभिन्न अंग था। किसी सामाजिक विषय को संबोधित करना, मानवीय और राज्य की बुराइयों को सबसे छोटे विवरण में उजागर करना अंग्रेजी थिएटर की एक परंपरा बन गई है जो आज तक जीवित है। इसी परंपरा में महान अंग्रेजी नाटककारों और थिएटर कर्मियों ने अपनी उत्पत्ति और आनुवंशिक जड़ें देखीं।

इंग्लैंड में, स्टुअर्ट राजशाही की बहाली के बाद की अवधि के दौरान, थिएटर और नाटककारों का काम कई दिशाओं में विकसित हुआ, जिनमें से मुख्य क्लासिकवाद था। केवल औपचारिक रूप से प्राचीन कार्यों की नकल करते हुए, अंग्रेजी नाटककारों ने कार्रवाई को अधिक भावनात्मक रूप से चित्रित किया, नाटकों को रोजमर्रा की सूक्ष्मताओं से भर दिया, राष्ट्रीय चरित्र लक्षणों और इन नाटकों के नायकों की उत्पत्ति के अनावश्यक विवरणों पर जोर दिया। उनके लक्ष्यों, इच्छाओं और मनोदशाओं की परिवर्तनशीलता पर भी विचार हुए।

इस काल के सबसे प्रमुख क्लासिकिस्ट को जॉन ड्राइडन (1631-1700) कहा जा सकता है - कवि, नाटककार और साहित्यिक आलोचक ( चावल। 32). उन्होंने 27 नाटक लिखे, जिनमें ट्रेजेडी, कॉमेडी और ट्रैजिकॉमेडी शामिल हैं। उन्हें वीरतापूर्ण नाटक शैली का निर्माता भी माना जाता है। उन्होंने नाटक के संबंध में अपने आलोचनात्मक विचार मुख्य रूप से काव्यात्मक प्रस्तावनाओं और अपने तथा अन्य लोगों के नाटकों के उपसंहारों में व्यक्त किये।

ड्राइडन के नाटक हिंसक भावनाओं से भरे हुए थे, स्वतंत्रता के प्रेम और उच्च आकांक्षाओं की सांस लेते थे। उन्होंने नाट्यकला की तुलना प्राचीन मूर्तिकला से की। उनके विचार में, नाटकीय रचनात्मकता, प्रकृति को प्रतिबिंबित करते हुए, इसे पार करना चाहिए ताकि दर्शक इसे एक मंच परिप्रेक्ष्य में सही ढंग से समझ सके।

1664-1675 की अवधि के दौरान, उन्होंने अंग्रेजी वीरतापूर्ण नाटक के सर्वोत्तम उदाहरण लिखे: "द क्वीन ऑफ़ द इंडियंस", "द एम्परर ऑफ़ द इंडियंस, या द कॉन्क्वेस्ट ऑफ़ मैक्सिको बाय द स्पैनियार्ड्स", "टायरैनिकल लव" और "द कॉन्क्वेस्ट" स्पेनियों द्वारा ग्रेनाडा का" पाठ के काव्यात्मक रूप और सम्मान और कर्तव्य के बारे में उनकी अवधारणाओं के बयान के साथ। नाटककार की कई त्रासदियाँ अस्तित्व की व्यर्थता और सांसारिक खुशी के भ्रम के विषय को छूती हैं।

उनके सर्वश्रेष्ठ नाटकों में से एक, "डॉन सेबेस्टियन", प्रेम सुख की भ्रामक प्रकृति और प्रेम आनंद की धोखाधड़ी के विषय को उजागर करता है। पकड़े गए युवा पुर्तगाली राजा सेबेस्टियन को बर्बर रानी अल्मेडा से प्यार हो गया। प्यार ने उसे सबकुछ भुला दिया. जल्द ही सेबेस्टियन को पता चला कि जिसने उसे प्यार की ख़ुशी दी और उसे कैद से आज़ाद कराया वह उसका ही निकला बहन. खुशी का भ्रम गायब हो गया, और दुखी प्रेमी स्वेच्छा से एक मठ में चले गए।

ड्राइडन के नाटकों के अलावा, प्रत्येक अंग्रेजी थिएटर के प्रदर्शनों में आवश्यक रूप से दो अन्य प्रसिद्ध अभिनेताओं और नाटककारों - नथानिएल ली (1653-1692) और थॉमस ओटवे (1652-1685) के काम शामिल थे। एन. ली के नाटक "रिवल क्वींस, ऑर द डेथ ऑफ अलेक्जेंडर द ग्रेट" ने 1698 में लंदन प्रवास के दौरान रूसी सम्राट पीटर प्रथम पर गहरा प्रभाव डाला। उनके नाटक मिथ्रिडेट्स और थियोडोसियस भी लोकप्रिय थे।

थॉमस ओटवे को अंग्रेजी थिएटर के इतिहास में मध्यवर्गीय जीवन के बारे में "घरेलू त्रासदियों" के लेखक के रूप में जाना जाता है। उनमें से सबसे प्रसिद्ध हैं "द ऑर्फ़न, या अनहैप्पी मैरिज" और "वेनिस सेव्ड, या द अनकवर्ड कॉन्सपिरेसी।" ओटवे का कौशल किसी व्यक्ति के लिए जुनून की विनाशकारी शक्ति और भावनाओं के अंधेपन को चित्रित करने में निहित है।

रचनात्मक जोड़ी जॉन फ्लेचर (1579-1625) और फ्रांसिस ब्यूमोंट (1584-1616) के नाटक बहुत लोकप्रिय थे। उनके नाटकों के संग्रह का पहला संस्करण, जिसमें 34 रचनाएँ शामिल हैं, 1647 का है। नाटक "फिलास्ट्रे", "द किंग एंड नॉट द किंग", "द ट्रेजेडी ऑफ ए गर्ल" को कई बार पुनः प्रकाशित किया गया। इन नाटकों में प्यार और उससे जुड़ी हर चीज़ को बखूबी दर्शाया गया है। मानवीय जुनून. इन लेखकों की कॉमेडीज़ वास्तव में मज़ेदार थीं, और त्रासदियों ने आपको नायकों के साथ-साथ दुखी और चिंतित महसूस कराया।

ब्यूमोंट और फ्लेचर के कार्यों में अंग्रेजी भाषा को पूर्णता में लाया गया था। इस पर बाद में साहित्यिक आलोचकों द्वारा कई बार चर्चा की गई, जिनका मानना ​​था कि इन नाटककारों की मृत्यु के बाद रोजमर्रा के भाषण में आने वाले सभी शब्द अनावश्यक थे। उनके नाटक लगातार सफलता के साथ 40 वर्षों से अंग्रेजी थिएटरों के मंचों पर प्रदर्शित होते आ रहे हैं। इसके अलावा, प्रत्येक नए थिएटर सीज़न में, उनके प्रदर्शनों की सूची में निश्चित रूप से "द वेवार्ड सेंचुरियन", "हाउ टू कंट्रोल ए वाइफ", "हंटिंग द हंटर", "द किंग एंड नॉट द किंग", "फिलास्ट्रे" नाटक शामिल थे, जो प्रदर्शित किए गए थे। मूल रूप में, बिना किसी कटौती या परिवर्तन के।

18वीं शताब्दी में इंग्लैंड में डब्ल्यू शेक्सपियर के प्रति एक अस्पष्ट रवैया विकसित हुआ। प्रमुख शिक्षक जोसेफ एडिसन ( चावल। 33) और रिचर्ड स्टील ( चावल। 34), जिन्होंने एक राष्ट्रीय अंग्रेजी थिएटर के निर्माण के लिए और विदेशी, विशेष रूप से इतालवी, ओपेरा के प्रभुत्व के खिलाफ लड़ाई लड़ी और अपनी रचनात्मक विरासत की रक्षा में बात की। लेकिन थॉमस राइमर जैसे कुछ आलोचकों ने उनकी त्रासदियों को "बिना किसी स्वाद के उत्साह वाला प्रहसन" कहा।

