La obra de Anna Ajmátova.
- El comienzo de la creatividad de Ajmátova.
- Características de la poesía de Ajmátova.
- El tema de San Petersburgo en las letras de Ajmátova
- El tema del amor en la obra de Ajmátova
- Ajmátova y la revolución
- Análisis del poema "Réquiem"
- Ajmátova y la Segunda Guerra Mundial, el asedio de Leningrado, la evacuación
- Muerte de Ajmátova
El nombre de Anna Andreevna Akhmatova está a la par de los nombres de destacadas luminarias de la poesía rusa. Es poco probable que su voz tranquila y sincera, la profundidad y la belleza de sus sentimientos dejen indiferente al menos a un lector. No es casualidad que sus mejores poemas hayan sido traducidos a muchos idiomas del mundo.
- El comienzo de la creatividad de Ajmátova.
En su autobiografía titulada “Brevemente sobre mí” (1965), A. Akhmatova escribió: “Nací el 11 (23) de junio de 1889 cerca de Odessa (Gran Fuente). Mi padre era en ese momento un ingeniero mecánico naval jubilado. Cuando tenía un año, me transportaron al norte, a Tsarskoye Selo. Viví allí hasta los dieciséis años... Estudié en el gimnasio femenino de Tsarskoye Selo... Mi último año fue en Kiev, en el gimnasio Fundukleevskaya, donde me gradué en 1907”.
Ajmátova comenzó a escribir mientras estudiaba en el gimnasio. Su padre, Andrei Antonovich Gorenko, no aprobaba sus aficiones. Esto explica por qué la poetisa tomó como seudónimo el apellido de su abuela, que descendía de Khan tártaro Akhmat, que llegó a Rusia durante la invasión de la Horda. "Por eso se me ocurrió ponerme un seudónimo", explicó más tarde la poetisa, "porque papá, al enterarse de mis poemas, dijo: "No deshonres mi nombre".
Ajmátova prácticamente no tuvo ningún aprendizaje literario. Su primera colección de poesía, "Tarde", que incluía poemas de sus años de escuela secundaria, atrajo inmediatamente la atención de los críticos. Dos años más tarde, en marzo de 1917, se publicó el segundo libro de sus poemas, “El Rosario”. Comenzaron a hablar de Ajmátova como una maestra de la palabra original y completamente madura, lo que la distingue claramente de otros poetas acmeístas. Los contemporáneos quedaron asombrados por su innegable talento, alto grado Originalidad creativa de la joven poetisa. Caracteriza el estado mental oculto de una mujer abandonada. “Gloria a ti, dolor desesperado”, con estas palabras, por ejemplo, comienza el poema “El rey de ojos grises” (1911). O aquí están los versos del poema “Me dejó en la luna nueva” (1911):
La orquesta toca alegremente.
Y los labios sonríen.
Pero el corazón sabe, el corazón sabe
¡Esa caja cinco está vacía!
Siendo una maestra del lirismo íntimo (su poesía es a menudo llamada “diario íntimo”, “confesión de mujer”, “confesión alma femenina"), Akhmatova recrea experiencias emocionales con la ayuda de palabras cotidianas. Y esto le da a su poesía un sonido especial: la vida cotidiana sólo realza el significado psicológico oculto. Los poemas de Akhmatova a menudo capturan los puntos más importantes, e incluso decisivos, de la vida, la culminación de la tensión mental asociada con el sentimiento de amor. Esto permite a los investigadores hablar sobre el elemento narrativo de su obra, sobre el impacto de la prosa rusa en su poesía. Así, V. M. Zhirmunsky escribió sobre el carácter novelístico de sus poemas, teniendo en cuenta el hecho de que en muchos de los poemas de Ajmátova situaciones de la vida se representan, como en la novela, en el momento más agudo de su desarrollo. El "novelismo" de la letra de Ajmátova se ve reforzado por la introducción de un animado discurso coloquial hablado en voz alta (como en el poema "Apretó las manos bajo un velo oscuro". Este discurso, generalmente interrumpido por exclamaciones o preguntas, es fragmentario. Sintácticamente dividido en breves segmentos, está lleno de conjunciones lógicamente inesperadas y emocionalmente justificadas "a" o "y" al comienzo de la línea:
¿No te gusta, no quieres verlo?
¡Oh, qué hermosa eres, maldita sea!
Y no puedo volar
Y desde pequeño tuve alas.
La poesía de Ajmátova, con su entonación coloquial, se caracteriza por la transferencia de una frase inacabada de una línea a otra. No menos característico es la frecuente brecha semántica entre las dos partes de la estrofa, una especie de paralelismo psicológico. Pero detrás de esta brecha se esconde una lejana conexión asociativa:
¡Cuántas peticiones tiene siempre tu amada!
Una mujer que se ha enamorado no tiene peticiones.
Me alegro mucho que hoy haya agua.
Se congela bajo el hielo incoloro.
Akhmatova también tiene poemas donde la narración se cuenta no solo desde la perspectiva de la heroína o héroe lírico (lo cual, por cierto, también es muy notable), sino desde la tercera persona, o mejor dicho, la narración en primera y tercera persona. está combinado. Es decir, parecería que ella usa puramente género narrativo, sugiriendo tanto narración como incluso carácter descriptivo. Pero incluso en esos poemas sigue prefiriendo la fragmentación y la reticencia lírica:
Subió. No mostré mi entusiasmo.
Mirando con indiferencia por la ventana.
Ella se sentó. Como un ídolo de porcelana
En la pose que había elegido hace mucho tiempo...
La profundidad psicológica de las letras de Akhmatova se crea mediante una variedad de técnicas: subtexto, gesto externo, detalle que transmite la profundidad, la confusión y la naturaleza contradictoria de los sentimientos. Aquí, por ejemplo, hay versos del poema "La canción del último encuentro" (1911). donde la emoción de la heroína se transmite a través de un gesto externo:
Mi pecho estaba tan irremediablemente frío,
Pero mis pasos fueron ligeros.
lo puse en mi mano derecha
Guante de la mano izquierda.
Las metáforas de Ajmátova son brillantes y originales. Sus poemas están literalmente repletos de diversidad: "otoño trágico", "humo peludo", "nieve silenciosa".
Muy a menudo, las metáforas de Ajmátova son fórmulas poéticas de sentimientos amorosos:
Todo para ti: y oración diaria,
Y el calor derretimiento del insomnio,
Y mis poemas son un rebaño blanco,
Y mis ojos son fuego azul.
2. Características de la poesía de Ajmátova.
La mayoría de las veces, las metáforas de la poetisa están tomadas del mundo natural y lo personifican: “Principios de otoño colgados // Banderas amarillas en los olmos”; “El otoño es rojo en el dobladillo//Trajo hojas rojas”.
Una de las características notables de la poética de Akhmatova también debe incluir lo inesperado de sus comparaciones ("En lo alto del cielo, una nube se volvió gris, // Como la piel de una ardilla extendida" o "Calor sofocante, como estaño, // Se derrama desde el cielos a la tierra reseca”).
A menudo utiliza este tipo de tropo como un oxímoron, es decir, una combinación de definiciones contradictorias. Este es también un medio de psicologización. Un ejemplo clásico del oxímoron de Akhmatova son los versos de su poema “La estatua de Tsarskoye Selo* (1916): Mira, para ella es divertido estar triste. Tan elegantemente desnuda.
Los detalles desempeñan un papel muy importante en los versos de Ajmátova. Aquí, por ejemplo, hay un poema sobre Pushkin “In Tsarskoe Selo” (1911). Ajmátova escribió más de una vez sobre Pushkin y sobre Blok; ambos eran sus ídolos. Pero este poema es uno de los mejores del pushkinismo de Ajmátova:
El joven de piel oscura deambulaba por los callejones,
Las orillas del lago estaban tristes
Y apreciamos el siglo.
Un susurro de pasos apenas audible.
Las agujas de pino son gruesas y espinosas.
Tapa de luces bajas...
Aquí estaba su sombrero de tres picos.
Y el volumen despeinado Chicos.
Solo algunos detalles característicos: un tricornio, un volumen amado por Pushkin, un estudiante de liceo, Guys, y casi sentimos claramente la presencia del gran poeta en los callejones del parque Tsarskoye Selo, reconocemos sus intereses, peculiaridades de su forma de andar. , etc. En este sentido, el uso activo de los detalles, Akhmatova también va en línea con la búsqueda creativa de los prosistas de principios del siglo XX, que dieron a los detalles un mayor significado semántico y funcional que en el siglo anterior.
Hay muchos epítetos en los poemas de Akhmatova, que el famoso filólogo ruso A. N. Veselovsky una vez llamó sincréticos, porque nacen de una percepción holística e inseparable del mundo, cuando los sentimientos se materializan, objetivan y los objetos se espiritualizan. Ella llama a la pasión "candente", su cielo está "marcado por el fuego amarillo", es decir, el sol, ve "candelabros de calor sin vida", etc. Pero los poemas de Ajmátova no son esbozos psicológicos aislados: la agudeza y la sorpresa de la visión del mundo se combina con la intensidad y la profundidad del pensamiento. El poema "Song" (1911) comienza como una historia sencilla:
estoy al amanecer
Canto sobre el amor.
De rodillas en el jardín
Campo de cisnes.
Y termina con un pensamiento bíblicamente profundo sobre la indiferencia de un ser querido:
Habrá piedra en lugar de pan.
