Famous English Artists - Famous English artists
William Hogarth (1697-1764) ήταν ο πρώτος άνθρωπος που μεγάλωσε (1)Βρετανοί εικαστική τέχνη (2)σε επίπεδο σπουδαιότητας. Γεννήθηκε στο Λονδίνο. Ο πατέρας του ήταν σχολάρχης. Τα πρώτα του γεύση για σχέδιο (3)ήταν αξιοσημείωτος και μετά το σχολείο κανονικός για την ημέρα του μαθήτευσε (4)σε ένα ασημένιο πιάτο χαράκτης (5).
Την επιτυχία του απέδωσε στη σκληρή δουλειά, «δεν γνωρίζω κάτι τέτοιο όπως ιδιοφυΐα», έγραψε - «ιδιοφυΐα είναι τίποτα άλλο παρά (6)εργασία και επιμέλεια (7)’.
Ο Χόγκαρθ ζωγράφισε πολλές εικόνες. Το συμβόλαιο γάμουείναι η πρώτη από τη σειρά των εικόνων του που σχηματίζουν το διάσημο «Marriage a la mode» (8). Και οι δύο πατέρες στην εικόνα κάθονται στα δεξιά. Ένας, ένας κόμης, με σημεία υπερηφάνειας για το γενεαλογικό του δέντρο. ο άλλος, πιθανότατα γερουσιαστής του Σίτι του Λονδίνου, εξετάζει τον διακανονισμό του γάμου. Ο γιος του Κόμη θαυμάζει τον εαυτό του στον υαλοπίνακα. η κόρη του δημογέροντα ψιθυρίζει με τη βέρα της και ακούει τις ευχές ενός νεαρού δικηγόρου.
Το θέμα της εικόνας είναι μια διαμαρτυρία ενάντια στον γάμο για χρήματα και ματαιοδοξία (9). Ο Hogarth ήταν ο πρώτος μεγάλος Άγγλος καλλιτέχνης.
Ο Sir Joshua Reynolds (1723-1792), ο πρώτος Πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας, δεν ήταν μόνο ζωγράφος, αλλά και ο θεμελιωτής των ακαδημαϊκών αρχών ενός Βρετανική Σχολή.
Το δικό του έργο επηρεάστηκε από τους Ενετούς, Titian (10)και Veronese (11). Το πάθος του για πλούσιους βάθος σκιών (12)ήταν τυχερός? για να το αποκτήσει χρησιμοποίησε πίσσα.
Η τρίτη μεγάλη φιγούρα, της ζωγραφικής του 18ου αιώνα - ο Thomas Gainsborough (1727-1788) - γεννήθηκε το 1727 στη μικρή αγορά της πόλης Sudbury στο Suffolk.
Ο Gainsborough είχε ελάχιστη ακαδημαϊκή κατάρτιση, έμαθε να ζωγραφίζει όχι κάνοντας βόλτες στο στούντιο, αλλά παρατηρώντας τον πραγματικό κόσμο. Οι χαριτωμένες πόζες και οι ασημί τόνοι του Van Dyck τον γοήτευσαν και έπαιξαν μεγάλο ρόλο στον καθορισμό της ανάπτυξης της ικανότητάς του. Ίσως το πιο γνωστό σήμερα από όλα τα πορτρέτα του Gainsborough είναι το διάσημο Blue Boy.
Αλλά περιέργως (13)αρκετά ήταν ελάχιστα γνωστό στην εποχή του Gainsborough και δεν υπάρχει σαφείς πληροφορίες (14), σχετικά με την ημερομηνία του πίνακα. Είναι ένα πορτρέτο σε μια συνήθεια του Van Dyck (15). Υπάρχει η άποψη ότι ο Gainsborough ζωγράφισε Το Μπλε Αγόριπροκειμένου να διαπιστωθεί η παρατήρηση που είχε επισημάνει στο α διαφωνία (16)με τον Ρέινολντς και άλλους ζωγράφους, όταν αυτός διατηρείται (17)ότι το κυρίαρχη (18)το χρώμα σε μια εικόνα πρέπει να είναι μπλε. Η φωτογραφία του Το εξοχικό κορίτσι με το σκύλο και τη στάμνα τράβηξε τη γενική προσοχή (19). Η εικόνα που αναπαριστά ένα μικρό επαρχιακό κορίτσι εκτέθηκε για πρώτη φορά το 1814. η εύκολη πόζα του κοριτσιού, η φυσική στροφή του κεφαλιού της και η έκφραση του προσώπου της κάνουν α αληθινός στη ζωή (20)εικόνα.
Ο Gainsborough πάντα θεωρούσε τον εαυτό του ως τοπιογράφο, αλλά διχάστηκε από την πραγματική του αγάπη από την ανάγκη να ζωγραφίσει πορτρέτα για για να κερδίσει τα προς το ζην (21).
Ήταν ο πρώτος που εισαγάγω (22)λυρική ελευθερία στη βρετανική ζωγραφική. Το επίτευγμά του έγκειται στην ανακάλυψη της ομορφιάς του τοπίου της πατρίδας του.
Ο William Hogarth ήταν ο πρώτος που μεγάλωσε τους Βρετανούς καλές τέχνεςστο κατάλληλο επίπεδο. Γεννήθηκε στο Λονδίνο. Ο πατέρας του ήταν δάσκαλος σε σχολείο. Η πρώιμη ικανότητα του στο σχέδιο ήταν εντυπωσιακή και μετά τα μαθήματά του εκπαιδεύτηκε ως χαράκτης αργύρου.
Η επιτυχία του είναι σκληρή δουλειά, «Ξέρω ότι δεν υπάρχει ιδιοφυΐα», έγραψε, «η ιδιοφυΐα δεν είναι τίποτα άλλο από δουλειά και επιμέλεια».
Ο Χόγκαρθ ζωγράφισε πολλές εικόνες. " Συμβόλαιο γάμου" - ο πρώτος από μια σειρά έργων ζωγραφικής που αποτελεί τον διάσημο κύκλο "Fashionable Marriage". Στον πίνακα, και οι δύο γονείς απεικονίζονται στα δεξιά. Ο ένας από αυτούς, ένας κόμης, επισημαίνει περήφανα την γενεαλογία του, ο άλλος, ίσως μέλος του Σίτι του Λονδίνου, μελετά μια συμφωνία γάμου Ο γιος ενός κόμη απολαμβάνει την εμφάνισή του στον καθρέφτη, η κόρη ενός μέλους του δημοτικού συμβουλίου στριφογυρίζει ένα δαχτυλίδι στα χέρια της και ακούει τα κομπλιμέντα ενός νεαρού δικηγόρου.
Το θέμα αυτής της εικόνας είναι μια διαμαρτυρία κατά του γάμου για χάρη των χρημάτων και της αλαζονείας. Ο Hogarth ήταν ο πρώτος διάσημος Άγγλος καλλιτέχνης.
Ο Sir Joshua Reynolds, ο πρώτος Πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας, δεν ήταν μόνο καλλιτέχνης, αλλά και ο θεμελιωτής των ακαδημαϊκών αρχών της Βρετανικής Σχολής.
Οι δικοί του πίνακες επηρεάστηκαν σημαντικά από τους Ενετούς Τιτσιάν και Βερονέζ. Η γοητεία του με τον πλούτο των σκιωδών αντιθέσεων ήταν επιτυχής. για να το πετύχει αυτό χρησιμοποίησε ρητίνη βράχου.
Το τρίτο διάσημο πρόσωπο του 18ου αιώνα. Εκεί ήταν ο Thomas Gainsborough, ο οποίος γεννήθηκε το 1727 στη μικρή πόλη Sudbury στην κομητεία Safolk.
Ο Gainsborough δεν έλαβε πλήρη ακαδημαϊκή εκπαίδευση. Έμαθε να σχεδιάζει όχι δουλεύοντας προσεκτικά στο στούντιο, αλλά στοχαζόμενος τον πραγματικό κόσμο. Οι μεγαλειώδεις πόζες και οι ασημί αποχρώσεις στους πίνακες του Van Dyck τον γοήτευσαν και επηρέασαν πολύ την περαιτέρω ανάπτυξη της δεξιότητάς του. Προφανώς, το πιο σημαντικό από τα έργα του Gainsborough είναι το πορτρέτο «The Boy in Blue».
Είναι αρκετά ενδιαφέρον ότι αυτό το έργο δεν ήταν ευρέως γνωστό κατά τη διάρκεια της ζωής του Gainsborough, επομένως η ακριβής ημερομηνία αυτού του πίνακα είναι άγνωστη. Αυτό είναι ένα πορτρέτο στο στυλ του Van Dyck. Υπάρχει η άποψη ότι ο Gainsborough ζωγράφισε το "The Boy in Blue" για να υπερασπιστεί την άποψή του σε μια πολεμική με τον Van Dyck και άλλους καλλιτέχνες ότι το μπλε χρώμα κυριαρχεί στην εικόνα. Ο πίνακας του «Country Girl with a Dog and a Mug» τράβηξε την προσοχή του κοινού. Ο πίνακας, που απεικονίζει ένα κοριτσάκι από το χωριό, εκτέθηκε για πρώτη φορά το 1814. Η απλή εμφάνιση του κοριτσιού, η φυσική κίνηση του κεφαλιού της και η έκφραση του προσώπου της έκαναν αυτή την εικόνα ρεαλιστική.