इसलिए, आधुनिक रुचि के अनुरूप शेक्सपियर के कई नाटकों का लेखकों द्वारा पुनर्निर्माण किया गया। टी. ओटवे ने डब्ल्यू. शेक्सपियर के नाटक "रोमियो एंड जूलियट" का रीमेक बनाया, जिसका शीर्षक बदलकर "द लाइफ एंड फॉल ऑफ कैयस मारिया" कर दिया गया, और डी. ड्राइडन ने - "एंटनी एंड क्लियोपेट्रा" ("ऑल फॉर लव") कर दिया। और यद्यपि शेक्सपियर का नाम पोस्टरों पर दिखाई देता रहा, नाटक के पाठ में परिवर्तन इतना महत्वपूर्ण था कि प्रदर्शन का मूल से कोई लेना-देना नहीं था। प्रसिद्ध नाटककारों के कई नाटक मूल और पुनर्निर्मित दोनों रूपों में एक ही सीज़न में लंदन के मंच पर प्रदर्शित किए गए थे, और दर्शकों ने नाटक "रोमियो एंड जूलियट" के दोनों संस्करणों को देखने का आनंद लिया: डब्ल्यू शेक्सपियर के दुखद अंत के साथ और जेम्स हॉवर्ड की ख़ुशी।

शिष्टाचार की सामाजिक, तीक्ष्ण व्यंग्यपूर्ण कॉमेडी भी अंग्रेजी थिएटर के प्रदर्शनों की सूची में हुई। इस प्रकार की रचनात्मकता के शुरुआती प्रतिनिधि को जॉर्ज एथरिज (1634-1691) कहा जा सकता है, जिन्हें सदी की नैतिकता का मजाक उड़ाने वाला माना जाता था और उन्होंने कई नाटक बनाए जो इंग्लैंड में नाट्य कला के इतिहास में दर्ज हुए: "कॉमिक रिवेंज, या लव इन ए बैरल", "शी विल इफ" कुड" और "स्लेव ऑफ फैशन"। बाद में, थिएटर अध्ययन में इस प्रकार की कॉमेडी को "पुनर्स्थापना युग की कॉमेडी" कहा गया।

उस दौर में कॉमेडीज़ बहुत लोकप्रिय थीं। अभिनेताओं को विशेष रूप से विलियम विचर्ले (1640-1716) के नाटकों में अभिनय करना पसंद था ( चावल। 35), जो हास्य और उज्ज्वल मंच उपस्थिति से प्रतिष्ठित थे। कुछ थिएटर सीज़न में, कई थिएटरों ने एक साथ उनके नाटक "द कंट्री वाइफ" का मंचन किया, और फिर थिएटर मालिकों के बीच दर्शकों के लिए एक वास्तविक प्रतिस्पर्धी संघर्ष छिड़ गया। विलियम कांग्रेव की कॉमेडी पर ( चावल। 36), जिन्होंने जनता के साथ लगातार सफलता का आनंद लिया, अंग्रेजी अभिनेताओं की कई पीढ़ियों ने अपने मंच कौशल को निखारा। "द ओल्ड बैचलर", "डबल गेम" और "लव फॉर लव" नाटकों में, सटीक रोजमर्रा की विशेषताओं पर आधारित सामाजिक विश्लेषण को पहला स्थान दिया गया है।

कांग्रेव की नवीनतम कॉमेडी, "दैट इज़ व्हाट यू डू इन द वर्ल्ड", आधुनिक समय के एक व्यक्ति - मिराबेला के चित्र को उजागर करती है। नायक का लाभ उसकी सुदृढ़ता, तार्किक तर्क और आध्यात्मिक दयालुता में निहित है। नाटक की भाषा बहुत सुंदर है, खाली शब्दों के खेल और आडंबरपूर्ण वाक्यांशों से मुक्त है।

18वीं शताब्दी में, नाटक थिएटरों के प्रदर्शनों की सूची में काफी विस्तार हुआ। प्रदर्शन में कई कृत्य शामिल थे और प्रदर्शन के बाद प्रहसन, मूकाभिनय, संगीतमय डायवर्टिसमेंट या जोकरों और कलाबाजों द्वारा प्रदर्शन को पूरक बनाया गया। प्रदर्शन के अंत को किसी लोकप्रिय नाटक या ओपेरा की पैरोडी से भी सजाया जा सकता है। पूरी शाम के कार्यक्रम की परवाह किए बिना, कई वर्षों तक वही प्रसिद्ध प्रहसन बजाए जाते रहे। संगीतमय डायवर्टिसमेंट, या इंटरल्यूड्स, नाटकीय प्रदर्शनों की सूची में सबसे लोकप्रिय थे वाद्य संगीत कार्यक्रमया मुखर प्रदर्शन जो प्रतिनिधित्व करता है साहित्यिक विषयहास्य सामग्री, संगीत पर सेट और हास्य शीर्षक "लव एंड ए बीयर मग", "द कन्फाउंडेड डैंडी", "प्रोफेसर ऑफ जोकिंग साइंसेज", आदि।

गाथागीत ओपेरा, प्रहसन और अंतराल के अलावा, 18वीं शताब्दी में "जीवित चित्र" और "औपचारिक जुलूस" जैसे नाटकीय प्रदर्शन की घटना अक्टूबर 1727 में लंदन के ड्र्यूरी लेन थिएटर में "रिचर्ड III" नाटक में दिखाई दी , दर्शकों ने इसे पहली बार देखा। जुलूस, जिसमें राजा हेनरी अष्टम की दूसरी पत्नी ऐनी बोलिन के गंभीर राज्याभिषेक समारोह को दर्शाया गया था, अभिनेताओं के लिए शानदार वेशभूषा के साथ शानदार ढंग से मंचित यह शो जल्द ही एक स्वतंत्र संगीत कार्यक्रम बन गया। इसे दर्शकों के बीच काफी लोकप्रियता मिली और उस दिन होने वाले प्रदर्शन की थीम की परवाह किए बिना इसका मंचन किया गया।

एक बहु-घंटे के नाट्य प्रदर्शन का केंद्रीय केंद्र हमेशा एक नाटक होता था, जिसे मुख्य रूप से थिएटर मंडली द्वारा चुना जाता था और लंबे समय तक अभ्यास किया जाता था। बढ़ती प्रतिस्पर्धा के कारण, थिएटर मालिकों ने बड़े पैमाने पर दर्शकों की मांगों को ध्यान में रखने की कोशिश की। 1868 तक, प्रदर्शनों की सूची को लॉर्ड चेम्बरलेन द्वारा थिएटरों के बीच वितरित किया जाता था, जो शाही घराने के प्रभारी थे और उन्होंने नाटक के मंचन की अनुमति दी थी। इस प्रणाली ने थिएटरों को एक व्यक्तिगत शैली विकसित करने की अनुमति दी। लंदन में ड्यूक थिएटर अपने मिश्रित प्रदर्शनों के लिए प्रसिद्ध था, जबकि रॉयल थिएटर में डब्ल्यू. शेक्सपियर और बी. जॉनसन को प्राथमिकता दी जाती थी। चावल। 3 7). नए नाटकों के लेखक पेशेवर नाटककार और शौकिया दोनों थे, जिन्होंने न केवल पैसे के लिए, बल्कि थिएटर के प्रति प्रेम के कारण भी नाटक लिखे। एक सज्जन नाटककार, जिसने थिएटर में काम नहीं किया, दूसरे शब्दों में, एक "बाहरी लेखक", ने थिएटर के साथ एक समझौते के तहत प्रसिद्ध नाटकों का पुनर्निर्माण किया या प्रदर्शन के लिए प्रस्तावना और उपसंहार की रचना की। प्रत्येक थिएटर के अपने नाटककार और "बाहरी लेखक" थे। कई प्रसिद्ध अभिनेताओं ने भी नए प्रदर्शनों की रचना की, जिसमें मंडली ने ख़ुशी से भाग लिया।

सम्राट अक्सर अपने स्वयं के कथानकों का प्रस्ताव करते हुए नाटकों का आयोजन करते थे, जो कभी-कभी अचानक पैदा होते थे, और कभी-कभी दरबारी रईसों की सलाह पर। प्रतिभाशाली और गंभीर नाटकों के साथ, बड़ी संख्या में निम्न-गुणवत्ता वाले नाटक की पांडुलिपियों को थिएटरों में लाया गया, जिनका सख्त चयन हुआ, जिससे कई लेखकों में असंतोष पैदा हुआ।

