Dado que Brujas es ahora un destino turístico absoluto, la ciudad intenta por todos los medios mantener esta imagen. ¡Las vistas están por todas partes!
Pero aquí también se encuentra una verdadera reliquia, que la ciudad tuvo la suerte de recibir en 1506. ¡Mucha gente viene aquí a verlo!
Virgen de Brujas, Miguel Ángel
...En aquella época Brujas estaba en pleno apogeo. Aquí vivía gente muy rica. Uno de ellos, el comerciante Mouscron (Moscheroni italiano), visitó una vez a Miguel Ángel en su taller.
Moscheroni tenía una idea clara de cómo debía ser la Virgen. Repito, la ciudad era rica y a cada paso estaba decorada con estatuas, templos lujosos (que Residentes locales eran consideradas pequeñas iglesias regionales), muchos pintores vivieron y trabajaron en la ciudad. Por tanto, Moscheroni era una persona bastante conocedora del arte.
Pero cuando vio esto estatua de mármol, se sorprendió e inmediatamente decidió comprárselo a Miguel Ángel.
Características de la escultura de la Virgen en Brujas.
...Aquí es necesario hacer una digresión.
La composición fue encargada a Miguel Ángel por el cardenal Piccolomini. Pero durante el trabajo surgieron desacuerdos. Miguel Ángel quería fundamentalmente esculpir al Niño Jesús desnudo, mientras que el cardenal lo consideraba inaceptable.
Los desacuerdos llevaron al cardenal aparentemente a abandonar la escultura...
¿Qué es lo que sorprendió tanto al comerciante de Brugger y disgustó tanto al cardenal?
Aquellas esculturas de la Madre de Dios que Moscheroni vio en su vida cumplían con todos los cánones religiosos. Eran modestos, cubiertos de muchos pliegues, bajo los cuales ni siquiera se podían discernir los contornos de los cuerpos, tristes. ¡La Virgen que asombró al comerciante en el taller de Miguel Ángel estaba viva! Sí, su rostro expresaba tristeza, ¡pero era tristeza viva! La escultura parecía respirar. ¡Había fuerza en ella!
Madonna se desvió de lo generalmente aceptado. cánones de la iglesia de esa época: pensativa, como inmersa en sus pensamientos, la Madre de Dios no abraza a su hijo, su mirada se dirige hacia un lado. La belleza clásica de su rostro joven está marcada por una poesía sutil, un lirismo y una profunda tristeza.
Virgen de Brujas, primer plano
“Por eso ella se resistió, no quería soltar a este niño hermoso, fuerte y ágil, que con su manita agarraba su mano protectora. Y por eso cubrió a su hijo con el borde de su manto. El niño, al sentir el humor de su madre, también tenía tristeza escondida en sus ojos. Estaba lleno de fuerza y coraje, pronto saltaría del regazo de su madre y abandonaría este refugio seguro, pero ahora, en ese momento, agarró la mano de su madre con una mano y presionó la otra contra su muslo. Tal vez esté pensando ahora en ella, en su madre, entristecida por la inevitable separación: su hijo, tan confiadamente aferrado a sus rodillas, pronto vagará solo por el mundo.(Irving Stone, "Tormento y alegría")
Lo primero que llama la atención de quien ve esta obra por primera vez y no conoce su historia es su desproporción. Mira lo grande que es el bebé al lado de su madre. ¿Por qué sucedió?
¿Se equivocó el escultor?
El caso es que la estatua estaba destinada a un nicho sobre el altar mayor de la capilla del mismo cardenal que discutía con el maestro sobre la desnudez de Jesús. El nicho estaba situado a una altura de 6 metros. Teniendo en cuenta esta característica, Miguel Ángel cambió las proporciones de la composición. Por cierto, por la misma razón, la Virgen y el Niño miran hacia abajo.
¿Cómo llegó la escultura de la Virgen a Brujas?
Nada de esto molestó al comerciante de Brugger. Y pidió insistentemente venderle esta obra. Miguel Ángel tenía su propia peculiaridad: no quería que sus obras estuvieran fuera de Italia.
Por lo tanto, fijó un precio loco para aquellos tiempos, con la esperanza de que el comerciante se quedara atrás: 100 ducados.
¡Y Moscheroni pagó!
¡Pero el escultor no retrocedió!
En carta fechada el 13 de enero de 1506, Miguel Ángel pide a su padre que deje la escultura en una caja, en Casa familiar y no se lo muestres a nadie.
Seis meses después, el 14 de agosto de 1506, Giovani Balducci escribe desde Roma a Florencia: “He oído que Francesco del Puglise puede enviar la escultura a Viareggio y de allí a Flandes. Si está de acuerdo con el precio del envío, le pido que lo envíe a Brujas a sus legítimos propietarios, Jan y Alexandre Mouscron.
A finales de 1506 la escultura fue transportada a Brujas.
"La Virgen y el Niño" se convirtió el único trabajo Maestro que abandonó Italia en vida.
¡Y hoy en día éste es su “truco” de marketing, que los emprendedores Bruggers explotan con todas sus fuerzas!
...La escultura está situada en el lado derecho de la iglesia, y está separada de toda la sala por un tabique. Hay taquilla en la entrada y por sólo 3 euros puedes entrar cuarto separado¡Y disfruta de esta obra de arte!
La entrada, por supuesto, no es para la iglesia. Entrada al museo!
En general, su valor, por supuesto, está en otra parte. "La Virgen de Brujas" es una de las obras más creíbles, inspiradas y "vivas" del gran Miguel Ángel.
Fuentes: impresiones personales, relato del guía, literatura especializada.
Virgen
Brujas
La Virgen y el Niño fue originalmente una de las esculturas encargadas por el cardenal Francesco Piccolomini para su capilla en Siena. Se suponía que estaba ubicado en un gran nicho a una altura de nueve metros, sobre el altar mayor de la capilla de la familia Piccolomini. Así, el público debía mirarla de abajo hacia arriba. Esto explica en parte la desproporción de la escultura y la mirada baja de la Madre de Dios y el bebé.