Mi recompensa es el Mal.
Sobre mí sólo está el cielo,
El deseo de laconismo artístico y al mismo tiempo de la capacidad semántica del verso también se expresó en el uso generalizado de aforismos por parte de Akhmatova para representar fenómenos y sentimientos:
Hay una esperanza menos
Habrá una canción más.
De los demás recibo alabanzas que son malas.
De ti y la blasfemia - alabanza.
Akhmatova asigna un papel importante a la pintura en color. Su color favorito es el blanco, enfatizando la naturaleza plástica del objeto, dándole un tono mayor a la obra.
A menudo en sus poemas el color opuesto es el negro, realzando el sentimiento de tristeza y melancolía. También hay una combinación contrastante de estos colores, que enfatiza la complejidad y la inconsistencia de los sentimientos y estados de ánimo: "Para nosotros sólo brillaba una oscuridad siniestra".
Ya en los primeros poemas de la poetisa se intensificaba no sólo la visión, sino también el oído e incluso el olfato.
La música sonó en el jardín.
Un dolor tan indescriptible.
Olor fresco y penetrante del mar.
Ostras con hielo en un plato.
Gracias al hábil uso de la asonancia y la aliteración, los detalles y fenómenos del mundo circundante parecen renovados y prístinos. La poetisa permite al lector sentir el “olor apenas audible del tabaco”, sentir cómo “un dulce olor brota de la rosa”, etc.
En términos de su estructura sintáctica, el verso de Akhmatova gravita hacia una frase concisa y completa, en la que a menudo se omiten no solo los miembros secundarios, sino también los principales de la oración: (“Veintiuno. Noche... Lunes”), y especialmente a la entonación coloquial. Esto transmite una engañosa sencillez a sus letras, detrás de la cual se esconde una gran cantidad de experiencias emocionales y una gran habilidad.
3. El tema de San Petersburgo en las letras de Ajmátova.
Junto con el tema principal, el tema del amor, en las primeras letras de la poetisa surgió otro: el tema de San Petersburgo, sus habitantes. La majestuosa belleza de su amada ciudad está incluida en su poesía como parte integral de los movimientos espirituales de la heroína lírica, enamorada de las plazas, terraplenes, columnas y estatuas de San Petersburgo. Muy a menudo estos dos temas se combinan en sus letras:
EN último tiempo nos conocimos entonces
En el terraplén, donde siempre nos veíamos.
Había mucha agua en el Neva
Y temían las inundaciones en la ciudad.
4. El tema del amor en la obra de Ajmátova.
La descripción del amor, principalmente amor no correspondido y lleno de dramatismo, es el contenido principal de toda la poesía temprana de A. A. Akhmatova. Pero estas letras no son estrictamente íntimas, sino de gran escala en su significado y significado. Refleja la riqueza y complejidad de los sentimientos humanos, una conexión inextricable con el mundo, porque la heroína lírica no se limita solo a su sufrimiento y dolor, sino que ve el mundo en todas sus manifestaciones, y es infinitamente querido y querido para ella. :
Y el chico que toca la gaita
Y la niña que teje su propia corona.
Y dos caminos se cruzaron en el bosque
Y en el campo lejano hay una luz lejana:
Veo todo. recuerdo todo
Amorosamente y brevemente en mi corazón...
("Y el niño que toca la gaita")
Sus colecciones contienen muchos paisajes dibujados con amor, bocetos cotidianos, pinturas de la Rusia rural, signos de la "tierra escasa de Tver", donde visitaba a menudo la finca de N. S. Gumilyov Slepnevo:
Grúa en un viejo pozo
Sobre él, como nubes hirvientes,
Hay puertas chirriantes en los campos
Y el olor a pan y la melancolía.
Y esos espacios oscuros
Y miradas críticas
Mujeres bronceadas tranquilas.
("Sabes, estoy languideciendo en cautiverio...")
Al dibujar discretos paisajes de Rusia, A. Akhmatova ve en la naturaleza una manifestación del Creador todopoderoso:
En cada árbol está el Señor crucificado,
En cada oído está el cuerpo de Cristo,
Y las oraciones son la palabra más pura.
Cura la carne dolorida.
El arsenal de pensamiento artístico de Ajmátova incluía mitos antiguos, folclore e historia sagrada. Todo esto a menudo pasa a través del prisma de un profundo sentimiento religioso. Su poesía está literalmente impregnada de imágenes y motivos bíblicos, reminiscencias y alegorías de libros sagrados. Se ha señalado correctamente que “las ideas del cristianismo en la obra de Ajmátova se manifiestan no tanto en los aspectos epistemológicos y ontológicos, sino en los fundamentos morales y éticos de su personalidad”3.
Desde temprana edad, la poetisa se caracterizó por una alta autoestima moral, un sentimiento de pecaminosidad y un deseo de arrepentimiento, característico de la conciencia ortodoxa. La aparición del "yo" lírico en la poesía de Ajmátova es inseparable del "repicar de las campanas", de la luz de la "casa de Dios"; la heroína de muchos de sus poemas aparece ante el lector con una oración en los labios, esperando la llegada de él. “juicio final”. Al mismo tiempo, Akhmatova creía firmemente que todas las personas caídas y pecadoras, pero sufrientes y arrepentidas, encontrarían la comprensión y el perdón de Cristo, porque "sólo el azul // Celestial y la misericordia de Dios son inagotables". Su heroína lírica “anhela la inmortalidad” y “cree en ella, sabiendo que “las almas son inmortales”. El vocabulario religioso abundantemente utilizado por Ajmátova (lámpara, oración, monasterio, liturgia, misa, icono, vestimentas, campanario, celda, templo, imagen, etc.) crea un sabor especial, un contexto de espiritualidad. Se centró en las tradiciones nacionales espirituales y religiosas y en muchos elementos del sistema de géneros de la poesía de Ajmátova. Géneros de sus letras como confesión, sermón, predicción, etc. están llenos de un pronunciado contenido bíblico. Tales son los poemas “Predicción”, “Lamentación”, el ciclo de sus “Versículos bíblicos” inspirados en el Antiguo Testamento, etc.
Especialmente a menudo recurrió al género de la oración. Todo ello confiere a su obra un carácter verdaderamente nacional, espiritual, confesional y terrenal.
Los primeros cambios en el desarrollo poético de Ajmátova fueron causados por guerra mundial. A partir de ese momento, su poesía incluyó aún más ampliamente motivos de ciudadanía, el tema de Rusia, su tierra natal. Al percibir la guerra como un terrible desastre nacional, la condenó desde una posición moral y ética. En el poema “Julio de 1914” escribió:
El enebro huele dulce.
Moscas de los bosques en llamas.
Los soldados se quejan de los chicos.
El llanto de una viuda resuena en el pueblo.
En el poema "Oración" (1915), impactando con el poder del sentimiento de abnegación, ora al Señor por la oportunidad de sacrificar todo lo que tiene por su Patria, tanto su vida como la de sus seres queridos:
Dame los años amargos de la enfermedad,
Asfixia, insomnio, fiebre,
Llévate al niño y al amigo,
Y el misterioso don de la canción.
Por eso rezo en tu liturgia
Después de tantos días tediosos,
Para que una nube sobre la Rusia oscura
Se convirtió en una nube en la gloria de los rayos.
5. Ajmátova y la revolución.
cuando en años revolución de octubre Cada artista del mundo se enfrentó a la pregunta: si quedarse en su tierra natal o abandonarla, Ajmátova eligió lo primero. En su poema de 1917 "Tenía una voz...", escribió:
Él dijo "Ven aquí"
Deja tu tierra, querida y pecadora,
Deja Rusia para siempre.
Lavaré la sangre de tus manos,
Quitaré de mi corazón la negra vergüenza,
Lo cubriré con un nuevo nombre
El dolor de la derrota y el resentimiento."
Pero indiferente y tranquilo.
Me tapé los oídos con las manos
Para que con este discurso indigno
El espíritu afligido no fue contaminado.
Ésta era la posición de un poeta patriótico, enamorado de Rusia, que no podía imaginar su vida sin ella.
Esto no significa, sin embargo, que Ajmátova aceptara incondicionalmente la revolución. Un poema de 1921 da testimonio de la complejidad y la naturaleza contradictoria de su percepción de los acontecimientos. “Todo es robado, traicionado, vendido”, donde la desesperación y el dolor por la tragedia de Rusia se combinan con la esperanza oculta de su renacimiento.
Años de revolución y guerra civil Fueron muy difíciles para Akhmatova: una vida semi-mendiga, la vida al día, la ejecución de N. Gumilyov; todo esto lo experimentó muy duramente.
Ajmátova no escribió mucho en los años 20 y 30. Por momentos le parecía que la Musa la había abandonado por completo. La situación se vio agravada aún más por el hecho de que los críticos de esos años la trataron como una representante de la cultura de salón de la nobleza, ajena al nuevo sistema.
Los años 30 resultaron ser las pruebas y experiencias más difíciles para Ajmátova en su vida. La represión que cayó sobre casi todos los amigos y personas de ideas afines de Ajmátova también la afectó: en 1937, ella y el hijo de Gumilyov, Lev, estudiante de la Universidad de Leningrado, fueron arrestados. La propia Ajmátova vivió todos estos años esperando un arresto permanente. A los ojos de las autoridades, ella era una persona extremadamente poco confiable: la esposa del "contrarrevolucionario" ejecutado N. Gumilyov y la madre del "conspirador" arrestado Lev Gumilyov. Al igual que Bulgakov, Mandelstam y Zamyatin, Ajmátova se sentía como un lobo perseguido. Más de una vez se comparó con un animal despedazado y colgado de un gancho ensangrentado.
