W kontakcie z
22 marca po raz pierwszy publiczny pokaz braci Lumière, uznawanych za twórców kina 1895 w Paryżu, chociaż nadal brana jest pod uwagę data urodzenia 28 grudnia w tym samym roku, w którym w salonie Grand Cafe odbył się pierwszy pokaz komercyjny. Opinia publiczna była pod wrażeniem tej innowacji; poruszający się obraz wywołał wśród ludzi prawdziwy szok. Istnieje wersja, w której ludzie ze strachu podskakiwali z miejsc, gdy wyświetlono krótki film „Przyjazd pociągu”. Przez kolejne dwa lata pokazy odbywały się w czołowych stolicach i miastach świata. Nowy Jork był jednym z takich miejsc.
Salon „Wielka Kawiarnia”, 28.12.1895
Dokładnie Nowy Jork stał się pierwszym ośrodkiem kina amerykańskiego. Na początku XX wieku mieściła się tu już niewielka liczba studiów filmowych. Ale, jak wiadomo, później wiele postaci przeniosło centrum przemysłu na zachodnie wybrzeże. Stało się to pod wpływem kilku czynników.
Po pierwsze, czynsz w Nowym Jorku był drogi. Po drugie, oprócz niedorozwoju sprzętu oświetleniowego, w Nowym Jorku panowały także nieodpowiednie warunki pogodowe – pochmurna i deszczowa pogoda przeszkadzała w realizacji filmów. Po trzecie, Thomas Edison, który w 1909 roku próbował zmonopolizować produkcję filmową, wystraszył wszystkich niezależnych „filmowców”, co doprowadziło do ich ucieczki na przedmieścia San Francisco i Los Angeles.
Fundusz Filmowy Edisona istniała do 1913 r., kiedy to po procesie została zamknięta, gdyż jej działalność była sprzeczna z przepisami antymonopolowymi. Przez lata swojej pracy wywarł on oczywiście nie tylko negatywny skutek, który polegał na utrudnianiu pracy niezależnym filmowcom, co z kolei doprowadziło do spadku ilości i jakości produktów, ale także pozytywny - Edison zapobiegł penetracji kina europejskiego, aby uniknąć konkurencji, która, jak sądzę, nadała amerykańskiej tożsamości i wyjątkowości.
Wioska stała się najpopularniejszym miejscem osiedlania się filmowców na zachodnim wybrzeżu. Hollywood, który jest dziś znany niemal każdemu. Pod koniec XIX wieku było to już tylko ogromne ranczo.
Oprócz walorów klimatycznych (ponad 300 słonecznych dni w roku) miejsce to miało także walory geograficzne: w pobliżu znajdowały się pasma górskie i wybrzeże Pacyfiku. Los Angeles służyło jako źródło siły roboczej i materiałów budowlanych.
Już u swych początków krzyżowało się kino amerykańskie tematy polityczne i otwarcie wyraził swój stosunek do nich. W 1898 roku u wybrzeży Hawany wysadzony został amerykański krążownik Maine, co wywołało wojnę amerykańsko-hiszpańską. Pierwszego dnia konfliktu James Stewart Blackton nakręcił film „ Zburzenie flagi Hiszpanii”, a później wypuścił film” Wznoszenie dawnej chwały nad zamkiem Morro„. Obydwa filmy wyrażają postawa autora do hiszpańskiej tyranii.
Pierwszy film fabularny wyprodukowany bezpośrednio w studiu w Hollywood – „Mąż Hinduski” Cecila B. deMille’a. To niemy western z 1914 roku. Jego czas trwania wynosi 72 minuty.
„Człowiek z dyni”, 1914
Pierwsze kina w Stanach Zjednoczonych nosiły nazwę „ nickelodeony„Były bardzo tanie, wstęp 5 centów. W 1908 roku było ich około trzech tysięcy, ale z roku na rok ich liczba wzrastała ze względu na duże zapotrzebowanie na kino. Konkurencja doprowadziła do upadku małych studiów i zaczęły powstawać duże trusty filmowe, łączące się z firmami dystrybucyjnymi.
W 1912 roku pojawiły się Universal Studios i Paramount Pictures. Taki gigant w dziedzinie kina jak Warner Brothers powstał dopiero w 1923 roku, a rok później powstały Metro-Goldwyn-Mayer i Columbia Pictures.
Logo braci Warner, 1923
W wieku 20 lat Hollywood stało się wreszcie centrum amerykańskiego przemysłu filmowego. Co roku puszczano tam 800 filmów. Wzrosła liczba głównych studiów filmowych i wyłonił się system gwiazd filmowych.
Niestety, duży popyt na kino spowodował, że kino jest zorientowane na widza, a nie na reżysera. Reżyserzy byli niezwykle ograniczeni w pomysłach swoich autorów. Na pierwszy plan wysunęli się aktorzy i producenci filmowi. Powstały „spektakularne” filmy, które miały zadowolić masową publiczność.
Era klasycznego Hollywoodu.
Okres ten rozpoczyna się w roku 1928 wraz z utworzeniem studia filmowego RKO Pictures. Charakteryzuje się tzw. systemem studyjnym, w którym 8 największych trustów filmowych kontrolowało 95% amerykańskiego rynku filmowego. Te duże studia zajmowały się nie tylko produkcją, ale także premierą filmów, a także były właścicielami całych sieci kin.
Studia miały także pełną kontrolę nad sferą twórczą. Z aktorami, reżyserami i osobami wykonującymi inne zawody kinematograficzne zawierano długoterminowe umowy, za których niewykonanie grożono wysokimi karami finansowymi. Niepożądanych twórców można po prostu wypchnąć z biznesu. Doskonale charakteryzuje epokę i określenie „ przenośnik gwiazdowy„: Kierownictwo studia przyjęło młodych obiecujących aktorów i wypromowało ich, wymyślając dla nich imię i biografię. Profesjonalne nagrody rozdawali za kulisami czołowi potentaci filmowi.
Monopolizacja doprowadziła nie tylko do zawyżenia cen, ale także do tego, że kinom niezależnym oferowano od razu pięć filmów, z których tylko jeden okazał się hitem, a pozostałe sprzedawano „na ilość”.
Jednak epoka ta naznaczona była ważnymi wydarzeniami i niezwykłymi osobistościami.
Pierwszy film dźwiękowy powstał w 1927 r. Piosenkarz jazzowy„To właśnie po tym wydarzeniu studio filmowe Warner Brothers stało się jednym z czołowych „graczy”.
„Śpiewak jazzowy”, 1927
W 1933 roku nadszedł najlepszy czas dla studia RKO Pictures, które do tej pory zawsze zachowywało dyskrecję za plecami swoich potężniejszych kolegów. Do filmu” King Konga„Remake'i wciąż powstają.
„King Kong”, 1933 r
Wyróżniało się studio United Artists, którego jednym z założycieli był Charlie Chaplin. Często pomagała niezależnym twórcom filmowym. Dla Charliego Chaplina trzeba oczywiście przygotować osobną prezentację. Chcę tylko powiedzieć, że jego filmy nieme podobały się ludziom nawet po pojawieniu się filmów dźwiękowych w 1927 roku i kręcił je jeszcze przez następną dekadę. Jego pierwszym filmem dźwiękowym był „Wielki dyktator” z 1940 roku.
Epoka ta naznaczona była także pojawieniem się najbardziej prestiżowej nagrody w dziedzinie dzisiejszego kina - „ Oskar„. W 1929 r. w hotelu Roosevelt odbyła się pierwsza ceremonia wręczenia nagród, która trwała 15 minut, wstęp kosztował 5 dolarów i wzięło w niej udział 250 osób. Najśmieszniejsze jest to, że zwycięzców poznano już trzy miesiące wcześniej i trwało to do 1945 roku, kiedy to dopiero pojawiły się zapieczętowane koperty. Zwycięzcą w tym roku został film „ Skrzydełka«.
Oskar, 1929
„Skrzydła”, 1927
Popularne w tym czasie były także westerny Johna Forda, nagrodzonego czterema Oscarami za reżyserię, musicale z Fredem Astairem i thrillery kryminalne Hitchcocka.
Od końca lat trzydziestych XX wieku filmy wysokobudżetowe kręcono w kolorze. Po wojnie popularny stał się gatunek historyczny baskinka— powstają filmy wielkoformatowe, o długim czasie trwania, o tematyce antycznej. Dominują w nich sceny z imponującą liczbą statystów i scenerii. Jednym z przykładów jest film „ Ben Hur”, który zdobył 11 Oscarów. Musicale również pozostały w modzie i przyciągały publiczność.
