ओपेरा शैली. ओपेरा। सामान्य विशेषताएँ। कॉमिक ओपेरा की राष्ट्रीय किस्में

रचना शब्दों, मंच क्रिया और संगीत के संश्लेषण पर आधारित एक संगीतमय नाट्य प्रदर्शन है। इसकी उत्पत्ति 16वीं और 17वीं शताब्दी के अंत में इटली में हुई।

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ओपेरा

इतालवी ओपेरा - रचना), नाट्य कला की एक शैली, शब्दों, मंच क्रिया और संगीत के संश्लेषण पर आधारित एक संगीत और नाटकीय प्रदर्शन। कई व्यवसायों के प्रतिनिधि ओपेरा प्रदर्शन के निर्माण में भाग लेते हैं: संगीतकार, निर्देशक, लेखक, नाटकीय संवाद और पंक्तियाँ लिखना, साथ ही लिब्रेटो (सारांश) लिखना; एक कलाकार जो दृश्यों के साथ मंच तैयार करता है और पात्रों के लिए पोशाकें डिजाइन करता है; प्रकाश कर्मचारी और कई अन्य, लेकिन ओपेरा में निर्णायक भूमिका संगीत द्वारा निभाई जाती है, जो पात्रों की भावनाओं को व्यक्त करता है।

ओपेरा में पात्रों के संगीतमय "कथन" एरिया, एरियोसो, कैवटीना, सस्वर पाठ, कोरस, आर्केस्ट्रा नंबर आदि हैं। प्रत्येक पात्र का हिस्सा एक विशिष्ट आवाज के लिए लिखा जाता है - उच्च या निम्न। सबसे ऊँची महिला आवाज़ सोप्रानो है, मध्य आवाज़ मेज़ो-सोप्रानो है, और सबसे निचली आवाज़ कॉन्ट्राल्टो है। पुरुष गायकों के लिए, ये क्रमशः टेनर, बैरिटोन और बास हैं। कभी-कभी बैले दृश्यों को ओपेरा प्रदर्शन में शामिल किया जाता है। ऐतिहासिक-पौराणिक, वीर-महाकाव्य, लोक-परी, गीतात्मक-रोज़मर्रा और अन्य ओपेरा हैं।

ओपेरा की उत्पत्ति 16वीं और 17वीं शताब्दी के अंत में इटली में हुई। ओपेरा के लिए संगीत डब्ल्यू. ए. मोजार्ट, एल. वैन बीथोवेन, जी. रॉसिनी, वी. बेलिनी, जी. डोनिज़ेट्टी, जी. वर्डी, आर. वैगनर, सी. गुनोद, जे. बिज़ेट, बी. स्मेताना, ए. द्वारा लिखा गया था। ड्वोरक, जी. पुकिनी, सी. डेब्यूसी, आर. स्ट्रॉस और कई अन्य प्रमुख संगीतकार। पहला रूसी ओपेरा दूसरी छमाही में बनाया गया था। 18 वीं सदी 19 वीं सदी में 20वीं शताब्दी में रूसी ओपेरा ने एन. ए. रिमस्की-कोर्साकोव, एम. आई. ग्लिंका, एम. पी. मुसॉर्स्की, पी. आई. त्चैकोव्स्की के कार्यों में एक उज्ज्वल पुष्पन का अनुभव किया। - एस. एस. प्रोकोफ़िएव, डी. डी. शोस्ताकोविच, टी. एन. ख्रेनिकोव, आर. के. शेड्रिन, ए. पी. पेट्रोवा और अन्य।

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अपूर्ण परिभाषा ↓

ओपेरा की शैली और संगीत पाठ में इसके साथ काम करने के तरीकों पर विचार करने से पहले, मैं एक परिभाषा देना चाहूंगा कि ओपेरा क्या है।

"ओपेरा, और केवल ओपेरा, आपको लोगों के करीब लाता है, आपके संगीत को वास्तविक जनता से संबंधित बनाता है, आपको न केवल व्यक्तिगत मंडलियों की, बल्कि अनुकूल परिस्थितियों में, संपूर्ण लोगों की संपत्ति बनाता है।" ये शब्द महान रूसी संगीतकार प्योत्र इलिच त्चैकोव्स्की के हैं।

यह एक संगीत-नाटकीय कार्य है (अक्सर बैले दृश्यों सहित), जिसका उद्देश्य मंच प्रदर्शन होता है, जिसका पाठ पूरे या आंशिक रूप से गाया जाता है, आमतौर पर ऑर्केस्ट्रा के साथ। एक ओपेरा एक विशिष्ट साहित्यिक पाठ के आधार पर लिखा जाता है। एक नाटकीय काम का प्रभाव और एक ओपेरा के अभिनय का प्रभाव संगीत की अभिव्यंजक शक्ति से असीम रूप से बढ़ जाता है। और इसके विपरीत: ओपेरा में संगीत असाधारण विशिष्टता और कल्पना प्राप्त करता है।

संगीत की मदद से एक नाटकीय काम के प्रभाव को बढ़ाने की इच्छा नाटकीय कला के अस्तित्व की शुरुआत में, बहुत दूर के समय में ही पैदा हो गई थी। खुली हवा में, पहाड़ की तलहटी में, जिसकी ढलानें, सीढ़ियों के रूप में संसाधित होती थीं, दर्शकों के लिए जगह के रूप में काम करती थीं, प्राचीन ग्रीस में उत्सव के प्रदर्शन होते थे। मुखौटों में अभिनेताओं ने, विशेष जूते पहनकर, जिससे उनकी ऊंचाई बढ़ जाती थी, गाते-गाते स्वर में गायन करते हुए, मानवीय आत्मा की ताकत का महिमामंडन करने वाली त्रासदियों का प्रदर्शन किया। इन दूर के समय में बनी एशिलस, सोफोकल्स, यूरिपिडीज़ की त्रासदियों ने अपना प्रभाव नहीं खोया है कलात्मक मूल्य. संगीत के साथ नाट्य रचनाएँ मध्य युग में भी जानी जाती थीं। लेकिन आधुनिक ओपेरा के ये सभी "पूर्वज" इससे इस मायने में भिन्न थे कि उन्होंने गायन को सामान्य बोलचाल की भाषा के साथ वैकल्पिक किया, जबकि ओपेरा की विशिष्ट विशेषता यह है कि इसमें पाठ शुरू से अंत तक गाया जाता है।

शब्द की हमारी आधुनिक समझ में ओपेरा की उत्पत्ति 16वीं और 18वीं शताब्दी के अंत में इटली में हुई थी। इस नई शैली के निर्माता कवि और संगीतकार थे जो प्राचीन कला की प्रशंसा करते थे और प्राचीन यूनानी त्रासदी को पुनर्जीवित करने का प्रयास करते थे। लेकिन यद्यपि अपने संगीत और मंच प्रयोगों में उन्होंने प्राचीन ग्रीक पौराणिक कथाओं के कथानकों का उपयोग किया, लेकिन उन्होंने त्रासदी को पुनर्जीवित नहीं किया, बल्कि एक पूरी तरह से नया कला रूप - ओपेरा बनाया।

ओपेरा ने तेजी से लोकप्रियता हासिल की और सभी देशों में फैल गया। प्रत्येक देश में, इसने एक विशेष राष्ट्रीय चरित्र प्राप्त कर लिया - यह विषयों की पसंद (अक्सर किसी विशेष देश के इतिहास, उसकी कहानियों और किंवदंतियों से) और संगीत की प्रकृति में परिलक्षित होता था। ओपेरा ने शीघ्र ही इटली के प्रमुख शहरों (रोम, पेरिस, वेनिस, फ़्लोरेंस) पर विजय प्राप्त कर ली।

ओपेरा और उसके घटक

ओपेरा में संगीत का नाटक के कलात्मक प्रभाव को बढ़ाने में क्या मतलब है? इस प्रश्न का उत्तर देने के लिए, आइए ओपेरा बनाने वाले मुख्य तत्वों से परिचित हों।

ओपेरा का एक मुख्य भाग अरिया है। शब्द का अर्थ "गीत", "जप" के करीब है। वास्तव में, पहले ओपेरा के अरिया रूप में (ज्यादातर छंद) और गीतों की धुन की प्रकृति के समान थे, और शास्त्रीय ओपेरा में हमें कई अरिया-गीत मिलेंगे (इवान सुसानिन में वान्या का गीत, खोवांशीना में मार्फा का गीत)।

लेकिन आमतौर पर अरिया एक गीत की तुलना में अधिक जटिल रूप में होता है, और यही ओपेरा में इसके उद्देश्य को निर्धारित करता है। एक अरिया, एक नाटक में एक एकालाप की तरह, एक विशेष नायक की विशेषता के रूप में कार्य करता है। यह विशेषता सामान्य हो सकती है - नायक का एक प्रकार का "संगीतमय चित्र" - या कार्य की कार्रवाई की कुछ विशिष्ट परिस्थितियों से जुड़ा हुआ।

लेकिन एक ओपेरा की कार्रवाई को केवल बारी-बारी से पूर्ण अरिया द्वारा व्यक्त नहीं किया जा सकता है, जैसे कि एक नाटक की कार्रवाई में अकेले मोनोलॉग शामिल नहीं हो सकते हैं। ओपेरा के उन क्षणों में जहां पात्र वास्तव में अभिनय करते हैं - एक-दूसरे के साथ जीवंत संचार में, बातचीत, तर्क-वितर्क, संघर्ष में - फॉर्म की ऐसी पूर्णता की कोई आवश्यकता नहीं है जो कि एरिया में काफी उपयुक्त है। इससे कार्यों का विकास धीमा हो जाएगा। ऐसे क्षणों का आमतौर पर कोई अंत नहीं होता संगीत रचना, पात्रों के अलग-अलग वाक्यांश आर्केस्ट्रा एपिसोड के साथ गाना बजानेवालों के विस्मयादिबोधक के साथ वैकल्पिक होते हैं।

सस्वर पाठन अर्थात उद्घोषणा गायन का प्रयोग व्यापक रूप से किया जाता है।

कई रूसी संगीतकारों ने सस्वर पाठन पर बहुत ध्यान दिया, विशेषकर ए.एस. डार्गोमीज़्स्की और एम.पी. मुसॉर्स्की। संगीत में यथार्थवाद के लिए प्रयास करते हुए, संगीत विशेषताओं की सबसे बड़ी सत्यता के लिए, उन्होंने भाषण स्वरों के संगीतमय अनुवाद में इस लक्ष्य को प्राप्त करने का मुख्य साधन देखा जो किसी दिए गए चरित्र की सबसे विशेषता है।

ओपेरा पहनावा भी एक अभिन्न अंग है। समूह आकार में बहुत भिन्न हो सकते हैं: दो स्वरों से लेकर दस स्वरों तक। इस मामले में, पहनावा आम तौर पर रेंज और समय की आवाज़ों को जोड़ता है। समूह के माध्यम से, एक भावना को व्यक्त किया जाता है, जिसमें कई पात्रों को शामिल किया जाता है, इस मामले में, समूह के अलग-अलग हिस्सों का विरोध नहीं किया जाता है, बल्कि एक-दूसरे के पूरक लगते हैं, और अक्सर एक समान मधुर पैटर्न होता है; लेकिन अक्सर पहनावा उन नायकों की संगीत विशेषताओं को एकजुट करता है जिनकी भावनाएं अलग और विपरीत होती हैं।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा ओपेरा प्रदर्शन का एक अभिन्न अंग है। वह न केवल गायन और कोरल भागों के साथ आता है, और न केवल संगीतमय चित्रों या परिदृश्यों को "चित्रित" करता है। अभिव्यक्ति के अपने साधनों का उपयोग करते हुए, वह कार्रवाई के "शुरुआत में" उत्पादन के तत्वों, इसके विकास की तरंगों, चरमोत्कर्ष और अंत के निर्माण में भाग लेता है। यह नाटकीय संघर्ष के पक्षों को भी दर्शाता है। ऑर्केस्ट्रा की क्षमताओं को ओपेरा प्रदर्शन में विशेष रूप से कंडक्टर के चित्र के माध्यम से महसूस किया जाता है। समन्वय से परे संगीत समूहऔर पात्रों के निर्माण में गायक-अभिनेताओं के साथ भागीदारी, कंडक्टर सभी मंचीय गतिविधियों को नियंत्रित करता है, क्योंकि प्रदर्शन की गति-लय उसके हाथों में होती है।

इस प्रकार, ओपेरा के सभी घटकों को एक में जोड़ दिया जाता है। कंडक्टर इस पर काम कर रहा है, गायक मंडली के एकल कलाकार अपने हिस्से सीख रहे हैं, निर्देशक इसका मंचन कर रहा है, और कलाकार दृश्यों को चित्रित कर रहे हैं। इन सभी लोगों के सामान्य कार्य के परिणामस्वरूप ही कोई ओपेरा प्रदर्शन उत्पन्न होता है।

ओपेरा सबसे महत्वपूर्ण संगीत और नाट्य शैलियों में से एक है। यह संगीत, गायन, चित्रकला और अभिनय का मिश्रण है और शास्त्रीय कला के भक्तों द्वारा इसे अत्यधिक महत्व दिया जाता है। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि संगीत की शिक्षा में बच्चे को सबसे पहले इस विषय पर एक रिपोर्ट दी जाती है।

इसकी शुरुआत कहाँ से होती है?

इसकी शुरुआत एक प्रस्ताव से होती है. यह एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा द्वारा प्रस्तुत परिचय है. नाटक के मूड और माहौल को सेट करने के लिए डिज़ाइन किया गया।

क्या चल रहा है

ओवरचर के बाद प्रदर्शन का मुख्य भाग आता है। यह एक भव्य प्रदर्शन है, जो कृत्यों में विभाजित है - प्रदर्शन के पूर्ण भाग, जिनके बीच अंतराल होते हैं। मध्यांतर लंबे हो सकते हैं, ताकि दर्शक और निर्माण में भाग लेने वाले आराम कर सकें, या छोटा हो सकता है, जब पर्दा केवल दृश्यों को बदलने के लिए नीचे किया जाता है।

मुख्य निकाय, संपूर्ण चीज़ की प्रेरक शक्ति, एकल एरिया हैं। इनका अभिनय कहानी के अभिनेताओं-पात्रों द्वारा किया जाता है। एरियस पात्रों के कथानक, चरित्र और भावनाओं को प्रकट करता है। कभी-कभी अरिआस के बीच सस्वर पाठ - मधुर लयबद्ध संकेत - या सामान्य बोलचाल की भाषा डाली जाती है।

साहित्यिक भाग लिब्रेटो पर आधारित है। यह एक तरह की स्क्रिप्ट है, काम का सारांश . दुर्लभ मामलों में, कविताएँ संगीतकारों द्वारा स्वयं लिखी जाती हैं।, जैसे वैगनर। लेकिन अक्सर ओपेरा के लिए शब्द लिब्रेटिस्ट द्वारा लिखे जाते हैं।

यह कहाँ समाप्त होता है?

ओपेरा प्रदर्शन का समापन उपसंहार है। यह भाग साहित्यिक उपसंहार के समान ही कार्य करता है। यह एक कहानी हो सकती है भविष्य का भाग्यनायक, या नैतिकता को संक्षेप में परिभाषित करना।

ओपेरा इतिहास

विकिपीडिया के पास इस विषय पर प्रचुर मात्रा में जानकारी है, लेकिन यह लेख उल्लिखित संगीत शैली का एक संक्षिप्त इतिहास प्रदान करता है।

प्राचीन त्रासदी और फ्लोरेंटाइन कैमराटा

ओपेरा का जन्मस्थान इटली है. हालाँकि, इस शैली की जड़ें प्राचीन ग्रीस तक जाती हैं, जहाँ उन्होंने पहली बार मंच और गायन कला का संयोजन शुरू किया था। आधुनिक ओपेरा के विपरीत, जहां मुख्य जोर संगीत पर है प्राचीन यूनानी त्रासदीवे केवल सामान्य भाषण और गायन के बीच ही बदलाव करते थे। यह कला रूप रोमनों के बीच विकसित होता रहा। प्राचीन रोमन त्रासदियों में, एकल भागों का वजन बढ़ गया, और संगीत सम्मिलन का अधिक बार उपयोग किया जाने लगा।

प्राचीन त्रासदी को 16वीं शताब्दी के अंत में दूसरा जीवन मिला। कवियों और संगीतकारों के समुदाय - फ्लोरेंटाइन कैमराटा - ने प्राचीन परंपरा को पुनर्जीवित करने का निर्णय लिया। उन्होंने "संगीत के माध्यम से नाटक" नामक एक नई शैली बनाई। उस समय लोकप्रिय पॉलीफोनी के विपरीत, कैमराटा कार्य मोनोफोनिक मधुर गायन थे। नाट्य प्रदर्शनऔर संगीत संगत का उद्देश्य केवल कविता की अभिव्यक्ति और कामुकता पर जोर देना था।

ऐसा माना जाता है कि पहला ओपेरा प्रोडक्शन 1598 में जारी किया गया था। दुर्भाग्य से, संगीतकार जैकोपो पेरी और कवि ओटावियो रिनुकिनी द्वारा लिखित कृति "डाफ्ने" से, हमारे समय में केवल शीर्षक ही बचा है . लेकिन "यूरीडाइस" उन्हीं का है।, जो सबसे पुराना जीवित ओपेरा है। हालाँकि, आधुनिक समाज के लिए यह गौरवशाली कार्य अतीत की प्रतिध्वनि मात्र है। लेकिन 1607 में मंटुआन कोर्ट के लिए प्रसिद्ध क्लाउडियो मोंटेवेर्डी द्वारा लिखित ओपेरा "ऑर्फ़ियस" आज भी सिनेमाघरों में देखा जा सकता है। गोंजागा परिवार, जिसने उस समय मंटुआ पर शासन किया था, ने ओपेरा शैली के उद्भव में महत्वपूर्ण योगदान दिया।

नाटक रंगमंच

फ्लोरेंटाइन कैमराटा के सदस्यों को अपने समय का "विद्रोही" कहा जा सकता है। दरअसल, ऐसे युग में जब संगीत का फैशन चर्च द्वारा तय किया जाता है, उन्होंने समाज में स्वीकृत सौंदर्य मानदंडों को त्यागते हुए, ग्रीस के बुतपरस्त मिथकों और किंवदंतियों की ओर रुख किया और कुछ नया बनाया। हालाँकि, पहले भी, नाटकीय रंगमंच ने अपने असामान्य समाधान पेश किए थे। यह प्रवृत्ति पुनर्जागरण के दौरान फली-फूली।

प्रयोग करने और दर्शकों की प्रतिक्रिया पर ध्यान केंद्रित करने से इस शैली का विकास हुआ स्वयं की शैली. नाटक थियेटर के प्रतिनिधियों ने अपनी प्रस्तुतियों में संगीत और नृत्य का उपयोग किया। नई कला शैली अत्यंत लोकप्रिय थी। यह नाटकीय रंगमंच का प्रभाव था जिसने "संगीत के माध्यम से नाटक" को अभिव्यक्ति के एक नए स्तर तक पहुंचने में मदद की।

ओपेरा कला जारी रहीविकास करें और लोकप्रियता हासिल करें। हालाँकि, यह संगीत शैली वास्तव में वेनिस में विकसित हुई, जब 1637 में बेनेडेटो फेरारी और फ्रांसेस्को मानेली ने पहला सार्वजनिक ओपेरा हाउस, सैन कैसियानो खोला। इस घटना के लिए धन्यवाद, इस प्रकार के संगीत कार्य दरबारियों के लिए मनोरंजन नहीं रह गए और व्यावसायिक स्तर पर पहुंच गए। इस समय संगीत की दुनिया में कैस्ट्राटी और प्राइमा डोना का शासन शुरू हुआ।

विदेश में वितरण

17वीं शताब्दी के मध्य तक, अभिजात वर्ग के समर्थन से ओपेरा की कला एक अलग स्वतंत्र शैली और जनता के लिए सुलभ मनोरंजन के रूप में विकसित हो गई थी। यात्रा करने वाली मंडलियों की बदौलत, इस प्रकार का प्रदर्शन पूरे इटली में फैल गया और विदेशों में दर्शकों का दिल जीतने लगा।

विदेश में प्रस्तुत की जाने वाली शैली का पहला इतालवी प्रतिनिधित्व गैलाटिया कहा जाता था। इसका प्रदर्शन 1628 में वारसॉ शहर में किया गया था। कुछ ही समय बाद, अदालत में एक और काम प्रदर्शित किया गया - फ्रांसेस्का कैसिनी द्वारा "ला लिबरेज़ियोन डि रग्गिएरो डैल'आइसोला डी'अलसीना"। यह कृति महिलाओं द्वारा लिखित सबसे पुराना मौजूदा ओपेरा भी है।

फ्रांसेस्को कैवल्ली का जेसन 17वीं सदी का सबसे लोकप्रिय ओपेरा था. इस संबंध में, 1660 में उन्हें लुई XIV की शादी के लिए फ्रांस में आमंत्रित किया गया था। हालाँकि, उनकी "ज़ेरक्सेस" और "हरक्यूलिस इन लव" फ्रांसीसी जनता के बीच सफल नहीं रहीं।

एंटोनियो सेस्टी को ऑस्ट्रियाई हैब्सबर्ग परिवार के लिए एक ओपेरा लिखने के लिए कहा गया, लेकिन उन्हें बड़ी सफलता मिली। उनका भव्य प्रदर्शन "द गोल्डन एप्पल" दो दिनों तक चला। अभूतपूर्व सफलता ने यूरोपीय संगीत में इतालवी ओपेरा परंपरा के उदय को चिह्नित किया।

सेरिया और बफ़ा

18वीं शताब्दी में, सेरिया और बफ़ा जैसी ओपेरा शैलियों ने विशेष लोकप्रियता हासिल की। हालाँकि दोनों की उत्पत्ति नेपल्स में हुई, लेकिन दोनों शैलियाँ मूलभूत विरोधाभासों का प्रतिनिधित्व करती हैं। ओपेरा सेरिया का शाब्दिक अर्थ है "गंभीर ओपेरा"। यह क्लासिकवाद के युग का एक उत्पाद है, जिसने कला में शैली और टाइपिंग की शुद्धता को प्रोत्साहित किया। श्रृंखला निम्नलिखित गुणों से भिन्न है:

• ऐतिहासिक या पौराणिक विषय;
• एरियास पर सस्वर पाठों की प्रधानता;
• संगीत और पाठ की भूमिकाओं का पृथक्करण;
• न्यूनतम चरित्र अनुकूलन;
• स्थैतिक क्रिया.

