Virgen y el Niño (Madonna de Brujas) (1504)
“Y además, hizo un tondo de bronce con la Madre de Dios, fundido por él por orden de los comerciantes flamencos Moscheroni, personas muy nobles en su zona, para que ellos, habiéndole pagado cien coronas por él, pudieran enviarle este tondo a Flandes” Vasari.
Al regresar a Florencia, después del "David", Miguel Ángel creó la llamada "Madonna de Brujas", un pequeño grupo escultórico (1,27 m de altura) de la Virgen y el Niño, que terminó en 1504. Posteriormente, la estatua acabó en Notre Dame. Iglesia de Nuestra Señora en la ciudad holandesa de Brujas.
La tipografía de esta Virgen joven, amable y pensativa recuerda a la Virgen de las Lamentaciones de la Catedral de San Pedro. En esta modesta obra, que revela una línea de imágenes de la obra de Miguel Ángel, marcadas por rasgos de un peculiar lirismo, resulta especialmente atractiva la propia Madonna, en la que se destacan la belleza clásica y fuerza interior Las personalidades se combinan con la poesía suave y la nobleza. En él se puede sentir la mano del maestro que esculpió la Piedad romana.
La Virgen y el Niño de Brujas es una de las Vírgenes más bellas y espirituales de Miguel Ángel. Mujer triste, elegida y condenada, prevé el sufrimiento de su hijo en la cruz. “Por eso ella se resistió, no quería soltar a este niño hermoso, fuerte y ágil, que con su manita agarraba su mano protectora. Y por eso cubrió a su hijo con el borde de su manto. El niño, al sentir el humor de su madre, también tenía tristeza escondida en sus ojos. Estaba lleno de fuerza y coraje, pronto saltaría del regazo de su madre y abandonaría este refugio seguro, pero ahora, en ese momento, agarró la mano de su madre con una mano y presionó la otra contra su muslo. Quizás ahora esté pensando en ella, en su madre, entristecida por la inevitable separación: su hijo, tan confiadamente aferrado a sus rodillas, pronto vagará solo por el mundo.
La Virgen María resultó viva y creíble, tierna y pura. Un momento más y los párpados temblarán, la mano levantará al niño, el pecho inhalará. Está viva, se siente. El maestro ya no idealizaba el rostro de María, como en primeros trabajos. Habiendo creado la "Piedad" y el "David" romanos, busca sentimiento, credibilidad: ropa modesta con pliegues sueltos perfila el cuerpo fuerte de una madre joven, un rostro con párpados pesados por las lágrimas no derramadas, una nariz larga, pelo grueso con un peinado sencillo, cubierto con una pesada capucha, ya que esta pieza recuerda a la Piedad. El cuerpo del bebé, aunque infantil, da una sensación de poder oculto, pero es infantilmente lindo: mejillas y barbilla regordetas, cabeza rizada. De rodillas de su madre, cogido de su mano, se siente protegido y dispuesto a explorar el mundo. La posición de los cuerpos del grupo escultórico es muy natural: ¿qué podría ser más plausible que la Madre y el Niño de Brujas?
Imágenes escultóricas de la Virgen “Tondo Tadei” y “Tondo Pitti” (1503-1505)
“Entonces comenzó, pero no terminó, dos tondos de mármol, uno para Taddeo Taddei, el que ahora está en su casa, y otro para Bartolomeo Pitti, el que fray Miniato Pitti de Monte Oliveto, hombre de comprensivo y gran conocedor de cosmografía y de muchas otras ciencias, y especialmente de pintura, se lo dio a Luigi Guicciardini, con quien tenía una gran amistad; Estas obras fueron consideradas excelentes y maravillosas. Al mismo tiempo comenzó a construir una estatua de mármol de St. Mateo para la tutela de Santa María del Fiore; Esta estatua inacabada da testimonio de su perfecta habilidad y enseña a otros escultores cómo tallar estatuas de mármol sin desfigurarlas, para que al quitar el mármol siempre se pueda ganar algo y para que si es necesario, según sea el caso, entonces se quite o se cambie lo otro”. Vasari.