Pero durante el trabajo surgieron desacuerdos entre el escultor y el cliente. El puritano cardenal quería recibir primero un boceto de la obra para estar seguro de que la escultura no mostraría libertades en la composición y desnudez. Miguel Ángel, sin embargo, optó por seguir su visión interior y esculpió al pequeño Jesús desnudo.
El amigo del escultor, el banquero Giovani Balducci, presentó a Miguel Ángel a su cliente, un influyente comerciante de Jan de Mouscron, cuya familia comerciaba con telas flamencas en Italia. Este último hizo una generosa oferta de pagar cien ducados por la escultura.
Desde el siglo XIII, la ciudad flamenca de Brujas mantuvo estrechas relaciones comerciales con Venecia, Florencia, Génova y otras ciudades italianas. Una de las principales sucursales del banco de la familia Medici estaba ubicada en Brujas.
En una carta fechada el 13 de enero de 1506, Miguel Ángel pide a su padre que deje la escultura en una caja en la casa familiar y no se la muestre a nadie.
El 14 de agosto de 1506, Giovanni Balducci escribe desde Roma a Florencia: “He oído que Francesco del Puglise puede enviar la escultura a Viareggio y de allí a Flandes. Si está de acuerdo con el precio del envío, le pido que lo envíe a Brujas a sus legítimos propietarios, Jan y Alexandre Mouscron.
En octubre de 1506, la escultura fue transportada a ciudad italiana Lucca y luego Brujas. “La Virgen y el Niño” fue la única obra del maestro que salió de Italia durante su vida.
Gracias a un acuerdo fechado el 23 de noviembre de 1514 y conservado en los archivos de la ciudad de Brujas, se sabe que el rector y los celadores de la Iglesia de Nuestra Señora aceptaron como regalo un lujoso altar y una estatua de Nuestra Señora y el Niño. A cambio, los donantes recibieron varios privilegios.
La escultura fue colocada en un nicho de mármol negro en la Capilla del Santísimo Sacramento, la parte más luminosa y agradable de Brujas.
Las columnas de piedra roja contrastan con los nichos de mármol negro, y en 1768 se añadieron a la composición dos esculturas laterales, alegorías: Fe y Esperanza, del escultor Peter Peters.
Delante del altar se encuentra una lápida restaurada en 1829, decorada con el escudo familiar de Pieter de Mouscron, hijo de Jan de Mouscron. Según la inscripción en la losa, el altar que se encuentra frente a la escultura también fue su regalo.
Después del ataque a la Piedad de la Basílica de San Pedro en Roma, durante el cual el maníaco dañó la escultura con un martillo, las autoridades eclesiásticas decidieron proteger el grupo escultórico con cristales a prueba de balas.
Al regresar a Florencia, después "David", Miguel Ángel creó el llamado "Madonna de Brujas" un pequeño grupo escultórico (1,27 m de altura) de la Virgen con el Niño, finalizándolo en 1504. Posteriormente, la estatua acabó en la iglesia de Notre Dame en la ciudad holandesa de Brujas.
Por tipo, esta Madonna joven, gentil y pensativa se parece a Madonna. "Lamentaciones de Cristo" de la Catedral de San Pedro. Sin embargo, en este lavabo el escultor esculpió una composición más tradicional, que representa a Jesús en forma de Niño. En esta modesta obra, que revela una línea de imágenes de la obra de Miguel Ángel, marcadas por rasgos de un lirismo peculiar, resulta especialmente atractiva la propia Madonna, en la que se destacan la belleza clásica y fuerza interior Las personalidades se combinan con la poesía suave y la nobleza. Puedes sentir la mano del maestro que esculpió la romana. "Piedad".
La Virgen y el Niño de Brujas es una de las Vírgenes más bellas y espirituales de Miguel Ángel. Mujer triste, elegida y condenada, prevé el sufrimiento de su hijo en la cruz. Su mirada se dirige a lo lejos, una expresión de tristeza ineludible se congela en su rostro. El Bebé, alegre y curioso, con una gran cabeza rizada, evoca sentimientos completamente diferentes. Con su espontaneidad y serenidad infantiles, parece enfatizar la inmensidad del dolor futuro de su madre.
“Por eso ella se resistió, no quería soltar a este niño hermoso, fuerte y ágil, que con su manita agarraba su mano protectora. Y por eso cubrió a su hijo con el borde de su manto. El niño, al sentir el humor de su madre, también tenía tristeza escondida en sus ojos. Estaba lleno de fuerza y coraje, pronto saltaría del regazo de su madre y abandonaría este refugio seguro, pero ahora, en ese momento, agarró la mano de su madre con una mano y presionó la otra contra su muslo. Quizás ahora esté pensando en ella, en su madre, entristecida por la inevitable separación: su hijo, tan confiadamente aferrado a sus rodillas, pronto vagará solo por el mundo”. Piedra Irving.
La Virgen María resultó viva y creíble, tierna y pura. Un momento más de arrugamiento y los párpados temblarán, la mano levantará al niño, el pecho inhalará. Está viva, se siente. El maestro ya no idealizaba el rostro de María, como en obras tempranas. Habiendo creado la "Piedad" y el "David" romanos, busca sentimiento, credibilidad: ropa modesta con pliegues sueltos perfila el cuerpo fuerte de una madre joven, un rostro con párpados pesados por las lágrimas no derramadas, una nariz larga, Cabello grueso con un peinado sencillo, cubierto con una pesada capucha, como esta pieza recuerda a la Piedad. El cuerpo del bebé, aunque infantil, da una sensación de poder oculto, pero es infantilmente lindo: mejillas y barbilla regordetas, cabeza rizada. De rodillas de su madre, tomándole la mano, se siente protegido y dispuesto a explorar el mundo. La posición de los cuerpos del grupo escultórico es muy natural: ¿qué podría ser más plausible que la Madre y el Niño de Brujas?