System studyjny nadal nie mógł sobie z tym poradzić. Zaczęły pojawiać się pytania ze strony Agencji Antymonopolowej, która po długim procesie ze studiem Paramount Pictures udowodniła, że firma naruszyła prawo o wolnej konkurencji. Studio musiało sprzedać swoje kina. Wkrótce to samo zrobiło studio RKO Pictures, a do 1954 roku wszystkie studia. Tak zaczyna się era Nowego Hollywood.
Era Nowego Hollywoodu.
Studia zaczęły tracić większość zysków (prawie 90%) wraz ze wzrostem płatności dla dystrybutorów, którzy także przestali kupować filmy partiami (filmy, które nie były hitami, nie przynosiły więc wytwórniom dochodów). Kolejnym problemem, przed którym stanęła branża filmowa, był spadek frekwencji w kinach w związku z upowszechnieniem się telewizji. Ludzie nie chcieli spędzać wieczorów w kinach, skoro mogli coś obejrzeć siedząc w domu przed ekranem telewizora. Najsłabsze firmy traciły pieniądze, więc na rynek zaczęli wchodzić obcokrajowcy. Firma była pierwsza Decca Records, która przejęła kontrolę nad Universal Pictures w 1951 roku.
Kolejną konsekwencją upadku studiów był wzrost opłat gwiazd. Jeśli wcześniej aktorzy wciąż plasowali się poniżej poziomu studyjnego i zmuszeni byli pracować na podstawie długoterminowych kontraktów dla studia, teraz wysuwają się na pierwszy plan, gdyż tylko znani aktorzy mogli zapewnić filmowi sukces komercyjny. Wielu agentów zaczęło żądać od studiów nie określonej pensji za film dla swoich aktorów, ale procentu zysków. Na przykład Hitchcock otrzymał jako reżyser 50 tysięcy dolarów za swój film „Złapać złodzieja”, a aktor grający główną rolę otrzymał wynagrodzenie w wysokości 700 000 dolarów.
Hitchcock po lewej stronie. Cary Grant (aktor) – z prawej
Słabsze z największych studiów (RKO, United Artists, a nawet MGM) zostały wyparte z rynku. Pozostałe studia zwróciły się ku projektom telewizyjnym, na które było duże zapotrzebowanie, aby wypełnić czas antenowy, czasami inwestując pieniądze tylko w niezawodne projekty. Dzięki temu w 1957 roku połowa filmów została wydana przez producentów niezależnych.
Szefowie studia nie mogli zrozumieć, czego potrzebuje widz. Ze stratą zaczęto zapraszać młodych reżyserów, którzy nie wymagali dużych pieniędzy i prowadzili do eksperymentów w dziedzinie kina. Często tacy ludzie ze szkół filmowych i małych studiów łamali utarte w kinie tradycje, przyjmowali pewien styl autorskiego kina europejskiego i nadawali produktowi coś zupełnie nowego i szczerego.
W tym czasie tworzyli tacy mistrzowie jak Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Woody Allen i inni.
„Ojciec chrzestny” F.F. Coppola
Zainteresowanie eksperymentami osłabło pod koniec lat 70., kiedy nakręcono film „ Bramy Niebios„ klapą w kasie. Nadal uważany jest za jedną z największych klap kasowych. W tym czasie pochodził główny dochód Fantastyka naukowa i hity kinowe, takie jak „Szczęki” Stevena Spielberga i „Gwiezdne wojny” George’a Lucasa, studia zdecydowały się podążać sprawdzoną ścieżką finansowania projektów nastawionych na komercyjny sukces i masową widownię.
"Bramy niebios"
Okres nowożytny.
Dziś amerykański rynek filmowy zdominowany jest przez sześć studiów: Paramount Pictures, Warner Bros., Columbia Pictures, 20th Century Fox, Universal Studios i Walta Disneya Firma.
Ale produkty niezależnych firm (10-15%), takich jak Lionsgate, Dreamworks, The Weinstein Company i innych, również zajmują ich niszę. Niestety, nadal największe zyski generują filmy skupiające się na rozrywce, czyli z dużą ilością efektów specjalnych i grafiki komputerowej. Największym sukcesem cieszą się także sequele, prequele i remake’ów uznanych już hitów, co sugeruje pewną stagnację w kinie amerykańskim.
Są też pozytywne aspekty. To wciąż dostęp do kina niezależnego i zacieranie się granicy pomiędzy nim a projektami komercyjnymi. Trend w tym kierunku rozpoczął się już w latach 90., kiedy filmy Quentina Tarantino i braci Coen zarobiły więcej niż przeciętne filmy studyjne.
Jednak kino amerykańskie jest nadal najbardziej rozpowszechnione i popularne na świecie. Prawie połowa wszystkich filmów na świecie powstaje w Ameryce. Z charakterystyczne cechy W amerykańskiej branży filmowej można zaobserwować: monopolizację, która dała początek „gwiazdorskiemu pasowi transmisyjnemu” z późniejszą idealizacją aktorów i wzrostem ich wynagrodzeń, „hollywoodzkie klisze” oraz standaryzację oferowanych filmów. To właśnie w USA na plakatach filmowych zaczęto pojawiać się czołowi aktorzy. Cechą hollywoodzkich filmów są także idealne i czyste ujęcia, które pozwalają uciec od rzeczywistości. Często filmy kojarzą się z amerykańskimi wartościami, stylem życia i „amerykańskim snem”.
Kino w Ameryce to nie tylko rozrywka, to cała branża finansowa, która taka jest od samego początku. Jest to jednak czynnik zarówno pozytywny, jeśli chodzi o większe możliwości realizacji, jak i negatywny – dziś moim zdaniem dla dużych studiów wszystko sprowadza się do robienia hitów, czyli atrakcji do zarabiania pieniędzy.
10 głosów Znak HollywoodZe względu na swoją sławę i tożsamość kulturową jako historyczne centrum studia filmowe i gwiazdy filmowe, słowo „Hollywood” jest często używane jako metonimia amerykańskiego przemysłu filmowego. Nazwa „Tinseltown” nawiązuje do wspaniałej natury Hollywood i przemysłu filmowego.
Obecnie znaczna część przemysłu filmowego zlokalizowana jest w dzielnicach takich jak Westside, ale znaczna część branży wspierającej, takiej jak montaż, efekty, rekwizyty, końcowy montaż i oświetlenie, pozostaje w Hollywood, podobnie jak lokalizacja Paramount Pictures.
Wiele historycznych teatrów Hollywood służy jako sceny akcji i koncertów, podczas których odbywają się premiery najważniejszych produkcji filmowych, a także jako miejsce ceremonii wręczenia Oscarów. Jest to popularne miejsce życie nocne i turystyki, a także siedziba Hollywood Walk of Fame.
Historia Hollywoodu
Obecnie znaczenie słowa „Hollywood” znane jest we wszystkich zakątkach świata. Zaprezentowane przez nich na ekranach spektakle przyciągają wszystkich koneserów kinematografii. Kino hollywoodzkie jest bez wątpienia liderem wśród swoich „kolegów”. Ale często łączone są pojęcia „kina amerykańskiego” i „Hollywoodu”.
Kino hollywoodzkie jest zdecydowanie najpopularniejsze na świecie. Hollywood ma znaczący wpływ oraz w kinie innych krajów. Nie jest tajemnicą, że hollywoodzkie filmy wyznaczają modę w wielu gatunkach filmowych. Decydują także o wyborze fabuły, doborze obsady aktorskiej i kreowaniu wizerunku filmu na potrzeby kampanii reklamowej. W dzisiejszych czasach to imperium filmowe naprawdę dyktuje modę kina. Rocznie produkuje tysiące filmów. A to już jest coś!
A wszystko zaczęło się od małej działki w okolicach małego miasteczka Los Angeles (teraz, kiedy nie jest już takie małe, brzmi to dość zabawnie). Został zakupiony w 1886 roku przez skromną rodzinę amerykańskich osadników, Wilcoxów. Deida Wilcox zaproponowała nazwanie tego miejsca „Hollywood”. Dlaczego? Od słów „holly” - ostrokrzew i „drewno” - las. To tam masz „Hollywood”. Gdyby tylko wiedzieli, do czego doprowadziło to ich przejęcie, sąsiadujące z niemieckimi chłopami i rezerwatem indyjskim. Życie toczyło się swoim własnym rytmem. Wkrótce małżeństwo Wilcoxów zdecydowało się wydzierżawić ziemię i około 1903 roku ich ranczo stopniowo zapadało się w czeluści nowej wioski, która później miała zaszczyt dołączyć do Los Angeles jako przedmieście. W tamtym czasie, zrodzone z braci Lumière, kino coraz bardziej podbijało serca romantyków, którzy marzyli o przełożeniu swojego świata iluzji na widzialny obraz. Nie ominęło to pułkownika Williama N. Zelinga, który położył pierwsze kamienie węgielne pod budowę ogromnego imperium filmowego w Hollywood. Kupił część ziemi od Wilcoxów pod filię swojej chicagowskiej wytwórni filmowej.