Después de la Virgen de Brujas, el tema de la Virgen y el Niño ocupó a Miguel Ángel en el futuro. Entre 1503--1508 ejecutó dos bajorrelieves de mármol que representan a la Virgen, el Niño Cristo y el pequeño Juan Bautista. Ambas composiciones de estos relieves están inscritas en un círculo (en italiano “tondo”), pero en estado de ánimo y carácter son completamente diferentes. - “Madonna Tadei” (1503-1505, Royal Academy of Arts, Londres) - “Madonna Pitti” (1504-1505, Bargello, Florencia).
Del plano del relieve emergen dos tondos que representan a la Madre de Dios y al Niño; al mirarlos da la impresión de ser esculturas de volumen completo. Demuestran claramente su rasgo característico de trabajar con mármol. Miguel Ángel no se esfuerza por dar la misma integridad a todas las partes del relieve, a todos sus detalles. Deja el bloque de mármol casi sin procesar, como si estuviera inacabado. Conserva la textura de la piedra en determinados lugares, recibiendo un efecto adicional de diversos tratamientos de la superficie del mármol.
La “Madonna de Bartolomeo Pitti” tiene la forma de un tondo, un platillo cóncavo; a diferencia de la suave y lírica “Taddeo Taddei Madonna”, contiene una imagen llena de grandeza y monumentalidad. "Madonna Pitti" se hace eco de una de las Madonnas de Rafael del período romano maduro: "Madonna en el sillón". Al igual que Rafael, la Virgen ocupa un lugar dominante en la composición de Miguel Ángel. Parece apretujada en el espacio asignado, su cabeza sobresale más allá del círculo. Levantando la vista de su lectura, mira hacia otro lado, inmersa en su mundo interior. La figura de Juan Bautista apenas sobresale del fondo, equilibrando esta hermosa composición en su compleja armonía y plenitud. En la figura central de la composición, María sentada sobre una piedra, se hace más convexa. Apoyado en el libro abierto que tiene en el regazo, el Niño Jesús, inclinando su cabeza rizada, mira atentamente el libro. Juan Bautista, mirando por encima del hombro de la Madre de Dios, se sitúa en el borde del tondo, el menos voluminoso, apenas visible sobre el fondo de mármol sin pulir.
En los rostros y figuras de María y el Niño se ven claramente los rasgos de la "Madonna de Brujas": la misma madurez, espiritualidad, tristeza y... fatalidad.
Por el contrario, otro tondo, la Taddei Madonna, rezuma alegría. Este tondo es una de las raras soluciones de género lírico de Miguel Ángel. Una joven madre, sonriendo pensativamente, mira a sus hijos jugar. Juan Bautista entrega el jilguero al Niño Jesús, y éste, asustado, busca protección en su madre, lo esquiva, estirándose en el regazo de María en diagonal, por todo el plano del tondo. El bebé ocupa el lugar central, mientras María es empujada hacia las profundidades del tondo cóncavo. Las tres figuras están colocadas sobre un fondo de mármol tosco, incluso de grano más grueso que el de la Madonna Pitti, como si Miguel Ángel intentara transmitir una sensación de desierto.
El motivo de este bajorrelieve recuerda al cuadro de Rafael "La Virgen con el jilguero" y se acerca incluso en su tono. Pero en lugar de la estable composición piramidal de Rafael, Miguel Ángel ofrece una estructura dinámica y rítmicamente compleja, inscribiendo figuras en un círculo. Con mayor detalle y posición central destaca la figura del Cristo niño. La Virgen y el Bautista, suavemente modelados, están ligeramente sombreados y sus figuras apenas sobresalen del fondo machihembrado.
, que modestamente se llamaba a sí mismo “un escultor de Florencia”, fue artista, arquitecto, poeta y pensador. Cada una de sus obras es una síntesis de todos sus talentos, ideal en forma y filosófico en contenido.Tondo Doni de la Galería de los Uffizi es la obra maestra de Miguel Ángel, donde la pintura se convierte casi en una escultura, llena del significado más profundo.