Ο Gainsborough πάντα θεωρούσε τον εαυτό του τοπιογράφο, αλλά αναγκάστηκε να εγκαταλείψει το πραγματικό του πάθος για τα τοπία και ζωγράφιζε πορτρέτα για να κερδίσει τα προς το ζην.
Πρωτοστάτησε στη λυρική ελευθερία στη βρετανική τέχνη. Η επιτυχία του βασίζεται στη μελέτη της ομορφιάς της φυσικής του φύσης.
Λεξιλόγιο
1. να είσαι ο πρώτος άνθρωπος που μεγάλωσε - να είσαι ο πρώτος καλλιτέχνης που μεγάλωσε
2. εικαστική τέχνη - καλές τέχνες
3. γούστο για σχέδιο – κλίση στο σχέδιο
4. να μαθητευτείς - να είσαι βοηθός, μαθητής πλοιάρχου
5. χαράκτης - χαράκτης
6. τίποτα αλλά - εδώ: τίποτα περισσότερο από
7. επιμέλεια - επιμέλεια
8. "marriage a la mode" - (γαλλική) σειρά έργων ζωγραφικής "fashionable wedding"
9. ματαιοδοξία - αλαζονεία, ματαιοδοξία
10. Titian - Titian Vecellio (1477-1576), διάσημος Ιταλός καλλιτέχνης
11. Veronese Paolo - Veronese Paolo (1528-1588), διάσημος Ιταλός καλλιτέχνης
12. βάθος σκιών - αντιθέσεις σκιών
13. περιέργως - ενδιαφέρον
14. οριστική πληροφορία - ορισμένη πληροφορία
15. σε μια συνήθεια του Βαν Ντάικ - με τον τρόπο του Βαν Ντάικ
16. διαφωνία – συζήτηση
17. διατηρώ - διεκδικώ, υπερασπίζομαι
18. κυρίαρχος - αυτό που επικρατεί, κυρίαρχο
19. για να προσελκύσει τη γενική προσοχή - να προσελκύσει τη γενική προσοχή
20. αληθινός στη ζωή - εδώ: έμψυχο, ρεαλιστικό
21. για να κερδίσετε τα προς το ζην - κερδίστε τα προς το ζην
22. εισάγω - εισάγω
Ερωτήσεις
1. Ποιος ήταν ο πρώτος Άγγλος καλλιτέχνης του 17ου-18ου αιώνα;
2. Ποιο είναι το θέμα της εικόνας του Hogarth The Marriage Contract;
3. Ποιος ήταν ο πρώτος Πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας;
3. Ποιες φωτογραφίες του Gainsborough γνωρίζετε;
4. Ο Gainsborough ζωγράφιζε μόνο πορτρέτα;
5. Ποιο είναι το χρώμα που κυριαρχεί στις φωτογραφίες του;
Στο τέλος του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, η βρετανική τέχνη φαινόταν να εκφοβίζεται, σαν να την κυριεύει η αίσθηση της ασημαντότητάς της σε σύγκριση με τέτοια καταστροφικά γεγονότα. Οι Ηπειρώτες Ευρωπαίοι καλλιτέχνες αγκάλιασαν για άλλη μια φορά τον μοντερνισμό, αλλά οι Βρετανοί καλλιτέχνες παρέμειναν διστακτικοί. Ωστόσο, οι επόμενες τέσσερις δεκαετίες έδωσαν στη χώρα καινοτόμους. Είναι αλήθεια ότι ο καθένας δούλεψε μόνος του. Για πολλούς, η εικόνα (φιγούρα) ενός ατόμου, αν και με τις πιο αφύσικες μορφές, παρέμεινε το κύριο θέμα της δημιουργικότητας. Αρκετά συγγενικά πνεύματα ένωσαν τις δημιουργικές προσπάθειές τους. Ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός του Πικάσο είχε απήχηση στους καλλιτέχνες της ομάδας Unit One από την πόλη St. Ives της Κορνουάλης. Δάσκαλοι όπως ο Stanley Spencer, ο Augustus John και ο Lucian Freud άλλαξαν σταδιακά τους κανόνες της παραστατικής ζωγραφικής. Ο Φράνσις Μπέικον συνέβαλε ιδιαίτερα στην καταστροφή της παράδοσης με τα γκροτέσκα πορτρέτα του. Ο ιδρυτής του Unit One, Paul Nash, διάσημος για τους πίνακές του στον Α' Παγκόσμιο Πόλεμο, έδωσε στους θεατές μια σουρεαλιστική ματιά στο βρετανικό τοπίο. Ο John Piper, ένας άλλος καλλιτέχνης του πολέμου, πρωτοστάτησε στο νεορομαντικό στυλ πειραματιζόμενος με το χρώμα σε δραματικά τοπία.
Στάνλεϊ ΣπένσερΣυγκλόνισε τους συγχρόνους του δημιουργώντας καμβάδες που απεικονίζουν βιβλικές σκηνές πλαισιωμένες από ειδυλλιακές σκηνές της αγροτικής ζωής στη Βρετανία του Μεσοπολέμου. Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, ζωγράφισε μια σειρά από πίνακες που απεικονίζουν τη σκληρή δουλειά των ναυπηγών στα ναυπηγεία στον ποταμό Κλάιντ. Στο μεταγενέστερο έργο του, το σεξουαλικό στοιχείο εντείνεται. Γυμνά πορτρέτα της δεύτερης συζύγου του Σπένσερ ώθησαν τον πρόεδρο της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών να κατηγορήσει τον καλλιτέχνη για χυδαιότητες. Αλλά ανεξάρτητα από το τι απεικονίζει ο Spencer, το εικονιστικό του ύφος διακρίνεται από δεξιοτεχνική ακρίβεια.
Χένρι Μουρ- εξαιρετικός Βρετανός γλύπτης του 20ου αιώνα. Έχοντας μελετήσει την πρώιμη νοτιοαμερικανική τέχνη στη δεκαετία του 1920, ο Γιορκσάιρμαν Μουρ στράφηκε στην αφηρημένη τέχνη μια δεκαετία αργότερα. Ξεκινώντας από την τέχνη του Πικάσο, στο έργο του προχωρά από άμορφες ογκομετρικές μάζες στη δημιουργία ρευστών γυναικείων μορφών, που θα αποτελέσουν το κύριο μοτίβο της γλυπτικής του μέχρι τη δεκαετία του 1980. «Οι τεράστιες ανακλινόμενες φιγούρες μου», είπε ο Μουρ, «δημιουργούνται από τη φύση», γι' αυτό ίσως φαίνονται εντελώς φυσικές σε ένα τοπίο κηπουρικής.
Φιλενάδα Μούρα ΜπάρμπαραΟ Χέπγουορθ λάτρευε επίσης τις αφηρημένες μορφές, αλλά τις ερμήνευσε ως σύμβολα της φύσης και όχι ως φιγούρες. Δουλεύοντας με μέταλλο, ξύλο και πέτρα, δημιούργησε βιομορφικές εικόνες με απτή υφή. Οι συνθέσεις του Hepworth χαρακτηρίζονται από την παρουσία οπών που αναμειγνύονται ομαλά στο γλυπτό. Ίσως το πιο διάσημο έργο της είναι το «Single Form» (Single Form, 1963), που βρίσκεται στο κτίριο της Γενικής Συνέλευσης του ΟΗΕ στη Νέα Υόρκη. Η Χέπγουορθ πέθανε σε πυρκαγιά στο σπίτι της στο στούντιο στο Σεντ Άιβς το 1975.
Φράνσις Μπέικονήταν το πιο σημαντικό Βρετανός καλλιτέχνηςΧΧ αιώνα. Δεν είχε ειδική αγωγή, αλλά στην πρώιμη ενηλικίωση επισκεπτόταν τακτικά όλες τις γκαλερί τέχνης του Παρισιού, του Βερολίνου και του Λονδίνου. Το έργο του Πικάσο είχε τεράστια επιρροή πάνω του. Το 1945, εξέθεσε στο Λονδίνο το έργο του «Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion» (1944) - απόκοσμες σουρεαλιστικές συνθέσεις ανθρωπόμορφων μορφών, που θυμίζουν είτε ανθρώπους, είτε ζώα, ή ένας Θεός ξέρει ποιον άλλο; Το επόμενο πρωί ο Μπέικον ξύπνησε διάσημος. Ζωγράφιζε με το ύφος της παραστατικής τέχνης, αλλά τα πορτρέτα του - φιγούρες σχισμένα, σαν να γύριζαν από μέσα προς τα έξω, «παραμορφώθηκαν και μετά μεταμορφώθηκαν», όπως είπε κάποτε ο ίδιος ο καλλιτέχνης, άφησαν ανεξίτηλη εντύπωση. Μερικοί από τους πίνακές του βασίζονται σε κλασικά έργα. Τέτοιος, για παράδειγμα, είναι ο ουρλιάζοντας ποντίφικας του - η αυθεντική εικόνα του αυστηρού Πάπα Ιννοκεντίου Χ από το πορτρέτο του Βελάσκεθ, παραμορφωμένη πέρα από την αναγνώριση. Τα ανοιχτά στόματα που ουρλιάζουν είναι ένα επαναλαμβανόμενο μοτίβο στη δουλειά του. Ο Μπέικον είχε επίσης τη συνήθεια να ζωγραφίζει πρόσωπα δίπλα σε κομμάτια κρέατος, υπονοώντας τις ψυχολογικές τους ομοιότητες.