इस शैली में सबसे सफल और प्रसिद्ध लिब्रेटिस्ट पिएत्रो मेटास्टासियो थे। विभिन्न संगीतकारों ने उनके सर्वश्रेष्ठ लिब्रेटो के आधार पर दर्जनों ओपेरा लिखे।

उसी समय, बफ़ा कॉमेडी शैली समानांतर और स्वतंत्र रूप से विकसित हो रही थी। यदि श्रृंखला अतीत की कहानियाँ बताती है, तो बफ़ा अपने कथानकों को आधुनिक और रोजमर्रा की स्थितियों के लिए समर्पित करता है। यह शैली लघु हास्य नाटकों से विकसित हुई, जिनका मंचन मुख्य प्रदर्शन के मध्यांतर के दौरान किया गया था और ये अलग-अलग कार्य थे। धीरे-धीरे इस प्रकार की कलालोकप्रियता हासिल की और इसे पूर्ण स्वतंत्र प्रदर्शन के रूप में साकार किया गया।

ग्लक सुधार

जर्मन संगीतकार क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक ने संगीत के इतिहास में अपना नाम मजबूती से अंकित किया। जब ओपेरा सेरिया यूरोप के मंचों पर हावी हो गया, तो उन्होंने लगातार ओपेरा कला के अपने दृष्टिकोण को बढ़ावा दिया। उनका मानना ​​था कि नाटक को शो पर राज करना चाहिए और संगीत, गायन और कोरियोग्राफी का काम इसे बढ़ावा देना और जोर देना होना चाहिए। ग्लुक ने तर्क दिया कि संगीतकारों को "सरल सुंदरता" के पक्ष में शानदार प्रदर्शन छोड़ देना चाहिए। ओपेरा के सभी तत्व एक दूसरे की निरंतरता होने चाहिए और एक एकल सामंजस्यपूर्ण कथानक का निर्माण करना चाहिए।

उन्होंने अपना सुधार 1762 में वियना में शुरू किया। लिब्रेटिस्ट रानिएरी डी कैलज़ाबिगी के साथ मिलकर उन्होंने तीन नाटकों का मंचन किया, लेकिन उन्हें कोई प्रतिक्रिया नहीं मिली। फिर 1773 में वह पेरिस गये। उनकी सुधार गतिविधियाँ 1779 तक चलीं और संगीत प्रेमियों के बीच काफी विवाद और अशांति पैदा हुई . ग्लुक के विचारों का बहुत प्रभाव पड़ाओपेरा शैली के विकास पर. वे 19वीं सदी के सुधारों में भी परिलक्षित हुए।

ओपेरा के प्रकार

इतिहास की चार शताब्दियों से भी अधिक समय में, ओपेरा शैली में कई बदलाव आए हैं और इसने संगीत जगत में बहुत कुछ लाया है। इस समय के दौरान, कई प्रकार के ओपेरा उभरे:

लेख की सामग्री

ओपेरा,संगीत पर आधारित नाटक या कॉमेडी। नाटकीय पाठ ओपेरा में गाए जाते हैं; गायन और स्टेज एक्शन लगभग हमेशा वाद्ययंत्र (आमतौर पर आर्केस्ट्रा) संगत के साथ होते हैं। कई ओपेरा की विशेषता आर्केस्ट्रा अंतराल (परिचय, निष्कर्ष, मध्यांतर, आदि) और बैले दृश्यों से भरे कथानक विराम की उपस्थिति भी है।

ओपेरा का जन्म एक कुलीन शगल के रूप में हुआ था, लेकिन जल्द ही यह आम जनता के लिए मनोरंजन बन गया। इस शैली के जन्म के ठीक चार दशक बाद, 1637 में वेनिस में पहला सार्वजनिक ओपेरा हाउस खोला गया। फिर ओपेरा तेजी से पूरे यूरोप में फैल गया। एक सार्वजनिक मनोरंजन के रूप में यह 19वीं और 20वीं शताब्दी की शुरुआत में अपने सबसे बड़े विकास पर पहुंच गया।

अपने पूरे इतिहास में, ओपेरा का अन्य संगीत शैलियों पर एक शक्तिशाली प्रभाव रहा है। सिम्फनी 18वीं शताब्दी के इतालवी ओपेरा के वाद्य परिचय से विकसित हुई। पियानो कॉन्सर्टो के गुणी मार्ग और ताल काफी हद तक कीबोर्ड उपकरण की बनावट में ऑपरेटिव स्वर के गुण को प्रतिबिंबित करने के प्रयास का फल हैं। 19 वीं सदी में भव्य "संगीत नाटक" के लिए उनके द्वारा बनाए गए आर. वैगनर के हार्मोनिक और आर्केस्ट्रा लेखन ने पूरी श्रृंखला के आगे के विकास को निर्धारित किया संगीतमय रूप, और यहां तक ​​कि 20वीं सदी में भी। कई संगीतकारों ने वैगनर के प्रभाव से मुक्ति को नए संगीत की ओर आंदोलन की मुख्य दिशा माना।

ओपेरा फॉर्म.

तथाकथित में ग्रैंड ओपेरा में, जो आज ओपेरा शैली का सबसे व्यापक प्रकार है, संपूर्ण पाठ गाया जाता है। कॉमिक ओपेरा में, गायन आमतौर पर बोले गए दृश्यों के साथ वैकल्पिक होता है। "कॉमिक ओपेरा" (फ्रांस में ओपेरा कॉमिक, इटली में ओपेरा बफ़ा, जर्मनी में सिंगस्पिल) नाम काफी हद तक मनमाना है, क्योंकि इस प्रकार के सभी कार्यों में कॉमिक सामग्री नहीं होती है ("कॉमिक ओपेरा" की एक विशिष्ट विशेषता उपस्थिति है) बोले गए संवादों का) हल्के, भावुक कॉमिक ओपेरा का प्रकार, जो पेरिस और वियना में व्यापक हो गया, उसे ओपेरेटा कहा जाने लगा; अमेरिका में इसे कहा जाता है संगीतमय कॉमेडी. ब्रॉडवे पर प्रसिद्धि पाने वाले संगीत (संगीत) वाले नाटक आमतौर पर यूरोपीय ओपेरा की तुलना में सामग्री में अधिक गंभीर होते हैं।

ओपेरा की ये सभी किस्में इस विश्वास पर आधारित हैं कि संगीत और विशेष रूप से गायन पाठ की नाटकीय अभिव्यक्ति को बढ़ाता है। सच है, कभी-कभी अन्य तत्वों ने ओपेरा में समान रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। इस प्रकार, कुछ निश्चित अवधियों के फ्रांसीसी ओपेरा में (और 19वीं शताब्दी में रूसी ओपेरा में), नृत्य और मनोरंजन पक्ष ने बहुत महत्वपूर्ण महत्व प्राप्त कर लिया; जर्मन लेखक अक्सर आर्केस्ट्रा वाले भाग को सहवर्ती भाग के रूप में नहीं, बल्कि स्वर के समकक्ष मानते हैं। लेकिन ओपेरा के पूरे इतिहास के पैमाने पर, गायन ने अभी भी एक प्रमुख भूमिका निभाई है।

यदि किसी ओपेरा प्रदर्शन में गायक अग्रणी होते हैं, तो ऑर्केस्ट्रा भाग फ्रेम बनाता है, कार्रवाई की नींव बनाता है, इसे आगे बढ़ाता है और दर्शकों को भविष्य की घटनाओं के लिए तैयार करता है। ऑर्केस्ट्रा गायकों का समर्थन करता है, चरमोत्कर्ष पर जोर देता है, लिब्रेटो में अंतराल भरता है या अपनी ध्वनि के साथ दृश्य परिवर्तन के क्षणों को भरता है, और अंत में पर्दा गिरने पर ओपेरा के समापन पर प्रदर्शन करता है।

अधिकांश ओपेरा में वाद्य परिचय होते हैं जो दर्शकों के लिए मंच तैयार करने में मदद करते हैं। 17वीं-19वीं शताब्दी में। इस तरह के परिचय को प्रस्ताव कहा जाता था। ओवरचर संक्षिप्त और स्वतंत्र संगीत कार्यक्रम थे, विषयगत रूप से ओपेरा से असंबंधित थे और इसलिए आसानी से बदले जा सकते थे। उदाहरण के लिए, किसी त्रासदी का प्रस्ताव पलमायरा में ऑरेलियनरॉसिनी बाद में एक कॉमेडी के प्रस्ताव के रूप में विकसित हुई सेविला का नाई. लेकिन 19वीं सदी के उत्तरार्ध में. संगीतकारों ने मूड की एकता और ओवरचर और ओपेरा के बीच विषयगत संबंध पर अधिक ध्यान देना शुरू कर दिया। परिचय का एक रूप (वॉर्सपील) सामने आया, उदाहरण के लिए वैगनर के दिवंगत संगीत नाटकों में, ओपेरा के मुख्य विषय (लिटमोटिफ़्स) शामिल हैं और सीधे कार्रवाई का परिचय देते हैं। "स्वायत्त" ऑपरेटिव ओवरचर के स्वरूप में गिरावट आई थी, और समय के साथ टोस्कापुक्किनी (1900), ओवरचर को केवल कुछ प्रारंभिक स्वरों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा सकता था। 20वीं सदी के कई ओपेरा में। स्टेज एक्शन के लिए किसी भी तरह की संगीत संबंधी तैयारी नहीं की गई है।

तो, ऑपरेटिव क्रिया ऑर्केस्ट्रा फ्रेम के भीतर विकसित होती है। लेकिन चूंकि ओपेरा का सार गायन है, नाटक के उच्चतम क्षण एरिया, युगल और अन्य पारंपरिक रूपों के पूर्ण रूपों में प्रतिबिंबित होते हैं जहां संगीत सामने आता है। अरिया एक एकालाप की तरह है, एक युगल एक संवाद की तरह है; तिकड़ी आमतौर पर अन्य दो प्रतिभागियों के संबंध में एक पात्र की परस्पर विरोधी भावनाओं का प्रतीक है। आगे की जटिलता के साथ, विभिन्न सामूहिक रूप उत्पन्न होते हैं - जैसे कि चौकड़ी रिगोलेटोवर्डी या सेक्सेट इन लूसिया डि लैमरमूरडोनिज़ेट्टी। ऐसे रूपों का परिचय आमतौर पर एक (या अधिक) भावनाओं के विकास के लिए जगह देने की कार्रवाई को रोक देता है। केवल गायकों का एक समूह, एक समूह में एकजुट होकर, समसामयिक घटनाओं पर कई दृष्टिकोण व्यक्त कर सकता है। कभी-कभी गाना बजानेवालों का दल ओपेरा पात्रों के कार्यों पर टिप्पणीकार के रूप में कार्य करता है। सामान्य तौर पर, ओपेरा गायन में पाठ अपेक्षाकृत धीरे-धीरे बोला जाता है, और श्रोता को सामग्री समझने योग्य बनाने के लिए वाक्यांशों को अक्सर दोहराया जाता है।

अरिआस स्वयं एक ओपेरा का गठन नहीं करते हैं। शास्त्रीय प्रकार के ओपेरा में, दर्शकों तक कथानक को संप्रेषित करने और क्रिया को विकसित करने का मुख्य साधन सस्वर पाठ है: मुक्त मीटर में तेज, मधुर उद्घोषणा, सरल तारों द्वारा समर्थित और प्राकृतिक भाषण स्वरों पर आधारित। कॉमिक ओपेरा में, सस्वर पाठ को अक्सर संवाद द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। जो श्रोता बोले गए पाठ का अर्थ नहीं समझते, उन्हें सस्वर पाठ उबाऊ लग सकता है, लेकिन ओपेरा की सार्थक संरचना में यह अक्सर अपरिहार्य होता है।

सभी ओपेरा सस्वर पाठन और एरिया के बीच एक स्पष्ट रेखा नहीं खींच सकते। उदाहरण के लिए, वैगनर ने संगीत क्रिया के निरंतर विकास के लक्ष्य के साथ पूर्ण स्वर रूपों को त्याग दिया। इस नवाचार को कई संगीतकारों द्वारा विभिन्न संशोधनों के साथ अपनाया गया। रूसी धरती पर, एक सतत "संगीत नाटक" का विचार, वैगनर के स्वतंत्र रूप से, पहली बार ए.एस. द्वारा परीक्षण किया गया था पत्थर अतिथिऔर एम.पी. मुसॉर्स्की शादी- उन्होंने इस रूप को "संवादात्मक ओपेरा", ओपेरा संवाद कहा।

नाटक के रूप में ओपेरा.

ओपेरा की नाटकीय सामग्री न केवल लिब्रेटो में, बल्कि संगीत में भी सन्निहित है। ओपेरा शैली के रचनाकारों ने अपने कार्यों को नाटक प्रति संगीत कहा - "संगीत में व्यक्त नाटक।" ओपेरा गीतों और नृत्यों के एक नाटक से कहीं अधिक है। नाटकीय नाटक आत्मनिर्भर है; संगीत के बिना ओपेरा नाटकीय एकता का ही एक हिस्सा है। यह बात बोले गए दृश्यों वाले ओपेरा पर भी लागू होती है। इस प्रकार के कार्यों में - उदाहरण के लिए, में मैनन लेस्कॉटजे. मैसेनेट - संगीतमय संख्याएँ अभी भी एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती हैं।

यह अत्यंत दुर्लभ है कि किसी ओपेरा लिब्रेटो का नाटकीय नाटक के रूप में मंचन किया जा सके। यद्यपि नाटक की सामग्री शब्दों में व्यक्त की जाती है और विशिष्ट मंच तकनीक मौजूद होती है, संगीत के बिना कुछ महत्वपूर्ण खो जाता है - कुछ ऐसा जिसे केवल संगीत द्वारा ही व्यक्त किया जा सकता है। इसी कारण से, केवल कभी-कभी नाटकीय नाटकों को लिब्रेटो के रूप में उपयोग किया जा सकता है, पहले पात्रों की संख्या को कम किए बिना, कथानक और मुख्य पात्रों को सरल बनाए बिना। हमें संगीत को सांस लेने के लिए जगह छोड़नी चाहिए, इसे खुद को दोहराना चाहिए, आर्केस्ट्रा एपिसोड बनाना चाहिए, नाटकीय स्थितियों के आधार पर मूड और रंग बदलना चाहिए। और चूंकि गायन से अभी भी शब्दों के अर्थ को समझना मुश्किल हो जाता है, लिब्रेटो का पाठ इतना स्पष्ट होना चाहिए कि गायन के दौरान इसे समझा जा सके।

इस प्रकार, ओपेरा शाब्दिक समृद्धि और अच्छे रूप के परिष्कार को अपने अधीन कर लेता है नाटकीय खेल, लेकिन इस क्षति की भरपाई अवसरों से करता है खुद की भाषा, जो श्रोताओं की भावनाओं को सीधे प्रभावित करता है। तो, साहित्यिक स्रोत मैडम तितलीपक्कीनी - एक गीशा और एक अमेरिकी नौसैनिक अधिकारी के बारे में डी. बेलास्को का नाटक निराशाजनक रूप से पुराना है, और पक्कीनी के संगीत में व्यक्त प्रेम और विश्वासघात की त्रासदी समय के साथ फीकी नहीं पड़ी है।

ओपेरा संगीत की रचना करते समय, अधिकांश संगीतकारों ने कुछ परंपराओं का पालन किया। उदाहरण के लिए, आवाज़ों या वाद्ययंत्रों के उच्च रजिस्टरों के उपयोग का अर्थ था "जुनून", असंगत स्वर-संगति ने "डर" व्यक्त किया। इस तरह के सम्मेलन मनमाने नहीं थे: लोग आम तौर पर उत्तेजित होने पर अपनी आवाज़ उठाते हैं, और डर की शारीरिक अनुभूति असंगत होती है। लेकिन अनुभवी ओपेरा संगीतकारों ने संगीत में नाटकीय सामग्री को व्यक्त करने के लिए अधिक सूक्ष्म साधनों का उपयोग किया। मधुर पंक्तिइसे उन शब्दों के साथ व्यवस्थित रूप से मेल खाना था जिन पर यह रखा गया था; हार्मोनिक लेखन को भावनाओं के उतार-चढ़ाव को प्रतिबिंबित करना चाहिए था। तीव्र विस्मयादिबोधक दृश्यों, औपचारिक पहनावे, प्रेम युगल और अरिया के लिए अलग-अलग लयबद्ध मॉडल बनाना आवश्यक था। ऑर्केस्ट्रा की अभिव्यंजक क्षमताओं, जिसमें समय और विभिन्न उपकरणों से जुड़ी अन्य विशेषताएं शामिल हैं, को भी नाटकीय उद्देश्यों की सेवा में रखा गया था।

हालाँकि, नाटकीय अभिव्यक्ति ओपेरा में संगीत का एकमात्र कार्य नहीं है। एक ओपेरा संगीतकार दो विरोधाभासी कार्यों को हल करता है: नाटक की सामग्री को व्यक्त करना और दर्शकों को आनंद देना। प्रथम उद्देश्य के अनुसार संगीत नाटक की सेवा करता है; दूसरे के अनुसार संगीत आत्मनिर्भर है। कई महान ओपेरा संगीतकारों - ग्लक, वैगनर, मुसॉर्स्की, आर. स्ट्रॉस, पुकिनी, डेब्यूसी, बर्ग - ने ओपेरा में अभिव्यंजक, नाटकीय तत्व पर जोर दिया। अन्य लेखकों से, ओपेरा ने अधिक काव्यात्मक, संयमित, चैम्बर स्वरूप प्राप्त किया। उनकी कला हाफ़टोन की सूक्ष्मता से चिह्नित है और सार्वजनिक स्वाद में बदलाव पर कम निर्भर है। गीतकार संगीतकारों को गायकों से प्यार होता है, क्योंकि यद्यपि एक ओपेरा गायक को कुछ हद तक एक अभिनेता होना चाहिए, उसका मुख्य कार्य पूरी तरह से संगीतमय है: उसे संगीत पाठ को सटीक रूप से पुन: पेश करना चाहिए, ध्वनि को आवश्यक रंग देना चाहिए, और वाक्यांश को खूबसूरती से देना चाहिए। गीतात्मक लेखकों में 18वीं सदी के नियपोलिटन, हैंडेल, हेडन, रॉसिनी, डोनिज़ेट्टी, बेलिनी, वेबर, गुनोद, मस्ने, त्चिकोवस्की और रिमस्की-कोर्साकोव शामिल हैं। दुर्लभ लेखकों ने नाटकीय और गीतात्मक तत्वों का लगभग पूर्ण संतुलन हासिल किया, उनमें मोंटेवेर्डी, मोजार्ट, बिज़ेट, वर्डी, जानसेक और ब्रिटन शामिल हैं।

ओपेरा प्रदर्शनों की सूची।

पारंपरिक ऑपरेटिव प्रदर्शनों की सूची में मुख्य रूप से 19वीं शताब्दी के कार्य शामिल हैं। और 18वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत के कई ओपेरा। स्वच्छंदतावाद ने, उत्कृष्ट कार्यों और दूर देशों के प्रति अपने आकर्षण के साथ, पूरे यूरोप में ओपेरा के विकास में योगदान दिया; मध्यम वर्ग के विकास से ओपेरा भाषा में लोक तत्वों का प्रवेश हुआ और ओपेरा को एक बड़ा और प्रशंसनीय दर्शक वर्ग मिला।

पारंपरिक प्रदर्शनों की सूची ओपेरा की संपूर्ण शैली विविधता को दो बहुत ही व्यापक श्रेणियों - "त्रासदी" और "कॉमेडी" तक सीमित कर देती है। पहले को आमतौर पर दूसरे की तुलना में अधिक व्यापक रूप से दर्शाया जाता है। आज प्रदर्शनों की सूची का आधार इतालवी और जर्मन ओपेरा, विशेष रूप से "त्रासदियों" से बना है। "कॉमेडी" के क्षेत्र में, इतालवी ओपेरा, या कम से कम इतालवी (उदाहरण के लिए, मोजार्ट के ओपेरा) प्रमुख हैं। पारंपरिक प्रदर्शनों की सूची में कुछ फ्रांसीसी ओपेरा हैं, और वे आमतौर पर इतालवी शैली में प्रदर्शित किए जाते हैं। कई रूसी और चेक ओपेरा प्रदर्शनों की सूची में अपना स्थान रखते हैं, लगभग हमेशा अनुवाद में प्रदर्शन किया जाता है। सामान्य तौर पर, बड़ी ओपेरा कंपनियाँ मूल भाषा में काम करने की परंपरा का पालन करती हैं।

प्रदर्शनों की सूची का मुख्य नियामक लोकप्रियता और फैशन है। कुछ प्रकार की आवाज़ों की व्यापकता और खेती एक निश्चित भूमिका निभाती है, हालाँकि कुछ ओपेरा (जैसे) ऐदावर्डी) का प्रदर्शन अक्सर इस बात पर ध्यान दिए बिना किया जाता है कि आवश्यक आवाजें उपलब्ध हैं या नहीं (उत्तरार्द्ध अधिक सामान्य है)। ऐसे युग में जब कलाप्रवीण रंगीन भूमिकाओं और रूपक कथानक वाले ओपेरा फैशन से बाहर हो गए, कुछ लोगों ने उनके उत्पादन की उचित शैली की परवाह की। उदाहरण के लिए, हैंडेल के ओपेरा को तब तक उपेक्षित रखा गया जब तक कि प्रसिद्ध गायक जोन सदरलैंड और अन्य लोगों ने उनका प्रदर्शन शुरू नहीं किया। और यहां बात न केवल "नई" जनता की है जिसने इन ओपेरा की सुंदरता की खोज की, बल्कि उपस्थिति की भी है बड़ी मात्राउच्च गायन संस्कृति वाले गायक जो परिष्कृत ओपेरा भूमिकाओं का सामना कर सकते हैं। उसी तरह, चेरुबिनी और बेलिनी के काम का पुनरुद्धार उनके ओपेरा के शानदार प्रदर्शन और पुराने कार्यों के "नएपन" की खोज से प्रेरित था। आरंभिक बारोक के संगीतकारों, विशेष रूप से मोंटेवेर्डी, बल्कि पेरी और स्कारलाटी को भी इसी तरह अस्पष्टता से बाहर लाया गया।

ऐसे सभी पुनरुद्धारों के लिए टिप्पणी प्रकाशनों की आवश्यकता होती है, विशेष रूप से 17वीं शताब्दी के लेखकों द्वारा इंस्ट्रूमेंटेशन और कार्यों पर गतिशील सिद्धांतजिसके बारे में हमें सटीक जानकारी नहीं है. तथाकथित में अंतहीन दोहराव। नियपोलिटन स्कूल और हैंडेल के ओपेरा में एरियस दा कैपो हमारे समय में काफी थकाऊ हैं - डाइजेस्ट का समय। एक आधुनिक श्रोता के लिए 19वीं शताब्दी के फ्रांसीसी भव्य ओपेरा के भी श्रोताओं के जुनून को साझा करने में सक्षम होने की संभावना नहीं है। (रॉसिनी, स्पोंटिनी, मेयरबीर, हेलेवी) मनोरंजन के लिए जिसने पूरी शाम ली (इसलिए, ओपेरा का पूरा स्कोर फर्नांडो कोर्टेसस्पोंटिनी 5 घंटे तक खेलता है, मध्यांतर को छोड़कर)। अक्सर ऐसे मामले होते हैं जब स्कोर और उसके आयामों में अंधेरे स्थान कंडक्टर या निर्देशक को काटने, संख्याओं को पुनर्व्यवस्थित करने, सम्मिलन करने और यहां तक ​​​​कि नए टुकड़ों में लिखने के प्रलोभन में ले जाते हैं, अक्सर इतने अनाड़ी रूप से कि केवल उस काम का एक दूर का रिश्तेदार दिखाई देता है जो दिखाई देता है कार्यक्रम जनता के सामने आता है।

गायक.