Tondo Doni (o Madonna Doni) es el único no monumental cuadro Miguel Ángel, que se da por finalizado, y cuya autoría está fuera de toda duda.
Un tondo es una obra de pintura o escultura de formato redondo, de aproximadamente un metro de diámetro. Las pinturas y relieves en forma de círculo fueron muy comunes en Florencia durante el siglo XIX. Renacimiento temprano. A lo largo del siglo XV, lo más notable y artistas brillantes trabajó con tondo, tradicionalmente representando temas religiosos en ellos. Los florentinos ricos pedían tondos tanto para sus palazzos como como obsequios caros para bodas y días festivos.
En 1504, Miguel Ángel Buonarroti vive y trabaja en Florencia. Suacaba de ser instalado en Piazza della Signoria, en el corazón de la joven república. La noticia de la estatua gigante de un hombre desnudo de perfecta belleza se extendió por toda Europa. ¡Y no hubo estrella más brillante que Miguel Ángel!
Un joven escultor originario de Florencia, que glorificó su ciudad... se convirtió en una verdadera celebridad y el maestro más buscado. Pronto los rumores sobre su genio llegarán al mismísimo Papa Julio II, quien lo invitará a Roma con gran respeto. Pero por ahora Miguel Ángel está inundado de encargos de florentinos adinerados: todos querían hacerse con su obra.
Agnolo Doni tampoco pudo mantenerse alejado. Comerciante, rico comerciante de textiles, filántropo, coleccionista de arte antiguo y “moderno”, fue una de las personas más ilustradas, famosas y respetadas de la ciudad.
En 1504, se celebra una magnífica boda en Florencia: Agnolo Doni se casa con Maddalena Strozzi, representante de una rica familia de banqueros florentinos.
Es muy posible que fue en honor a esta celebración que Doni se dirigió a Miguel Ángel y le encargó una imagen de la Virgen María en formato tondo, cuya creación está relacionada con una historia fascinante que nos ha llegado en el " Biografías…” de Giorgio Vasari.
Cuando Miguel Ángel terminó el tondo, lo envió con un mensajero a la casa de Agnolo con el mensaje de recibir 70 ducados por él. Doni, filántropo y conocedor del arte, inmediatamente se dio cuenta de que la obra de Miguel Ángel era tan buena que valía mucho más. Pero, como comerciante prudente, decidió que al artista le bastarían 40 ducados, que entregó al mensajero. Agnolo estaba plenamente seguro de que el artista no se atrevería a discutir y negociar con una persona tan poderosa y respetada. Pero Miguel Ángel, conocido por su carácter difícil, se enfureció mucho y devolvió 40 ducados, ordenando al mensajero que regresara con el cuadro o con el doble del precio. Agnolo, ya dispuesto a pagar 70, como dice el dicho sobre los tacaños, se vio obligado a enviar a Miguel Ángel 140 ducados.
Un año después, Agnolo Doni recurrirá a y le encargará un retrato doble con su joven esposa. Y debes estar de acuerdo, Rafael transmitió perfectamente el carácter de Agnolo Doni, este florentino inteligente pero calculador.
¿Qué asombró tanto a Agnolo Doni, que estaba dispuesto incluso por el doble de precio?
Miguel Ángel sitúa una escena familiar íntima en el centro de la composición: la Virgen María entrega a su hijo, el niño Jesucristo, a José.
Se conserva una descripción de Giorgio Vasari: “Aquí Miguel Ángel expresa en el giro de la cabeza de la madre de Cristo y en sus ojos, fijos en la más alta belleza de su hijo, su maravillosa satisfacción y emoción.<…>Pero como esto no fue suficiente para que Miguel Ángel apareciera todavía en mayor medida En vista de la grandeza de su arte, pintó muchos cuerpos desnudos sobre el fondo de esta obra: inclinados, de pie y sentados, y terminó todo esto con tanto cuidado y limpieza que de todos sus pinturas en el árbol, y son pocos, con razón se considera el más completo y el más hermoso”.