Λούσιαν Φρόιντ, εγγονός του Sigmund Freud, μετανάστευσε στη Βρετανία από τη ναζιστική Γερμανία στα νιάτα του με την οικογένειά του. Δανειζόμενος σε μεγάλο βαθμό από το στυλ του Stanley Spencer, ανέπτυξε μια ρεαλιστική, πεζή προσέγγιση στην απεικόνιση της ανθρώπινης φιγούρας, εφαρμόζοντας μπογιά σε παχιά στρώματα. Με την ηλικία, ο Φρόιντ άλλαξε σταδιακά την ερμηνεία του για τις ανθρώπινες εικόνες, χωρίς κανένα έλεος, απεικονίζοντας τους ανθρώπους όλο και πιο νατουραλιστικά, με όλα τα χτυπήματα και τα κονδυλώματα τους. Το σκηνικό για τις καθιστικές, συνήθως γυμνές, απαθείς φιγούρες του ήταν τα βρώμικα, μη ελκυστικά δωμάτια. Ευρέως γνωστός ως ικανός καλλιτέχνης, ο Φρόιντ συνέχισε να γράφει μέχρι τον 21ο αιώνα. Το 2008, το πορτρέτο του μιας κοιμισμένης γυμνής κοινωνικής λειτουργού έγινε το μεγαλύτερο ακριβή εργασίατέχνη από ζωντανό καλλιτέχνη: έφτασε τα 17,2 εκατομμύρια λίρες σε δημοπρασία.
Τζόζεφ Τέρνερ
Ο Τζόζεφ Τέρνερ, ο μεγαλύτερος Άγγλος ρομαντικός τοπιογράφος, γεννήθηκε στο Κόβεντ Γκάρντεν του Λονδίνου, στις 23 Απριλίου 1775. Ήταν γιος ενός μοντέρνου κουρέα. Άρχισε να σχεδιάζει και να ζωγραφίζει από μικρό αγόρι. Ο πατέρας του πουλούσε τα σχέδια του αγοριού στους πελάτες του. Με αυτόν τον τρόπο κέρδιζε χρήματα που πλήρωνε ο πατέρας του για τα μαθήματά του στην τέχνη. Σε ηλικία 14 ετών μπήκε στη Σχολή της Βασιλικής Ακαδημίας. Οι ακουαρέλες του εκτέθηκαν στη Βασιλική Ακαδημία από τα δεκαπέντε του. Στα 18 του είχε δημιουργήσει το δικό του στούντιο. Ο Turner δούλεψε στην αρχή σε νερομπογιές και μετά σε λάδια.
Μεταξύ 1802 και 1809, ο Τέρνερ ζωγράφισε μια σειρά από θαλασσινά, μεταξύ των οποίων το «Sun Rising in Mist». Τα αριστουργήματα αυτής της περιόδου είναι «The Lake of Geneva», «Frosty Morning», «Crossing the Brook» κ.λπ. Το 1819 ο Turner βγήκε για την πρώτη του επίσκεψη στην Ιταλία. Κατά τη διάρκεια του ταξιδιού έκανε περίπου 1500 σχέδια και τα επόμενα χρόνια ζωγράφισε μια σειρά από εικόνες εμπνευσμένες από αυτά που είχε δει. Ο Τέρνερ ήταν ο κύριος του αέρα και του ανέμου, της βροχής και του ήλιου, του ορίζοντα, των πλοίων και της θάλασσας. Διέλυσε τις μορφές του τοπίου του στο παιχνίδι του φωτός και της σκιάς, πρόλαβε τη δουλειά των γαλλικών ιμπρεσιονιστικών πινάκων. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Turner ζωγράφισε μερικές εκατοντάδες πίνακες και μερικές χιλιάδες ακουαρέλες και σχέδια. Μετά το θάνατό του, ολόκληρη η συλλογή έργων ζωγραφικής και σχεδίων του Τέρνερ παραδόθηκε στο έθνος και βρίσκονται στο National και στην Tate Galleries.
Thomas Gainsborough
Ο Thomas Gainsborough ήταν μάστερ της αγγλικής σχολής ζωγραφικής. Ήταν προσωπογράφος και τοπιογράφος. Γεννήθηκε στο Sudbury το 1727 και ήταν γιος ενός εμπόρου. Ο πατέρας του τον έστειλε στο Λονδίνο για να σπουδάσει τέχνες. Πέρασε 8 χρόνια δουλεύοντας και σπουδάζοντας στο Λονδίνο. Εκεί γνώρισε τη φλαμανδική παραδοσιακή σχολή ζωγραφικής. Στα πορτρέτα του κυριαρχούν τα πράσινα και μπλε χρώματα. Ήταν ο πρώτος Βρετανός ζωγράφος που ζωγράφισε την γηγενή βρετανική ύπαιθρο. Ζωγράφισε ένα βαγόνι με σανό, ένα φτωχικό εξοχικό, φτωχούς αγρότες.
Τα τοπία του περιέχουν πολλή ποίηση και μουσική. Τα καλύτερα έργα του είναι το «Blue Boy», Το Πορτρέτοτης Δούκισσας του Μποφόρ», «Sara Siddons» κ.ά. Η ιδιαίτερη ανακάλυψη του Gainsborough ήταν η δημιουργία μιας μορφής τέχνης στην οποία οι χαρακτήρες και το φόντο σχηματίζουν μια ενιαία ενότητα. Το τοπίο δεν διατηρείται στο βάθος, αλλά στις περισσότερες περιπτώσεις άνθρωπος και φύση συγχωνεύονται σε ένα ενιαίο σύνολο μέσα από την ατμοσφαιρική αρμονία της διάθεσης. Ο Gainsborough τόνισε ότι το φυσικό υπόβαθρο για τους χαρακτήρες του πρέπει να είναι η ίδια η φύση. Τα έργα του, ζωγραφισμένα σε καθαρούς και διαφανείς τόνους, είχαν σημαντική επιρροή στους καλλιτέχνες της αγγλικής σχολής. Ήταν μπροστά από την εποχή του. Η τέχνη του έγινε πρόδρομος του Ρομαντικού Κινήματος.
John Constable
Ο John Constable, ένας από τους μεγαλύτερους τοπιογράφους, γεννήθηκε στο Sufford, στις 11 Ιουνίου 1776. Ήταν γιος ενός πλούσιου μυλωνά. Άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική τοπίου ενώ ήταν στο γυμνάσιο. Ο πατέρας του δεν ευνοούσε την τέχνη ως επάγγελμα. Ως παιδί ο Αστυφύλακας δούλευε σχεδόν κρυφά, ζωγραφίζοντας στο εξοχικό σπίτι ενός ερασιτέχνη ζωγράφου. Το έντονο καλλιτεχνικό του ενδιαφέρον ήταν τέτοιο που ο πατέρας του του επέτρεψε να επισκεφθεί το Λονδίνο το 1795, όπου άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική. Το 1799 ο Αστυφύλακας μπήκε στη Σχολή της Βασιλικής Ακαδημίας στο Λονδίνο. Ήταν ο πρώτος τοπιογράφος που θεώρησε ότι κάθε ζωγράφος έπρεπε να κάνει τα σκίτσα του απευθείας από τη φύση, δηλαδή να δουλεύει στο ύπαιθρο. Η τέχνη του αστυφύλακα αναπτύχθηκε αργά.
Προσπάθησε να κερδίσει τα προς το ζην από πορτρέτα. Η καρδιά του δεν ήταν ποτέ σε αυτό και δεν πέτυχε δημοτικότητα. Ο αστυφύλακας ήταν ρεαλιστής. Έβαλε στα βοοειδή του το τοπίο, τα άλογα, τους ανθρώπους που εργάζονταν εκεί. Έβαλε τα χαμογελαστά λιβάδια, τη λάμψη του ήλιου στη βροχή ή τα θυελλώδη και αβέβαια σύννεφα. Τα πιο αξιόλογα έργα του Constable είναι τα «Flatford Mill», «The White Horse», «The Hay Wain», «Waterloo Bridge», «From Whitehall stairs» και άλλα. Στην Αγγλία ο αστυφύλακας δεν έλαβε ποτέ την αναγνώριση ότι ένιωθε ότι έπρεπε. Οι Γάλλοι ήταν οι πρώτοι που κέρδισαν δημόσια τον Αστυφύλακα. Η επιρροή του στις ξένες σχολές ζωγραφικής υπήρξε ισχυρή. Ο αστυφύλακας μπορεί πραγματικά να θεωρηθεί ο πατέρας της μοντέρνας ζωγραφικής τοπίου.