नाटक, जिसे थिएटर समूह द्वारा अनुमोदित किया गया था, को थिएटर में उत्पादन के लिए शाही सेंसर से अनुमति लेनी पड़ी। शाही दरबार में, मुख्य सेंसर के कर्तव्यों को लॉर्ड चेम्बरलेन और समारोह के मुख्य मास्टर को सौंपा गया था, जो राज्य सेंसरशिप की संस्था का नेतृत्व करते थे। यदि नाटकों का चित्रण किया गया तो उन पर प्रतिबंध लगाया जा सकता है हिंसक मौतराजाओं या बाइबिल उद्धरणों का अनुचित उपयोग। एक दृश्य जो शाही दरबार में पनपने वाली रिश्वतखोरी से निपटता है, यदि सेंसरशिप द्वारा अनुमति दी जाती है, तो राजा का क्रोध भड़क सकता है और सेंसर को कारावास हो सकता है जो राजद्रोह से चूक गया। अंग्रेजी नाटक के इतिहास में ऐसे मामले सामने आए हैं।

जब 17वीं शताब्दी के अंत में नैतिकता के सुधार के लिए अनेक समाजों की गतिविधियाँ तेज़ हो गईं, तो नाटकीय सेंसरशिप भी सख्त हो गई, जिसने देश के भीतर व्हिग्स और टोरीज़ के बीच राजनीतिक संघर्ष की तीव्रता के दौरान चरम रूप ले लिया। 1737 में सरकार ने सेंसरशिप एक्ट जारी किया। यह थिएटर लाइसेंसिंग अधिनियम बन गया, जिसके तहत केवल वे थिएटर ही अस्तित्व में रह सकते थे जिनके पास शाही लाइसेंस था। बिना किसी अपवाद के सभी नाटकों को लॉर्ड चेम्बरलेन द्वारा सेंसर किया जाना था। नाटकों में लेखकों को राजनीतिक मुद्दों को छूने और सरकारी अधिकारियों की आलोचना करने से प्रतिबंधित किया गया था।

इस कानून के परिणामस्वरूप, सिनेमाघरों पर एक राज्य का एकाधिकार दिखाई दिया, यानी केंद्रीय थिएटरों - कोवेंट गार्डन और ड्रुरी लेन को छोड़कर, लंदन के सभी थिएटर बंद कर दिए गए। सामयिक और आलोचनात्मक प्रकृति का प्रदर्शन मंच से गायब हो गया; ऐसे कोई भी तात्कालिक नाटक नहीं थे जो विदेश या घरेलू नीति की समस्याओं को छूते हों। लेकिन, तमाम सेंसरशिप उपायों के बावजूद, नाटककारों और अभिनेताओं ने, विशिष्ट नाट्य तकनीकों और रूपक का उपयोग करते हुए, दर्शकों तक वह बात पहुंचाई जो वे खुलकर व्यक्त नहीं कर सकते थे।

किंग जॉर्ज द्वितीय के दो कलात्मक सलाहकार, प्रसिद्ध नाटककार और उद्यमी विलियम डेवनैंट (1606-1683) और थॉमस किलिग्रेव (1612-1683), जिन्होंने 1660 में थिएटर खोलने के एकाधिकार के अधिकार के लिए शाही पेटेंट प्राप्त किया था, ने लंदन के अभिनेताओं को आपस में बांट लिया। किलिग्रू की मंडली को राजा की मंडली के रूप में जाना जाने लगा और डेवनैंट की मंडली ड्यूक ऑफ यॉर्क की मंडली बन गई। इन मंडलियों के पास अपनी इमारतें नहीं थीं और उन्होंने प्रदर्शन के लिए अनुकूलित विभिन्न परिसरों पर कब्जा कर लिया था।

17वीं शताब्दी की शुरुआत में, रेड बुल थिएटर लंदन के दक्षिण-पूर्वी बाहरी इलाके सेंट जॉन स्ट्रीट पर बनाया गया था। यह बिना छत वाला एक खुला प्रकार का थिएटर था, जिससे मंडली का काम मौसम की स्थिति पर निर्भर हो जाता था। यह परिसर विभिन्न मंडलों द्वारा किराए पर लिया गया था, उनमें से कुछ के पास लाइसेंस नहीं था, और कानून का उल्लंघन करने के लिए थिएटर को समय-समय पर बंद कर दिया गया था। रेड बुल के नाट्य वातावरण में अव्यवस्था और झगड़े का बोलबाला था और सभागार में सौ दर्शक भी एकत्रित नहीं हुए। खराब वेशभूषा में अभिनेताओं ने औसत दर्जे का अभिनय किया, और कभी-कभी पूरी तरह से अक्षम भी। 70 के दशक में, रेड बुल का अस्तित्व समाप्त हो गया और इमारत को फेंसिंग क्लब ने अपने कब्जे में ले लिया।

कॉकपिट थिएटर का निर्माण भी 17वीं शताब्दी की शुरुआत में हुआ था। यह ड्रुरी लेन के मध्य क्षेत्र में स्थित एक काफी विशाल ईंट की इमारत थी। थिएटर को अपना दूसरा नाम - "फीनिक्स" - 1617 में आग लगने और तेजी से बहाली के बाद मिला। थिएटर लगभग 60 वर्षों तक अस्तित्व में था और इसे इस तथ्य के कारण ध्वस्त कर दिया गया था कि यह अब आधुनिक आवश्यकताओं को पूरा नहीं करता था।

पुनर्स्थापना के पहले वर्षों में, अर्थात् 1629 में, लंदन में तीसरा थिएटर बनाया गया - सैलिसबरी कोर्ट। 1652 में, इसके मालिक इंग्लैंड के प्रमुख नाट्यकर्मी विलियम बेस्टन बन गए, जो सख्त प्रतिबंध के बावजूद, ओलिवर क्रॉमवेल के कठोर शासन के दौरान कई प्रदर्शन करने में सक्षम थे और उन्हें सर्वश्रेष्ठ थिएटर शिक्षकों में से एक माना जाता था। उन्होंने थिएटर भवन का पुनर्निर्माण शुरू किया, जिसे क्रांति के दौरान दयनीय स्थिति में लाया गया था। उनके डिजाइन के मुताबिक छत को 30 फीट ऊंचा किया गया और स्टेज के ऊपर वाले कमरे में डांस क्लास लगाई गई. बक्सों और स्टालों, जो दीर्घाओं से घिरे हुए थे, का काफी विस्तार किया गया था। थिएटर की इमारत 1666 की लंदन आग से नहीं बच पाई।

7 मई, 1663 को प्रसिद्ध इंग्लिश ड्रुरी लेन थिएटर खुला, जो आज भी लंदन का अग्रणी थिएटर है। इसके मंच पर पहला प्रदर्शन एफ. ब्यूमोंट और डी. फ्लेचर का नाटक "द वेवर्ड सेंचुरियन" था। थिएटर ड्रुरी लेन और ब्रिजेस स्ट्रीट के बीच बनाया गया था।

इमारत का आकार गोल था। थिएटर में विशाल स्टॉल और शानदार ढंग से सजाए गए बक्से थे। प्रोसेनियम मेहराब को उत्कृष्ट सजावट से सजाया गया था। मंच से बक्से तक बहुत बड़ी दूरी, स्टालों में संकीर्ण मार्ग और ऑर्केस्ट्रा के दुर्भाग्यपूर्ण स्थान के बावजूद, इस थिएटर को अपने पूर्ववर्तियों की तुलना में महत्वपूर्ण फायदे थे। स्टालों में, बेंचों को संकेंद्रित अर्धवृत्तों में व्यवस्थित किया गया था, जिससे एक एम्फीथिएटर का निर्माण हुआ। स्टॉल दो स्तरों के बक्सों से घिरे हुए थे, जो विभाजन से अलग थे और उनमें आरामदायक कुर्सियों की कई पंक्तियाँ थीं। इस समय तक, महिलाओं को पुरुषों के साथ बक्से में रहने की अनुमति थी।

अधिकांश दर्शक स्टालों में बैठे थे, जो दिन के दौरान इमारत के शीर्ष पर बने विशाल कांच के गुंबद के माध्यम से रोशन होते थे। भारी बारिश के दौरान, पानी की धाराएँ दर्शकों के सिर पर गिरीं, जिससे जनता में हिंसक आक्रोश फैल गया। शाम को दुकानें मोमबत्तियों से जगमगा उठीं। स्टालों की बेंचें हरे कपड़े से ढकी हुई थीं।