Me levantas como a una bestia muerta en el maldito.
Ajmátova entendió perfectamente su exclusión del “estado calabozo”:
No con la lira de un amante
Voy a cautivar a la gente -
Trinquete del leproso
Canta en mi mano.
Tendrás tiempo de irte a la mierda.
Y aullando y maldiciendo,
Te enseñaré a alejarte
Ustedes, valientes, de mi parte.
("El trinquete del leproso")
En 1935, escribió un poema invectivo en el que el tema del destino del poeta, trágico y elevado, se combina con una apasionada filípica dirigida a las autoridades:
¿Por qué envenenaste el agua?
¿Y mezclaron mi pan con mi tierra?
¿Por qué la última libertad?
¿Lo vas a convertir en un belén?
porque no me burlé
¿Por la amarga muerte de amigos?
Porque me mantuve fiel
¿Mi triste patria?
Que así sea. Sin verdugo y cadalso
No habrá poeta en la tierra.
Tenemos camisas de arrepentimiento.
Deberíamos ir a aullar con una vela.
(“¿Por qué envenenaste el agua...”)
6. Análisis del poema “Réquiem”.
Todos estos poemas fueron preparados por el poema de A. Akhmatova "Réquiem", que ella creó en los años 1935-1940. Mantuvo el contenido del poema en su cabeza, confiándolo sólo a sus amigos más cercanos, y no escribió el texto hasta 1961. El poema se publicó por primera vez 22 años después. la muerte de su autor, en 1988. "Réquiem" fue el principal logro creativo de la poetisa de los años 30. El poema 'consta de diez poemas, un prólogo en prosa, denominado "En lugar de prefacio" por el autor, una dedicatoria, una introducción y un epílogo en dos partes. Hablando de la historia de la creación del poema, A. Akhmatova escribe en el prólogo: “Durante los terribles años de la Yezhovshchina, pasé diecisiete meses en prisión en Leningrado. Un día alguien me “identificó”. Entonces una mujer de ojos azules parada detrás de mí, que, por supuesto, nunca había escuchado mi nombre en su vida, despertó del estupor que nos caracteriza a todos y me preguntó al oído (todos allí hablaban en un susurro):
¿Puedes describir esto? Y dije:
Entonces algo parecido a una sonrisa cruzó lo que alguna vez fue su rostro”.
Akhmatova cumplió este pedido, creando una obra sobre la terrible época de represión de los años 30 (“Fue cuando solo los muertos sonreían, me alegré por la paz”) y sobre el dolor inconmensurable de los familiares (“Las montañas se inclinan ante este dolor” ), que acudían todos los días a las cárceles, al departamento de seguridad del estado, con la vana esperanza de saber algo sobre la suerte de sus seres queridos, dándoles comida y ropa de cama. En la introducción aparece una imagen de la ciudad, pero ahora difiere marcadamente del antiguo Petersburgo de Ajmátova, porque está privada del tradicional esplendor de "Pushkin". Ésta es una ciudad apéndice de una prisión gigantesca, que extiende sus sombríos edificios sobre un río muerto e inmóvil (“El gran río no fluye…”):
Fue cuando sonreí
Sólo muertos, contentos por la paz.
Y colgado como un colgante innecesario
Leningrado está cerca de sus prisiones.
Y cuando, enloquecido por el tormento,
Los regimientos ya condenados marchaban,
Y una breve canción de despedida.
Los silbidos de la locomotora cantaron,
Las estrellas de la muerte estaban sobre nosotros
Y la inocente Rusia se retorció
Bajo botas ensangrentadas
Y debajo de las llantas negras está marusa.
El poema contiene el tema específico del réquiem: el lamento por un hijo. Aquí se recrea vívidamente la trágica imagen de una mujer cuya persona más querida es arrebatada:
Te llevaron al amanecer
Te seguí como si me dejara llevar,
Los niños lloraban en el cuarto oscuro,
La vela de la diosa flotó.
Hay íconos fríos en tus labios.
Sudor de muerte en la frente... ¡No lo olvides!
Seré como las esposas Streltsy,
Aúlla bajo las torres del Kremlin.
Pero la obra no sólo representa el dolor personal de la poetisa. Ajmátova transmite la tragedia de todas las madres y esposas, tanto en el presente como en el pasado (la imagen de las "esposas streltsy"). De específico hecho real la poetisa pasa a generalizaciones a gran escala, volviendo al pasado.
El poema suena no sólo al dolor maternal, sino también a la voz de un poeta ruso, criado en las tradiciones Pushkin-Dostoievski de receptividad mundial. Las desgracias personales me ayudaron a sentir más agudamente las desgracias de otras madres, las tragedias de muchas personas en todo el mundo en diferentes épocas históricas. Tragedia de los años 30 está asociado en el poema con eventos del evangelio:
Magdalena luchó y lloró,
El amado estudiante se convirtió en piedra,
Y donde Madre permaneció en silencio,
Entonces nadie se atrevió a mirar.
Para Ajmátova, vivir una tragedia personal se convirtió en una comprensión de la tragedia de todo el pueblo:
Y no estoy orando solo por mí,
Y sobre todos los que estuvieron ahí conmigo
Y en el frío intenso y en el calor de julio
Debajo de la pared roja y ciega,
escribe en el epílogo de la obra.
El poema pide apasionadamente justicia, que los nombres de todos los inocentes condenados y asesinados sean ampliamente conocidos por la gente:
Me gustaría llamar a todos por su nombre, pero me quitaron la lista y no hay lugar para averiguarlo. La obra de Ajmátova es verdaderamente un réquiem del pueblo: un lamento por el pueblo, el foco de todo su dolor, la encarnación de su esperanza. Éstas son las palabras de justicia y de dolor con las que “gritan cien millones de personas”.
El poema "Réquiem" es una clara evidencia del espíritu cívico de la poesía de A. Ajmátova, a la que a menudo se le reprochaba ser apolítica. Respondiendo a tales insinuaciones, la poetisa escribió en 1961:
No, y no bajo un cielo extraño,
Y no bajo la protección de alas alienígenas,
Yo estaba entonces con mi gente,
Donde estaba mi gente, lamentablemente.
Más tarde, la poetisa puso estas líneas como epígrafe del poema "Réquiem".
A. Akhmatova vivió con todas las penas y alegrías de su pueblo y siempre se consideró parte integral de él. En 1923, en el poema "Para muchos", escribió:
Soy el reflejo de tu rostro.
Vanos alas, vanos aleteos,
Pero sigo contigo hasta el final...
7. Ajmátova y la Segunda Guerra Mundial, asedio de Leningrado, evacuación.
El patetismo de un alto sonido civil impregna sus letras, dedicadas al tema del Gran guerra patriótica. Consideró el comienzo de la Segunda Guerra Mundial como una etapa de una catástrofe global a la que se verían arrastrados muchos pueblos de la tierra. Este es precisamente el significado principal de sus poemas de los años 30: "Cuando la época está siendo barrida", "Londinenses", "En los años cuarenta" y otros.
Estandarte enemigo
Se derretirá como el humo
La verdad está detrás de nosotros.
Y ganaremos.
O. Berggolts, recordando el comienzo del bloqueo de Leningrado, escribe sobre Ajmátova en aquellos días: "Con el rostro cerrado por la severidad y la ira, con una máscara de gas sobre el pecho, estaba de servicio como un bombero común y corriente".
A. Akhmatova percibió la guerra como un acto heroico del drama mundial, cuando las personas, desangradas por la tragedia interna (represión), se vieron obligadas a entrar en una lucha mortal con el mal mundial externo. en la cara peligro mortal, Ajmátova hace un llamamiento a disipar el dolor y el sufrimiento mediante el poder del coraje espiritual. De esto trata exactamente el poema “Juramento”, escrito en julio de 1941:
Y la que hoy se despide de su amado, -
Déjala transformar su dolor en fuerza.
Lo juramos por los niños, lo juramos por las tumbas,
¡Que nadie nos obligará a someternos!
En este pequeño pero espacioso poema, el lirismo se convierte en épico, lo personal se vuelve general, el dolor femenino y maternal se funde en una fuerza que se opone al mal y a la muerte. Ajmátova se dirige aquí a las mujeres: tanto a aquellas con las que estuvo junto al muro de la prisión incluso antes de la guerra, como a aquellas que ahora, al comienzo de la guerra, se despiden de sus maridos y seres queridos, no en vano; este poema comienza con la conjunción repetida "y" - significa continuación de la historia de las tragedias del siglo ("Y la que hoy se despide de su amado"). En nombre de todas las mujeres, Ajmátova jura a sus hijos y a sus seres queridos permanecer firme. Las tumbas representan los sacrificios sagrados del pasado y del presente, y los niños simbolizan el futuro.
Ajmátova habla a menudo de niños en sus poemas durante los años de la guerra. Para ella, los niños son jóvenes soldados que van a la muerte, marineros bálticos muertos que acudieron en ayuda de la sitiada Leningrado, y el hijo de un vecino que murió durante el asedio, e incluso la estatua "Noche" del Jardín de Verano:
¡Noche!
En un manto de estrellas,
De luto amapolas, con un búho desvelado...