Μετάφραση του θέματος στα ρωσικά:
Τζόζεφ Τέρνερ
Ο Τζόζεφ Τέρνερ - ο μεγάλος Άγγλος τοπιογράφος - γεννήθηκε στο Κόβεντ Γκάρντεν του Λονδίνου, στις 23 Απριλίου 1775. Ήταν γιος ενός μοδάτου κομμωτή εκείνη την εποχή. Ως αγόρι άρχισε να ζωγραφίζει. Ο πατέρας του πούλησε τα σχέδια του αγοριού στους επισκέπτες του. Με αυτόν τον τρόπο κέρδιζε χρήματα, τα οποία χρησίμευαν για να πληρώσει τα μαθήματα τέχνης του. Σε ηλικία 14 ετών μπήκε στο σχολείο της Βασιλικής Ακαδημίας. Τα σχέδιά του με ακουαρέλα εκτίθενται στη Βασιλική Ακαδημία από τα δεκαπέντε του. Σε ηλικία 18 ετών δημιούργησε το δικό του στούντιο. Στην αρχή δούλεψε σε ακουαρέλες και μετά σε λάδια. Μεταξύ 1802 και 1809, ο Τέρνερ ζωγράφισε μια σειρά από θαλασσινά τοπία, μεταξύ των οποίων το Sun Rising in the Fog.
Αριστουργήματα αυτής της περιόδου θεωρούνται: «Lake Geneva», «Frosty Morning», «Crossing the Stream» και άλλα. Το 1819 ο Turner επέστρεψε από το πρώτο του ταξίδι στην Ιταλία. Κατά τη διάρκεια του ταξιδιού, δημιούργησε περίπου 1.500 σχέδια και τον επόμενο χρόνο, εμπνευσμένος από αυτά που είδε, ζωγράφισε μια σειρά από πίνακες. Ο Τέρνερ ήταν κύριος του αέρα και του ανέμου, της βροχής και του ηλιακού φωτός, του ορίζοντα, των πλοίων και της θάλασσας. Τα περιγράμματα των τοπίων του διαλύθηκαν στο παιχνίδι του φωτός και των σκιών, σε αυτό ήταν ο προκάτοχος των Γάλλων ιμπρεσιονιστών. Σε όλη του τη ζωή, ο Turner ζωγράφισε εκατοντάδες πίνακες και χιλιάδες ακουαρέλες και σχέδια. Μετά τον θάνατό του, η συλλογή των πινάκων του, σύμφωνα με τη διαθήκη του, πέρασε στην Εθνική Πινακοθήκη και στην Πινακοθήκη Tate.
Thomas Gainsborough
Ο Thomas Gainsborough ήταν μάστερ της αγγλικής σχολής ζωγραφικής. Ζωγράφιζε πορτρέτα και τοπία. Γεννήθηκε στο Sudbury το 1727, γιος ενός εμπόρου. Ο πατέρας του τον έστειλε στο Λονδίνο για να σπουδάσει ζωγραφική. Πέρασε 8 χρόνια στο Λονδίνο δουλεύοντας και σπουδάζοντας. Εκεί γνώρισε τη φλαμανδική παραδοσιακή σχολή ζωγραφικής. Στα πορτρέτα του κυριαρχούν τα πράσινα και μπλε χρώματα. Ήταν ο πρώτος Άγγλος καλλιτέχνης που απεικόνισε τη φύση και τη βρετανική ύπαιθρο. Απεικόνιζε μια θημωνιά, ένα φτωχικό σπίτι, φτωχούς αγρότες.
Τα τοπία του είναι γεμάτα ποίηση και μουσική. Τα καλύτερα έργα του είναι τα «The Blue Boy», «Portrait of the Duchess Bofer», «Sarah Siddons» και άλλα. Η σημαντική ανακάλυψη του Gainsborough ήταν η δημιουργία μιας μορφής ζωγραφικής όπου οι χαρακτήρες και το τοπίο αποτελούν ένα ενιαίο σύνολο. Το τοπίο δεν είναι απλώς φόντο, αλλά στις περισσότερες περιπτώσεις άνθρωπος και φύση συγχωνεύονται σε ένα σε μια ατμόσφαιρα αρμονίας διαθέσεων. Ο Gainsborough τόνισε ότι το φυσικό υπόβαθρο για χαρακτήρεςπρέπει να υπάρχει η ίδια η φύση. Τα έργα του, εκτελεσμένα με καθαρά και διάφανα χρώματα, είχαν σημαντική επιρροή στους καλλιτέχνες της αγγλικής ζωγραφικής. Ήταν μπροστά από την εποχή του. Η τέχνη του έγινε προάγγελος του ρομαντικού κινήματος.
John Constable
Ο John Constable, ένας από τους πιο διάσημους τοπιογράφους, γεννήθηκε στο Safford, στις 11 Ιουνίου 1776. Ήταν γιος ενός πλούσιου μυλωνά. Άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική από το δημοτικό. Ο πατέρας του δεν ενέκρινε την τέχνη ως επάγγελμα. Ως αγόρι, ο Costable δούλευε κρυφά, ζωγραφίζοντας στο σπίτι ενός ερασιτέχνη καλλιτέχνη. Το ενδιαφέρον του για τη ζωγραφική έπεισε τον πατέρα του να τον στείλει στο Λονδίνο το 1795, όπου άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική. Το 1799, ο Αστυφύλακας μπήκε στο σχολείο στη Βασιλική Ακαδημία του Λονδίνου. Ήταν ο πρώτος από τους τοπιογράφους που πίστεψε ότι ήταν απαραίτητο να φτιάχνεις σκίτσα από τη φύση, δηλαδή να δουλεύεις στο ύπαιθρο.
Η ικανότητα του αστυφύλακα αναπτύχθηκε σταδιακά. Άρχισε να βιοπορίζεται ζωγραφίζοντας πορτρέτα. Η καρδιά του δεν ήταν ποτέ σε αυτό, και ως εκ τούτου δεν πέτυχε δημοτικότητα. Ο αστυφύλακας ήταν ρεαλιστής. Στους καμβάδες του απεικόνιζε βοοειδή, άλογα και ανθρώπους που εργάζονταν εκεί. Ζωγράφισε λιβάδια που αστράφτουν από δροσιά, σπίθες του ήλιου σε σταγόνες βροχής και σκληρά σύννεφα. Τα πιο διάσημα έργα του Constable είναι "The Mill at Flatford", " Λευκό άλογο», «Hay Wagon», «Waterloo Bridge», «From the Steps of Whitehall» και άλλα. Στην Αγγλία, ο Constable δεν έλαβε την αναγνώριση που δικαίως περίμενε. Οι Γάλλοι ήταν οι πρώτοι που αναγνώρισαν δημόσια τον Αστυφύλακα. Η επιρροή του στις ξένες σχολές ζωγραφικής ήταν τεράστια. Ο αστυφύλακας μπορεί δικαίως να αναγνωριστεί ως ο ιδρυτής του είδους τοπίου.
Τζόζεφ Τέρνερ
Ο Τζόζεφ Τέρνερ - ο μεγάλος Άγγλος τοπιογράφος - γεννήθηκε στο Κόβεντ Γκάρντεν του Λονδίνου, στις 23 Απριλίου 1775. Ήταν γιος ενός μοδάτου κομμωτή εκείνη την εποχή. Ως αγόρι άρχισε να ζωγραφίζει. Ο πατέρας του πούλησε τα σχέδια του αγοριού στους επισκέπτες του. Με αυτόν τον τρόπο κέρδιζε χρήματα, τα οποία χρησίμευαν για να πληρώσει τα μαθήματα τέχνης του. Σε ηλικία 14 ετών μπήκε στο σχολείο της Βασιλικής Ακαδημίας. Τα σχέδιά του με ακουαρέλα εκτίθενται στη Βασιλική Ακαδημία από τα δεκαπέντε του. Σε ηλικία 18 ετών δημιούργησε το δικό του στούντιο. Στην αρχή δούλεψε σε ακουαρέλες και μετά σε λάδια. Μεταξύ 1802 και 1809, ο Τέρνερ ζωγράφισε μια σειρά από θαλασσινά τοπία, μεταξύ των οποίων το Sun Rising in the Fog. Αριστουργήματα αυτής της περιόδου θεωρούνται: «Lake Geneva», «Frosty Morning», «Crossing the Stream» και άλλα. Το 1819 ο Turner επέστρεψε από το πρώτο του ταξίδι στην Ιταλία. Κατά τη διάρκεια του ταξιδιού, δημιούργησε περίπου 1.500 σχέδια και τον επόμενο χρόνο, εμπνευσμένος από αυτά που είδε, ζωγράφισε μια σειρά από πίνακες. Ο Τέρνερ ήταν κύριος του αέρα και του ανέμου, της βροχής και του ηλιακού φωτός, του ορίζοντα, των πλοίων και της θάλασσας. Τα περιγράμματα των τοπίων του διαλύθηκαν στο παιχνίδι του φωτός και των σκιών, σε αυτό ήταν ο προκάτοχος των Γάλλων ιμπρεσιονιστών. Σε όλη του τη ζωή, ο Turner ζωγράφισε εκατοντάδες πίνακες και χιλιάδες ακουαρέλες και σχέδια. Μετά τον θάνατό του, η συλλογή των πινάκων του, σύμφωνα με τη διαθήκη του, πέρασε στην Εθνική Πινακοθήκη και στην Πινακοθήκη Tate.