ओपेरा गायकों को उनकी आवाज की सीमा के अनुसार आमतौर पर छह प्रकारों में विभाजित किया जाता है। तीन महिला प्रकारआवाज़ें, ऊँची से नीची तक - सोप्रानो, मेज़ो-सोप्रानो, कॉन्ट्राल्टो (इन दिनों उत्तरार्द्ध दुर्लभ है); तीन पुरुष - टेनर, बैरिटोन, बास। प्रत्येक प्रकार में आवाज की गुणवत्ता और गायन शैली के आधार पर कई उपप्रकार हो सकते हैं। लिरिक-कलरेटुरा सोप्रानो को हल्की और असाधारण रूप से फुर्तीली आवाज से पहचाना जाता है; ऐसे गायक उत्कृष्ट मार्ग, तेज स्केल, ट्रिल और अन्य अलंकरण करने में सक्षम हैं। गीत-नाटकीय (लिरिको स्पिंटो) सोप्रानो अत्यधिक चमक और सुंदरता की आवाज है। नाटकीय सोप्रानो का समय समृद्ध और मजबूत है। गीतात्मक और नाटकीय स्वरों के बीच का अंतर स्वरों पर भी लागू होता है। बेस के दो मुख्य प्रकार हैं: "गंभीर" भागों के लिए "गायन बास" (बासो कैंटांटे) और कॉमिक बास (बासो बफ़ो)।

धीरे-धीरे, एक निश्चित भूमिका के लिए गायन का समय चुनने के नियम बनाए गए। मुख्य पात्रों और नायिकाओं की भूमिकाएँ आमतौर पर टेनर्स और सोप्रानो को सौंपी जाती थीं। सामान्य तौर पर, पात्र जितना पुराना और अधिक अनुभवी होगा, उसकी आवाज़ उतनी ही धीमी होनी चाहिए। एक मासूम युवा लड़की - जैसे कि गिल्डा इन रिगोलेटोवर्डी एक गीतकार सोप्रानो है, और सेंट-सेन्स ओपेरा में कपटी मोहक डेलिलाह है सैमसन और डेलिलाह– मेज़ो-सोप्रानो. मोजार्ट के ऊर्जावान और मजाकिया नायक फिगारो की भूमिका फिगारो की शादियाँऔर रॉसिनीव्स्की सेविला का नाईबैरिटोन के लिए दोनों संगीतकारों द्वारा लिखा गया, हालांकि मुख्य पात्र के हिस्से के रूप में, फिगारो का हिस्सा पहले टेनर के लिए होना चाहिए था। किसानों, जादूगरों, परिपक्व लोगों, शासकों और बूढ़े लोगों के हिस्से आमतौर पर बास-बैरिटोन (उदाहरण के लिए, मोजार्ट के ओपेरा में डॉन जियोवानी) या बास (मुसॉर्स्की में बोरिस गोडुनोव) के लिए बनाए गए थे।

सार्वजनिक रुचि में बदलाव ने ऑपरेटिव गायन शैलियों के निर्माण में भूमिका निभाई। ध्वनि उत्पादन की तकनीक, वाइब्रेटो ("सोब") की तकनीक सदियों से बदल गई है। जे. पेरी (1561-1633), गायक और सबसे पहले आंशिक रूप से संरक्षित ओपेरा के लेखक ( Daphne), संभवतः एक तथाकथित सफ़ेद आवाज़ के साथ गाया गया - अपेक्षाकृत समान, अपरिवर्तित शैली में, बहुत कम या कोई कंपन के साथ - एक उपकरण के रूप में आवाज़ की व्याख्या के अनुसार, जो पुनर्जागरण के अंत तक फैशन में था।

18वीं सदी के दौरान. गुणी गायक का पंथ विकसित हुआ - पहले नेपल्स में, फिर पूरे यूरोप में। इस समय, ओपेरा में मुख्य पात्र की भूमिका एक पुरुष सोप्रानो द्वारा निभाई गई थी - एक कैस्ट्रेटो, यानी, एक लकड़ी जिसका प्राकृतिक परिवर्तन बधियाकरण द्वारा रोक दिया गया था। कास्त्राती गायकों ने अपनी आवाज़ की सीमा और गतिशीलता को उस सीमा तक पहुँचाया जो संभव था। ओपेरा सितारे जैसे कैस्ट्रेटो फ़ारिनेली (सी. ब्रोस्ची, 1705-1782), जिनके सोप्रानो को तुरही की ध्वनि से बेहतर माना जाता था, या मेज़ो-सोप्रानो एफ. बोर्डोनी, जिनके बारे में कहा जाता था कि वे ध्वनि को बनाए रखने में सक्षम थे दुनिया के किसी भी गायक से अधिक लंबे समय तक, उन संगीतकारों को पूरी तरह से अपनी महारत के अधीन कर लिया जिनका संगीत उन्होंने प्रस्तुत किया था। उनमें से कुछ ने स्वयं ओपेरा की रचना की और ओपेरा मंडली (फ़ारिनेली) का निर्देशन किया। यह मान लिया गया कि गायकों ने संगीतकार द्वारा रचित धुनों को अपने तात्कालिक आभूषणों से सजाया, बिना इस बात पर ध्यान दिए कि ऐसी सजावट ओपेरा की कथानक स्थिति के अनुकूल थी या नहीं। किसी भी प्रकार की आवाज़ के मालिक को तेज़ मार्ग और ट्रिल निष्पादित करने के लिए प्रशिक्षित किया जाना चाहिए। उदाहरण के लिए, रॉसिनी के ओपेरा में, टेनर को सोप्रानो से भी बदतर रंगतुरा तकनीक में महारत हासिल करनी चाहिए। 20वीं सदी में ऐसी कला का पुनरुद्धार। रॉसिनी के विविध संचालन कार्य को नया जीवन देना संभव हो गया।

18वीं सदी की एक मात्र गायन शैली. कॉमिक बेस की शैली आज तक लगभग अपरिवर्तित है, क्योंकि सरल प्रभाव और तेज़ बातचीत व्यक्तिगत व्याख्याओं, संगीत या मंच के लिए बहुत कम जगह छोड़ते हैं; शायद डी. पेर्गोलेसी (1749-1801) की स्क्वेयर कॉमेडीज़ 200 साल पहले की तुलना में अब कम बार प्रदर्शित की जाती हैं। बातूनी, गर्म स्वभाव वाला बूढ़ा आदमी ओपेरा परंपरा में एक अत्यधिक सम्मानित व्यक्ति है, जो मुखर विदूषक के लिए प्रवण बास के लिए एक पसंदीदा भूमिका है।

बेल कैंटो की शुद्ध गायन शैली, सभी रंगों से झिलमिलाती हुई, 18वीं सदी के उत्तरार्ध और 19वीं सदी के पूर्वार्द्ध के मोजार्ट, रॉसिनी और अन्य ओपेरा संगीतकारों को बहुत प्रिय थी, 19वीं सदी के उत्तरार्ध में। धीरे-धीरे गायन की अधिक सशक्त और नाटकीय शैली का मार्ग प्रशस्त हुआ। आधुनिक हार्मोनिक और आर्केस्ट्रा लेखन के विकास ने धीरे-धीरे ओपेरा में ऑर्केस्ट्रा के कार्य को बदल दिया: संगतकार से नायक तक, और परिणामस्वरूप गायकों को ज़ोर से गाने की ज़रूरत थी ताकि उनकी आवाज़ वाद्ययंत्रों से दब न जाए। इस प्रवृत्ति की शुरुआत जर्मनी में हुई, लेकिन इसने इतालवी सहित सभी यूरोपीय ओपेरा को प्रभावित किया। जर्मन "वीर टेनर" (हेल्डेंटेनोर) स्पष्ट रूप से वैगनर के ऑर्केस्ट्रा के साथ द्वंद्वयुद्ध करने में सक्षम आवाज की आवश्यकता से पैदा हुआ था। वर्डी के दिवंगत कार्यों और उनके अनुयायियों के ओपेरा के लिए "मजबूत" (डि फोर्ज़ा) टेनर और ऊर्जावान नाटकीय (स्पिंटो) सोप्रानोस की आवश्यकता होती है। रोमांटिक ओपेरा की मांगें कभी-कभी ऐसी व्याख्याओं को भी जन्म देती हैं जो संगीतकार द्वारा व्यक्त किए गए इरादों के विपरीत लगती हैं। इस प्रकार, आर. स्ट्रॉस ने इसी नाम के अपने ओपेरा में सैलोम के बारे में "इसोल्डे की आवाज वाली 16 वर्षीय लड़की" के रूप में सोचा। हालाँकि, ओपेरा का वाद्ययंत्र इतना सघन है कि मुख्य भूमिका निभाने के लिए परिपक्व मैट्रन गायकों की आवश्यकता होती है।

अतीत के प्रसिद्ध ओपेरा सितारों में ई. कारुसो (1873-1921, शायद सबसे अधिक) हैं लोकप्रिय गायकइतिहास में), जे. फर्रार (1882-1967, जिनका न्यूयॉर्क में प्रशंसकों का एक समूह हमेशा अनुसरण करता था), एफ.आई. चालियापिन (1873-1938, शक्तिशाली बास, रूसी यथार्थवाद के स्वामी), के. फ्लैगस्टैड (1895-1962, नॉर्वे से वीर सोप्रानो) और कई अन्य। अगली पीढ़ी में उनका स्थान एम. कैलास (1923-1977), बी. निल्सन (जन्म 1918), आर. टेबाल्डी (1922-2004), जे. सदरलैंड (जन्म 1926), एल. प्राइस (जन्म) ने ले लिया। 1927 ), बी. सिल्स (बी. 1929), सी. बार्टोली (1966), आर. टकर (1913-1975), टी. गोब्बी (1913-1984), एफ. कोरेली (बी. 1921), सी. सिएपी ( बी. 1923), जे. विकर्स (बी. 1926), एल. पावरोटी (बी. 1935), एस. मिल्नेस (बी. 1935), पी. डोमिंगो (बी. 1941), जे. कैरेरास (बी. 1946) .

ओपेरा हाउस.

कुछ ओपेरा हाउस की इमारतें एक विशेष प्रकार के ओपेरा से जुड़ी होती हैं, और कुछ मामलों में, वास्तव में, थिएटर की वास्तुकला एक या दूसरे प्रकार के ओपेरा प्रदर्शन द्वारा निर्धारित की जाती थी। इस प्रकार, पेरिस का "ओपेरा" (रूस में "ग्रैंड ओपेरा" नाम अटका हुआ है) 1862-1874 (वास्तुकार सी. गार्नियर) में इसकी वर्तमान इमारत के निर्माण से बहुत पहले एक उज्ज्वल तमाशा के लिए बनाया गया था: महल की सीढ़ियाँ और फ़ोयर थे इसे ऐसे डिज़ाइन किया गया है कि यह मंच पर होने वाले बैले और शानदार जुलूसों के दृश्यों के साथ प्रतिस्पर्धा करेगा। बेयरुथ के बवेरियन शहर में "हाउस ऑफ़ सेरेमोनियल परफॉरमेंस" (फेस्टस्पीलहॉस) 1876 में वैगनर द्वारा अपने महाकाव्य "संगीत नाटक" के मंचन के लिए बनाया गया था। प्राचीन यूनानी एम्फ़ीथिएटर के दृश्यों पर आधारित इसके मंच में बहुत गहराई है, और ऑर्केस्ट्रा ऑर्केस्ट्रा गड्ढे में स्थित है और दर्शकों से छिपा हुआ है, जिसके कारण ध्वनि बिखरी हुई है और गायक को अपनी आवाज़ पर दबाव डालने की आवश्यकता नहीं है। न्यूयॉर्क में मूल मेट्रोपॉलिटन ओपेरा भवन (1883) को एक शोकेस के रूप में डिजाइन किया गया था सर्वश्रेष्ठ गायकशांति और सम्मानजनक लॉज ग्राहकों के लिए। हॉल इतना गहरा है कि इसके हीरे के घोड़े की नाल के बक्से आगंतुकों को अपेक्षाकृत उथले मंच की तुलना में एक-दूसरे को देखने के अधिक अवसर प्रदान करते हैं।

ओपेरा हाउस की उपस्थिति, एक दर्पण की तरह, एक घटना के रूप में ओपेरा के इतिहास को दर्शाती है सार्वजनिक जीवन. इसकी उत्पत्ति कुलीन वर्ग में प्राचीन ग्रीक थिएटर के पुनरुद्धार में निहित है: सबसे पुराना जीवित ओपेरा हाउस, ओलम्पिको (1583), जो विसेंज़ा में ए. पल्लाडियो द्वारा बनाया गया था, इसी अवधि से मेल खाता है। इसकी वास्तुकला - बारोक समाज का एक सूक्ष्म जगत - एक विशिष्ट घोड़े की नाल के आकार की योजना पर आधारित है, जिसमें केंद्र से बाहर की ओर फैले बक्से के स्तर हैं - शाही बॉक्स। इसी तरह की योजना थिएटर ला स्काला (1788, मिलान), ला फेनिस (1792, 1992 में जला दिया गया, वेनिस), सैन कार्लो (1737, नेपल्स), कोवेंट गार्डन (1858, लंदन) की इमारतों में संरक्षित है। कम बक्सों के साथ, लेकिन स्टील सपोर्ट के कारण गहरे स्तरों के साथ, इस योजना का उपयोग ब्रुकलिन एकेडमी ऑफ म्यूजिक (1908) जैसे अमेरिकी ओपेरा हाउसों में किया गया था। ओपेरा हाउससैन फ्रांसिस्को (1932) और शिकागो (1920) में। न्यूयॉर्क के लिंकन सेंटर (1966) और सिडनी ओपेरा हाउस (1973, ऑस्ट्रेलिया) में नए मेट्रोपॉलिटन ओपेरा भवन द्वारा अधिक आधुनिक समाधान प्रदर्शित किए गए हैं।

लोकतांत्रिक दृष्टिकोण वैगनर की विशेषता है। उन्होंने दर्शकों से अधिकतम एकाग्रता की मांग की और एक थिएटर बनाया जहां बिल्कुल भी बक्से नहीं थे, और सीटें नीरस निरंतर पंक्तियों में व्यवस्थित थीं। सख्त बेयरुथ इंटीरियर को केवल म्यूनिख प्रिंज़्रेजेंट थिएटर (1909) में दोहराया गया था; यहां तक ​​कि द्वितीय विश्व युद्ध के बाद बनाए गए जर्मन थिएटर भी पहले के उदाहरणों की याद दिलाते हैं। हालाँकि, वैगनर के विचार ने अखाड़े की अवधारणा की दिशा में आंदोलन में योगदान दिया है, अर्थात। बिना प्रोसेनियम के थिएटर, जो कुछ लोगों द्वारा पेश किया जाता है आधुनिक वास्तुकार(प्रोटोटाइप - प्राचीन रोमन सर्कस): ओपेरा को इन नई परिस्थितियों में खुद को ढालने के लिए छोड़ दिया गया है। वेरोना में रोमन एम्फीथिएटर ऐसे स्मारकीय ओपेरा प्रदर्शनों के मंचन के लिए उपयुक्त है ऐदावर्डी और विलियम टेलरोसिनी।

ओपेरा उत्सव.

वैगनर की ओपेरा अवधारणा का एक महत्वपूर्ण तत्व बेयरुथ की ग्रीष्मकालीन तीर्थयात्रा है। इस विचार को उठाया गया: 1920 के दशक में, ऑस्ट्रियाई शहर साल्ज़बर्ग ने मुख्य रूप से मोजार्ट के ओपेरा को समर्पित एक उत्सव का आयोजन किया, और इस परियोजना को लागू करने के लिए निर्देशक एम. रेनहार्ड्ट और कंडक्टर ए. टोस्कानिनी जैसे प्रतिभाशाली लोगों को आमंत्रित किया। 1930 के दशक के मध्य से, मोजार्ट के ऑपरेटिव कार्य ने अंग्रेजी ग्लाइंडबॉर्न महोत्सव की उपस्थिति को निर्धारित किया है। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, म्यूनिख में एक उत्सव सामने आया, जो मुख्य रूप से आर. स्ट्रॉस के काम को समर्पित था। फ़्लोरेंस फ़्लोरेंटाइन म्यूज़िकल मई की मेजबानी करता है, जहाँ प्रारंभिक और आधुनिक दोनों ओपेरा को कवर करते हुए एक बहुत व्यापक प्रदर्शनों का प्रदर्शन किया जाता है।

कहानी

ओपेरा की उत्पत्ति.

ऑपरेटिव शैली का पहला उदाहरण जो हमारे सामने आया है यूरीडाइसजे. पेरी (1600) फ्रांसीसी राजा हेनरी चतुर्थ और मैरी डे मेडिसी की शादी के अवसर पर फ्लोरेंस में बनाई गई एक मामूली कृति है। जैसा कि अपेक्षित था, दरबार के करीबी एक युवा गायक और मैड्रिगलिस्ट को इस गंभीर कार्यक्रम के लिए संगीत प्रदान करने के लिए नियुक्त किया गया था। लेकिन पेरी ने देहाती विषय पर सामान्य मैड्रिगल चक्र प्रस्तुत नहीं किया, बल्कि कुछ बिल्कुल अलग प्रस्तुत किया। संगीतकार फ्लोरेंटाइन कैमराटा का सदस्य था - वैज्ञानिकों, कवियों और संगीत प्रेमियों का एक समूह। बीस वर्षों तक, कैमराटा के सदस्यों ने इस प्रश्न का अध्ययन किया कि प्राचीन यूनानी त्रासदियों को कैसे अंजाम दिया गया था। वे इस निष्कर्ष पर पहुंचे कि ग्रीक अभिनेताओं ने पाठ का उच्चारण विशेष उद्घोषणात्मक तरीके से किया, जो भाषण और वास्तविक गायन के बीच का कुछ है। लेकिन एक भूली हुई कला को पुनर्जीवित करने में इन प्रयोगों का वास्तविक परिणाम एक नए प्रकार का एकल गायन था, जिसे "मोनोडी" कहा जाता था: मोनोडी को सबसे सरल संगत के साथ मुक्त लय में प्रस्तुत किया गया था। इसलिए, पेरी और उनके लिब्रेटिस्ट ओ. रिनुकिनी ने ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस की कहानी को एक गायन में बताया, जिसे एक छोटे ऑर्केस्ट्रा के तारों द्वारा समर्थित किया गया था, बल्कि सात वाद्ययंत्रों का एक समूह था, और फ्लोरेंटाइन पलाज़ो पिट्टी में नाटक प्रस्तुत किया। यह कैमराटा का दूसरा ओपेरा था; पहले स्कोर करें, Daphneपेरी (1598), संरक्षित नहीं।

आरंभिक ओपेरा के पूर्ववर्ती थे। सात शताब्दियों तक चर्च ने साहित्यिक नाटक जैसे कि खेती की डैनियल के बारे में खेलजहां विभिन्न वाद्ययंत्रों की संगत के साथ एकल गायन हुआ। 16वीं सदी में अन्य संगीतकारों ने, विशेष रूप से ए. गैब्रिएली और ओ. वेक्ची ने, धर्मनिरपेक्ष कोरस या मैड्रिगल्स को कथानक चक्रों में संयोजित किया। लेकिन फिर भी, पेरी और रिनुकिनी से पहले, कोई एकात्मक धर्मनिरपेक्ष संगीत-नाटकीय रूप नहीं था। उनका कार्य प्राचीन यूनानी त्रासदी का पुनरुद्धार नहीं था। यह कुछ और लेकर आया - एक नई व्यवहार्य थिएटर शैली का जन्म हुआ।

हालाँकि, प्रति संगीत नाटक की शैली की संभावनाओं का पूरा खुलासा, फ्लोरेंटाइन कैमराटा द्वारा सामने रखा गया, एक अन्य संगीतकार के काम में हुआ। पेरी की तरह, सी. मोंटेवेर्डी (1567-1643) एक कुलीन परिवार का शिक्षित व्यक्ति था, लेकिन पेरी के विपरीत, वह एक पेशेवर संगीतकार था। क्रेमोना के मूल निवासी, मोंटेवेर्डी मंटुआ में विन्सेन्ज़ो गोंजागा के दरबार में प्रसिद्ध हो गए और अपने जीवन के अंत तक उन्होंने सेंट कैथेड्रल के गायक मंडल का नेतृत्व किया। वेनिस में टिकट. सात साल बाद यूरीडाइसपेरी, उन्होंने ऑर्फ़ियस की किंवदंती का अपना संस्करण बनाया - ऑर्फियस की कहानी. ये कृतियाँ एक-दूसरे से उसी प्रकार भिन्न होती हैं जैसे एक दिलचस्प प्रयोग किसी उत्कृष्ट कृति से भिन्न होता है। मोंटेवेर्डी ने ऑर्केस्ट्रा का आकार पांच गुना बढ़ा दिया, प्रत्येक पात्र को वाद्ययंत्रों का अपना समूह दिया, और एक प्रस्तावना के साथ ओपेरा की शुरुआत की। उनके सस्वर पाठन ने न केवल ए. स्ट्रिडज़ो के पाठ को स्वर दिया, बल्कि अपना जीवन भी जिया कलात्मक जीवन. मोंटेवेर्डी की हार्मोनिक भाषा नाटकीय विरोधाभासों से भरी है और आज भी अपनी निर्भीकता और सुरम्यता से प्रभावित करती है।

मोंटेवेर्डी के बाद के जीवित ओपेरा में से हैं टेंक्रेड और क्लोरिंडा का द्वंद्व(1624), के एक दृश्य पर आधारित यरूशलेम को आज़ाद करायाटॉर्काटो टैसो - क्रूसेडर्स के बारे में एक महाकाव्य कविता; यूलिसिस की अपनी मातृभूमि में वापसी(1641) ओडीसियस की प्राचीन यूनानी कथा पर आधारित एक कथानक पर; पोपिया का राज्याभिषेक(1642), रोमन सम्राट नीरो के समय से। आखिरी काम संगीतकार ने अपनी मृत्यु से ठीक एक साल पहले बनाया था। यह ओपेरा उनके काम का शिखर बन गया - आंशिक रूप से मुखर भागों की उत्कृष्टता के कारण, आंशिक रूप से वाद्य लेखन की महिमा के कारण।

ओपेरा का वितरण.

