Διάσημοι ΆγγλοιΚαλλιτέχνες - Διάσημοι Άγγλοι καλλιτέχνες
William Hogarth (1697-1764) ήταν ο πρώτος άνθρωπος που μεγάλωσε (1)Βρετανοί εικαστική τέχνη (2)σε επίπεδο σπουδαιότητας. Γεννήθηκε στο Λονδίνο. Ο πατέρας του ήταν σχολάρχης. Τα πρώτα του γεύση για σχέδιο (3)ήταν αξιοσημείωτος και μετά το σχολείο κανονικός για την ημέρα του μαθήτευσε (4)σε ένα ασημένιο πιάτο χαράκτης (5).
Την επιτυχία του απέδωσε στη σκληρή δουλειά, «δεν γνωρίζω κάτι τέτοιο όπως ιδιοφυΐα», έγραψε - «ιδιοφυΐα είναι τίποτα άλλο παρά (6)εργασία και επιμέλεια (7)’.
Ο Χόγκαρθ ζωγράφισε πολλές εικόνες. Το συμβόλαιο γάμουείναι η πρώτη από τη σειρά των εικόνων του που σχηματίζουν το διάσημο «Marriage a la mode» (8). Και οι δύο πατέρες στην εικόνα κάθονται στα δεξιά. Ένας, ένας κόμης, με σημεία υπερηφάνειας για το γενεαλογικό του δέντρο. ο άλλος, πιθανότατα γερουσιαστής του Σίτι του Λονδίνου, εξετάζει τον διακανονισμό του γάμου. Ο γιος του Κόμη θαυμάζει τον εαυτό του στον υαλοπίνακα. η κόρη του δημογέροντα ψιθυρίζει με τη βέρα της και ακούει τις ευχές ενός νεαρού δικηγόρου.
Το θέμα της εικόνας είναι μια διαμαρτυρία ενάντια στον γάμο για χρήματα και ματαιοδοξία (9). Ο Hogarth ήταν ο πρώτος μεγάλος Άγγλος καλλιτέχνης.
Ο Sir Joshua Reynolds (1723-1792), ο πρώτος Πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας, δεν ήταν μόνο ζωγράφος, αλλά και ο θεμελιωτής των ακαδημαϊκών αρχών ενός Βρετανική Σχολή.
Το δικό του έργο επηρεάστηκε από τους Ενετούς, Titian (10)και Veronese (11). Το πάθος του για πλούσιους βάθος σκιών (12)ήταν τυχερός? για να το αποκτήσει χρησιμοποίησε άσφαλτο.
Η τρίτη μεγάλη φιγούρα, της ζωγραφικής του 18ου αιώνα - ο Thomas Gainsborough (1727-1788) - γεννήθηκε το 1727 στη μικρή αγορά της πόλης Sudbury στο Suffolk.
Ο Gainsborough είχε ελάχιστη ακαδημαϊκή κατάρτιση, έμαθε να ζωγραφίζει όχι κάνοντας βόλτες στο στούντιο, αλλά παρατηρώντας τον πραγματικό κόσμο. Οι χαριτωμένες πόζες και οι ασημί τόνοι του Van Dyck τον γοήτευσαν και έπαιξαν μεγάλο ρόλο στον καθορισμό της ανάπτυξης της ικανότητάς του. Ίσως το πιο γνωστό σήμερα από όλα τα πορτρέτα του Gainsborough είναι το διάσημο Blue Boy.
Αλλά περιέργως (13)αρκετά ήταν ελάχιστα γνωστό στην εποχή του Gainsborough και δεν υπάρχει σαφείς πληροφορίες (14), σχετικά με την ημερομηνία του πίνακα. Είναι ένα πορτρέτο σε μια συνήθεια του Van Dyck (15). Υπάρχει η άποψη ότι ο Gainsborough ζωγράφισε Το Μπλε Αγόριπροκειμένου να διαπιστωθεί η παρατήρηση που είχε επισημάνει στο α διαφωνία (16)με τον Ρέινολντς και άλλους ζωγράφους, όταν αυτός διατηρείται (17)ότι η κυρίαρχη (18)το χρώμα σε μια εικόνα πρέπει να είναι μπλε. Η φωτογραφία του Το εξοχικό κορίτσι με το σκύλο και τη στάμνα τράβηξε τη γενική προσοχή (19). Η εικόνα που αναπαριστά ένα μικρό επαρχιακό κορίτσι εκτέθηκε για πρώτη φορά το 1814. η εύκολη πόζα του κοριτσιού, η φυσική στροφή του κεφαλιού της και η έκφραση του προσώπου της κάνουν α αληθινός στη ζωή (20)εικόνα.
Ο Gainsborough πάντα θεωρούσε τον εαυτό του ως τοπιογράφο, αλλά διχάστηκε από την πραγματική του αγάπη από την ανάγκη να ζωγραφίσει πορτρέτα για για να κερδίσει τα προς το ζην (21).
Ήταν ο πρώτος που εισαγάγω (22)λυρική ελευθερία στη βρετανική ζωγραφική. Το επίτευγμά του έγκειται στην ανακάλυψη της ομορφιάς του τοπίου της πατρίδας του.
Ο William Hogarth ήταν ο πρώτος που ανέβασε τη βρετανική τέχνη στο σωστό επίπεδο. Γεννήθηκε στο Λονδίνο. Ο πατέρας του ήταν δάσκαλος σε σχολείο. Η πρώιμη ικανότητα του στο σχέδιο ήταν εντυπωσιακή και μετά τα μαθήματά του εκπαιδεύτηκε ως χαράκτης αργύρου.
Η επιτυχία του είναι σκληρή δουλειά, «Ξέρω ότι δεν υπάρχει ιδιοφυΐα», έγραψε, «η ιδιοφυΐα δεν είναι τίποτα άλλο από δουλειά και επιμέλεια».
Ο Χόγκαρθ ζωγράφισε πολλές εικόνες. " Συμβόλαιο γάμου" - ο πρώτος από μια σειρά έργων ζωγραφικής που αποτελεί τον διάσημο κύκλο "Fashionable Marriage". Στον πίνακα, και οι δύο γονείς απεικονίζονται στα δεξιά. Ο ένας από αυτούς, ένας κόμης, επισημαίνει περήφανα την γενεαλογία του, ο άλλος, ίσως μέλος του Σίτι του Λονδίνου, μελετά μια συμφωνία γάμου Ο γιος ενός κόμη απολαμβάνει την εμφάνισή του στον καθρέφτη, η κόρη ενός μέλους του δημοτικού συμβουλίου στριφογυρίζει ένα δαχτυλίδι στα χέρια της και ακούει τα κομπλιμέντα ενός νεαρού δικηγόρου.
Το θέμα αυτής της εικόνας είναι μια διαμαρτυρία κατά του γάμου για χάρη των χρημάτων και της αλαζονείας. Ο Hogarth ήταν ο πρώτος διάσημος Άγγλος καλλιτέχνης.
Ο Sir Joshua Reynolds, ο πρώτος Πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας, δεν ήταν μόνο καλλιτέχνης, αλλά και ο ιδρυτής των ακαδημαϊκών αρχών». βρετανικό σχολείο".
Οι δικοί του πίνακες επηρεάστηκαν σημαντικά από τους Ενετούς Τιτσιάνο και Βερονέζ. Η γοητεία του με τον πλούτο των σκιωδών αντιθέσεων ήταν επιτυχής. για να το πετύχει αυτό χρησιμοποίησε ρητίνη βράχου.
Το τρίτο διάσημο πρόσωπο του 18ου αιώνα. Εκεί ήταν ο Thomas Gainsborough, ο οποίος γεννήθηκε το 1727 στη μικρή πόλη Sudbury στην κομητεία Safolk.
Ο Gainsborough δεν έλαβε πλήρη ακαδημαϊκή εκπαίδευση. Έμαθε να σχεδιάζει όχι δουλεύοντας προσεκτικά στο στούντιο, αλλά στοχαζόμενος πραγματικό κόσμο. Οι μεγαλειώδεις πόζες και οι ασημί αποχρώσεις στους πίνακες του Van Dyck τον γοήτευσαν και επηρέασαν πολύ την περαιτέρω ανάπτυξη της δεξιότητάς του. Προφανώς, το πιο σημαντικό από τα έργα του Gainsborough είναι το πορτρέτο «The Boy in Blue».