David (1501-1504)
“Algunos de sus amigos le escribieron desde Florencia pidiéndole que fuera allí, porque no debía perderse el mármol que yacía estropeado al cuidado de la catedral. Este mármol, Pier Soderini, entonces nombrado gonfaloniere vitalicio de la ciudad, se ofreció repetidamente a transportar a Leonardo da Vinci, y ahora iba a entregárselo al maestro Andrea Contucci de Monte Sansovino, excelente escultor que lo pedía; Miguel Ángel, que le había cogido cariño hacía muchos años, intentó conseguirla a su llegada a Florencia, aunque era difícil tallar en ella una estatua entera sin añadirle piezas, y nadie más que él tuvo el valor de terminarla. sin tales adiciones. Desgraciadamente, cierto maestro Simón de Fiesole empezó a tallar en este mármol un gigante del tamaño de nueve braccia, y lo hizo tan mal que le hizo un agujero entre las piernas y lo arruinó y desfiguró todo para que los síndicos de Santa María del Fiore , quienes estaban a cargo de la obra, no pensaron en ello, se dieron por vencidos en cómo completarlo, y así permaneció durante muchos años y siguió en pie. Miguel Ángel volvió a medirla, pensando qué clase de estatua sensata se podría tallar en este bloque, y, adaptándose a la postura que le había dado el maestro Simone, que la había arruinado, decidió rogar a los síndicos y a Soderini, quien se lo dio como algo innecesario, creyendo que cualquier cosa que le hiciera sería mejor que eso el estado en que se encontraba entonces, porque si lo rompes en pedazos o lo dejas deteriorado, todavía no servirá para la construcción. Por eso, Miguel Ángel hizo un modelo en cera, pensando en representar en él, como emblema de palacio, al joven David con una honda en la mano, para que, así como David defendiera a su pueblo y lo gobernara con justicia, los gobernantes de esta ciudad pudieran valientemente defenderlos y gobernarlos con justicia. Comenzó a trabajar en el patronato de Santa María del Fiore, donde cercó contra la pared un espacio alrededor del bloque y, trabajando sin cesar en él para que nadie pudiera verlo, llevó el mármol a la última perfección.
El mármol ya había sido dañado y mutilado por el maestro Simone, y en algunos lugares no había suficiente para que Miguel Ángel pudiera hacer lo que se proponía; sobre el. En la superficie del mármol tuvo que dejar los primeros cortes del maestro Simone, por lo que incluso ahora algunos de ellos son visibles y, por supuesto, Miguel Ángel realizó un verdadero milagro, reviviendo lo que estaba muerto.
Una vez terminada, la estatua resultó ser tan grande que comenzaron las discusiones sobre cómo entregarla en la Piazza della Signoria. Y luego Giuliano da Sangallo y su hermano Antonio organizaron una muy fuerte torre de madera, al cual se colgó la estatua con cuerdas para que al empujarla no se dañara, sino que se balanceara uniformemente; lo arrastraron con cuerdas con ayuda de cabrestantes sobre troncos lisos y, moviéndolo, lo colocaron en su lugar. El lazo de cuerda del que colgaba la estatua se deslizó muy fácilmente y se tensó bajo la presión de la gravedad: fue inventado de manera tan hermosa e ingeniosa que guardo mi propio dibujo en nuestro Libro como algo maravilloso, confiable y duradero para atar pesas.
Mientras tanto, sucedió que Pier Soderini, mirando la estatua, que le gustaba mucho, le dijo a Miguel Ángel, que en ese momento la estaba terminando aquí y allá, que, en su opinión, su nariz era grande:
Miguel Ángel, al darse cuenta de que el Confaloniere estaba justo debajo del gigante y que su punto de vista lo engañaba, subió al andamio sobre los hombros de la estatua para complacerlo y, levantando un poco de polvo de mármol de la plataforma del andamio con el cincel. que tenía en la mano izquierda, empezó a esparcir poco a poco el polvo, trabajando como si fuera con otros incisivos, pero sin tocar la nariz. Luego, inclinándose hacia el confaloniere, que lo observaba, dijo: “Vamos, míralo ahora”. "Ahora me gusta más", dijo el Gonfaloniero, "lo has revivido". Miguel Ángel descendió entonces del puente, riéndose silenciosamente de él y sintiendo lástima por las personas que, queriendo mostrarse como expertos, dicen cosas que ellos mismos no entienden. Cuando finalmente se instaló la estatua, la abrió, y verdaderamente esta creación eclipsó todas las estatuas conocidas, nuevas y antiguas, ya fueran griegas o romanas; y se puede decir que ni el Marforius romano, ni el Belvedere del Tíber o del Nilo, ni los gigantes de Montecavallo pueden en modo alguno compararse con él: Miguel Ángel lo terminó con tanta proporcionalidad y belleza, con tan buena calidad. Porque los contornos de sus piernas son el grado más alto hermosa, y la combinación y armonía de las caderas son divinas, y nunca se ha visto una pose tan graciosa, ninguna gracia, incomparable con nada, ni brazos, ni piernas, ni cabeza, que correspondería tanto a cada miembro de este cuerpo con su bondad, su habilidad y su coherencia, sin olvidar su diseño. Y, realmente, quien viera esto no debería mirar ninguna escultura de ningún maestro nuestro o de otros tiempos”. Vasari.
Colosal estatua de David (1501-1504, Florencia, Academia de Arte) altura aprox. 5 m, junto con la base, da lugar a la idea de una fuerza formidable (los contemporáneos llamaron terribilita a esta característica de las obras de Miguel Ángel), de un impulso heroico reprimido por una poderosa tensión de voluntad. Se suponía que la colosal figura estaría en la catedral.