मोंटेवेर्डी के युग के दौरान, ओपेरा ने तेजी से इटली के प्रमुख शहरों पर विजय प्राप्त की। रोम ने ओपेरा लेखक एल. रॉसी (1598-1653) को दिया, जिन्होंने 1647 में पेरिस में अपने ओपेरा का मंचन किया। ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस, फ्रांसीसी दुनिया पर विजय प्राप्त करना। एफ. कैवल्ली (1602-1676), जिन्होंने वेनिस में मोंटेवेर्डी के साथ गाया, ने लगभग 30 ओपेरा बनाए; एम.ए. सेस्टी (1623-1669) के साथ, कैवली वेनिस स्कूल के संस्थापक बने, जिसने खेला मुख्य भूमिका 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में इतालवी ओपेरा में। वेनिस स्कूल में, फ्लोरेंस से आई मोनोडिक शैली ने सस्वर पाठन और एरिया के विकास का रास्ता खोल दिया। एरिया धीरे-धीरे लंबे और अधिक जटिल हो गए, और गुणी गायक, आमतौर पर कास्त्रती, ओपेरा मंच पर हावी होने लगे। वेनिस के ओपेरा के कथानक अभी भी पौराणिक कथाओं या रोमांटिक ऐतिहासिक प्रसंगों पर आधारित थे, लेकिन अब उन्हें बोझिल अंतर्संबंधों से अलंकृत किया गया है, जिनका मुख्य क्रिया और शानदार प्रसंगों से कोई संबंध नहीं था, जिसमें गायकों ने अपनी कला का प्रदर्शन किया था। ओपेरा ऑफ ऑनर में सुनहरा सेब(1668), उस युग के सबसे जटिल में से एक, इसमें 50 पात्र हैं, साथ ही 67 दृश्य और दृश्यों में 23 परिवर्तन हैं।

इटली का प्रभाव इंग्लैण्ड तक भी पहुँच गया। एलिजाबेथ प्रथम के शासनकाल के अंत में, संगीतकारों और लिबरेटिस्टों ने तथाकथित बनाना शुरू किया। मुखौटे - दरबारी प्रदर्शन जिसमें सस्वर पाठ, गायन, नृत्य सम्मिलित थे और शानदार कथानकों पर आधारित थे। इस नई शैली ने जी लॉज़ के काम में एक बड़ा स्थान ले लिया, जिन्होंने 1643 में इसे संगीत में स्थापित किया कॉमसमिल्टन, और 1656 में पहला वास्तविक अंग्रेजी ओपेरा बनाया - रोड्स की घेराबंदी. स्टुअर्ट की बहाली के बाद, ओपेरा ने धीरे-धीरे अंग्रेजी धरती पर पैर जमाना शुरू कर दिया। वेस्टमिंस्टर कैथेड्रल के ऑर्गेनिस्ट जे. ब्लो (1649-1708) ने 1684 में एक ओपेरा की रचना की। शुक्र और एडोनिस, लेकिन निबंध को फिर भी मुखौटा कहा गया। किसी अंग्रेज़ द्वारा बनाया गया एकमात्र सचमुच महान ओपेरा था डिडो और एनीसजी. परसेल (1659-1695), ब्लो के छात्र और उत्तराधिकारी। पहली बार 1689 के आसपास एक महिला कॉलेज में प्रदर्शन किया गया यह छोटा सा ओपेरा अपनी आश्चर्यजनक सुंदरता के लिए जाना जाता है। परसेल ने फ्रेंच और इतालवी दोनों तकनीकों में महारत हासिल की, लेकिन उनका ओपेरा आमतौर पर अंग्रेजी काम है। लीब्रेट्टो शरारत, एन. टेट के स्वामित्व में है, लेकिन संगीतकार ने इसे अपने संगीत से पुनर्जीवित किया, जो नाटकीय विशेषताओं की महारत, असाधारण अनुग्रह और अरिया और कोरस की सार्थकता से चिह्नित है।

प्रारंभिक फ़्रेंच ओपेरा.

प्रारंभिक इतालवी ओपेरा की तरह, 16वीं शताब्दी के मध्य का फ्रांसीसी ओपेरा। प्राचीन ग्रीक नाट्य सौंदर्यशास्त्र को पुनर्जीवित करने की इच्छा से आया था। अंतर यह था कि इतालवी ओपेरा ने गायन पर जोर दिया, जबकि फ्रांसीसी ओपेरा बैले से विकसित हुआ, जो उस समय के फ्रांसीसी दरबार में एक पसंदीदा नाटकीय शैली थी। इटली से आए एक सक्षम और महत्वाकांक्षी नर्तक, जे.बी. लूली (1632-1687) फ्रांसीसी ओपेरा के संस्थापक बने। उन्होंने अपनी संगीत शिक्षा, जिसमें रचना तकनीक की मूल बातें का अध्ययन भी शामिल था, लुई XIV के दरबार में प्राप्त की और फिर उन्हें दरबारी संगीतकार नियुक्त किया गया। उन्हें मंच की बहुत अच्छी समझ थी, जो विशेष रूप से मोलिरे की कई कॉमेडीज़ के लिए उनके संगीत में स्पष्ट थी। कुलीन वर्ग के बनिया के लिए(1670) फ्रांस में आई ओपेरा मंडली की सफलता से प्रभावित होकर लूली ने अपनी खुद की मंडली बनाने का फैसला किया। लूली के ओपेरा, जिसे उन्होंने "गीतात्मक त्रासदियाँ" कहा (त्रासदी गीत) , विशेष रूप से फ़्रेंच संगीत और नाट्य शैली का प्रदर्शन करें। कहानियां से ली गई हैं प्राचीन पौराणिक कथाया इटालियन कविताओं से, और लिब्रेटो, कड़ाई से परिभाषित मीटरों में अपने गंभीर छंदों के साथ, लूली के महान समकालीन, नाटककार जे. रैसीन की शैली द्वारा निर्देशित है। लूली कथानक के विकास को प्रेम और महिमा के बारे में लंबी चर्चाओं के साथ जोड़ता है, और प्रस्तावना और अन्य कथानक बिंदुओं में वह डायवर्टिसमेंट - नृत्य, गायन और शानदार दृश्यों के साथ दृश्य सम्मिलित करता है। संगीतकार के काम का असली पैमाना इन दिनों स्पष्ट हो जाता है, जब उसके ओपेरा का निर्माण फिर से शुरू होता है - अल्केस्टे (1674), अतिसा(1676) और आर्मिड्स (1686).

"चेक ओपेरा" एक पारंपरिक शब्द है जो दो विपरीत कलात्मक आंदोलनों को संदर्भित करता है: स्लोवाकिया में रूसी समर्थक और चेक गणराज्य में जर्मन समर्थक। चेक संगीत में एक मान्यता प्राप्त व्यक्ति एंटोनिन ड्वोरक (1841-1904) हैं, हालांकि उनका केवल एक ओपेरा गहरे करुणा से ओत-प्रोत है। मत्स्यांगना- विश्व प्रदर्शनों की सूची में स्थापित हो गया है। चेक संस्कृति की राजधानी प्राग में ऑपेरा जगत की प्रमुख शख्सियत बेड्रिच स्मेताना (1824-1884) थीं, जिनकी बिकी हुई दुल्हन(1866) जल्दी ही प्रदर्शनों की सूची में शामिल हो गया, जिसका आमतौर पर जर्मन में अनुवाद किया गया। हास्य और सरल कथानक ने इस काम को स्मेताना की विरासत में सबसे अधिक सुलभ बना दिया, हालांकि वह दो और उग्र देशभक्ति ओपेरा के लेखक हैं - गतिशील "मोक्ष का ओपेरा" डैलिबर(1868) और चित्र-महाकाव्य लिबुशा(1872, मंचन 1881 में), जो एक बुद्धिमान रानी के शासन के तहत चेक लोगों के एकीकरण को दर्शाता है।

स्लोवाक स्कूल का अनौपचारिक केंद्र ब्रनो शहर था, जहां लेओस जानसेक (1854-1928), मुसॉर्स्की और डेब्यू की भावना में संगीत में प्राकृतिक गायन स्वरों के पुनरुत्पादन के एक और प्रबल समर्थक, रहते थे और काम करते थे। जनासेक की डायरियों में भाषण और प्राकृतिक ध्वनि लय के कई संगीतमय संकेतन हैं। ओपेरा शैली में कई शुरुआती और असफल प्रयोगों के बाद, जनासेक ने पहली बार ओपेरा में मोरावियन किसानों के जीवन की आश्चर्यजनक त्रासदी की ओर रुख किया। जेनुफ़ा(1904, संगीतकार का सबसे लोकप्रिय ओपेरा)। बाद के ओपेरा में, उन्होंने अलग-अलग कथानक विकसित किए: एक युवा महिला का नाटक, जो पारिवारिक उत्पीड़न के विरोध में अवैध प्रेम संबंध में प्रवेश करती है ( कात्या कबानोवा, 1921), प्रकृति का जीवन ( धोखेबाज़ लोमड़ी, 1924), अलौकिक घटना ( मैक्रोपोलोस उपाय, 1926) और दोस्तोवस्की की कठिन परिश्रम में बिताए गए वर्षों के बारे में कहानी ( एक डेड हाउस से नोट्स, 1930).

जनसेक ने प्राग में सफलता का सपना देखा था, लेकिन उनके "प्रबुद्ध" सहयोगियों ने संगीतकार के जीवनकाल के दौरान और उनकी मृत्यु के बाद उनके ओपेरा का तिरस्कार किया। रिमस्की-कोर्साकोव की तरह, जिन्होंने मुसॉर्स्की का संपादन किया, जनासेक के सहयोगियों का मानना ​​था कि वे लेखक से बेहतर जानते थे कि उनके अंक कैसे होने चाहिए। जॉन टायरेल और ऑस्ट्रेलियाई कंडक्टर चार्ल्स मैकेरस के बहाली प्रयासों के परिणामस्वरूप जनासेक को अंतर्राष्ट्रीय पहचान मिली।

20वीं सदी के ओपेरा.

प्रथम विश्व युद्ध समाप्त हो गया रोमांटिक युग: रूमानियत की विशेषता वाली भावनाओं की उदात्तता युद्ध के वर्षों के झटकों से नहीं बच सकी। स्थापित ऑपरेटिव रूपों में भी गिरावट आ रही थी; यह अनिश्चितता और प्रयोग का समय था। मध्य युग की लालसा, विशेष बल के साथ व्यक्त की गई पार्सिफ़ेलऔर पेलीज़, जैसे कार्यों में अंतिम झलक दी तीन राजाओं का प्यार(1913) इटालो मोंटेमेज़ी (1875-1952), एकेबू के शूरवीर(1925) रिकार्डो ज़ांडोनै (1883-1944), सेमिरमा(1910) और ज्योति(1934) ओटोरिनो रेस्पिघी (1879-1936)। फ्रांज़ श्रेकर (1878-1933) द्वारा प्रस्तुत ऑस्ट्रियाई उत्तर-रोमांटिकवाद; दूर की आवाज, 1912; लांछित, 1918), अलेक्जेंडर वॉन ज़ेमलिंस्की (1871-1942; फ्लोरेंटाइन त्रासदी;बौना आदमी– 1922) और एरिक वोल्फगैंग कोर्नगोल्ड (1897-1957; मृत शहर , 1920; हेलियाना का चमत्कार, 1927) के लिए मध्ययुगीन रूपांकनों का उपयोग किया गया कलात्मक अनुसंधानअध्यात्मवादी विचार या रोगात्मक मानसिक घटनाएँ।

वैगनरियन विरासत, रिचर्ड स्ट्रॉस द्वारा उठाई गई, फिर तथाकथित तक चली गई। नया वियना स्कूल, विशेष रूप से ए. स्कोनबर्ग (1874-1951) और ए. बर्ग (1885-1935) के लिए, जिनके ओपेरा एक प्रकार की एंटी-रोमांटिक प्रतिक्रिया हैं: यह पारंपरिक संगीत भाषा, विशेष रूप से हार्मोनिक, और में एक सचेत प्रस्थान में व्यक्त किया गया है। "क्रूर" कहानियों का चयन. बर्ग का पहला ओपेरा वोज़ेक(1925) - एक दुर्भाग्यपूर्ण, उत्पीड़ित सैनिक की कहानी - अपने असामान्य रूप से जटिल, अत्यधिक बौद्धिक रूप के बावजूद, एक मनोरंजक शक्तिशाली नाटक है; संगीतकार का दूसरा ओपेरा, लुलु(1937, लेखक एफ. सेरखोय की मृत्यु के बाद पूरा हुआ), एक लम्पट महिला के बारे में समान रूप से अभिव्यंजक संगीत नाटक है। छोटे तीव्र मनोवैज्ञानिक ओपेरा की एक श्रृंखला के बाद, जिनमें से सबसे प्रसिद्ध है अपेक्षा(1909), स्कोनबर्ग ने जीवन भर कथानक पर काम किया मूसा और हारून(1954, ओपेरा अधूरा रह गया) - द्वारा बाइबिल का इतिहासबातूनी भविष्यवक्ता मूसा और वाक्पटु हारून के बीच संघर्ष के बारे में, जिसने इस्राएलियों को सुनहरे बछड़े की पूजा करने के लिए बहकाया था। तांडव, विनाश और मानव बलिदान के दृश्य, जो किसी भी नाटकीय सेंसर को नाराज कर सकते हैं, साथ ही काम की अत्यधिक जटिलता, ओपेरा हाउस में इसकी लोकप्रियता में बाधा डालती है।

विभिन्न राष्ट्रीय विद्यालयों के संगीतकारों ने वैगनर का प्रभाव छोड़ना शुरू कर दिया। इस प्रकार, डेब्यूसी के प्रतीकवाद ने हंगेरियन संगीतकार बी. बार्टोक (1881-1945) को अपना मनोवैज्ञानिक दृष्टांत बनाने के लिए प्रेरणा का काम किया। ड्यूक ब्लूबीर्ड का महल(1918); एक अन्य हंगेरियाई लेखक, ज़ेड कोडाली, ओपेरा में हरि जानोस(1926) संबोधित किया लोकगीत स्रोत. बर्लिन में, एफ. बुसोनी ने ओपेरा में पुराने कथानकों की पुनर्व्याख्या की विदूषक(1917) और डॉक्टर फॉस्टस(1928, अधूरा रह गया)। उल्लिखित सभी कार्यों में, वैगनर और उनके अनुयायियों की सर्वव्यापी सिम्फनीज़्म बहुत अधिक संक्षिप्त शैली का मार्ग प्रशस्त करती है, यहाँ तक कि एकरसता की प्रबलता के बिंदु तक भी। हालाँकि, संगीतकारों की इस पीढ़ी की ऑपरेटिव विरासत अपेक्षाकृत छोटी है, और यह परिस्थिति, अधूरे कार्यों की सूची के साथ, उन कठिनाइयों की गवाही देती है जो ऑपरेटिव शैली ने अभिव्यक्तिवाद और आसन्न फासीवाद के युग में अनुभव की थी।

इसी समय, युद्ध से तबाह यूरोप में नए रुझान उभरने लगे। इटालियन कॉमिक ओपेरा ने जी. पुक्किनी की छोटी कृति में अपना अंतिम प्रदर्शन किया गियानी शचीची(1918). लेकिन पेरिस में एम. रवेल ने बुझती हुई मशाल उठाई और अपना अद्भुत सृजन किया स्पेनिश घंटा(1911) और फिर बच्चा और जादू(1925, कोलेट द्वारा लिब्रेटो)। ओपेरा स्पेन में भी प्रदर्शित हुआ - छोटा जीवन(1913) और मेस्ट्रो पेड्रो का बूथ(1923) मैनुएल डी फ़ल्ला द्वारा।

इंग्लैंड में, ओपेरा कई शताब्दियों में पहली बार वास्तविक पुनरुद्धार का अनुभव कर रहा था। सबसे शुरुआती उदाहरण हैं अमर घंटा(1914) रटलैंड बॉटन (1878-1960) सेल्टिक पौराणिक कथाओं के एक विषय पर, धोखेबाज(1906) और बोसुन की पत्नी(1916) एथेल स्मिथ (1858-1944)। पहला है ब्यूकोलिक प्रेम कहानी, और दूसरा उन समुद्री डाकुओं के बारे में बताता है जो एक गरीब अंग्रेजी तटीय गांव में बस गए थे। स्मिथ के ओपेरा को यूरोप में कुछ लोकप्रियता मिली, जैसा कि विशेष रूप से फ्रेडरिक डेलियस (1862-1934) के ओपेरा को मिला। रोमियो और जूलियट का गांव(1907). हालाँकि, डेलियस स्वभाव से संघर्षपूर्ण नाटकीयता (पाठ और संगीत दोनों में) को मूर्त रूप देने में असमर्थ था, और इसलिए उसके स्थिर संगीत नाटक शायद ही कभी मंच पर दिखाई देते हैं।

अंग्रेजी संगीतकारों के लिए ज्वलंत समस्या एक प्रतिस्पर्धी कथानक की खोज थी। सावित्रीगुस्ताव होल्स्ट को भारतीय महाकाव्य के एक प्रसंग के आधार पर लिखा गया था महाभारत(1916), और ड्राइवर ह्यूगआर. वॉन विलियम्स (1924) लोकगीतों से भरपूर एक देहाती हैं; वॉन विलियम्स के ओपेरा में भी यही सच है सर जॉन प्यार मेंशेक्सपियरन के अनुसार Falstaff.

बी. ब्रिटन (1913-1976) अंग्रेजी ओपेरा को नई ऊंचाइयों तक ले जाने में कामयाब रहे; उनका पहला ओपेरा पहले ही सफल रहा था पीटर ग्रिम्स(1945) - समुद्र के किनारे होने वाला एक नाटक, जहां केंद्रीय पात्र लोगों द्वारा अस्वीकार किया गया एक मछुआरा है, जो रहस्यमय अनुभवों की चपेट में है। हास्य-व्यंग्य का स्त्रोत अल्बर्ट हेरिंग(1947) मौपासेंट और इन द्वारा एक लघु कहानी बन गई बिली बडमेलविले की रूपक कहानी का उपयोग किया जाता है, अच्छाई और बुराई का इलाज (ऐतिहासिक पृष्ठभूमि नेपोलियन युद्धों का युग है)। इस ओपेरा को आम तौर पर ब्रिटन की उत्कृष्ट कृति के रूप में पहचाना जाता है, हालांकि बाद में उन्होंने "ग्रैंड ओपेरा" की शैली में सफलतापूर्वक काम किया - उदाहरणों में शामिल हैं ग्लोरियाना(1951), जो एलिजाबेथ प्रथम के शासनकाल की अशांत घटनाओं के बारे में बताता है, और गर्मी की रात में एक सपना(1960; शेक्सपियर पर आधारित लिब्रेटो संगीतकार के सबसे करीबी दोस्त और सहयोगी, गायक पी. पियर्स द्वारा बनाया गया था)। 1960 के दशक में, ब्रिटन ने दृष्टांत ओपेरा पर बहुत अधिक ध्यान दिया ( वुडकॉक नदी – 1964, गुफा क्रिया – 1966, खर्चीला बेटा– 1968); उन्होंने एक टेलीविज़न ओपेरा भी बनाया ओवेन विंग्रेव(1971) और चैम्बर ओपेरा पेंच घुमाओऔर ल्यूक्रेटिया का अपवित्रीकरण. संगीतकार की ओपेरा रचनात्मकता का पूर्ण शिखर इस शैली में उनका अंतिम कार्य था - वेनिस में मौत(1973), जहां असाधारण सरलता को महान ईमानदारी के साथ जोड़ा गया है।

