L’architecture de la Renaissance a remplacé l’architecture gothique sombre du Moyen Âge, ainsi que les idées d’émancipation, d’humanisme et de dignité de la personne humaine. A cette époque, une forte passion pour l'Antiquité apparaît dans la société, qui pénètre dans toutes les sphères de l'art.
Mais il n’y a pas eu de Renaissance au sens littéral du terme, puisque les exigences fonctionnelles et les types de bâtiments, ainsi que les conceptions, étaient complètement différents. Il aurait pu y avoir une renaissance uniquement des thèmes et motifs architecturaux et décoratifs, du système de commande et d'une certaine gamme de détails plastiques et décoratifs. De plus, le rejet du système gothique ne pouvait être que relatif et progressif. Sans la perfection de la construction et de la technologie artistique favorisée par le Moyen Âge, l'architecture de la Renaissance et la synthèse des arts qui y est associée auraient été impossibles. De plus, dans la première moitié du XVe siècle, l'architecture byzantine existait encore et son influence sur la construction italienne était significative. Bartenev, I.A. Architecture de la Renaissance / I.A. Bartenev, V.N. Batazhkova // Essais sur l'histoire des styles architecturaux [texte] : Didacticiel. - M. : Image. Art, 1983. p. 109-136..
L'architecture prend place de premier plan dans l'art de la Renaissance. Durant cette période, des structures sont érigées dont la mesure à grande échelle est l'homme. Le caractère de l'architecture monumentale change considérablement et contrairement au verticalisme des espaces qui correspondait à la vision du monde du Moyen Âge, de nouvelles formes se développent en largeur. L'architecture se caractérise par la simplicité et la tranquillité des volumes, des formes et du rythme. Les bâtiments de la Renaissance évoquent une sensation de staticité due à la superposition d'étages horizontaux les uns sur les autres.
La Renaissance a adopté le système d’ordre de l’architecture ancienne. Colonne, pylône, pilastre, architrave, archivolte et voûte sont les principaux éléments que la Renaissance a librement utilisés, créant leurs diverses combinaisons.
Changer le caractère de l’espace est également très important. Au lieu d’un espace gothique inspiré, apparaît un espace rationnel avec des limites visuellement claires. Au lieu de la tension des lignes brisées gothiques, des formes strictes, dans la plupart des cas rectangulaires, sont utilisées. Les principales figures et corps géométriques de l'architecture de la Renaissance sont le carré, le rectangle, le cube et la boule. Dès le début et tout au long de la Renaissance, le principe de l'individualisme artistique et du libre appel aux formes anciennes prévaut.
Couleurs prédominantes et à la mode : violet, bleu, jaune, marron ;
Lignes : lignes semi-circulaires, motifs géométriques (cercle, carré, croix, octogone), division intérieure majoritairement horizontale ;
Style Renaissance : toit pentu ou plat avec superstructures de tours, galeries cintrées, colonnades, coupoles rondes nervurées, halls hauts et spacieux, baies vitrées.
A la Renaissance, dans le domaine des arts et de l'architecture, la personnalité créatrice du maître artiste, maître architecte, qui avait une certaine individualité créative. L'architecte de la Renaissance remplace le maître de guilde gothique. L'époque de la Renaissance a inscrit les grands noms de Brunellesco, Alberti, Bramante, Michel-Ange, Delorme, Jones et Herrera dans l'histoire mondiale de l'architecture.
Les mortiers deviennent un matériau de plus en plus important. La Renaissance est presque la période de l’avènement du plâtre en architecture. Le mortier est utilisé non seulement dans la maçonnerie, mais également sous forme de plâtre lisse, de sgraffites, de rustication et pour créer d'autres éléments architecturaux. La brique reste encore un matériau familier, constructif et décoratif.
La Renaissance se caractérise par une alternance de matériaux et de couleurs ; les matériaux colorés sont largement utilisés : terre cuite, majolique et brique vernissée. Les produits fabriqués à partir de ces matériaux sont faciles à façonner forme différente, qui a permis de créer en série divers éléments et détails de conception architecturale.
Au 16ème siècle Plus souvent que les peintures murales, les décorations en stuc sont utilisées dans la décoration intérieure, d'abord blanches, puis teintées et dorées. Le fer est utilisé en quantité importante, notamment comme pièces de structure qui assurent la rigidité à l'aide de tiges et de serrages.
Le cuivre, l'étain et le bronze sont utilisés à des fins décoratives. Les chevrons, corniches et plafonds, dotés de caissons de formes complexes, sont construits en bois. Dans certains cas, les voûtes sont également en bois, par exemple les voûtes cylindriques à lunettes. Architecture de la Renaissance // Histoire de l'architecture [ressource électronique]. // Architekto.ru. // Mode d'accès : http://www.arhitekto.ru/txt/5renes01.shtml. Date d'accès : 02/10/2013.
Une nouvelle direction dans l'architecture de l'Italie au XVe siècle. s'est manifesté plus tôt et plus clairement que partout ailleurs à Florence. Les architectes du début de la Renaissance ont hérité de nombreuses techniques de construction des maîtres médiévaux. Il s'agit notamment de la pose de murs en briques suivie d'un bardage en pierre ; l'utilisation de voûtes croisées, cylindriques et fermées en brique ; Planchers plats en bois, poutres et chevrons.
L'évolution de l'architecture italienne au XVe siècle. se sont souvent déroulées sous des formes complexes et contradictoires. L'immaturité et l'incohérence dans l'application du système d'ordre classique et dans le mélange de formes anciennes et médiévales se sont souvent fait sentir. Bartenev I.A. Architecture de la Renaissance / I.A. Bartenev, V.N. Batazhkova // Essais sur l'histoire des styles architecturaux [texte] : manuel. - M. : Image. Art, 1983. p. 109-136.
Dans aucun autre domaine de la culture artistique italienne, le tournant vers une nouvelle compréhension n'a été aussi associé au nom d'un maître brillant que dans l'architecture, où le fondateur de la nouvelle direction fut Philippe Brunelleschi (1377-1446) Dmitrieva, N. Histoire courte arts [texte]./ N. Dmitrieva. - M. : AST-Presse, Galart, 2008. - 624 p.
La première œuvre majeure de Brunelleschi fut le dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore de Florence (1420-1436). La difficulté de la construction du dôme résidait non seulement dans les dimensions énormes de la travée couverte (le diamètre du dôme à la base est d'environ 42 m), mais aussi dans la nécessité de le construire sans échafaudage sur un tambour octogonal haut avec une hauteur relativement élevée. épaisseur de paroi mince.
Figure 1 - Brunelleschi. Dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore à Florence. 1420-1436
La cathédrale de Santa Maria del Fiore a été conçue pour pouvoir accueillir toute la population de la ville (au moment de la construction - 90 000 personnes), c'est-à-dire qu'elle ressemblait à une immense place couverte. Le dôme rouge de la cathédrale, devenu symbole de Florence, semble flotter sur toute la ville.
Le deuxième grand architecte italien du début de la Renaissance après Brunelleschi fut Léon Battista Alberti (1404-1472). Le Palazzo Rucellai à Florence (1446-1451) est la création la plus complète d'Alberti dans l'architecture profane, montrant la maturité et la netteté de ses idées de composition.
Le nom Alberti est à juste titre considéré comme l'un des premiers parmi les grands créateurs culturels de la Renaissance italienne. Ses écrits théoriques, sa pratique artistique, ses idées et, enfin, sa personnalité même d'humaniste ont joué un rôle extrêmement important dans la formation et le développement de l'art de la première Renaissance.
La Haute Renaissance est une courte période de trois décennies, depuis le début du XVIe siècle et, en fait, jusqu'à l'invasion de Rome par les troupes de l'empereur allemand Charles Quint, qui suspendit la construction et l'activité artistique du « ville Eternelle."
Cette période est associée à une augmentation de l'activité politique de la papauté. Sous les papes Jules II et Léon X, les plus grands maîtres travaillèrent à Rome : Raphaël, Michel-Ange, Bramante et d'autres. Rome devient la capitale architecturale de l'Italie, conservant ce rôle tout au long des siècles suivants, jusqu'à nos jours.
Le fondateur de la Haute Renaissance en architecture fut Donato Angelo Bramante (1444-1514), invité en 1499 de Milan à Rome par le pape Jules II, qui rassembla les meilleurs artistes d'Italie dans la « Ville éternelle ». Le plus grand défi que Bramante a dû résoudre était la conception d'un bâtiment grandiose de la Renaissance - la cathédrale Saint-Pierre de Rome.
Après la mort de Bramante, la construction fut dirigée par son élève, le célèbre artiste Raphael Santi (1483-1520), qui tenta de résoudre le problème de la relation mutuelle entre la peinture, la culture et l'architecture. Construction de la Cathédrale St. Pierre après Raphaël a été continué par Antonio di Sangallo, qui a également conçu le palais Farnèse. Finalement, en 1546, Michel-Ange se voit confier la direction des travaux. Il revient à l'idée d'une structure à dôme central, mais son projet prévoyait la création d'un portique d'entrée à plusieurs colonnes du côté est (dans les basiliques les plus anciennes de Rome, comme dans les temples antiques, l'entrée se faisait du côté est). côté est, pas côté ouest). Michel-Ange a rendu toutes les structures porteuses plus massives et a mis en valeur l'espace principal.
Dans l'architecture de Venise, la Haute Renaissance peut être caractérisée par l'œuvre de l'architecte Jacopo Sansovino, qui a construit un certain nombre de bâtiments dans le centre-ville, et surtout le bâtiment de la bibliothèque de Saint-Pétersbourg. Marque. La structure agrandie de deux étages, au premier étage de laquelle se trouvent des locaux commerciaux derrière la galerie et au deuxième étage la bibliothèque elle-même, est décorée d'arcades de commande. De grandes arches, des sculptures remplissant leurs sinus, des reliefs sur les frises et, enfin, des statues sur le parapet, tout cela détermine le caractère tout à fait vénitien de l'édifice. Un motif aussi classique que le système de la cellule architecturale romaine est ici reproduit dans un plan décoratif purement vénitien.
La Renaissance tardive (1530-1580) n'est pas une période de déclin, c'est une période de continuation des traditions de la Haute Renaissance, mais dans un cadre historique différent, qui a influencé l'art et l'architecture.
La période de la fin de la Renaissance italienne a jeté les bases d’un mouvement artistique complètement nouveau. L’architecture de cette époque combinait deux tendances différentes qui, s’entremêlant, se complétaient. Le premier est associé à la poursuite de la croissance des sentiments classiques et académiques (Vignola), le second - au renforcement des signes du décoratifisme, des sentiments proto-baroques (Michel-Ange).
Les architectes remarquables de cette époque étaient Michel-Ange (1475-1564), Giacomo Barozzi da Vignola (1507-1573) et Andrei Palladio (1518-1580).
Andrea Palladio (1508-1580), dont l'œuvre met fin à la fin de la Renaissance, a limité ses activités à sa ville natale de Vicence, mais son rôle dans le développement de l'architecture italienne et mondiale dépasse largement les frontières de l'Italie du Nord. Les œuvres de Palladio se caractérisent par la perfection dans la construction de l'ordre, une excellente élaboration des détails et une plasticité particulière, la douceur de tous les éléments de l'architecture.
La villa la plus célèbre de Palladio est la Villa Rotonde (fondée en 1553)
Figure 4 - Villa Rotonde à Vicence
L'un de ses bâtiments importants est le Teatro Olimpico, dont la construction à Vicence a commencé en 1555 et a été achevée par l'architecte Scamozzi en 1585. L'œuvre de Palladio a eu un impact énorme sur l'architecture mondiale, en particulier sur l'architecture du second classicisme. la moitié du XVIII et la première moitié du 19e siècle.
Figure 5 - Scène du Théâtre Olimpico
Figure 6 - Théâtre olympique d'Andrea Palladio
La nouvelle orientation de l'architecture italienne, lorsqu'elle est apparue, était associée au traitement des anciennes traditions et au système d'ordre par rapport aux matériaux et structures de construction locaux. Dans les bâtiments de cette époque, le plan du mur et sa matérialité sont à nouveau mis en valeur ; l'espace interne est clairement limité, acquérant l'unité. La proportionnalité des proportions des parties de support et de pression est également atteinte ; un équilibre des horizontales et des verticales s'établit dans la division rythmique du bâtiment.
Brunelleschi. Le fondateur de l’architecture de la Renaissance fut Filippo Brunelleschi (1377-1446), originaire de Florence. Après avoir effectué un apprentissage dans un atelier de bijouterie, Brunelleschi commence sa carrière activité créative en tant que sculpteur, participation à un concours pour créer un relief pour les portes en bronze du baptistère florentin (baptistère). Personne aux multiples talents combinant un intérêt pour l’art avec les connaissances d’un ingénieur, l’esprit d’un inventeur et un mathématicien, il se consacre bientôt entièrement à l’architecture. Sa première œuvre majeure fut le grandiose dôme octogonal (1420-1436) érigé sur la cathédrale Santa Maria del Fiore, construite au XIVe siècle. Une coupole allongée d'un diamètre de 42 m à la base recouvre la partie autel de la basilique massive. Sa silhouette puissante et claire règne toujours sur la ville, parfaitement perçue de loin. Grâce à de nouvelles structures et à un système de charpente, Brunelleschi a réussi à se passer d'échafaudages en construisant un dôme creux à deux coques. Il allège ainsi le poids de la voûte et réduit la force de poussée agissant sur les parois du tambour octogonal. Pour la première fois dans l'architecture d'Europe occidentale, Brunelleschi a donné au dôme un volume plastique clairement défini, s'élevant vers le ciel et éclipsant, selon les mots de l'architecte Alberti, « tous les peuples toscans ». L'ampleur élargie des formes du dôme, ses masses puissantes, articulées par de fortes nervures, sont soulignées par la grâce et la finesse du décor de la lanterne qui le complète. Dans cet édifice, érigé à la gloire de la ville, s'incarnait le triomphe de la raison, idée qui détermina l'orientation principale de la culture de la Renaissance.