Thomas Gainsborough
Ο Thomas Gainsborough ήταν μάστερ της αγγλικής σχολής ζωγραφικής. Ζωγράφιζε πορτρέτα και τοπία. Γεννήθηκε στο Sudbury το 1727, γιος ενός εμπόρου. Ο πατέρας του τον έστειλε στο Λονδίνο για να σπουδάσει ζωγραφική. Πέρασε 8 χρόνια στο Λονδίνο δουλεύοντας και σπουδάζοντας. Εκεί γνώρισε τη φλαμανδική παραδοσιακή σχολή ζωγραφικής. Στα πορτρέτα του κυριαρχούν τα πράσινα και μπλε χρώματα. Ήταν ο πρώτος Άγγλος καλλιτέχνης που απεικόνισε τη φύση και τη βρετανική ύπαιθρο. Απεικόνιζε μια θημωνιά, ένα φτωχικό σπίτι, φτωχούς αγρότες. Τα τοπία του είναι γεμάτα ποίηση και μουσική. Τα καλύτερα έργα του είναι τα «The Blue Boy», «Portrait of the Duchess Beaufer», «Sarah Siddons» και άλλα. Η σημαντική ανακάλυψη του Gainsborough ήταν η δημιουργία μιας μορφής ζωγραφικής όπου οι χαρακτήρες και το τοπίο αποτελούν ένα ενιαίο σύνολο. Το τοπίο δεν είναι απλώς φόντο, αλλά στις περισσότερες περιπτώσεις άνθρωπος και φύση συγχωνεύονται σε ένα σε μια ατμόσφαιρα αρμονίας διαθέσεων. Ο Gainsborough τόνισε ότι το φυσικό υπόβαθρο για τους χαρακτήρες πρέπει να είναι η ίδια η φύση. Τα έργα του, εκτελεσμένα με καθαρά και διάφανα χρώματα, είχαν σημαντική επιρροή στους καλλιτέχνες της αγγλικής ζωγραφικής. Ήταν μπροστά από την εποχή του. Η τέχνη του έγινε προάγγελος του ρομαντικού κινήματος.
John Constable
Ο John Constable, ένας από τους πιο διάσημους τοπιογράφους, γεννήθηκε στο Safford, στις 11 Ιουνίου 1776. Ήταν γιος ενός πλούσιου μυλωνά. Άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική από το δημοτικό. Ο πατέρας του δεν ενέκρινε την τέχνη ως επάγγελμα. Ως αγόρι, ο Costable δούλευε κρυφά, ζωγραφίζοντας στο σπίτι ενός ερασιτέχνη καλλιτέχνη. Το ενδιαφέρον του για τη ζωγραφική έπεισε τον πατέρα του να τον στείλει στο Λονδίνο το 1795, όπου άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική. Το 1799, ο Αστυφύλακας μπήκε στο σχολείο στη Βασιλική Ακαδημία του Λονδίνου. Ήταν ο πρώτος από τους τοπιογράφους που πίστεψε ότι ήταν απαραίτητο να φτιάχνεις σκίτσα από τη φύση, δηλαδή να δουλεύεις στο ύπαιθρο. Η ικανότητα του αστυφύλακα αναπτύχθηκε σταδιακά. Άρχισε να βιοπορίζεται ζωγραφίζοντας πορτρέτα. Η καρδιά του δεν ήταν ποτέ σε αυτό, και ως εκ τούτου δεν πέτυχε δημοτικότητα. Ο αστυφύλακας ήταν ρεαλιστής. Στους καμβάδες του απεικόνιζε βοοειδή, άλογα και ανθρώπους που εργάζονταν εκεί. Ζωγράφισε λιβάδια που αστράφτουν από δροσιά, σπίθες του ήλιου σε σταγόνες βροχής και σκληρά σύννεφα. Τα πιο διάσημα έργα του Constable είναι τα «The Mill at Flatford», «The White Horse», «The Hay Wain», «Waterloo Bridge», «From the Steps of Whitehall» και άλλα. Στην Αγγλία, ο Constable δεν έλαβε την αναγνώριση που δικαίως περίμενε. Οι Γάλλοι ήταν οι πρώτοι που αναγνώρισαν δημόσια τον Αστυφύλακα. Η επιρροή του στις ξένες σχολές ζωγραφικής ήταν τεράστια. Ο αστυφύλακας μπορεί δικαίως να αναγνωριστεί ως ο ιδρυτής του είδους τοπίου.
Μετάφραση στα Αγγλικά:
Ο Τζόζεφ Τέρνερ, ο μεγαλύτερος Άγγλος ρομαντικός τοπιογράφος, γεννήθηκε στο Κόβεντ Γκάρντεν του Λονδίνου, στις 23 Απριλίου 1775. Ήταν γιος ενός μοντέρνου κουρέα. Άρχισε να σχεδιάζει και να ζωγραφίζει από μικρό αγόρι. Ο πατέρας του πουλούσε τα σχέδια του αγοριού στους πελάτες του. Με αυτόν τον τρόπο κέρδιζε χρήματα που πλήρωνε ο πατέρας του για τα μαθήματά του στην τέχνη. Σε ηλικία 14 ετών μπήκε στη Σχολή της Βασιλικής Ακαδημίας. Οι ακουαρέλες του εκτέθηκαν στη Βασιλική Ακαδημία από τα δεκαπέντε του. Στα 18 του είχε δημιουργήσει το δικό του στούντιο. Ο Turner δούλεψε στην αρχή σε νερομπογιές και μετά σε λάδια. Μεταξύ 1802 και 1809 ο Τέρνερ ζωγράφισε μια σειρά από θαλασσινά, μεταξύ των οποίων το «Sun Rising in Mist». Τα αριστουργήματα αυτής της περιόδου είναι «The Lake of Geneva», «Frosty Morning», «Crossing the Brook» κ.λπ. Το 1819 ο Turner βγήκε για την πρώτη του επίσκεψη στην Ιταλία. Κατά τη διάρκεια του ταξιδιού έκανε περίπου 1500 σχέδια και τα επόμενα χρόνια ζωγράφισε μια σειρά από εικόνες εμπνευσμένες από αυτά που είχε δει. Ο Τέρνερ ήταν ο κύριος του αέρα και του ανέμου, της βροχής και της ηλιοφάνειας, του ορίζοντα, των πλοίων και της θάλασσας. Διέλυσε τις μορφές του τοπίου του στο παιχνίδι του φωτός και της σκιάς, πρόλαβε τη δουλειά των γαλλικών ιμπρεσιονιστικών πινάκων. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Turner ζωγράφισε μερικές εκατοντάδες πίνακες και μερικές χιλιάδες ακουαρέλες και σχέδια. Μετά το θάνατό του, ολόκληρη η συλλογή έργων ζωγραφικής και σχεδίων του Τέρνερ παραδόθηκε στο έθνος και βρίσκονται στο National και στην Tate Galleries.
Thomas Gainsborough
Ο Thomas Gainsborough ήταν μάστερ της αγγλικής σχολής ζωγραφικής. Ήταν προσωπογράφος και τοπιογράφος. Γεννήθηκε στο Sudbury το 1727 και ήταν γιος ενός εμπόρου. Ο πατέρας του τον έστειλε στο Λονδίνο για να σπουδάσει τέχνες. Πέρασε 8 χρόνια δουλεύοντας και σπουδάζοντας στο Λονδίνο. Εκεί γνώρισε τη φλαμανδική παραδοσιακή σχολή ζωγραφικής. Στα πορτρέτα του κυριαρχούν τα πράσινα και μπλε χρώματα. Ήταν ο πρώτος Βρετανός ζωγράφος που ζωγράφισε την γηγενή βρετανική ύπαιθρο. Ζωγράφισε ένα βαγόνι με σανό, ένα φτωχικό εξοχικό, φτωχούς αγρότες. Τα τοπία του περιέχουν πολλή ποίηση και μουσική. Τα καλύτερα έργα του είναι τα «Blue Boy», «The Portrait of the Duchess of Beaufort», «Sara Siddons» και άλλα. Η ιδιαίτερη ανακάλυψη του Gainsborough ήταν η δημιουργία μιας μορφής τέχνης στην οποία οι χαρακτήρες και το φόντο σχηματίζουν μια ενιαία ενότητα. Το τοπίο δεν διατηρείται στο βάθος, αλλά στις περισσότερες περιπτώσεις άνθρωπος και φύση συγχωνεύονται σε ένα ενιαίο σύνολο μέσα από την ατμοσφαιρική αρμονία της διάθεσης. Ο Gainsborough τόνισε ότι το φυσικό υπόβαθρο για τους χαρακτήρες του πρέπει να είναι η ίδια η φύση. Τα έργα του, ζωγραφισμένα σε καθαρούς και διαφανείς τόνους, είχαν σημαντική επιρροή στους καλλιτέχνες της αγγλικής σχολής. Ήταν μπροστά από την εποχή του. Η τέχνη του έγινε πρόδρομος του Ρομαντικού Κινήματος.