ब्रिटन की ओपेरा विरासत इतनी महत्वपूर्ण है कि बाद की पीढ़ी के कुछ अंग्रेजी लेखक उसकी छाया से उभरने में सक्षम थे, हालांकि पीटर मैक्सवेल डेविस (जन्म 1934) के ओपेरा की प्रसिद्ध सफलता का उल्लेख करना उचित है। मधुशाला(1972) और हैरिसन बर्टविस्टल द्वारा ओपेरा (जन्म 1934) गवां(1991)। जहाँ तक अन्य देशों के संगीतकारों का सवाल है, हम इस तरह के कार्यों को नोट कर सकते हैं अनियारा(1951) स्वेड कार्ल-बिर्गर ब्लॉमडाहल (1916-1968) द्वारा, जहां कार्रवाई एक अंतरग्रहीय अंतरिक्ष यान पर होती है और इलेक्ट्रॉनिक ध्वनियों, या एक ऑपरेटिव चक्र का उपयोग करती है वहाँ प्रकाश होने दो(1978-1979) जर्मन कार्लहेन्ज़ स्टॉकहाउज़ेन द्वारा (चक्र में उपशीर्षक है) सृष्टि के सात दिनऔर इसे एक सप्ताह के भीतर पूरा करने का लक्ष्य रखा गया है)। लेकिन, निःसंदेह, ऐसे नवाचार क्षणभंगुर हैं। जर्मन संगीतकार कार्ल ऑर्फ़ (1895-1982) के ओपेरा अधिक महत्वपूर्ण हैं - उदाहरण के लिए, एंटीगोन(1949), जो तपस्वी संगत (मुख्य रूप से ताल वाद्ययंत्र) की पृष्ठभूमि के खिलाफ लयबद्ध पाठ का उपयोग करके प्राचीन ग्रीक त्रासदी के मॉडल पर बनाया गया है। प्रतिभाशाली फ्रांसीसी संगीतकार एफ. पॉलेन्क (1899-1963) ने एक हास्य ओपेरा से शुरुआत की टायर्सियस के स्तन(1947), और फिर सौंदर्यशास्त्र की ओर मुड़ गया जिसने प्राकृतिक भाषण स्वर और लय पर जोर दिया। इस कुंजी में उनके दो शब्द लिखे हुए हैं सर्वोत्तम ओपेरा: मोनो-ओपेरा इंसान की आवाज़जीन कोक्ट्यू (1959; लिब्रेटो को नायिका की टेलीफोन बातचीत के रूप में संरचित) और ओपेरा के बाद कार्मेलाइट्स के संवाद, जो फ्रांसीसी क्रांति के दौरान एक कैथोलिक संप्रदाय की ननों की पीड़ा का वर्णन करता है। पॉलेन्क की लयबद्धता भ्रामक रूप से सरल है और साथ ही भावनात्मक रूप से अभिव्यंजक भी है। पॉलेन्क के कार्यों की अंतर्राष्ट्रीय लोकप्रियता को संगीतकार की इस आवश्यकता से भी मदद मिली कि उनके ओपेरा को जब भी संभव हो स्थानीय भाषाओं में प्रदर्शित किया जाए।

एक जादूगर की तरह बाजीगरी भिन्न शैली, आई.एफ. स्ट्राविंस्की (1882-1971) ने प्रभावशाली संख्या में ओपेरा बनाए; उनमें से - डायगिलेव के उद्यम के लिए लिखा गया एक रोमांटिक बुलबुलएच.एच. एंडरसन (1914), मोजार्टियन की परी कथा पर आधारित एक रेक का रोमांचहॉगर्थ की नक्काशी (1951) पर आधारित, साथ ही स्थिर, प्राचीन फ्रिज़ की याद दिलाती है ईडिपस राजा(1927), जो थिएटर और कॉन्सर्ट मंच के लिए समान रूप से अभिप्रेत है। जर्मन वाइमर गणराज्य की अवधि के दौरान, के. वेइल (1900-1950) और बी. ब्रेख्त (1898-1950) ने पुनर्निर्माण किया भिखारी का ओपेराजॉन गे और भी अधिक लोकप्रिय हो गये द थ्रीपेनी ओपेरा(1928) ने एक तीखे व्यंग्यपूर्ण कथानक पर अब भूले हुए ओपेरा की रचना की महोगनी शहर का उत्थान और पतन(1930)। नाज़ियों के सत्ता में आने से इस उपयोगी सहयोग का अंत हो गया और वेइल, जो अमेरिका चले गए, ने अमेरिकी संगीत की शैली में काम करना शुरू कर दिया।

अर्जेंटीना के संगीतकार अल्बर्टो गिनास्टेरा (1916-1983) 1960 और 1970 के दशक में अपने अभिव्यक्तिवादी और अत्यधिक कामुक ओपेरा के कारण बहुत लोकप्रिय थे। डॉन रोड्रिगो (1964), बोमार्जो(1967) और बीट्राइस सेन्सी(1971). जर्मन हंस वर्नर हेन्ज़ (जन्म 1926) को 1951 में प्रसिद्धि मिली जब उनके ओपेरा का मंचन किया गया। बुलेवार्ड अकेलापनमैनन लेस्कॉट की कहानी पर आधारित ग्रेटा वेइल द्वारा लिब्रेटो; कार्य की संगीतमय भाषा जैज़, ब्लूज़ और 12-टोन तकनीक को जोड़ती है। हेन्ज़ के बाद के ओपेरा में शामिल हैं: युवा प्रेमियों के लिए शोकगीत(1961; बर्फीले आल्प्स में स्थापित; स्कोर में ज़ाइलोफोन, वाइब्राफोन, वीणा और सेलेस्टा की ध्वनियाँ हावी हैं), युवा भगवान, काले हास्य से ओत-प्रोत (1965), बैसारिड्स(1966; द्वारा बैचैन्टेसयूरिपिडीज़, सी. कल्मन और डब्ल्यू. एच. ऑडेन द्वारा अंग्रेजी लिब्रेटो), सैन्य-विरोधी हम नदी पर आएंगे(1976), बच्चों की परी कथा ओपेरा पोलिसिनोऔर धोखा दिया सागर(1990)। माइकल टिपेट (1905-1998) ने ग्रेट ब्रिटेन में ओपेरा शैली में काम किया ) : मध्य ग्रीष्म विवाह(1955), उद्यान भूलभुलैया (1970), बर्फ टूट गयी है(1977) और साइंस फिक्शन ओपेरा नया साल(1989) - सभी संगीतकार के लिब्रेटो पर आधारित। हरावल अंग्रेजी संगीतकारपीटर मैक्सवेल डेविस उपरोक्त ओपेरा के लेखक हैं मधुशाला(1972; 16वीं सदी के संगीतकार जॉन टैवर्नर के जीवन पर आधारित कथानक) और जी उठने (1987).

प्रसिद्ध ओपेरा गायक

ब्योर्लिंग, जूसी (जोहान जोनाथन)(ब्योर्लिंग, जूसी) (1911-1960), स्वीडिश गायक (टेनर)। उन्होंने स्टॉकहोम के रॉयल ओपेरा स्कूल में पढ़ाई की और 1930 में एक छोटी भूमिका में वहां अपनी शुरुआत की मैनन लेस्कॉट. एक महीने बाद ओटावियो ने गाना गाया डॉन जुआन. 1938 से 1960 तक, युद्ध के वर्षों को छोड़कर, उन्होंने मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में गाया और इतालवी और फ्रांसीसी प्रदर्शनों में विशेष सफलता प्राप्त की।
गैली-कर्सी अमेलिटा .
गोब्बी, टीटो(गोब्बी, टीटो) (1915-1984), इतालवी गायक (बैरिटोन)। उन्होंने रोम में अध्ययन किया और वहां जर्मोंट की भूमिका से अपनी शुरुआत की ट्रैविटा. उन्होंने लंदन में और 1950 के बाद न्यूयॉर्क, शिकागो और सैन फ्रांसिस्को में बहुत प्रदर्शन किया - विशेषकर वर्डी के ओपेरा में; इटली के सबसे बड़े थिएटरों में गाना जारी रखा। गोब्बी को स्कार्पिया की भूमिका का सर्वश्रेष्ठ कलाकार माना जाता है, जिसे उन्होंने लगभग 500 बार गाया। उन्होंने कई बार ओपेरा फिल्मों में अभिनय किया।
डोमिंगो, प्लासीडो .
कैलास, मारिया .
कारुसो, एनरिको .
कोरेली, फ्रेंको-(कोरेली, फ्रेंको) (बी. 1921-2003), इतालवी गायक (टेनर)। 23 साल की उम्र में उन्होंने पेसारो कंज़र्वेटरी में कुछ समय तक अध्ययन किया। 1952 में उन्होंने भाग लिया गायन प्रतियोगिताउत्सव "फ्लोरेंटाइन म्यूजिकल मे", जहां रोम ओपेरा के निदेशक ने उन्हें स्पोलेटो के "प्रायोगिक थिएटर" में एक परीक्षण से गुजरने के लिए आमंत्रित किया। जल्द ही उन्होंने इस थिएटर में डॉन जोस के रूप में प्रदर्शन किया कारमेन. 1954 में ला स्काला सीज़न के उद्घाटन पर उन्होंने मारिया कैलस के साथ गाना गाया वेस्टलस्पोंटिनी। 1961 में उन्होंने मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में मैनरिको के रूप में अपनी शुरुआत की परेशान करनेवाला. उनकी सबसे प्रसिद्ध भूमिकाओं में कैवराडोसी शामिल हैं टोस्का.
लंदन, जॉर्ज(लंदन, जॉर्ज) (1920-1985), कनाडाई गायक (बास-बैरिटोन), वास्तविक नाम जॉर्ज बर्नस्टीन। उन्होंने लॉस एंजिल्स में अध्ययन किया और 1942 में हॉलीवुड में अपनी शुरुआत की। 1949 में उन्हें वियना ओपेरा में आमंत्रित किया गया, जहां उन्होंने अमोनासरो के रूप में अपनी शुरुआत की। ऐदा. उन्होंने मेट्रोपॉलिटन ओपेरा (1951-1966) में गाया, और 1951 से 1959 तक एम्फ़ोर्टास और फ्लाइंग डचमैन के रूप में बेयरुथ में भी प्रदर्शन किया। उन्होंने डॉन जियोवानी, स्कार्पिया और बोरिस गोडुनोव की भूमिकाएँ शानदार ढंग से निभाईं।
मिल्नेस, चेरिल .
निल्सन, बिरगिट(निल्सन, बिरगिट) (1918-2005), स्वीडिश गायक (सोप्रानो)। उन्होंने स्टॉकहोम में पढ़ाई की और वहां अगाथा के रूप में अपनी शुरुआत की मुफ़्त शूटरवेबर. उनकी अंतर्राष्ट्रीय प्रसिद्धि 1951 से मिलती है, जब उन्होंने इलेक्ट्रा गाना गाया था Idomeneoग्लाइंडबॉर्न महोत्सव में मोजार्ट। 1954/1955 सीज़न में उन्होंने म्यूनिख ओपेरा में ब्रूनहिल्डे और सैलोम गाया। उन्होंने लंदन के कोवेंट गार्डन (1957) में ब्रूनहिल्डे के रूप में और मेट्रोपॉलिटन ओपेरा (1959) में इसोल्डे के रूप में अपनी शुरुआत की। वह अन्य भूमिकाओं में भी सफल रहीं, विशेषकर टुरंडोट, टोस्का और ऐडा में। 25 दिसंबर 2005 को स्टॉकहोम में उनकी मृत्यु हो गई।
पावरोटी, लुसियानो .
पैटी, एडलिन(पैटी, एडेलिना) (1843-1919), इतालवी गायक (कलरेटुरा सोप्रानो)। उन्होंने 1859 में न्यूयॉर्क में लूसिया डि लैमरमूर के रूप में, 1861 में लंदन में (अमीना के रूप में) अपनी शुरुआत की। नींद में चलनेवाला). उन्होंने 23 वर्षों तक कोवेंट गार्डन में गाना गाया। शानदार आवाज़ और शानदार तकनीक के मालिक, पैटी सच्ची बेल कैंटो शैली के अंतिम प्रतिनिधियों में से एक थीं, लेकिन एक संगीतकार और एक अभिनेत्री के रूप में वह बहुत कमज़ोर थीं।
प्राइस, लेओन्टिना .
सदरलैंड, जोन .
स्किपा, टीटो(शिपा, टीटो) (1888-1965), इतालवी गायक (टेनर)। उन्होंने मिलान में अध्ययन किया और 1911 में अल्फ्रेडो की भूमिका में वर्सेली में अपनी शुरुआत की ( ट्रैविटा). उन्होंने मिलान और रोम में नियमित रूप से प्रदर्शन किया। 1920-1932 में उनका शिकागो ओपेरा के साथ जुड़ाव रहा, और 1925 तक सैन फ्रांसिस्को में और मेट्रोपॉलिटन ओपेरा (1932-1935 और 1940-1941) में लगातार गाया। डॉन ओटावियो, अल्माविवा, नेमोरिनो, वेर्थर और विल्हेम मिस्टर की भूमिकाएँ उत्कृष्टता से निभाईं मिग्नोन.
स्कॉटो, रेनाटा(स्कोटो, रेनाटा) (बी. 1935), इतालवी गायक (सोप्रानो)। उन्होंने 1954 में नेपल्स के न्यू थिएटर में वायलेट्टा के रूप में अपनी शुरुआत की ( ट्रैविटा), उसी वर्ष उन्होंने ला स्काला में पहली बार गाना गाया। उन्होंने बेल कैंटो प्रदर्शनों की सूची में विशेषज्ञता हासिल की: गिल्डा, अमीना, नोरिना, लिंडा डी चामॉनिक्स, लूसिया डि लैमरमूर, गिल्डा और वायलेटा। उनकी अमेरिकी शुरुआत मिमी के रूप में हुई थी बोहेमियन 1960 में शिकागो के लिरिक ओपेरा में हुआ, और 1965 में पहली बार मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में सियो-चियो-सान के रूप में दिखाई दिया। उनके प्रदर्शनों की सूची में नोर्मा, जियोकोंडा, टोस्का, मैनन लेस्कॉट और फ्रांसेस्का दा रिमिनी की भूमिकाएं भी शामिल हैं।
सिएपी, सेसारे(सिपी, सेसारे) (बी. 1923), इतालवी गायक (बास)। उन्होंने 1941 में वेनिस में स्पैराफुसिलो के रूप में अपनी शुरुआत की रिगोलेटो. युद्ध के बाद उन्होंने ला स्काला और अन्य में प्रदर्शन करना शुरू किया इतालवी ओपेरान्यूयॉर्क थिएटर. 1950 से 1973 तक वह मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में एक प्रमुख बास गायक थे, जहां उन्होंने विशेष रूप से डॉन जियोवानी, फिगारो, बोरिस, गर्नमैन्ज़ और फिलिप के लिए गाने गाए। डॉन कार्लोस.
टेबाल्डी, रेनाटा(टेबाल्डी, रेनाटा) (बी. 1922), इतालवी गायक (सोप्रानो)। उन्होंने पर्मा में पढ़ाई की और 1944 में रोविगो में ऐलेना के रूप में अपनी शुरुआत की ( Mephistopheles). टोस्कानिनी ने युद्ध के बाद ला स्काला (1946) के उद्घाटन में प्रदर्शन के लिए टेबाल्डी को चुना। 1950 और 1955 में उन्होंने लंदन में प्रदर्शन किया, 1955 में उन्होंने मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में डेसडेमोना के रूप में अपनी शुरुआत की और 1975 में अपनी सेवानिवृत्ति तक इस थिएटर में गाया। उनकी सर्वश्रेष्ठ भूमिकाओं में टोस्का, एड्रियाना लेकोवूर, वायलेट्टा, लियोनोरा, ऐडा और अन्य नाटकीय भूमिकाएं शामिल हैं। वर्डी के ओपेरा से भूमिकाएँ।
फर्रार, गेराल्डिन .
चालियापिन, फेडर इवानोविच .
श्वार्जकोफ, एलिजाबेथ(श्वार्ज़कोफ़, एलिज़ाबेथ) (बी. 1915), जर्मन गायक (सोप्रानो)। उन्होंने बर्लिन में अध्ययन किया और 1938 में बर्लिन ओपेरा में पुष्प युवतियों में से एक के रूप में अपनी शुरुआत की पार्सिफ़ेलवैगनर. में कई प्रदर्शनों के बाद वियना ओपेराप्रमुख भूमिकाएँ निभाने के लिए आमंत्रित किया गया था। बाद में उन्होंने कोवेंट गार्डन और ला स्काला में भी गाना गाया। 1951 में वेनिस में स्ट्राविंस्की के ओपेरा के प्रीमियर पर एक रेक का रोमांचअन्ना की भूमिका निभाई, 1953 में ला स्काला में उन्होंने ओर्फ़ के स्टेज कैंटाटा के प्रीमियर में भाग लिया एफ़्रोडाइट की विजय. 1964 में उन्होंने पहली बार मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में प्रदर्शन किया। उन्होंने 1973 में ओपेरा मंच छोड़ दिया।

साहित्य:

मखरोवा ई.वी. बीसवीं सदी के उत्तरार्ध में जर्मनी की संस्कृति में ओपेरा हाउस. सेंट पीटर्सबर्ग, 1998
साइमन जी.डब्ल्यू. एक सौ महान ओपेरा और उनके कथानक. एम., 1998

1. शैली का उद्भव ……………………………………………… पृष्ठ 3
2. ओपेरा शैलियाँ: ओपेरा सेरिया और ओपेरा बफ़ा............पी.4
3. 19वीं सदी का पश्चिमी यूरोपीय ओपेरा……………………पी.7
4. रूसी ओपेरा ………………………………………………………पी.10
5. आधुनिक ओपेरा …………………………..पी.14
6. एक ओपेरा कार्य की संरचना…………………………पी.16

सन्दर्भ……………………………………………….पी.18

1. शैली का उद्भव
एक संगीत शैली के रूप में ओपेरा का उदय दो महान और प्राचीन कलाओं - थिएटर और संगीत के मेल से हुआ।
"...ओपेरा एक कला है जो संगीत और रंगमंच के बीच आपसी प्रेम से पैदा होती है," हमारे समय के उत्कृष्ट ओपेरा निर्देशकों में से एक, बी.ए. लिखते हैं। पोक्रोव्स्की के अनुसार, "यह संगीत द्वारा व्यक्त रंगमंच के समान है।"
यद्यपि प्राचीन काल से ही थिएटर में संगीत का उपयोग किया जाता रहा है, एक स्वतंत्र शैली के रूप में ओपेरा केवल 16वीं-17वीं शताब्दी के अंत में सामने आया। शैली का नाम - ओपेरा - 1605 के आसपास उभरा और इस शैली के पिछले नामों को तुरंत बदल दिया: "संगीत के माध्यम से नाटक", "संगीत के माध्यम से त्रासदी", "मेलोड्रामा", "ट्रैजिकॉमेडी" और अन्य।
इसी ऐतिहासिक क्षण में विशेष परिस्थितियाँ उत्पन्न हुईं जिन्होंने ओपेरा को जन्म दिया। सबसे पहले, यह पुनर्जागरण का स्फूर्तिदायक माहौल था।
फ्लोरेंस, जहां पुनर्जागरण की संस्कृति और कला सबसे पहले एपिनेन्स में विकसित हुई, जहां दांते, माइकल एंजेलो और बेनवेन्यूटो सेलिनी ने अपनी यात्रा शुरू की, ओपेरा का जन्मस्थान बन गया।
एक नई शैली के उद्भव का सीधा संबंध प्राचीन यूनानी नाटक के शाब्दिक पुनरुद्धार से है। यह कोई संयोग नहीं है कि पहले ओपेरा कार्यों को संगीत नाटक कहा जाता था।
जब 16वीं शताब्दी के अंत में प्रबुद्ध परोपकारी काउंट बर्डी के इर्द-गिर्द प्रतिभाशाली कवियों, अभिनेताओं, वैज्ञानिकों और संगीतकारों का एक समूह बना, तो उनमें से किसी ने भी कला में किसी भी खोज के बारे में नहीं सोचा, संगीत में तो बिल्कुल भी नहीं। फ्लोरेंटाइन के उत्साही लोगों ने अपने लिए जो मुख्य लक्ष्य निर्धारित किया वह एशिलस, यूरिपिड्स और सोफोकल्स के नाटकों को फिर से जीवंत करना था। हालाँकि, प्राचीन यूनानी नाटककारों के कार्यों के मंचन के लिए संगीत संगत की आवश्यकता होती है, और ऐसे संगीत का कोई उदाहरण नहीं बचा है। तभी यह निर्णय लिया गया कि प्राचीन ग्रीक नाटक की भावना के अनुरूप (जैसा कि लेखक ने कल्पना की थी) अपना खुद का संगीत तैयार किया जाए। इसलिए, प्राचीन कला को फिर से बनाने की कोशिश करते हुए, उन्होंने एक नई संगीत शैली की खोज की, जिसे बजाना तय था निर्णायक भूमिकाकला के इतिहास में - ओपेरा।
फ्लोरेंटाइन द्वारा उठाया गया पहला कदम संगीत के लिए छोटे नाटकीय मार्ग निर्धारित करना था। परिणामस्वरूप, मोनोडी का जन्म हुआ (कोई मोनोफोनिक मेलोडी, मोनोफोनी पर आधारित संगीत संस्कृति का एक क्षेत्र), जिसके रचनाकारों में से एक विन्सेन्ज़ो गैलीली थे, जो प्राचीन ग्रीक संस्कृति के सूक्ष्म पारखी, संगीतकार, ल्यूटेनिस्ट और गणितज्ञ थे। प्रतिभाशाली खगोलशास्त्री गैलीलियो गैलीली के पिता।
पहले से ही फ्लोरेंटाइन के पहले प्रयासों को नायकों के व्यक्तिगत अनुभवों में रुचि के पुनरुद्धार की विशेषता थी। इसलिए, पॉलीफोनी के बजाय, एक होमोफोनिक-हार्मोनिक शैली उनके कार्यों में प्रबल होने लगी, जिसमें संगीत छवि का मुख्य वाहक एक राग है, जो एक आवाज में विकसित होता है और एक हार्मोनिक (तार) संगत के साथ होता है।
यह बहुत विशेषता है कि विभिन्न संगीतकारों द्वारा बनाए गए ओपेरा के पहले उदाहरणों में से तीन एक ही कथानक पर लिखे गए थे: यह ऑर्फियस और यूरीडाइस के ग्रीक मिथक पर आधारित था। पहले दो ओपेरा (दोनों को यूरीडिस कहा जाता है) संगीतकार पेरी और कैसिनी के थे। हालाँकि, ये दोनों संगीत नाटक क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के ओपेरा ऑर्फ़ियस की तुलना में बहुत मामूली प्रयोग साबित हुए, जो 1607 में मंटुआ में प्रदर्शित हुआ था। रूबेन्स और कारवागियो, शेक्सपियर और टैसो के समकालीन, मोंटेवेर्डी ने एक ऐसा काम बनाया जिससे ओपेरा कला का इतिहास वास्तव में शुरू होता है।
मोंटेवेर्डी ने वह सब कुछ बनाया जो फ्लोरेंटाइन ने केवल पूर्ण, रचनात्मक रूप से आश्वस्त और व्यवहार्य बताया था। यह मामला था, उदाहरण के लिए, सस्वर पाठ के साथ, पहली बार पेरी द्वारा पेश किया गया था। नायकों की यह विशेष प्रकार की संगीतमय अभिव्यक्ति, इसके निर्माता के अनुसार, बोलचाल की भाषा के जितना करीब हो सके होनी चाहिए। हालाँकि, केवल मोंटेवेर्डी के साथ ही सस्वर पाठ करने वालों ने मनोवैज्ञानिक शक्ति, ज्वलंत कल्पना प्राप्त की और वास्तव में जीवित मानव भाषण के समान होने लगे।
मोंटेवेर्डी ने एक प्रकार का अरिया - लैमेंटो - (वादी गीत) बनाया, जिसका एक शानदार उदाहरण इसी नाम के ओपेरा से परित्यक्त एराडने की शिकायत थी। "एरियाडने की शिकायत" एकमात्र अंश है जो इस संपूर्ण कार्य से आज तक बचा हुआ है।
"एराडने ने मुझे छुआ क्योंकि वह एक महिला थी, ऑर्फियस क्योंकि वह एक साधारण आदमी था... एराडने ने मुझमें सच्ची पीड़ा जगाई, ऑर्फियस के साथ मिलकर मैंने दया की भीख मांगी..." इन शब्दों में, मोंटेवेर्डी ने न केवल अपना रचनात्मक श्रेय व्यक्त किया, बल्कि संगीत की कला में उनके द्वारा की गई खोजों का सार भी बताया। जैसा कि "ऑर्फ़ियस" के लेखक ने ठीक ही बताया है, उनसे पहले के संगीतकारों ने "नरम", "मध्यम" संगीत की रचना करने की कोशिश की थी; उन्होंने सबसे पहले, "उत्साहित" संगीत बनाने की कोशिश की। इसलिए, उन्होंने संगीत के आलंकारिक क्षेत्र और अभिव्यंजक संभावनाओं का अधिकतम विस्तार करना अपना मुख्य कार्य माना।
नई शैली - ओपेरा - को अभी भी खुद को स्थापित करना बाकी था। लेकिन अब से, संगीत, स्वर और वाद्य का विकास, ओपेरा हाउस की उपलब्धियों के साथ अटूट रूप से जुड़ा होगा।