"David" se convirtió en uno de los más trabajos famosos Renacimiento italiano. Esta estatua ya era percibida por sus contemporáneos como un símbolo de la República Florentina. Vasari escribió que Miguel Ángel "creó a David como una señal de que protegía a su pueblo y lo gobernaba con justicia, por lo que los gobernantes de la ciudad debían protegerlo con valentía y gobernarlo con justicia". No es casualidad que la inauguración de la estatua en 1504 se convirtiera en un acontecimiento solemne para toda la ciudad.
En David, Miguel Ángel se enfrentó a una tarea muy difícil: crear una estatua a partir de un bloque de mármol que ya había sido dañado en el siglo XV y que tenía una forma compleja. Y lo hizo de manera brillante. Aquí quedó demostrada su excelente capacidad para extraer de la piedra la máxima expresividad. Posteriormente lo formuló en uno de sus sonetos: la obra ya está incrustada en la propia piedra, sólo hay que poder extraerla de allí.
Hace varias décadas, en Carrara se extrajo un enorme bloque de mármol, que se encontraba en el patio de la iglesia de Santa María del Fiore, destinado a una estatua colosal del héroe bíblico David. El bloque tenía nueve pies de altura. El 16 de agosto de 1501 se concluyó un tratado. El escultor habló durante dos años, a contar desde el 1 de septiembre. El lunes 13 de septiembre, temprano en la mañana, Miguel Ángel comenzó a trabajar. Miguel Ángel preparó más de cien bocetos de la futura estatua, hizo un pequeño modelo de arcilla, que vertió en recipientes con leche, con la ayuda de la cual determinó la secuencia de trabajo en el bloque de mármol.
Debido al grave daño sufrido por el mármol, fue necesario marcar la futura estatua con extrema precisión, hasta el centímetro. Primero el maestro talló mano izquierda David. Uno de los brazos de la figura gigante tuvo que representarse doblado por el codo, debido a los baches en el bloque de mármol.
4 meses después del inicio del intenso trabajo en “David”, llegó el invierno toscano; el viento, la nieve y la lluvia dificultaron el trabajo de Miguel Ángel, que tuvo que forjar instrumentos que rápidamente se desgastaban por el intenso trabajo. Pero Miguel Ángel no podía permitirse el lujo de descansar, a menudo incluso dormía por la noche en su lugar de trabajo. Según Vasari, cualquiera que se permita un descanso del trabajo en Florencia está condenado al olvido, el aire estaba tan lleno del deseo de fama y la sed de reconocimiento que la competencia entre los maestros era muy alta. Los disturbios y los disturbios en Florencia interfirieron de vez en cuando. Operación adecuada, y la estatua no se completó hasta 1504.
Dicen que después de terminar la estatua, Miguel Ángel la decoró con una corona de láminas de cobre. Esto no era inusual en ese momento, muchos estatuas antiguas, que sirvieron de inspiración a los maestros del Renacimiento, estaban recubiertas de oro o decoradas con colores vivos.
La imagen de David era tradicional en Florencia. Donatello y Verrocchio crearon esculturas de bronce de un joven que mata milagrosamente a un gigante cuya cabeza yace a sus pies. Miguel Ángel representó a David no como un frágil adolescente pisoteando la cabeza cortada de Goliat, como lo hicieron los maestros del siglo XV, sino como un hermoso y atlético gigante en el momento previo a la batalla, lleno de confianza y una fuerza formidable (los contemporáneos lo llamaron terribilita - aterrador). Por el contrario, Miguel Ángel describió el momento anterior a la pelea. David está de pie con una honda al hombro y agarra una piedra en su mano izquierda. El lado derecho de la figura está tenso, mientras que el izquierdo está ligeramente relajado, como un atleta listo para la acción. Miguel Ángel representa al héroe del Antiguo Testamento como un joven apuesto, musculoso y desnudo que mira ansiosamente a lo lejos, como si evaluara a su enemigo, Goliat, con quien tiene que luchar. La expresión vivaz e intensa del rostro de David es característica de muchas de las obras de Miguel Ángel: es un signo de su estilo escultórico individual.
En "David" se reveló el titanismo heroico por Miguel Ángel. en una cara hermosa joven héroe, en su mirada con la que se enfrenta al enemigo, captamos esa formidable expresividad que los contemporáneos consideraban propiedad integral de las creaciones de Miguel Ángel. Sin recurrir a fuertes dinámicas compositivas ni a movimientos complejos, el maestro creó un tipo de héroe lleno de coraje, poder y disposición para la acción.
Miguel Ángel representa a David desnudo, basándose en los antiguos ideales de la belleza humana, traduciendo en mármol ideas antiguas sobre la correspondencia entre la belleza física, el poder y la fortaleza.
Se mantiene tranquilo, confiado en su rectitud y en su inminente victoria. Tiene extremidades desproporcionadamente grandes y una cabeza pesada, lo que enfatiza la naturaleza juvenil de su físico. Un rostro hermoso y valiente está marcado con el sello de una nobleza extraordinaria, un torso poderoso y brazos y piernas magníficamente modelados no solo expresan fuerza física, sino que también enfatizan la fuerza del espíritu. David está representado antes de la batalla con Goliat. Es todo concentración y anticipación. Después de todo, todavía no ha pasado nada. Así, David, Miguel Ángel no es de ninguna manera una solución final al problema del hombre, sino sólo una formulación de la pregunta; encontramos la respuesta a esta pregunta en mayor creatividad Miguel Ángel.
En 1504 se completaron las obras; el 25 de enero se convocó una comisión de expertos para discutir la cuestión de dónde colocar la estatua. Durante la discusión de la comisión sobre la cuestión de la estatua, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci se encontraron por primera vez. No era éste el momento propicio para un encuentro amistoso. Leonardo tenía en ese momento más de 50 años, ya había creado " última cena" y "Mona Lisa" y perdió la primacía en la escultura frente a Miguel Ángel. El único rival de Da Vinci, Miguel Ángel, en ese momento ni siquiera tenía 26 años. Su “David”, como lo expresaron sus contemporáneos, “hasta los ignorantes quedaron asombrados”. A petición de Miguel Ángel, decidieron colocarlo a la entrada del Palacio de la Signoria, donde permaneció durante tres siglos.