¡Hija!
como te escondimos
Tierra de jardín fresca.
Aquí los sentimientos maternos se extienden a las obras de arte que preservan los valores estéticos, espirituales y morales del pasado. Estos valores, que deben preservarse, también están contenidos en la “gran palabra rusa”, principalmente en la literatura rusa.
Ajmátova escribe sobre esto en su poema "Coraje" (1942), como si retomara la idea principal del poema "La Palabra" de Bunin:
Sabemos lo que hay en la balanza ahora
Y qué está pasando ahora.
Ha sonado la hora del coraje bajo nuestra guardia,
Y el coraje no nos abandonará.
No da miedo yacer muerto bajo las balas
No es amargo quedarse sin hogar.
Y te salvaremos, habla rusa,
Gran palabra rusa.
Te llevaremos libre y limpio,
Se lo daremos a nuestros nietos y nos salvaremos del cautiverio.
¡Para siempre!
Durante la guerra, Ajmátova fue evacuada a Tashkent. Escribió mucho y todos sus pensamientos giraban en torno a la cruel tragedia de la guerra, a la esperanza de la victoria: “Me encuentro con la tercera primavera lejos // de Leningrado. ¿La tercera?//Y me parece que//Será la última...”, escribe en el poema “Encuentro a lo lejos la tercera primavera...”.
En los poemas de Ajmátova del período de Tashkent, se alternan y varían los paisajes rusos y de Asia Central, imbuidos de un sentimiento de vida nacional que se remonta a las profundidades del tiempo, su firmeza, su fuerza y su eternidad. El tema de la memoria (sobre el pasado de Rusia, sobre los antepasados, sobre las personas cercanas a ella) es uno de los más importantes en la obra de Ajmátova durante los años de la guerra. Estos son sus poemas "Cerca de Kolomna", "Cementerio de Smolensk", "Tres poemas", "Nuestra sagrada artesanía" y otros. Ajmátova sabe cómo transmitir poéticamente la presencia misma del espíritu vivo de la época, la historia, en la vida de las personas de hoy.
En el primer año de la posguerra, A. Akhmatova sufrió un duro golpe por parte de las autoridades. En 1946, el Comité Central del Partido Comunista Bolchevique de toda la Unión emitió un decreto “Sobre las revistas “Zvezda” y “Leningrado”, en el que la obra de Ajmátova, Zoshchenko y algunos otros escritores de Leningrado fue objeto de críticas devastadoras. En su discurso ante las figuras culturales de Leningrado, el secretario del Comité Central, A. Zhdanov, atacó a la poetisa con una lluvia de ataques groseros e insultantes, declarando que “el alcance de su poesía es patéticamente limitado: una dama enfurecida, corriendo entre el tocador y la capilla. Su tema principal es el amor y los motivos eróticos, entrelazados con motivos de tristeza, melancolía, muerte, misticismo y fatalidad”. A Ajmátova le quitaron todo: la oportunidad de seguir trabajando, de publicar y de ser miembro de la Unión de Escritores. Pero ella no se rindió, creyendo que la verdad prevalecería:
¿Lo olvidarán? - ¡Eso es lo que nos sorprendió!
Me han olvidado cien veces
Cien veces yací en mi tumba,
Donde tal vez estoy ahora.
Y la musa se quedó sorda y ciega,
El grano se pudrió en la tierra,
Para que después, como el Fénix de las cenizas,
Levántate azul en el aire.
(“Se olvidarán, ¡eso es lo que nos sorprendió!”)
Durante estos años, Ajmátova realizó muchos trabajos de traducción. Tradujo a poetas contemporáneos armenios, georgianos, poetas del extremo norte, franceses y antiguos coreanos. Crea una serie de obras críticas sobre su amado Pushkin, escribe memorias sobre Blok, Mandelstam y otros escritores contemporáneos y pasados, y completa el trabajo de su obra más importante, "Poema sin héroe", en la que trabajó de forma intermitente desde 1940 hasta 1961. . El poema consta de tres partes: "El cuento de Petersburgo" (1913), "Colas" y "Epílogo". También incluye varias dedicatorias de diferentes años.
“Un poema sin héroe” es una obra “sobre el tiempo y sobre uno mismo”. Las imágenes cotidianas de la vida están intrincadamente entrelazadas con visiones grotescas, fragmentos de sueños y recuerdos desplazados en el tiempo. Ajmátova recrea el San Petersburgo de 1913 con su vida diversa, donde la vida bohemia se mezcla con la preocupación por el destino de Rusia, con graves presentimientos de los cataclismos sociales iniciados desde la Primera Guerra Mundial y la revolución. El autor presta mucha atención al tema de la Gran Guerra Patria, así como al tema de las represiones estalinistas. La narración de "Poema sin héroe" termina con una imagen de 1942, el año más difícil y decisivo de la guerra. Pero no hay desesperanza en el poema, sino, al contrario, fe en el pueblo, en el futuro del país. Esta confianza ayuda a la heroína lírica a superar la tragedia de su percepción de la vida. Siente su implicación en los acontecimientos de la época, en los asuntos y logros del pueblo:
y hacia mi mismo
Inquebrantable, en la oscuridad amenazante,
Como desde un espejo despierto,
Huracán: de los Urales, de Altai
Fiel al deber, joven
Rusia venía a salvar a Moscú.
El tema de la Patria, Rusia, aparece más de una vez en sus otros poemas de los años 50 y 60. La idea de la afiliación sanguínea de una persona con su tierra natal es amplia y filosófica.
suena en el poema " Tierra natal"(1961) - uno de mejores trabajos Ajmátova en los últimos años:
Sí, para nosotros es suciedad en nuestras chanclas,
Sí, para nosotros es un crujido de dientes.
Y molemos, amamos y desmenuzamos
Esas cenizas sin mezclar.
Pero nos acostamos en él y nos convertimos en él,
Por eso lo llamamos con tanta libertad: nuestro.
Hasta el final de sus días, A. Akhmatova no se fue. trabajo creativo. Escribe sobre su amado San Petersburgo y sus alrededores (“Oda a Tsarskoye Selo”, “A la ciudad de Pushkin”, “Jardín de verano”) y reflexiona sobre la vida y la muerte. Continúa creando obras sobre el misterio de la creatividad y el papel del arte (“No necesito anfitriones ódicos...”, “Música”, “Musa”, “Poeta”, “Escuchar cantar”).
En cada poema de A. Akhmatova podemos sentir el calor de la inspiración, la efusión de sentimientos, un toque de misterio, sin el cual no puede haber tensión emocional ni movimiento de pensamiento. En el poema "No necesito ejércitos ódicos...", dedicado al problema de la creatividad, el olor a alquitrán, el conmovedor diente de león junto a la valla y el "misterioso moho en la pared" se capturan en una mirada armonizadora. . Y su inesperada proximidad bajo la pluma del artista resulta ser una comunidad, que se convierte en una única frase musical, en un verso “ferviente, tierno” y que suena “para alegría” de todos.
Este pensamiento sobre la alegría de ser es característico de Ajmátova y constituye uno de los principales motivos transversales de su poesía. En sus letras hay muchas páginas trágicas y tristes. Pero incluso cuando las circunstancias exigían que “el alma se petrificara”, inevitablemente surgía otro sentimiento: “Debemos aprender a vivir de nuevo”. Vivir incluso cuando parece que se han agotado todas las fuerzas:
¡Dios! ves que estoy cansado
Resucita y muere y vive.
Toma todo, menos esta rosa escarlata.
Déjame sentirme fresco otra vez.
¡Estas líneas fueron escritas por una poetisa de setenta y dos años!
Y, por supuesto, Ajmátova nunca dejó de escribir sobre el amor, sobre la necesidad de la unidad espiritual de dos corazones. En este sentido, uno de mejores poemas poetisas años de posguerra- “En un sueño” (1946):
Separación negra y duradera
Llevo contigo por igual.
¿Por qué lloras? Mejor dame tu mano
Promesa de volver en un sueño.
Estoy contigo como el dolor está con una montaña...
No hay encuentro en el mundo para mí contigo.
Si tan solo estuvieras a medianoche
Me envió saludos a través de las estrellas.
8. Muerte de Ajmátova.
A. A. Akhmatova murió el 5 de mayo de 1966. Dostoievski le dijo una vez al joven D. Merezhkovsky: “Joven, para escribir debes sufrir”. Las letras de Ajmátova brotaban del sufrimiento, del corazón. La principal fuerza motivadora de su creatividad fue la conciencia. En su poema de 1936 “Algunos miran unos ojos tiernos...”, Ajmátova escribió:
Algunos miran a los ojos tiernos,
Otros beben hasta que los rayos del sol,
Y estoy negociando toda la noche
Con tu conciencia indomable.
Esta conciencia indomable la obligó a crear poemas sinceros y sinceros y le dio fuerza y coraje en los días más oscuros. En su breve autobiografía, escrita en 1965, Akhmatova admitió: “Nunca dejé de escribir poesía. Para mí contienen mi conexión con el tiempo, con nueva vida mi gente. Cuando los escribí viví los ritmos que sonaban en la heroica historia de mi país. Estoy feliz de haber vivido estos años y haber visto acontecimientos que no tenían igual”. Eso es cierto. El talento de esta destacada poetisa se manifestó no solo en los poemas de amor que le dieron a A. Akhmatova la merecida fama. Su diálogo poético con el mundo, con la naturaleza, con las personas fue diverso, apasionado y veraz.