Είναι αρκετά ενδιαφέρον ότι αυτό το έργο δεν ήταν ευρέως γνωστό κατά τη διάρκεια της ζωής του Gainsborough, επομένως η ακριβής ημερομηνία αυτού του πίνακα είναι άγνωστη. Αυτό είναι ένα πορτρέτο στο στυλ του Van Dyck. Υπάρχει η άποψη ότι ο Gainsborough ζωγράφισε το "The Boy in Blue" για να υπερασπιστεί την άποψή του σε μια πολεμική με τον Van Dyck και άλλους καλλιτέχνες ότι το μπλε χρώμα κυριαρχεί στην εικόνα. Ο πίνακας του «Country Girl with a Dog and a Mug» τράβηξε την προσοχή του κοινού. Ο πίνακας, που απεικονίζει ένα κοριτσάκι από το χωριό, εκτέθηκε για πρώτη φορά το 1814. Η απλή εμφάνιση του κοριτσιού, η φυσική κίνηση του κεφαλιού της και η έκφραση του προσώπου της έκαναν αυτή την εικόνα ρεαλιστική.
Ο Gainsborough πάντα θεωρούσε τον εαυτό του τοπιογράφο, αλλά αναγκάστηκε να εγκαταλείψει το πραγματικό του πάθος για τα τοπία και ζωγράφιζε πορτρέτα για να κερδίσει τα προς το ζην.
Πρωτοστάτησε στη λυρική ελευθερία στη βρετανική τέχνη. Η επιτυχία του βασίζεται στη μελέτη της ομορφιάς της φυσικής του φύσης.
Λεξιλόγιο
1. να είσαι ο πρώτος άνθρωπος που μεγάλωσε - να είσαι ο πρώτος καλλιτέχνης που μεγάλωσε
2. εικαστική τέχνη - καλές τέχνες
3. γούστο για σχέδιο – κλίση στο σχέδιο
4. να μαθητευτείς - να είσαι βοηθός, μαθητής πλοιάρχου
5. χαράκτης - χαράκτης
6. τίποτα αλλά - εδώ: τίποτα περισσότερο από
7. επιμέλεια - επιμέλεια
8. "marriage a la mode" - (γαλλική) σειρά έργων ζωγραφικής "fashionable wedding"
9. ματαιοδοξία - αλαζονεία, ματαιοδοξία
10. Titian - Titian Vecellio (1477-1576), διάσημος Ιταλός καλλιτέχνης
11. Veronese Paolo - Veronese Paolo (1528-1588), διάσημος Ιταλός καλλιτέχνης
12. βάθος σκιών - αντιθέσεις σκιών
13. περιέργως - ενδιαφέρον
14. οριστική πληροφορία - ορισμένη πληροφορία
15. σε μια συνήθεια του Βαν Ντάικ - με τον τρόπο του Βαν Ντάικ
16. διαφωνία – συζήτηση
17. διατηρώ - διεκδικώ, υπερασπίζομαι
18. κυρίαρχος - αυτό που επικρατεί, κυρίαρχο
19. για να προσελκύσει τη γενική προσοχή - να προσελκύσει τη γενική προσοχή
20. αληθινός στη ζωή - εδώ: έμψυχο, ρεαλιστικό
21. για να κερδίσετε τα προς το ζην - κερδίστε τα προς το ζην
22. εισάγω - εισάγω
Ερωτήσεις
1. Ποιος ήταν ο πρώτος Άγγλος καλλιτέχνης του 17ου-18ου αιώνα;
2. Ποιο είναι το θέμα της εικόνας του Hogarth The Marriage Contract;
3. Ποιος ήταν ο πρώτος Πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας;
3. Ποιες φωτογραφίες του Gainsborough γνωρίζετε;
4. Ο Gainsborough ζωγράφιζε μόνο πορτρέτα;
5. Ποιο είναι το χρώμα που κυριαρχεί στις φωτογραφίες του;
Μοντέρνο Άγγλοι καλλιτέχνεςελάχιστα γνωστό στους Ρώσους λάτρεις της τέχνης. Επιτρέψτε μου να σας παρουσιάσω τους πίνακες του καταπληκτικού καλλιτέχνη Russ Mills ( Russ Mills) από το Kingsbridge, UK. Το έργο του εμπίπτει μεταξύ της αστικής καλών τεχνών, της τέχνης του δρόμου και των σύγχρονων γραφικών.
Παρά την μάλλον προοδευτική τεχνική ζωγραφικής του, ο Ρας Μιλς δεν είναι καθόλου νέος. Γεννήθηκε το 1952 στο Γιορκσάιρ. Αυτή είναι μια αρκετά ευέλικτη και δημιουργική προσωπικότητα. Ο Ρας, εκτός από τη ζωγραφική, παίζει στο μουσικό έργο «Undark» και δημιουργεί εγκαταστάσεις πολυμέσων, ενώ διδάσκει επίσης στο Royal College of Art, Σχολή Τέχνης της Γλασκώβης. Με πρόσκληση δίνει διαλέξεις σε άλλα πανεπιστήμια στο Ηνωμένο Βασίλειο και στο εξωτερικό.
Αυτό σύγχρονα αγγλικάεπικεντρώνεται κυρίως στην ανθρώπινη μορφή, ιδιαίτερα στα πρόσωπα, συνυφασμένα με στοιχεία από το ζωικό βασίλειο, αντανακλώντας συχνά τον παραλογισμό της ανθρώπινης φύσης. Κατά τη διάρκεια της μακράς δημιουργικής του ζωής, ο Russ Mills εργάστηκε στη γραφιστική σχεδίαση μουσικών άλμπουμ διασημοτήτων όπως οι Nine Inch Nails, Roger Eno, Japan, Harold Budd και Brian Eno, David Sylvian, Michael Brook και The Overload. Μπορούν να χρησιμοποιηθούν γραφικά έργα του. ως πίνακες ζωγραφικής για το εσωτερικό μουσικών κλαμπ, μπαρ ακόμα και γραφείων. Η εκφραστικότητα και η δυναμική τους θα τονίσουν τέλεια το εσωτερικό ενός δωματίου στο οποίο η ζωή βρίσκεται συνεχώς σε πλήρη εξέλιξη.
Καλλιτέχνες από ποια χώρα συνέβαλαν ιδιαίτερα στην ανάπτυξη της παγκόσμιας ζωγραφικής;
Όταν τίθεται αυτή η ερώτηση, οι Γάλλοι καλλιτέχνες θυμούνται συχνά. Περισσότερο . Και κανείς δεν αμφιβάλλει καθόλου για την επιρροή.
Αλλά αν πάρουμε τον 18ο αιώνα και τις αρχές του 19ου, τότε είναι σημαντικό να σημειώσουμε τα πλεονεκτήματα Άγγλοι καλλιτέχνες.
Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, αρκετοί φωτεινοί δάσκαλοι εργάστηκαν στη χώρα του Foggy Albion, ο οποίος άλλαξε ριζικά την παγκόσμια τέχνη.
1. William Hogarth (1697-1764)
Ουίλιαμ Χόγκαρθ. Αυτοπροσωπογραφία. 1745 Tate British Gallery, Λονδίνο Ο Χόγκαρθ έζησε δύσκολες στιγμές. Στις αρχές του 18ου αιώνα μόλις αναδυόταν στην Αγγλία η αστική κοινωνία, η οποία αντικατέστησε τη φεουδαρχική.
Οι ηθικές αξίες ήταν ακόμα κλονισμένες. Με κάθε σοβαρότητα, το προσωπικό συμφέρον και ο πλουτισμός με κάθε μέσο θεωρούνταν αρετές. Ακριβώς όπως στη δεκαετία του '90 του 20ού αιώνα στη Ρωσία.
Ο Χόγκαρθ αποφάσισε να μην μείνει σιωπηλός. Και προσπάθησε να ανοίξει τα μάτια των συμπατριωτών του στην παρακμή των ηθικών αξιών. Με τη βοήθεια ζωγραφικής και χαρακτικής.
Ξεκίνησε με μια σειρά από πίνακες που ονομάζονταν «Πόρνη Καριέρα». Δυστυχώς, οι πίνακες δεν έχουν σωθεί. Απομένουν μόνο τα χαρακτικά.
Ουίλιαμ Χόγκαρθ. Καριέρα πόρνης: Παγιδευμένη από έναν μαστροπό. Χαρακτική. 1732 Αυτή είναι μια αληθινή ιστορία για μια χωριατοπούλα, τη Μαίρη, που ήρθε στην πόλη για να αναζητήσει την τύχη της. Όμως έπεσε στα νύχια ενός γέρου μαστροπού. Αυτή τη σκηνή τη βλέπουμε στο πρώτο χαρακτικό. Έχοντας γίνει μια συγκρατημένη γυναίκα, πέρασε τη σύντομη ζωή της ανάμεσα σε κοινωνικούς απόκληρους.
Ο Hogarth μετέφρασε σκόπιμα τους πίνακές του σε χαρακτικά για να τους διανείμει ευρέως. Έτσι προσπάθησε να προσεγγίσει όσο το δυνατόν περισσότερους ανθρώπους.