La instalación de esta estatua tuvo un significado político especial: en este momento, a principios del siglo XVI, la República Florentina, después de haber expulsado a sus tiranos internos, la familia Medici, estaba decidida a resistir a los enemigos que la amenazaban desde dentro y sin. Querían creer que la pequeña Florence podría ganar, tal como el otrora joven y pacífico pastor David derrotó al gigante Goliat.
El traslado de la colosal estatua del taller y su instalación frente al Palazzo Vecchio, sede de las autoridades de la República Florentina, se convierte en un acontecimiento solemne. Fueron necesarios tres días para llevar el gigante de mármol a su destino. Se desconoce por qué se arrojaron piedras al gigante de mármol. Quizás fue obra de vándalos individuales. Según otra versión, el ataque fue organizado por partidarios de la familia Medici en protesta contra el símbolo de poder del nuevo gobierno republicano.
Después de que la estatua fue instalada en su lugar permanente, Miguel Ángel probablemente llevó a cabo el trabajo final, aplicando los toques finales y puliendo la superficie de la "piel" hasta obtener un brillo de espejo. Finalmente, todos los trabajos estuvieron terminados. A principios de septiembre llegó el momento de descubrir la estatua en la que Miguel Ángel dedicó tres años de incansable trabajo.
La inauguración del David tuvo lugar el 8 de septiembre y los florentinos quedaron impactados ante la vista completa. La estatua de David le dio fama a Miguel Ángel y estableció su reputación como el primer escultor de Italia. Con esta estatua, Miguel Ángel demostró a sus conciudadanos que no sólo superaba a todos los artistas contemporáneos, sino también a los maestros de la antigüedad. Si hasta ahora el nombre de Miguel Ángel era conocido en toda Italia, después de la finalización de David fue proclamado el más grande de los escultores italianos, y Miguel Ángel conservó legítimamente este título hasta el final de su vida.
En 1873, la estatua de David tuvo que ser trasladada a la Academia de Bellas Artes de Florencia para protegerla de los efectos destructivos del viento, la lluvia y el sol. Desde entonces, una copia exacta de la obra maestra se encuentra en su lugar original.
"Lamentación de Cristo", o "Piedad" (c. 1498-1500)
Al llegar a Roma en 1496, dos años más tarde Miguel Ángel recibió un encargo para una estatua de la Virgen y Cristo. Esculpió un grupo escultórico incomparable, entre ellos la figura de la Madre de Dios afligida por el cuerpo del Salvador bajado de la cruz. Sin duda, esta obra indica el inicio de la madurez creativa del maestro. El grupo Lamentación de Cristo fue originalmente destinado a la Capilla de la Virgen María en la Basílica de San Pedro en Roma, y todavía se encuentra en la Basílica de San Pedro, en la primera capilla a la derecha.
El encargo del grupo escultórico se recibió gracias a la garantía del banquero Jacopo Galli, que adquirió para su colección la estatua de “Baco” y algunas otras obras de Miguel Ángel. El contrato se celebró el 26 de agosto de 1498 y el cliente era el cardenal francés Jean de Villiers Fesanzac. Según el contrato, el maestro estaba obligado a terminar la obra en un año y recibió por ella 450 ducados. Las obras finalizaron hacia el año 1500, tras la muerte del cardenal, que falleció en 1498. Quizás este grupo de mármol estaba destinado originalmente a la futura tumba del cliente. Cuando terminó la Lamentación de Cristo, Miguel Ángel tenía sólo 25 años.
El contrato contiene las palabras del garante, “Yo, Jacopo Galli, prometo a Su Eminencia que el mencionado Miguel Ángel completará el trabajo que usted necesita dentro de un año y que será mejor trabajo de mármol que existe hoy, y que ningún maestro hoy puede mejorarlo”.. El tiempo ha confirmado las palabras de Galli, que resultó ser un conocedor del arte sutil y previsor. "La Lamentación de Cristo" todavía tiene un efecto irresistible con su perfección y profundidad de solución artística.
Esta gran orden se abre nueva fase en la vida de un joven escultor. Abrió su propio taller y contrató un equipo de asistentes. Durante este período visitó repetidamente las canteras de Carr, donde él mismo eligió bloques de mármol para sus futuras esculturas. Para la “Piedad” se requirió un bloque de mármol corto pero bastante ancho, ya que según su plan, el cuerpo de su Hijo adulto fue colocado en el regazo de la Virgen María.
Esta composición se convirtió obra clave el período romano temprano de la obra de Miguel Ángel, que marcó el inicio del Alto Renacimiento en las artes plásticas italianas. Algunos investigadores comparan el significado del grupo de mármol "Lamentación de Cristo" con el significado de la famosa "Madonna en la Gruta" de Leonardo da Vinci, que abre la misma etapa en la pintura.