Si, lors de la construction du dôme, Brunelleschi a dû tenir compte du caractère des parties de la cathédrale précédemment construites, il a alors donné une compréhension complètement nouvelle de l'image architecturale de l'orphelinat (Ospedale degli Innocenti) de Florence (1419– 1444) sur la Piazza Annunziata - le premier édifice civil de la Renaissance qui correspondait à l'époque des idées progressistes. La façade à deux étages de la maison se distingue par la simplicité et la légèreté des proportions, la clarté des divisions horizontales et verticales. À l'étage inférieur, elle est agrémentée d'une élégante loggia dont les arcs en plein cintre reposent sur de fines colonnes. Ils soulignent le caractère convivial et hospitalier du bâtiment. Dans les espaces entre les arcs se trouvent des médaillons ronds en céramique d'Andrea della Robbia représentant des bébés emmaillotés. Par leur gaieté et leur clarté, le doux charme des images d'enfance, ces reliefs s'harmonisent subtilement avec l'architecture du bâtiment et sa destination.
Les techniques constructives et décoratives trouvées dans la Maison des Enfants Fondés ont été développées par Brunelleschi dans la chapelle Pazzi de l'église de Santa Croce à Florence (commencée en 1430). Cette petite chapelle, frappante par son intégrité harmonieuse, est située au fond de l'étroite cour du monastère ; de plan rectangulaire, elle est complétée par une coupole lumineuse. Sa façade est un portique corinthien à six colonnes avec une grande travée médiane couverte par un arc. Les proportions élancées des colonnes, le haut grenier au-dessus d'elles, en combinaison avec de nouveaux éléments décoratifs, témoignent du sens des proportions et de l'utilisation créative de l'ordre ancien. L'espace intérieur de la chapelle a également été conçu selon un système de commande. Ses murs, divisés par des pilastres en sections égales, sont ornés de niches et de médaillons ronds. Les pilastres se terminent par une corniche qui porte une voûte et des arcs en plein cintre. Décoration sculpturale et céramique, élégance graphique des lignes et couleurs contrastées soulignent la planéité des murs, conférant intégrité et clarté à l'intérieur lumineux et spacieux.
L'un des problèmes les plus importants de l'architecture italienne du XVe siècle fut le développement des principes de base pour la construction d'un palais (palais de ville), qui servit de prototype aux bâtiments publics des époques ultérieures. A cette époque, est créé un type de bâtiment majestueux, de plan rectangulaire, avec un seul volume fermé, avec de nombreuses pièces situées autour de la cour. Le nom de Brunelleschi est associé à la construction de la partie centrale du palais Pitti (commencée en 1440) à Florence, constituée d'énormes blocs de pierre grossièrement taillés (la maçonnerie en blocs était appelée rustication). La rugosité de la texture de la pierre renforce la puissance des formes architecturales. Des tirants horizontaux soulignent la division du bâtiment en trois étages. D'immenses portes-fenêtres de huit mètres complètent l'impression de puissance fière et sévère produite par ce palais.
Alberti. L'étape suivante dans le développement de l'architecture de la Renaissance fut l'œuvre de Leon Battista Alberti (1404-1472), encyclopédiste et théoricien, auteur de plusieurs traités scientifiques sur l'art (« Dix livres sur l'architecture »). Dans le Palazzo Rucellai qu'il a conçu à Florence (1446-1451), un palais Renaissance de trois étages avec une cour et des pièces situées autour, Alberti a introduit un système de pilastres qui divisaient le mur, un entablement et une rustication légère avec un sol à surface lisse et polie. -par étage.
Rossellino. Le patrimoine antique (architecture romaine) a reçu une nouvelle expressivité plastique dans son interprétation. Pour la première fois, les principaux éléments de l'architecture d'ordre ont été introduits dans la composition de la façade du palais, des parties porteuses et non porteuses ont été identifiées, qui contribuent également à exprimer l'échelle du bâtiment et son inclusion dans l'ensemble environnant. L'exécution du plan d'Alberti appartient à Bernardo Rossellino.
Benedetto da Maiano. Le développement du type de palais de la première Renaissance au XVe siècle est complété par le palais Strozzi à Florence (commencé en 1489) par Benedetto da Maiano (1442-1497). Ce palais majestueux se caractérise par l'harmonie des masses principales. Claire, correcte dans sa composition de plan et de volume, avec ses trois façades bossagées, elle donne sur la rue et les passages. Le couronnant, magnifique dans sa forme classique, la corniche richement profilée est clairement perçue en contraste avec la simplicité austère des murs. La cour, reliée à la rue, perd son caractère intimiste et devient l'une des parties cérémonielles du palais.
La Renaissance ou Renaissance est une époque d'aube culturelle, une période qui a remplacé le Moyen Âge et a cédé la place aux temps modernes.
Née au début du XVe siècle et existant jusqu'au début du XVIIe siècle, la Renaissance a donné au monde de nombreuses créations brillantes en matière de peinture, d'architecture, de sculpture, de littérature et de musique.
L'artiste Giorgio Vasari n'a introduit pour la première fois le concept d'intérêt accru pour tout ce qui est ancien qu'au XVIe siècle, et une compréhension générale de la Renaissance est arrivée dans la société encore plus tard. Ainsi Engels a défini cette époque comme une « grande révolution progressiste ». En effet, la renaissance a été facilitée par une époque de développement économique, de croissance urbaine rapide et de renouveau culturel.
Sur cette base, les idées de l'humanisme, du rôle dominant de l'homme, de ses capacités créatrices, de son intelligence, de sa beauté et de sa grandeur de volonté sont nées dans les esprits créatifs.
L'art de la peinture a subi de nombreuses transformations au cours de la Renaissance. Désormais, les artistes se concentrent non seulement sur la capture, mais aussi sur la recherche. Le créateur a été confronté au problème de l'espace et de la reproduction correcte de l'homme et du monde. À cet égard, l'art s'unit à la science, donnant naissance à des artistes-scientifiques dont le représentant le plus brillant était Léonard de Vinci.
Comme au Moyen Âge, la base de la créativité des artistes est l’Antiquité.
L’architecture n’a pas non plus été épargnée par la fascination générale pour l’Antiquité. Et les bâtiments commencent désormais à être construits selon le principe de symétrie et de répartition uniforme des éléments. Fenêtres, colonnes et sculptures étaient harmonieusement réparties le long de la façade, en respectant un certain intervalle.
L'architecture de la Renaissance, selon les pays dans lesquels elle existait, a ses propres caractéristiques et étapes. La Renaissance italienne est la plus intéressante, car c'est là que sont nées les premières tendances stylistiques. L’ensemble du développement de la Renaissance en Italie peut être divisé en trois étapes.
Architecture du début de la Renaissance
La plus grande croissance de l’architecture de la Renaissance a eu lieu au XVe siècle. Ensuite, l'Antiquité a commencé à être activement et largement introduite dans la construction de bâtiments, et cette époque est généralement appelée l'ère du début de la Renaissance ().
Les principes de construction ont changé et même au stade de la planification des bâtiments, les travaux ont été réalisés différemment. Si au Moyen Âge les bâtiments étaient clairement adaptés au paysage et aux bâtiments voisins, au début de la Renaissance, les architectes projetaient des bâtiments strictement rectangulaires dans le respect précis de la symétrie. La fonctionnalité n'a plus un rôle prédominant, mais le caractère antique, au contraire, acquiert une importance primordiale. Les biens immobiliers publics ont été construits avec de nombreux éléments décoratifs et les maisons privées ont généralement été construites sur deux étages avec une cour obligatoire.
Architecture de la Haute Renaissance
Au début du XVIe siècle, l'Antiquité en architecture acquiert le caractère de domination absolue, recevant le nom de -. Désormais, sans exception, les clients ne voulaient plus voir ne serait-ce qu'une goutte du Moyen Âge dans leur maison. Les rues d’Italie ont commencé à être remplies non seulement de demeures luxueuses, mais aussi de palais dotés de vastes plantations. Il est à noter que les jardins Renaissance connus dans l’histoire sont apparus précisément à cette période.
Les édifices religieux et publics ne sentent plus non plus l’esprit du passé. Les temples des nouveaux bâtiments semblent provenir de l'époque du paganisme romain. Parmi les monuments architecturaux de cette période, on trouve des bâtiments monumentaux avec la présence obligatoire d'un dôme.
Architecture de la fin de la Renaissance
La dernière étape du règne de la Renaissance s'est produite au IIe moitié XVI- début du XVIIe siècle. Au crépuscule de son existence, l’architecture de la Renaissance est devenue plus complexe et plus élégante. Cela se voit sur les façades et la décoration des bâtiments. Le concept général des projets est resté le même. Tout comme au cours des périodes précédentes, les architectes ont adhéré à leurs principes persistants de symétrie. Mais cette approche est probablement devenue ennuyeuse et, dans la construction, il y avait une mode pour la sophistication et la richesse de divers types de décoration.
La fonctionnalité et l'aspect pratique de ces éléments étaient absents ; des colonnes, des demi-colonnes et l'élément principal de la fin de la Renaissance - les sculptures - ont été ajoutés aux bâtiments avec ou sans raison.
Développement dans différents pays
Architecture néo-nordique
Dans les pays du nord de l'Italie, le renouveau avait ses propres traits distinctifs et nom propre"Renaissance du Nord".
Ici, vous pouvez observer une combinaison d'éléments antiques, d'ornementations originales, de lignes complexes, ainsi qu'une augmentation de la densité des colonnes. Le maniérisme se fond ici doucement dans le style baroque puis dans le style rococo.
Représentants éminents
Un trait distinctif de la Renaissance n'est pas tant les monuments architecturaux que la reconnaissance des auteurs qui ont créé ces objets. Le nom du talentueux interprète n'est pas passé inaperçu, puisqu'il a été immortalisé dans leurs œuvres. Même les temples portent désormais des noms, ce qui n'était en aucun cas acceptable au Moyen Âge. Cela donne lieu à un statut particulier pour les maisons dont les créations appartiennent à de brillants créateurs.
Parmi ces architectes figurent :
Filippo Brunelleschi- l'architecte qui a accouché idée principale Architecture Renaissance. S'intéressant à l'architecture dans sa jeunesse, Brunelleschi adopte les caractéristiques anciennes des bâtiments romains et les incarne d'une manière nouvelle en Europe. Parmi les principales œuvres de l'auteur figurent la cathédrale Santa Maria del Fiore, l'orphelinat et la chapelle Pazzi.
Donato Bramante- un maître inégalé dans son métier, fondateur des grands principes de l'architecture de la Renaissance. Bramante connaissait personnellement Léonard de Vinci, ce qui a considérablement influencé sa vision créative de l'architecture. L'idée originale du génie n'est pas seulement d'élégantes maisons laïques et des bâtiments classiques, mais aussi des bâtiments d'auteur originaux. L'un des bâtiments les plus populaires de Donato Bramante est la basilique Saint-Pierre de Rome.
Jules Romain- un brillant représentant de la fin de la Renaissance, un architecte qui a apporté décoration et élégance à la sévérité et aux classiques de la Renaissance. Une vision unique de l'Antiquité a donné naissance au passé créatif de l'architecte. Artiste dans sa jeunesse, Romano a commencé à briser les règles lorsqu'il s'est lancé dans l'architecture, utilisant la grâce et la richesse de la peinture dans la nature symétrique des bâtiments de l'époque. Les bâtiments de l'auteur sont remplis d'éléments décoratifs et d'intérieurs peints. Un exemple intéressant de l'œuvre de l'auteur sera la Villa du duc de Mantoue.
Michel-Ange- le fondateur de la Renaissance nordique, qui a travaillé à la libre incarnation des éléments généraux de l'Antiquité. Le portfolio de l'auteur comprend des créations telles que le dôme de la basilique Saint-Pierre, le tombeau des Médicis et la colline du Capitole à Rome.
Chapitre « L'art du XVe siècle. Architecture », section « Art de l'Italie ». Histoire générale de l'art. Tome III. Art de la Renaissance. Auteur : V.E. Bykov; sous la direction générale de Yu.D. Kolpinsky et E.I. Rotenberg (Moscou, Maison d'édition d'État "Art", 1962)
L’évolution de l’art du début de la Renaissance en Italie présente un tableau d’une complexité et d’une diversité exceptionnelles. C'est l'époque de l'émergence et de l'essor de nombreuses écoles d'art territoriales, d'interactions actives et de luttes dans diverses directions. Mais dans ces conditions difficiles, la principale ligne de développement de l'art du début de la Renaissance, représentée principalement par les remarquables maîtres de Florence, se dessine clairement.