Επιπλέον, ήθελε να προειδοποιήσει όχι μόνο φτωχά κορίτσια όπως η Μαίρη. Αλλά και αριστοκράτες. Αν κρίνουμε από τη σειρά έργων του «Fashionable Marriage».
Η ιστορία που περιγράφεται σε αυτό ήταν πολύ χαρακτηριστική για εκείνη την εποχή. Ένας φτωχός αριστοκράτης παντρεύεται την κόρη ενός πλούσιου εμπόρου. Αλλά αυτό είναι απλώς μια συμφωνία που δεν συνεπάγεται ένωση καρδιών.
Ο πιο διάσημος πίνακας αυτής της σειράς, «Tet-a-Tete», καταδεικνύει το κενό της σχέσης τους.
Ουίλιαμ Χόγκαρθ. Μοντέρνος γάμος. Τετ-α-Τετ. 1743 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο Η σύζυγος διασκέδαζε με τους καλεσμένους όλο το βράδυ. Και ο σύζυγος σκόνταψε σπίτι μόνο το πρωί, συντετριμμένος από το γλέντι (αν κρίνουμε από το σημείο στο λαιμό του, ήταν ήδη άρρωστος με σύφιλη). Η Κόμισσα σηκώνεται πρόχειρα και είναι έτοιμος να χασμουριαστεί. Το πρόσωπό της δείχνει πλήρη αδιαφορία για τον άντρα της.
Και δεν είναι περίεργο. Ξεκίνησε μια σχέση στο πλάι. Η ιστορία θα τελειώσει δυστυχώς. Ο σύζυγος θα βρει τη γυναίκα του στο κρεβάτι με τον εραστή της. Και θα μαχαιρωθεί με σπαθί σε μια μονομαχία. Ο εραστής θα σταλεί στην αγχόνη. Και η κόμισσα θα αυτοκτονήσει.
Ο Χόγκαρθ δεν ήταν απλώς ένας σκιτσογράφος. Η ικανότητά του είναι πολύ υψηλή. Πολύπλοκοι και αρμονικοί χρωματικοί συνδυασμοί. Και επίσης απίστευτη εκφραστικότητα. Μπορείτε εύκολα να «διαβάσετε» τους πίνακές του, καταλαβαίνοντας ποιες είναι οι σχέσεις μεταξύ των ανθρώπων.
Ουίλιαμ Χόγκαρθ. Μοντέρνος γάμος. Μονομαχία και θάνατος του κόμη. 1743 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου Τα πλεονεκτήματα του Hogarth είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθούν. Άλλωστε, αυτός επινόησε κριτικός ρεαλισμός. Κανείς πριν από αυτόν δεν είχε ποτέ απεικονίσει τόσες πολλές συγκρούσεις και κοινωνικά δράματα στη ζωγραφική.
Ο Ρέινολντς δεν ανακάλυψε ξανά τον τροχό. Έθεσε όμως πολύ υψηλά πρότυπα για όλους τους Ευρωπαίους καλλιτέχνες.
3. Thomas Gainsborough (1727-1788)
Thomas Gainsborough. Αυτοπροσωπογραφία. 1758-1759 National Portrait Gallery, Λονδίνο Ο Gainsborough μπορεί δικαίως να ονομαστεί ο πιο διάσημος Άγγλος καλλιτέχνης του 18ου αιώνα. Έζησε την ίδια εποχή με τον Ρέινολντς. Ήταν αντίπαλοι.
Η διαφορά μεταξύ Reynolds και Gainsborough είναι ορατή με γυμνό μάτι. Το πρώτο έχει κόκκινες και χρυσές αποχρώσεις. μεγαλοπρεπείς, επίσημες εικόνες.
Το Gainsborough έχει ασημί μπλε και λαδοπράσινες αποχρώσεις. Καθώς και αέρινα και οικεία πορτρέτα.
Thomas Gainsborough. Πορτρέτο μιας κυρίας σε μπλε. 1778-1782 , Αγία Πετρούπολη Όλα αυτά τα βλέπουμε στο πορτρέτο «Lady in Blue». Χωρίς ένταση συναισθημάτων. Απλά μια όμορφη, ευγενική εικόνα. Για να πετύχει αυτό το αποτέλεσμα, ο Gainsborough δούλεψε με ένα λεπτό πινέλο μήκους σχεδόν 2 μέτρων!
Ο Gainsborough πάντα θεωρούσε τον εαυτό του πρωτίστως τοπιογράφο. Όμως η ανάγκη να κερδίσει χρήματα τον ανάγκασε να ζωγραφίζει πορτρέτα κατά παραγγελία. Κατά ειρωνικό τρόπο, έγινε διάσημος και έμεινε στην ιστορία ακριβώς ως προσωπογράφος.
Όμως ο καλλιτέχνης συμβιβάστηκε με τον εαυτό του. Συχνά απεικονίζει θέματα στην αγκαλιά της φύσης. Συνδυάζει ένα μισητό πορτρέτο και ένα αγαπημένο τοπίο.
Thomas Gainsborough. Πορτρέτο του κυρίου και της κυρίας Hallett (Πρωινός περίπατος). 1785 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο Οι πελάτες δεν μπορούσαν να αποφασίσουν ποιος από τους δύο προσωπογράφους τους άρεσε περισσότερο. Και οι αριστοκράτες παρήγγειλαν πορτρέτα τόσο από τον Reynolds όσο και από τον Gainsborough. Ήταν πολύ διαφορετικοί. Αλλά ως προς τη δύναμη των έργων δεν ήταν κατώτερα το ένα από το άλλο.
Αλλά σε αντίθεση με τον Ρέινολντς, ο αντίπαλός του προσελκύθηκε επίσης απλοί άνθρωποι. Με το ίδιο πάθος ζωγράφιζε και τη δούκισσα και τον κοινό.
Thomas Gainsborough. Κορίτσι με τους χοίρους. 1782 Ιδιωτική συλλογή Ο Ρέινολντς αντάλλαξε τον πίνακα του «Κορίτσια με Γουρούνια» με έναν συλλέκτη με έναν πίνακα που είχε. Πιστεύοντας ότι αυτό είναι καλύτερη δουλειάτον αντίπαλό του.
Τα έργα του Gainsborough είναι μοναδικά στην ποιότητά τους. Υπάρχουν και κρυφές πινελιές που από απόσταση ζωντανεύουν και αναπνέουν αυτό που συμβαίνει.
Αυτές είναι ομαλές, σκιασμένες γραμμές. Λες και όλα γίνονται σε υγρό αέρα, όπως είναι στην Αγγλία.
Και, φυσικά, ένας ασυνήθιστος συνδυασμός πορτρέτου και τοπίου. Όλα αυτά ξεχωρίζουν τον Gainsborough από πολλούς άλλους προσωπογράφους της εποχής του.
4. Ουίλιαμ Μπλέικ (1757-1827)
Τόμας Φίλιπς. Πορτρέτο του William Blake. 1807 National Portrait Gallery, Λονδίνο Ο William Blake ήταν ένας εξαιρετικός άνθρωπος. Από την παιδική του ηλικία, τον επισκέπτονταν μυστικιστικά οράματα. Και όταν μεγάλωσε, έγινε αναρχικός. Δεν αναγνώριζε νόμους και ηθική. Πιστεύοντας ότι έτσι καταπιέζεται η ανθρώπινη ελευθερία.
Δεν αναγνώριζε ούτε τη θρησκεία. Θεωρώντας το ως τον κύριο περιοριστή των ελευθεριών. Φυσικά τέτοιες απόψεις αποτυπώνονταν στα έργα του. «Ο Αρχιτέκτονας του Κόσμου» είναι η οξεία επίθεσή του στον Χριστιανισμό.
Ουίλιαμ Μπλέικ. Σπουδαίος αρχιτέκτονας. Χειροποίητη χαλκογραφία. 36 x 26 εκ. 1794 Βρετανικό μουσείο, Λονδίνο Ο Δημιουργός κρατά μια πυξίδα, χαράσσοντας όρια για τον άνθρωπο. Όρια που δεν πρέπει να ξεπεραστούν. Κάνοντας τη σκέψη μας περιορισμένη, ζώντας μέσα σε στενά όρια.
Για τους συγχρόνους του, το έργο του ήταν υπερβολικά ασυνήθιστο, επομένως δεν έλαβε ποτέ αναγνώριση κατά τη διάρκεια της ζωής του.
Κάποιοι είδαν στα έργα του προφητείες και μελλοντικές ανατροπές. Αντιλαμβανόμενος τον Μπλέικ ως μακάριο, ο άντρας δεν είναι ο εαυτός του.