स्टालों के निचले स्तर के केंद्र में एक शाही बक्सा था, जिसे अपोलो की सोने की बनी आकृति और इंग्लैंड के राज्य प्रतीक से सजाया गया था। जब शाही परिवार के सदस्य प्रदर्शन में उपस्थित नहीं थे, तो शाही बॉक्स के टिकट सभी को बेचे गए।

25 नवंबर, 1672 को थिएटर में आग लग गई, जिससे थिएटर परिसर और आस-पास की इमारतें पूरी तरह से नष्ट हो गईं। रॉयल थिएटर को एक नए परिसर के लिए धन जुटाने के लिए कई वर्षों तक मजबूर होना पड़ा, केवल 1674 में प्रसिद्ध वास्तुकार क्रिस्टोफर व्रेन द्वारा डिजाइन की गई एक इमारत प्राप्त हुई। कमरा किसी खास बात से अलग नहीं था और सरल एवं कलाहीन था। स्टालों का आकार एक एम्फीथिएटर जैसा था, जिसमें दर्शकों को कपड़े से ढंकी और बिना पीठ वाली बेंचों पर बैठाया गया था। लोग सभी एक साथ बैठे थे: कुलीन देवियाँ और सज्जन, साथ ही सहज गुणी महिलाएँ जो प्रदर्शन के दौरान छेड़खानी और बातचीत करती थीं; कुछ ने अभिनेताओं पर ध्यान न देते हुए ताश खेले। मंच के ठीक सामने, निचली गैलरी की छतरी के नीचे, सबसे महंगी सीटें स्थित थीं, और सबसे गरीब दर्शकों की भीड़ ऊपरी गैलरी में थी।

1671 में ड्यूक ऑफ यॉर्क की मंडली के लिए, उसी क्रिस्टोफर व्रेन के डिजाइन के अनुसार, लंदन के डोरसेट गार्डन जिले में एक थिएटर बनाया गया था, जिसमें एक नाटक और ओपेरा हाउस था। यह अपनी वास्तुकला और सजावट की विलासिता से प्रतिष्ठित था। थिएटर के अग्रभाग से टेम्स दिखाई देता था और इसे ड्यूक ऑफ यॉर्क के हथियारों के कोट से सजाया गया था। शीर्ष मंजिल प्रसिद्ध अंग्रेजी अभिनेताओं के अपार्टमेंट के लिए बनाई गई थी।

थिएटर में लगभग 1,200 दर्शक मौजूद थे और वे इसके आंतरिक भाग की सुंदरता से आश्चर्यचकित थे। प्रोसेनियम मेहराब को प्रसिद्ध वुडकार्वर ग्रिनलिंग गिबन्स द्वारा बारोक शैली में बनाया गया था और भव्य रूप से सोने से सजाया गया था। सभागार का आंतरिक भाग फ़्रांस के सर्वोत्तम थिएटर आंतरिक सज्जा से कहीं अधिक सुंदर था और इसका लेआउट भी अधिक सुविधाजनक था। एम्फीथिएटर के आकार वाले स्टालों में लगभग कोई शोर नहीं सुनाई दे रहा था। पार्टर सात बक्सों से घिरा हुआ था जिसमें 20 लोग बैठ सकते थे, इसके बाद पहले स्तर के 7 बक्से थे, और इससे भी ऊंचे - रैक थे।

18वीं सदी की शुरुआत में, 1705 में, लंदन में, नाटककार जॉन वानब्रुघ ( चावल। 38) पहला ओपेरा हाउस बनाया गया, जिसे रानी ऐनी के सम्मान में क्वीन्स ओपेरा हाउस के नाम से जाना जाने लगा। उन प्रदर्शनों के लिए विशाल मंच और विशिष्ट ध्वनिकी नाटकीय प्रदर्शनों के लिए उपयुक्त नहीं थे, इसलिए गायक और संगीतकार थिएटर में बस गए। यह थिएटर लगभग 85 वर्षों तक अस्तित्व में रहा। लंदन के कई थिएटरों के भाग्य से बच न पाने के कारण, 17 जून 1789 को इसके गोदामों में लगी आग से यह नष्ट हो गया।

18वीं शताब्दी की शुरुआत में इंग्लैंड में पुनर्स्थापना और संस्कृति के आगे विकास की अवधि के दौरान, थिएटरों में काफी बदलाव आया। बढ़ती आवश्यकताओं के अनुरूप उनकी वास्तुकला अधिक जटिल हो गई है। थिएटरों का इंटीरियर और भीतरी सजावटउनके मालिकों की संपत्ति प्रतिबिंबित होती है। मंच के डिज़ाइन में एक शेक्सपियरियन मंच मंच और एक बॉक्स मंच को एक पोर्टल के साथ जोड़ा गया जिसने इसे दर्शकों से अलग कर दिया। मंच का अगला भाग, जो सभागार तक फैला हुआ था, अंडाकार हो गया। मंच के पीछे और दृश्यावली कलाकारों द्वारा चित्रित दिखाई दी।

प्रदर्शन का मुख्य भाग प्रोसेनियम पर हुआ। अंत में, अभिनेताओं को मंच के अंडाकार हिस्से में आगे आना पड़ा, जो दर्शकों के करीब था और बेहतर रोशनी वाला था। मंच के अंदर, जहां दृश्यावली स्थित थी, गोधूलि थी, जिसने पूरे प्रदर्शन में रहस्यवाद की भावना पैदा की। मोमबत्तियाँ, जिन्हें पर्याप्त रोशनी के लिए बहुत बड़ी संख्या में आवश्यकता होती थी, महंगी थीं और एक विलासिता थी जिसकी अनुमति थिएटर मालिक केवल शाही परिवार के सदस्यों के लिए ही देते थे। हल्की टिमटिमाती रोशनी और दीवारों पर हिलती परछाइयों ने नाट्य प्रदर्शन में कुछ अलौकिक होने का एहसास पैदा किया। मंच के तल में प्रोसेनियम की ओर थोड़ी ढलान थी, जिसे एक औपचारिक नक्काशीदार मेहराब से सजाया गया था, जहां बेस-रिलीफ और मूर्तियां स्थापित की गई थीं, और कुशल कारीगरों ने जटिल आभूषणों को उकेरा था, और यह सब गिल्डिंग से ढका हुआ था। पुनर्स्थापना के दौरान, अंग्रेजी अभिनेताओं को आधिकारिक तौर पर शाही सेवा में माना जाता था। शाही रंगमंच के अभिनेता लाल मखमल से सजी लाल कपड़े से बनी शाही सेवकों की वर्दी पहनते थे, लेकिन वास्तव में समाज में उन्हें निम्नतम वर्ग का प्रतिनिधि माना जाता था। उन्हें मामूली वेतन मिलता था, जिसके लिए उन्हें कड़ी मेहनत करनी पड़ती थी।

अभिनेताओं के पास लंबे समय तक रिहर्सल और प्रदर्शन सहने के लिए शारीरिक सहनशक्ति होनी चाहिए। कमरे, जिनमें प्रदर्शन के बीच कई लोग थे, गर्म नहीं थे। फायरप्लेस के साथ एक अलग कमरा केवल असाधारण मामलों में ही प्रदान किया गया था। अक्सर, एक सफल प्रीमियर के तुरंत बाद, अभिनय मंडली को देर शाम शाही महल के दरबार थिएटर में प्रदर्शन दोहराना पड़ता था। केवल एक उत्कृष्ट स्मृति के साथ, एक अभिनेता, थोड़े समय में, एक प्रदर्शन में कई भूमिकाओं या कई प्रदर्शनों की विभिन्न भूमिकाओं के पाठ को याद कर सकता है।

थिएटर सीज़न के दौरान ज़्यादा पैसा कमाना संभव नहीं था, जो गर्मियों के दौरान बाधित हो गया जब शाही परिवार ने लंदन छोड़ दिया। महामारी, आग, बाढ़, धार्मिक छुट्टियों या शाही परिवार में शोक के कारण काम बाधित हुआ। सेंसरशिप या केवल राजा या लॉर्ड चेम्बरलेन की एक टिप्पणी के कारण, थिएटर को अनिश्चित काल के लिए बंद कर दिया गया था।