2. ओपेरा शैलियाँ: ओपेरा सेरिया और ओपेरा बफ़ा
इतालवी कुलीन परिवेश में उत्पन्न होने के बाद, ओपेरा जल्द ही सभी प्रमुख यूरोपीय देशों में फैल गया। यह फ्रांसीसी राजा, ऑस्ट्रियाई सम्राट, जर्मन निर्वाचकों, अन्य राजाओं और उनके रईसों के दरबार में अदालती उत्सवों और पसंदीदा मनोरंजन का एक अभिन्न अंग बन गया।
उज्ज्वल मनोरंजन, ओपेरा प्रदर्शन का विशेष उत्सव, उस समय मौजूद लगभग सभी कलाओं के ओपेरा में संयोजन के कारण प्रभावशाली, अदालत और समाज के अभिजात वर्ग के जटिल समारोह और जीवन में पूरी तरह से फिट बैठता है।
और यद्यपि 18वीं शताब्दी के दौरान ओपेरा एक तेजी से लोकतांत्रिक कला बन गया और बड़े शहरों में, दरबारियों के अलावा, आम जनता के लिए सार्वजनिक ओपेरा हाउस खोले गए, यह अभिजात वर्ग का स्वाद था जिसने ओपेरा कार्यों की सामग्री को अधिक से अधिक लोगों के लिए निर्धारित किया। शताब्दी।
दरबार और अभिजात वर्ग के उत्सवपूर्ण जीवन ने संगीतकारों को बहुत गहनता से काम करने के लिए मजबूर किया: प्रत्येक उत्सव, और कभी-कभी विशिष्ट अतिथियों का एक और स्वागत, निश्चित रूप से एक ओपेरा प्रीमियर के साथ होता था। “इटली में,” संगीत इतिहासकार चार्ल्स बर्नी कहते हैं, “एक ओपेरा जो पहले ही एक बार सुना जा चुका है, उसे ऐसे देखा जाता है मानो वह पिछले साल का कैलेंडर हो।” ऐसी परिस्थितियों में, ओपेरा एक के बाद एक "बेक" होते थे और आमतौर पर एक-दूसरे के समान होते थे, कम से कम कथानक के संदर्भ में।
इस प्रकार, इतालवी संगीतकार एलेसेंड्रो स्कार्लट्टी ने लगभग 200 ओपेरा लिखे। हालाँकि, इस संगीतकार की योग्यता, निश्चित रूप से, बनाए गए कार्यों की संख्या में नहीं है, बल्कि मुख्य रूप से इस तथ्य में है कि यह उनके काम में था कि 17वीं - 18वीं शताब्दी की शुरुआत की ऑपरेटिव कला की अग्रणी शैली और रूप - गंभीर ओपेरा (ओपेरा सेरिया) - अंततः क्रिस्टलीकृत।
यदि हम इस काल के एक साधारण इतालवी ओपेरा की कल्पना करें तो ओपेरा सेरिया नाम का अर्थ आसानी से स्पष्ट हो जाएगा। यह विभिन्न प्रकार के प्रभावशाली प्रभावों के साथ एक भव्य, असाधारण रूप से भव्य मंचन था। मंच पर "वास्तविक" युद्ध के दृश्य, प्राकृतिक आपदाएँ या पौराणिक नायकों के असाधारण परिवर्तन दर्शाए गए। और स्वयं नायकों - देवताओं, सम्राटों, सेनापतियों - ने इस तरह से व्यवहार किया कि पूरे प्रदर्शन के दौरान दर्शकों को महत्वपूर्ण, गंभीर, बहुत गंभीर घटनाओं का एहसास हुआ। ओपेरा पात्रों ने असाधारण करतब दिखाए, नश्वर युद्धों में दुश्मनों को कुचल दिया और अपने असाधारण साहस, गरिमा और महानता से आश्चर्यचकित कर दिया। उसी समय, ओपेरा के मुख्य पात्र की रूपक तुलना, जिसे मंच पर इतनी लाभप्रद ढंग से प्रस्तुत किया गया था, एक उच्च श्रेणी के रईस के साथ, जिसके आदेश पर ओपेरा लिखा गया था, इतना स्पष्ट था कि प्रत्येक प्रदर्शन रईस के लिए एक प्रशस्ति में बदल गया ग्राहक।
अक्सर एक ही कथानक का उपयोग विभिन्न ओपेरा में किया जाता था। उदाहरण के लिए, दर्जनों ओपेरा अकेले दो कार्यों के विषयों पर बनाए गए थे - एरियोस्टो के रोलैंड फ्यूरियस और टैसो के जेरूसलम लिबरेटेड।
लोकप्रिय साहित्यिक स्रोत होमर और वर्जिल की कृतियाँ थीं।
ओपेरा सेरिया के सुनहरे दिनों के दौरान, गायन प्रदर्शन की एक विशेष शैली का गठन किया गया था - बेल कैंटो, जो ध्वनि की सुंदरता और आवाज के गुणी नियंत्रण पर आधारित थी। हालाँकि, इन ओपेरा के कथानकों की बेजानता और पात्रों के कृत्रिम व्यवहार ने संगीत प्रेमियों के बीच कई शिकायतें पैदा कीं।
नाटकीय कार्रवाई से रहित प्रदर्शन की स्थिर संरचना ने इस ओपेरा शैली को विशेष रूप से कमजोर बना दिया। इसलिए, दर्शकों ने अरियाज़ को सुना जिसमें गायकों ने बहुत खुशी और रुचि के साथ अपनी आवाज की सुंदरता और कलाप्रवीण कौशल का प्रदर्शन किया। उनके अनुरोध पर, जो अरिया उन्हें पसंद थीं, उन्हें दोहराना के रूप में कई बार दोहराया गया था, लेकिन "लोड" के रूप में माना जाने वाला सस्वर पाठ श्रोताओं के लिए इतना अरुचिकर था कि सस्वर पाठ के प्रदर्शन के दौरान वे जोर-जोर से बात करने लगे। "समय काटने" के अन्य तरीकों का भी आविष्कार किया गया। 18वीं शताब्दी के "प्रबुद्ध" संगीत प्रेमियों में से एक ने सलाह दी: "लंबे गायन के खालीपन को भरने के लिए शतरंज बहुत उपयुक्त है।"
ओपेरा अपने इतिहास में पहले संकट का अनुभव कर रहा था। लेकिन यह ठीक इसी क्षण था कि एक नई ओपेरा शैली सामने आई, जिसका ओपेरा सेरिया से कम (यदि अधिक नहीं!) प्रिय बनना तय था। यह एक कॉमिक ओपेरा (ओपेरा बफ़ा) है।
यह विशेषता है कि यह ओपेरा सेरिया के जन्मस्थान नेपल्स में उत्पन्न हुआ, इसके अलावा, यह वास्तव में सबसे गंभीर ओपेरा की गहराई में उत्पन्न हुआ; इसकी उत्पत्ति नाटक के कृत्यों के बीच अंतराल के दौरान बजाए जाने वाले हास्य अंतरालों से हुई। अक्सर ये कॉमिक इंटरल्यूड्स ओपेरा की घटनाओं की पैरोडी होते थे।
औपचारिक रूप से, ओपेरा बफ़ा का जन्म 1733 में हुआ, जब जियोवानी बतिस्ता पेर्गोलेसी का ओपेरा "द मेड एंड मिस्ट्रेस" पहली बार नेपल्स में प्रदर्शित किया गया था।
ओपेरा बफ़ा को अभिव्यक्ति के सभी मुख्य साधन ओपेरा सेरिया से विरासत में मिले। यह "गंभीर" ओपेरा से इस मायने में भिन्न था कि पौराणिक, अप्राकृतिक नायकों के बजाय, ऐसे पात्र, जिनके प्रोटोटाइप वास्तविक जीवन में मौजूद थे, ओपेरा मंच पर आए - लालची व्यापारी, चुलबुली नौकरानियाँ, बहादुर, साधन संपन्न सैन्य पुरुष, आदि। यही कारण है कि ओपेरा बफ़ा के साथ था यूरोप के सभी कोनों में व्यापक लोकतांत्रिक जनता द्वारा प्रशंसा के साथ स्वागत किया गया। इसके अलावा, नई शैली का ओपेरा सेरिया जैसी घरेलू कला पर बिल्कुल भी प्रतिकूल प्रभाव नहीं पड़ा। इसके विपरीत, उन्होंने घरेलू परंपराओं पर आधारित राष्ट्रीय कॉमिक ओपेरा की अनूठी किस्मों को जीवंत किया। फ्रांस में यह एक कॉमिक ओपेरा था, इंग्लैंड में यह एक गाथागीत ओपेरा था, जर्मनी और ऑस्ट्रिया में यह एक सिंगस्पील था (शाब्दिक रूप से: "गायन के साथ खेल")।
इनमें से प्रत्येक राष्ट्रीय स्कूल ने कॉमेडी ओपेरा शैली के उल्लेखनीय प्रतिनिधियों को तैयार किया: इटली में पेर्गोलेसी और पिकिनी, फ्रांस में ग्रेट्री और रूसो, ऑस्ट्रिया में हेडन और डिटर्सडॉर्फ।
यहां हमें वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट को विशेष रूप से याद रखना चाहिए। पहले से ही उनके पहले सिंगस्पील "बास्टियन और बास्टियन", और इससे भी अधिक "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" ने दिखाया कि शानदार संगीतकार ने, ओपेरा बफ़ा की तकनीकों में आसानी से महारत हासिल कर ली, वास्तव में राष्ट्रीय ऑस्ट्रियाई संगीत नाटकीयता के उदाहरण बनाए। सेराग्लियो से अपहरण को पहला शास्त्रीय ऑस्ट्रियाई ओपेरा माना जाता है।
मोजार्ट के परिपक्व ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" और "डॉन जियोवानी", इतालवी ग्रंथों पर लिखे गए, ओपेरा के इतिहास में एक बहुत ही विशेष स्थान रखते हैं। संगीत की चमक और अभिव्यंजना, इतालवी संगीत के उच्चतम उदाहरणों से कमतर नहीं, विचारों और नाटक की गहराई के साथ संयुक्त है जिसे ओपेरा थिएटर ने पहले कभी नहीं जाना है।
"द मैरिज ऑफ फिगारो" में मोजार्ट संगीत के माध्यम से नायकों के व्यक्तिगत और बहुत जीवंत चरित्र बनाने में कामयाब रहे, जो उनकी मानसिक स्थिति की विविधता और जटिलता को व्यक्त करते हैं। और यह सब कॉमेडी शैली से परे जाए बिना प्रतीत होता है। ओपेरा डॉन जियोवानी में संगीतकार और भी आगे बढ़ गए। लिब्रेटो के लिए एक प्राचीन स्पेनिश किंवदंती का उपयोग करते हुए, मोजार्ट एक ऐसा काम बनाता है जिसमें हास्य तत्व गंभीर ओपेरा की विशेषताओं के साथ अंतर्निहित रूप से जुड़े हुए हैं।
कॉमिक ओपेरा की शानदार सफलता, जिसने यूरोपीय राजधानियों के माध्यम से अपना विजयी मार्च किया, और, सबसे महत्वपूर्ण बात, मोजार्ट की रचनाओं ने दिखाया कि ओपेरा एक ऐसी कला हो सकती है और होनी चाहिए जो वास्तविकता से जुड़ी हुई है, कि यह बहुत ही वास्तविक पात्रों और स्थितियों को सच्चाई से चित्रित करने में सक्षम है। , उन्हें न केवल हास्य में, बल्कि गंभीर पहलू में भी पुनः बनाना।
स्वाभाविक रूप से, विभिन्न देशों के प्रमुख कलाकार, मुख्य रूप से संगीतकार और नाटककार, वीर ओपेरा को अद्यतन करने का सपना देखते थे। उन्होंने ऐसी रचनाएँ बनाने का सपना देखा, जो सबसे पहले, उच्च नैतिक लक्ष्यों के लिए युग की इच्छा को प्रतिबिंबित करेगी और दूसरी, मंच पर संगीत और नाटकीय कार्रवाई के जैविक संलयन पर जोर देगी। इस कठिन कार्य को मोजार्ट के हमवतन क्रिस्टोफ़ ग्लक ने वीरतापूर्ण शैली में सफलतापूर्वक हल किया। उनका सुधार विश्व ओपेरा में एक सच्ची क्रांति बन गया, जिसका अंतिम अर्थ उनके ओपेरा अल्केस्टे, औलिस में इफिजेनिया और पेरिस में टॉरिस में इफिजेनिया के निर्माण के बाद स्पष्ट हो गया।
संगीतकार ने अपने सुधार का सार समझाते हुए लिखा, "जब अल्केस्टे के लिए संगीत बनाना शुरू किया, तो मैंने खुद को संगीत को उसके वास्तविक लक्ष्य तक लाने का लक्ष्य निर्धारित किया, जो कि कविता को और अधिक नई अभिव्यंजक शक्ति देना, व्यक्तिगत क्षणों को बनाना है।" कथानक को और अधिक भ्रमित करने वाला, कार्रवाई को बाधित किए बिना और अनावश्यक सजावट के साथ इसे गीला किए बिना।
मोजार्ट के विपरीत, जिसने ओपेरा में सुधार के लिए कोई विशेष लक्ष्य निर्धारित नहीं किया था, ग्लक जानबूझकर अपने ओपेरा सुधार में आया। इसके अलावा, वह अपना सारा ध्यान नायकों की आंतरिक दुनिया को उजागर करने पर केंद्रित करता है। संगीतकार ने कुलीन कला के साथ कोई समझौता नहीं किया। यह ऐसे समय में हुआ जब गंभीर और हास्य ओपेरा के बीच प्रतिद्वंद्विता अपने उच्चतम बिंदु पर पहुंच गई थी और यह स्पष्ट था कि ओपेरा बफ़ा जीत रहा था।
गंभीर ओपेरा की शैलियों और लूली और रमेउ की गीतात्मक त्रासदियों पर गंभीर रूप से पुनर्विचार करने और सर्वोत्तम को सारांशित करने के बाद, ग्लक ने संगीत त्रासदी की शैली बनाई।
ग्लक के ओपेरा सुधार का ऐतिहासिक महत्व बहुत बड़ा था। लेकिन जब 19वीं शताब्दी की उथल-पुथल शुरू हुई - जो विश्व ओपेरा में सबसे उपयोगी अवधियों में से एक थी, तो उनका ओपेरा भी कालजयी साबित हुआ।