Choć wszystkie jego działania były legalne, nie mógł bez przeszkód pracować nad swoją ulubioną rzeczą. Jednak jak to zawsze w życiu bywa. W 1907 roku w Ameryce przetoczyła się fala ciągłych sporów dotyczących własności sprzętu projekcyjnego. Tak zwana „wojna patentowa” doprowadziła do zakazu otwierania nickelodeonów w Los Angeles i okolicach. Powodem było to, że w takich półpodziemnych kinach, do których za wstęp płacono 5 centów (po angielsku „nikiel”, „odeon” – teatr), kradzione filmy wyświetlano na nielicencjonowanym sprzęcie. Władze Los Angeles musiały zatem walczyć z tym kłopotliwym zjawiskiem. Ale bez względu na to, jak było, zainteresowanie kinem nie spadło, a wręcz przeciwnie, wzrosło. W latach 20. w południowej Kalifornii, na terenie znanego już miasteczka Hollywood, powstał i zaczął dynamicznie się rozwijać amerykański przemysł filmowy. W tym czasie zainteresowanie kinem w Ameryce rozwijało się równolegle z liczbą ludności kraju potencjalnymi widzami. Na przykład w 1907 roku z samej Europy do Ameryki przybyło 1 285 000 ludzi, co dało nowy silny impuls rozwojowi kina. To właśnie emigranci wnieśli niesamowity wkład w rozwój przemysłu filmowego w kraju. Wielu z nich zostało znakomitymi reżyserami i producentami, którzy do dziś zapisują się w historii kina, a ich dzieła stały się klasyką światowego kina. Kto to jest? Niektórzy z nich byli założycielami największych studiów filmowych w kraju: Adolf Zukor (Węgry), który rozpoczynał karierę jako praktykant u kuśnierza, założył Paramount; Karl Leml (Niemcy) – sprzedawał ubrania, założył Universal, bracia Warner (Polska) – reklamował rowery, założył Warner Bros., Louis B. Mayer (Rosja, Mińsk) – odsprzedawał złom, założył Metro-Goldwin-Mayer” Swoją drogą skupmy się na tym ostatnim. Dlaczego? Ponieważ była tam przez 30 sekund dodatkowe lata było wiodącym studiem w Hollywood. I to, jak widać, jest warte uwagi.
Ale zaczniemy nie od Mayera, ale pochodzącego z żydowskiej rodziny Samuela Geblitza (Sachmuel Gelbfisz). Ten człowiek był jednym z najszczęśliwszych uchodźców z Europy Wschodniej. Urodził się w Warszawie w 1892 r. On, jeszcze bardzo młody, został zmuszony przez los do opuszczenia ojczyzny i uciekł najpierw do Londynu, a następnie do Nowego Jorku. Okoliczności były takie, że musiał nawet zmienić nazwisko na Samuel Goldfish.
I tak w 1913 roku jego droga życiowa sprowadziła go na ziemię amerykańską i zatrzymała się w Kalifornii, gdzie opanował nowy zawód związany z technologią produkcji filmowej.
Karierę filmową rozpoczął wraz z dwójką podobnie myślących ludzi (Edgarem i Archibaldem Selwynem). Wkrótce zmienił nazwisko z powrotem na amerykańskie - Goldwyn (połączył pierwszą sylabę swojego starego nazwiska GOLDfish z ostatnią sylabą nazwiska swoich partnerów SelWYN). A w 1925 roku wraz ze znanym już rosyjskim emigrantem Lewisem B. Mayerem Samuel Goldwyn założył studio Metro-Goldwyn-Mayer, które, jak już wspomnieliśmy, zdominowało Hollywood na około 30 lat.
Jeśli chodzi o układ gwiezdny, w amerykańskim kinie nie istniał. Imiona aktorów i aktorek nie zostały nigdzie wymienione. Wszyscy ukrywali się pod pseudonimami. W marcu 1910 roku Karl Leml zmienił sytuację i zawarł porozumienie z aktorką Florence Lawrence. Potem stopniowo, pod wpływem specjalistów branży filmowej, zaczęły pojawiać się jedna po drugiej gwiazdy, z których każda miała swoją rolę na ekranie. Instytucja gwiazd w kinie hollywoodzkim zaczęła powstawać około lat dwudziestych XX wieku, a powstały w latach trzydziestych XX wieku osiągnęła swój pełny rozkwit w latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku. Gwiazdy wydawały się widzom idealne. Przyszłe gwiazdy zostały specjalnie przeszkolone na kursach w samych studiach filmowych. Ogromna branża PR w głównych studiach filmowych pracowała szczególnie nad stworzeniem i utrzymaniem wizerunku gwiazd. Prasa tabloidowa czujnie śledziła każdy krok aktorów, opowiadając o wszystkich wydarzeniach z ich życia i ekscentrycznych wybrykach, wystawiających na próbę granice ich popularności.
Nie sposób wyobrazić sobie historii światowego kina bez dwóch największych gwiazd epoki narodzin Hollywood – Mary Pickford i Douglasa Fairbanksa. Takich było najwięcej jasne gwiazdy Hollywood. Osiągnęły taką popularność, że nawet dziś nie ma z czym porównywać.
Mary Pickford naprawdę nazywała się Gladys Smith, urodziła się w 1893 roku w Kanadzie, w mieście Toronto. Na scenie teatralnej zadebiutowała w wieku 7 lat. Nazywano ją „Ukochaną Ameryki”. Wizerunek młodej, naiwnej, cnotliwej nastolatki, amerykańskiej „Kopciuszka” w swoim wykonaniu, zyskał światową sławę. Przez 20 lat wygląd tej wspaniałej aktorki zachował młodzieńczą niewinność i czystość odegrał dla niej ogromną rolę jako aktorki.
Lata jej twórczości zbiegły się z latami, w których kształtowało się kino amerykańskie. A Mary Pickford należała do jego najważniejszych twórców. Pierwsza Amerykanka, która w ciągu roku zarobiła milion dolarów, bizneswoman o wyjątkowej inteligencji i przenikliwości. Jako jedna z pierwszych zrozumiała, czym jest kino i jaka jest jego rola. Była bardzo wnikliwa i inteligentna i czuła, że Hollywood będzie przyszłym liderem kina. Nie bez powodu nazywano ją „najjaśniejszą głową Hollywood”, nie mając na myśli jej złotych loków.
Drugą gwiazdą tamtych czasów był Douglas Fairbanks (prawdziwe nazwisko Douglas Elton Ulman). Urodził się w 1883 roku w Denver w Kolorado. Od dzieciństwa pociągał go teatr. Według niektórych raportów po raz pierwszy pojawił się na scenie w wieku 12 lat. Od 1902 występował na Broadwayu, a w 1910 zdobył pozycję jednego z czołowych aktorów teatru, stając się żywym wcieleniem „idealnego Amerykanina” – młodego, aktywnego romantyka, gotowego podbić cały świat. W 1915 roku Fairbanks udał się z Nowego Jorku do Hollywood, gdzie zadebiutował na ekranie. Słynny uśmiech Fairbanksa i imponująca atletyczna budowa uczyniły go jednym z najpopularniejszych aktorów tamtej epoki. Jest szczególnie znany z takich filmów jak Trzej muszkieterowie, Złodziej z Bagdadu, Człowiek w żelaznej masce i Znak Zorro.
Dwie gwiazdy Hollywood osiągnęły ogromne wyżyny. I jak to często bywa, w 1920 roku Douglas Fairbanks i Mary Pickford pobrali się. Ich rezydencja Pickfair przez długi czas pozostawała największą i najbardziej prestiżową rezydencją w Beverly Hills. W latach 20. i 30. w Pickfair kręcono nawet sceny do niektórych filmów. Zaproszenie na przyjęcie w tej rezydencji uważano za szczególny zaszczyt. Gazety i almanachy filmowe donosiły dosłownie o każdym szczególe dotyczącym gości Pickfair.