“... Estas cosas despertaron el deseo del cardenal San Dionisio, llamado cardenal francés de Rouen, de dejar, por medio de un artista tan raro, un recuerdo digno de sí mismo en una ciudad tan famosa, y le encargó una Escultura de mármol, enteramente redonda, con el lamento de Cristo, que una vez terminada fue colocada en la Catedral de San Pedro, en la capilla de la Virgen María, sanadora de las fiebres, donde antiguamente había un templo de Marte. Que nunca se le ocurra a ningún escultor, incluso si fuera un artista raro, la idea de que podría agregar algo a tal diseño y a tal gracia y que a través de su trabajo algún día podría alcanzar tal sutileza y pureza y tallar mármol con tanta habilidad como Miguel Ángel. mostrado en esta cosa, porque en ella se revelan todo el poder y todas las posibilidades inherentes al arte. Entre las bellezas aquí, además de las túnicas divinamente confeccionadas, llama la atención el Cristo difunto; y que a nadie se le ocurra ver un cuerpo desnudo hecho con tanta destreza, con miembros tan hermosos, con los músculos, vasos y venas que adornan su cuerpo tan finamente recortado, o ver un muerto más parecido a un muerto que este hombre muerto. Aquí está la expresión más tierna del rostro, y una cierta consistencia en la unión y el emparejamiento de los brazos, y en la conexión del torso y las piernas, y tal tratamiento de los vasos sanguíneos que realmente te asombra cómo el la mano del artista podría, en el menor tiempo posible, crear de manera tan divina e impecable algo tan maravilloso; y, por supuesto, es un milagro que una piedra, inicialmente desprovista de cualquier forma, pueda alguna vez alcanzar esa perfección que la naturaleza tiene dificultades para impartir a la carne.
Miguel Ángel puso tanto amor y trabajo en esta creación que sólo en ella (cosa que no hizo en sus otras obras) escribió su nombre a lo largo del cinturón que apretaba el pecho de la Madre de Dios; Resultó que un día Miguel Ángel, acercándose al lugar donde estaba colocada la obra, vio allí Número grande visitantes lombardos, quienes la elogiaron mucho, y cuando uno de ellos se volvió hacia el otro preguntándole quién lo había hecho, él respondió: “Nuestro Gobbo milanés”. Miguel Ángel permaneció en silencio y le pareció al menos extraño que sus obras fueran atribuidas a otro. Una noche se encerró allí con una lámpara, llevándose los cinceles, y grabó su nombre en la escultura. Y verdaderamente es como dijo de ella un bellísimo poeta, como dirigiéndose a una figura real y viva:
Dignidad y belleza
Y dolor: ¡gemirás sobre esta canica!
Está muerto, habiendo vivido y bajado de la cruz.
Cuidado con elevar tus canciones,
Para no llamar de entre los muertos hasta que llegue el momento.
El que aceptó el dolor solo.
Para todos los que son nuestro maestro,
Ahora eres padre, marido e hijo,
Oh tú, su esposa, su madre y su hija". Vasari.
Esta hermosa escultura de mármol sigue siendo hasta el día de hoy un monumento a la plena madurez del talento del artista. Esculpido en mármol, este grupo escultórico sorprende por su audaz manejo de la iconografía tradicional, la humanidad de las imágenes creadas y la alta artesanía. Este es uno de los más trabajos famosos en la historia del arte mundial.
“Y no en vano adquirió para sí la mayor gloria, y aunque algunos, al fin y al cabo, pero aún ignorantes dicen que su Madre de Dios es demasiado joven, ¿no se han dado cuenta o no saben que las vírgenes que tienen no han sido desacreditados de ninguna manera, se reprimen durante mucho tiempo y mantienen su expresión facial intacta, pero en aquellos cargados de dolor, como lo estuvo Cristo, se observa lo contrario? Por qué tal trabajo le dio a su talento más honor y gloria que todos los anteriores juntos”. Vasari.
La joven María está representada con Cristo muerto en su regazo, una imagen tomada del arte del norte de Europa. Las primeras versiones de la Piedad también incluían las figuras de San Juan Bautista y María Magdalena. Miguel Ángel, sin embargo, se limitó a dos figuras clave: la Virgen y Cristo. Algunos investigadores sugieren que en el grupo escultórico Miguel Ángel se representó a sí mismo y a su madre, que murió cuando él tenía sólo seis años. Los historiadores del arte señalan que su Virgen María es tan joven como la madre del escultor en el momento de su muerte.
El tema del luto por Cristo fue popular tanto en el arte gótico como en el Renacimiento, pero aquí se trata con bastante moderación. El gótico conoció dos tipos de duelo: ya sea con la participación de la joven María, cuyo rostro idealmente hermoso no puede eclipsar el dolor que la sobrevino, o con la anciana Madre de Dios, presa de una desesperación terrible y desgarradora. Miguel Ángel en su grupo se aleja decisivamente de las actitudes habituales. Representó a María joven, pero al mismo tiempo está infinitamente lejos de la belleza convencional y la inmovilidad emocional de las Madonnas góticas de este tipo. Su sentimiento es una experiencia humana viva, encarnada con tal profundidad y riqueza de matices que aquí por primera vez podemos hablar de introducir un elemento psicológico en la imagen. 3 y la moderación externa de la joven madre revela toda la profundidad de su dolor; la silueta lúgubre de una cabeza inclinada, un gesto de la mano que suena como un interrogatorio trágico, todo contribuye a una imagen de dolor iluminado.
La mirada de María no es tan triste sino solemne. Este punto mas alto la obra del joven Miguel Ángel. En la imagen de la Virgen, joven y hermosa, se transmite con una fuerza asombrosa un enorme sentimiento humano: el dolor de una madre por su hijo perdido. Según la sutil observación de V. Lazarev “Su bello rostro respira tristeza, pero no hay en él ni una sombra de desesperación. Ella percibe la muerte de su hijo como el cumplimiento de lo que le estaba destinado el destino. Y su dolor es tan inconmensurable y grande que crece desde el dolor personal hasta el dolor de toda la humanidad”..
La muerte y el dolor que la acompaña parecen estar contenidos en el mármol del que está hecha la escultura. La relación de las figuras es tal que forman un triángulo bajo, o más precisamente, una estructura cónica. El cuerpo desnudo de Cristo contrasta con las túnicas exuberantes y ricas en claroscuros de la Madre de Dios. Miguel Ángel representó a la Virgen María joven, como si no fuera Madre e Hijo, sino una hermana que llora la muerte prematura de su hermano. Esta idealización fue utilizada por Leonardo da Vinci y otros artistas. Además, Miguel Ángel era un ferviente admirador de Dante. Al comienzo de la oración de San Bernardo en la última canción Divina Comedia dice: “Vergine Madre, figlia del tuo figlio” - "Nuestra Señora, hija de su Hijo". El escultor encontró forma perfecta para expresar en piedra este profundo pensamiento teológico.