अधिकांश अभिनेताओं ने यात्रा पर पैसा खर्च न करने के लिए थिएटर के पास आवास किराए पर लिया। अमीर अभिनेता लंदन के प्रतिष्ठित इलाकों में रहना बर्दाश्त कर सकते थे। यदि थिएटर के मालिक किसी निश्चित अभिनेता में रुचि रखते थे (और अक्सर वे अभिनेत्रियाँ होती थीं), तो उनके लिए अपार्टमेंट थिएटर की इमारत में या उसके आस-पास की इमारतों में स्थित होते थे।

अभिनेताओं के साथ लड़ाई या द्वंद्व में अंग्रेजी कानून हमेशा अमीर लोगों के पक्ष में खड़े होते थे, हालाँकि अदालतों में जिन मामलों का निपटारा किया जाता था, वे उनकी गलती के कारण उत्पन्न हुए थे। अभिनेता का अपमान करने या उसे अपमानित करने में कोई खर्च नहीं होता। कुलीन वर्ग के बीच इसे सामान्य माना जाता था।

पुनर्स्थापना के दौरान, अभिनेत्रियाँ अंग्रेजी थिएटर के मंच पर महिलाओं की पोशाक पहने हुए स्त्रैण युवा पुरुषों की जगह दिखाई दीं। महिला भूमिकाएँ निभाने के लिए युवकों को कई वर्षों तक अध्ययन करना पड़ता था। पहली महिला अभिनेत्रियों के पास इंग्लैंड जैसे शुद्धतावादी देश में मंच पर जाने और प्रस्तुति देने के लिए पर्याप्त इच्छाशक्ति और नागरिक साहस होना चाहिए। महिला छविअपने पूरे आकर्षण में.

पहली अभिनेत्रियाँ निजी बोर्डिंग हाउस से थिएटर में आईं। वे सभी साधारण मूल के थे और बोर्डिंग स्कूलों में साक्षरता, उच्चारण, संगीत और नृत्य का अध्ययन करते थे। बुर्जुआ वर्ग की लड़कियाँ नृत्य शिक्षकों और निजी गायन निर्देशकों की सिफ़ारिशों के साथ थिएटर में आती थीं। अभिनय जगत से कई अद्भुत अभिनेत्रियाँ आईं। ऐसे समय में जब महिला शिक्षा बहुत निचले स्तर पर थी, एक अभिनेत्री का पेशा कई लड़कियों को आशाजनक और आकर्षक लगने लगा।

थिएटर ने उनके लिए घरेलू अत्याचार से मुक्त दुनिया का रास्ता खोल दिया और जिसने व्यक्तिगत विकास के लिए काफी अवसर प्रदान किए। लेकिन साथ ही, युवा प्रतिभाएं, खुद को न्यूनतम जीवित संसाधन प्रदान करने में असमर्थ, धनी सज्जनों के प्रभाव में आ गईं और उनकी रखी हुई महिलाएं बन गईं। एक अमीर सज्जन के वेतन वाली अभिनेत्री - यह घटना बहुत आम थी और पूरी तरह से कानूनी थी। युवा अभिनेत्रियाँ स्वयं महिलाएँ बनने की आकांक्षा रखती थीं, और अक्सर जिन लड़कियों को कई वर्षों तक थिएटर में अभिनय का प्रशिक्षण मिला था, उन्होंने 1-2 साल के ऐसे रखरखाव के लिए थिएटर छोड़ दिया, जिसके बाद ज्यादातर मामलों में उन्हें लंदन के वेश्यालयों में आश्रय मिला। केवल वे ही लोग मंच पर टिके रहे जो पूरे दिल से अपने अभिनय पेशे के प्रति समर्पित थे। ज्यादातर ये एक्टर्स की पत्नियां थीं।

अंग्रेजी अभिनेताओं को जीविकोपार्जन के लिए अक्सर दूसरे देशों की यात्रा करनी पड़ती थी। कई बार ये यात्राएँ बहुत जानलेवा होती थीं। अभिनेताओं को अक्सर भूखा रहना पड़ता था और सभी प्रकार की कठिनाइयों का अनुभव करना पड़ता था। उन्होंने, एक नियम के रूप में, चौराहों और खुले बाजारों में प्रदर्शन किया। भाषा में अंतर के बावजूद, विभिन्न यूरोपीय देशों में अंग्रेजी अभिनेताओं का बहुत अच्छा स्वागत किया गया; उनके अभिनय के शास्त्रीय तरीके और अभिनय कौशल ने उनके समकालीनों के बीच प्रशंसा जगाई। पुनर्जागरण के दौरान, अंग्रेजी अभिनेताओं ने जर्मनी, हॉलैंड, डेनमार्क और फ्रांस में अपने कौशल का प्रदर्शन किया।

नाटकीय अभिनेताओं के अलावा, अंग्रेजी कलाबाज़, मीम्स और नर्तक फ्रांस के दौरे पर गए। वूल्टन बंधुओं ने फ्रांसीसी सरकार की अनुमति से डिजॉन में एक सर्कस खोला। प्रसिद्ध अभिनेताअंग्रेजी सरकार की ओर से थॉमस बेटरटन ने फ्रांस का दौरा किया। उन्हें थिएटरों के प्रदर्शनों की सूची और संरचना से परिचित होना पड़ा।

फ्रांसीसी अभिनेता भी इंग्लैंड के दौरे पर आए, लेकिन लंदन के परिष्कृत दर्शकों ने उनके प्रदर्शन को कुछ उपेक्षा के साथ देखा। अतिथि कलाकारों की नाटकीय सामग्री और दल सरल थे, और प्रदर्शन नीरस और अरुचिकर हो गए। यह इस तथ्य के कारण था कि यह मुख्य रूप से कम आय वाले अभिनेता थे जिन्होंने दौरा किया था।

कठपुतली थिएटर कलाकार इटली से इंग्लैंड आने वाले पहले व्यक्ति थे। उनके प्रदर्शन ने राजा को बहुत प्रभावित किया और उन्होंने कठपुतली मंडली के प्रमुख अभिनेता को एक पदक और एक सोने की चेन से सम्मानित किया। दौरे पर आए इतालवी अभिनेताओं को राजा की विशेष कृपा प्राप्त थी। प्रदर्शन के लिए उन्हें शाही महल में व्हाइटहॉल दिया गया। 18वीं शताब्दी में, इतालवी ओपेरा ने लंदन में जड़ें जमा लीं और इसमें मुख्य रूप से लंदन के कुलीन वर्ग ने भाग लिया। अंग्रेजी अभिजात वर्ग के परिष्कृत स्वाद के लिए डिज़ाइन की गई उनकी प्रदर्शन सूची ने लंदन के सामाजिक क्षेत्रों को मंत्रमुग्ध कर दिया।

ओपेरा पहले अंग्रेजी में प्रदर्शित किए गए थे, लेकिन इससे उन्हें प्रदर्शन करना मुश्किल हो गया, जिससे संगीत विषय और इतालवी पाठ के अंग्रेजी अनुवाद के बीच विसंगतियां पैदा हो गईं। बाद में, अंग्रेजी और इतालवी कलाकारों ने अपनी-अपनी भाषाओं में अरिया गाए, और बाद में भी, सभी अरिया इतालवी में प्रस्तुत किए गए। दर्शकों ने सामग्री को बहुत कम समझा और मंच पर जो कुछ हो रहा था उसे केवल यांत्रिक मनोरंजन के रूप में देखा, जिससे न तो सहानुभूति हुई और न ही प्रतिबिंब। इंग्लैंड के कई प्रमुख शिक्षकों ने इतालवी ओपेरा को राष्ट्रीय संस्कृति पर आक्रमण माना, जिससे इसे काफी नुकसान हुआ।

हस्तलिखित रूप में नए नाटकों को समीक्षा और अनुमोदन के लिए सीधे थिएटर में लाया गया। आमतौर पर पहला वाचन लेखक द्वारा किया जाता था। धारणा काफी हद तक उनकी नाटकीय क्षमताओं पर निर्भर थी। नया नाटकअभिनेता. अभिनेताओं को अपने विचार और काम के बारे में जानकारी देने के लिए लेखक को कुछ नाटकों को कई बार पढ़ना पड़ा। लेखक के पढ़ने के बाद, कई नाटकों को प्रसिद्ध अभिनेताओं द्वारा संपादन और संशोधन की आवश्यकता होती थी, जो मनमाने ढंग से भूमिकाओं को फिर से लिखते थे, उन्हें अपने साथियों के शिष्टाचार या चरित्रों के अनुरूप ढालते थे। कभी-कभी ऐसे संपादनों ने नाटकों में उल्लेखनीय सुधार किया, और कभी-कभी नाटकों को "जीवित सामग्री" से भरने के लिए लगभग पूरी तरह से फिर से लिखा गया।