La Sagrada Familia está separada por un pequeño muro, al fondo hay jóvenes desnudos que se asemejan estatuas antiguas, tan querido por Miguel Ángel. Y la figura del niño Juan Bautista está colocada de tal manera que parece conectar estas escenas.
Hay varias formas de leer esta obra.
Según uno, Tondo Doni es un contraste entre el viejo mundo pagano y el nuevo tiempo del cristianismo y la venida del Salvador. Quizás este grupo de personas desnudas, reunidas en semicírculo a la manera de la antigüedad, sean paganos que esperan el bautismo, cuyo sacramento se asocia tradicionalmente a la figura de Juan Bautista.
Y según otra versión, los hombres desnudos simbolizan las relaciones homosexuales, que a menudo se atribuían a Miguel Ángel y que eran condenadas por la iglesia cristiana.
La técnica con la que Miguel Ángel completó la obra asombró y sigue asombrando a todos sin excepción. Una composición inusualmente sólida y una rica combinación de colores hacen que el tondo sea expresivo, brillante e inolvidable. Es imposible creer que su creador no se considerara en absoluto un artista. Por el contrario, a Miguel Ángel no le gustaba pintar, considerando el cincel y el martillo como sus herramientas.
Al mismo tiempo, logró trabajar sorprendentemente con estos mismos instrumentos, como un pincel (basta con recordar la Piedad). Y pintar cuadros como si los estuviera tallando en mármol: ¡al fin y al cabo, las manos desnudas de la Virgen María parecen completamente vivas!
La viva plasticidad de las figuras es otra ventaja incondicional de Tondo Doni. Miguel Ángel fue un artista y escultor extremadamente atraído por el cuerpo humano. No le interesaba en absoluto retratar imágenes etéreas. Por supuesto, desnudo cuerpo masculino El movimiento es lo principal en el arte de Miguel Ángel. Pero incluso al representar personajes vestidos, María y José, Miguel Ángel logra la máxima autenticidad de movimientos y poses. Al fin y al cabo, él, apasionado de la anatomía, conoce como ningún otro artista todos los secretos y posiciones del cuerpo humano.
La Virgen María entregando el Niño Jesús a José está representada con un movimiento inusual. Este giro parece torcer toda la composición en espiral, volviéndola integral y expresiva.
Pose de la Virgen, encontrada por Miguel Ángel, seguramente durante trabajo preparatorio. Después de todo, para cada uno de sus proyectos, Miguel Ángel hizo decenas de dibujos del natural. Fue esta situación la que inspiró inusualmente a Raphael Santi, un artista joven e impetuoso que llegó a Florencia en ese momento con el deseo de estudiar con Miguel Ángel y Leonardo.
Tondo Doni será una fuente inagotable de inspiración para Rafael. Utiliza este movimiento giratorio en el cuadro “El Entierro”: una niña en esta posición sostiene a la Virgen María, que se ha desmayado de dolor.
Y años más tarde, en Roma, donde Rafael alcanzaría una fama extraordinaria, se convertiría en un artista destacado, arquitecto principal de la Basílica de San Pedro y conservador de antigüedades, no olvidaría a Tondo Doni. En 1512 creará el retablo “Madonna di Foligno”, y su Jesucristo será muy parecido al niño del Tondo Doni. Así, inspirado y en diálogo, Rafael expresó su profunda admiración por el genio de Miguel Ángel Buonarroti, “un simple escultor florentino”.
Dado que Brujas es ahora un destino turístico absoluto, la ciudad intenta por todos los medios mantener esta imagen. ¡Las vistas están por todas partes!
Pero aquí también se encuentra una verdadera reliquia, que la ciudad tuvo la suerte de recibir en 1506. ¡Mucha gente viene aquí a verlo!
Virgen de Brujas, Miguel Ángel
...En aquella época Brujas estaba en pleno apogeo. Aquí vivía gente muy rica. Uno de ellos, el comerciante Mouscron (Moscheroni italiano), visitó una vez a Miguel Ángel en su taller.