Όμως ο Μπλέικ δεν ανακηρύχθηκε ποτέ επίσημα τρελός. Εργάστηκε γόνιμα σε όλη του τη ζωή. Και ήταν ένας γρύλος όλων των επαγγελμάτων. Ήταν επίσης εξαιρετικός χαράκτης. Και ένας λαμπρός εικονογράφος. Έχοντας δημιουργήσει απίστευτες ακουαρέλες για " Θεία Κωμωδία» Δάντης.
Ουίλιαμ Μπλέικ. Μια δίνη εραστών. 1824-1727 Εικονογράφηση για τη Θεία Κωμωδία του Δάντη Το μόνο κοινό που είχε ο Μπλέικ με την εποχή του ήταν η μόδα για οτιδήποτε τρομερό και υπέροχο. Άλλωστε στην Αγγλία του 19ου αιώνα γιορτάζονταν ο ρομαντισμός και τα παραμυθένια μοτίβα.
Ως εκ τούτου, ο πίνακας του "Το πνεύμα του ψύλλου" ταιριάζει καλά γενική σειράέργα εκείνων των χρόνων.
Ουίλιαμ Μπλέικ. Φάντασμα ενός ψύλλου. 1819 Τέμπερα, χρυσός, ξύλο. 21 x 16 εκ. Tate Britain, Λονδίνο Ο Μπλέικ ισχυρίστηκε ότι είδε την ψυχή του αιμοβόρου. Τοποθετήθηκε όμως σε έναν μικροσκοπικό ψύλλο. Αν αυτή η ψυχή κατοικούσε σε έναν άνθρωπο, θα χυόταν πολύ αίμα.
Ο Μπλέικ γεννήθηκε σαφώς πριν από την εποχή του. Το έργο του μοιάζει τρομερά με το έργο των Συμβολιστών και των Σουρεαλιστών του 20ού αιώνα. Θυμήθηκαν αυτόν τον δάσκαλο 100 χρόνια μετά τον θάνατό του. Έγινε το είδωλό τους και ο εμπνευστής τους.
5. John Constable (1776-1837)
Ramsay Reinagle. Πορτρέτο του John Constable. 1799 National Portrait Gallery, Λονδίνο Παρά αριστοκρατική εμφάνισηΟ αστυφύλακας ήταν γιος μυλωνά. Και του άρεσε να δουλεύει με τα χέρια του. Ήξερε να οργώνει, να χτίζει φράχτες και να ψαρεύει. Ίσως γι' αυτό τα τοπία του στερούνται πάθους. Είναι φυσικά και ρεαλιστικά.
Πριν από αυτόν, καλλιτέχνες ζωγράφιζαν αφηρημένα τοπία, συχνά ιταλικά. Αλλά ο Constable έγραφε για μια συγκεκριμένη περιοχή. Ένα πραγματικό ποτάμι, ένα εξοχικό σπίτι και δέντρα.
Τζον Κόνσταμπλ. Κάρο με σανό. 1821 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου Το «Hay Wagon» του είναι το πιο διάσημο αγγλικό τοπίο. Ήταν αυτό το έργο που είχε δει κάποτε το γαλλικό κοινό στην Έκθεση του Παρισιού το 1824.
Ιδιαίτερη εντύπωση έκαναν οι νέοι. Ποιος είδε σε αυτή την εικόνα τι προσπαθούσαν οι ίδιοι. Χωρίς ακαδημαϊκό πομπό. Χωρίς αρχαία ερείπια ή εντυπωσιακά ηλιοβασιλέματα. Αλλά μόνο η καθημερινότητα αγροτικές περιοχές. Όμορφο στη φυσικότητα του.
Μετά από αυτή την έκθεση, ο Constable πούλησε έως και 20 πίνακές του στο Παρίσι. Στην πατρίδα του, την Αγγλία, τα τοπία του δεν αγοράστηκαν σχεδόν ποτέ.
Αλλά σε αντίθεση με τον Gainsborough, σπάνια άλλαζε πορτρέτα για να κερδίσει χρήματα. Συνεχίζει να βελτιώνεται ειδικά στη ζωγραφική τοπίου.
Για να το κάνει αυτό, μελέτησε τα φυσικά φαινόμενα από επιστημονική άποψη. Και ήξερε να επιλέγει αποχρώσεις πολύ κοντά σε αυτές που υπάρχουν στη φύση. Ήταν ιδιαίτερα καλός στον ουρανό, στις αντιθέσεις των φωτεινών και των σκοτεινών νεφών.
John Constable. Καθεδρικός ναόςΣόλσμπερι. Θέα από τον κήπο του επισκόπου. 1826 Frick Collection, Νέα Υόρκη Αλλά ο Constable είναι διάσημος όχι μόνο για τους εκπληκτικά ρεαλιστικούς πίνακές του. Αλλά και με τα σκίτσα μου.
Ο καλλιτέχνης δημιούργησε ένα σκίτσο του ίδιου μεγέθους με τον μελλοντικό πίνακα. Δουλεύοντας στο ύπαιθρο. Ήταν τεχνογνωσία. Και αυτή ακριβώς τη μέθοδο εργασίας θα ακολουθήσουν αργότερα οι ιμπρεσιονιστές.
John Constable. Βάρκα και θυελλώδης ουρανός. 1824-1828 Royal Art Collection, Λονδίνο Αλλά ο Constable έγραφε συχνά ολοκληρωμένα έργα στο στούντιο από αυτά τα σκίτσα. Αν και ήταν πιο δημοφιλή στο κοινό εκείνης της εποχής, δεν ήταν τόσο ζωηρά και γεμάτα κίνηση όσο τα σκίτσα.
Στο σπίτι, το μεγαλείο του αστυφύλακα έγινε αντιληπτό μόλις τον 20ο αιώνα. Μέχρι σήμερα είναι ένας από τους πιο αγαπημένους καλλιτέχνες στην Αγγλία. Μπορούμε να πούμε ότι οι Ρώσοι αντιμετωπίζουν με τον ίδιο τρόμο.
6. Ουίλιαμ Τέρνερ (1775-1851)
Ουίλιαμ Τέρνερ. Αυτοπροσωπογραφία. 1799 Tate British Gallery, Λονδίνο Ο Άγγλος καλλιτέχνης William Turner κατάφερε να γίνει διάσημος στα νιάτα του και να γίνει ακαδημαϊκός των τεχνών. Σχεδόν αμέσως άρχισε να αποκαλείται «καλλιτέχνης του φωτός». Γιατί ο ήλιος ήταν συχνά παρών στους καμβάδες του.
Αν κοιτάξετε τα τοπία άλλων καλλιτεχνών, σπάνια θα δείτε τον ήλιο. Είναι πολύ φωτεινό.
Αυτή η φωτεινότητα είναι δύσκολο να απεικονιστεί. Χτυπάει τα μάτια σου. Διαστρεβλώνει τα πάντα γύρω. Αλλά ο Turner δεν το φοβόταν αυτό. Σχεδιάζοντας τον ήλιο τόσο στο ζενίθ όσο και στο ηλιοβασίλεμα. Τυλίγοντας με τόλμη τα πάντα γύρω του με φως.
Ουίλιαμ Τέρνερ. Λιμάνι στη Διέππη. 1826 Frick Collection, Νέα Υόρκη, Η.Π.Α Όμως ο Τέρνερ, αν και ήταν ακαδημαϊκός και εκτιμούσε τον τίτλο του, δεν μπορούσε παρά να πειραματιστεί. Είχε ένα εξαιρετικό και ευκίνητο μυαλό.
Επομένως, μετά από μερικές δεκαετίες, το έργο του εξελίχθηκε πολύ. Υπάρχουν όλο και λιγότερες λεπτομέρειες σε αυτά. Όλο και περισσότερο φως. Όλο και περισσότερες αισθήσεις.
Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες εκείνης της εποχής είναι «Το τελευταίο ταξίδι του γενναίου πλοίου».
Εδώ βλέπουμε λίγη αλληγορία. Τα ιστιοφόρα αντικαθίστανται από ατμόπλοια. Μια εποχή αντικαθιστά μια άλλη. Ο ήλιος δύει και ο μήνας βγαίνει για να τον αντικαταστήσει (πάνω αριστερά).
Ουίλιαμ Τέρνερ. Το τελευταίο ταξίδι του πλοίου Brave. 1838 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου Εδώ ο ήλιος εξακολουθεί να κυριαρχεί. Το ηλιοβασίλεμα καταλαμβάνει το ήμισυ της εικόνας. Και στα επόμενα έργα ο καλλιτέχνης φτάνει σχεδόν στην αφαίρεση. Υπερβάλλοντας όλες τις προηγούμενες φιλοδοξίες σας. Αφαιρώντας λεπτομέρειες, αφήνοντας μόνο αισθήσεις και φως.