Pod koniec lat 60. upadł system studyjny. Od tego czasu rozpoczął się nowy (nowoczesny) etap w kinie Hollywood. Zainteresowanie tradycyjnymi, stereotypowymi filmami studyjnymi z udziałem gwiazd stale spadało, a wiele, nawet największych wytwórni filmowych, znalazło się na skraju bankructwa. Szefowie studia byli zakłopotani tym, jaki rodzaj filmów chcą oglądać widzowie. Rozpoczęły się eksperymenty. Wśród młodych reżyserów, którzy mieli szansę wykazać się swoimi umiejętnościami, znaleźli się George Lucas, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Brian De Palma. I to właśnie ta grupa reżyserów ukształtowała współczesne kino w formie, w jakiej wkroczyło ono w XXI wiek. Ich filmy z końca lat 60. i początku 70. odniosły ogromny sukces. Dzięki nim powstało słowo „blockbuster”. Szefowie dużych studiów zaczęli ufać młodym reżyserom. Co więcej, zapraszanie ich do zdjęć stało się modne i opłacalne. Przecież oni, wyszli ze szkół filmowych i małych studiów, wiedzieli, jak zmieścić się w bardzo małych budżetach.
Michael Bublé, Hollywood – teledysk
Najlepsze atrakcje Hollywood
Hollywood i Highland
Odwiedzanie licznych sklepów i restauracji z pewnością nie jest najważniejsze, ale też nie ostatnie miejsce w podróży do Hollywood. Położony na rogu Hollywood i Highland Boulevards, trzypiętrowy nowoczesny kompleks handlowo-rozrywkowy Hollywood and Highland jest jednym z najczęściej odwiedzanych centrów w Los Angeles. Oprócz sklepów i restauracji, kompleks jest doskonałą bazą wypadową do pieszych wycieczek, gdyż znajduje się bezpośrednio obok Alei Gwiazd, Teatru Kodak (siedziba rozdania Oscarów) i jednego z najsłynniejszych kin w Hollywood, Chiński teatr Graumana.
Jedna z głównych atrakcji Hollywood, słynna Walk of Fame to łańcuch chodników zlokalizowanych po obu stronach 15-przecznicowej ulicy przy Hollywood Boulevard i 3-przecznicowej ulicy Vine Street. Co roku aleję odwiedza około 10 milionów osób. Aleja składa się z około 2400 pięcioramiennych mosiężnych gwiazd osadzonych na sześciometrowej podłodze tarasu. Każda gwiazda celebruje osiągnięcia konkretnej prawdziwej i fikcyjnej „gwiazdy” w branży muzycznej, filmowej lub telewizyjnej. Aleja Gwiazd została otwarta w 1958 r.
Chiński teatr Graumana
Na placu przed Aleją Gwiazd można zobaczyć jedną z najpopularniejszych atrakcji Hollywood – słynny Teatr Chiński Graumana. Zlokalizowane przy Hollywood Boulevard kino zostało zbudowane w 1927 roku przez słynnego hollywoodzkiego impresario Sida Graumana. Kino to jeden z głównych zabytków „złotej ery” Hollywood i jedno z najpopularniejszych miejsc premier filmowych. Warto dodać, że wyboru gwiazd, które zostawiają odciski dłoni i stóp w cemencie Alei Gwiazd, dokonują właściciele kina. Na terenie przed kinem można zobaczyć reprodukcje wielu gwiazd, m.in. Mary Pickford, Charliego Chaplina, Jacka Nicholsona, Marilyn Monroe, Clinta Eastwooda. Od 2007 roku właścicielem kina jest spółka z Grupy CIM. Kino czynne jest całą dobę. Można kupić bilet na zwiedzanie kina lub po prostu kupić bilet na jeden z seansów.
Hollywoodzka miska
Amfiteatr Hollywood Bowl, jedna z najlepszych sal koncertowych na świeżym powietrzu w Hollywood, została zbudowana w 1922 roku. Hala może pomieścić około 18 000 widzów. Sezon koncertowy w Hollywood Bowl trwa od końca czerwca do połowy września. Oprócz tego w hali odbywa się wiele nieplanowanych wydarzeń, takich jak Playboy Jazz Festival.
Znak Hollywoodu
Zdecydowanie najbardziej rozpoznawalnym pomnikiem w Hollywood jest słynny HOLLYWOODOWY pomnik na wzgórzach Hollywood w Los Angeles. Tablica pamiątkowa została zainstalowana na wysokości 491 m n.p.m., na zboczu Mount Lee w Griffith Park w 1923 roku jako reklama, a następnie zyskała szeroką popularność, stając się głównym symbolem amerykańskiego przemysłu filmowego. Każda litera ma 9 metrów wysokości, 15 metrów szerokości, a w literach zastosowano łącznie 4200 żarówek. Pierwotnie planowano, że znak będzie stał przez około półtora roku, jednak wraz z rozwojem amerykańskiego przemysłu filmowego zdecydowano się go zachować. Znak przeszedł kilka renowacji, a litery są obecnie o 1,5 metra krótsze niż w wersji oryginalnej.
Zwykle do pomnika nie można dotrzeć regularną wycieczką, ale można wybrać kilka dogodnych miejsc, z których roztacza się najlepszy widok na słynny napis. Bardzo dogodne miejsca Do przeglądu oznaczeń brane są pod uwagę Hollywood Reservoir, Mulholland Drive, Franklin Avenue w Gower, Hollywood at Highland, Griffith Park Observatory.
Targ rolniczy w Los Angeles
Jedną z najpopularniejszych i najczęściej odwiedzanych atrakcji Hollywood i Los Angeles jest słynne centrum handlowe Farmers Market. Centrum handlowe zlokalizowane jest na terenie historycznego targu rolnego, który istnieje od 1934 roku. W 2002 roku teren rynku został przekształcony w ogromne centrum handlowe, zachowując część historyczne budynki. Targ rolniczy przyciąga co roku około 3 miliony odwiedzających. Centrum zlokalizowane jest na rogu Trzeciej i Fairfax. Centrum jest czynne całą dobę.
Pas Zachodu Słońca
Jedno z największych centrów handlowych i klubów nocnych w Los Angeles, Sunset Strip, znajduje się przy Sunset Boulevard w West Hollywood. Sunset Strip to odcinek o długości 2,5 mili pomiędzy Doheny Drive i N. Crescent Heights Blvd. Sunset Strip to miejsce dość bogate pod względem atrakcji. Do głównych atrakcji zalicza się pomnik Rocky'ego i Bullwinkle, luksusowy hotel Sunset Tower, popularny klub komediowy Comedy Store, sieć sklepów i restauracji Plaza, legendarny bar Whiskey A GoGo z lat 60. kariery, zespoły The Doors, The Byrds, Led Zeppelin.
Wycieczka do studiów filmowych
Nie ma lepszego sposobu, aby doświadczyć tego, co dzieje się za kamerą, niż wycieczka po Hollywood Studios. Większość z tych wycieczek zaprasza turystów do odwiedzenia prawdziwych, działających pracowni. Niestety oznacza to, że na wycieczkę można się wybrać tylko w dzień powszedni, kiedy studia są otwarte.
Wizyta na planie serialu
Przy odrobinie planowania możesz stać się częścią publiczności studyjnej podczas kręcenia komedii, reality show lub teleturnieju. Co jest jeszcze ładniejsze? To nic nie kosztuje - a masz możliwość wyrażenia siebie.
Hollywoodzka parada bożonarodzeniowa
Jeśli masz szczęście i jesteś w Los Angeles na Święcie Dziękczynienia, nie możesz przegapić jednej z najbardziej kolorowych corocznych parad na świecie – Hollywood Christmas Parade. Parada obchodzona jest corocznie od osiemdziesięciu lat i od dawna stała się jednym z głównych wydarzeń kulturalnych amerykańskiej telewizji. Co roku w paradzie bierze udział wiele gwiazd. Parada odbyła się po raz pierwszy w 1928 roku i pierwotnie nosiła nazwę Parady Świętego Mikołaja. W 1978 roku wydarzenie zmieniło nazwę na Hollywood Christmas Parade. Parada odbywa się co roku w trzeci czwartek listopada. Parada odbędzie się na 3,5-kilometrowej trasie wzdłuż Hollywood Boulevard i Sunset Boulevard.