La creatividad de Ajmátova.
5 (100%) 4 votosLa obra de Anna Andreevna Ajmátova no es sólo el máximo ejemplo de poesía “femenina” (“Le enseñé a hablar a las mujeres...”, escribió en 1958). Es excepcional y sólo fue posible en el siglo XX. una síntesis de feminidad y masculinidad, sentimiento sutil y pensamiento profundo, expresividad emocional y figuratividad, poco común en el lirismo (visualidad, representabilidad de las imágenes).
Siendo de 1910 a 1918 esposa de N.S. Gumilyov, Akhmatova ingresó a la poesía como representante de la dirección del acmeísmo, que fundó, que contrastaba el simbolismo con su misticismo, intenta comprender intuitivamente lo incognoscible, la vaguedad de las imágenes y la musicalidad del verso. El acmeísmo era muy heterogéneo (la segunda figura más grande era O.E. Mandelstam) y no existió como tal por mucho tiempo, desde finales de 1912 hasta aproximadamente finales de la década de 10. Pero Akhmatova nunca renunció a él, aunque su desarrollo principios creativos eran más variados y complejos. Sus primeros libros de poesía, "Tarde" (1912) y especialmente "Rosario" (1914), le dieron fama. En ellos y en el último libro prerrevolucionario "El rebaño blanco" (1917), se definió el estilo poético de Ajmátova: una combinación de eufemismo, que nada tiene que ver con la vaguedad simbolista, y una clara representabilidad de los cuadros dibujados, en particular. poses, gestos (la cuarteta inicial de “La canción del último encuentro” de 1911 “Tan impotente se me enfrió el pecho, / Pero mis pasos eran ligeros / Me puse el guante en la mano izquierda” en la conciencia de masas. tarjeta de visita Ajmátova), gravedad mundo interior a través de lo externo (a menudo en contraste), que recuerda a la prosa psicológica, la trama de puntos, la presencia de personajes y sus diálogos breves, como en pequeñas escenas (la crítica escribió sobre los "cuentos" líricos de Ajmátova e incluso sobre la "novela lírica"), la atención principal no está en los estados estables, sino en los cambios, en los apenas visibles, en las sombras bajo estrés emocional extremo, el deseo de un discurso coloquial sin su prosa enfatizada, el rechazo del verso melodioso (aunque en creatividad tardía también aparecerá el ciclo "Canciones"), fragmentación externa, por ejemplo, el comienzo de un poema con una unión a pesar de su pequeño volumen, la diversidad del "yo" lírico (la primera Ajmátova tenía varias heroínas de diferente estatus social, desde una dama de sociedad a una campesina) manteniendo signos de autobiografía. Los poemas de Ajmátova son aparentemente cercanos a los clásicos, su innovación no es demostrativa y se expresa en un complejo de rasgos. Un poeta (Ajmátova no reconoció la palabra "poetisa") siempre necesita un destinatario, un cierto "tú", específico o generalizado. gente real en sus imágenes suelen ser irreconocibles; varias personas pueden provocar la aparición de un personaje lírico. La poesía temprana de Ajmátova es predominantemente amorosa, su intimidad (la forma de un diario, una carta, una confesión) es en gran medida ficticia, en las letras, dijo Ajmátova, "no te delatarás". Lo que era puramente personal se transformó creativamente en algo comprensible para muchos, experimentado por muchos. Esta posición permitió al sutil letrista convertirse posteriormente en portavoz del destino de una generación, pueblo, país, época.
La Primera Guerra Mundial generó pensamientos al respecto, que se reflejaron en los poemas "El rebaño blanco". En este libro, la religiosidad de Ajmátova, que siempre ha sido importante para ella, aunque no ortodoxa en todo, se intensificó drásticamente. El motivo de la memoria ha adquirido un carácter nuevo, en gran medida transpersonal. Pero los poemas de amor conectan "El rebaño blanco" con la colección "Plátano" de 1921 (mis amigos me disuadieron del título "Años difíciles"), dos tercios de los cuales consisten en poemas prerrevolucionarios. 1921 fue un año terrible para Ajmátova, el año de la noticia del suicidio de su amado hermano, el año de la muerte de A.A. Bloque y ejecución de N.S. Gumilyov, acusado de participar en una conspiración de la Guardia Blanca, y 1922 estuvieron marcados por un auge creativo a pesar del estado de ánimo difícil y los problemas personales y cotidianos. El libro “Anno Domini MCMXXI” (“El verano del Señor 1921”) está fechado en 1922. En 1923 se publicó en Berlín la segunda edición ampliada de “Anno Domini...”, donde la posición cívica del poeta, que no aceptaba las nuevas autoridades y órdenes, quedó expresada con especial firmeza ya en el primer poema “To Compañeros ciudadanos”, que fue eliminado por los censores de casi todos los ejemplares del libro enviados a la URSS. En él, Ajmátova lamentó a los difuntos y arruinados prematuramente, miró con ansiedad hacia el futuro y asumió la cruz: la obligación de soportar con firmeza cualquier adversidad junto con su patria, permaneciendo fiel a sí misma, a las tradiciones nacionales y a los altos principios.
Después de 1923, Ajmátova apenas publicó hasta 1940, cuando se levantó la prohibición de sus poemas por capricho de Stalin. Pero la colección "From Six Books" (1940), incluida la "Reed" publicada por separado (el ciclo "Willow"), era precisamente una colección de poemas en su mayoría antiguos (en 1965 se incluyó en la colección más grande de toda la vida "The Running del Tiempo” incluirá el “Libro Séptimo” cuidadosamente tamizado por la editorial, que tampoco se publica por separado). En el quinto, "Elegía del Norte" (1945), Ajmátova admitió: "Y cuántos poemas no he escrito, / Y su coro secreto deambula a mi alrededor..." Muchos poemas que eran peligrosos para el autor se conservaron sólo en la memoria. Más tarde se recordaron extractos de ellos. "Réquiem", creado principalmente en la segunda mitad de los años 30, Akhmatova decidió grabar sólo en 1962, y se publicó en la URSS un cuarto de siglo después (1987). Algo menos de la mitad de los poemas publicados de Ajmátova datan de 1909-1922, la otra mitad fue creada durante un período de más de cuarenta años. Algunos años fueron completamente infructuosos. Pero la impresión de la desaparición de Ajmátova de la poesía era engañosa. Lo principal es que incluso en los momentos más difíciles creó obras del más alto nivel, a diferencia de muchas poetas soviéticos y prosistas, cuyo don se fue apagando poco a poco.
Poemas patrióticos 1941-1945. ("Juramento", "Coraje", "A los vencedores", poemas que luego formaron el ciclo "Victoria", etc.) fortalecieron la posición de Ajmátova en la literatura, pero en 1946 ella, junto con M.M. Zoshchenko fue víctima de la resolución del Comité Central del Partido Comunista Bolchevique de toda la Unión “Sobre las revistas “Zvezda” y “Leningrado””, que acusó su poesía de falta de ideas, salonidad, falta de valor educativo, y en la forma más cruda. Las críticas lo vilipendian desde hace varios años. El poeta soporta la persecución con dignidad. En 1958 y 1961 Se publicaron pequeñas colecciones y en 1965 se publicó el último "Running of Time". Al final de su vida, el trabajo de Ajmátova recibió reconocimiento internacional.
Los últimos poemas, recopilados por el autor en varios ciclos, son temáticamente diversos: la aforística "Cadena de cuartetas", las filosóficas y autobiográficas "Elegías del norte", "Corona a los muertos" (principalmente a colegas escritores, a menudo también con una difícil destino), poemas sobre la represión, "Página antigua", "Secretos del oficio", poemas sobre Tsarskoye Selo, letras íntimas que recuerdan a una antigua historia de amor, pero transmitidas por la memoria poética, etc. El destinatario de la difunta Ajmátova suele ser una especie de "tú" generalizado, que une a los vivos y a los muertos, personas queridas por el autor. Pero el “yo” lírico ya no es la heroína polifacética de los primeros libros, es una imagen más autobiográfica y autopsicológica. A menudo el poeta habla en nombre de la verdad conquistada con tanto esfuerzo. Las formas del verso se acercaron a las clásicas y la entonación se volvió más solemne. No hay viejas “escenas”, ni vieja “materialidad” (detalles del tema cuidadosamente seleccionados), más “libresco”, complejos desbordamientos de pensamiento y sentimiento.
La obra más grande y compleja de Akhmatova, en la que trabajó de 1940 a 1965, creando cuatro ediciones principales, fue "Poema sin héroe". Destaca la unidad de la historia, la unidad de la cultura, la inmortalidad del hombre y contiene recuerdos cifrados de el año pasado antes de la catástrofe global - 1913 - y la Primera Guerra Mundial actúa como presagio de la Segunda, así como de la revolución, la represión y en general todos los cataclismos de la época (“Se acercaba el fuera de calendario - / El Real Vigésimo Siglo"). Al mismo tiempo, esta obra es profundamente personal, llena de pistas y asociaciones, citas explícitas y ocultas de la literatura de los siglos XIX y XX.