Ουίλιαμ Τέρνερ. Το πρωί μετά την πλημμύρα. 1843 Μουσείο Tate, Λονδίνο Όπως καταλαβαίνετε, το κοινό δεν θα μπορούσε να εκτιμήσει τέτοια έργα. Η Βασίλισσα Βικτώρια αρνήθηκε να γίνει ιππότης Τέρνερ. Η φήμη έχει κλονιστεί. Νύξεις τρέλας ακούγονταν όλο και περισσότερο στην κοινωνία.
Αυτή είναι η τύχη όλων των αληθινών καλλιτεχνών. Κάνει ένα πολύ μεγάλο βήμα μπροστά. Και το κοινό τον «πιάνει» μόνο δεκαετίες, ή και αιώνες αργότερα. Αυτό συνέβη στον μεγάλο Τέρνερ.
7. Προ-Ραφαηλίτες
Όταν μιλάμε για Άγγλους καλλιτέχνες, είναι δύσκολο να αγνοήσουμε τους Προ-Ραφαηλίτες. Επιπλέον, στον 21ο αιώνα έχουν γίνει πολύ δημοφιλή.
Από πού προήλθε τέτοια αγάπη για αυτούς τους καλλιτέχνες;
Με υψηλούς στόχους ξεκίνησαν οι Προραφαηλίτες. Ήθελαν να βρουν μια διέξοδο από το αδιέξοδο της ακαδημαϊκής, πολύ άκαμπτης ζωγραφικής. Έχουν βαρεθεί να γράφουν μύθους και ιστορικές ιστορίες ελάχιστα γνωστές στο ευρύ κοινό. Θέλαμε να δείξουμε μια αληθινή, ζωντανή ομορφιά.
Και οι Προραφαηλίτες άρχισαν να ζωγραφίζουν γυναικείες εικόνες. Αποδείχτηκαν πολύ όμορφες και ελκυστικές.
Απλά κοιτάξτε τις κοκκινομάλλες καλλονές τους. Κατά κανόνα, ήταν εραστές τους στην πραγματική ζωή.
Οι Προ-Ραφαηλίτες άρχισαν να δοξάζουν ενεργά τη γυναικεία ομορφιά. Αποτέλεσμα, πέρα από αυτό, να μην τους έμεινε τίποτα άλλο.
Άρχισε να μοιάζει με σκηνοθετημένες, πολυτελείς φωτογραφίες για γυαλιστερά περιοδικά. Είναι ακριβώς τέτοιες εικόνες που είναι εύκολο να φανταστεί κανείς για τη διαφήμιση γυναικείων αρωμάτων.
Γι' αυτό οι Προ-Ραφαηλίτες ήταν τόσο δημοφιλείς στους ανθρώπους του 21ου αιώνα. Στην εποχή της λαμπερής, πολύ λαμπερής διαφήμισης.
John Everett Millais. Οφηλία. 1851 Tate Britain, Λονδίνο Παρά το προφανές κενό πολλών έργων, ήταν αυτοί οι καλλιτέχνες που στάθηκαν στις απαρχές της ανάπτυξης του ντιζάιν, που αποσχίστηκε από την τέχνη. Εξάλλου, οι Προ-Ραφαηλίτες (για παράδειγμα, ο William Morris) εργάστηκαν ενεργά σε σκίτσα υφασμάτων, ταπετσαριών και άλλων εσωτερικών διακοσμήσεων.
***
Ελπίζω ότι μετά από αυτό το άρθρο, οι Άγγλοι καλλιτέχνες έχουν ανοίξει μια νέα πλευρά για εσάς. Δεν ήταν πάντα μόνο οι Ιταλοί και οι Ολλανδοί που επηρέασαν την παγκόσμια τέχνη. Σημαντική συνεισφορά είχαν και οι Βρετανοί.
2 - Εξαιρετικοί Άγγλοι καλλιτέχνες πορτρέτων
Οι πιο διάσημοι Άγγλοι ζωγράφοι πορτρέτων του 18ου αιώνα περιλαμβάνουν τον Joshua Reynolds και τον Thomas Gainsborough. Και οι δύο άρχισαν να αναπτύσσονται υπό την επίδραση της ιταλικής και γαλλικής τέχνης και με τον καιρό πέρασαν σε εθνικά μοτίβα στη δουλειά τους. Η ζωγραφική του Reynolds είναι από πολλές απόψεις κοντά στο μπαρόκ στυλ, ενώ ο Gainsborough εργάστηκε με τρόπο κοντά στο ροκοκό
Το έργο του Ρέινολντς
Από τους άλλους τρεις κύριους δασκάλους Αγγλική τέχνηΟ Sir Joshua Reynolds (1723-1792), ο πρώτος πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών, που ιδρύθηκε το 1768, ήταν ο πιο ευέλικτος και μορφωμένος, ο πιο σίγουρος και συνεπής. Ο Άρμστρονγκ έγραψε μια μονογραφία γι' αυτόν. Όταν ο δάσκαλος του Ρέινολντς, Γκούντσον, έπαψε να τον ικανοποιεί, άρχισε να αντιγράφει έντονα τους πίνακες του Ρέμπραντ. Ο πιο ώριμος καρπός των σπουδών του στον Ρέμπραντ είναι μια νεανική αυτοπροσωπογραφία με καπέλο στην National Portrait Gallery. Στη συνέχεια έλκεται στην Ιταλία, όπου έμεινε από το 1749 έως το 1752. εδώ εξελίχθηκε σε συνειδητό εκλεκτικιστή. Ο Μιχαήλ Άγγελος έγινε το είδωλό του. Επέλεξε όμως ως αρχηγούς του κυρίως Μπολονήσιους και Βενετούς. Έψαξε στην πιο ενδελεχή μελέτη των πολύχρωμων τεχνικών των παλιών δασκάλων. δεν άφησε τίποτα χωρίς επίβλεψη. η ορθολογική βάση της τέχνης του είναι εμφανής παντού. Στους ιστορικούς του πίνακες μετά βίας ανεβαίνει πάνω από το επίπεδο του εκλεκτικισμού. Εδώ, σαν στο καπρίτσιο του καλλιτέχνη, οι ρουμπενσιανές φόρμες συνδυάζονται με τιτσιανικά χρώματα και κορετζιανό chiaroscuro. Χαρακτηριστικά παραδείγματα αυτού του είδους είναι το «The Holy Family» στην Εθνική Πινακοθήκη, το «The Temperance of Scipio» στο Ερμιτάζ και το «Hope Nourishing Love» στο Bowood. Ο πιο διάσημος μυθολογικός του πίνακας, Το φίδι στο γρασίδι στην Εθνική Πινακοθήκη, απεικονίζει τον θεό της αγάπης να λύνει τη «ζώνη της ομορφιάς» ενός κοριτσιού. Μια εκδρομή στο βασίλειο του ρομαντισμού είναι ένας νέος πίνακας για εκείνη την εποχή, εντυπωσιακός στη φρίκη του: «Ο Κόμης Ουγκολίνο στον Πύργο της Πείνας», που βρίσκεται στην γκαλερί της πόλης Noll, στο Κεντ.
Ρύζι. 237 - «Εξόριστος Κύριε». Πίνακας του Joshua Reynolds στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου
Ως ζωγράφος πορτρέτων, ο Reynolds συνδύασε την άμεση παρατήρηση αυτού που έβλεπε με μια υπέροχη, μεγαλόψυχη διάθεση, αναπτύσσοντας σε αυτή τη βάση όλη τη γοητεία της εκθαμβωτικής εικαστικής του ευγλωττίας. και παρόλο που στο αλληγορικό περιεχόμενο και στις περιστάσεις άλλων πορτρέτων έδειξε ότι είναι εντελώς γιος της εποχής του, άλλα πορτρέτα, για παράδειγμα, «Ο Εξόριστος Άρχοντας» της Εθνικής Πινακοθήκης, είναι γεμάτα με άμεσο, αισθητό πνευματικό βάθος. Δημιούργησε μια μάζα από πραγματικά αναπόσπαστες φύσεις. Ειδικά τα πορτρέτα των παιδιών του αποπνέουν μια σπάνια φρεσκάδα και φυσικότητα.