La pesadez de la capucha de la Madre de Dios, que la obligaba a inclinar la cabeza hacia la mano de Cristo que yacía cerca de su corazón, centró la atención del público en el cadáver tendido sobre el regazo de la madre. Ella sostenía a su hijo, agarrando firmemente. por los hombros, luego dirige su mirada al cuerpo de Cristo, a su rostro, a sus ojos, pacíficamente cerrados en sueño profundo, a una nariz recta y no tan fina, a una piel limpia y tersa en las mejillas, a una barba rizada, a una boca distorsionada por la agonía. Con la cabeza inclinada, la Madre de Dios miró a su hijo. Todos aquellos que vean las estatuas sentirán que el cadáver de su hijo yace en su regazo con un peso insoportable y que un peso mucho mayor descansa sobre su corazón. Las figuras de la Virgen sentada y del Cristo muerto arrodillado están unidas en un todo inextricable. Los movimientos de la Virgen están llenos de naturalidad y severidad, su cabeza inclinada, los hermosos rasgos de un rostro lúgubre están enmarcados por los suaves pliegues de la colcha. El gesto interrogativo de su mano izquierda es expresivo. Contiene tanto desesperación como interrogación. Parece negarse a creer en una pérdida irreparable. Los pliegues de su larga bata caen en cascada. Y el ritmo de estos pliegues enfatiza la curvatura del cuerpo inmóvil de Cristo. Se transmite con precisión el contraste entre el cuerpo sin vida de Cristo y la vida plena de la Virgen.
En esto composición escultórica todavía no hay una expresión que sea característica de más trabajos posteriores Miguel Ángel, sin embargo, causa una fuerte impresión en el espectador, realzada por el contraste de la afligida figura viva y el cadáver de Cristo. Combinar dos figuras de tamaño natural en una escultura, colocar a un hombre adulto en el regazo de una mujer: este fue un paso audazmente nuevo e inusual en la escultura, que rechazó todas las ideas anteriores sobre la "Lamentación".
En un cabestrillo que pasa sobre el hombro izquierdo de la Virgen, Miguel Ángel está en la primera y ultima vez recorta la firma: "Actuaba Miguel Ángel Buonarroti el Florentino" .
En sus últimos años, el maestro volvió a recurrir a esta trama, creando una composición. "El Descendimiento de la Cruz", o "Piedad con Nicodemo", Y "Piedad Rondanini".
El sello de una profunda experiencia interior que marca la “Lamentación de Cristo” de Miguel Ángel aparentemente está asociado con los sentimientos que evocó en el escultor la ejecución de Savonarola (23 de mayo de 1498). El monje fue quemado en la hoguera en la misma Florencia que lo idolatraba, en la plaza donde tronaban sus apasionados discursos y donde las personas por las que vivió y murió clavaban ahora clavos entre las tablas en el camino del mártir, que caminaba descalzo. al fuego.
Ya después de la instalación del grupo escultórico Piedad en la Catedral de San Pedro, la superioridad de Miguel Ángel sobre otros escultores contemporáneos se hizo evidente. El nombre de un joven escultor hasta entonces desconocido resonó por toda Italia y la mayor parte de Europa. Se enviaron moldes de yeso del cuerpo de Jesús a diversos colegios y academias, tan grande era la perfección en el acabado de los más mínimos detalles.
Después de terminar el trabajo sobre La Lamentación de Cristo, Miguel Ángel recibió varios encargos, no tan grandiosos. El banquero Galli firmó un contrato con Miguel Ángel para crear un retablo para la tumba del cardenal en San Agustín, pero la obra nunca se completó.
A los 25 años concluyó el período de formación de su personalidad y regresó a Florencia en la plenitud de todas las posibilidades que puede tener un escultor.
En ciudades tan antiguas y intactas como Brujas, la vida es como un sueño. Por tanto, estar en Brujas y soñar con ella es casi lo mismo. Sin embargo, sólo después de conocer personalmente esta increíble ciudad se empieza a comprender por qué los grandes estetas de principios del siglo XX podían soportar la vida exclusivamente en Brujas. Uno de los principales atractivos de la ciudad, que en sí mismo es un gran atractivo, es la Iglesia Catedral de Nuestra Señora. La enorme estructura, que perfora con su larga aguja el cielo de postal flamenca, sorprende por su diversidad. Estilos arquitectonicos, que ha absorbido a lo largo de los 200 años de historia de su construcción.
La historia de la Iglesia de Nuestra Señora comienza nada menos que en el siglo IX, cuando se construyó una pequeña capilla fuera de la muralla de la ciudad. Luego fue reemplazado basílica románica, y la construcción de la moderna Iglesia gótica de Nuestra Señora comenzó en 1220. Sin embargo, su torre de 122 metros sigue siendo hasta el día de hoy el edificio de ladrillo más alto de Bélgica. Una mezcla ecléctica de estilos es característica de todas las iglesias flamencas construidas antes del segundo siglo. mitad XVI siglo. El elevado exterior gótico de la catedral combina armoniosamente con el interior, diseñado en estilo barroco intercalado con estilo rococó o románico. Las razones de esto deben buscarse en la historia de la iconoclasia, a raíz de la cual fue destruida. decoración de interiores casi todas las iglesias de esos lugares. Fueron restaurados mucho más tarde, cuando el mundo estaba dominado por el barroco.
Detrás de los poderosos muros de la Iglesia de Nuestra Señora se encuentra una de las esculturas más bellas del mundo: la famosa "Madonna y el Niño", creada por el gran Miguel Ángel en 1505 y se convirtió en la única obra del autor que salió de Italia durante el siglo XIX. la vida del creador.