Οι συλλέκτες έργων ζωγραφικής αντίκες είναι συντηρητικοί στις προτιμήσεις τους. Μεγαλύτερο ενδιαφέρον έχουν Ιταλοί δάσκαλοιΑναγέννηση, παλιά ολλανδικά και Γερμανοί ζωγράφοι, Γάλλοι ιμπρεσιονιστές και κάποιοι άλλοι. Ταυτόχρονα, καλλιτέχνες από άλλες χώρες και εποχές συχνά αξίζουν όχι λιγότερο ιδιαίτερη προσοχή. Ας δούμε τους πίνακες της Αγγλίας.
Λίγοι θα αποκαλούσαν την αγγλική ζωγραφική έναν από τους θησαυρούς της χώρας και μάταια. Ανάμεσα στους καλλιτέχνες της Αγγλίας υπάρχουν πολλοί ενδιαφέροντες και πρωτότυποι δεξιοτέχνες, των οποίων οι δημιουργίες κοσμούν τις καλύτερες γκαλερί τέχνης στον κόσμο και τις πλουσιότερες ιδιωτικές συλλογές αντικειμένων τέχνης.
Ωστόσο, ανάμεσα σε μεγάλους κύκλους φιλότεχνων, η Αγγλία υποβιβάζεται αδικαιολόγητα σε δεύτερο πλάνο. Δεν μπορούν όλοι να ονομάσουν τουλάχιστον τρεις Άγγλους ζωγράφους χωρίς δισταγμό. Ας προσπαθήσουμε να εξαλείψουμε αυτή την αδικία προτείνοντας σύντομη επισκόπησηη αρχαία αγγλική ζωγραφική από τη στιγμή της διαμόρφωσής της σε ένα ξεχωριστό, ανεξάρτητο φαινόμενο της παγκόσμιας τέχνης.
Η προέλευση της αγγλικής ζωγραφικής.
Μέχρι τον 17ο αιώνα, μπορούσε κανείς να μιλήσει για την αγγλική ζωγραφική μόνο υπό όρους. Υπήρχαν μινιατούρες ή νωπογραφίες, αλλά οι Άγγλοι έμοιαζαν χλωμοί με φόντο τα ιταλικά ή ολλανδικά σχολεία. Η ζωγραφική δεν ενθαρρύνθηκε στη χώρα - οι αυστηροί και αυστηροί πουριτανοί που κυριαρχούσαν στην ιδεολογική σφαίρα δεν καλωσόρισαν κανένα είδος «διακόσμησης».
Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι οι συγγραφείς των πρώτων αγγλικών πίνακες ζωγραφικήςδεν ήταν Άγγλοι. Η ιστορία της αγγλικής ζωγραφικής πρέπει να ξεκινήσει με τα έργα των μεγάλων Ολλανδών Rubens και Van Dyck, οι οποίοι έδωσαν ισχυρή ώθηση στην ανάπτυξη της αγγλικής καλών τεχνών. Αλλά, αν η εκτέλεση τοιχογραφιών του Ρούμπενς για το παλάτι Whitehall το 1629 έγινε για τον καλλιτέχνη, στην ουσία, μόνο μια λαμπρή προσθήκη στην καριέρα του ως διπλωμάτη (ήταν επικεφαλής της πρεσβείας του Ισπανού βασιλιά σε διαπραγματεύσεις με τον Κάρολο Α' της Αγγλίας), τότε Ο Anthony Van Dyck ήταν ο καλλιτέχνης της αυλής του Charles και έλαβε την αρχοντιά και είναι θαμμένος στον περίφημο καθεδρικό ναό του Αγίου Παύλου του Λονδίνου.
Ο Van Dyck και οι Ολλανδοί Cornelis Ketel, Daniel Mitens, οι Γερμανοί von der Faes (Peter Lely) και Gottfried Kniller (Sir Godfrey Kneller, ο αγαπημένος του Cromwell) που ήρθαν στην Αγγλία μετά από αυτόν ήταν ζωγράφοι πορτρέτων. Οι πίνακές τους διακρίνονται για λαμπρή δεξιοτεχνία και λεπτότητα ψυχολογικής παρατήρησης. Οι υπηρεσίες τους εκτιμήθηκαν ιδιαίτερα. Ήταν όλοι εξευγενισμένοι και ο Νέλερ θάφτηκε ακόμη και στο Αβαείο του Γουέστμινστερ.
Το κυρίαρχο είδος της αγγλικής ζωγραφικής ήταν τελετουργικό πορτρέτο. Τα ιστορικά και μυθολογικά θέματα κατείχαν δευτερεύουσα θέση και υπήρχαν μόνο λίγοι τοπιογράφοι.
Οι Άγγλοι τον 17ο αιώνα αναγκάστηκαν να παραχωρήσουν τους πρώτους ρόλους σε λαμπρούς ξένους. Αλλά ακόμη και ανάμεσά τους εμφανίστηκαν αρχικοί δάσκαλοι. Έτσι, ο William Dobson (1610-1646) ξεκίνησε αντιγράφοντας πίνακες των Titian και Van Dyck, αλλά τώρα οι Σκωτσέζοι άρχοντες παρουσιάζουν περήφανα στα κάστρα τους πίνακες αντίκες, πολλά από τα οποία είναι πορτρέτα των προγόνων τους από τον Dobson.
Ο 18ος αιώνας είναι η «χρυσή εποχή» της αγγλικής ζωγραφικής.
Μια πραγματική ανακάλυψη στις εικαστικές τέχνες, που αφαίρεσε το στίγμα των «αιώνιων μαθητών» από τους Βρετανούς, ήταν το έργο του William Hogarth (1697-1764).
Άνοιξε τον «χρυσό» 18ο αιώνα της αγγλικής ζωγραφικής. Ήταν καινοτόμος και ρεαλιστής από κάθε άποψη. Ζωγράφιζε ναύτες, ζητιάνους, δικούς του υπηρέτες και γυναίκες με εύκολη αρετή. Οι μεμονωμένοι πίνακές του ή κύκλοι του είναι άλλοτε έντονα σατιρικοί, άλλοτε βαθιά θλιμμένοι, αλλά πάντα πολύ ζωντανοί και ρεαλιστικοί. Και η λαμπερή χαρά του "The Girl with Shrimp" (1745) απλά σε κάνει να χαμογελάς πίσω. Αυτό το πορτρέτο θεωρείται ομόφωνα από ερασιτέχνες και κριτικούς ως ένα από τα πιο ενδιαφέροντα και ζωτικά πορτρέτα της εποχής.
Ο Χόγκαρθ έγραψε επίσης ιστορικά θέματα και ήταν δεξιοτέχνης της χαρακτικής. Είναι ο συγγραφέας του δοκιμίου «Analysis of Beauty», αφιερωμένο στους στόχους και το νόημα της καλών τεχνών (1753).
Ήταν ακριβώς από το Hogarth που η διαφωτισμένη κοινωνία της Ευρώπης άρχισε να δίνει στην αγγλική ζωγραφική την άξια θέση της, οι αγγλικοί πίνακες έγιναν περιζήτητοι και ο ίδιος ο καλλιτέχνης απέκτησε ηπειρωτική φήμη.
Ο δεύτερος μεγάλος δάσκαλος, τα έργα του οποίου πρέπει να δώσουν προσοχή από τους γνώστες των έργων ζωγραφικής αντίκες, ήταν ο Joshua Reynolds (1723-1792), ο πρώτος πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών. Σπούδασε στην Αγγλία και πέρασε τρία χρόνια στην Ιταλία, όπου ο Μιχαήλ Άγγελος έγινε το είδωλό του. Το πορτρέτο παρέμεινε το κύριο είδος στο οποίο εργάστηκε ο καλλιτέχνης.
Οι δημιουργίες του διακρίνονται από μεγάλη ποικιλομορφία - από τελετουργικά πορτρέτα των ευγενών γεμάτα τελειότητα και ακαμψία έως γοητευτικές εικόνες παιδιών (απλώς δείτε το υπέροχο "Κορίτσι με Φράουλες", 1771).