Moscheroni tenía una idea clara de cómo debía ser la Virgen. Repito, la ciudad era rica y a cada paso estaba decorada con estatuas, templos lujosos (que residentes locales eran consideradas pequeñas iglesias regionales), muchos pintores vivieron y trabajaron en la ciudad. Por tanto, Moscheroni era una persona bastante conocedora del arte.
Pero cuando vio esta estatua de mármol, se sorprendió e inmediatamente decidió comprársela a Miguel Ángel.
Características de la escultura de la Virgen en Brujas.
...Aquí es necesario hacer una digresión.
La composición fue encargada a Miguel Ángel por el cardenal Piccolomini. Pero durante el trabajo surgieron desacuerdos. Miguel Ángel quería fundamentalmente esculpir al Niño Jesús desnudo, mientras que el cardenal lo consideraba inaceptable.
Los desacuerdos llevaron al cardenal aparentemente a abandonar la escultura...
¿Qué es lo que sorprendió tanto al comerciante de Brugger y disgustó tanto al cardenal?
Aquellas esculturas de la Madre de Dios que Moscheroni vio en su vida cumplían con todos los cánones religiosos. Eran modestos, cubiertos de muchos pliegues, bajo los cuales ni siquiera se podían discernir los contornos de los cuerpos, tristes. ¡La Virgen que asombró al comerciante en el taller de Miguel Ángel estaba viva! Sí, su rostro expresaba tristeza, ¡pero era tristeza viva! La escultura parecía respirar. ¡Había fuerza en ella!
Madonna se desvió de lo generalmente aceptado. cánones de la iglesia de esa época: pensativa, como inmersa en sus pensamientos, la Madre de Dios no abraza a su hijo, su mirada se dirige hacia un lado. La belleza clásica de su rostro joven está marcada por una poesía sutil, un lirismo y una profunda tristeza.
Virgen de Brujas, primer plano
“Por eso ella se resistió, no quería soltar a este niño hermoso, fuerte y ágil, que con su manita agarraba su mano protectora. Y por eso cubrió a su hijo con el borde de su manto. El niño, al sentir el humor de su madre, también tenía tristeza escondida en sus ojos. Estaba lleno de fuerza y coraje, pronto saltaría del regazo de su madre y abandonaría este refugio seguro, pero ahora, en ese momento, agarró la mano de su madre con una mano y presionó la otra contra su muslo. Quizás ahora esté pensando en ella, en su madre, entristecida por la inevitable separación: su hijo, tan confiadamente aferrado a sus rodillas, pronto vagará solo por el mundo”.(Irving Stone, "Tormento y alegría")
Lo primero que llama la atención de quien ve esta obra por primera vez y no conoce su historia es su desproporción. Mira lo grande que es el bebé al lado de su madre. ¿Por qué sucedió esto?
¿Se equivocó el escultor?
El caso es que la estatua estaba destinada a un nicho sobre el altar mayor de la capilla del mismo cardenal que discutía con el maestro sobre la desnudez de Jesús. El nicho estaba situado a una altura de 6 metros. Teniendo en cuenta esta característica, Miguel Ángel cambió las proporciones de la composición. Por cierto, por la misma razón, la Virgen y el Niño miran hacia abajo.
¿Cómo llegó la escultura de la Virgen a Brujas?
Nada de esto molestó al comerciante de Brugger. Y pidió insistentemente venderle esta obra. Miguel Ángel tenía su propia peculiaridad: no quería que sus obras estuvieran fuera de Italia.
Por lo tanto, fijó un precio loco para aquellos tiempos, con la esperanza de que el comerciante se quedara atrás: 100 ducados.
¡Y Moscheroni pagó!
¡Pero el escultor no retrocedió!
En carta fechada el 13 de enero de 1506, Miguel Ángel pide a su padre que deje la escultura en una caja, en casa familiar y no se lo muestres a nadie.