La obra de Ajmátova suele dividirse en sólo dos períodos: temprano (1910 - 1930) y tardío (1940 - 1960). No hay una frontera infranqueable entre ellos, y el punto de inflexión es una “pausa” forzada: después de la publicación de su colección “Anno Domini MCMXXI” en 1922, Akhmatova no fue publicada hasta finales de los años 30. La diferencia entre la Ajmátova “temprana” y la “tardía” es visible tanto a nivel de contenido (la Ajmátova temprana es una poeta de cámara, la última se siente cada vez más atraída por temas sociohistóricos) como a nivel estilístico: el primer período es caracterizada por la objetividad, la palabra no es reestructurada por la metáfora, sino dramáticamente transformada por el contexto. En los últimos poemas de Ajmátova dominan los significados figurativos, la palabra en ellos se enfatiza simbólicamente. Pero, por supuesto, estos cambios no destruyeron la integridad de su estilo.
Érase una vez, Schopenhauer se indignó ante la locuacidad de las mujeres e incluso propuso extender a otros ámbitos de la vida el antiguo dicho: “taceat mulier in ecclesia”. ¿Qué diría Schopenhauer si leyera los poemas de Ajmátova? Dicen que Anna Ajmátova es una de las poetas más silenciosas, y eso es cierto, a pesar de su feminidad. Sus palabras son tacañas, comedidas, castamente estrictas, y parece que no son más que carteles convencionales inscritos a la entrada del santuario...
La estricta poesía de Ajmátova asombra al "fanático de la palabra artística", a quien la modernidad multicolor da una verbosidad tan generosa y eufónica. El ritmo flexible y sutil de los poemas de Ajmátova es como un arco tensado del que vuela una flecha. Un sentimiento intenso y concentrado está contenido en una forma simple, precisa y armoniosa.
La poesía de Ajmátova es la poesía de la fuerza, su entonación dominante es una entonación decidida.
Es común que cada uno quiera estar con los suyos, pero entre querer y estar había un abismo. Y ella no era ajena a:
“Sobre cuántos abismos cantó…”
Ella era una gobernante nata, y su “yo quiero” en realidad significaba: “yo puedo”, “lo haré realidad”.
Ajmátova fue una artista del amor incomparable por su originalidad poética. Su innovación se manifestó inicialmente precisamente en este tema tradicionalmente eterno. Todos notaron el “misterio” de sus letras; A pesar de que sus poemas parecían páginas de cartas o anotaciones rotas de un diario, el extremo laconismo y la moderación del habla dejaban la impresión de silencio o de interceptación de la voz. “Ajmátova no recita sus poemas. Habla simplemente, apenas audible, sin gestos ni posturas. O reza casi para sí mismo. En esta atmósfera radiantemente clara que crean sus libros, cualquier declamación parecería anormalmente falsa”, escribió su amigo cercano K.I. Chukovski.
Pero las nuevas críticas los sometieron a persecución: por pesimismo, por religiosidad, por individualismo, etc. Desde mediados de los años 20 casi ha dejado de imprimirse. Llegó un momento difícil cuando ella misma casi dejó de escribir poesía y se limitó a realizar traducciones, además de realizar “estudios Pushkin”, de los que surgieron varias obras literarias sobre el gran poeta ruso.
Consideremos con más detalle las características de las letras de Anna Akhmatova.
flores
Junto con los generales, "genéricos", cada persona, gracias a determinadas realidades de la vida, desarrolla percepciones de color "específicas" e individuales. A ellos se asocian ciertos estados emocionales, cuya experiencia repetida resucita en la mente el fondo de color anterior. El "artista de las palabras", que narra acontecimientos pasados, involuntariamente "pinta" los objetos representados en el color que tiene más significado para él. Por lo tanto, a partir de un conjunto de objetos de colores similares, es posible, hasta cierto punto, restaurar la situación original y determinar el "significado" del autor de la designación de color utilizada (delinear el círculo de las experiencias del autor asociadas con ella). El objetivo de nuestro trabajo: identificar la semántica del gris en las obras de A. Akhmatova. El tamaño de la muestra se limita a los trabajos incluidos en la primera edición académica.
Esta edición contiene 655 obras, y en sólo 13 de ellas se mencionan objetos pintados en gris. Teniendo en cuenta que casi todas las obras contienen al menos uno de los colores primarios del espectro (incluidos el blanco y el negro), el gris no puede considerarse un color muy extendido en las letras de Ajmátova. Además, su uso se limita a un intervalo de tiempo determinado: 1909-1917. Más allá de este período de ocho años, no encontramos ni una sola mención de este color. Pero dentro de este intervalo, en algunos años hay dos, tres o incluso cuatro obras en las que hay un objeto gris. ¿Qué causa esta “característica espectral”?
La lista de objetos pintados en gris nos permite notar que aproximadamente la mitad de ellos no son “cosas”, sino “personas” (“el rey de ojos grises”, “el novio de ojos grises”, “había un niño alto con ojos grises”, etc.), y el resto, objetos asociados directa o indirectamente con ellos (“vestido gris”, “troncos grises”, “ceniza gris”, etc.). A primera vista, puede parecer que la respuesta está en la superficie: durante el período indicado, Ajmátova se dejó llevar por alguien de "ojos grises". Existe la tentación de descubrir, comparando las fechas de la vida y la creatividad, quién exactamente. Pero profundizar en el contexto intratextual muestra que el desarrollo de una situación artística está sujeto a su propia lógica, sin tener en cuenta que las comparaciones directas no son tan arriesgadas como carentes de sentido. ¿A qué lógica obedece la coloración gris de los objetos del mundo poético de A. Akhmatova?
El mundo poético de Ajmátova se caracteriza por una cronología inversa.
Por regla general, primero se publica la obra que describe la situación final, y unos años después aparecen textos que presentan variantes de las etapas anteriores de su desarrollo. Akhmatova poetisa creatividad poética.
La final, en nuestro caso, es la situación descrita en la obra "El rey de ojos grises". Abre una serie cronológica de objetos grises (terminados en 1909 y publicados en el primer libro de poemas, “Tarde”). Habla de la muerte del personaje principal: “¡Gloria a ti, dolor desesperado! / El rey de ojos grises murió ayer…”. Como se puede adivinar, este “rey” era el amante secreto de la heroína lírica y el padre de su hijo: - “Ahora despertaré a mi hija, / miraré sus ojos grises…”. Destaquemos los siguientes motivos que caracterizan esta situación.
En primer lugar, los héroes líricos están unidos por una historia de amor secreta, y está lejos de ser platónica: la "hija de ojos grises" sirve como prueba viviente. Se podría decir que esta conexión es “ilegal” e incluso “criminal”, ya que cada uno de ellos tiene su propia familia “legítima”. Una hija real nacida en un “matrimonio secreto” inevitablemente se convierte en una “reina ilegítima”, lo que no puede alegrar a nadie a su alrededor. Por lo tanto, definiremos el primero de los significados manifestados de la siguiente manera: el crimen del amor físico extramatrimonial y la necesidad asociada de “envolverlo” con un “velo de secreto”.
En segundo lugar, el secreto que une a los héroes líricos se remonta al pasado. En el momento de los hechos representados, uno de ellos ya está muerto, lo que traza una línea divisoria entre el pasado y el presente. El pasado se convierte en pasado irrevocable. Y como el segundo sigue vivo, el tiempo continúa para él, llevándolo cada vez más “a lo largo del río de la vida”. Este movimiento “de la fuente a la boca” no hace más que aumentar, con el paso de los años, la anchura de la línea divisoria más allá de la cual quedan tiempos felices. El segundo de los significados manifestados: la irrevocabilidad de la felicidad, la juventud y el amor dejados en el pasado y la creciente desesperanza del presente con el paso de los años.
En tercer lugar, el título "rey" indica la "altura de la posición" del amado (su alto estatus social). Mantiene esta “altura de posición” incluso después de la muerte. La expresión “Tu rey no está en la tierra...” atestigua: se trasladó “al cielo” (“la vertical social” se transformó en “espacial”). Estabilidad de la "posición" héroe lírico revela el tercer significado: el amado es un ser supremo que descendió temporalmente del cielo a la tierra. El cuarto significado está relacionado con esto: la división del mundo de la heroína lírica en dos: "esto" y "aquello", que sólo puede superarse en una unión amorosa.
La aparición de dos personajes de ojos grises a la vez (el rey y su hija) perfila dos líneas de desarrollo posterior ("precedente") de la situación. Llamémoslas convencionalmente líneas masculinas y femeninas y tracemos su distribución a lo largo del texto, guiándonos por los marcadores grises resaltados.
Es lógico esperar que el matrimonio de la heroína lírica esté precedido por un encuentro con el novio. Y efectivamente, cuatro años después, aparece el “novio de ojos grises”: “No importa que seas arrogante y enojado, / No importa que ames a los demás / Hay un atril dorado frente a mí. / Y conmigo viene un novio de ojos grises” (Tengo una sonrisa..., 1913). Su aparición revela el tercer y cuarto significado: el sobrenatural del amado, la división condicionada del mundo en "esto" (donde "eres arrogante y malvado") y "aquello" (donde hay un "atril dorado").
Ese mismo año aparece la obra “La imaginación sumisa a mí / A imagen de ojos grises”, repitiendo, en versión abreviada y debilitada, la situación final. personaje principal aunque no un “rey”, sino un personaje famoso y de alto estatus social: “Mi famoso contemporáneo…”. Como el “rey”, está casado o, en todo caso, pertenece a otra mujer: “Hermosas manos, feliz cautiva...”. El motivo de la separación, como la última vez, es el “asesinato”, pero no de un héroe, sino del “amor”: “Tú, que me ordenaste: ¡basta, / Ve, mata a tu amor! / Y aquí estoy derritiéndome. .”.