Historia powstania Hollywood sięga początków XIX wieku. Jak głosi historia, sama nazwa „Hollywood” swoje narodziny zawdzięcza małżeństwu Wilcoxów, które przeprowadziło się do Ameryki i nabyło dużą działkę w pobliżu ówczesnego małego miasteczka Los Angeles. Na prośbę żony tę stronę nazwano Hollywood, co w tłumaczeniu oznacza „drewno” - las i „świerk” - ostrokrzew. Według historyków kilka lat później Wilcoxowie zaczęli dzierżawić część swojej ziemi, a z biegiem czasu wokół ich posiadłości, która jako przedmieście została przyłączona do Los Angeles, wyrosła osada.
HISTORIA HOLLYWOODU. JAK POWSTAŁ KINEMATOGRAF
Jak zaczęło się Hollywood?
Na początku XX wieku pułkownik William N. Zeling kupił od małżeństwa Wilcoxów część gruntów, na których ulokował część swojej wytwórni filmowej, którą stworzył w Chicago. Rozwój kina w Ameryce nabrał dużego rozpędu wraz ze znacznym zasiedleniem jej terytorium przez osadników. To imigranci stali się założycielami największych amerykańskich studiów filmowych, np. praktykant kuśnierza Adolf Zukor, imigrant z Węgier, został założycielem Paramount, a bracia Warner, którzy zajmowali się reklamą rowerów, ostatecznie stworzyli Warner Bros ., handlarz odzieżą z Niemiec Karl Laeml został założycielem firmy Universal, a firmę Metro-Goldwin-Mayer założył rosyjski handlarz złomem Louis B. Mayer.
Najważniejszy angielski "Najważniejszy"
Początkowo aktorzy w filmach amerykańskich występowali pod pseudonimami, takimi jak „Vitograph Girl” czy „Mała Mary”. Jednak podpisanie kontraktu z aktorką Florence Lawrence przez Carla Laemla, założyciela wytwórni filmowej Universal, zapoczątkowało erę chwały i sławy dla hollywoodzkich aktorów i położyło kres pracy aktorów incognito. Inicjatywę tę chętnie podjęły inne wytwórnie filmowe. Od tego momentu gwiazdy Hollywood zaczęły pojawiać się jedna po drugiej.
Uniwersalny angielski "Uniwersalny"
Jak mówi historia, pierwszym hollywoodzkim filmem był western „Mąż indyjski” w reżyserii Cecila B. deMille’a.
Doskonały naturalne warunki Hollywood, jego przytulne uliczki stały się doskonałą bazą do kręcenia filmów. Dzięki temu w Hollywood powstawało aż 800 filmów rocznie. Od tego czasu historia Hollywood rozwinęła się w niesamowitym tempie. Wraz z rozwojem kina w tym mieście aktywnie rozwija się infrastruktura niezbędna dla wytwórni filmowych: instytucje finansowe, restauracje, kluby i wiele innych kompleksów rozrywkowych. Ponadto ludność Hollywood została podzielona na dwie części - elitę i pracowników pomocniczych. Stopniowo z ulica centralna budynki mieszkalne zastąpiono różnymi budynkami studiów filmowych.
Rozwój kina doprowadził do wzmożonej konkurencji pomiędzy małymi studiami filmowymi. Aby uniknąć bankructwa, opłacało się tworzyć z małych studiów filmowych duże trusty filmowe. Następnie te trusty filmowe zaczęły łączyć się ze spółkami dystrybucyjnymi. Tak powstały wytwórnie filmowe "Najważniejszy", „Zjednoczeni Artyści”, „Metro Goldwyn Myers”, "Bracia Warner".
United Artists inż. Zjednoczeni Artyści
Metro-Goldwyn-Mayer Metro-Goldwyn-Mayer
Hollywood szybko się rozwijało i wkrótce mówił o nim cały świat. Prawie każdy aktor i aktorka marzyła o wzięciu udziału w kręceniu hollywoodzkiego filmu i, oczywiście, zostaniu gwiazdą, i to nie tylko gwiazdą, ale gwiazdą o hollywoodzkich proporcjach.
Kilka słów z historii kina hollywoodzkiego
Pierwszym hollywoodzkim studiem filmowym było studio Nestor, stworzone przez firmę Centaur. Westerny były pierwszymi filmami wypuszczonymi przez Centaura. Kto by pomyślał, że 10 lat po otwarciu studia filmowego w opuszczonej restauracji przy ulicy o Hollywood będzie mówiono, że jest centrum przemysłu filmowego w Stanach Zjednoczonych.
Koneserzy historii kina uznają film „Narodziny narodu” za początek kina, za szczególną formę sztuki. Film ten wyreżyserował David Wark Griffith, który wprowadził kulturę filmową, która zdefiniowała wszystko dalszy rozwój branża filmowa. To on otrzymał Oscara za szczególny wkład w rozwój kina.
Chciałbym również zatrzymać się nad historią pojawienia się samej figurki. Istnieje kilka wersji pojawienia się tej nazwy. Według pierwszej wersji statuetce nazwano bibliotekarkę Margaret Herrick, która zobaczyła figurkę i stwierdziła, że jest bardzo podobna do jej wujka Oscara. Druga wersja mówi, że Bette Davis nazwała figurkę „Oscar”, ponieważ była bardzo podobna do jej męża, który miał na imię Oscar. Warto zaznaczyć, że figurka otrzymała swoją nazwę nieco później niż została po raz pierwszy nagrodzona. Od pierwszych Oscarów wydarzenie to śledzą mieszkańcy wielu krajów.
Alan Crosland, który zagrał w filmie Śpiewak jazzowy, swoim talentem i darem nawiązywania psychologicznego kontaktu z publicznością był w stanie podbić całą Amerykę. Tę wyjątkową umiejętność zauważył sam Charlie Chaplin. Film ten, wydany w 1927 roku, stał się pierwszym filmem dźwiękowym. Wraz z pojawieniem się kina dźwiękowego rozpoczął się złoty wiek kina hollywoodzkiego.
Alan Crosland – piosenkarz jazzowy
Pierwszym filmem nakręconym w formacie panoramicznym był Całun. Film ten wyreżyserował Henry Coster w 1953 roku. Pierwszy pełnometrażowy film kolorowy został nakręcony w 1935 roku przez reżysera Roubena Mamouliana. Pojawienie się tego filmu zatytułowanego „Becky Sharp” uważa się za początek ery kina kolorowego w Hollywood.
Henryk Koster – Całun
Rouben Mamoulian – Becky Sharp
Pomimo wszystkich przewag filmów dźwiękowych nad filmami niemymi, przejście do nowy rodzaj kino okazało się dla Hollywoodu bardzo kosztownym przedsięwzięciem, dlatego zmuszony był zwrócić się o pomoc do banków i innych instytucji finansowych. Pod naciskiem niektórych instytucji finansowych, wyrażających określone poglądy grup religijnych, hollywoodzkie wytwórnie filmowe zostały zmuszone do podpisania określonego Kodeksu Produkcji, zgodnie z którym musiały unikać tematów nieakceptowalnych dla tych organizacji. Joseph Breen nadzorował wdrażanie tego kodeksu.
Oto główne zabronione punkty Kodeksu Produkcji:
- przekonania religijne nie powinny podlegać żadnej krytyce;
- zakazano pokazywania operacji chirurgicznych;
- filmy nie powinny przedstawiać zażywania narkotyków;
- wprowadzono zakaz demonstracji stanu nietrzeźwości;
- Filmy nie powinny przedstawiać okrucieństwa wobec dzieci i zwierząt;
- zakazano używania w mowie przekleństw;
- film nie mógł pokazywać przemocy ani szczegółów rozbojów, aby nie zachęcać do łamania prawa;
- zakazane było także zabicie policjanta przez przestępcę w filmie, chociaż sama policja mogła zabijać przestępców w nieograniczonej liczbie;
- w filmie nałożono także zakaz stosunków seksualnych. Namiętne pocałunki, nadzy aktorzy, związki homoseksualne i międzyrasowe były surowo zabronione.
Historia Hollywoodu. Część 1. Pionierzy kinetoskopu
Historia kina dziecięcego i familijnego
W latach trzydziestych chodzenie do kina było sprawą rodzinną, ponieważ nie było filmów w telewizji. W oparciu o ten trend tworzono filmy tak, aby były interesujące dla każdego widza. Zdarzały się jednak i filmy skierowane do dzieci, choć chętnie oglądali je także dorośli.