भूमिकाएँ थिएटर मालिक की प्रत्यक्ष भागीदारी के साथ सौंपी गईं, जो स्वयं आमतौर पर प्रमुख अभिनेताओं में से एक था। एक अभिनेत्री जो इस अवधि के दौरान लोकप्रिय थी, उसे मुख्य भूमिका सौंपी गई, भले ही वह उस भूमिका को निभा सके या नहीं। कभी-कभी किसी लोकप्रिय अभिनेत्री द्वारा अपनी भूमिका के प्रति अस्वाभाविक भूमिका में किए गए प्रदर्शन ने प्रदर्शन की छाप को पूरी तरह से खराब कर दिया। लेकिन ऐसा हुआ कि राजा ने स्वयं भूमिकाओं के वितरण में भाग लिया।

मान्यता प्राप्त प्रतिभाशाली नाटककारों को अपने प्रदर्शन में भाग लेने के लिए अभिनेताओं को चुनने का अधिकार था। और उन्होंने इस बात को ध्यान में रखते हुए नाटक लिखे कि वास्तव में यह भूमिका कौन निभाएगा। लेकिन इस मामले में अभिनेता की मुख्य भूमिका अभी भी निर्णायक थी। दर्शकों ने चरित्र के बारे में एक निश्चित रूढ़िवादिता विकसित की, और दर्शक थिएटर में दंगा शुरू कर सकते थे यदि नाटक में मुख्य अभिनेता नहीं था, बल्कि उसका छात्र था। फिर प्रदर्शन रोकना पड़ा क्योंकि मंच पर जलती मोमबत्तियाँ सहित सभी प्रकार की वस्तुएँ उड़ रही थीं।

प्रीमियर की तैयारी में कम से कम एक महीना लग गया। उस समय निर्देशन अभी तक अस्तित्व में नहीं था, और रिहर्सल के दौरान पाठ विभिन्न अनधिकृत परिवर्तनों के अधीन हो सकता था। ऐसे प्रदर्शनों को देखने के बाद, नाटककारों ने शिकायत की कि उनसे कम से कम एक हजार लाइनें लूट ली गईं। अक्सर नाटककार नाटक के निर्देशक की भूमिका निभाता था। उन्होंने भूमिकाओं पर काम के निर्माण और संगठन का ध्यान रखा। उन्होंने स्टेज स्पेस में मिस-एन-सीन और पात्रों की गतिविधियों को भी विकसित किया, इशारों और प्लास्टिसिटी तक।

रिहर्सल सुबह शुरू हुई और प्रदर्शन से पहले समाप्त हुई। वे अलग-अलग तरीकों से घटित हुए, अक्सर शोरगुल वाले और भ्रमित करने वाले, लेकिन कभी-कभी वे काफी पेशेवर निकले। प्रदर्शन के बाद शाम का समय नए पाठों को याद करने और नृत्य सीखने के लिए आवंटित किया गया था। थिएटर के प्रदर्शनों की सूची में पहले से प्रदर्शित नाटक को पुनर्स्थापित करने में अभिनेताओं का बहुत कम समय और प्रयास खर्च हुआ। इसमें दो सप्ताह से अधिक का समय नहीं लगा।

कभी-कभी प्रदर्शन के लिए बहुत जल्दबाजी में की गई तैयारी के कारण यह तथ्य सामने आता है कि अभिनेताओं को पाठ अच्छी तरह से पता नहीं होता है। फिर उन्होंने मंच पर ऐसा स्वांग रचाया कि उनके साथी जोर-जोर से हंसने से खुद को नहीं रोक सके और चरित्र से बाहर जाकर प्रदर्शन में खलल डाल दिया। अक्सर थिएटर मंडलों में सख्त अनुशासन की कमी होती थी और कुछ अभिनेताओं में अपनी बोली पर काम करने की अनिच्छा होती थी। परिणामस्वरूप, उनके प्रदर्शन से दर्शकों में जलन और असंतोष पैदा हो गया, क्योंकि दर्शकों के लिए ऐसे अभिनेता द्वारा बोले गए एक भी शब्द का पता लगाना असंभव था।

कुछ अभिनेताओं ने लेखक के पाठ को अलंकृत अभिव्यक्तियों से सजाने में खुद को परिष्कृत होने दिया स्वयं की रचना. ऐसे शौकिया लेखकों के संपूर्ण अंशों ने प्रदर्शनों को अपूरणीय क्षति पहुंचाई और नाटककार की प्रतिष्ठा को खराब कर दिया। इन जोशीले अभिनेताओं में से एक, जॉन लैसी को राजा के आदेश से गिरफ्तार कर लिया गया। ऐसा इसलिए किया गया क्योंकि उन्होंने सहजता से महान करुणा के साथ भाषण दिए और "चेंज ऑफ क्राउन्स" नाटक में शहरी बुराइयों के रजिस्टर का विस्तार किया, जिसमें चार्ल्स द्वितीय ने भाग लिया था। कुछ हास्य अभिनेताओं ने खुद को कई मिनटों तक दर्शकों से बात करने की अनुमति दी। उन्हें ऐसा करने से रोकना बेकार था, और लेखकों ने, ऐसे अभिनेताओं की विशेषताओं को ध्यान में रखते हुए, लेखक के नोट्स में लिखा: "उसी भावना से जारी रखें" या "कलाकार के विवेक पर।"

कई दशकों तक, प्रदर्शन की तैयारी अंग्रेजी नाटक का कमजोर बिंदु बनी रही। दर्शकों के निमंत्रण के साथ नाटकों की सशुल्क ड्रेस रिहर्सल का अभ्यास 18वीं शताब्दी में शुरू हुआ। सबसे पहले उनका परिचय घर पर हुआ ओपेरा हाउस, और बाद में - नाटकीय वाले।

प्रदर्शन का भाग्य कई परिस्थितियों पर निर्भर करता था, लेकिन इसकी सफलता पूरी तरह से प्रीमियर के दिन निर्धारित होती थी। थिएटर को नवंबर से फरवरी की अवधि में सबसे अधिक फीस मिली। प्रीमियर का दिन विशेष रूप से चुना गया था। हमने यह देखने की कोशिश की कि क्या उस दिन लंदन में कोई अन्य सामूहिक कार्यक्रम थे जो हॉल में दर्शकों की पूर्ण अनुपस्थिति के लिए थिएटर को बर्बाद कर सकते थे। प्रीमियर के लिए शनिवार का दिन सबसे अच्छा माना गया.

प्रदर्शन की तैयारी में प्रॉम्प्टर को काफी महत्वपूर्ण स्थान दिया गया था। उन्होंने कानूनी तौर पर अभिनेताओं के लिए प्रत्येक भूमिका को अलग-अलग लिखा और, शुल्क के लिए, चादरों को एक कवर के साथ एक किताब के रूप में बांध दिया। इन पुस्तकों के पन्नों पर, प्रॉम्पटर्स ने अभिनेताओं के लिए नोट्स और टिप्पणियाँ बनाईं, जिससे प्रदर्शन के दौरान अपना समायोजन किया गया। कागज, कलम और स्याही के अलावा, प्रॉम्पटर की सूची में हमेशा एक घंटी और एक सीटी भी शामिल होती थी। सीटी की आवाज़ ने दृश्यों को गति प्रदान की और स्थानांतरित कर दिया, और घंटी ने ऑर्केस्ट्रा को संगीत परिचय के बारे में सूचित किया।

संगीत प्रदर्शन का एक महत्वपूर्ण संरचनात्मक तत्व था। उन्होंने दर्शकों के साथ कलाकारों को एकजुट करते हुए एक विशेष भावनात्मक माहौल बनाया। बदलना संगीत विषयप्रदर्शन के दौरान काम करता है, इसे अलग-अलग अर्थपूर्ण रंग देना संभव था। कई नाटककारों ने सृजन के लिए विशेष रूप से संगीतकारों के साथ काम किया संगीतमय संख्याएँउनके नाटकों के लिए, यह समझना कि संगीत की भूमिका और व्यक्तिगत संगीत वाद्ययंत्रों की ध्वनि कितनी महत्वपूर्ण है।