Ο πλοίαρχος έδωσε επίσης ένα δώρο στα απαραίτητα μυθολογικά θέματα, αλλά οι χαρακτήρες του δεν είναι σε καμία περίπτωση ακαδημαϊκοί. Απλώς κοιτάξτε την παιχνιδιάρικη Αφροδίτη («Ο Έρως Λύνει τη Ζώνη της Αφροδίτης», 1788) ή τον παιδικά σοβαρό ταραχοποιό Ηρακλή («Νέφος Ηρακλής Στραγγαλίζοντας το Φίδι», 1786).
Ο Ρέινολντς ήταν επίσης ένας εξαιρετικός θεωρητικός της τέχνης, ο οποίος άφησε πολλά έργα από τα οποία διδάχθηκαν γενιές ζωγράφων. Στο τέλος της ζωής του, ο καλλιτέχνης υπέστη ένα τρομερό χτύπημα - έχασε την όρασή του.
Ο τρίτος μεγάλος δάσκαλος αυτής της περιόδου ήταν ο Thomas Gainsborough (1727-1788), σταθερός αντίπαλος του Reynolds. Ο Gainsborough, κατώτερος του αντιπάλου του στην πληρότητα του πινέλου του και στην τελειοποίηση της τεχνικής, τον ξεπέρασε στην πρωτοτυπία και τον αυθορμητισμό στη μεταφορά της φύσης.
Πρέπει να ειπωθεί ότι ο Gainsborough ασχολήθηκε με το πορτραίτο μόνο επειδή αυτό το είδος, σε αντίθεση με το αγαπημένο του τοπίο, έκανε δυνατό να ζήσει άνετα. Ωστόσο, τα πορτρέτα του ήταν εντυπωσιακά διαφορετικά από τα παραδοσιακά. Οι άνθρωποι πραγματικά ζουν σε αυτά, είναι βυθισμένοι στον εσωτερικό τους κόσμο και δεν ποζάρουν ή «βυθίζονται σε σκέψεις για σπουδαία πράγματα». Γι' αυτό το Gainsborough έχει τόσα πολλά οικογενειακά και παιδικά πορτρέτα - οι πελάτες προτιμούσαν να βλέπουν τα αγαπημένα τους πρόσωπα όπως είναι.
Ίσως το πιο διάσημο αριστούργημα του Gainsborough είναι το The Boy in Blue (1770). Λεπτή μετάδοση εσωτερικός κόσμοςένας ήρεμος, αξιοπρεπής νεαρός άνδρας, ένας υπέροχος χρωματικός συνδυασμός - όλα αυτά τοποθετούν τον Gainsborough ανάμεσα στους μεγαλύτερους προσωπογράφους της Ευρώπης του 18ου αιώνα. Με τα χρόνια, το ζωγραφικό στυλ του καλλιτέχνη γίνεται όλο και πιο ελεύθερο, ελαφρύ και ευρύ, προκαλώντας συσχετισμούς με πολύ μεταγενέστερο ιμπρεσιονισμό.
Ωστόσο, το αγαπημένο είδος του πλοιάρχου ήταν πάντα το τοπίο. Ακόμα και στα πορτραίτα του, το φόντο παίζει μεγάλο, μερικές φορές σχεδόν ίσο ρόλο. Τα πινέλα του Gainsborough περιλαμβάνουν πολλά είδη αγγλικής φύσης, τα πιο διάσημα από τα οποία είναι το "Forest Cornard" πρώιμη περίοδοδημιουργικότητα (1748) και «The Watering Place» (περίπου 1774-1777).
Όταν μιλάμε για το αγγλικό τοπίο, δεν μπορούμε να μην αναφέρουμε τον Richard Wilson (1714-1782). Χρωματίζει τους πίνακες, που ήταν αρκετά παραδοσιακοί σε σύνθεση και θέματα, με φωτεινούς, ζωηρούς τόνους. Ως εκ τούτου, οι καμβάδες του φαίνονταν πολύ φυσικοί στους συγχρόνους του και υπήρχαν λίγοι άνθρωποι που ήταν πρόθυμοι να αγοράσουν τους πίνακές του. Ο πλοίαρχος έλαβε την άξια αναγνώριση μόνο έναν αιώνα μετά το θάνατό του. Ανάμεσα σε άλλους τοπιογράφους, μπορούμε να ξεχωρίσουμε τους οπαδούς του Gainsborough, George Moreland (1763-1804) και John Crome (1768-1821), ιδρυτή της σχολής «Norwich», που έγινε διάσημη τον 19ο αιώνα.
Στο δεύτερο μισό του αιώνα, μια ιστορική κατεύθυνση εμφανίστηκε στην αγγλική ζωγραφική, αλλά λίγοι πραγματικά εξαιρετικοί δάσκαλοι εργάστηκαν στο ιστορικό είδος. Η αγορά ιστορικών πινάκων θεωρούνταν ένα είδος πατριωτικού καθήκοντος.
Η αλλαγή των αιώνων XVIII-XIX. Νέες τάσεις στην αγγλική ζωγραφική
Το τέλος του 18ου αιώνα σημαδεύτηκε από μεγάλες ανατροπές. Η Γαλλική Επανάσταση και η εποχή του Ναπολέοντα έφεραν νέους ήρωες στο προσκήνιο - στρατιωτικούς, πολιτικούς και μαχητές. Πορτρέτο και ζωγραφική ιστορίαςαποκτήσουν εξαιρετική σημασία. Αλλά, αν κάποιες εικόνες πολιτικών είναι παραδοσιακά γεμάτες αξιοπρέπεια και σημασία, τότε άλλες φέρουν το αποτύπωμα του αχαλίνωτου ρομαντισμού που κυριαρχούσε στη λογοτεχνία εκείνη την εποχή. Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της πρώτης κατεύθυνσης ήταν ο Thomas Lawrence, ο δεύτερος - ο George Dow.
Η «λαμπρή αλλά ψυχρή» (όπως το έθεσαν οι κριτικοί τέχνης) τέχνη του Λόρενς (1769-1830) του έφερε τεράστια δημοτικότητα στην ήπειρο. Η πατρίδα του αναγνώρισε επίσης τα πλεονεκτήματά του - για πολλά χρόνια ήταν πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών. Τα πορτρέτα του διακρίνονται από την προσεκτική απεικόνιση των κουρτινών, των ρούχων, τη σημασία των προσώπων των χαρακτήρων, την αίσθηση της αυτοεκτίμησης και της ανωτερότητάς τους. Ακόμη και στο πορτρέτο της συγκλονιστικά διάσημης, εκκεντρικής και ιδιότροπης κυρίας Caroline Lamb, της ερωμένης του Byron, της οποίας οι γελοιότητες ήταν θρυλικές, βλέπουμε μια ήρεμη, στοχαστική γυναίκα.
Για το λόγο αυτό, ανάμεσα στους πελάτες του Lawrence υπάρχουν τόσα άτομα από τις ευγενέστερες οικογένειες της Ευρώπης, βασιλιάδες και πριγκίπισσες. Συχνά, για να ευχαριστήσει τον πελάτη, ο καλλιτέχνης ξαναέφτιαχνε πορτρέτα, δίνοντας στα πρόσωπα τη δέουσα μεγαλοπρέπεια.
Τα έργα του George Dow (1789-1829), αντίθετα, διακρίνονταν από συναισθηματικότητα και ζωντάνια. Σύμφωνα με τον A.G. Venetsianov, τα πορτρέτα του Doe δεν είναι πορτρέτα, αλλά ζωντανά πρόσωπα. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τους καλύτερους καμβάδες του στη Ρωσία, όπου, μετά από πρόσκληση του Αλέξανδρου Α', ζωγράφισε πορτρέτα για τη Στρατιωτική Πινακοθήκη του Χειμερινού Ανακτόρου. Ο Ντάου ζωγράφισε πολλά πορτρέτα των πιο επιφανών στρατιωτικών ηγετών της Ρωσίας και το πορτρέτο του Αλέξανδρου Α' θεωρείται η καλύτερη εικόνα του αυτοκράτορα.
Οι καμβάδες του ζωγραφίστηκαν γρήγορα, κυριολεκτικά σε τρεις συνεδρίες, και είχαν εκπληκτική ομοιότητα με τον πρωτότυπο. Οι πελάτες ήταν απολύτως ευχαριστημένοι. Ο Πούσκιν περιέγραψε το έργο του Doe με εξαιρετικά λόγια. Η εξουσία του πλοιάρχου ήταν τόσο μεγάλη που εξελέγη μέλος των ακαδημιών τέχνης της Αγίας Πετρούπολης, του Λονδίνου, της Βιέννης, του Παρισιού, της Φλωρεντίας, της Δρέσδης, του Μονάχου και της Στοκχόλμης.