Shirley Temple jest uważana za najsłynniejszą młodą aktorkę tamtych czasów. Po raz pierwszy pojawiła się na ekranie w wieku 4 lat. W ciągu następnych 10 lat zagrała w 31 filmach. Jej popularność osiągnęła takie rozmiary, że wiele zabawek dla dzieci zaczęto nazywać jej imieniem.
Lata 30. ubiegłego wieku stały się szczytem popularności dziecięcych aktorów i aktorek. Wśród nich są Peggy Ann Garner, Freddie Bartholomew, Margaret O'Brien. Znacznie częściej młodzi aktorzy występowali w musicalach i komediach. Słynny piosenkarz Deanna Durbin, która zagrała w filmie „Trudny wiek”, uratowała Universal przed bankructwem w 1938 roku.
Luksusowe życie małych aktorów miało jednak też swoje wady. Przed rozpoczęciem zdjęć uczyli się w szkole przy studiu filmowym, a dzień zdjęciowy często kończył się po północy. Wiele dzieci otrzymało różne pigułki, które zapobiegały zasypianiu na planie i przybieraniu na wadze. W rezultacie u niektórych dzieci rozwinęło się uzależnienie od narkotyków.
Tylko nielicznym młodym gwiazdom udało się utrzymać popularność w wieku dorosłym. Niektórzy zostali bez środków do życia, bo rodzice wydali wszystkie zarobione pieniądze. Jeden z tych aktorów, Jackie Coogan, był zmuszony pozwać swoją matkę, aby odzyskać chociaż niewielką część zarobionych pieniędzy. Następnie zatwierdzono nawet „Ustawę Coogana”, zgodnie z którą połowa pieniędzy zarobionych przez dziecięcego aktora miała zostać przelana na jego konto osobiste, aby w przyszłości mógł się nimi bezpiecznie rozporządzać.
Historia Instytutu Gwiazd
Początkowo w kinie Hollywood nie było instytucji gwiazd. Jako taka pojawiła się w 1920 r. i dopiero w 1930 r. została ostatecznie utworzona. U początków kina hollywoodzkiego gwiazdy wydawały się widzom równie niedostępne jak gwiazdy na niebie. W szkołach specjalnych przy studiach uczono aspirujących aktorów i aktorek, a duże firmy PR pracowały nad utrzymaniem wizerunku gwiazd filmowych. Tabloidy stały się źródłem informacji o życiu osobistym hollywoodzkich gwiazd filmowych, przybliżając czytelnikowi najdrobniejsze szczegóły dotyczące nieosiągalnych gwiazd. Z biegiem czasu, gdy kino hollywoodzkie zaczęło nabierać nowoczesnych cech, aktorzy zbliżyli się do widza, a w dodatku zyskali większą swobodę. Teraz hollywoodzki aktor lub aktorka mogła samodzielnie wybierać filmy, w których chciałaby zagrać i kształtować swój wizerunek. Z całą pewnością można powiedzieć, że już w latach 90. ubiegłego wieku sami aktorzy zaczęli nadawać ton rozwojowi hollywoodzkiego kina.
Możemy wyróżnić następujące znane osoby, które odegrały ważną rolę w historii rozwoju kina hollywoodzkiego:
- Max Linder, Buster Keaton, Charlie Chaplin, bracia Marx i Harrold Lloyd rozsławili hollywoodzkie komedie;
- Rodolfo Valentino rozsławił hollywoodzkie melodramaty;
- John Ford nakręcił jedne z najbardziej rozrywkowych westernów;
- Gatunek filmu noir rozsławił Humphrey Boggart;
- Fred Astern i Gene Kelly rozsławili hollywoodzkie musicale;
- Thrillery rozsławił Alfred Hitchcock.
Ponieważ kręcono wówczas filmy skierowane głównie do masowego widza, zawężało to nieco możliwości i pragnienia reżyserów. Na tej podstawie czołowe miejsca zajęli aktorzy, których publiczność najbardziej lubiła.
Jednak już na początku lat 60. masowa publiczność miała dość filmów kręconych według szablonu, co doprowadziło do upadku istniejącego systemu studyjnego. Reżyserzy zastanawiali się nad tym, co widz chce zobaczyć na ekranie i to doprowadziło do pojawienia się nowych idei w kinie. Nowa fala rozwoju kina hollywoodzkiego dała Francisowi Fordowi Coppoli, Stevenowi Spielbergowi, George’owi Lucasowi i innym możliwość pokazania swoich mocnych stron. To właśnie ci reżyserzy mieli stać u początków współczesnego kina hollywoodzkiego.
Historia Alei Gwiazd
Wielu słyszało już o Hollywood Walk of Fame. W ich centrum znajdują się chodniki Hollywood Boulevard i Vine Street, na których znaleziono odciski dłoni. znane osobistości Hollywood. Dziś jest tam 2600 druków i to nie jest limit. Aleja jest regularnie uzupełniana o nowe okazy.
Korzenie Alei Gwiazd sięgają lat 50. Projekt ten został opracowany przez E.M. Stewarta, nad którym pracował przez kilka lat. Główną sprzecznością w powstaniu tej alei było pytanie „kto jest godzien pozostawić swój ślad”. Początkowo liczba kandydatów wynosiła 6 osób. Następnie wzrosła do 130 i stale się zmieniała.
Rok 1958 upłynął w Hollywood pod znakiem położenia pierwszych sześciu gwiazd, ale dopiero w 1960 roku nastąpiło jego oficjalne otwarcie. Od tego czasu liczba wydruków wzrosła wielokrotnie. Warto dodać, że gwiazdy odbierają nie tylko aktorzy, ale także inne postacie branży filmowej. Nagrody przyznawane są w pięciu kategoriach: wkład w rozwój przemysłu filmowego, nagrania dźwiękowe, teatr, telewizja i radio.
Hollywood pojawiło się na samym początku XX wieku. Powstało spontanicznie i szybko. Podobnie jak wszystkie inne miasta amerykańskiego Zachodu powstały. Na ziemie Kalifornii napływały ogromne rzesze poszukiwaczy złota i przygód, a za nimi podążali wędrowni aktorzy, właściciele mobilnych panoptikonów, budek targowych i domów gier hazardowych. Cyrkowców i muzyków, jak wszystkich innych ludzi, przyciągało złoto, subtropikalny klimat i wieczne lato.
Wejście do Hollywoodu
W tym czasie popularność kina rosła. W Hollywood warunki do tworzenia produkcji filmowych były najkorzystniejsze. Idea masowej i taniej rozrywki spodobała się lokalnym przedsiębiorcom. Zainwestowane pieniądze zwróciły się bardzo szybko, ponieważ widzowie zaczęli oglądać różnorodne filmy. Tak rozpoczęła się historia Hollywood, która rozpoczęła się w 1909 roku.
Ale w tamtym czasie ludzie, którzy stali u początków kina, nawet nie myśleli o robieniu filmów prawdziwie artystycznych i udostępnianiu ich masom. wysoki poziom artystyczny. Wszystko sprowadzało się do tego, jak zarobić pieniądze na kinie. Stąd charakter wytwarzanych produktów.
Biznes Hollywood nabierał tempa, a reklama produktów miała znaczący udział w zyskach. Różne firmy były bardzo skłonne płacić rekinom branży filmowej za pokazywanie swoich produktów na ekranach kin. Popularne filmy również przyniosły dużo pieniędzy. Wielu filmowców próbowało znaleźć algorytm zapewniający sukces konkretnego filmu wśród ogółu społeczeństwa. Powstały pewne dogmaty, których złamanie było równoznaczne z porażką.
Na przykład ten sam szef United Artists, Joseph Schenk, zażądał, aby wszystkie scenariusze pokazywały karierę młody człowiek który z biednego stał się bogaty. Argumentował, że jeśli tak się nie stanie, film poniesie porażkę kasową. Szefa mało interesowała jakość samego scenariusza. Ważna była dla niego kariera i szczęśliwe zakończenie z pękiem zielonych banknotów w finale.
Jednak pan Meyer z Metro-Goldwyn-Meyer miał obsesję na punkcie „niezastąpionej straty”. Domagał się tej samej sceny we wszystkich filmach: zakochana para długo siedzi w świetle księżyca w całkowitej ciszy. Jeżeli w scenariuszu nie było „straty niezastąpionej” i kochanków pod księżycem, kontynuacja nie była dozwolona.
Scenarzyści byli ludźmi zmuszonymi. Nie mogli dyktować warunków. Dlatego filmy były uderzająco monotonne. Ludzie widzieli na ekranie albo szczęśliwą karierę młodego mężczyzny, albo kochanków w srebrzystym świetle księżyca, cierpiących z powodu „niezastąpionej straty”.