Gouvernance politique de Florence au début du XVe siècle. était concentrée entre les mains des grandes familles bancaires et des signoria qui leur étaient subordonnées, où siégeaient également des représentants de divers ateliers. Le caractère démocratique de ce gouvernement, qui agissait d'abord dans l'intérêt de cercles de citoyens assez larges, s'est affirmé depuis les années 30. 15ème siècle a subi des changements lorsque, à la suite d'un coup d'État, l'un des représentants de l'élite bourgeoise, le riche banquier Cosimo Medici, est arrivé à la direction actuelle de Florence. Homme politique intelligent et diplomate rusé, Cosme de Médicis resta au pouvoir pendant près de trente ans. L'une des personnes instruites de son temps, il était un grand connaisseur d'art, un généreux mécène des artistes et sculpteurs florentins.
A partir de 1434 et presque jusqu'à la fin du XVe siècle. Florence est restée sous le règne des représentants de la maison des Médicis, qui ont reçu des droits héréditaires et ont habilement agi pour renforcer leur prestige politique, non pas tant avec l'épée qu'avec l'or. Le mécénat éclairé des arts, dont les traditions furent perpétuées par le petit-fils de Cosme, Laurent le Magnifique, fut également d’une importance considérable pour acquérir ce prestige. Cependant, déjà dans les années 1460. le caractère de la tyrannie des Médicis perd son caractère déguisé et devient plus ouvert, et la culture de la cour des Médicis elle-même acquiert les traits de la sophistication patricienne.
Dès les premières décennies du XVe siècle. Florence a occupé une position de leader non seulement dans le développement social et politique de l'Italie, mais également dans le domaine de la culture et des beaux-arts.
Surmontant les traditions médiévales, les plus grands maîtres florentins ont procédé à une réforme artistique révolutionnaire, qui a entraîné la maturation rapide d'un art nouveau et réaliste. Florence du XVe siècle est devenue le centre de formation d'une vision laïque du monde ; Ici, de nouvelles méthodes et compétences créatives se sont forgées.
L'une des expressions les plus claires de l'essor spirituel général caractéristique de cette période fut le développement généralisé de la pensée humaniste à Florence. S'incliner devant culture ancienne, rassemblant des manuscrits avec des textes de classiques anciens, des humanistes florentins du XVe siècle. étaient des gens instruits qui possédaient une excellente connaissance et appréciation de l’art. Leur principal mérite était d’avoir contribué à la formation d’une vision laïque du monde, sapant ainsi l’autorité de l’Église. Parmi les brillants représentants des diverses tendances de l'humanisme florentin du XVe siècle, nous rencontrons des noms tels que Coluccio Salutati, Leonardo Bruni, Piccolo Niccoli, les architectes et théoriciens de l'art Filippo Brunelleschi et Leon Battista Alberti, et plus tard les philosophes Marsilio Ficin et Pico della Mirandola. , poète Angelo Poliziano. Mais la principale manifestation d’une croissance puissante nouvelle culture c'est là que se déroule la plus grande floraison des arts plastiques.
Une nouvelle direction dans l'architecture de l'Italie au XVe siècle. s'est manifesté plus tôt et plus clairement que partout ailleurs à Florence. Dans son émergence, il n'était pas tant associé à la renaissance directe des anciens principes de composition et de système d'ordre, mais au traitement synthétique de l'ensemble du patrimoine de l'architecture médiévale italienne, en particulier des monuments de l'architecture romane en Toscane, et en particulier les bâtiments du style dit marqueté à Florence et ses environs. Ces bâtiments, où les anciennes traditions ont été retravaillées par les architectes médiévaux en fonction des exigences locales, des matériaux de construction et des structures locales, se sont révélés être la source la plus importante de la formation d'un nouveau style. L'essence de la renaissance de l'Antiquité dans ce processus réside davantage dans le développement du système d'ordre ancien en tant qu'école de nouvelle pensée architecturale, plutôt que dans son utilisation comme modèle d'imitation directe (voir Vol. II, Livre 1, Art of Toscane).
Les architectes du début de la Renaissance ont hérité de nombreuses techniques de construction des maîtres médiévaux. Il s'agit notamment de la pose de murs en briques suivie d'un bardage en pierre ; l'utilisation de voûtes croisées, cylindriques et fermées en brique ; Planchers plats en bois, poutres et chevrons.
L'évolution de l'architecture italienne au XVe siècle. se sont souvent déroulées sous des formes complexes et contradictoires. L'immaturité et l'incohérence dans l'application du système d'ordre classique et dans le mélange de formes anciennes et médiévales se sont souvent fait sentir. Dans différents centres du pays, des tendances locales distinctes ont émergé, parfois très différentes les unes des autres. Mais la tendance générale dans le développement de l'architecture de la Renaissance s'est manifestée assez clairement. Dans les nouvelles conditions sociales, il y a eu un renouveau radical des types de bâtiments médiévaux - bâtiments résidentiels urbains, complexes monastiques, édifices religieux ; Une nouvelle image du centre public de la ville est apparue, liée à l'ensemble de sa structure urbanistique.
Peut-être que dans aucun autre domaine de la culture artistique italienne le tournant vers une nouvelle compréhension n'a été aussi étroitement associé au nom d'un maître brillant que dans l'architecture, où le fondateur de la nouvelle direction fut Philippe Brunelleschi (1377-1446).
Brunelleschi est né et a passé presque toute sa vie à Florence. Il a commencé son activité créatrice en tant que sculpteur, en participant en 1401/1402 avec d'autres artistes majeurs au concours pour les deuxièmes portes en bronze du baptistère florentin. Un voyage à Rome avec Donatello, où les deux maîtres étudièrent les monuments de l'art antique, fut décisif pour Brunelleschi dans le choix de sa vocation principale.
La première œuvre majeure de Brunelleschi fut le dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore de Florence (1420-1436). La construction d'une coupole sur l'autel de la basilique, commencée par l'architecte Arnolfo di Cambio vers 1295 et achevée principalement vers 1367 par les architectes Giotto. Andrea Pisano et Francesco Talenti se sont révélés être une tâche impossible pour la technologie de la construction médiévale en Italie. Cela n'était permis que par le maître de la Renaissance, un innovateur, en la personne duquel se combinaient harmonieusement architecte, ingénieur, artiste, théoricien et inventeur.
La difficulté de la construction du dôme résidait non seulement dans les dimensions énormes de la travée couverte (le diamètre du dôme à la base est d'environ 42 m), mais aussi dans la nécessité de le construire sans échafaudage sur un tambour octogonal haut avec une hauteur relativement élevée. épaisseur de paroi mince. Par conséquent, tous les efforts de Brunelleschi visaient à maximiser le poids du dôme et à réduire les forces de poussée agissant sur les parois du tambour. L'allégement du poids de la voûte a été obtenu en construisant une coupole creuse à deux coques, dont la plus épaisse du bas est porteuse et la plus fine du haut est protectrice. La rigidité de la structure était assurée par un système de charpente dont la base était constituée de huit nervures porteuses principales situées aux huit coins de l'octaèdre et reliées entre elles par des anneaux de pierre les encerclant. Cette innovation majeure dans la technologie de construction de la Renaissance était complétée par une technique gothique caractéristique, donnant à la voûte un contour pointu.
L'énorme urbanisme et l'importance idéologique et artistique du dôme pour Florence étaient déjà compris par les contemporains. Léon Battista Alberti, dans sa dédicace à Brunelleschi dans son traité de peinture, dit que cette structure, « s'élevant vers le ciel », « éclipse tous les peuples toscans ». Pour la première fois dans l'architecture d'Europe occidentale, l'image artistique d'un dôme est déterminée principalement par son volume plastique externe prononcé, car les dômes les plus grandioses du Moyen Âge n'étaient que des voûtes qui couvraient l'espace interne et, en règle générale, ne le faisaient pas. jouent un rôle si important dans la composition volumétrique du bâtiment. Le dôme florentin dominait véritablement toute la ville et son paysage environnant. La force de son « action à longue portée » est déterminée non seulement par ses gigantesques dimensions absolues, non seulement par la puissance élastique et en même temps la facilité de décollage de ses formes, mais aussi par l'échelle très agrandie dans laquelle les pièces du bâtiment dominant le développement urbain sont construits - le tambour avec ses immenses fenêtres rondes et les bords de la voûte en tuile rouge avec de puissantes nervures qui les séparent. La simplicité de ses formes et sa grande échelle sont soulignées de manière contrastée par la dissection relativement plus fine des formes de la lanterne couronnée.
La nouvelle image du dôme majestueux comme monument érigé à la gloire de la ville incarnait l'idée du triomphe de la raison, caractéristique des aspirations humanistes de l'époque. Grâce à son contenu figuratif innovant, son rôle urbanistique important et sa perfection constructive, la coupole florentine était cette œuvre architecturale exceptionnelle de l'époque, sans laquelle la coupole de Michel-Ange sur la cathédrale romaine de Saint-Pierre. Pierre, ni les nombreuses églises à dôme qui lui appartiennent en Italie et dans d'autres pays européens. Lié aux parties médiévales de la cathédrale, Brunelleschi n'a naturellement pas pu réaliser une correspondance stylistique complète entre les formes nouvelles et anciennes de son dôme. Ainsi, le premier-né style architectural Le début de la Renaissance était la Maison des Enfants Trouvés (Ospedale degli Innocenti) à Florence (commencée en 1419).
Dans la Foundling House (maison pour enfants abandonnés), la fonction philanthropique de ces institutions, connue depuis le Moyen Âge, s'investit pour la première fois dans les formes architecturales d'un grand bâtiment public occupant une place prépondérante dans la ville. Elle occupe l'un des côtés créés au XVe siècle. place devant la façade de l'église de la Santissima Annunziata. Le plan du bâtiment, conçu sous la forme d'une grande cour carrée construite sur le pourtour, encadrée par de légers portiques cintrés, utilise des techniques qui remontent à l'architecture des bâtiments résidentiels médiévaux et des complexes monastiques avec leurs cours confortables protégées des intempéries. soleil. Cependant, chez Brunelleschi, l'ensemble du système de pièces entourant le centre de la composition - la cour - acquiert un caractère plus ordonné et plus régulier. La nouveauté la plus importante dans la composition spatiale du bâtiment était le principe du « plan ouvert », dans lequel le bâtiment de Brunelleschi comprend des éléments environnementaux tels qu'un passage sur rue, une cour de passage, reliés par un système d'entrées et d'escaliers à toutes les pièces principales. . Ces caractéristiques se reflètent dans son apparence. Dans la composition de la façade principale donnant sur la place, Brunelleschi a utilisé le motif d'une loggia profonde et ouverte. À la base, il remonte à l'ancienne coutume des villes-républiques italiennes d'ériger des pavillons-loggias ouverts sur les places, destinés aux réunions publiques, aux festivals et aux expositions d'œuvres d'art. Brunelleschi donne au motif ancien de la colonnade cintrée l'apparence d'un hall d'accueil accueillant et hospitalier, ouvert sur la place et accessible à tous. Ceci est souligné par les larges travées d’arcs élastiques de la loggia, soutenus par des colonnes minces et élancées reposant sur une base en gradins surélevée au-dessus du niveau de la place.
La façade du bâtiment, divisée en deux étages de hauteur inégale, contrairement aux bâtiments médiévaux de ce type, se distingue par sa simplicité de forme exceptionnelle et la clarté de sa structure proportionnelle. Malgré le fait que dans toute la façade il n'y a pas un seul élément directement emprunté aux monuments antiques, sa logique tectonique, exprimée dans le système de corrélation entre les parties porteuses et porteuses, indique la prédominance de nouvelles tendances architecturales. Les magnifiques reliefs en terre cuite représentant des bébés emmaillotés, réalisés par le sculpteur Andrea della Robbia, situés dans les tympans de l'arcade, complètent avec succès l'image de cette structure.
L'étonnante légèreté et transparence de la loggia, la grâce de ses formes élastiques et élancées seraient impensables sans innovation constructive. Le recouvrement de la loggia profonde par un système de voûtes en voile oublié depuis longtemps en Italie, plus fines et plus légères que les voûtes d'arêtes, a permis d'augmenter considérablement la profondeur de la loggia et la distance entre les colonnes, et de réduire à l'extrême leur épaisseur. Ce type d'arcade est devenu caractéristique de tout le début de la Renaissance, tant en Toscane qu'au-delà.
Les principes tectoniques développés dans l'Orphelinat, exprimant l'originalité de la pensée ordonnée de Brunelleschi, ont été développés davantage dans l'ancienne sacristie (sacristie) de l'église de San Lorenzo à Florence (1421-1428). L'intérieur de l'ancienne sacristie est le premier exemple dans l'architecture de la Renaissance d'une composition spatiale centrée, reprenant le système d'un dôme qui recouvre une pièce de plan carré. L'espace intérieur de la sacristie se distingue par sa grande simplicité et clarté : la salle cubique aux proportions est couverte d'une coupole nervurée sur voiles et sur quatre arcs porteurs reposant sur l'entablement de pilastres d'ordre corinthien complet. Les pilastres, les archivoltes, les arcs, les bords et les nervures de la coupole de couleur plus foncée, ainsi que les éléments de liaison et d'encadrement (médaillons ronds, encadrements de fenêtres, niches) apparaissent avec leurs contours clairs sur le fond clair des murs plâtrés. Cette combinaison d'ordres, d'arcs et de voûtes avec les surfaces des murs porteurs crée une sensation de grande légèreté et de transparence des formes architecturales.