3. 19वीं सदी का पश्चिमी यूरोपीय ओपेरा
युद्ध, क्रांतियाँ, सामाजिक संबंधों में परिवर्तन - 19वीं सदी की ये सभी प्रमुख समस्याएं ओपेरा विषयों में परिलक्षित होती हैं।
ओपेरा शैली में काम करने वाले संगीतकार अपने नायकों की आंतरिक दुनिया में और भी गहराई से प्रवेश करने की कोशिश करते हैं, ताकि ओपेरा मंच पर पात्रों के बीच ऐसे संबंधों को फिर से बनाया जा सके जो जटिल, बहुआयामी जीवन टकरावों से पूरी तरह मेल खाते हों।
इस तरह के आलंकारिक और विषयगत दायरे ने अनिवार्य रूप से ओपेरा की कला में और सुधार किए। 18वीं शताब्दी में विकसित ओपेरा शैलियों का आधुनिकता के लिए परीक्षण किया गया। 19वीं शताब्दी तक ओपेरा सेरिया वस्तुतः लुप्त हो गया। जहां तक ​​कॉमिक ओपेरा का सवाल है, इसे लगातार सफलता मिलती रही।
इस शैली की जीवंतता की पुष्टि जिओचिनो रोसिनी ने शानदार ढंग से की थी। उनका "द बार्बर ऑफ सेविले" 19वीं सदी की हास्य कला की सच्ची उत्कृष्ट कृति बन गया।
संगीतकार द्वारा दर्शाए गए पात्रों की उज्ज्वल धुन, स्वाभाविकता और जीवंतता, कथानक की सादगी और सामंजस्य - इन सभी ने ओपेरा की वास्तविक जीत सुनिश्चित की, जिससे इसके लेखक लंबे समय तक "यूरोप के संगीत तानाशाह" बने रहे। ओपेरा बफ़ा के लेखक के रूप में, रॉसिनी ने "द बार्बर ऑफ़ सेविले" में अपने तरीके से जोर दिया है। उदाहरण के लिए, मोजार्ट की तुलना में उन्हें सामग्री के आंतरिक महत्व में बहुत कम दिलचस्पी थी। और रॉसिनी ग्लुक से बहुत दूर थे, जो मानते थे कि ओपेरा में संगीत का मुख्य लक्ष्य काम के नाटकीय विचार को प्रकट करना था।
"द बार्बर ऑफ सेविले" के हर अरिया, हर वाक्यांश के साथ, संगीतकार यह याद दिलाता है कि संगीत आनंद, सुंदरता के आनंद के लिए मौजूद है, और इसमें सबसे मूल्यवान चीज इसकी आकर्षक धुन है।
फिर भी, "यूरोप के प्रिय, ऑर्फियस," जैसा कि पुश्किन ने रॉसिनी को बुलाया था, ने महसूस किया कि दुनिया में होने वाली घटनाएं, और सबसे ऊपर, उनकी मातृभूमि इटली (स्पेन, फ्रांस और ऑस्ट्रिया द्वारा उत्पीड़ित) द्वारा स्वतंत्रता के लिए छेड़े गए संघर्ष के लिए उन्हें ऐसा करना पड़ा। गंभीर विषय की ओर मुड़ें. इस प्रकार ओपेरा "विलियम टेल" का विचार पैदा हुआ - एक वीर-देशभक्ति विषय पर ओपेरा शैली के पहले कार्यों में से एक (साजिश में, स्विस किसान अपने उत्पीड़कों, ऑस्ट्रियाई लोगों के खिलाफ विद्रोह करते हैं)।
मुख्य पात्रों का उज्ज्वल, यथार्थवादी चरित्र-चित्रण, प्रभावशाली भीड़ के दृश्य जो गाना बजानेवालों और कलाकारों की मदद से लोगों का चित्रण करते हैं, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि असामान्य रूप से अभिव्यंजक संगीत ने "विलियम टेल" को ओपेरा नाटक के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक की प्रसिद्धि दिलाई। 19वीं सदी.
"वेलहेल्म टेल" की लोकप्रियता को, अन्य फायदों के अलावा, इस तथ्य से समझाया गया था कि ओपेरा एक ऐतिहासिक कथानक पर लिखा गया था। और ऐतिहासिक ओपेरा इस समय यूरोपीय ओपेरा मंच पर व्यापक हो गए। इस प्रकार, विलियम टेल के प्रीमियर के छह साल बाद, जियाकोमो मेयरबीर के ओपेरा द ह्यूजेनॉट्स का निर्माण, जो 16 वीं शताब्दी के अंत में कैथोलिक और ह्यूजेनॉट्स के बीच संघर्ष के बारे में बताता है, एक सनसनी बन गया।
ओपेरा द्वारा जीता गया एक और क्षेत्र 19वीं सदी की कलासदियों से, शानदार और पौराणिक कहानियाँ थीं। वे रचनात्मकता में विशेष रूप से व्यापक हो गए जर्मन संगीतकार. मोजार्ट की ओपेरा-परी कथा "द मैजिक फ्लूट" के बाद, कार्ल मारिया वेबर ने ओपेरा "फ़्रीशॉट", "यूरिएंथे" और "ओबेरॉन" बनाए। इनमें से पहला सबसे महत्वपूर्ण काम था, वास्तव में पहला जर्मन लोक ओपेरा। हालाँकि, पौराणिक विषय का सबसे पूर्ण और बड़े पैमाने पर अवतार, लोक महाकाव्यमहानतम ओपेरा संगीतकारों में से एक - रिचर्ड वैगनर के काम में पाया गया।
वैगनर संगीत कला में एक संपूर्ण युग है। ओपेरा उनके लिए एकमात्र शैली बन गई जिसके माध्यम से संगीतकार ने दुनिया से बात की। वैगनर उस साहित्यिक स्रोत के प्रति भी वफादार थे जिसने उन्हें उनके ओपेरा के लिए कथानक दिए, जो प्राचीन जर्मन महाकाव्य बन गए। अनन्त भटकने के लिए अभिशप्त फ्लाइंग डचमैन के बारे में किंवदंतियाँ, विद्रोही गायक टैंगेसर के बारे में, जिन्होंने कला में पाखंड को चुनौती दी और इसके लिए दरबारी कवियों और संगीतकारों के कबीले को त्याग दिया, प्रसिद्ध शूरवीर लोहेनग्रिन के बारे में, जो एक निर्दोष लड़की की सहायता के लिए दौड़ पड़े। निष्पादन - ये पौराणिक, उज्ज्वल, प्रमुख पात्र वैगनर के पहले ओपेरा "द वांडरिंग सेलर", "टैनहौसर" और "लोहेंग्रिन" के नायक बन गए।
रिचर्ड वैगनर ने ऑपरेटिव शैली में व्यक्तिगत कथानकों को नहीं, बल्कि मानवता की मुख्य समस्याओं को समर्पित एक संपूर्ण महाकाव्य को मूर्त रूप देने का सपना देखा था। संगीतकार ने इसे "द रिंग ऑफ़ द निबेलुंग" की भव्य अवधारणा में प्रतिबिंबित करने का प्रयास किया - एक चक्र जिसमें चार ओपेरा शामिल हैं। यह टेट्रालॉजी भी पुराने जर्मनिक महाकाव्य की किंवदंतियों पर आधारित थी।
इस तरह के एक असामान्य और भव्य विचार (संगीतकार ने इसके कार्यान्वयन पर अपने जीवन के लगभग बीस साल बिताए) को स्वाभाविक रूप से विशेष, नए तरीकों से हल करना पड़ा। और वैगनर, प्राकृतिक मानव भाषण के नियमों का पालन करने की कोशिश करते हुए, अरिया, युगल, गायन, कोरस, कलाकारों की टुकड़ी जैसे ओपेरा कार्य के ऐसे आवश्यक तत्वों से इनकार करते हैं। वह एक एकल संगीतमय एक्शन-कथा बनाता है, जो संख्याओं की सीमाओं से बाधित नहीं होती है, जिसका नेतृत्व गायकों और एक ऑर्केस्ट्रा द्वारा किया जाता है।
एक ओपेरा संगीतकार के रूप में वैगनर के सुधार ने उन्हें दूसरे तरीके से भी प्रभावित किया: उनके ओपेरा लेटमोटिफ्स की एक प्रणाली पर बने हैं - उज्ज्वल धुन-छवियां जो कुछ पात्रों या उनके रिश्तों के अनुरूप हैं। और उनका प्रत्येक संगीत नाटक - और इसी तरह, मोंटेवेर्डी और ग्लक की तरह, उन्होंने अपने ओपेरा को बुलाया - कई लेटमोटिफ्स के विकास और बातचीत से ज्यादा कुछ नहीं है।
एक और दिशा, जिसे "गीत थिएटर" कहा जाता है, कम महत्वपूर्ण नहीं थी। "गीत थिएटर" का जन्मस्थान फ्रांस था। जिन संगीतकारों ने इस आंदोलन का गठन किया - गुनोद, थॉमस, डेलिबेस, मैसेनेट, बिज़ेट - ने भी शानदार विदेशी विषयों और रोजमर्रा दोनों का सहारा लिया; लेकिन यह उनके लिए मुख्य बात नहीं थी. इनमें से प्रत्येक संगीतकार ने, अपने-अपने तरीके से, अपने नायकों को इस तरह चित्रित करने का प्रयास किया कि वे स्वाभाविक, महत्वपूर्ण और अपने समकालीनों की विशेषताओं से संपन्न हों।
इस ऑपरेटिव प्रवृत्ति का एक सरल उदाहरण जॉर्जेस बिज़ेट का कारमेन था, जो प्रॉस्पर मेरिमी की एक छोटी कहानी पर आधारित था।
संगीतकार पात्रों को चित्रित करने के लिए एक अनूठी विधि खोजने में कामयाब रहे, जो कारमेन की छवि के उदाहरण में सबसे स्पष्ट रूप से देखा जाता है। बिज़ेट ने अपनी नायिका की आंतरिक दुनिया को अरिया में नहीं, जैसा कि प्रथागत था, लेकिन गीत और नृत्य में प्रकट किया।
पूरी दुनिया को जीत लेने वाले इस ओपेरा का भाग्य पहले बहुत नाटकीय था। इसका प्रीमियर विफलता में समाप्त हुआ। बिज़ेट के ओपेरा के प्रति इस तरह के रवैये का एक मुख्य कारण यह था कि वह आम लोगों को नायक के रूप में मंच पर लाते थे (कारमेन एक तंबाकू फैक्ट्री कर्मचारी हैं, जोस एक सैनिक हैं)। 1875 की कुलीन पेरिसियाई जनता ऐसे पात्रों को स्वीकार नहीं कर सकती थी (यह तब था जब कारमेन का प्रीमियर हुआ था)। वह ओपेरा के यथार्थवाद से विमुख थी, जिसे "शैली के नियमों" के साथ असंगत माना जाता था। पुजिन के तत्कालीन आधिकारिक डिक्शनरी ऑफ ओपेरा ने कहा कि कारमेन को फिर से बनाने की जरूरत है, "ओपेरा के लिए अनुपयुक्त यथार्थवाद को कमजोर करना।" निःसंदेह, यह उन लोगों का दृष्टिकोण था जो यह नहीं समझते थे कि जीवन की सच्चाई और प्राकृतिक नायकों से भरी यथार्थवादी कला, बिल्कुल स्वाभाविक रूप से ओपेरा मंच पर आई थी, न कि किसी एक संगीतकार की इच्छा से।
यह बिल्कुल यथार्थवादी मार्ग था जिसका अनुसरण ओपेरा शैली में काम करने वाले सबसे महान संगीतकारों में से एक ग्यूसेप वर्डी ने किया था।
वर्डी ने वीरतापूर्ण और देशभक्तिपूर्ण ओपेरा के साथ ओपेरा कार्य में अपनी लंबी यात्रा शुरू की। 40 के दशक में बनाए गए "लोम्बार्ड्स", "एर्नानी" और "अत्तिला" को इटली में राष्ट्रीय एकता के आह्वान के रूप में माना जाता था। उनके ओपेरा के प्रीमियर बड़े पैमाने पर सार्वजनिक प्रदर्शनों में बदल गए।
50 के दशक की शुरुआत में उनके द्वारा लिखे गए वर्डी के ओपेरा की प्रतिध्वनि बिल्कुल अलग थी। "रिगोलेटो", "इल ट्रोवाटोर" और "ला ट्रैविटा" वेर्डी के तीन ओपेरा कैनवस हैं, जिसमें उनके उत्कृष्ट संगीत उपहार को एक शानदार संगीतकार-नाटककार के उपहार के साथ खुशी से जोड़ा गया था।
विक्टर ह्यूगो के नाटक द किंग अम्यूज़ेज़ पर आधारित, ओपेरा रिगोलेटो 16वीं शताब्दी की घटनाओं का वर्णन करता है। ओपेरा की सेटिंग मंटुआ के ड्यूक का दरबार है, जिसके लिए मानवीय गरिमा और सम्मान उसकी सनक, अंतहीन सुख की इच्छा (कोर्ट जस्टर रिगोलेटो की बेटी गिल्डा, उसका शिकार बन जाती है) की तुलना में कुछ भी नहीं है। यह दरबारी जीवन का एक और ओपेरा प्रतीत होगा, जिनमें से सैकड़ों थे। लेकिन वर्डी एक सबसे सच्चा मनोवैज्ञानिक नाटक बनाता है, जिसमें संगीत की गहराई पूरी तरह से उसके पात्रों की भावनाओं की गहराई और सच्चाई से मेल खाती है।
ला ट्रैविटा ने समकालीनों के बीच एक वास्तविक आघात पहुँचाया। वेनिस की जनता, जिसके लिए ओपेरा का प्रीमियर आयोजित किया गया था, ने इसकी आलोचना की। ऊपर हमने बिज़ेट के "कारमेन" की विफलता के बारे में बात की, लेकिन "ला ट्रैविटा" का प्रीमियर लगभग एक चौथाई सदी पहले (1853) हुआ था, और इसका कारण वही था: जो दर्शाया गया था उसका यथार्थवाद।
वर्डी अपने ओपेरा की विफलता से बहुत परेशान थे। "यह एक निर्णायक असफलता थी," उन्होंने प्रीमियर के बाद लिखा, "आइए अब ला ट्रैविटा के बारे में न सोचें।"
बहुत बड़ा आदमी जीवर्नबलदुर्लभ रचनात्मक क्षमता वाले संगीतकार वर्डी बिज़ेट की तरह इस तथ्य से टूटे नहीं थे कि जनता ने उनके काम को स्वीकार नहीं किया। उन्होंने कई और ओपेरा बनाए, जो बाद में ओपेरा कला का खजाना बन गए। इनमें "डॉन कार्लोस", "आइडा", "फालस्टाफ" जैसी उत्कृष्ट कृतियाँ शामिल हैं। परिपक्व वर्डी की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक ओपेरा ओथेलो था।
ओपेरा कला में अग्रणी देशों - इटली, जर्मनी, ऑस्ट्रिया, फ्रांस - की भव्य उपलब्धियों ने अन्य संगीतकारों को प्रेरित किया यूरोपीय देश- चेक गणराज्य, पोलैंड, हंगरी - अपनी राष्ट्रीय ओपेरा कला बनाने के लिए। इस तरह पोलिश संगीतकार स्टैनिस्लाव मोनियस्ज़को द्वारा "कंकड़", चेक बर्डज़िच स्मेताना और एंटोनिन ड्वोरक के ओपेरा और हंगेरियन फेरेंक एर्केल का जन्म हुआ।
लेकिन रूस ने 19वीं शताब्दी में युवा राष्ट्रीय ओपेरा स्कूलों में अग्रणी स्थान पर कब्जा कर लिया।

4. रूसी ओपेरा
27 नवंबर, 1836 को सेंट पीटर्सबर्ग बोल्शोई थिएटर के मंच पर, पहले शास्त्रीय रूसी ओपेरा, मिखाइल इवानोविच ग्लिंका द्वारा "इवान सुसैनिन" का प्रीमियर हुआ।
संगीत के इतिहास में इस काम के स्थान को और अधिक स्पष्ट रूप से समझने के लिए, हम पश्चिमी यूरोपीय और रूसी संगीत थिएटर में उस समय विकसित हुई स्थिति को संक्षेप में रेखांकित करने का प्रयास करेंगे।
वैगनर, बिज़ेट, वर्डी ने अभी तक अपनी बात नहीं कही है। दुर्लभ अपवादों को छोड़कर (उदाहरण के लिए, पेरिस में मेयरबीर की सफलता), यूरोपीय ओपेरा में हर जगह ट्रेंडसेटर - रचनात्मकता और प्रदर्शन के तरीके दोनों में - इटालियंस हैं। मुख्य ओपेरा "तानाशाह" रॉसिनी है। इटालियन ओपेरा का गहन "निर्यात" होता है। वेनिस, नेपल्स, रोम के संगीतकार महाद्वीप के सभी कोनों की यात्रा करते हैं, लंबे समय तक काम करते हैं विभिन्न देश. अपनी कला के साथ इतालवी ओपेरा द्वारा संचित अमूल्य अनुभव को साथ लाते हुए, उन्होंने उसी समय राष्ट्रीय ओपेरा के विकास को दबा दिया।
रूस में भी यही स्थिति थी. सिमरोसा, पैसीलो, गैलुप्पी, फ्रांसेस्को अराया जैसे इतालवी संगीतकार यहां रुके थे, जो सुमारोकोव द्वारा मूल रूसी पाठ के साथ रूसी मधुर सामग्री पर आधारित ओपेरा बनाने का प्रयास करने वाले पहले व्यक्ति थे। बाद में, वेनिस के मूल निवासी, कैटरिनो कैवोस की गतिविधियों ने सेंट पीटर्सबर्ग के संगीत जीवन पर एक उल्लेखनीय छाप छोड़ी, जिन्होंने ग्लिंका - "ए लाइफ फॉर द ज़ार" ("इवान सुसैनिन") के समान नाम के तहत एक ओपेरा लिखा था।
रूसी दरबार और अभिजात वर्ग, जिनके निमंत्रण पर इतालवी संगीतकार रूस पहुंचे, ने हर संभव तरीके से उनका समर्थन किया। इसलिए, रूसी संगीतकारों, आलोचकों और अन्य सांस्कृतिक हस्तियों की कई पीढ़ियों को अपनी राष्ट्रीय कला के लिए लड़ना पड़ा।
रूसी ओपेरा बनाने का प्रयास 18वीं शताब्दी का है। प्रतिभाशाली संगीतकारफ़ोमिन, मैटिंस्की और पश्केविच (बाद वाले दो ओपेरा "सेंट पीटर्सबर्ग गोस्टिनी ड्वोर" के सह-लेखक थे), और बाद में अद्भुत संगीतकार वेरस्टोव्स्की (आज उनका "आस्कॉल्ड्स ग्रेव" व्यापक रूप से जाना जाता है) - प्रत्येक ने इस समस्या को हल करने का प्रयास किया। उनका अपना तरीका. हालाँकि, इस विचार को साकार करने के लिए ग्लिंका जैसी शक्तिशाली प्रतिभा की आवश्यकता थी।
ग्लिंका की उत्कृष्ट मधुर प्रतिभा, रूसी गीत के साथ उनकी धुन की निकटता, मुख्य पात्रों के चरित्र-चित्रण में सरलता और सबसे महत्वपूर्ण बात, वीर-देशभक्तिपूर्ण कथानक के प्रति उनकी अपील ने संगीतकार को महान कलात्मक सत्य और शक्ति का काम बनाने की अनुमति दी।
ओपेरा-परी कथा "रुस्लान और ल्यूडमिला" में ग्लिंका की प्रतिभा अलग तरह से सामने आई थी। यहां संगीतकार कुशलतापूर्वक वीरता (रुस्लान की छवि), शानदार (चेर्नोमोर का साम्राज्य) और हास्य (फरलाफ की छवि) को जोड़ता है। इस प्रकार, ग्लिंका के लिए धन्यवाद, पहली बार पुश्किन से पैदा हुई छवियां ओपेरा मंच पर आईं।
रूसी समाज के अग्रणी हिस्से द्वारा ग्लिंका के काम के उत्साही मूल्यांकन के बावजूद, रूसी संगीत के इतिहास में उनके नवाचार और उत्कृष्ट योगदान को उनकी मातृभूमि में वास्तव में सराहना नहीं मिली। ज़ार और उनके दल ने इतालवी संगीत की तुलना में उनके संगीत को प्राथमिकता दी। ग्लिंका के ओपेरा का दौरा करना अपमानजनक अधिकारियों के लिए एक सजा बन गया, एक प्रकार का गार्डहाउस।
अदालत, प्रेस और थिएटर प्रबंधन के अपने काम के प्रति इस रवैये से ग्लिंका को कठिन समय का सामना करना पड़ा। लेकिन वह दृढ़ता से जानते थे कि रूसी राष्ट्रीय ओपेरा को अपने रास्ते पर चलना चाहिए, अपने लोक संगीत स्रोतों पर भोजन करना चाहिए।
इसकी पुष्टि रूसी ओपेरा कला के विकास के पूरे आगे के पाठ्यक्रम से हुई।
अलेक्जेंडर डार्गोमीज़्स्की ग्लिंका का डंडा उठाने वाले पहले व्यक्ति थे। लेखक इवान सुसैनिन का अनुसरण करते हुए, उन्होंने ओपेरा संगीत के क्षेत्र का विकास जारी रखा। उनके नाम कई ओपेरा हैं, जिनमें से सबसे अधिक भाग्यशाली भाग्य"रुसाल्का" के हिस्से में गिर गया। पुश्किन का काम ओपेरा के लिए उत्कृष्ट सामग्री साबित हुआ। राजकुमार द्वारा धोखा खाई गई किसान लड़की नताशा की कहानी में बहुत नाटकीय घटनाएँ शामिल हैं - नायिका की आत्महत्या, उसके मिलर पिता का पागलपन। पात्रों के सभी सबसे जटिल मनोवैज्ञानिक अनुभवों को संगीतकार ने अरियास और पहनावा की मदद से हल किया है, जो इतालवी शैली में नहीं, बल्कि रूसी गीत और रोमांस की भावना में लिखा गया है।
19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, ओपेरा "जूडिथ", "रोग्नेडा" और "एनिमी पावर" के लेखक ए. सेरोव के ओपेरा कार्य को बड़ी सफलता मिली, जिनमें से बाद वाला (पाठ के आधार पर) ए.एन. ओस्ट्रोव्स्की द्वारा नाटक) रूसी राष्ट्रीय कला के विकास के अनुरूप था।
ग्लिंका "माइटी हैंडफुल" सर्कल में एकजुट होकर संगीतकार एम. बालाकिरेव, एम. मुसॉर्स्की, ए. बोरोडिन, एन. रिमस्की-कोर्साकोव और टीएस के लिए राष्ट्रीय रूसी कला के संघर्ष में एक वास्तविक वैचारिक नेता बन गए। सर्कल के सभी सदस्यों के काम में, इसके नेता एम. बालाकिरेव को छोड़कर, ओपेरा ने सबसे महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया।
जिस समय "माइटी हैंडफुल" का गठन हुआ वह रूस के इतिहास में अत्यंत महत्वपूर्ण घटनाओं के साथ मेल खाता था। 1861 में समाप्त कर दिया गया दासत्व. अगले दो दशकों तक, रूसी बुद्धिजीवी लोकलुभावनवाद के विचारों से प्रभावित रहे, जिसने किसान क्रांति की ताकतों द्वारा निरंकुशता को उखाड़ फेंकने का आह्वान किया। लेखकों, कलाकारों और संगीतकारों को रूसी राज्य के इतिहास और विशेष रूप से ज़ार और लोगों के बीच संबंधों से संबंधित विषयों में विशेष रुचि होने लगी है। इन सभी ने "कुचकिस्टों" की कलम से निकले अधिकांश ओपेरा कार्यों का विषय निर्धारित किया।
एम. पी. मुसॉर्स्की ने अपने ओपेरा "बोरिस गोडुनोव" को "लोक संगीत नाटक" कहा। वास्तव में, हालांकि ज़ार बोरिस की मानवीय त्रासदी ओपेरा के कथानक के केंद्र में है, ओपेरा के असली नायक लोग हैं।
मुसॉर्स्की मूलतः एक स्व-सिखाया हुआ संगीतकार था। इसने संगीत रचना की प्रक्रिया को बहुत जटिल बना दिया, लेकिन साथ ही इसे किसी संगीत नियम तक सीमित नहीं किया। इस प्रक्रिया में सब कुछ उनके काम के मुख्य आदर्श वाक्य के अधीन था, जिसे संगीतकार ने स्वयं एक संक्षिप्त वाक्यांश के साथ व्यक्त किया था: "मुझे सच्चाई चाहिए!"
मुसॉर्स्की ने कला में सच्चाई, अपने दूसरे ओपेरा, खोवांशीना में मंच पर होने वाली हर चीज़ में चरम यथार्थवाद की भी तलाश की, जिसे पूरा करने के लिए उनके पास समय नहीं था। इसे द माइटी हैंडफुल में मुसॉर्स्की के सहयोगी रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा पूरा किया गया था, जो सबसे बड़े रूसी ओपेरा संगीतकारों में से एक थे।
ओपेरा रिमस्की-कोर्साकोव की रचनात्मक विरासत का आधार बनता है। मुसॉर्स्की की तरह, उन्होंने रूसी ओपेरा के क्षितिज खोले, लेकिन पूरी तरह से अलग क्षेत्रों में। ऑपरेटिव साधनों का उपयोग करते हुए, संगीतकार रूसी शानदारता के आकर्षण, प्राचीन रूसी अनुष्ठानों की मौलिकता को व्यक्त करना चाहते थे। इसे उपशीर्षकों से स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है जो ओपेरा की शैली को स्पष्ट करते हैं, जिसे संगीतकार ने अपने कार्यों के लिए प्रदान किया है। उन्होंने "द स्नो मेडेन" को "वसंत परी कथा", "द नाइट बिफोर क्रिसमस" - एक "सच्चा कैरोल", "सैडको" - एक "ओपेरा-महाकाव्य" कहा; परी कथा ओपेरा में "द टेल ऑफ़ ज़ार साल्टन", "काश्चेई द इम्मोर्टल", "द टेल ऑफ़ द इनविजिबल सिटी ऑफ़ काइटज़ एंड द मेडेन फेवरोनिया", "द गोल्डन कॉकरेल" भी शामिल हैं। रिमस्की-कोर्साकोव के महाकाव्य और परी-कथा ओपेरा में एक अद्भुत विशेषता है: वे परी कथाओं और कल्पना के तत्वों को ज्वलंत यथार्थवाद के साथ जोड़ते हैं।
रिमस्की-कोर्साकोव ने इस यथार्थवाद को हासिल किया, जिसे हर काम में स्पष्ट रूप से महसूस किया जा सकता है, प्रत्यक्ष और बहुत प्रभावी तरीकों से: उन्होंने अपने ऑपरेटिव काम में व्यापक रूप से विकास किया लोक धुनें, कुशलतापूर्वक वास्तविक प्राचीन स्लाव अनुष्ठानों, "गहन पुरातनता की किंवदंतियों" को काम के ताने-बाने में पिरोया।
अन्य "कुचकिस्टों" की तरह, रिमस्की-कोर्साकोव ने भी ऐतिहासिक ओपेरा की शैली की ओर रुख किया, इवान द टेरिबल के युग को दर्शाते हुए दो उत्कृष्ट रचनाएँ बनाईं - "द प्सकोव वुमन" और "द ज़ार ब्राइड"। संगीतकार ने उस दूर के समय के रूसी जीवन के कठिन माहौल, प्सकोव फ्रीमैन के खिलाफ ज़ार के क्रूर प्रतिशोध की तस्वीरें, इवान द टेरिबल के विवादास्पद व्यक्तित्व ("द प्सकोव वुमन") और सामान्य निरंकुशता के माहौल को कुशलतापूर्वक चित्रित किया है। व्यक्ति का उत्पीड़न ("पस्कोविट")। ज़ार की दुल्हन", "द गोल्डन कॉकरेल");
वी.वी. की सलाह पर. स्टासोव, "माइटी हैंडफुल" के वैचारिक प्रेरक, इस मंडली के सबसे प्रतिभाशाली सदस्यों में से एक, बोरोडिन, राजसी रूस के जीवन पर एक ओपेरा बनाते हैं। यह कृति थी "प्रिंस इगोर"।
"प्रिंस इगोर" रूसी महाकाव्य ओपेरा का एक मॉडल बन गया। एक पुराने रूसी महाकाव्य की तरह, ओपेरा धीरे-धीरे और धीरे-धीरे कार्रवाई को उजागर करता है, जो दुश्मन - पोलोवेटियन को संयुक्त रूप से पीछे हटाने के लिए रूसी भूमि और बिखरी हुई रियासतों के एकीकरण की कहानी बताता है। बोरोडिन का काम मुसॉर्स्की के "बोरिस गोडुनोव" या रिमस्की-कोर्साकोव की "प्सकोव वुमन" के समान दुखद प्रकृति का नहीं है, लेकिन ओपेरा का कथानक राज्य के नेता, प्रिंस इगोर की अपनी हार का अनुभव करने की जटिल छवि पर भी केंद्रित है। कैद से भागने का निर्णय लेना और अंततः अपनी मातृभूमि के नाम पर दुश्मन को कुचलने के लिए एक दस्ता इकट्ठा करना।
रूसी संगीत कला में एक और दिशा का प्रतिनिधित्व त्चिकोवस्की के ओपेरा कार्य द्वारा किया जाता है। संगीतकार ने ऐतिहासिक विषयों पर काम के साथ ओपेरा कला में अपनी यात्रा शुरू की।
रिमस्की-कोर्साकोव के बाद, त्चिकोवस्की ओप्रीचनिक में इवान द टेरिबल के युग की ओर मुड़ता है। शिलर की त्रासदी में वर्णित फ्रांस की ऐतिहासिक घटनाओं ने द मेड ऑफ ऑरलियन्स के लिब्रेटो के आधार के रूप में कार्य किया। पुश्किन के पोल्टावा से, जो पीटर I के समय का वर्णन करता है, त्चिकोवस्की ने अपने ओपेरा माज़ेपा के लिए कथानक लिया।
उसी समय, संगीतकार गेय-कॉमेडी ओपेरा ("ब्लैकस्मिथ वकुला") और रोमांटिक ओपेरा ("द एंचेंट्रेस") बनाता है।
लेकिन ऑपरेटिव रचनात्मकता के शिखर - न केवल त्चिकोवस्की के लिए, बल्कि 19 वीं शताब्दी के पूरे रूसी ओपेरा के लिए - उनके गीतात्मक ओपेरा "यूजीन वनगिन" और "थे। हुकुम की रानी».
त्चिकोवस्की ने, पुश्किन की उत्कृष्ट कृति को ऑपरेटिव शैली में शामिल करने का निर्णय लेते हुए, एक गंभीर समस्या का सामना किया: "कविता में उपन्यास" की विविध घटनाओं में से कौन सी ओपेरा की लिब्रेट्टो का गठन कर सकती है। संगीतकार ने यूजीन वनगिन के नायकों के भावनात्मक नाटक को दिखाने का फैसला किया, जिसे वह दुर्लभ दृढ़ता और प्रभावशाली सादगी के साथ व्यक्त करने में कामयाब रहे।
फ्रांसीसी संगीतकार बिज़ेट की तरह, वनगिन में त्चिकोवस्की ने आम लोगों की दुनिया, उनके रिश्तों को दिखाने की कोशिश की। संगीतकार का दुर्लभ मधुर उपहार, पुश्किन के काम में वर्णित रोजमर्रा की जिंदगी की विशेषता वाले रूसी रोमांस स्वरों का सूक्ष्म उपयोग - इन सभी ने त्चिकोवस्की को एक ऐसा काम बनाने की अनुमति दी जो बेहद सुलभ है और साथ ही जटिल चित्रण भी करता है। मनोवैज्ञानिक अवस्थाएँनायकों.
द क्वीन ऑफ स्पेड्स में, त्चैकोव्स्की न केवल मंच के नियमों की गहरी समझ के साथ एक शानदार नाटककार के रूप में दिखाई देते हैं, बल्कि एक महान सिम्फनीवादक के रूप में भी दिखाई देते हैं, जो सिम्फोनिक विकास के नियमों के अनुसार कार्रवाई का निर्माण करते हैं। ओपेरा बहुत बहुआयामी है. लेकिन इसकी मनोवैज्ञानिक जटिलता उज्ज्वल धुनों, विभिन्न पहनावों और गायन मंडलियों से ओत-प्रोत आकर्षक अरियाओं द्वारा पूरी तरह से संतुलित है।
इस ओपेरा के लगभग साथ ही, त्चिकोवस्की ने एक ओपेरा-परी कथा, "इओलंता" लिखी, जो अपने आकर्षण में अद्भुत थी। हालाँकि, द क्वीन ऑफ़ स्पेड्स, यूजीन वनगिन के साथ, 19वीं सदी की नायाब रूसी ओपेरा उत्कृष्ट कृतियाँ बनी हुई हैं।