Historia Hollywood i jego biznesu nie byłaby możliwa bez osiągnięć naukowych i technologicznych. Cechą godną uwagi amerykańskich fabryk filmowych był wysoki margines bezpieczeństwa, czyli inaczej mówiąc, sprzęt przechowywany do wykorzystania w przyszłości.
Jeśli do kręcenia filmu potrzebnych było 20 reflektorów, to nie należało wstrzymywać procesu produkcyjnego z powodu awarii, powiedzmy, 2 reflektorów. Natychmiast zastąpiono je częściami zamiennymi. Jeśli potrzebny był jeden mikrofon, instalowano trzy. Przecież uszkodzony mikrofon też mógłby opóźnić strzelanie, gdyby nie było zamiennika.
Aby w fabryce Paramount 100 mikrofonów mogło pracować nieprzerwanie, taką samą liczbę zachowano w rezerwie. Zatem nic nie mogło opóźnić premiery filmów. Ich produkcja przebiegała sprawnie, jak na linii montażowej. Nie było nawet minuty przestoju, co świadczy o wysokim poziomie organizacji pracy i niesamowitej przezorności nawet w drobiazgach.
Każdy uczestnik tłumu chował pod kapeluszem (wówczas chodzenie bez kapelusza było równie nieprzyzwoite, jak obecnie chodzenie bez spodni) maleńkie radio ze słuchawkami. Reżyser wydawał polecenie przez mikrofon i wszyscy go doskonale słyszeli. W trakcie kręcenia reżyser mógł wymyślić jakieś przeplanowanie, inne słowa, a statystowie od razu realizowali nowe zlecenia. Nie było żadnego zamieszania, zamieszania ani przestojów.
Większość dużych wytwórni filmowych posiadała własne warsztaty sprzętu filmowego. Zatrudniały kilkudziesięciu operatorów i techników. Bardzo często osoby te wprowadzały pewne ulepszenia do gotowych mechanizmów. Wynalazek mógłby zostać natychmiast opatentowany. Patent to przede wszystkim pieniądze, a co za tym idzie bogactwo. Dobry wynalazek mógłby nakarmić twórcę na całe życie.
Każdy inżynier dźwięku miał swój własny solidny paszport. W tym celu przeprowadzano specjalne egzaminy dźwiękowe. Ustalili, ile drgań odbiera ucho badanej osoby. Na podstawie przeprowadzonych testów wyciągnięto wniosek o przydatności inżyniera dźwięku jako pracownika odpowiedzialnego za kino dźwiękowe.
Specjalistę, który otrzymał paszport dźwiękowy, umieszczono w małej przyczepie, która podczas kręcenia filmu stale podążała za aparatem filmowym. Z okna przyczepy inżynier dźwięku widział wszystko, co się działo i dostosowywał nagranie dźwięku.
Przez duży głośnik dynamiczny odsłuchiwał dźwięk wchodzący do mikrofonu, dzięki czemu zauważył i poprawił wszystkie błędy. Zawiesił mikrofony w dokładnie odpowiedniej odległości, kącie i nachyleniu, aby zmaksymalizować idealny efekt dźwiękowy.
Przygotowanie do zdjęć było zawsze wzorowe. Każde hollywoodzkie studio wykorzystywało podczas kręcenia nie tylko jedną scenę dźwiękową, ale kilka. Oznacza to, że wiele różnych zestawów było gotowych do kręcenia w tym samym czasie. Reżyser miał okazję w trakcie pracy odmówić kręcenia którejkolwiek sceny i natychmiast przystąpić do kręcenia kolejnej.
Gwiazdy Hollywoodu cieszyły się wielkimi przywilejami. Między nimi a zwykłymi aktorami była przepaść. Gwiazda otrzymywała ogromne sumy pieniędzy za każdą minutę pracy, a wszyscy pozostali artyści i pracownicy techniczni byli od niej całkowicie zależni.
Jeśli sławna aktorka nie był tego dnia w nastroju lub źle wyglądał, wtedy cała masa pracowników studia filmowego musiała natychmiast zabrać się do kręcenia kolejnej sceny. Biorąc pod uwagę nieprzewidziane sytuacje, nikt nie był spokojny. Aktorzy biorący udział w filmie przez cały dzień byli w kostiumach i makijażu, gdyż w każdej chwili mogli zostać wezwani na zdjęcia.
W kinach amerykańskich ekrany były ogromne. Odpowiadały wielkości zasłony Teatr Bolszoj w Moskwie. Dlatego obrazy miały niezwykłą wyrazistość i moc. Jeśli włączone normalny ekran Odcinek wyglądał raczej zwyczajnie, ale po kilkukrotnym powiększeniu zrobił już zupełnie inne wrażenie. Spójrz na muchę na ekranie komputera, a następnie wyobraź sobie, że jej wizerunek zajmuje całą ścianę 9-piętrowego budynku. Efekt będzie zupełnie inny.
Już od pierwszych lat swojego istnienia Hollywood reprezentowało doskonale uregulowaną produkcję filmową. Ale o prawdziwej sztuce nie było mowy. Charlie Chaplin wypowiadał się na ten temat bardzo wymownie. Powiedział: „Nie kręcą filmów w Hollywood, zarabiają tutaj. Trzeba studiować reżyserię w miejscu, w którym kręcono „Pancernik Potiomkin”. Ale Rosja jest daleko, więc będziemy nadal zarabiać, bo studia, biorąc pod uwagę koszty, będą zbyt drogie”.
Walt Disney z sowieckimi reżyserami, 1930. Od lewej do prawej: Aleksandrow, Eisenstein, Walt Disney z Myszką Miki i Tisse
Bez niego historia Hollywood byłaby utracona ojciec animacji Walt Disney. Jego postacie z kreskówek na ekranie były często bardziej humanitarne i wyraziste niż żywe postacie grane przez aktorów. Początkowo Disney miał bardzo małą fabrykę filmów. Zaczynał od filmów krótkometrażowych. To oni przynieśli mu sukces i uznanie.
Disney oparł działania swoich postaci z kreskówek na motywach muzycznych i rytmy muzyczne. To właśnie muzyka charakteryzowała wizerunki jego malowanych bohaterów. Efekty humorystyczne i komiczne bardzo często osiągano poprzez ekscentryczne wykonania muzyki klasycznej.
W mechanice mimośrodem jest koło, którego oś nie znajduje się w środku koła, ale jest przesunięta w bok. Jeśli oś koła wózka zostanie przesunięta, wózek zacznie „wiotczeć”. Wszyscy będą się śmiać, bo wygląda to bardzo zabawnie.
Walt Disney stosował tę samą zasadę. Inscenizuje Taniec śmierci Griega, a w tej zabawnej kreskówce komedię sytuacji osiąga fakt, że tańczą tam szkielety, które opuściły cmentarz. Ten sam słynny bohater- Myszka Miki. Ten ulubione dziecko ojciec animacji.
Disney miał swoją własną, specjalną metodę filmowania. Zawsze zaczynał od ścieżki dźwiękowej. Stała się niejako kadrem filmu. A potem fabuła została dołączona do fonogramu i narodziło się kolejne arcydzieło.
Charlie Chaplin i radziecki reżyser Aleksandrow (po lewej), 1930
I oczywiście. Czy historia Hollywood byłaby możliwa bez tego wspaniałego reżysera i aktora? Był znany i kochany wszędzie tam, gdzie ludzie mieli okazję oglądać filmy.
Jaki jest sekret sukcesu Chaplina? Od wielu dziesięcioleci próbuje się odpowiedzieć na to pytanie w tonach książek napisanych w różnych częściach świata. Ale sam wielki mistrz najlepiej powiedział o swojej tajemnicy sukcesu: „Podstawą sukcesu jest znajomość natury ludzkiej. Komedia bezlitośnie odsłania prawdziwą istotę każdego człowieka. Widzowie bardzo lubią poznawać złożony wewnętrzny świat bohaterów w lekki i zabawny sposób. Gdybym zaczął kręcić poważne filmy o skomplikowanych relacjach psychologicznych, straciłbym dwie trzecie moich fanów.
Ten człowiek, posiadający ogromny zasób energii wewnętrznej, pracował niestrudzenie przez całe życie. Jednocześnie udało mu się uprawiać sport, aby zawsze być w dobrej formie. Chaplin był doskonałym pływakiem i spędzał dużo czasu na gimnastyce. Szczególnie dobrze radził sobie z tenisem. Wielki mistrz był leworęczny. Prawdopodobnie właśnie to pomogło mu pokonać przeciwników.