Les techniques architecturales et constructives de la sacristie de l'église de San Lorenzo ont trouvé leur amélioration et leur développement dans la chapelle Pazzi de Florence (commencée en 1430). Cette chapelle, commandée par la famille Pazzi comme chapelle familiale et servant également aux réunions du clergé du monastère de Santa Croce, est l'une des œuvres les plus parfaites et les plus frappantes de Brunelleschi. Il est situé dans la cour médiévale étroite et longue du monastère et est une pièce de plan rectangulaire, s'étendant à travers la cour et fermant l'un de ses côtés les plus courts.
Brunelleschi a aménagé le bâtiment de la chapelle de manière à combiner le développement transversal de l'espace intérieur avec une composition centrée, et le design de la façade du bâtiment avec sa finition en forme de dôme est souligné de l'extérieur. Les principaux éléments spatiaux de l'intérieur sont répartis le long de deux axes mutuellement perpendiculaires, ce qui donne un système de construction équilibré avec un dôme sur voiles au centre et trois branches de croix de largeur inégale sur ses côtés. L'absence du quatrième est compensée par un portique dont la partie médiane est soulignée par une coupole plate. Le portique comprend six colonnes d'ordre corinthien avec une grande travée médiane couverte par un arc encastré dans le deuxième étage des combles. Le grenier élevé, qui serait trop lourd pour les colonnes élancées qui le soutiennent, est visuellement allégé par des pilastres appariés qui le divisent avec des inserts de panneaux légers entre eux et l'entablement couronné.
L'intérieur de la Chapelle Pazzi offre l'un des exemples les plus caractéristiques et les plus parfaits de l'utilisation particulière de l'ordre pour organisation artistique murs, qui constituent l'une des caractéristiques les plus importantes de l'architecture de la première Renaissance italienne. En utilisant l'ordre des pilastres, les architectes ont divisé le mur en parties porteuses et non porteuses, révélant les forces du plafond voûté agissant sur lui et donnant à la structure l'échelle et le rythme nécessaires. Brunelleschi fut le premier à pouvoir démontrer fidèlement la fonction porteuse des murs et le caractère conventionnel des formes de commande. Ceci explique l'utilisation dans la Chapelle Pazzi, la sacristie de San Lorenzo et l'Orphelinat de motifs si inhabituels du point de vue du canon classique des ordres, comme les pilastres d'angle se déplaçant d'un mur à l'autre, les consoles régulières ou en forme de chapiteaux qui, avec les pilastres, semblent servir de support à l'architrave ou à la voûte.
Les caractéristiques architecturales de la décoration de l'intérieur et de l'espace sous le portique de la Chapelle Pazzi comprennent l'utilisation répandue de céramiques peintes sculpturales et ornementales réalisées par les sculpteurs Desiderio da Settignano et Luca della Robbia, ainsi que la polychromie des murs et des détails, ce qui confère à l'intérieur lumineux et spacieux une élégance et un attrait particuliers. Tels sont, par exemple, les médaillons ronds à l'intérieur du bâtiment, les cassettes rondes en majolique de la coupole sous le portique, la frise en terre cuite peinte avec des têtes d'anges et les reliefs avec des images des apôtres, attribués à Brunelleschi lui-même.
Outre les bâtiments centrés sur le dôme, les tendances innovantes de l'œuvre de Brunelleschi se sont également manifestées dans la conception de la basilique, consacrée par des siècles de tradition, représentée par ses deux églises florentines - San Lorenzo (commencée en 1421) et San Spirito (commencée en 1421). en 1436).
Le plan des deux églises est basé sur la forme traditionnelle d'une basilique à trois nefs en forme de croix latine avec un transept, un chœur et une coupole sur la croix médiane. Dans l'église de San Lorenzo, ce schéma traditionnel a reçu d'importantes modifications. Ils reflétaient les exigences sociales caractéristiques de la Renaissance en matière de construction d'édifices religieux. Le transept, qui au Moyen Âge servait habituellement de lieu de résidence aux service de l'Église des hauts clergés et des représentants de la noblesse féodale, est désormais entourée de locaux de chapelles familiales, construites aux frais de riches citoyens. Des chapelles personnalisées de riches familles florentines ont également été construites le long des nefs latérales. Ainsi, le bâtiment de l'église perd son isolement social, ses fonctions deviennent plus complexes et diversifiées. Conformément à cela, l'intérieur de l'église s'avère plus disséqué et complexe. Les nefs et les transepts, outre leur fonction principale de lieux de concentration des fidèles, semblent se transformer en antichambres ou vestibules de chapelles privées, ce qui est tout à fait cohérent avec la perception plus laïque de la religion et des rituels ecclésiaux de la Renaissance.
La basilique de San Spirito a un plan unique : les nefs latérales avec les chapelles semi-circulaires adjacentes forment une seule rangée continue de cellules égales qui s'étend sur tout le périmètre de l'église, à l'exception de la façade ouest. Une telle construction de chapelles en forme de niches semi-circulaires a une signification structurelle importante : le mur plié pourrait être extrêmement mince et en même temps bien supporter la poussée des voûtes en voile des nefs latérales.
Les intérieurs des deux basiliques avec leurs fines rangées de colonnes et d'arcs corinthiens, comme s'ils « planaient » au-dessus des chapiteaux (ce qui est facilité par l'ordre d'imposition introduit entre le chapiteau et le cinquième arc), les plafonds plats à cassettes, les coupoles légères nervurées et la voile. les voûtes, donnent l'impression des intérieurs d'apparat d'un bâtiment laïque. Ainsi, le type traditionnel de basilique chrétienne à transept reçut ici une nouvelle expression artistique.
Le dernier édifice religieux de Brunelleschi, dans lequel se trouvait une synthèse de toutes ses quêtes, fut l'oratorio (chapelle) de Santa Maria degli Angeli à Florence (commencé en 1434). Ce bâtiment n'était pas terminé. En 1436, il fut amené presque dans les capitales de l'ordre intérieur ; Une idée en est donnée par les dessins et dessins survivants. Il s'agit de la première structure en forme de dôme centrée sur la Renaissance, octogonale à l'intérieur et hexagonale à l'extérieur. Les chapelles entourant l'espace octogonal central de la chapelle et formées par un système de murs radiaux et transversaux ont l'importance structurelle de contreforts qui absorbent l'expansion du dôme. Les supports principaux de l'octogone avec deux pilastres d'angle étaient censés soutenir un tambour octogonal assez haut en forme de grenier avec une fenêtre ronde de chaque côté, et au-dessus d'un dôme sphérique, recouvert à l'extérieur d'une tente. Ainsi, la composition volumétrique du bâtiment a été conçue comme étant en gradins et à deux niveaux ; avec une augmentation progressive du volume en hauteur vers le centre. Cela correspondait également à la structure de son espace interne, dont le développement procède d'un grand noyau octogonal jusqu'à des formes de chapelles plus petites et plus complexes. La simplicité classique, la clarté et l'exhaustivité de la composition se sont avérées en contradiction flagrante avec la vocation culte du bâtiment, qui ne disposait pas de salle de chœur (place pour l'autel). La contradiction du plan centré conçu par Brunelleschi avec les exigences du culte a conduit au fait que, selon Vasari, il était prévu d'abriter une école de peintres et de sculpteurs dans ce bâtiment après son achèvement.
La question du rôle de Brunelleschi dans la création d'un nouveau type de palais urbain est extrêmement compliquée par le fait que la seule œuvre de ce type pour laquelle la paternité du maître est documentée reste le Palazzo di Parte de Guelph, inachevé et gravement endommagé. Cependant, ici aussi, Brunelleschi s'est clairement montré un innovateur, rompant avec la tradition médiévale de manière beaucoup plus décisive que la plupart de ses contemporains et successeurs. Dans la composition de la façade du bâtiment, Brunelleschi utilise un ordre de pilastres s'étendant sur toute la hauteur des murs du deuxième étage avec deux étages de fenêtres. Le grand hall situé au deuxième étage (reconstruit par Vasari dans les années 50 du XVIe siècle) est également divisé par des pilastres dans les murs des fenêtres et dans les coins de la pièce. L'architecte a également utilisé les bons de commande de l'entablement complet pour diviser le bâtiment en deux étages. Ainsi, les proportions de l'édifice, sa division et sa forme sont déterminées par le système de l'ordre classique, ce qui constitue l'élément le plus remarquable de cet édifice, qui fournit le premier exemple de l'utilisation de l'ordre dans la composition d'un édifice urbain de la Renaissance. palais.
De nombreuses œuvres conservées à Florence révèlent, sinon la participation directe de Brunelleschi, du moins son influence directe. Ces bâtiments les plus importants du cercle de Brunelleschi comprennent le Palazzo Pazzi, le Palazzo Pitti et la Badia (abbaye) à Fiesole.
L'habileté architecturale exceptionnelle et la maturité de la composition du Palais Pazzi (achevée avant 1445) et en même temps le charme juvénile de l'image artistique caractéristique de Brunelleschi suggèrent que le palais a été construit selon son projet. A côté de l'austère et majestueux Palazzo di Parte de Guelph, le Palazzo Pazzi est une version plus intime et lyrique d'un nouveau type de maison de ville d'un riche et éminent florentin. La façade principale du palais est composée d'une manière extrêmement simple : au-dessus du premier étage bossagé, deux étages supérieurs en plâtre lisse avec des encadrements de fenêtres finement et richement décorés (les fenêtres rondes du troisième étage sont d'origine plus tardive.) sont complétés par une corniche en bois clair. . Les chevrons en porte-à-faux, décorés de sculptures d'une beauté exceptionnelle, sont l'un des rares exemples survivants et donc les plus précieux de sculpture sur bois dans l'architecture extérieure du XVe siècle.
Le Palazzo Pitti (achevé dans sa forme originale vers 1460) à Florence a un caractère complètement différent (au départ, le bâtiment n'avait que sept axes de fenêtres le long de la façade et trois grandes entrées cintrées au rez-de-chaussée. Des fenêtres dans les arcs latéraux posés ont été réalisées plus tard ; les ailes latérales et la cour ajoutées au XVIe siècle). La puissance titanesque de l'image artistique se manifeste ici dans la maçonnerie géante à bossage de trois étages de taille et de forme uniformes et dans les immenses fenêtres du portail (environ 8 m de haut). Les carrés de maçonnerie en pierre, qui ne s'éclaircissent pas vers le haut et ne changent pas de relief et de forme, forment pour ainsi dire trois étages de blocs géants identiques, érigés les uns au-dessus des autres. Avec une telle composition, la réduction des divisions d'étage de bas en haut, typique des autres palais florentins du début de la Renaissance, ainsi que le couronnement de l'ensemble du bâtiment avec une seule corniche, seraient injustifiés et contrediraient le caractère du mur géant.
Le petit complexe monastique de Badia à Fiesole (années 1450-1460) fut construit seulement dix ans après la mort de Brunelleschi. Cet ensemble architectural, combinant les caractéristiques d'un monastère et d'une villa de campagne, est situé dans une zone vallonnée pittoresque près de Florence. L'ensemble se compose d'une église entourée de cours fermées à arcades, d'un grand réfectoire voûté et d'un ensemble de pièces d'habitation.
Par la disposition des pièces principales autour d'une cour ouverte avec loggias, par le savoir-faire avec lequel les différents éléments du bâtiment sont combinés, par l'identification claire de la cour avant comme centre de composition de l'ensemble, la parenté de ce bâtiment avec celui de Brunelleschi L'orphelinat se fait clairement sentir.
La nouvelle orientation architecturale, approuvée par Brunelleschi dans la première moitié du XVe siècle, fut poursuivie par son contemporain florentin Michelozzo di Bartolomeo (1396-1472).
Travaillant avec Donatello sur la conception architecturale des tombes, Michelozzo maîtrisa très tôt les formes de la décoration architecturale classique, atteignant une grande perfection et sophistication dans ce domaine. Cette caractéristique du parcours créatif de Michelozzo peut expliquer l'originalité créatrice de ses œuvres décoratives, tandis que ses premiers bâtiments révèlent une dépendance aux techniques architecturales et constructives de Brunelleschi. Avec Donatello, il a créé la chaire extérieure de la cathédrale de Prato (années 1430), remarquable par sa composition et ses détails architecturaux de décoration, surprenant par la maturité précoce des formes classiques.
Parmi les édifices religieux de Michelozzo, les plus significatifs sont la chapelle Médicis du monastère de Santa Croce à Florence (achevée en 1445) et surtout la chapelle Portinari dans l'église de San Eustorgio à Milan (1462 -1468). Parmi les bâtiments d'un autre type, il faut souligner la salle basilique à trois nefs de la bibliothèque du monastère de Saint-Marc de Florence (années 1440-1450), avec ses larges colonnades, rappelant le portique de l'orphelinat, soutenant les voûtes du plafond, ainsi que comme la cour du même monastère entourée d'arcs sans archivoltes sur colonnes.
La contribution majeure de Michelozzo à l'architecture de la Renaissance fut la création d'exemples complets de palais de ville et de villas de campagne, qui eurent une énorme influence sur tout le développement ultérieur de ce type de bâtiments.
L'œuvre la plus significative de Michelozzo est le magnifique palais Médicis Riccardi à Florence (commencé en 1444).
Dans la composition du palais, pour la première fois, la cour, reliée à la rue par un grand passage voûté, acquiert une importance extrêmement importante. Cette cour sert de salle de distribution principale, une sorte de vestibule ouvert. Sous les galeries environnantes se trouvent les entrées des pièces du rez-de-chaussée, du jardin et des escaliers menant aux deuxième et troisième étages. Dans le climat chaud de l’Italie, une cour ombragée revêtait une grande importance pratique.