Y un año después, aparece un personaje aún más joven, simplemente un “niño”, enamorado de la heroína lírica: “Grey-Eye era un niño alto, / Seis meses menor que yo / Me trajo rosas blancas...<...>Yo pregunté. - ¿Qué eres, un príncipe?<...>"Quiero casarme contigo", dijo, "pronto seré adulto e iré al norte contigo..."<...>"Piensa, seré reina, / ¿Para qué necesito un marido así?" (Cerca del mar, 1914).
Este "niño de ojos grises" aún no ha alcanzado la "altura de estatus social" requerida y, por lo tanto, no puede esperar reciprocidad. Pero incluso ahora se distingue por algunos rasgos característicos: altura alta y " altitud geográfica aspiraciones": va "hacia el norte" (a latitudes altas). Este "niño de ojos grises" está aún más cerca del "principio" linea masculina objetos grises.
La línea femenina, por el contrario, aparece como una especie de “línea del destino” para la hija de ojos grises. Tres años después, la vemos ya adulta, que cuando conoció a su “querida” había logrado cambiar tres roles y volver a ponerse el “vestido gris”: “No te pongas así, no frunzas el ceño con enfado , / Soy tu amada, soy tuya. / Ni pastora, ni princesa / Y ya no soy monja - // Con este vestido gris de diario, / Con tacones gastados..." (Tú eres mi carta, querida, no la arrugues.
Durante este tiempo pasó mucho más tiempo en el mundo poético. La hija real "ilegítima" pasó su infancia como "pastora"; luego, probablemente, la viuda del "rey de ojos grises" reconoció sus derechos como "princesa real" y luego, por razones desconocidas, siguió su marcha o; encarcelamiento en un monasterio - convertirse en "monja".
Y así, al regresar junto a su amado con la esperanza de continuar la relación, experimenta “el mismo miedo”: “Pero, como antes, un abrazo ardiente, / El mismo miedo en los ojos enormes”. Esto, aparentemente, es el miedo a exponerse, que ya había experimentado durante reuniones secretas con su amante. Antes de esto, sus padres experimentaron “el mismo miedo”, pero en una situación simétrica en espejo. Anteriormente, se trataba de reuniones del "rey" con una mujer corriente, y ahora, de la hija real con un "pobre".
Tres años después, la heroína lírica de ojos grises se traslada a otro mundo, al “jardín de los rayos de Dios”: “Caminé durante mucho tiempo por campos y pueblos, / Caminé y pregunté a la gente: “¿Dónde está ella, dónde está la alegre?” luz / De las estrellas grises - ¿sus ojos?<...>. Y sobre el oro oscuro del trono / el jardín de rayos de Dios se encendió: "Aquí está ella, aquí está la luz alegre / De las estrellas grises - sus ojos". (Caminó mucho tiempo por campos y pueblos..., 1915). La hija repite el destino de su padre, ya que "desde su nacimiento" ocupa la posición más alta en este mundo: es descendiente del "ser supremo" que descendió a la tierra en la forma de un "rey de ojos grises". Así, las líneas masculina y femenina se cierran en un círculo, agotando el tema en términos argumentales y cronológicos.
Pero lo anterior es válido sólo para las imágenes antropomórficas. Dentro de este círculo todavía hay personajes zoomórficos y objetos inanimados. El estudio de este conjunto nos permite hacer algunas aclaraciones y añadidos.
El primer objeto inanimado mencionado es una Nube gris, similar a la piel de una ardilla: “En lo alto del cielo, una nube se volvió gris, / Como una piel de ardilla extendida” (1911). Es natural hacerse la pregunta: ¿dónde está la Ardilla a quien le arrancaron esta “piel”? Siguiendo la ley de la cronología inversa, retrocedemos cuatro años en el texto y descubrimos que la “ardilla gris” es una de las formas de existencia póstuma de la propia heroína lírica: “Ayer entré en el paraíso verde, / Donde hay paz para cuerpo y alma...<...>Como una ardilla gris saltaré sobre el aliso.../ Para que el novio no tenga miedo.../ Para esperar a la novia muerta” (Milomu, 1915).
El segundo, del mismo año 1911, menciona un gato doméstico gris: "Murka, gris, no ronronees...", el compañero de infancia de la heroína lírica. Y un año después, el "cisne gris", su amigo de la escuela: "Estos tilos probablemente no hayan olvidado / Nuestro encuentro, mi alegre muchacho. // Sólo después de convertirse en un cisne arrogante, / El cisne gris cambió". (Las correas contenían un estuche y libros..., 1912).
El último ejemplo es especialmente digno de mención: muestra que no solo la heroína lírica, sino también sus compañeros son capaces de realizar transformaciones zoomorfas. De paso, observamos que si la transformación del “cisne” en cisne hubiera tenido lugar un poco antes, entonces habríamos observado la escena clásica “Leda y el cisne”.
Si alineas todas las imágenes antropomorfas y zoomorfas en una fila, en un extremo habrá una niña y su mascota, un gato gris, y en el otro, un adulto. mujer casada y su amante es el Rey de ojos grises. La brecha entre el Gato y el Rey se llenará secuencialmente ("por edad") tres parejas: una colegiala y un "cisne gris" (también conocido como "niño alegre"), una adolescente y un "niño de ojos grises" ( ya no "alegre", sino "alto"), "novia muerta" (Ardilla gris) y "novio de ojos grises".
A la luz de lo anterior, se sugiere la conclusión de que colorear objetos en el mundo poético en gris está sujeto a la misma lógica que el flujo natural de la vida en la realidad extratextual: de principio a fin, solo que se realiza al revés. secuencia cronológica. Por tanto, cada personaje, junto con un prototipo extratextual, tiene necesariamente una “imagen original” intratextual. No sabemos qué tipo de estímulo extratextual indujo la aparición de la imagen del rey de ojos grises, pero su prototipo intratextual es bastante obvio: se trata de Murka.
Esto se ve respaldado, en primer lugar, por la similitud del “mecanismo” de las transformaciones zoomorfas. La heroína lírica “entró ayer en el paraíso verde”, y hoy ya salta como una “ardilla gris” por el bosque invernal (es decir, en unos seis meses). Y el “rey de ojos grises” “murió ayer…”, por lo que no es de extrañar que hoy (dos años después) se haya convertido en un gato gris.
En segundo lugar, esto también se indica por la presencia de dos "centros de atracción" de color gris, uno de los cuales son los ojos de una persona, y el otro es la "ropa" suave y esponjosa de un animal (la "piel" de una ardilla o el plumaje de un pájaro). La presencia de estos centros se siente incluso cuando se mencionan objetos inanimados.
Por ejemplo, en la obra “Los ojos piden involuntariamente misericordia...” (1912) no se menciona formalmente su color, y luego, en la segunda cuarteta, se habla de “troncos grises”: “Estoy caminando por el camino hacia el campo, / A lo largo de los troncos grises apilados .. ". Pero, de hecho, este es el color de los "ojos". La conexión canónica entre las imágenes del Tronco y el Ojo es muy conocida y, además, al acercarse a un tronco tendido, es fácil ver su extremo: el mismo "ojo gris".
En la obra “Mi voz es débil, pero mi voluntad no se debilita, / Incluso me resultó más fácil sin amor...” (1912) además, también en la segunda cuarteta, se menciona la “ceniza gris”: “Yo hago no languidecer sobre ceniza gris...” . La combinación canónica de los conceptos de Amor y Fuego abrasador no deja casi ninguna duda de que esta "ceniza gris" es un rastro del antiguo "fuego de amor". Pero la principal cualidad de la ceniza, en nuestro caso, es su suavidad y esponjosidad, así como la capacidad de despegar, al menor soplo, como una nube gris.
Probablemente, la apariencia de estos centros refleje la capacidad de percibir objetos tanto con la vista como con el tacto. La transformación zoomorfa, en este caso, es una versión artísticamente transformada del resurgimiento de imágenes táctiles en la mente después de las visuales. El sentido del tacto precede evolutivamente a la visión y está asociado con ella, por lo que las sensaciones táctiles y visuales de los niños provenientes de las "pieles" grises de los animales y las plumas de las aves bien podrían resucitar en la memoria al mirar cualquier objeto gris emocionalmente excitante, especialmente los ojos grises de los animales. un ser querido.
En tercer lugar, llama la atención la preservación de la estructura de la relación: uno de los miembros de la pareja Él y Ella siempre es alto o alto en la parte superior, y este esquema suele duplicarse. La última obra de esta serie, escrita ocho años después (1917), es especialmente reveladora:
Y en una amistad secreta con el alto,
Como un águila joven de ojos oscuros,
Estoy como en un jardín de flores de preotoño
Entró con paso ligero.
Allí estaban las últimas rosas.
Y el mes transparente se balanceó
Sobre nubes grises y espesas...
Contiene los mismos motivos que en "El rey de ojos grises", contado casi con las mismas palabras. La acción transcurre un poco antes (“jardín de flores pre-otoño”, y no “tarde de otoño...”), pero se reproduce el mismo “color”: “eran las últimas rosas”. Podemos decir que ahora la mirada se siente atraída por las “manchas escarlatas”, porque antes toda la “noche” estaba pintada de este color (“... estaba tapada y escarlata”). Y luego llegó la “última” percepción del color antes de que se acercara la oscuridad.