1501-1503. Galería Vrouwekerk, Brujas. Miguel Ángel Buonarroti
La altura de la escultura es de 128 cm, de mármol. Miguel Ángel Buonarroti representado versión clásica Nuestra Señora con el Niño Cristo. Este tipo de idealización ha sido utilizado por muchos otros artistas. Además, Miguel Ángel era un ferviente admirador de Dante. Al comienzo de la oración de San Bernardo en la última canción de la Divina Comedia se dice: “Vergine Madre, figlia del tuo figlio” - “Nuestra Señora, hija de su Hijo”. El escultor encontró la forma ideal de expresar en piedra este pensamiento teológico medieval.
Extraordinario mujer hermosa, en cuyo rostro se lee el dolor de la madre. Una madre que sabe que dentro de unos años su amado hijo tendrá que expiar los pecados de la humanidad en terrible agonía. En verdad, sólo un genio puede crear tantas emociones en un bloque de mármol helado. La escultura de Miguel Ángel por sí sola merece llamar a la Iglesia de Nuestra Señora de Brujas un hito importante en Bélgica. Pero la riqueza de los comerciantes flamencos no tenía límites, por eso aquí también se pueden ver las magníficas pinturas de Peter Paul Rubens que decoran el coro. Además, en la Iglesia de Nuestra Señora se encuentran dos de los sarcófagos de estilo gótico llameante más lujosos de Europa, que pertenecen a los últimos gobernantes borgoñones de la familia Valois: Carlos el Temerario y su hija María, durante cuyo reinado Brujas alcanzó la cima de su grandeza.
TODAS LAS FOTOS
Durante el fin de semana, los creyentes en la iglesia de San Pedro en la pequeña ciudad de Acerra, cerca de Nápoles, fueron testigos de un fenómeno inusual.
Muchos feligreses afirman que supuestamente vieron la estatua cambiar repentinamente y mover su pie, informa Tgcom.
Además, la gente dice que este no es el primer episodio de este tipo. Durante los últimos 15 días, la estatua supuestamente se movió varias veces, pero se mantuvo en silencio para que hubiera tiempo de comprobarla y no hacer ruido innecesario.
Sin embargo, muchas personas presenciaron el “milagro” durante el fin de semana y la noticia se difundió a las pocas horas. Inmediatamente acudieron a la iglesia personas que padecían diversas dolencias, mujeres y niños. Todos se reunieron en oración cerca de la estatua de la Virgen. La gente empezó a hablar de un milagro.
“Vi sus piernas moverse debajo de su vestido, como si quisiera encontrarse con los creyentes a mitad de camino. Sus rodillas avanzaron, primero la pierna derecha, luego la izquierda, de modo que los pliegues del vestido de mármol se alisaron. ilusión, muchos lo vieron”, dice uno de los testigos.
A lo largo de varios días, cada vez más vecinos de un pueblo situado cerca de Nápoles se han convencido de que la figura de la Virgen María se mueve, y muchos están dispuestos a jurar, en primer lugar, a un grupo de mujeres que, hace unos días, Hace unos días noté un cambio en la silueta de la Virgen María mientras limpiaba el recinto de la iglesia. Algunos argumentan que las rodillas de la estatua están dobladas de una manera nueva, otros dicen que la colcha de la Virgen, también de mármol, está formada por pliegues inusuales.
La estatua de Madonna Acerra comienza a convertirse en un fenómeno colectivo y un milagro captado por los teléfonos móviles, escribe el Corriere della Sera. Los creyentes proclaman un milagro y, para respaldar sus palabras, constantemente toman fotografías, en primer lugar, con la ayuda de teléfonos móviles, para documentar los “cambios de posición” de la estatua (traducción en el sitio web Inopressa.ru).
El sacerdote don Oreste prefiere adoptar una posición cautelosa: “Personalmente no vi nada, así que no puedo decir nada”. Sin embargo, advirtió inmediatamente al obispo de la diócesis de Acerra, Giovanni Rinaldi, que aún no había transmitido la información al Vaticano: “Internamente no lo creo, pero evaluaré los documentos y las pruebas para decidir sobre el nombramiento. de una comisión”.
“En los 27 años que llevo en esta ciudad, es la primera vez que oigo hablar de cosas así. Creo que hay que abordar este fenómeno con extrema cautela, como se trata las cosas que desafían el entendimiento”, dijo el obispo de Acerra, don Antonio. Riboldi le dijo a Mattino.
Don Riboldi explica así la creciente atención de los creyentes: “Hay tanto sufrimiento en el mundo, y la gente en la mayor medida Quienes están predispuestos a esto quieren ver un signo de Dios en lo que está sucediendo”.
Esta sensación se hizo tan conocida que miles de creyentes ya se habían reunido frente a la iglesia de San Pedro en Acerra. La multitud se hizo enorme y los bomberos tuvieron que cerrar las puertas de la iglesia de San Pedro. Los creyentes, sin embargo, no se dieron por vencidos y el domingo, durante la misa del mediodía, la basílica se llenó de gente confiada en ver un milagro.
Mientras tanto, como informa RIA Novosti con referencia a la agencia ANSA, el lunes la iglesia todavía estaba cerrada a los peregrinos. Esto se hizo a petición de los especialistas que acudieron hasta aquí, quienes decidieron examinar con calma la estatua de la Virgen María y comprender lo sucedido.
Recordemos que hace varios años en Italia lloraban pequeñas esculturas de yeso de Vírgenes. Se tomó para examinar el líquido rojo que brotaba de los ojos de las figuras. Luego, los científicos declararon que se trataba de sangre humana real.
Además, las figuras fueron radiografiadas, pero no se encontraron en ellas huecos ni mecanismos secretos.
Hace menos de un mes en Italia, una estatua de San Pío, que, según los italianos, supo realizar milagros en vida y continúa haciéndolos después de muerto, comenzó a llorar lágrimas de sangre. Hasta ahora, el motivo de este fenómeno sigue siendo un misterio.