Au premier étage, étaient regroupées principalement les pièces de service, au deuxième étage - les salons d'apparat de la famille Médicis, destinés aux célébrations et réceptions, et une chapelle richement décorée. Le troisième étage abritait les dortoirs des membres de la famille et des employés. Cette disposition traditionnelle et, selon toute vraisemblance, pratique des pièces explique la division de la plupart des palais urbains florentins en trois étages.
De l’extérieur, le bâtiment est perçu comme un volume impressionnant situé à l’intersection de deux rues. La corniche avec un grand décalage et de grandes cassures au profil clair contraste avec la surface des murs plats et bossagés. Il semble stopper le fort mouvement des divisions d'étages diminuant de bas en haut, couronnant l'ensemble du bâtiment. Mais le bâtiment de Michelozzo conserve encore quelques éléments médiévaux. Il s'agit par exemple de fenêtres avec un impôt central et de deux arcs inscrits dans l'arc général de l'ouverture, d'un premier étage puissant avec de petites ouvertures de fenêtres élevées au-dessus du sol.
Ce qui est essentiellement nouveau dans l'architecture du Palais Médicis-Riccardi est l'interprétation tectonique unique des façades, basée sur les principes de la construction ordonnée, mais sans l'utilisation de colonnes ou de pilastres. Cela se reflète dans l'allègement progressif du mur de bas en haut en réduisant la hauteur de ses divisions d'étage, dans les différentes largeurs et natures du profilage des encadrements de fenêtres, ainsi que dans la modification de la texture de la rustication des sols - d'une grande rustication en relief au premier étage à une rustication plate réalisée à plus petite échelle avec une couture à peine perceptible - au troisième.
Dans la décoration des intérieurs du palais et surtout de la chapelle, peints par Benozzo Gozzoli, divers moyens de décoration architecturale et picturale ont été utilisés. Tel est le profilage complexe des caissons et des corniches, décorés de détails moulés et peints - ions, perles, rosaces et diverses formes de motifs géométriques et floraux, l'utilisation généralisée de marbres multicolores pour la finition des murs et des sols.
Une autre œuvre majeure de Michelozzo, qui a jeté les bases du développement d'un bâtiment résidentiel de campagne - la résidence d'un riche patricien ou d'un grand noble, fut la Villa Careggi près de Florence, qu'il reconstruisit pour Cosme de Médicis. Au bâtiment médiéval existant, Michelozzo a ajouté deux loggias situées symétriquement du côté du jardin avec de grandes arches au premier étage et une colonnade élancée et aérée de l'ordre ionique au deuxième, soutenant une corniche légère avec des consoles en bois. Les formes architecturales légères et transparentes de la loggia, imprégnées de soleil et d'air, sont en parfaite harmonie avec l'environnement naturel, fusionnant l'espace intérieur du bâtiment avec le paysage du parc. Les formes monumentales de l'ancienne villa médiévale avec des créneaux et de rares ouvertures dans l'épaisseur du mur massif, combinées aux ajourés et à la légèreté des loggias de Michelozzo, semblent incarner dans cette œuvre les traits de la vision du monde de deux époques - l'inertie et l'isolement. de la pensée médiévale et de l'essence humaniste de la vision du monde de la Renaissance, adressée à l'homme et à la nature.
Le deuxième grand architecte italien du début de la Renaissance après Brunelleschi fut Léon Battista Alberti (1404-1472). Alberti fut non seulement le plus grand architecte du milieu du XVe siècle, mais aussi le premier encyclopédiste et théoricien de l'art italien, qui écrivit un certain nombre de traités scientifiques remarquables sur l'art (traités sur la peinture, la sculpture et l'architecture, dont son célèbre ouvrage « Dix Livres sur l'architecture »). Alberti a eu une influence significative sur la pratique architecturale contemporaine non seulement avec ses bâtiments, inhabituels et profondément originaux dans la conception de la composition et la netteté de l'image artistique, mais aussi avec ses travaux scientifiques dans le domaine de l'architecture qui, avec les travaux des théoriciens antiques, étaient basés sur l'expérience de construction des maîtres de la Renaissance . Contrairement à d'autres maîtres de la Renaissance, Alberti, en tant que théoricien, ne pouvait pas accorder suffisamment d'attention activités directes sur la construction des structures qu'il a conçues, confiant leur réalisation à ses assistants. Le choix pas toujours réussi des assistants de construction a conduit au fait que les bâtiments d’Alberti comportaient un certain nombre d’erreurs architecturales et que la qualité des travaux de construction, des détails architecturaux et de l’ornementation était parfois faible. Cependant, le grand mérite de l'architecte Alberti réside dans le fait que ses recherches constantes et innovantes ont préparé le terrain pour la formation et l'épanouissement du style monumental de la Haute Renaissance.
Le Palazzo Rucellai à Florence (1446-1451) est la création la plus complète d'Alberti dans l'architecture profane, montrant la maturité et la netteté de ses idées de composition. Dans la composition générale du palais de trois étages avec cour et dans l'agencement de ses locaux, Alberti a strictement suivi les traditions établies. Dans la façade du palais, le thème des pilastres, qui devint plus tard l'un des plus courants, fut utilisé pour la première fois, divisant le mur rustique en étages. Partant d'exemples classiques romains avec une arcade de commande (le Colisée), Alberti a profondément retravaillé ce thème, lui donnant une signification artistique différente et une nouvelle expressivité plastique. La structure du mur est bien révélée par le caractère légèrement décoratif de la rustication dans les entre-colonnes, les grandes ouvertures de fenêtres semi-circulaires et la texture lisse des pilastres, comme s'ils s'étendaient dans l'épaisseur du mur moins durable. Pour la première fois dans la composition de la façade du palais, une sorte de schéma idéal a été développé, reproduisant ses éléments porteurs et non porteurs. L'interprétation ordonnée de la façade du bâtiment a détruit le contraste marqué entre la façade sur rue et l'architecture plus légère et plus élégante de la cour, caractéristique des anciens palais florentins, contribuant également à l'expression correcte de l'échelle du bâtiment lorsqu'il est inclus dans l'ensemble de une rue étroite.
Le système général de l'ordre des façades a obligé Alberti à retravailler en conséquence les détails architecturaux médiévaux trouvés dans les façades des palais florentins : dans la fenêtre s'ouvrant entre la colonne et les deux arcs au-dessus d'elle, a été introduite une architrave, soutenue sur les côtés par deux petits pilastres; les passages voûtés menant à la cour ont été remplacés par des portails rectangulaires encadrés par de larges architraves ; les petites fenêtres du premier étage ont perdu leur caractère de serf.
L'un des principaux édifices religieux d'Alberti - l'église San Francesco de Rimini (commencée en 1446 ; reconstruction d'une église monastique gothique existante) - a été conçu sous la forme d'une majestueuse structure en forme de dôme - un mausolée pour le tyran de Rimini Sigismondo Malatesta, ses parents et associés. Le projet d'Alberti n'a été que partiellement réalisé ; il est propriétaire des façades ouest et sud. Son plan ainsi que les méthodes de composition et de forme qu'il a choisies correspondaient pleinement à la signification mémorielle de cette église en tant que monument aux vertus militaires et civiles de son fondateur. Les façades principales et latérales, constituées de grands carrés de pierre de taille lisse, sont disposées sur la base du traitement des formes architecturales de la Rome antique. Un dôme bas s'étendant sur toute la largeur du bâtiment était censé compléter le volume du bâtiment par un hémisphère lourd.
La composition de la façade principale est basée sur un thème interprété de manière unique : un arc de triomphe romain à trois travées avec de grandes travées centrales et latérales et un mur monumental, disséqué sur toute sa hauteur par un ordre de demi-colonnes placées sur un piédestal. Le socle élevé, comme dans les anciens temples romains, élevant le bâtiment au-dessus du sol, lui confère un caractère impressionnant et une grandeur particulière. Inachevé la partie supérieure La façade principale au-dessus de l'entablement libre a été conçue avec des demi-frontons incurvés originaux au-dessus des niches latérales et une haute fenêtre de niche avec une terminaison semi-circulaire au centre.
Façade latérale, disposée en forme de lourde arcade romaine sur piliers, formant sept niches pour sarcophages. des personnes célèbres, se distingue par sa noblesse exceptionnelle et la simplicité de ses formes. Les proportions de la façade bien trouvées, les niches profondes révélant l'épaisseur monumentale du mur, la surface en pierre lisse des pylônes et des murs au-dessus des arcs avec des profils simplifiés de corniches et de tiges montrent la grande habileté de composition d'Alberti et sa profonde maîtrise des principes du monumental. Architecture romaine.
Dans l'église de San Francesco, on a tenté pour la première fois de résoudre la façade d'une basilique Renaissance sous de nouvelles formes. La création d'une façade d'église était l'un des problèmes les plus difficiles de l'architecture du début de la Renaissance, reflétant la gravité des contradictions entre les visions du monde laïque et ecclésiastique dans le travail des architectes et des artistes. Alberti y revient lors de la reconstruction de la façade de l'église Santa Maria Novella de Florence.
La façade albertienne de l'église Santa Maria Novella (1456 - 1470) est un revêtement de la façade précédemment existante de la basilique médiévale. Sa particularité doit être reconnue comme une tentative de combiner de nouvelles formes classiques avec des incrustations de marbre polychrome sur les façades dans l'esprit du style de marqueterie florentine des XIIe et XIIIe siècles. Les principes de construction d'une façade d'église à deux niveaux avec des divisions ordonnées des premier et deuxième niveaux, surmontées d'un fronton, avec une combinaison originale d'un centre haut et d'ailes inférieures utilisant des volutes décoratives, ont constitué la base de la construction de nombreuses façades d'églises de la fin de la Renaissance et le baroque.
Parmi les expériences architecturales d'Alberti visant à créer un nouveau type d'édifice religieux, l'église de San Sebastiano à Mantoue, construite selon ses plans (commencée en 1459, puis largement reconstruite), occupe une place de premier plan. Dans cet édifice, Alberti fut le premier des maîtres de la Renaissance à baser la composition de l'église sur la forme d'une croix grecque équilatérale. L'intérieur de l'église, avec un dôme sur voiles et des voûtes en berceau au-dessus des extrémités de la croix, est conçu comme une composition centrée spectaculaire avec une complication progressive des divisions spatiales du centre vers la périphérie. C'est ici qu'est apparue une différenciation par étapes plus complexe de l'espace intérieur et du volume du bâtiment, qui s'est encore développée à la fin des XVe et XVIe siècles. dans les bâtiments de Bramante et dans les dessins de Léonard de Vinci.
L'activité de construction d'Alberti à Mantoue se caractérise par une autre tentative, peut-être la plus mûre et la plus cohérente, visant à créer un nouveau bâtiment d'église et une nouvelle façade d'église conformément aux idéaux laïques de la Renaissance. Il s'agit de l'église de Sant'Andrea de Mantoue (commencée en 1472), qui, par ses dimensions et sa conception, représente l'œuvre la plus significative d'Alberti. La composition traditionnelle de la basilique avec un transept, un chœur et une coupole au-dessus de la croix médiane, dont le plan a la forme d'une croix latine, a reçu ici pour la première fois dans l'histoire de l'architecture une nouvelle interprétation spatiale. Les nefs latérales furent remplacées par des chapelles, la nef principale fut agrandie et transformée en une grande salle principale, couverte, comme le chœur et les branches du transept, non d'un plafond plat, comme Brunelleschi, mais de voûtes en berceau à caissons.
Le désir d'Alberti de maximiser l'unification de l'espace est né du désir de créer l'intérieur le plus majestueux possible. Pour la première fois dans l'architecture de la Renaissance, le système byzantin à coupoles croisées a été utilisé dans la partie autel de la basilique en combinaison avec le caractère romano-antique des formes architecturales et du décor.
Une caractéristique de la composition de l'église, qui lui confère un caractère ouvert au public, est la présence d'un grand vestibule, presque sur toute la largeur du bâtiment, qui forme l'entrée principale et la façade du côté de la place. Cette façade, avec son grand arc d'entrée et ses gigantesques pilastres courant sur toute la hauteur du mur (prototype de l'ordre dit grand ou colossal s'étendant sur plusieurs étages) jusqu'au fronton triangulaire qui la couronne, est composée sur la base du même motif. de l'arc de triomphe romain à trois travées de l'église San Francesco de Rimini. Cependant, ici, cette technique est plus organique et plus étroitement liée à la structure compositionnelle de l’ensemble du bâtiment. Le système de division de la façade principale se répète plusieurs fois à l'intérieur, dans la division des murs latéraux de la nef avec les chapelles. Le système de division en trois parties de la façade constitue en même temps la base de l'alternance rythmique à l'intérieur des grandes et petites chapelles, formant une cellule spatiale en trois parties semblable au vestibule. Ainsi, Alberti met en œuvre l'une des dispositions théoriques de son traité, qui exige l'unité des techniques de composition pour l'architecture extérieure et intérieure. Dans le même bâtiment, une autre disposition du traité a été mise en œuvre : les arcs ne doivent pas reposer sur des colonnes, car cela contredit le sens des structures architecturales de l'ordre ancien.
En retravaillant le type d'église basilique, Alberti a créé un nouveau type de temple, qui a eu une influence significative sur toute l'architecture des églises ultérieures, non seulement en Italie, mais aussi dans d'autres pays européens. Les principes de composition de la façade de l'église de Site Andrea ont été développés davantage dans les œuvres de Palladio et Vignola.