Ρύζι. 238 - «Οι τρεις αδερφές της δεσποινίδας Μοντγκόμερι στεφανώνουν το ερημάκι του Υμέν». Πίνακας του Joshua Reynolds στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου
Μετά την επιστροφή του Ρέινολντς από την Ιταλία, τη γενική προσοχή τράβηξε το 1753 το πορτρέτο του Λοχαγού Κέπελ, που τώρα βρίσκεται στη συλλογή του Λόρδου Ρόσμπερυ στο Λονδίνο. Εδώ για πρώτη φορά δεν είδαν μια φιγούρα ή ένα κεφάλι που απεικονίζεται στον καμβά, αλλά έναν ζωντανό οργανισμό. Η περίοδος από το 1753 έως το 1765 αγκαλιάζει την πρώτη περίοδο της ωριμότητας του καλλιτέχνη. Υπέροχα, απλά και φρέσκα πορτρέτα ανήκουν σε αυτήν την εποχή, συμπεριλαμβανομένης της Kitty Fisher στη συλλογή του Earl of Crewe (1759) και του διάσημου πορτραίτου της Nellie O'Brien (1763) στην γκαλερί Wallace, μετά το πορτρέτο του πάστορα Laurence Sterne ( 1760), που ανήκει στον Μαρκήσιο του Λάνσνταουν και τον ηθοποιό Γκάρικ ανάμεσα στις φιγούρες του «Tragedy» και του «Comedy», στη συλλογή του Λόρδου Rothschild στο Λονδίνο.
Μεταξύ 1765 και 1775 οι πόζες των μορφών στα πορτρέτα του Ρέινολντς γίνονται πιο υπολογισμένες, ο χρωματισμός πιο εκλεπτυσμένος, η κουρτίνα πιο απρόσεκτη, η στελέχωση πιο επινοημένη. Αυτά περιλαμβάνουν: «Lady Sarah Banbury sacrificing to the Graces» (1766) και «Lady Black as Juno, to who Venus gives a girdle», που ανήκει στον Sir Henry Banbury, την κυρία Hartley, με τη μορφή νύμφης, με τον γιο της , με τη μορφή του νεαρού Βάκχου, στη συλλογή του Λόρδου Νόρθμπρουκ (1772), σκληρού χρώματος, κάπως ψεύτικο πίνακα "Miss Montgomery's Three Sisters Crowning the Herm of Hymen" (1775) της Εθνικής Πινακοθήκης, αυτό περιλαμβάνει επίσης το υπέροχο " Κορίτσι με Φράουλες» (1771) στην γκαλερί Wallace, η μικρή Φράνσις Κρου περπατά σε ένα χωράφι με μανδύα και με ένα καλάθι στο χέρι της (1770), στη συλλογή του Κόμη του Κρου, και γοητευτική εικόναστο Κάστρο του Ουίνδσορ, που απεικονίζει μια μικρή πριγκίπισσα ξαπλωμένη στο έδαφος με έναν σκύλο (1773).
Ρύζι. 239 - "Κορίτσι με φράουλες." Πίνακας του Joshua Reynolds στην Wallace Gallery στο Λονδίνο
Τα τελευταία δεκαέξι χρόνια της ζωής του θεωρούνται η πιο ώριμη περίοδος του έργου του Ρέινολντς. Η βαθιά κατανόηση των προσώπων που απεικονίζονται γίνεται όλο και περισσότερο δική του η πιο σημαντική ποιότητα. Τα ρούχα, με υπέροχο χρώμα, είναι ντυμένα ξανά πιο προσεκτικά. Το φόντο του τοπίου εξακολουθεί να διατηρεί μόνο ένα δευτερεύον, καθαρά διακοσμητικό νόημα. Όμως όλες οι λεπτομέρειες συνδυάζονται σε ένα μεγάλο, αρμονικό σύνολο. Από μια μακρά σειρά αριστουργηματικών έργων, ξεχωρίζει ένα φρέσκο πορτρέτο του μικρού Crewe (1775) στη συλλογή του Earl of Crewe, Lady Crosby ντυμένη με εκπληκτικό γούστο σε γκρι και χρυσό (1778) από τον Sir Charles Tennant, τον υπέροχο « Schoolboy» (1779) στο Warwick Castle, ένα βαθιά πνευματικό πορτρέτο του Lord Thurloe (1781), που ανήκει στον Marquess of Bass, και το εντυπωσιακά δυνατό πορτρέτο του Lord Heathfield με το κλειδί του Γιβραλτάρ στο χέρι (1787) στην Εθνική Πινακοθήκη. Μεταξύ των καλύτερων είναι τα πορτρέτα της μεγάλης ηθοποιού Miss Siddons ως τραγική μούσα σε έναν θρόνο που επιπλέει στα σύννεφα, πίσω από τον οποίο είναι ορατές προσωποποιήσεις δραματικών παθών (1784), στο Grosvenor House, Δούκισσα του Devonshire με την κινούμενη κόρη της στην αγκαλιά της (1786), στο Κάστρο Chatsworth ), και το απολαυστικό "Innocent Age" - ένα μικρό κορίτσι που κάθεται στο γρασίδι με τα χέρια σταυρωμένα στο στήθος του (1790) στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου.
Ο Ρέινολντς δεν ήθελε ποτέ να είναι ο εαυτός του. αλλά παρόλα αυτά στο δικό του καλύτερα έργαη μεγαλύτερη από τη ζωή προσωπικότητά του είναι αμέσως εμφανής.
Η δημιουργικότητα του Gainsborough
Τέσσερα χρόνια νεότερος από τον Ρέινολντς ήταν ο μεγάλος του αντίπαλος Thomas Gainsborough (1727-1788), που τον ξεπέρασε σε πρωτοτυπία και αυθορμητισμό καλλιτεχνικής φύσης. Στο Reynolds νιώθει κανείς περισσότερο το μπαρόκ του 17ου αιώνα, στο Gainsborough - του ροκοκό του 18ου αιώνα. Για τον Gainsborough, για τον οποίο υπάρχουν καλά βιβλία των Fulcher, Armstrong, Mrs Bell και Pauli, οι αρχικοί παλιοί δάσκαλοι φαινόταν να μην υπάρχουν καθόλου. Ξεκίνησε ζωγραφίζοντας τα τοπία της αγροτικής πατρίδας του στο Σάφολκ. Έχοντας εξοικειωθεί (μετά το 1760) με τους πίνακες του van Dyck, άρχισε να τους αντιγράφει επιμελώς. Ο Van Dyck έγινε ο οδηγός της τέχνης του. Ωστόσο, ο ίδιος είχε ισχυρότερη αίσθηση της αλήθειας και της ομορφιάς από τον Βαν Ντάικ. Είδε τις Αγγλίδες και το αγγλικό τοπίο με τα δικά του αγγλικά μάτια και τις απεικόνισε με ένα φαρδύ, υγιές πινέλο που έγινε πιο ανοιχτόχρωμο και πιο «ιμπρεσιονιστικό» με τα χρόνια. Τα πορτρέτα του συνήθως βρίσκονται στην πιο στενή σχέση με το εγγενές τοπίο και τα τοπία συχνά μετατρέπονται ακούσια σε είδος ή τα ζώα σε αυτά μετατρέπονται από περιφερειακές εικόνες στις κύριες εικόνες.
Η πρώτη ανεξάρτητη περίοδος της δημιουργικότητας του Gainsborough (1746-1758) έλαβε χώρα στο Ίπσουιτς, ανάμεσα σε δοκιμές και πειράματα, που πραγματοποιήθηκαν πρώτα με την αφή και σταδιακά έγιναν πιο σίγουροι. Από τους πρώιμους πίνακες που σώζονται στην Εθνική Πινακοθήκη είναι ένα όμορφο, κάπως στεγνά ζωγραφισμένο διπλό πορτρέτο των κορών του, μια από τις οποίες πιάνει μια πεταλούδα, και ένα όμορφο τοπίο γνωστό ως Cornard Forest, το οποίο, παρά ή ακριβώς λόγω της κατανομής των δέντρων στο θυμίζει τον Γκόμπεμ, παρέμεινε το πιο φρέσκο στην αίσθηση της φύσης από όλα τα τοπία του.
Η δεύτερη περίοδος της δουλειάς του (1758-1774) έγινε σε ένα πιο ζωντανό καλλιτεχνικό περιβάλλον και σε ένα καλύτερο περιβάλλον διαβίωσης στο Μπας. Εδώ στην αρχή εμφανίστηκαν τόσο προσεκτικά, σχεδόν γλυκά σχεδιασμένα και φωτισμένα πορτρέτα, για παράδειγμα, ο κληρικός Orpin να διαβάζει τη Βίβλο στην Εθνική Πινακοθήκη. Το πορτρέτο της Τζορτζιάνα Σπένσερ (1762), που ανήκει στον Ερλ Σπένσερ στο Λονδίνο, διακρίνεται για την κομψή απλότητα του μουσικού Φίσερ σε φυσικό μέγεθος στο Χάμπτον Κορτ και τη μισή φιγούρα του ηθοποιού Κόλμαν στο Εθνικό. Η γκαλερί αναπνέει ζεστή ζωή. Πιθανώς ήδη το 1770 εμφανίστηκε το διάσημο «Μπλε αγόρι», που βρίσκεται στο Grosvenor House: ένα προσωπογραφικό πορτρέτο του νεαρού Betall, με ζεστούς τόνουςκορμιά σε ένα μπλε φανταστικό κοστούμι, με φόντο ένα τοπίο σε καφέ τόνο - ένα πραγματικό θαύμα στην αρχοντιά του σχεδίου και το περίεργο πολύχρωμο αποτέλεσμα. Δίπλα σε αυτό το «Blue Boy» μπορεί να τοποθετηθεί το «Pink Boy», ένα πορτρέτο ενός αγοριού ντυμένου σε ροζ σατέν, στη συλλογή του Baron Ferdinand Rothschild στο Λονδίνο.