Seis meses después, el 14 de agosto de 1506, Giovani Balducci escribe desde Roma a Florencia: “He oído que Francesco del Puglise puede enviar la escultura a Viareggio y de allí a Flandes. Si está de acuerdo con el precio del envío, le pido que se lo envíe a sus legítimos propietarios, Jan y Alexandre Mouscron, en Brujas.
A finales de 1506 la escultura fue transportada a Brujas.
"La Virgen y el Niño" se convirtió el único trabajo Maestro que abandonó Italia en vida.
¡Y hoy en día éste es su “truco” de marketing, que los emprendedores Bruggers explotan con todas sus fuerzas!
...La escultura está situada en el lado derecho de la iglesia, y está separada de toda la sala por un tabique. Hay taquilla en la entrada y por sólo 3 euros puedes entrar habitación separada¡Y disfruta de esta obra de arte!
La entrada, por supuesto, no es para la iglesia. Entrada al museo!
En general, su valor, por supuesto, está en otra parte. "La Virgen de Brujas" es una de las obras más creíbles, inspiradas y "vivas" del gran Miguel Ángel.
Fuentes: impresiones propias, relato del guía, literatura especializada.
La composición escultórica de la Virgen y el Niño Cristo, más tarde llamada "Madona de Brujas", se convirtió en la única estatua de Miguel Ángel que salió de Italia durante su vida.
Inicialmente esto estatua de mármol, creado genio italiano A principios del siglo XVI, poco después de la finalización de la Piedad del Vaticano, estaba destinada a un nicho sobre el altar mayor de la capilla del cardenal Francesco Piccolomini en Siena, lo que explica en parte la desproporción de la escultura y las vistas hacia abajo. de la Virgen y el Niño. Sin embargo, durante el proceso surgieron desacuerdos entre el escultor y el cliente: Miguel Ángel básicamente quería esculpir al Niño Jesús desnudo, mientras que el cardenal lo consideraba inaceptable. Como resultado, gracias a la mediación del amigo de Miguel Ángel, el banquero Giovani Balducci, los propietarios de la estatua se convirtieron en influyentes comerciantes de Brujas: Jan y Alexander Muscrone (en pronunciación italiana, Moscheroni). En 1506, composición escultórica salió de Italia para ser presentado por los comerciantes como regalo a la Iglesia de Nuestra Señora de Brujas.
La pequeña estatua, cuya altura es de sólo 128 centímetros, fue colocada en un nicho de mármol negro en la Capilla del Santísimo Sacramento, y en 1768 la composición se complementó con dos esculturas laterales (de Peter Peters), que representan alegóricamente la Fe y la Esperanza. A lo largo de varios siglos, la “Madonna de Brujas” abandonó dos veces la capital de Flandes Occidental: después revolución francesa, cuando toda Europa tenía fiebre, y en 1944, cuando los alemanes en retirada de la ciudad pudieron sacar la estatua debajo de los colchones en un camión de la Cruz Roja. Sin embargo, al finalizar la Segunda Guerra Mundial, “Madonna” volvió a su lugar. Después de que un fanático atacara la Piedad del Vaticano en 1972 (el maníaco dañó la escultura con un martillo), las autoridades de Brujas decidieron proteger su estatua con un cristal a prueba de balas.
La "Madonna de Brujas" se desvía en muchos aspectos de los cánones eclesiásticos generalmente aceptados de esa época: la pensativa Madre de Dios, como inmersa en sus pensamientos, no abraza a su hijo, su mirada se dirige hacia un lado. La belleza clásica de su rostro joven está marcada por una sutil poesía, un lirismo y un profundo dolor, como si la madre ya hubiera revelado los sufrimientos de la cruz destinados a su hijo. escritor americano Irving Stone en su novela famosa“Tormento y alegría”, dedicada a la vida y obra de Miguel Ángel, describe la estatua de la siguiente manera: “Por eso ella resistió, no quiso soltar a este niño hermoso, fuerte y ágil, que agarró su mano protectora con la suya. manita. Y por eso cubrió a su hijo con el borde de su manto. El niño, al sentir el humor de su madre, también tenía tristeza escondida en sus ojos. Estaba lleno de fuerza y coraje, pronto saltaría del regazo de su madre y abandonaría este refugio seguro, pero ahora, en ese momento, agarró la mano de su madre con una mano y presionó la otra contra su muslo. Quizás ahora esté pensando en ella, en su madre, entristecida por la inevitable separación: su hijo, tan confiadamente aferrado a sus rodillas, pronto vagará solo por el mundo”.