Η αγγλική τοπιογραφία γνώρισε ιδιαίτερη ανάπτυξη στις αρχές του αιώνα. Βρετανοί μάστορες αυτού του είδους παίζουν πρωταγωνιστικούς ρόλους στην Ευρώπη. Η μεγαλύτερη επιρροή στους μεταγενέστερους καλλιτέχνες ήταν ο John Constable (1776-1837). Δεν είχε πάει ποτέ στο εξωτερικό και έγραφε μόνο για την παλιά καλή Αγγλία. Απεικόνιζε απόψεις της πατρίδας του με απόλυτη αυθεντικότητα. Ο πλοίαρχος κατέκτησε τόσο αριστοτεχνικά το χρώμα και το κιαροσκούρο που, σύμφωνα με τους σύγχρονους, στους πίνακές του μπορείς κυριολεκτικά να νιώσεις τη φρεσκάδα του ανέμου και να ακούσεις το θρόισμα των φύλλων στις κορυφές των δέντρων.
Το τέλος του 18ου αιώνα σημαδεύτηκε από την ευρεία χρήση της ακουαρέλας. Οι νερομπογιές χρησιμοποιούνταν συχνά στην Αγγλία πριν, αλλά τώρα εκτιμήθηκε η ακουαρέλα. Ο Constable ήταν εξαιρετικός ακουαρέλας, αλλά η πραγματική τελειότητα στην ακουαρέλα επιτεύχθηκε από έναν άλλο φωτιστή του αγγλικού τοπίου - τον Joseph William Turner (1775-1851). Τα στοιχεία του ήταν η θάλασσα και ο αέρας, τα δύο πιο ανταποδοτικά θέματα για τις προσπάθειες ενός υδατογραφιστή, τα στοιχεία είναι γρήγορα, ιδιότροπα και ευμετάβλητα.
Πολλά από τα έργα του Turner είναι ζωγραφισμένα με λάδια, αλλά ποτέ δεν πρόδωσε τα αγαπημένα του στοιχεία. Ακόμη και σε αρκετά παραδοσιακές εικόνες αρχιτεκτονικών μνημείων, ο ουρανός και το νερό είναι ένας από τους κύριους χαρακτήρες. Όλοι οι πίνακες του καλλιτέχνη είναι γεμάτοι φωτιστικά εφέ, ακόμη και συγκεκριμένα αντικείμενα μεταδίδουν τη φύση όσο λειτουργούν ως φορείς φωτεινών χρωμάτων και δημιουργούν τη συνολική διάθεση της εικόνας. Ένας από τους πιο χαρακτηριστικούς από αυτή την άποψη και, ίσως, ο πιο εκφραστικός από τους πίνακές του είναι το «Fire at Sea» (1834).
Η συμβολή του Turner στον κόσμο των καλών τεχνών δεν περιορίζεται στους δικούς του πίνακες. Κατά τη διάρκεια του Γαλλο-Πρωσικού Πολέμου, οι μελλοντικοί διάσημοι Claude Monet, Alfred Sisley και Camille Pissarro εγκατέλειψαν τη Γαλλία και πήγαν στο Λονδίνο για να μελετήσουν το έργο των Άγγλων τοπιογράφων. Επηρεάστηκαν περισσότερο από τα έργα του Turner, του οποίου η επιθυμία να θυσιάσει συχνά λεπτομέρειες, αλλά να δημιουργήσει τη συνολική συναισθηματική διάθεση της εικόνας μέσω του παιχνιδιού των χρωμάτων και της ελευθερίας του κτυπήματος, έγινε αργότερα μια από τις θεμελιώδεις αρχές του ιμπρεσιονισμού. Ως εκ τούτου, ο Turner μπορεί δικαίως να θεωρηθεί ένας από τους προδρόμους αυτού του μεγάλου κινήματος.
Μέσα 19ου αιώνα. Αναζητώντας το νέο στο παλιό
Το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα χαρακτηρίστηκε από αρκετούς κριτικούς ως περίοδος στασιμότητας στην αγγλική ζωγραφική. Την ίδια άποψη είχε και μια ομάδα νέων καλλιτεχνών, πολύ δημοφιλών κάποτε, που οργάνωσαν την Προ-Ραφαηλική Αδελφότητα στα τέλη της δεκαετίας του '40. Τα μέλη του ζήτησαν απόρριψη νεκρών παραδόσεων, συμβάσεων και ακαδημαϊσμού της σύγχρονης τέχνης και επιστροφή στην άμεση και ειλικρινή ζωγραφική της περιόδου «πριν από τον Ραφαήλ».
Στο έργο των μελών της Αδελφότητας, είναι ξεκάθαρα αισθητή η επιθυμία να ακολουθήσουν τους κανόνες της πρώιμης Αναγέννησης. Αυτό εκφράστηκε σε όλα, από την πλοκή, το στυλ γραφής με ιδιαίτερη προσοχήστις λεπτομέρειες και τη βαθιά επεξεργασία του χρώματος και στην απαίτηση να ζωγραφίζεις μόνο από τη ζωή και απευθείας στον καμβά. Προσπάθησαν μάλιστα να ετοιμάσουν καμβάδες και χρώματα σύμφωνα με μεσαιωνικές συνταγές.
Η εξέγερση των νέων ζωγράφων ενάντια στους κανόνες, το θάρρος τους προκάλεσε σύντομα την απόρριψη από την κοινότητα της πρωταρχικής τέχνης. Ωστόσο, η ενεργή υποστήριξη του έγκυρου κριτικού John Ruskin άλλαξε τη στάση των φιλότεχνων απέναντι στην Αδελφότητα.
Οι πιο αξιόλογες μορφές της Αδελφότητας είναι ο Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) και ο John Everett Millais (1829-1896). Είναι οι συγγραφείς των πιο χαρακτηριστικών πινάκων για την Αδελφότητα - «Ο θάνατος της Οφηλίας» του Μιλέτ και πολυάριθμων πορτρέτων της αγαπημένης του Ροσέτι Τζέιν Μόρις με τη μορφή της μυθικής Προσερπίνας, της Αστάρτης κ.λπ.
Η προ-Ραφαηλική κοινωνία κατέρρευσε στο γύρισμα των δεκαετιών του '50 και του '60, αλλά στις επόμενες δεκαετίες η επιρροή της ήταν πολύ αισθητή, όχι μόνο στη ζωγραφική ή την ποίηση, αλλά και στην τέχνη επίπλων, το σχέδιο βιβλίων και άλλους εφαρμοσμένους τομείς. Η μοίρα των μελών της εξελίχθηκε διαφορετικά. Έτσι, αν ο Rossetti εγκατέλειψε εντελώς τη ζωγραφική, τότε ο Millet, κάπως απομακρυνόμενος από το ύφος του προ-ραφαηλιτισμού, παρέμεινε πολύ σε ζήτηση και είναι τώρα ο πιο αγαπημένος καλλιτέχνης στην Αγγλία του 2ου μισού του 19ου αιώνα.
Μέχρι το τέλος του αιώνα, η Αγγλία επηρεαζόταν όλο και περισσότερο από Γάλλοι καλλιτέχνες– ρεαλιστές και ιμπρεσιονιστές. Ένας από τους πιο ενδιαφέροντες εκπροσώπους της αγγλικής σχολής αυτής της περιόδου ήταν ο γεννημένος στις ΗΠΑ James McNeil Whistler, ζωγράφος πορτρέτων και τοπίων (1834-1903). Ζωγράφιζε με παραδοσιακή τεχνική, αλλά η αγάπη του για τα διακριτικά εφέ φωτός και της σκιάς, τις ασταθείς, ασταθείς καταστάσεις της φύσης τον κάνουν παρόμοιο με τους ιμπρεσιονιστές.
Τοπίο στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα. παρέμεινε το χόμπι των Άγγλων ζωγράφων. Μεταξύ των οπαδών του ιμπρεσιονισμού μπορούμε να αναφέρουμε τον μαθητή του Whistler Richard Sickert (1860-1942), μεταξύ των παραδοσιακών ζωγράφων τοπίου - George Turner και ο γιος του William Lakin Turner (1867-1936), Frederick Tucker (1860-1935) και άλλοι. Αφομοίωσαν πλήρως την κληρονομιά των διάσημων προκατόχων τους και εκπροσώπησαν επάξια την αγγλική εικαστική παράδοση στο Ευρωπαϊκή τέχνη. Το έργο των δύο τελευταίων δασκάλων παρουσιάζεται στη συλλογή μας.
Ακόμη και μια πρόχειρη ματιά στις δημιουργίες των δασκάλων που συζητούνται σε αυτό το άρθρο μας επιτρέπει να κατανοήσουμε την ελκυστική δύναμη της αρχαίας ζωγραφικής. Ας μην ξεχνάμε ότι η αγορά ενός πίνακα δεν είναι απλώς μια κερδοφόρα επένδυση. Αυτό, πρώτα απ 'όλα, θα φέρει την ομορφιά στο σπίτι, τον καρπό της έμπνευσης του κυρίου, ένα κομμάτι της αθανασίας του.