5. समसामयिक ओपेरा
नई 20वीं सदी के पहले दशक ने पहले ही दिखा दिया कि ओपेरा की कला में युगों का कितना तीव्र परिवर्तन हुआ, पिछली सदी का ओपेरा और भविष्य की सदी कितनी अलग हैं।
1902 में, फ्रांसीसी संगीतकार क्लाउड डेब्यूसी ने दर्शकों के लिए ओपेरा "पेलिस एट मेलिसांडे" (मैटरलिंक के नाटक पर आधारित) प्रस्तुत किया। यह कार्य असामान्य रूप से सूक्ष्म और सुरुचिपूर्ण है। और ठीक उसी समय, जियाकोमो पुकिनी ने अपना आखिरी ओपेरा "मैडामा बटरफ्लाई" (इसका प्रीमियर दो साल बाद हुआ) 19वीं सदी के सर्वश्रेष्ठ इतालवी ओपेरा की भावना में लिखा था।
इस प्रकार ओपेरा में एक अवधि समाप्त होती है और दूसरी शुरू होती है। लगभग सभी प्रमुख यूरोपीय देशों में स्थापित ओपेरा स्कूलों का प्रतिनिधित्व करने वाले संगीतकार अपने काम में आधुनिक समय के विचारों और भाषा को पहले से विकसित राष्ट्रीय परंपराओं के साथ जोड़ने का प्रयास करते हैं।
ओपेरा बफ़ा "द स्पैनिश ऑवर" और शानदार ओपेरा "द चाइल्ड एंड द मैजिक" जैसे शानदार कार्यों के लेखक सी. डेब्यूसी और एम. रवेल के बाद, फ्रांस में संगीत की कला में एक नई लहर दिखाई देती है। 1920 के दशक में, संगीतकारों का एक समूह यहां उभरा, जो संगीत इतिहास में "सिक्स" के रूप में जाना गया। इसमें एल. ड्यूरे, डी. मिलहौड, ए. होनेगर, जे. ऑरिक, एफ. पॉलेन्क और जे. टैलेफ़र शामिल थे। ये सभी संगीतकार मुख्य रूप से एकजुट थे रचनात्मक सिद्धांत: झूठी करुणा से रहित, रोजमर्रा की जिंदगी के करीब, इसे अलंकृत नहीं करना, बल्कि इसे इसके सभी गद्य और रोजमर्रा की जिंदगी के साथ प्रतिबिंबित करना। यह रचनात्मक सिद्धांत सिक्स के प्रमुख संगीतकारों में से एक, ए. हॉनगर द्वारा स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया था। उन्होंने कहा, "संगीत को अपना चरित्र बदलना चाहिए, सच्चा, सरल, व्यापक चाल वाला संगीत बनना चाहिए।"
"सिक्स" के समान विचारधारा वाले रचनात्मक संगीतकारों ने अलग-अलग रास्ते अपनाए। इसके अलावा, उनमें से तीन - होनेगर, मिलहुड और पॉलेन्क - ने ओपेरा की शैली में फलदायी रूप से काम किया।
एक असामान्य काम, भव्य रहस्यमय ओपेरा से अलग, पोलेन्क का मोनो-ओपेरा "द ह्यूमन वॉयस" था। लगभग आधे घंटे तक चलने वाला यह काम, अपने प्रेमी द्वारा छोड़ी गई एक महिला के बीच टेलीफोन पर हुई बातचीत है। इस प्रकार, ओपेरा में केवल एक ही पात्र है। क्या पिछली शताब्दियों के ओपेरा लेखक ऐसी किसी चीज़ की कल्पना कर सकते हैं!
30 के दशक में, अमेरिकी राष्ट्रीय ओपेरा का जन्म हुआ, इसका एक उदाहरण डी. गेर्शविन द्वारा लिखित "पोर्गी एंड बेस" है। मुख्य विशेषताइस ओपेरा में, साथ ही गेर्शविन की संपूर्ण शैली में, काले लोककथाओं के तत्वों और जैज़ के अभिव्यंजक साधनों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाने लगा।
घरेलू संगीतकारों ने विश्व ओपेरा के इतिहास में कई अद्भुत पन्ने लिखे हैं।
उदाहरण के लिए, एन. लेसकोव की इसी नाम की कहानी पर आधारित शोस्ताकोविच के ओपेरा "लेडी मैकबेथ ऑफ मत्सेंस्क" ("कतेरीना इज़मेलोवा") ने गर्म बहस का कारण बना। ओपेरा में "मीठी" इतालवी धुनें नहीं हैं, पिछली शताब्दियों के ओपेरा से परिचित कोई शानदार, शानदार पहनावा और अन्य रंग नहीं हैं। लेकिन अगर हम विश्व ओपेरा के इतिहास को यथार्थवाद के लिए संघर्ष के रूप में मानते हैं, मंच पर वास्तविकता के सच्चे चित्रण के लिए, तो "कतेरीना इस्माइलोवा" निस्संदेह ओपेरा कला के शिखर में से एक है।
घरेलू ओपेरा रचनात्मकता बहुत विविध है। वाई. शापोरिन ("डीसमब्रिस्ट्स"), डी. काबालेव्स्की ("कोला ब्रुग्नन", "द फैमिली ऑफ तारास"), टी. ख्रेनिकोव ("इनटू द स्टॉर्म", "मदर") द्वारा महत्वपूर्ण कार्य बनाए गए थे। विश्व ओपेरा कला में एक बड़ा योगदान एस. प्रोकोफिव का काम था।
प्रोकोफ़िएव ने 1916 में ओपेरा द गैम्बलर (दोस्तोव्स्की पर आधारित) के साथ ओपेरा संगीतकार के रूप में अपनी शुरुआत की। इसमें पहले से ही जल्दी कामउनकी लिखावट स्पष्ट रूप से महसूस की जा सकती थी, जैसा कि ओपेरा "द लव फॉर थ्री ऑरेंजेस" में हुआ था, जो कुछ समय बाद सामने आया, जो एक बड़ी सफलता थी।
हालाँकि, एक ओपेरा नाटककार के रूप में प्रोकोफ़िएव की उत्कृष्ट प्रतिभा पूरी तरह से वी. कटाव की कहानी "मैं कामकाजी लोगों का बेटा हूँ" पर आधारित ओपेरा "शिमोन कोटको" में प्रकट हुई थी, और विशेष रूप से "वॉर एंड पीस" में। जिसका कथानक एल. टॉल्स्टॉय का इसी नाम का महाकाव्य था।
इसके बाद, प्रोकोफ़िएव ने दो और ओपेरा रचनाएँ लिखीं - "द टेल ऑफ़ ए रियल मैन" (बी. पोलेवॉय की कहानी पर आधारित) और 18 वीं शताब्दी के ओपेरा बफ़ा की भावना में आकर्षक कॉमिक ओपेरा "बेटरोथल इन ए मोनेस्ट्री"।
प्रोकोफ़िएव के अधिकांश कार्यों का भाग्य कठिन था। कई मामलों में संगीत की भाषा की अद्भुत मौलिकता के कारण उनकी तुरंत सराहना करना कठिन हो गया। देर से पहचान हुई. उनके पियानो और कुछ आर्केस्ट्रा कार्यों दोनों के मामले में यही स्थिति थी। इसी तरह का भाग्य ओपेरा वॉर एंड पीस का इंतजार कर रहा था। इसकी वास्तविक सराहना लेखक की मृत्यु के बाद ही हुई। लेकिन इस कृति के निर्माण को जितने अधिक वर्ष बीत चुके हैं, विश्व ओपेरा कला की इस उत्कृष्ट रचना का पैमाना और भव्यता उतनी ही गहराई से सामने आई है।
हाल के दशकों में, आधुनिक पर आधारित रॉक ओपेरा वाद्य संगीत. इनमें एन. रब्बनिकोव की "जूनो और एवोस", "जीसस क्राइस्ट सुपरस्टार" शामिल हैं।
पिछले दो या तीन वर्षों में, विक्टर ह्यूगो के अमर काम पर आधारित ल्यूक रलामॉन और रिचर्ड कोचिन्टे द्वारा "नोट्रे डेम डी पेरिस" जैसे उत्कृष्ट रॉक ओपेरा बनाए गए हैं। इस ओपेरा को संगीत कला के क्षेत्र में पहले ही कई पुरस्कार मिल चुके हैं और इसका अंग्रेजी में अनुवाद किया जा चुका है। इस गर्मी में ओपेरा का प्रीमियर मॉस्को में रूसी भाषा में हुआ। ओपेरा में आश्चर्यजनक रूप से सुंदर चरित्र संगीत, बैले प्रदर्शन और कोरल गायन का संयोजन हुआ।
मेरी राय में, इस ओपेरा ने मुझे ओपेरा की कला को एक नए तरीके से देखने पर मजबूर किया।
2001 में, उन्हीं लेखकों ने शेक्सपियर की त्रासदी पर आधारित एक और रॉक ओपेरा, रोमियो एंड जूलियट बनाया। यह काम अपने आप में शानदार है संगीत सामग्रीनोट्रे डेम कैथेड्रल से कमतर नहीं।

6. एक ओपेरा कार्य की संरचना
यह वह विचार है जो कला के किसी भी कार्य के निर्माण का प्रारंभिक बिंदु है। लेकिन ओपेरा के मामले में किसी अवधारणा के जन्म का विशेष महत्व होता है। सबसे पहले, यह ओपेरा की शैली को पूर्व निर्धारित करता है; दूसरे, यह सुझाव देता है कि भविष्य के ओपेरा के लिए साहित्यिक रूपरेखा के रूप में क्या काम किया जा सकता है।
जिस प्राथमिक स्रोत से संगीतकार शुरुआत करता है वह आमतौर पर एक साहित्यिक कार्य होता है।
साथ ही, ऐसे ओपेरा भी हैं, उदाहरण के लिए वर्डी का इल ट्रोवाटोर, जिनके पास विशिष्ट साहित्यिक स्रोत नहीं हैं।
लेकिन दोनों ही मामलों में, ओपेरा पर काम लिब्रेटो की तैयारी के साथ शुरू होता है।
एक ओपेरा लिब्रेटो बनाना ताकि यह वास्तव में प्रभावी हो, मंच के कानूनों को पूरा करता हो, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि संगीतकार को एक प्रदर्शन बनाने की अनुमति मिलती है जैसा वह आंतरिक रूप से सुनता है, और प्रत्येक ओपेरा चरित्र को "मूर्तिकला" करना आसान काम नहीं है।
ओपेरा के जन्म के बाद से, कवि लगभग दो शताब्दियों तक लिब्रेटो के लेखक रहे हैं। इसका मतलब यह बिल्कुल नहीं था कि ओपेरा लिब्रेटो का पाठ पद्य में प्रस्तुत किया गया था। यहां एक और बात महत्वपूर्ण है: लिब्रेटो काव्यात्मक होना चाहिए और भविष्य का संगीत पहले से ही पाठ में बजना चाहिए - अरियास, सस्वर पाठ, पहनावा का साहित्यिक आधार।
19वीं शताब्दी में, भविष्य के ओपेरा लिखने वाले संगीतकार अक्सर लिब्रेटो स्वयं लिखते थे। सबसे ज्वलंत उदाहरण रिचर्ड वैगनर हैं। उनके लिए, कलाकार-सुधारक जिन्होंने अपने भव्य कैनवस बनाए - संगीत नाटक, शब्द और ध्वनि अविभाज्य थे। वैगनर की फंतासी ने मंच छवियों को जन्म दिया, जो रचनात्मकता की प्रक्रिया में साहित्यिक और संगीतमय मांस के साथ "अतिविकसित" हो गईं।
और भले ही उन मामलों में जब संगीतकार स्वयं लिब्रेटिस्ट निकला, लिब्रेट्टो साहित्यिक दृष्टि से खो गया, लेकिन लेखक किसी भी तरह से अपनी सामान्य योजना, समग्र रूप से काम के अपने विचार से विचलित नहीं हुआ।
इसलिए, अपने पास एक लिब्रेटो होने पर, संगीतकार भविष्य के ओपेरा की समग्र रूप से कल्पना कर सकता है। फिर अगला चरण आता है: लेखक यह तय करता है कि ओपेरा के कथानक में कुछ बदलावों को लागू करने के लिए उसे कौन से ओपेरा रूपों का उपयोग करना चाहिए।
नायकों के भावनात्मक अनुभव, उनकी भावनाएँ, विचार - यह सब एरिया के रूप में तैयार किया गया है। उस समय जब ओपेरा में अरिया बजना शुरू होता है, तो कार्रवाई रुक जाती है, और अरिया स्वयं नायक की स्थिति, उसकी स्वीकारोक्ति का एक प्रकार का "स्नैपशॉट" बन जाता है।
एक समान उद्देश्य - एक ओपेरा चरित्र की आंतरिक स्थिति को व्यक्त करना - ओपेरा में एक गाथागीत, रोमांस या एरियोसो द्वारा पूरा किया जा सकता है। हालाँकि, एरियोसो, एरिया और अन्य सबसे महत्वपूर्ण ऑपरेटिव रूप - सस्वर पाठ के बीच एक मध्यवर्ती स्थान रखता है।
आइए रूसो के "म्यूजिकल डिक्शनरी" की ओर मुड़ें। "पुनरावृत्ति," महान फ्रांसीसी विचारक ने तर्क दिया, "केवल नाटक की स्थिति को जोड़ने, विभाजित करने और अरिया के अर्थ पर जोर देने और सुनने की थकान को रोकने के लिए काम करना चाहिए..."
19वीं शताब्दी में, ओपेरा प्रदर्शन की एकता और अखंडता के लिए प्रयास करने वाले विभिन्न संगीतकारों के प्रयासों के माध्यम से, सस्वर पाठ व्यावहारिक रूप से गायब हो गया, जिससे बड़े मधुर एपिसोड का मार्ग प्रशस्त हुआ, जो सस्वर पाठ के उद्देश्य के समान था, लेकिन संगीतमय अवतार में अरियास के करीब था।
जैसा कि हमने ऊपर कहा, वैगनर से शुरू करते हुए, संगीतकार एकल, अभिन्न संगीत भाषण बनाते हुए, ओपेरा को अरिया और सस्वर पाठों में विभाजित करने से इनकार करते हैं।
अरिया और सस्वर पाठ के अलावा, पहनावा ओपेरा में एक महत्वपूर्ण रचनात्मक भूमिका निभाता है। वे कार्रवाई के दौरान दिखाई देते हैं, आमतौर पर उन जगहों पर जब ओपेरा के पात्र सक्रिय रूप से बातचीत करना शुरू करते हैं। वे उन हिस्सों में विशेष रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं जहां संघर्ष, प्रमुख स्थितियां उत्पन्न होती हैं।
अक्सर संगीतकार इसे महत्वपूर्ण के रूप में उपयोग करता है अभिव्यक्ति का साधनऔर कोरस - अंतिम दृश्यों में या, यदि कथानक की आवश्यकता हो, तो लोक दृश्य दिखाने के लिए।
तो, एरियास, सस्वर पाठ, पहनावा, कोरल और कुछ मामलों में बैले एपिसोड ओपेरा प्रदर्शन के सबसे महत्वपूर्ण तत्व हैं। लेकिन यह आम तौर पर एक प्रस्ताव के साथ शुरू होता है।
प्रस्ताव दर्शकों को संगठित करता है, उन्हें संगीतमय छवियों और पात्रों की कक्षा में शामिल करता है जो मंच पर अभिनय करेंगे। अक्सर ओवरचर उन विषयों पर बनाया जाता है जो फिर ओपेरा के माध्यम से चलते हैं।
और अब, आखिरकार, हमारे पीछे बड़ी मात्रा में काम बाकी है - संगीतकार ने ओपेरा बनाया, या बल्कि, इसका स्कोर, या क्लैवियर बनाया। लेकिन संगीत को सुरों में कैद करने और उसे प्रस्तुत करने के बीच बहुत बड़ा अंतर है। ओपेरा के लिए - भले ही वह उत्कृष्ट हो संगीत रचना- एक दिलचस्प प्रदर्शन बन गया है, उज्ज्वल, रोमांचक, इसके लिए एक विशाल टीम के काम की आवश्यकता है।
ओपेरा के निर्माण का नेतृत्व एक कंडक्टर द्वारा किया जाता है, जिसकी सहायता एक निर्देशक करता है। हालाँकि ऐसा हुआ कि नाटक थिएटर के महान निर्देशकों ने एक ओपेरा का मंचन किया, और कंडक्टरों ने उनकी मदद की। वह सब कुछ जो संगीत व्याख्या से संबंधित है - ऑर्केस्ट्रा का स्कोर पढ़ना, गायकों के साथ काम करना - कंडक्टर का डोमेन है। यह निर्देशक की ज़िम्मेदारी है कि वह नाटक के मंच डिज़ाइन को लागू करे - मिस-एन-सीन का निर्माण करे, एक अभिनेता के रूप में प्रत्येक भूमिका निभाए।
किसी प्रोडक्शन की अधिकांश सफलता उस कलाकार पर निर्भर करती है जो सेट और वेशभूषा का रेखाचित्र बनाता है। इसमें एक गायक-मंडली, एक कोरियोग्राफर और निश्चित रूप से, गायकों का काम जोड़ें, और आप समझ जाएंगे कि एक जटिल उपक्रम, कई दर्जनों लोगों के रचनात्मक कार्यों को एकजुट करके, मंच पर एक ओपेरा का मंचन कर रहा है, कितना प्रयास, रचनात्मक कल्पना संगीत के इस महानतम उत्सव, रंगमंच के उत्सव, कला के उत्सव, जिसे ओपेरा कहा जाता है, को जन्म देने के लिए दृढ़ता और प्रतिभा का इस्तेमाल किया जाना चाहिए।

ग्रन्थसूची

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