Parece que los párpados de María están a punto de temblar, su pecho, cubierto por los fluidos pliegues de su ropa, suspirará, el niño Jesús dará su primer paso independiente, en cuya apariencia ya se puede sentir el poder oculto... “ Madonna de Brujas” es una de las obras más creíbles, inspiradas y “vivas” del gran Miguel Ángel.
Virgen
Brujas
La Virgen y el Niño fue originalmente una de las esculturas encargadas por el cardenal Francesco Piccolomini para su capilla en Siena. Se suponía que estaba ubicado en un gran nicho a una altura de nueve metros, sobre el altar mayor de la capilla de la familia Piccolomini. Así, el público debía mirarla de abajo hacia arriba. Esto explica en parte la desproporción de la escultura y la mirada baja de la Madre de Dios y el bebé.
Pero durante el trabajo surgieron desacuerdos entre el escultor y el cliente. El puritano cardenal quería recibir primero un boceto de la obra para estar seguro de que la escultura no mostraría libertades en la composición y desnudez. Miguel Ángel, sin embargo, optó por seguir su visión interior y esculpió al pequeño Jesús desnudo.
El amigo del escultor, el banquero Giovani Balducci, presentó a Miguel Ángel a su cliente, un influyente comerciante de Jan de Mouscron, cuya familia comerciaba con telas flamencas en Italia. Este último hizo una generosa oferta de pagar cien ducados por la escultura.
Desde el siglo XIII, la ciudad flamenca de Brujas mantuvo estrechas relaciones comerciales con Venecia, Florencia, Génova y otras ciudades italianas. Una de las principales sucursales del banco de la familia Medici estaba ubicada en Brujas.
En una carta fechada el 13 de enero de 1506, Miguel Ángel pide a su padre que deje la escultura en una caja en la casa familiar y no se la muestre a nadie.
El 14 de agosto de 1506, Giovanni Balducci escribe desde Roma a Florencia: “He oído que Francesco del Puglise puede enviar la escultura a Viareggio y de allí a Flandes. Si está de acuerdo con el precio del envío, le pido que se lo envíe a sus legítimos propietarios, Jan y Alexandre Mouscron, en Brujas.
En octubre de 1506, la escultura fue transportada a ciudad italiana Lucca y luego Brujas. “La Virgen y el Niño” fue la única obra del maestro que salió de Italia durante su vida.
Gracias a un acuerdo fechado el 23 de noviembre de 1514 y conservado en los archivos de la ciudad de Brujas, se sabe que el rector y los celadores de la Iglesia de Nuestra Señora aceptaron como regalo un lujoso altar y una estatua de Nuestra Señora y el Niño. A cambio, los donantes recibieron varios privilegios.
La escultura fue colocada en un nicho de mármol negro en la Capilla del Santísimo Sacramento, la parte más luminosa y agradable de Brujas.
Las columnas de piedra roja contrastan con los nichos de mármol negro, y en 1768 se añadieron a la composición dos esculturas laterales, alegorías: Fe y Esperanza, del escultor Peter Peters.
Delante del altar se encuentra una lápida restaurada en 1829, decorada con el escudo familiar de Pieter de Mouscron, hijo de Jan de Mouscron. Según la inscripción en la losa, el altar que se encuentra frente a la escultura también fue su regalo.
Después del ataque a la Piedad de la Basílica de San Pedro en Roma, durante el cual el maníaco dañó la escultura con un martillo, las autoridades eclesiásticas decidieron proteger el grupo escultórico con cristales a prueba de balas.