El personaje principal no sólo es “alto”, sino que también parece un águila (un pájaro conocido por “volar alto”). En este “joven” es difícil no reconocer al “niño de ojos grises” casi adulto.
Y aún más arriba se puede ver la Luna “transparente” (es decir, “gris”, si imaginas que el cielo nocturno negro brilla a través de ella). La luna meciéndose sobre “nubes grises y espesas (¿como pelaje?)” es más que un símbolo abierto. La "amistad secreta" de la heroína lírica con el de "ojos oscuros" no es diferente de su relación amorosa anterior con el de "ojos grises".
Así, el “rey de ojos grises” se transforma, después de su muerte (1909), primero en un gato gris (1911) y luego en un águila (1917). La heroína lírica sufre la misma serie de transformaciones zoomorfas póstumas. Además de convertirse en Ardilla gris, también pretende convertirse en “comadreja” (casi Golondrina) y, finalmente, en Cisne: “Saltaré a un aliso como una ardilla gris, / correré como una comadreja tímida, / empezaré a llamarte Cisne...” (Milomu, 1915).
El completo paralelismo en la transformación de imágenes en las líneas grises masculinas y femeninas nos permite sugerir que la imagen del “rey de ojos grises” tenía dos prototipos intratextuales. Uno de ellos es el mencionado Murka, y el segundo es su amante, que se siente como una “reina” desde pequeña.
Semántica del color gris - semántica del manto de armiño gris.
Anna Andreevna Ajmátova ( nombre real- Gorenko) (23 de junio de 1889 - 5 de marzo de 1966) - una gran poetisa rusa del siglo XX, cuya obra combina elementos de los estilos clásico y modernista. La llamaban "la ninfa Egeria de los Acmeístas", "la reina del Neva", "el alma edad de plata».
Anna Ajmátova. Vida y creatividad. Conferencia
Ajmátova creó obras muy diversas, desde pequeños poemas líricos hasta ciclos complejos, como el famoso "Réquiem" (1935-40), una trágica obra maestra sobre la época. El terror de Stalin. Su estilo, caracterizado por la brevedad y la moderación emocional, es sorprendentemente original y la distingue de todos sus contemporáneos. La voz fuerte y clara de la poetisa sonó como un nuevo acorde de la poesía rusa.
Retrato de Anna Ajmátova. Artista K. Petrov-Vodkin.
El éxito de Ajmátova se debió precisamente al carácter personal y autobiográfico de sus poemas: son abiertamente sensuales y estos sentimientos no se expresan en términos simbólicos o místicos, sino en un lenguaje humano sencillo e inteligible. Su tema principal es el amor. Sus poemas son realistas, vívidamente concretos; son fáciles de imaginar visualmente. Siempre tienen un lugar de acción específico: San Petersburgo, Tsarskoe Selo, un pueblo de la provincia de Tver. Muchos pueden describirse como dramas líricos. La característica principal de sus poemas breves (rara vez superan los doce versos y nunca superan los veinte) es su mayor concisión.
No se puede confundir la ternura real
Sin nada y ella tranquila.
Eres en vano envolviendo cuidadosamente
Mis hombros y mi pecho están cubiertos de piel.
Y en vano son sumisas las palabras
Estás hablando del primer amor.
¿Cómo conozco a estos tercos?
Tus miradas insatisfechas.
Este poema está escrito en su primer estilo, que la hizo famosa y que domina la colección. Rosario y, en su mayor parte, en paquete blanco. Pero en este último libro ya está surgiendo un nuevo estilo. Comienza con versos conmovedores y proféticos bajo el significativo título julio de 1914. Este es un estilo más estricto, más severo, y su material es trágico: las difíciles pruebas que comenzaron para su tierra natal con el comienzo de la guerra. La métrica ligera y elegante de los primeros poemas es reemplazada por una estrofa heroica severa y solemne y otras dimensiones similares del nuevo ritmo. A veces su voz alcanza una grandeza áspera y lúgubre que hace pensar en Dante. Sin dejar de ser femenino en el sentimiento, se vuelve “masculino” y “masculino”. Este nuevo estilo reemplazó gradualmente su estilo anterior, y en la colección de nueva era incluso tomó posesión de ella letras de amor, se convirtió en el rasgo dominante de su obra. Su poesía “civil” no puede llamarse política. Ella es suprapartidista; más bien es religioso y profético. En su voz se percibe la autoridad de quien tiene derecho a juzgar y un corazón que siente con fuerza inusitada. Aquí hay versos típicos de 1916:
¿Por qué este siglo es peor que los anteriores? ¿No es así?
A quienes se encuentran en estado de tristeza y ansiedad.
Tocó la úlcera más negra,
Pero él no pudo curarla.
El sol de la Tierra sigue brillando en el oeste.
Y los tejados de las ciudades brillan en sus rayos,
Y aquí está casa blanca marcas con cruces
Y los cuervos cantan y los cuervos vuelan.
Todo lo que escribió se puede dividir a grandes rasgos en dos períodos: temprano (1912-25) y posterior (desde aproximadamente 1936 hasta su muerte). Entre ambos hay una década en la que creó muy poco. Durante el período estalinista, la poesía de Anna Ajmátova fue objeto de condenas y ataques de censura, hasta resolución especial del Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión en 1946. Muchas de sus obras se publicaron sólo veinte años después. años extra después de la muerte. Sin embargo, Anna Andreevna se negó deliberadamente a emigrar para permanecer en Rusia como testigo cercano de los grandes y terribles acontecimientos de esa época. Ajmátova abordó los temas eternos del paso del tiempo, la memoria eterna del pasado. Expresó vívidamente las dificultades de vivir y escribir a la sombra del brutal comunismo.
La información sobre la vida de Ajmátova es relativamente escasa, ya que las guerras, la revolución y el totalitarismo soviético destruyeron muchas fuentes escritas. Anna Andreevna estuvo sujeta al desfavor oficial durante mucho tiempo; muchos de sus familiares murieron después del golpe bolchevique. El primer marido de Ajmátova, el poeta Nikolai Gumilyov, fue ejecutado oficiales de seguridad en 1921. Su hijo Lev Gumilev y su tercer marido, Nikolai Punin, pasó muchos años en Gulag. Punin murió allí y Lev sobrevivió sólo de milagro.
11 de junio de 1889 cerca de Odessa. Su juventud la pasó en Tsarskoe Selo, donde vivió hasta los 16 años. Anna estudió en los gimnasios de Tsarskoye Selo y Kiev, y luego estudió derecho en Kiev y filología en San Petersburgo. En los primeros, escritos por un estudiante de secundaria a la edad de 11 años, se sintió la influencia de Derzhavin. Las primeras publicaciones se produjeron en 1907.
Desde principios de la década de 1910, Akhmatova publicó regularmente publicaciones en San Petersburgo y Moscú. En 1911 se formó la asociación literaria "Taller de Poetas", cuya "secretaria" era Anna Andreevna. 1910-1918: años de matrimonio con Nikolai Gumilyov, un conocido de Ajmátova desde que estudiaba en el gimnasio Tsárskoye Seló. En 1910-1912, Anna Ajmátova viajó a París, donde conoció al artista Amedeo Modigliani, que la pintó, y también a Italia.
1912 se convirtió en el año más significativo y fructífero para la poetisa. Este año la luz es "Tarde", su primera colección de poemas, y su hijo, Lev Nikolaevich Gumilyov. En los poemas de "Tarde" hay una precisión precisa de palabras e imágenes, esteticismo, poetización de los sentimientos, pero al mismo tiempo una visión realista de las cosas. En contraste con el anhelo simbólico por lo "superreal", la naturaleza metafórica, la ambigüedad y la fluidez de las ilustraciones de Ajmátova, ella restaura el significado original de la palabra. La fragilidad de las “señales” espontáneas y fugaces, glorificadas por los poetas simbolistas, dio paso a imágenes verbales precisas y composiciones estrictas.
I.F. son considerados los mentores del estilo poético de Akhmatova. Annensky y A.A. Bloque, maestros-. Sin embargo, la poesía de Anna Andreevna fue inmediatamente percibida como original, diferente del simbolismo y acmeísta. NS Gumilev, O.E. Mandelstam y A.A. Ajmátova se convirtió en el núcleo fundamental del nuevo movimiento.
En 1914 se publicó una segunda colección de poemas titulada “El Rosario”. En 1917 se publicó The White Flock, la tercera colección de Akhmatov. Oktyabrskaya influyó mucho en la vida y la actitud de la poetisa, así como en su destino creativo. Mientras trabajaba en la biblioteca del Instituto Agronómico, Anna Andreevna logró publicar las colecciones "Plátano" (1921) y "Anno Domini" ("En el año del Señor", 1922). En 1921, su marido fue fusilado, acusado de participar en una conspiración contrarrevolucionaria. La crítica soviética no aceptó a Ajmátova y la poetisa se sumergió en un período de silencio forzado.
Sólo en 1940 Anna Akhmatova publicó la colección "From Six Books", que por un corto tiempo le devolvió su "rostro" de escritora moderna. Durante la Gran Guerra Patria fue evacuada a Tashkent. Al regresar a Leningrado en 1944, Ajmátova se enfrentó a críticas injustas y crueles por parte del Comité Central del Partido Comunista de la Unión Bolchevique, expresadas en la resolución "Sobre las revistas "Zvezda" y "Leningrado". Fue expulsada del Sindicato de Escritores y privada del derecho a publicar. Su único hijo estaba sirviendo