Κατά τη διάρκεια της παραμονής του Gainsborough στο Bass, προέκυψαν μερικά από τα πιο διάσημα τοπία - καφέ σε τόνους, κλειστά στην ενότητά τους, ζεσταμένα από το θαυμάσιο φως ενός μέρους της δασωμένης αγγλικής φύσης. Από τα πιο όμορφα από αυτά είναι το Κάρο και το Πότισμα Βοοειδών στην Εθνική Πινακοθήκη.
Ρύζι. 241 - "Τόπος ποτίσματος βοοειδών." Πίνακας του Thomas Gainsborough στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου.
Ο Gainsborough μετακόμισε στο Λονδίνο το 1774. Μόνο εδώ αναπτύχθηκε το ταλέντο του στην υψηλότερη καλλιτεχνική ελευθερία και δεξιοτεχνία. Λεπτά, μάλλον ψυχρά, κομψά επιλεγμένα χρώματα των μορφών και των ρούχων τους συνάδουν όλο και πιο αρμονικά με το φόντο. Το πινέλο του γίνεται πιο ελαφρύ, πιο ελεύθερο και πιο φαρδύ. Ζωγράφισε αμέτρητες φορές πορτρέτα του βασιλιά Γεωργίου Γ', της βασίλισσας Σάρλοτ και των παιδιών τους. Τα περισσότερα από αυτά μπορεί κανείς να τα δει στο Κάστρο του Ουίνδσορ και τα Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ. Από τα πιο διάσημα πορτρέτα κυριών του Gainsborough, το πορτρέτο της κυρίας Graham, ντυμένη με κόκκινο φόρεμα και κάπως άβολα τοποθετημένο σε μια ψηλή στήλη στην γκαλερί του Εδιμβούργου, ανήκει στα πρώτα χρόνια του Λονδίνου. Το πλήρες ταλέντο του εκφράζεται με πορτρέτα της ηθοποιού κυρίας Ρόμπινσον ("Perdita") στην γκαλερί Wallace, της κυρίας Sheridan (το γένος Eliza Linley) στη συλλογή του Lord Rothschild, Lady Sheffield του Ferdinand Rothschild και της κυρίας Beaufoy. του Alfred Rothschild στο Λονδίνο - όλες οι μεμονωμένες φιγούρες σε πλήρες μέγεθος, που στέκονται με φόντο ένα τοπίο με πάρκο, αλλά το πιο διάσημο από όλα είναι το πορτρέτο της ηθοποιού κυρίας Siddons στην Εθνική Πινακοθήκη. Οι ίδιοι Siddons, τους οποίους ο Reynolds απεικόνισε ως τραγική μούσα, κάθεται στο Gainsborough με ένα κομψό βραδινό φόρεμα, με ένα μεγάλο καπέλο, μπροστά από μια κόκκινη κουρτίνα. Προς το καλύτερο ανδρικά πορτρέταΟ Gainsborough έχει ένα πορτρέτο του Ralph Schomberg με κιτρινοκόκκινο κοστούμι, στην Εθνική Πινακοθήκη.
Μια μεγάλη ομάδα πορτρέτων της οικογένειας Bailly, στην ίδια γκαλερί, χρονολογείται από την τελευταία περίοδο της δραστηριότητας του Gainsborough. Οι πόζες των φιγούρων είναι αναγκαστικές και σκόπιμες, αλλά τα μαγευτικά χρώματα αυτής της εικόνας και η ευάερη, ανάλαφρη γραφή της προσδίδουν υψηλή εικαστική αξία. Εξαιρετικός ως τοπίο είναι ο όχι πολύ μεγάλος οβάλ πίνακας στο Κάστρο του Ουίνδσορ, που αντιπροσωπεύει τον «Πρωινό περίπατο» του Δούκα του Κάμπερλαντ και της συζύγου του. Το εξαιρετικό «Picnic» στο St. James’s Park, ιδιοκτησίας του Sir Algernon Nield, που θυμίζει τόσο Watteau όσο και Monet, έχει έναν εντελώς τοπία χαρακτήρα. Μια άξια θέση δίπλα σε αυτή την εικόνα κατέχει η υπέροχη μαρίνα στο Grosvenor House. Η ζωγραφική τοπίων παρέμενε πάντα η κρυφή αγάπη του Gainsborough.
Άλλοι Άγγλοι ζωγράφοι πορτρέτων
Ο πέμπτος στη σειρά αυτών των πρωτοπόρων της αγγλικής ζωγραφικής ήταν ο George Romney (1734-1802), λεπτομερής περιγραφή του οποίου δίνεται στο δίτομο έργο των Ward και Roberts. Άρχισαν να τον κατατάσσουν στους μεγάλους δασκάλους μόλις πολύ πρόσφατα. Επιστρέφοντας το 1775 από τη Ρώμη, όπου είχε απορροφήσει ψεύτικες κλασικές απόψεις, έγινε, ωστόσο, ζωγράφος πορτρέτων στο Λονδίνο και ανταγωνίστηκε τους Reynolds και Gainsborough για την εύνοια των πελατών. Στα πορτρέτα του μπορεί κανείς εύκολα να αναγνωρίσει τον εγγονό του κλασικισμού τόσο στην πλαστικότητα των μορφών όσο και στο σχέδιο. Ήταν, εξάλλου, η καλύτερη απεικόνιση της «όμορφης Αγγλίδας», όπως έχουμε συνηθίσει να τη φανταζόμαστε, υγιή και ταυτόχρονα άτονη. Τα πορτρέτα του είναι ζωγραφισμένα καθαρά και σταθερά, αλλά σε καμία περίπτωση γωνιακά ή στεγνά. Με σαφείς τοπικούς τόνους, διακρίνονται από μια εκλεπτυσμένη, ενίοτε, ωστόσο, κάπως κοκκινωπή απόχρωση.
Η Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου έχει οκτώ πίνακες του Ρόμνεϊ, αλλά κανένα από τα πραγματικά αριστουργήματά του, όπως τα Παιδιά του Λόρδου Γκάουερ που χορεύουν χέρι-χέρι στη συλλογή του Δούκα του Σάδερλαντ ή το πορτρέτο της κυρίας Ρέσελ και του παιδιού της στο Σερ Τζορτζ Ρέσελ στο Λονδίνο. Η ψευδοκλασική του βάση είναι εμφανής στην ομάδα της Lady Warwick με τα παιδιά της και στη Miss Vernon του Lord Warwick ως Hebe, καθώς και στο πορτρέτο της Lady Hamilton ως Bacchante στην Εθνική Πινακοθήκη.
Ρύζι. 243 - «Η Λαίδη Χάμιλτον ως Μπακάντη». Πίνακας του George Romney στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου.
Ο σημαντικότερος Βρετανός πορτραίτης της νεότερης γενιάς καλλιτεχνών που εμφανίστηκε στο δεύτερο μισό του αιώνα ήταν ο Σκωτσέζος Sir Henry Rayburn (1756-1828), ο οποίος επισκέφτηκε την Ιταλία πριν εγκατασταθεί στο Εδιμβούργο. Ο βιογράφος του Rayburn Armstrong αποδίδει την κύρια ιδιότητά του κυρίως στην εντύπωση που του έκανε στη Ρώμη ο Innocent X του Velazquez. Στον αυθορμητισμό, τη φρεσκάδα και το εύρος της έννοιας, στη σαγηνευτική ζεστασιά και ζωντάνια των τόνων και των χρωμάτων, μόνο λίγοι μπορούν να τον ισοφαρίσουν. Τα καλύτερα έργα του περιλαμβάνουν στη γκαλερί του Εδιμβούργου πορτρέτα της κυρίας Κάμπελ, του John Wilson με ένα άλογο και μια αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη, στην αίθουσα τοξοβολίας του Εδιμβούργου ένα εντυπωσιακό ολόσωμο πορτρέτο του Nathaniel Spence που σχεδιάζει ένα τόξο, στο Μουσείο της Γλασκώβης. ένα πορτρέτο του Sir John Sinclair, στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου μιας κυρίας με ψάθινο καπέλο, στη Δρέσδη, ένα πορτρέτο του επισκόπου Lucius O'Byrne Ένα χαρακτηριστικό της εποχής ήταν ότι ο Rayburn μετακινήθηκε από το μεγαλύτερο εύρος και την ελευθερία του πινέλου πιο συνεκτικό και συμπαγές γράμμα.