En général, l’œuvre d’Alberti et l’orientation architecturale qui se dessine au milieu du XVe siècle se caractérisent par la prédominance des principes de composition et de formes anciens, principalement romains. Cela se reflète dans l'utilisation plus cohérente et plus répandue du système d'ordre ancien, dans le désir de généraliser et d'élargir la structure volumétrique-spatiale des bâtiments et dans la monumentalisation accentuée de leur apparence. La dignité (dignitas) comme expression de la grandeur était la devise d'Alberti et le trait le plus caractéristique de ses œuvres architecturales.
Le plus grand des étudiants et disciples d'Alberti était Bernardo Rossellino (1409-1464). La plus significative de ses œuvres est l'ensemble de la place qu'il a créée dans la petite ville de Pienza (commencée en 1460) (les bâtiments entourant la place ont été érigés sur ordre du pape Pie II (Enea Silvio Piccolomini) dans son ville natale Corsignano, plus tard nommé d'après le pape Pienza.), qui est le seul de l'architecture du XVe siècle. un exemple d'ensemble simultanément conçu et, de plus, complètement réalisé. Dans l'espace d'une petite place trapézoïdale adjacente à l'artère principale de la ville, se trouvent quatre bâtiments : le palais du pape (Palazzo Piccolomini) et l'évêché, formant les côtés latéraux inclinés du trapèze ; la cathédrale, occupant presque tout l'espace de sa large base, et du côté opposé se trouve l'hôtel de ville. Les principaux bâtiments publics de la ville, représentant les autorités de la ville – spirituelles et laïques – sont concentrés sur la place.
La ville et la place sont situées au-dessus de la rivière, surplombant une vaste vallée. À travers les espaces ouverts sur les côtés de la cathédrale, on peut voir une perspective lointaine du paysage qui s'étend autour de Pienza. Grâce à cela, la place ne semble pas fermée : une personne qui s'y trouve se sent toujours connectée à l'environnement naturel de la ville. Cet effet rappelle les peintures des Quattrocentistes, dans lesquelles, dans les scènes d'intérieur, le paysage environnant est visible à travers les ouvertures des fenêtres, une porte ouverte ou un portique.
L'ensemble de la place ne semble symétrique que dans le plan. Chaque côté a le sien aspect architectural, et en général, le principe d'une combinaison pittoresque et asymétrique de bâtiments de compositions différentes prévaut ici. Mais si dans les ensembles de places médiévales, le pittoresque et la liberté dans la disposition des bâtiments étaient le plus souvent le résultat de strates historiques ou du développement chaotique de la ville, alors à Rossellino, ces caractéristiques sont déterminées par une conception architecturale unique. L'individualité de chaque bâtiment est ici déterminée à la fois par sa destination et par son interaction avec les autres bâtiments de l'ensemble, nécessitant la subordination du secondaire au principal : la majestueuse cathédrale avec son clocher est monumentale, le palais du pape est solennel et élégant, le le bâtiment de l'hôtel de ville est sobre et austère, le palais du ministre de l'église est modeste et simple. La composition de l'un quelconque de ces bâtiments, prise isolément, serait incompréhensible et injustifiée, mais dans l'ensemble ils forment un ensemble unique, dont les mérites sont généralement supérieurs à chacun des bâtiments qui le composent, pris séparément.
De tous ces bâtiments, le plus intéressant est le Palais Piccolomini (1460 -1464), dans lequel le schéma traditionnel d'un palais florentin avec cour a été mis en œuvre par Rossellino avec une plus grande ampleur et une plus grande exhaustivité de toutes les parties et détails que dans les bâtiments précédents. Ici pour la première fois au XVe siècle. On souhaitait une construction symétrique de l'ensemble du complexe du palais, lorsque l'entrée principale, la cour, la loggia du jardin et le jardin avec ses allées étaient situés le long d'un seul axe de composition. Quant à l'aspect extérieur du bâtiment, contrairement aux exemples florentins antérieurs, le Palazzo Piccolomini n'est pas perçu par une ou deux façades donnant sur des rues étroites, mais par tout le volume du bâtiment. La façade du palais rappelle la façade albertienne du palais Rucellai, mais, contrairement à cette dernière, le même thème des pilastres divisant le mur bossagé par les étages est repris ici avec une diminution plus nette des divisions d'étage de bas en haut et un espacement plus large. disposition des pilastres. Ainsi, si Alberti a trouvé une sorte d’équilibre entre le mur et les éléments d’ordre qui le divisent, alors chez Rossellino le mur prévaut sur l’ordre.
Une œuvre majeure de l'architecture palatiale florentine de la seconde moitié du XVe siècle, dont la création est associée au nom de Benedetto da Maiano (1442-1497), est le palais Strozzi de Florence (commencé en 1489). Giuliano da Sangallo et Simone Pollaiolo (Cronaca) (1457-1508) participèrent également à sa conception et à sa construction.
De composition similaire à d'autres palais florentins antérieurs, dont le prototype était le palais Médicis, le palais Strozzi en diffère par son interprétation résolument monumentalisée des façades. Son emplacement sur un terrain libre, délimité sur trois côtés par des rues et des allées, et sur le quatrième côté par un jardin, a permis aux constructeurs de créer une composition de plan et de volume exceptionnellement claire, correcte et harmonieuse. Idéalement reliée aux autoroutes, la cour du palais a perdu son importance de cour intime destinée principalement aux habitants de la maison, devenant une pièce avant accessible du palais. Le regroupement axial strictement symétrique des entrées, entrées, escaliers, loggias, pièces principales et salles de réception est conçu pour une alternance spectaculaire de différentes pièces à l'intérieur, ce qui indique un désir de plus de faste et de grandeur ostentatoire que dans les premiers palais. Ces éléments, demeures des principaux dignitaires, magnats et princes de l'Église, deviendront une caractéristique de l'architecture des palais de la Rome papale au XVIe siècle.
L'aspect extérieur du Palais Strozzi se distingue par des techniques de composition et des formes architecturales plus traditionnelles, qui manifestent le désir de préserver l'unité stylistique et l'intégrité artistique de la ville de Florence. Un peu archaïque donc pour la fin du XVe siècle. l'apparence du palais avec la splendeur austère des murs de pierre, composés de bossages convexes, comme comprimés par un poids énorme, avec des ouvertures de fenêtres relativement peu espacées et un lourd grenier en pierre couronnant la majeure partie du mur. Une magnifique corniche de forme classique est le seul détail élégant qui contraste avec la masse dure des murs.
Dans un autre édifice intéressant de Benedetto da Maiano, le portique de l'église de Santa Maria delle Grazie à Arezzo (vers 1490) témoigne de son attachement aux formes remontant à Brunelleschi et de son extraordinaire savoir-faire décoratif. Le petit bâtiment attenant à l'église précédemment construite est configuré comme une loggia transparente, ouverte de tous côtés, servant de portique d'entrée et de porche. Comme système de support principal, le maître utilise une légère colonnade cintrée avec un impôt d'ordre entre les talons des arcs et le chapiteau, utilisée pour la première fois par Brunelleschi à l'intérieur des basiliques de San Lorenzo et de San Spirito. Dans l'aspect élégant et léger du bâtiment, une combinaison judicieuse de matériaux de construction n'est pas négligeable : une structure en pierre claire avec un dessus en bois sombre, ainsi que de fines sculptures ornementales habilement exécutées sur la pierre, le bois et la peinture polychrome. Mais contrairement à Brunelleschi, dans cette légèreté des arcades « flottantes », il y a plus de sophistication, de sophistication extérieure et d'élégance, qui reflètent certaines tendances de la culture artistique florentine de la seconde moitié du XVe siècle.
L'exposant le plus marquant des nouvelles tendances architecturales de l'architecture florentine de la seconde moitié du XVe siècle. était Giuliano da Sangallo (1445 - 1516). Résumant les recherches de ses prédécesseurs, il fut l'un des premiers à réaliser le rêve de créer un bâtiment à coupole centrale, parfait dans ses formes et à lui donner une forme architecturale complète. Telle est son église de la Madonna delle Carceri à Prato (1485 - 1491). Ce petit édifice a la forme d'une croix grecque équilatérale de plan dont les branches sont couvertes de voûtes cylindriques, et la croix médiane est coiffée d'une coupole parapluie sur voiles à bandeaux, lunettes et fenêtres rondes taillées en tambour bas.
La composition volumétrique de l'église et le système de ses façades sont organiquement liés à la structure de l'espace intérieur et aux divisions de ses surfaces. Formant une composition centrée à façade égale, les volumes rectangulaires clairs des bras de croix sont divisés en deux parties inégales en hauteur, correspondant à la division de l'intérieur : en un gradin d'ordre inférieur et une voûte cylindrique cachée derrière la partie supérieure du la façade couronnée d'un fronton. Les façades sont revêtues de marbre multicolore. Le motif rectangulaire clair des panneaux souligne la sévérité des doubles pilastres situés dans les coins et des cadres encadrant les portails et les fenêtres. La combinaison des traditions architecturales des maîtres du cercle de Brunelleschi avec les tendances des temps modernes est également caractéristique des autres bâtiments de Giuliano da Sangallo. Telle est par exemple la sacristie de l'église de San Spirito (1488-1492) à Florence, réalisée par lui en collaboration avec l'architecte Cronac - une structure octogonale centrée surmontée d'une coupole en parapluie.
Une œuvre importante de Sangallo est la Villa Médicis à Poggio a Caiano (1480 - 1485). Construit près de Florence, d'une part, il complète le développement du type de propriété de campagne d'un magnat du commerce florentin, et d'autre part, il marque le début de la formation d'un nouveau type de résidence de palais de campagne d'un riche noble, caractéristique déjà du 16ème siècle.
Le plan carré qui sous-tend la composition du bâtiment est construit sur deux axes perpendiculaires entre eux. Le long de la principale - depuis l'entrée - se dévoile une magnifique enfilade des pièces les plus significatives : la loggia de l'entrée principale, le vestibule et deux salles d'apparat destinées aux bals et réceptions. La grande salle centrale, située à l'intersection des axes de composition, présente une riche décoration décorative et est recouverte d'une voûte cylindrique à caissons aux proportions, ornementations et détails architecturaux remarquables. La combinaison réussie du principe de composition en enfilade avec le principe centré (remontant au tracé des anciens thermes romains) et la construction compacte du plan en forme de carré ont déterminé l'expressivité monumentale et l'intégrité du volume du bâtiment, ce qui est particulièrement souligné par son placement sur un puissant stylobate, formant une terrasse ouverte le long du périmètre du bâtiment. En témoignent les magnifiques escaliers d'entrée semi-circulaires et la loggia d'entrée principale avec un portique ionique à six colonnes, classique dans les proportions et les détails, surmonté d'un fronton décoratif, ainsi qu'une terrasse ouverte élevée au-dessus du sol, soutenue par de puissantes sous-structures cintrées. aux aspirations des architectes de la fin du XVe siècle. relier le bâtiment à la nature environnante.
Giuliano da Sangallo peut être considéré comme le dernier des maîtres du début de la Renaissance, dans l'œuvre duquel se confondent les deux courants les plus significatifs de l'architecture du XVe siècle, remontant à Brunelleschi et Alberti. Son désir caractéristique d'unité de forme monumentale, de maturité et de généralisation préfigure le début d'une nouvelle étape dans l'évolution de l'architecture italienne - l'architecture de la Haute Renaissance.
Une place particulière dans l'histoire de l'architecture italienne du XVe siècle. occupe l'architecture des centres urbains de la côte occidentale de la mer Adriatique - Ancône et Urbino. Leurs liens économiques et culturels étroits avec les villes du nord de l'Italie (Venise) et les villes slaves de la côte orientale de l'Adriatique ont largement prédéterminé le développement unique de l'architecture locale et la participation des maîtres slaves de Dalmatie à la création des meilleurs monuments architecturaux de cette période. . Ainsi, l'un des premiers maîtres dalmates connus qui ont travaillé à Ancône était le constructeur de la cathédrale de Sibenik, Yuri Dalmatien, qui a reçu le nom local de Giorgio da Sebeniko (Georges de Sibenik) en Italie. Mais l'architecte le plus important parmi les Dalmates était Luciano da Laurana (1420/25 -1479). Son nom dans l'histoire de l'architecture italienne du XVe siècle. doit être placé après les noms de Brunelleschi et Alberti. Mais si les monuments et les documents survivants permettent de retracer la vie et l'œuvre des célèbres Florentins, beaucoup de choses restent floues dans la vie et l'œuvre de Laurana. Il est toujours évident que si les racines de l'œuvre de Brunelleschi peuvent être trouvées dans l'architecture toscane précédente et que le point de départ de l'œuvre d'Alberti était l'architecture romaine antique de l'époque impériale, alors les racines de l'œuvre de Laurana ne doivent pas être recherchées seulement dans L'Italie, mais aussi à l'extérieur, dans les monuments antiques, si riches sur la côte orientale de l'Adriatique. Il a sans aucun doute étudié attentivement le palais de Dioclétien à Split et connaissait bien les monuments romains antiques de Pula et d'Istrie.
L'œuvre la plus grande et la plus fiable de Luciano da Laurana est le Palais Ducale d'Urbino (vers 1468-1483). L'originalité de la composition du complexe d'Urbino tient non seulement à sa double vocation - résidence princière fortifiée et en même temps luxueux palais d'un humaniste et philanthrope - mais aussi à la présence d'anciens bâtiments médiévaux et les fortifications qui devaient être incluses dans le nouvel ensemble, ainsi que son emplacement sur un terrain surélevé.