नाटककारों को विशेष रूप से वायलिन, बांसुरी और ओबाउ वादन पसंद था। लंदन के अभिजात वर्ग ने गिटार को प्राथमिकता दी, जिसे समाजवादियों और महिलाओं के पुरुषों द्वारा नाटकों में बजाया जाता था। थिएटर ऑर्केस्ट्रा में वायलिन की संख्या कभी-कभी 24 तक पहुंच जाती थी। एक वीणावादक हमेशा मौजूद रहता था।

थिएटर में ऑर्केस्ट्रा का स्थान कई बार बदला गया। सबसे पहले यह मंच के ऊपर, मंच स्थान की गहराई में स्थित था। दर्शक संगीतकारों को नहीं देख सके। वह स्थान जहाँ संगीतकार थे उसे "संगीत अटारी" कहा जाता था। बाद में वह नीचे चला गया और खुद को मंच और स्टालों के बीच में खड़ा कर लिया, और बाद में वह मंच के नीचे निचले स्तर तक डूब गया। थिएटर में ऑर्केस्ट्रा की स्थिति कई बार बदली, निचले स्तर से ऊपर और फिर वापस आ गई।

लेकिन संगीत संगत के बिना एक भी प्रदर्शन नहीं हुआ। जहां भी प्रदर्शन ने संगीतमय संख्या के लिए थोड़ा सा भी अवसर प्रदान किया, निश्चित रूप से इसका लाभ उठाया गया। शेक्सपियर और अन्य पहले के लेखकों के नाटकों में संगीत सम्मिलन, गायन अरिया और नृत्य दृश्य दिखाई दिए। संगीत के प्रयोग ने उत्पादन को जीवंत बना दिया। प्रदर्शन को सजाने के लिए, नाटककारों ने विशेष रूप से जिप्सियों, भटकने वाले गायकों या की भूमिकाएँ लिखीं प्रसन्न मेहमानजिन्होंने गाया और नृत्य किया, जिससे दर्शकों में खुशी का संचार हुआ।

प्रदर्शन शुरू होने से पहले, दर्शकों को प्रतीक्षा की बोरियत से राहत देने के लिए हमेशा सुखद संगीत बजाया जाता था। कई दर्शक विशेष रूप से संगीत कार्यों के उत्कृष्ट प्रदर्शन का आनंद लेने के लिए पहले से आए थे।

प्रदर्शन की प्रस्तावना से पहले एक संगीत प्रस्ताव (आवश्यक रूप से "फ्रांसीसी शैली में")। "कर्टेन मेलोडी" ने प्रत्येक कार्य का समापन किया। यह राग पात्रों की अंतिम पंक्तियों के दौरान शुरू हुआ। अगला कार्यक्रम संगीतमय परिचय के साथ शुरू हुआ। प्रदर्शन के अंत को अक्सर अभिनेताओं के सामान्य नृत्य द्वारा चिह्नित किया जाता था, जो इंग्लैंड में लोकप्रिय चाकोन नृत्य करते थे। संगीत तब तक अभिनेताओं और विदा होते दर्शकों के साथ चलता रहा जब तक सभागार में कोई नहीं बचा।

नाटक में संगीतमय संख्याओं की संख्या नाटक की शैली के आधार पर भिन्न-भिन्न होती थी। एक त्रासदी में दो से अधिक गाने शामिल नहीं थे, एक कॉमेडी में पाँच से अधिक हो सकते थे। दावतों, शादियों और अंत्येष्टि के दृश्यों में संगीत बजाना पड़ता था। थॉमस डर्फ़ी की कॉमेडी में बीस से अधिक संगीतमय नंबर थे। इस युग में एक नये प्रकार के नाटकीय प्रदर्शन का उदय हुआ, जिसे हमारे समय में "ओपेरेटा" कहा जाता है।

प्रेमियों को सेरेनेड के तहत कष्ट झेलना पड़ा, नौकरों ने अपने मालिकों के बारे में व्यंग्यपूर्ण दोहे लिखे, महाकाव्य नायकउन्होंने गाथागीत गाए, और सड़क के लड़कों ने अमीरों की पैरोडी गाई। इन सबने शैली की सीमाओं को आगे बढ़ाया, प्रदर्शन को नए विवरणों से समृद्ध किया, अभिनेताओं के प्रदर्शन में अतिरिक्त रंग जोड़े। संगीत, जो कार्यात्मक रूप से पात्रों के संवादों के साथ जुड़ा हुआ था, ने प्रदर्शन के मनोवैज्ञानिक चरमोत्कर्ष की भूमिका निभाई। ऐसा प्रदर्शन किसी व्यक्ति के विचारों को जागृत करते हुए उसकी गहरी भावनाओं को छूने में मदद नहीं कर सकता।

नृत्य लघुचित्र संगीत की तरह ही नाटकीय प्रदर्शन का एक अभिन्न अंग थे। और इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह एक त्रासदी थी या कॉमेडी, एक साधारण प्रहसन या एक पैरोडी नाटक। इन नृत्य लघुचित्रों को बाद में बैले में विकसित किया गया, जो नाटकीय कला का एक स्वतंत्र रूप बन गया।

नाटककारों और थिएटर मालिकों ने न केवल प्रदर्शनों को, बल्कि मध्यांतरों को भी नृत्य प्रदर्शनों की सूची को बहुत महत्व दिया। मध्यांतर के दौरान, उग्र धुनों से दर्शकों को आकर्षित करते हुए, प्रशासन ने थिएटर में शांतिपूर्ण माहौल बनाए रखा, जिससे सबसे उत्साही दर्शकों का ध्यान अपरिहार्य झगड़ों से हट गया।

लंदन के पोस्टरों में नाटक के नाम के साथ-साथ उन नृत्यों के नाम भी दर्शाए गए थे जिन्हें जनता के सामने पेश किया जाएगा। लोकप्रिय थे राष्ट्रीय नृत्यउनमें से स्कॉटिश, स्पैनिश, आयरिश जिग और कॉमिक नृत्यों पर विशेष ध्यान दिया गया। कोरियोग्राफी नाटकीय अभिनेता के कौशल का एक अभिन्न अंग थी। और दर्शक नाटक के कथानक पर ध्यान न देते हुए, गाने और नृत्य के साथ एक मजेदार संगीत कार्यक्रम देखना पसंद करने लगे। थिएटर का मुख्य उद्देश्य - भावनाओं को शिक्षित करना और सोच विकसित करना - ने मनोरंजन और मनोरंजन का मार्ग प्रशस्त किया।

मध्य युग में, प्रदर्शन शुरू होने से कुछ दिन पहले, बैनरमैन, या हेराल्ड, पहचान झंडे के साथ शहर के चारों ओर दौड़ते थे, और उस चमत्कारी नाटक का नाम चिल्लाते थे जिसे एक यात्रा थिएटर मंडली द्वारा प्रस्तुत किया जाना था। लंबे समय तक, आमंत्रण घोषणाओं का मौखिक रूप संरक्षित रखा गया था, जिसके पाठ संगीत वाद्ययंत्रों के साथ तुकबंद और उच्चारित किए जाते थे। लंदन में, नाटकीय घोषणाओं के साथ होने वाले तेज़ शोर के प्रभावों पर प्रतिबंध था, लेकिन प्रांतीय कस्बों में, चर्च की घंटी की तुलना में ट्रम्पेट और ड्रम हेराल्ड्स ने हमेशा अपने थिएटरों में कहीं अधिक दर्शकों को आकर्षित किया। कुछ ही मिनटों में यात्रा करने वाले अभिनेताओं के प्रदर्शन के लिए एक हजार से अधिक दर्शक एकत्र हो सकते थे।

आगामी नाट्य प्रदर्शन की घोषणा करने की प्राचीन परंपरा 18वीं शताब्दी के अंत तक जारी रही। ढोलवादक और वादक उस युग के ग्रामीण इंग्लैंड के स्वाद का एक अभिन्न अंग थे। वहीं ढोलवादक ने जटिल कला से शहरवासियों का ध्यान आकर्षित किया ड्रम रोल, हेराल्ड ने आगामी प्रदर्शन के बारे में सारी जानकारी चिल्लाकर दी और ऐसे कार्यक्रम दिए जिनमें नाटक का नाम और प्रदर्शन के आरंभ होने का समय दर्शाया गया था।