Τα πορτρέτα κυρίως του Ρέινολντς ανέπτυξαν το ταλέντο του γεννημένου στο Λονδίνο John Hoppner (1759-1810), ενός δεξιοτέχνη στην απεικόνιση όμορφων, κοκκινομάγουλων Αγγλίδων, τις οποίες ζωγράφισε με καθαρά και ψυχρά χρώματα, σε μια φρέσκια, αγαπησιάρικη παράσταση. Το πορτρέτο της κόμισσας της Οξφόρδης στην Εθνική Πινακοθήκη είναι ένα από τα καλύτερα έργα του. Τα τελευταία βρίσκονται σε ιδιωτικές συλλογές. Τα τέσσερα παιδιά του Ντάγκλας γιορτάζονται στη συλλογή του Λόρδου Ρότσιλντ στο Λονδίνο.
Ο Χόπνερ ακολουθείται αμέσως από τον Σερ Τόμας Λόρενς (1769-1830), τον πιο διάσημο Άγγλο πορτραίτη του πρώτου τετάρτου του 19ου αιώνα, αν και ξεκάθαρα αναδύθηκε από τον 18ο αιώνα και θεωρείται αντιπροσωπευτικός της παρακμής της μεγάλης αγγλικής τέχνης αυτής της εποχής. . Ο Vizeva αποκατέστησε ξανά την καλλιτεχνική του φήμη. Στα καλύτερα έργα του μας εμφανίζεται ως ένας δεξιοτέχνης με έντονες δυνάμεις παρατήρησης και εκλεπτυσμένη τεχνική ζωγραφικής. Αντιπροσωπεύεται αρκετά καλά στην Εθνική Πινακοθήκη με πορτρέτα του τραπεζίτη Angerstein, της πριγκίπισσας Lieven και του Philippe Sensom. Επάνω είναι οι εικόνες του Πάπα Πίου Ζ' και του Καρδινάλιου Κονσάλβι στο Κάστρο του Ουίνδσορ, ο νεαρός τότε Λέμτον, ντυμένος με κόκκινο κοστούμι και ξαπλωμένος στο γρασίδι, στη συλλογή του κόμη του Ντάραμ στο Λονδίνο, της υπέροχης δεσποινίδας Φέρεν (Λαίδη Ντόρμπι ) περπατώντας, ελαφρά τυλιγμένο με γούνα, με φόντο το τοπίο, στο Pierzont Morgan στη Νέα Υόρκη.
Διάσημοι Άγγλοι καλλιτέχνες
Η ιστορία της ανάπτυξης του παγκόσμια τέχνηεπηρεάστηκε πολύ από καλλιτέχνες από την Ιταλία, από τους Γερμανούς, τους Γάλλους και τους Ολλανδούς. Ως συνήθως, τα πλεονεκτήματα των Βρετανών καλλιτεχνών, που ως επί το πλείστον ανήκουν στον 18ο και 19ο αιώνα, αγνοούνται. Ωστόσο, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, αρκετοί φωτεινοί εκπρόσωποι της ομιχλώδους Αλβιόνας έχουν εμφανιστεί, τα έργα τέχνης τους αξίζουν μια θέση τιμής στις πιο πολύτιμες παγκόσμιες συλλογές.
Ο πρώτος καλλιτέχνης αγγλικής καταγωγής, ο William Hogarth, άνοιξε τη χρυσή εποχή της βρετανικής ζωγραφικής. Ο Χόγκαρθ δημιούργησε τους πίνακες στο στυλ του ρεαλισμού και ήταν δεξιοτέχνης της χαρακτικής. Οι χαρακτήρες στους καμβάδες του ήταν υπηρέτες, ζητιάνοι, ναυτικοί και περιθωριακοί. Ο καλλιτέχνης αποκάλυψε επιδέξια τα φωτεινά χαρούμενα και βαθιά λυπημένα συναισθήματα που αποτυπώθηκαν στις φωτογραφίες των ανθρώπων.
Ο Τζόσουα Ρέινολντς άφησε ένα φωτεινό ίχνος στην αγγλική ζωγραφική. Ο πρώτος πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών δημιούργησε πίνακες εκπληκτικής ομορφιάς. Μεταξύ των ηρώων του πορτρέτου, μπορείτε να βρείτε μοντέρνους φρόνιμους εκπροσώπους των ευγενών και των αρχαίων θεών. Ο Τζόσουα Ρέινολντς ήταν σπουδαίος θεωρητικός της ζωγραφικής, τα επιστημονικά του έργα για τις καλές τέχνες μελετήθηκαν από περισσότερες από μία γενιές καλλιτεχνών.
Ο αντίπαλος του Reynolds, Thomas Gainsborough κέρδισε τη ζωή του με υπέροχα πορτρέτα των ευγενών, αλλά το αγαπημένο του είδος ζωγραφικής ήταν το τοπίο. Ο καλλιτέχνης αντανακλούσε με μαεστρία την ατομικότητα και έπιασε βαθιά χαρακτηριστικά χαρακτήρα των χαρακτήρων του. Σε όλη την καλλιτεχνική του καριέρα, ο Gainsborough εξελίσσεται συνεχώς Και αυτή η φιλοδοξία για αριστεία μπορεί να εντοπιστεί μέσα από τα έργα του Στην παρακμή της καριέρας του, οι πίνακές του μπορούν να αποδοθούν στον ύστερο ιμπρεσιονισμό.
Εκτός από τους διάσημους πορτραίτες, η αγγλική ζωγραφική έχει δημιουργήσει έναν τεράστιο αριθμό καταπληκτικών τοπιογράφων, όπως οι Sikkert, Turner, Wilson, Moreland.
Μετάφραση
Η ιστορία της ανάπτυξης της παγκόσμιας τέχνης επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από καλλιτέχνες από την Ιταλία, Γερμανούς, Γάλλους και Ολλανδούς. Ως συνήθως, τα πλεονεκτήματα των Άγγλων καλλιτεχνών, που χρονολογούνται κυρίως από τον 18ο και τον 19ο αιώνα, αγνοούνται. Ωστόσο, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, αρκετοί εξέχοντες εκπρόσωποι της Foggy Albion έγιναν γνωστοί, των οποίων τα καλλιτεχνικά έργα αξίζουν μια τιμητική θέση στις πιο πολύτιμες συλλογές του κόσμου.
Ο πρώτος καλλιτέχνης αγγλικής καταγωγής, William Hogarth, εγκαινίασε τη χρυσή εποχή της ζωγραφικής στη Μεγάλη Βρετανία. Ο Χόγκαρθ ζωγράφιζε με το στυλ του ρεαλισμού και ήταν δεξιοτέχνης της χαρακτικής. Οι χαρακτήρες στους καμβάδες του ήταν υπηρέτες, ζητιάνοι, ναυτικοί και απόκληροι. Ο καλλιτέχνης αποκάλυψε επιδέξια τα φωτεινά χαρούμενα και βαθιά λυπημένα συναισθήματα των ανθρώπων που απεικονίζονται στους πίνακες.
Ο Τζόσουα Ρέινολντς άφησε φωτεινό σημάδι στην αγγλική ζωγραφική. Ο πρώτος πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών δημιούργησε καμβάδες εκπληκτικής ομορφιάς. Ανάμεσα στους ήρωες του πορτρέτου μπορείτε να βρείτε μοντέρνους, πρωταρχικούς εκπροσώπους των ευγενών και των αρχαίων θεών. Ο Τζόσουα Ρέινολντς ήταν σπουδαίος θεωρητικός της ζωγραφικής περισσότερες από μία γενιές καλλιτεχνών που μελετήθηκαν από τα επιστημονικά του έργα για τις καλές τέχνες.
Ο αντίπαλος του Reynolds, Thomas Gainsborough, έβγαζε τα προς το ζην ζωγραφίζοντας υπέροχα πορτρέτα των ευγενών, αλλά το αγαπημένο του είδος ζωγραφικής ήταν το τοπίο. Ο καλλιτέχνης αντανακλούσε με μαεστρία την ατομικότητα και αποτύπωσε τα βαθιά χαρακτηριστικά χαρακτήρα των χαρακτήρων του. Σε όλη την καλλιτεχνική του καριέρα, ο Gainsborough εξελισσόταν συνεχώς και αυτή η επιθυμία για τελειότητα φαίνεται στη δουλειά του. Στο τέλος της καριέρας του, οι πίνακές του μπορούν να ταξινομηθούν ως όψιμος ιμπρεσιονισμός.