Laurana fonde l'agencement du palais d'Urbino sur la composition d'un palais de ville florentin avec une grande cour intérieure, autour de laquelle sont regroupés les pièces de devant, d'habitation et de service. Ce noyau principal de la composition est complété par un jardin intérieur (suspendu) et une cour ouverte sur la ville, formés par deux bâtiments en saillie sud. En raison de la différence de relief, le complexe du palais possède des murs de clôture et de soutènement massifs avec des ouvertures de fenêtres très surélevées.
L'aspect de la façade principale du palais avec ses tours, mâchicoulis, créneaux de forteresse, d'une part, et une loggia à plusieurs étages, comme pour briser la lourde carapace d'une forteresse médiévale, avec de grandes ouvertures de fenêtres ornées de plateaux d'ordre, de l'autre, il reflète l'influence de deux courants : féodal-médiéval et Renaissance.
Les tendances classiques de l’architecture du Quattrocento se sont manifestées de manière plus complète et plus vivante dans l’architecture intérieure de Laurana et principalement dans la cour avant, qui forme un contraste saisissant avec les façades extérieures. La composition de la cour est fondamentalement la même que celle des palais florentins du XVe siècle : une arcade sur colonnes à l'étage inférieur et un mur avec des ouvertures de fenêtres au deuxième étage. Mais les différences introduites par l'architecte dans ce schéma traditionnel confèrent à la cour une grande originalité. Formes architecturales strictes, peu de décorations, profilage fin de l'entablement, plateaux et archivoltes des arcs, rare beauté des chapiteaux des colonnes et pilastres du deuxième étage et l'inscription en lettres romaines qui glorifie le propriétaire d'Urbino, courant autour du les frises des deux entablements, sont pleines de pureté et de clarté classiques. La cour est également décorée d'une délicate polychromie - une combinaison de pierre blanche de l'ordre avec la brique jaune pâle des murs du deuxième étage.
La décoration intérieure du palais d'Urbino est particulièrement remarquable. Les salles du palais avec leurs plafonds et murs blancs et lisses, avec leurs strictes rosaces au plafond, leurs chapiteaux de console finement sculptés à la base des voûtes, leurs profils magnifiquement gracieux et leurs sculptures de fenêtres et de portes et de cheminées en marbre appartiennent aux meilleurs exemples de la Renaissance. architecture. Les salles d'apparat étaient décorées de peintures de Laurana lui-même, de Piero della Francesca et d'autres maîtres de premier ordre.
Entre autres bâtiments, le Palazzo Prefettizie d'origine à Pesaro, l'ancienne résidence des Sforza, est considéré comme appartenant à Laurana. Il est également impossible de ne pas noter, en raison de leur importance historique et architecturale importante, les peintures attribuées à Laurana avec des images de villes idéales dans lesquelles l'auteur incarnait ses fantasmes architecturaux. Ils donnent non seulement une idée assez claire des idées d'urbanisme de leur époque, mais sont des documents d'une énorme importance historique, qui semblent résumer les techniques de composition et les formes développées par le début de la Renaissance dans le domaine de l'architecture des palais et en partie édifices commémoratifs et religieux. De nombreux motifs architecturaux enregistrés dans ces peintures anticipent la pratique de la Haute et de la Fin de la Renaissance, témoignant de l'énorme savoir et de la pensée innovante de leur créateur.
L’importance de l’œuvre de Laurana pour le développement ultérieur de l’architecture italienne est également importante, car la construction du palais d’Urbino a eu lieu sous les yeux du jeune Bramante et a certainement influencé le développement de son goût et de son savoir-faire. Le résultat immédiat fut la cour de la Cancelleria romaine, représentant un développement ultérieur de la cour d'Urbino. Un autre natif de cette ville, le jeune Rafael Santi, a également reçu ses premières impressions artistiques au palais d'Urbino. Il ne serait pas déraisonnable de supposer que Bramante et Raphaël ont soigneusement étudié non seulement l'architecture, mais aussi les peintures de Laurana - ce n'est pas sans raison que dans ses peintures architecturales d'Urbino, on peut trouver des prototypes de palais romains, qui ont joué un rôle énorme rôle dans le développement ultérieur non seulement de l’architecture italienne, mais aussi de l’ensemble de l’architecture européenne.
La Lombardie se distinguait des autres régions d'Italie par l'originalité de ses traditions architecturales. Ici plus qu'ailleurs, l'héritage de l'architecture médiévale s'est fait sentir. Cela a été facilité par la persistance de vestiges féodaux et de traditions de corporations associées parmi les nombreux artisans bâtisseurs de Lombardie. Pas étonnant que ce soit à Milan au tournant des XIVe et XVe siècles. La construction de la plus grandiose des cathédrales gothiques d’Italie commença. Sa construction fut réalisée avec l'aide d'artisans invités du nord, dont l'afflux ne s'arrêta pas longtemps. Commun à toute l’Italie au XVe siècle. les changements dans la vision du monde et les goûts se sont reflétés en Lombardie non pas tant par un changement décisif dans les principes architecturaux fondamentaux, mais par un désir indomptable de polychromie festive et d'abondance inutile de décoration. Ce désir, qui a poussé les maîtres lombards à une libre combinaison de formes architecturales byzantines, romanes et, enfin, antiques, a conduit à la création d'une architecture gaie, hétéroclite, parfois atectonique, mais captivante dans sa version nord pittoresque de l'architecture italienne du Quattrocento et a atteint son apogée dans des œuvres telles que la chapelle Colleoni à Bergame (1475) de l'architecte Amadeo, ou dans la façade de l'église de Pavie Certosa, qu'il commença également (en 1491) (l'église fut construite en 1453 par l'architecte Guiniforte Solari et d'autres).
Les pousses d'une nouvelle manière toscane ont été acceptées ici lentement, et dès le dernier quart du XVe siècle. à Milan, il n'y avait que quelques bâtiments de ce genre, érigés par des Florentins en visite : l'Ospedale Maggiore de l'architecte Filarete, une succursale de la banque Médicis construite par Michelozzo et la chapelle Portinari qui lui est attribuée dans l'église médiévale de Sapt Eustorgio.
Loin d'être un représentant typique de l'art florentin, l'architecte et sculpteur Antonio Averlino (vers 1400-1467), connu sous le pseudonyme humaniste de Filarete, est venu à Milan à l'invitation du duc de Sforza et à partir de 1456. construit ici l'Ospedale Maggiore - un immense hôpital qui n'avait pas d'égal en Europe tant par sa taille que par son architecture : c'est le premier exemple d'une composition strictement symétrique avec de nombreuses cours, qui ne fut largement utilisée qu'aux XVIe et XVIIe siècles. dans des complexes palatiaux tels que l'Escorial et Versailles. Achevé (avec de nombreux changements dans le goût local) beaucoup plus tard par l'architecte G. Solari, l'Ospedale Maggiore surprend aujourd'hui le visiteur par l'ampleur et la beauté de ses cours entourées d'arcades à deux niveaux, qui furent le premier exemple à Milan de cette caractéristique. motif architectural de Florence. Outre les bâtiments de Filarete (dont la tour principale du château milanais ; 1451 -1454), son traité « Sforzinda » a également eu une influence significative sur ses contemporains, où les projets de villes idéales et de nombreuses variantes de compositions de structures centrées occupent une place importante. endroit spécial.
À Venise, l'architecture de la Renaissance proprement dite n'a commencé son développement qu'à la fin du XVe siècle. En conséquence, l’évolution de l’architecture vénitienne au cours de ce siècle se divise en deux étapes. La période jusqu'au dernier quart du XVe siècle. est appelé gothique vénitien, et le dernier quart de siècle est appelé début de la Renaissance vénitienne.
Un trait distinctif des édifices publics et privés riches de la Venise du XVe siècle. - palais des patriciens et des magnats du commerce, grands édifices religieux et publics (églises, écoles, procurations, bibliothèques) - pittoresque extraordinaire, richesse décorative, variété des formes, splendeur colorée, utilisation de matériaux de finition coûteux (marbre, smalt, dorure). Situés dans les quartiers les meilleurs et les plus confortables de la ville, face à sa principale voie navigable - le Grand Canal ou la mer, ces bâtiments, par leur splendeur, représentaient l'aspect cérémonial de la Venise patricienne. Étant donné que Venise et les régions voisines de l'Italie étaient pauvres en pierre, en particulier en pierres de finition, les bâtiments étaient construits en brique, suivis d'un revêtement avec des types de pierres coûteux importés par voie maritime d'autres pays. D'où le désir d'une telle combinaison et d'un tel traitement de ces matériaux qui révéleraient toutes leurs qualités naturelles les plus expressives.
Impact exceptionnellement important sur l’addition traits caractéristiques L'architecture vénitienne a été influencée par les conditions d'urbanisme de Venise. La construction de bâtiments n'était possible que sur des îles ou des parties peu profondes du lagon sur pilotis. Cela limitait considérablement la zone de développement globale et la taille des chantiers de construction individuels. Les maisons étaient proches les unes des autres et ne faisaient face aux rues ou aux canaux qu'avec des façades étroites. Cela a eu un impact significatif sur le désir des architectes d'un effet décoratif accru, d'une élaboration presque joaillière des détails architecturaux des façades, de l'utilisation généralisée de revêtements en marbre polychrome et d'une dissection fine des formes architecturales.
Par l'image artistique joyeuse et profondément optimiste des œuvres architecturales, par le pittoresque et la richesse de l'imagination avec lesquels les architectes vénitiens ont créé de nouvelles formes et utilisé l'héritage classique et médiéval, ainsi que par la capacité de relier l'architecture au paysage environnant, l'architecture vénitienne, comme la peinture et la sculpture vénitiennes, représente un phénomène tout à fait unique.
L'urbanisme et les conditions économiques de la Venise commerciale - une ville internationale avec son immense armée de travailleurs portuaires, de débardeurs, de marins et d'artisans - expliquent la formation de nouveaux types de bâtiments résidentiels : immeubles résidentiels bloqués, immeubles résidentiels occupés étage par étage. et avec commerces au rez-de-chaussée, dortoirs. Ces bâtiments résidentiels aux commodités minimales, à la surface au sol limitée, à l’apparence modeste et à la décoration simple constituaient le principal développement de la ville.
La protection naturelle et fiable de Venise, située sur les îles, la prospérité économique de la république et l'absence de conflits civils ont affecté l'architecture résidentielle, principalement parce que cette dernière n'a pas acquis un caractère fermé et serf. Dans les palais vénitiens, la cour était généralement très petite et ne pouvait pas remplir de fonctions représentatives, comme dans les palais toscans, mais au premier étage du bâtiment, il y avait généralement un grand vestibule avant et un certain nombre de salles spacieuses aux étages suivants s'ouvraient vers le façade principale avec de grandes ouvertures en trois parties et loggias. Ce centre de composition du bâtiment est généralement clairement mis en valeur sur la façade et est enrichi plastiquement de pilastres, de colonnes, d'arcades et de larges balcons à balustrades.
Quant à la construction d'immeubles d'habitation et de dortoirs, elle a été réalisée aux frais de l'État, d'associations caritatives et de citoyens philanthropiques privés et, comme le montre l'étude des bâtiments survivants, a été réalisée sur la base du même type d'aménagement des locaux. . Le type principal de ces bâtiments était un immeuble résidentiel de deux ou trois étages, reliés par des sections résidentielles identiques, avec une entrée indépendante depuis la rue et un escalier intérieur qui reliait les pièces supérieures aux pièces inférieures. L'appartement était généralement situé sur deux étages. Le premier étage abritait une cuisine, un garde-manger et une salle commune (salle à manger), tandis que le deuxième étage contenait deux ou trois salons. Si la maison avait trois étages, le troisième étage abritait le plus souvent un appartement indépendant, auquel menait un escalier séparé.
Parmi les bâtiments résidentiels vénitiens, il existait également un type de bâtiment résidentiel assez courant, inconnu en Toscane, avec des magasins au rez-de-chaussée et des escaliers disposés de manière à indiquer l'usage séparé de chaque étage.
La famille Lombardi, dirigée par Pietro Lombardi (1435 - 1515), sculpteur et architecte exceptionnel, a joué un rôle important dans la formation de l'architecture du début de la Renaissance à Venise. Un exemple de palais vénitien entièrement formé du début de la Renaissance est le palais Vendramin-Calergi construit par Pietro Lombardi à Venise (1481 - 1509). Le plan du palais avec une loggia d'entrée et un vestibule au rez-de-chaussée, avec de grandes salles d'apparat aux deux étages supérieurs situés au centre du bâtiment et entourés de petites pièces d'habitation et de service, reprend essentiellement le type de palais précédemment établi. . Mais les salles sont mises en valeur sur la façade de l'édifice non pas par une loggia, comme c'était le cas dans de nombreux palais gothiques de la première moitié du XVe siècle, mais par de grandes ouvertures cintrées et des balcons à balustrade.
Le palais Vendramin-Calergi est le premier palais de l'architecture de la Renaissance italienne, dont les murs sont divisés par des demi-colonnes plutôt que par des pilastres. Partant des principes de composition d'un palais florentin avec des murs divisés par ordre d'étage, Pietro Lombardi les combine avec le schéma traditionnel d'une façade de palais vénitien. Dans le même temps, le système tectonique rationnel du palais Vendramin-Calergi, avec sa transparence élégante, sa couleur et sa variété de formes, est en parfaite harmonie avec les premiers bâtiments vénitiens, sans violer leur unité stylistique.