लंदन में, जिस दिन प्रदर्शन होना था उस दिन थिएटर भवन पर एक झंडा फहराया गया था। इसकी शुरुआत के समय की घोषणा एक तुरही द्वारा की गई थी, और थिएटर की अटारी खिड़की से एक तुरही वादक ने निश्चित अंतराल पर तीन तुरही बजाई।

पहला थिएटर पोस्टर 16वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांस में दिखाई दिया। इंग्लैंड में, पोस्टर बहुत बाद में, केवल 1564 में दिखाई दिए। हस्तलिखित पोस्टर आमतौर पर थिएटर के पास, कॉलेजों और शैक्षणिक संस्थानों के गेट पर, घनी आबादी वाले इलाकों में खंभों पर लटकाए जाते थे। पोस्टर पर थिएटर और प्रदर्शन का नाम बड़े अक्षरों में लिखा हुआ था। इसके शीर्ष पर लैटिन शिलालेख "राजा लंबे समय तक जीवित रहें!" के साथ राज्य का प्रतीक चिन्ह था। 18वीं शताब्दी में, पोस्टर पर नाटक में शामिल अभिनेताओं के कलाकारों और प्रदर्शन के प्रारंभ समय को इंगित करना शुरू हुआ। नाटककार का नाम पहली बार 1699 में एक प्लेबिल पर दिखाई दिया। यह कॉमेडी डबल गेम के लेखक विलियम कांग्रेव का नाम था। 1700 में, लंदन के ग्रेट कोर्ट ने थिएटरों को शहर और उसके आसपास अपने पोस्टर लगाने पर प्रतिबंध लगा दिया।

समाचार पत्रों ने आगामी प्रदर्शनों, उनके लेखकों और कलाकारों के बारे में घोषणाएँ प्रकाशित करना शुरू कर दिया। वहां, विज्ञापन की जानकारी के साथ-साथ, उस किताब की दुकान का पता भी मिल सकता था जहां नाटक का पाठ बेचा गया था। 1702 में डेली कूरेंट ने नियमित रूप से ऐसे विज्ञापन चलाए, उसके बाद 1920 के दशक में डेली पोस्ट और डेली जर्नल ने नियमित रूप से ऐसे विज्ञापन चलाए। इस समय, नाटकीय घोषणाओं में प्रदर्शन के बारे में जानकारी के अलावा, किसके अनुरोध पर (शाही व्यक्ति या एक कुलीन महिला) प्रदर्शन दिया गया था, स्टालों, बक्सों और दीर्घाओं में सीटों की कीमतें जैसे विवरण शामिल थे। आदि। कुछ मामलों में, थिएटर मालिकों ने प्रकाशकों से अभिनेताओं के प्रदर्शन को दर्शाने वाली या नाटक की सामग्री से संबंधित कुछ पंक्तियाँ शामिल करने के लिए कहा।

1702 में लंदन में प्लेबिल लगाने पर लगा प्रतिबंध हटा दिया गया। शहर की सड़कों पर फिर से काले और लाल पोस्टर दिखने लगे. लाल वाले अधिक महंगे थे और एक नियम के रूप में, प्रीमियर या लाभ प्रदर्शन के दिन मुद्रित होते थे।

सड़कों पर, एक नारंगी विक्रेता से एक छोटा पोस्टर खरीदा जा सकता था, और एक छोटी सी रिश्वत के लिए वह नवीनतम थिएटर समाचार की रिपोर्ट करती थी या अभिनेत्रियों में से एक को एक पत्र लेती थी। थिएटर मालिकों ने विशेष रूप से इन व्यापारियों को मध्यांतर के दौरान फल और मिठाइयाँ बेचने के लिए नियुक्त किया और इसके लिए उनसे एक निश्चित शुल्क लिया। ऐसे व्यापारियों के बारे में जानकारी के सबसे मूल्यवान स्रोत थे परदे के पीछे की जिंदगीथिएटर, और उनमें से सबसे कुशल और साधन संपन्न लोग समाचार पत्रों के साथ व्यापार और सौदों के माध्यम से अपने लिए एक महत्वपूर्ण भाग्य बनाने में सक्षम थे।

लंदन के थिएटरों में थिएटर कार्यक्रम 18वीं सदी के 60 के दशक में फ्रांसीसी अभिनेताओं के नियमित दौरों के बाद सामने आए। 18 शीटों पर उनका रंगारंग कार्यक्रम प्रस्तुत किया गया विस्तृत विवरणमशीनरी जिसकी सहायता से नाटक का नायक ऑर्फियस नरक में उतरता है। कवर पर पाठ से संकेत मिलता है कि कथानक कहाँ से लिया गया था, साथ ही यह प्रदर्शन कौन और कहाँ प्रस्तुत करेगा। अंग्रेजी कार्यक्रमों में समय बचाने के लिए पाठ दिए जा सकते हैं लंबे अक्षर, जिससे दर्शक पहले से ही परिचित हो सकें, और नाटक की कार्रवाई ने दर्शकों को जबरन उबाऊ दृश्यों से परेशान नहीं किया। कभी-कभी किसी नाटक की प्रस्तावना और उपसंहार को अलग-अलग शीट पर मुद्रित किया जाता था और प्रदर्शन शुरू होने से पहले बेचा जाता था। प्रत्येक प्रदर्शन के अंत में, अगले प्रदर्शन के बारे में एक घोषणा की गई। थिएटर प्रशासन के प्रस्ताव पर जनता की प्रतिक्रिया (अनुमोदन या आक्रोश) ने आगामी प्रदर्शन के भाग्य को निर्धारित किया।

नाटकीय अखबार के इतिहास में थिएटर के मंच पर और पर्दे के पीछे जो कुछ भी हुआ, उसका सबसे छोटे विवरण तक वर्णन किया गया है। ध्यान सभागार में होने वाली घटनाओं पर भी था, जिसमें शराबी मौज-मस्ती करने वालों के बीच विवाद भी शामिल था। इसमें लॉर्ड चेम्बरलेन के आदेश और शाही सेंसरशिप की टिप्पणियाँ भी शामिल थीं, और उच्च रैंकिंग वाले विदेशी गणमान्य व्यक्तियों के थिएटरों के दौरे को भी कवर किया गया था जो लंदन थिएटरों के लगातार मेहमान थे।

थियेटर सभागार लोगों से खचाखच भरा हुआ था दर्पण छविअंग्रेजी समाज. यह व्यावसायिक बैठकों और प्रेम संबंधों का स्थान था। युवा लोग अपनी योग्यताओं और प्रतिभाओं का घमंड कर सकते थे, और माता-पिता अपनी बेटियों को विवाह योग्य लड़कियों के रूप में दिखा सकते थे। दौरे पर आए ग्रामीण अमीरों ने, राजधानी के फैशनपरस्तों को खूब देखा, अपने घरों में नई छापें और फैशनेबल पोशाकें लाए।

नाटकीय कला के प्रति पूरी लगन और ईमानदारी से जुनूनी विभिन्न वर्गों के लोग, कभी-कभी सबसे अप्रत्याशित और रंगीन संयोजनों में, थिएटर में एकत्र होते थे। स्टालों में सबसे अच्छी सीटों पर हमेशा महान लोगों और आलोचकों का कब्जा रहता था। स्टालों में दर्शक मिश्रित थे, और इसलिए स्टाल अक्सर शोर-शराबे और झगड़ों का स्थान बन जाते थे, जो अक्सर द्वंद्व में बदल जाते थे।

मध्य गैलरी सहज गुणी महिलाओं के लिए आरक्षित थी, जो थिएटर में अपने चेहरे को मुखौटों से ढँक कर आती थीं। ऊपरी गैलरी में नौकर रहते थे जो सज्जनों और स्वतंत्र दर्शकों के साथ आते थे।

प्रदर्शन पर इतने विविध दर्शकों की प्रतिक्रिया का अनुमान लगाना कठिन था, और दर्शकों का ध्यान आकर्षित करना अभिनेताओं के लिए उतना ही कठिन था। लेकिन यह, शायद, नाटकीय कला का जादुई प्रभाव है, जब अभिनेताओं का कौशल और भावनाएं मोहित हो जाती हैं और प्रदर्शन के स्थान पर इस पार्टर को अपने साथ ले जाती हैं, कभी-कभी अपने जुनून में बेलगाम और परिष्कृत भावनाओं से दूर एक गैलरी।