Biznes Hollywood narzucił własne, surowe prawa. Szefowie kina postrzegali opinię publiczną jako ignorancką masę ludzi o złych gustach. Wśród przedsiębiorców panowała opinia, że należy dać się ponieść niskim instynktom, aby ludzie jak najchętniej rozstawali się ze swoimi pieniędzmi. Charlie Chaplin był jedną z niewielu osób w Hollywood, które szanowały publiczność. Udało mu się zachować niezależność artystyczną, choć było to dla niego bardzo trudne.
Hollywood bardzo się obecnie zmieniło, od jego powstania minęło ponad sto lat. Ale nadal przyciąga miliony młodych ludzi. Przyjeżdżają z całej Ameryki, aby spróbować swoich sił w roli gwiazd filmowych w najsłynniejszym ośrodku filmowym świata. Ale sukces i uznanie trafiają tylko do nielicznych. Wielka fabryka gwiazd filmowych jest wybredna i kapryśna. Została stworzona nie dla kina, ale dla pieniędzy, dlatego selekcja jest bardzo trudna.
Co to jest Hollywood? To centrum przemysłu filmowego, kwintesencja przepychu, sukcesu i dobrobytu. Wszystko to jest prawdą. Mało kto jednak zna historię narodzin Hollywood... historii, która rozpoczęła się wraz ze śmiercią małego dziecka.
Hollywood:: Początek
Pewnego dnia w 1880 roku w mieście Topeka (centrum administracyjne stanu Kansas) spotkały się dwie osoby – piękna Daieda Hartell i niepełnosprawny Harvey Wilcox. Harvey jako dziecko cierpiał na polio, co odcisnęło piętno i na zawsze przykuło go do wózka inwalidzkiego. Wydawać by się mogło, że ludzie, którzy się spotkali, byli tak różni, że trudno było nawet myśleć o możliwych bliskich relacjach. Jednak życie jest pełne paradoksów. Los dał parze nie tylko silne uczucia, ale także możliwość rozpoczęcia nowego życia – Daida i Harvey mieli dziecko, któremu nadali imię Harry. Młoda rodzina przeprowadziła się do Los Angeles, gdzie Harvey zaangażował się w transakcje na rynku nieruchomości.
Przez półtora roku szczęście młodych nie znało granic. Cieszyli się życiem, dopóki ich radość nie została nagle przerwana przez śmierć Harry'ego. Wydawało się, że życie wywróciło wszystko do góry nogami. Ciężkie uczucie zakorzeniło się w ich duszach i chcąc się go pozbyć, Daida i Harvey udali się na odległe przedmieścia Los Angeles, aby w zaskakująco ciepłym klimacie choć na chwilę zapomnieć. Daida i Harvey tak bardzo pokochali ten przytulny kącik, że postanowili kupić tutaj ziemię. Być może Harvey miał instynkt przedsiębiorczości, który pozwolił mu dostrzec perspektywy przesiedlenia w łagodnym klimacie, który utrzymywał się w tym miejscu przez 300 dni w roku. Tak czy inaczej, Harvey kupił 200 akrów ziemi (0,81 km2), płacąc jedynie 150 dolarów za akr.
Harvey początkowo postanowił posadzić na swojej ziemi sady, ale z tego przedsięwzięcia nic nie wyszło. Potem postanowił zamienić swoją ziemię w Duże miasto ok, pięknie i przytulnie. Harvey i Daida przystąpili do opracowania planu. Nakreśliła lokalizację domów, ulic i terenów zielonych. Daida posadziła pierwsze drzewa i własnoręcznie założyła klomby kwiatowe. Wymyśliła także nazwy ulic miasta. Wilcoxowi podano cenę tysiąca dolarów za każdą działkę. Biznes zaczął działać. Ludzie, którym spodobała się nowa dzielnica Los Angeles, zaczęli kupować tutaj ziemię.
Pewnego dnia Daida postanowiła pojechać do swojego rodzinnego miasta Hicksville, aby spotkać się z krewnymi i przyjaciółmi. Po drodze spotkała kobietę z Chicago, która z jakiegoś powodu nazwała swoją posiadłość Hollywood. Daidzie spodobało się to imię i po powrocie do domu postanowiła nadać swojemu miastu tę samą nazwę. Odtąd teren będący własnością rodziny Wilcoxów nosił nazwę Hollywood.
Hollywood:: Kino
Rozwój Hollywood jako centrum przemysłu filmowego rozpoczął się w 1907 roku, kiedy pułkownik William N. Zeling kupił od małżeństwa Wilcoxów część ziemi, na której ulokował część swojej wytwórni filmowej, którą stworzył w Chicago. Rozpoczęła się historia „fabryki snów”.
Stała słoneczna pogoda, rozległe połacie prerii, wybrzeże Pacyfiku i duże miasto Los Angeles, które mogło dostarczać materiały budowlane i siłę roboczą, przyczyniły się do szybkiego rozwoju branży filmowej w Hollywood. Do 1912 roku funkcjonowało tu już 15 pracowni. Miasto na zawsze pożegnało się ze spokojnym życiem.
W ciągu następnych dziesięciu lat Hollywood stało się wreszcie stolicą amerykańskiego przemysłu filmowego, gdyż skupiało się tu około 90% amerykańskich studiów filmowych. Co ciekawe, do szybkiego rozwoju amerykańskiej kinematografii przyczynili się nie rdzenni Amerykanie, ale goście z innych krajów. Mało kto wie, że np. wytwórnię filmową Paramount założył Węgier Adolf Zukor, który karierę zaczynał jako praktykant u kuśnierza. Universal jest pomysłem niemieckiego handlarza odzieżą Karla Laemla. Polscy bracia Warner, którzy reklamowali rowery, założyli firmę Wamer Brosers. Rosjanin Lazar Meir (zmienił nazwisko po przyjęciu obywatelstwa amerykańskiego na Louis Mayer), utrzymujący się z odsprzedaży złomu, założył firmę Metro-Goldwin-Mayer.
Paramount Company (założyciel: Węgier Adolf Zukor, który zaczynał jako praktykant u kuśnierza)
Firma Universal (założyciel Niemiec Karl Leml, handlarz odzieżą z Niemiec)
Firma Metro-Goldwin-Mayer (założyciel: Rosjanin Lazar Meir, zbieracz złomu)
Hollywood:: Słynny napis
Wydawca gazety Los Angeles Times, Harry Chandler, który był jednocześnie dużym i odnoszącym sukcesy pośrednikiem w handlu nieruchomościami, zainteresował się Hollywood i okolicami. To na jego rozkaz w 1923 roku na południowym zboczu Mount Lee, na wysokości 491 metrów, zainstalowano słynne HOLLYWOODOWE litery. Chandler zapłacił za swój zestaw całkiem niezłą sumkę – 21 000 dolarów. Zrobił to w celach reklamowych - listy miały zwrócić uwagę potencjalnych nabywców gruntów w okolicy, których sprzedawcą był Chandler. Początkowo zakładano, że listy będą stać tylko przez półtora roku – to właśnie w tym czasie trzeba było sprzedać ziemię. Jednak litery z ogromnej tablicy reklamowej zamieniły się w symbol miasta. Miały istnieć do dziś.
Początkowo liter było więcej - HOLLYWOODLAND, a ponieważ ich instalacja miała służyć jako tymczasowa kampania reklamowa, wykonano je głównie z drewna i blachy. Nic dziwnego, że z biegiem czasu zaczęły gnić i popadać w ruinę. Dlatego w 1949 roku zdecydowano się usunąć ostatnią część słowa – „ZIEMIA”. Pomimo tego, że litery były co jakiś czas naprawiane, nadal ulegały zniszczeniu. Pierwsza litera „O” zapadła się i upodobniła do dużej litery „u”, natomiast trzecia litera „O” całkowicie się zapadła, w wyniku czego znak wyglądał jak „HuLLYWO D” (w języku angielskim „hull” oznacza „łuska, owijka” „). W 1978 roku popadający w ruinę znak został całkowicie wymieniony. Nowe litery, każda o wysokości 14 m i szerokości od 9 do 12 m (nieco mniejsze niż w wersji oryginalnej), stoją do dziś. Są one chronione prawem i żadna zmiana nie jest możliwa.
Oryginalny wygląd napisu Harry Chandler