Dans l'architecture de Venise, un rôle majeur a été joué par les bâtiments publics érigés par des confréries civiles caritatives, les soi-disant scuola, destinés à des réunions publiques, à des fins philanthropiques et éducatives. L'École Saint-Marc de Venise (1485-1495), construite à côté de l'église Saint-Jean-Paul II par les architectes Pietro Lombardi et Moro Coducci (vers 1440-1504), est l'un des plus grands édifices de ce type. Avec l'église médiévale, le bâtiment de la scuola forme une petite place. La partie surélevée de la façade de l'école, située plus près du canal, complète la composition de la place, tandis que la partie inférieure, adjacente à l'église, sert de lien entre l'école et l'église.
Le bâtiment rectangulaire de deux étages de la scuola était destiné à des fins éducatives, ainsi qu'à servir d'abri et d'hôpital. Au rez-de-chaussée, il y avait un grand hall d'entrée avec des halls attenants, des salles d'étude et des locaux de service. Au dernier étage se trouvaient une grande salle de réception et d’autres pièces plus petites regroupées asymétriquement le long d’un des longs côtés de la salle. Cette composition a affecté le système asymétrique à deux axes de construction de la façade principale, composée de deux parties : la principale avec le vestibule principal et le hall au-dessus et la secondaire avec des espaces de travail et de petites salles. Les éléments et détails de la façade, de nature Renaissance, découpée par un ordre de pilastres à deux niveaux et surmontée d'un attique aux extrémités semi-circulaires typiques de Venise, ainsi que son revêtement avec des dalles et des inserts en marbre vert, rouge et blanc, sont interprétés comme une sorte de décoration, à l’image des vêtements élégants du bâtiment. Comme les édifices gothiques de Venise, l'École de Saint-Marc révèle le même principe d'utilisation décorative des formes architecturales et, en particulier, des ordres. L'effet presque théâtral de la façade de l'école est également souligné par les reliefs en perspective placés entre les pilastres du premier étage.
L'édifice, achevé par l'architecte Antonio Rizzo (1430 - vers 1500) à la fin du XVe siècle, se distingue par sa richesse décorative exceptionnelle. la façade sur cour du Palais des Doges et l'escalier des Géants adjacent (les statues de cet escalier ont été installées au XVIe siècle).
Les deux architectes les plus éminents du début de la Renaissance à Venise, Pietro Lombardi et Moro Coducci, ont créé un certain nombre d'édifices religieux. La plupart des églises datent de la fin du XVe siècle. Les mêmes principes étaient utilisés dans les palais et les bâtiments publics. Cela a grandement contribué à la pénétration d’éléments profanes dans l’architecture religieuse.
L'église de Santa Maria dei Miracoli (1481-1489), construite et richement décorée par Pietro Lombardi et ses fils, est le premier édifice religieux du début de la Renaissance vénitienne. Il s'agit d'un petit édifice rectangulaire à nef unique, doté d'un autel carré recouvert d'une coupole sur voiles. L'unique nef de l'église, aménagée en grande salle d'apparat aux murs richement décorés d'incrustations de marbre, est couverte d'une légère voûte en berceau en bois suspendue à caissons peints. L'intérieur solennel de l'église ressemble aux salles des palais vénitiens. Les façades du bâtiment, tapissées de dalles de marbre blanc, noir et rouge, sont élégantes, colorées et inattendues dans la juxtaposition de diverses formes architecturales. Par exemple, les pilastres corinthiens sont placés au rez-de-chaussée et les pilastres ioniques à l'étage supérieur, ce qui ne correspond pas à la séquence de combinaisons d'ordres acceptée dans l'architecture de la Renaissance en Toscane. L'architrave du deuxième étage de la façade est séparée des arcades situées en dessous et ne repose pas sur celles-ci, ce qui souligne une fois de plus le caractère décoratif des formes d'ordre utilisées dans cette structure.
L'église de San Zaccaria (commencée en 1483), construite par Moro Coducci, offre un exemple d'un style architectural plus sobre. Son plan remonte aux basiliques gothiques à trois nefs avec un cercle autour de l'autel et une couronne de chapelles semi-circulaires adjacentes au cercle. Mais contrairement à eux, l'église ne possède pas de transept et ses chapelles, son chemin circulaire, sa niche d'autel et la partie centrale du trave du pré-autel ont des plafonds en forme de coupole. L'introduction de plafonds en forme de coupole, d'arcs de circonférence en plein cintre et de piliers d'ordre dans le système gothique de la basilique confère à son intérieur un aspect Renaissance, proche des édifices toscans. À l'intérieur, cette similitude se reflète dans la mise en valeur de détails d'ordre sombre, d'arcs en archivolte, de corniches, de courants d'air sur le fond clair du mur, et dans la sobriété générale de la décoration sans l'utilisation d'incrustations de marbre sur les murs, ce qui est habituel pour Venise.
Contrairement aux bâtiments de Pietro Lombardi, la façade principale de l'église, avec son système d'ordres à plusieurs niveaux en forme de pilastres, de demi-colonnes et un ordre complet placé contre le mur avec de fortes divisions horizontales, est plastique et monumentale. Les ordres de la façade, malgré leur élaboration plutôt sèche, ont des formes canoniques assez matures. Si dans l'œuvre de Pietro Lombardi prévalait le principe du traitement plan du volume et des intérieurs du bâtiment, rapprochant son œuvre des tendances décoratives de l'architecture du Moyen Âge toscan et du début de la Renaissance, alors dans l'apparence et la composition du Dans l'église de San Zaccaria, on peut sentir l'influence de cette tendance monumentale dans l'architecture du début de la Renaissance, dont les origines étaient associées à la créativité d'Alberti.
ARCHITECTURE RENAISSANCE
Le terme « Renaissance » appartient à George Vasari, peintre, sculpteur et architecte italien. Il croyait que la principale réalisation de cette époque était la renaissance du patrimoine antique. A cette époque, il y avait une orientation vers les traditions romaines, puisque c'est en Italie que de nombreux exemples d'architecture ancienne ont été conservés.
Le processus de développement de l’architecture de la Renaissance en Italie peut être divisé en quatre étapes :
Début de la Renaissance 420 - jusqu'à la fin du XVe siècle ;
Haute Renaissance fin XVe siècle – 1ère moitié du XVIe siècle ;
Fin de la Renaissance, émergence du classicisme, 2e moitié du XVIe siècle ;
baroque du 17ème siècle.
PREMIÈRE RENAISSANCE EN ITALIE
Les nouvelles tendances interagissent activement avec le gothique, le surmontant et le transformant de manière créative. Au début du XVe siècle, la ville-république de Florence, située à l'intersection des routes commerciales, devient le premier centre culturel, ce qui contribue au développement rapide du commerce, et avec lui de la science et de la culture.
CARACTÉRISTIQUES DE L'ARCHITECTURE DE LA PREMIÈRE RENAISSANCE
Caractère réaliste d'affirmation de la vie (utilisation de l'ancien système d'ordre, expression de sentiments terrestres dans les bâtiments) ;
Contenu laïc (L'essentiel dans la construction est la construction de structures civiles : palais - demeures urbaines de la noblesse, villas de campagne, refuges, bibliothèques et autres bâtiments culturels) ;
À partir de l’étude d’exemples anciens, commence l’épanouissement de la théorie de l’architecture ;
L'émergence de nouveaux équipements de construction ; la technologie et la mécanisation se développent (une grue avec un système de blocs a été inventée) ;
Les structures pointues cèdent la place à des voûtes cylindriques et croisées ;
Création de nouveaux ensembles architecturaux qui mettent l'accent sur les sentiments terrestres de l'homme, dans la composition desquels prédominent les horizontales centrées et organisées en perspective, plutôt que les aspirations verticales gothiques vers le haut.
ŒUVRE DE FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)
F. Brunelleschi est un architecte et artiste florentin, représentant typique du début de la Renaissance. Depuis 1403, il étudie les monuments antiques de Rome. La première œuvre de Brunelleschi, qui marqua par la suite le « récit » de l'époque de l'architecture de la Renaissance, fut la construction en 1420 de la coupole de l'église de Santa Maria del Fiore à Florence.
Le plus pièce élégante Début de la Renaissance, réalisé par le célèbre Brunelleschi - Chapelle Pazzi. Une autre œuvre de Brunelleschi est le Palais Pitti. Le Palazzo est le palais urbain de la noblesse. Il jouait le rôle d'une forteresse familiale. La construction du palais s'est déroulée du XVe siècle jusqu'à la fin de la Renaissance.
CARACTÉRISTIQUES CARACTÉRISTIQUES DU PALAIS :
Division horizontale claire des façades, selon le nombre d'étages ;
Large extension de corniche;
Formation d'une composition en plan autour d'une cour encadrée de galeries cintrées ;
Traitement des façades avec rustication (la rouille est une pierre avec une surface frontale grossièrement ébréchée ou convexe).
L'un des exemples les plus frappants de palais est le palais Médicis-Riccardi.
HAUTE RENAISSANCE
A la fin du XVe siècle, l'Italie reste en dehors des voies du nouveau monde. Les conditions nécessaires au développement de la construction n'étaient réunies qu'à Rome, la capitale de l'Église catholique.
La cour papale cherchait à accroître son importance par une pompe ostentatoire. La construction d'édifices religieux devient la tendance phare, tandis que l'architecture des parcs, jardins et villas de campagne se développe. Des architectes de différentes villes d'Italie sont impliqués dans la construction.
À la fin du XVe siècle, il ne restait plus à Rome qu'environ 70 000 habitants. Entre les parties peuplées de la ville se trouvent de vastes friches avec des ruines antiques. C'est exactement ainsi que Donato Bramante, invité de Milan en 1499, fonda Rome.
Le premier édifice romain de D. Bramante fut la cour de l'église de Santa Maria della Pace. L'une des œuvres romaines les plus magnifiques de Bramante était le petit temple de Tempietto, situé dans la cour de l'église de San Pietro in Montorio.
En 1503, sur ordre du pape JulesIIBramante, comme de nombreux architectes, peintres et sculpteurs exceptionnels de l'époque, a participé à la construction des palais du Vatican.
Bâtiment principal place du palais Le Vatican est la basilique Saint-Pierre. La conception de la cathédrale s'est déroulée en 6 étapes :
1452-1454 – projet de Bernando Rossellino;
1505 – Projet Bramante ;
1514 - projet de Raphael Santi ;
1536 - projet d'Antonio da Sangallo ;
1547 - Le projet de Michel-Ange ;
1607 – projet de D. Fontano, C. Moderna.
RENAISSANCE TARDIVE
On s'écarte de l'harmonie calme de la Haute Renaissance, les motifs gothiques prennent vie et l'expressivité des formes augmente.
La construction religieuse connaît à nouveau un développement généralisé. Les architectes abandonnent le type centré des édifices religieux et reviennent à la basilique ; dans l'aspect extérieur, une volonté de verticalité réapparaît.
Il y a une déception à l’égard des capacités humaines, du pouvoir de la connaissance et de la science. Une caractéristique essentielle du nouveau est la recherche d'une expressivité accrue et d'une architecture « sculpturale ». Cela était particulièrement évident dans le travail du grand sculpteur et architecte Michelangelo Buanorotti.
En général, l'architecture de la fin de la Renaissance se caractérise par une lutte entre deux directions :
L'un a posé les bases créatives du futur baroque ;
Un autre, développant la ligne de la Haute Renaissance, prépare la formation de l'ère du classicisme.
Une nouvelle ligne de développement de l'architecture en Italie dans la seconde moitié du XVIe siècle, lorsque les éléments baroques ont commencé à apparaître, a trouvé son expression la plus vivante dans l'œuvre de Michel-Ange.
A la fin du XVIe siècle, plusieurs architectes théoriques apparaissent : Giacomo Borozzi da Vignola, Andrea Palladio, Lion Batista Alberti.
En plus de ses travaux sur la théorie de l'architecture, Andrea Palladio s'est également engagé avec succès dans la conception pratique. Il construisit des palais et des villas dans différentes villes d'Italie. Ses bâtiments se distinguent par leur splendeur, mais pas par l'encombrement caractéristique du baroque. Les résultats de son travail sont le Palazzo Vendramina à Vicence et la Villa Rotonda.
Giacomo da Vignola était un théoricien et praticien de l'architecture, gravitant vers le style baroque, même si son œuvre contenait également des éléments classiques. Il devient le successeur de Michel-Ange lors de la construction de la cathédrale Saint-Pierre de Rome. Selon le projet de Vignola, deux dômes plus petits de la cathédrale ont été construits.
Vignola a construit plusieurs palais et villas, mais leur architecture est insignifiante. En matière de construction religieuse, l'église Il Gesu à Rome est intéressante. Giacomo da Vignola possède des bâtiments tels que le palais Farnèse à Caprarola, la villa du pape JulesIIIà Rome.
CARACTÉRISTIQUES CARACTÉRISTIQUES DE LA RENAISSANCE TARDIVE
Des villas et des palais continuent d'être construits ;
Dans la construction religieuse, on assiste à un retour partiel aux basiliques ;
Les palais changent : d'un château-forteresse à une belle demeure urbaine confortable ;
Des travaux théoriques sur l'architecture se créent ;
La Renaissance prépare la transition vers les styles baroque et classicisme.