Royal Gallery Mauritshuis (holenderski Mauritshuis, dosłownie dom Moritza) to galeria sztuki w Hadze w Holandii.

Mały pałac w pobliżu Binnenhof został zbudowany w latach 1636-41. Gubernator holenderskiej Brazylii Moritz z Nassau-Siegen, zaprojektowany przez architektów Jacoba van Kampena i Petera Posta. W 1704 r. pałac spłonął, po czym został odbudowany, jednak bez kopuły.

W 1820 roku Królestwo Niderlandów kupiło dom Moritza, aby pomieścić królewską kolekcję dzieł sztuki i antyków. Muzeum otworzyło swoje podwoje dwa lata później. Od 1875 roku jest galerią sztuki z niewielką, ale wyselekcjonowaną kolekcją obrazów holenderskich artystów „złotego wieku” – Johannesa Vermeera, Rembrandta van Rijna, Jana Steena, Paulusa Pottera i Fransa Halsa. Na wystawie można zobaczyć także kilka dzieł Holbeina Młodszego.

Rembrandt (środowisko) - Portret Rembrandta w wieku 23 lat, ok. 1629, 37,9 cm x 28,9 cm, olej na desce

Mauritshuis pozostawało muzeum państwowym do czasu przeniesienia go do wyspecjalizowanej fundacji w 1995 roku. Obecnie jest to jedno z najczęściej odwiedzanych muzeów w Holandii.

Perłą muzeum jest zbiór dzieł malarzy holenderskich XVII wieku. Ale Muzeum w Hadze ma poza tym powód do dumy: posiada także dzieła przedstawicieli flamandzkiego „złotego wieku” – XV.

Kolekcję można porównać do naszyjnika z pereł, gdyż każdy obraz jest przykładem najwyższego kunsztu, choć liczba dzieł jest niewielka.
Ale nawet wśród malowniczych pereł wyróżniają się pewne wyjątkowe okazy: „Lekcja anatomii” Rembrandta, „Portret dziewczyny z perłą” czy „Pejzaż Delft” Vermeera - to arcydzieła światowej kolekcji sztuki.

Vermeer van Delft, Johannes - Dziewczyna z perłą, ok. 1665, 44,5 cm x 39 cm, olej na płótnie

Rembrandt - Autoportret, 1669, 63,5 cm x 57,8 cm, olej na płótnie

Rembrandt – Studium starca (ojca Rembrandta), ok. 1630-31, 46,9 cm x 38,8 cm, Olej na drewnie

Rembrandt – Studium starej kobiety (matki Rembrandta), ok. 1630-35, 18,2 cm x 14 cm, Olej na drewnie

Mauritshuis: Rembrandt (kółko) - Odpoczywający podróżnicy

Rembrandt – Andromeda, ok. 1631, 34 cm x 24 cm, Drewno, olej

Mauritshuis: Rembrandt (kółko) - Minerwa

Rembrandt - Homer, 1663, 107 cm x 82 cm, olej na płótnie

Rembrandt - Dwóch Maurów, 1661, 77,8 cm x 64,4 cm, olej na płótnie

Rembrandt - Pieśń (Hymn) Symeona, 1631, 60,9 cm x 47,9 cm, olej na desce

Rembrandt - Portret starszego mężczyzny, 1650, 80,5 cm x 66,5 cm, olej na płótnie

Rembrandt - Portret starca, 1667, 81,9 cm x 67,7 cm, olej na płótnie

Rembrandt – Uśmiechnięty mężczyzna, ok. 1629-30, 15,4 cm x 12,2 cm, Miedź, olej.

Rembrandt - Lekcja anatomii doktora Nicholasa Tulpa, 1632, 169,5 cm x 216,5 cm, olej na płótnie

Rembrandt (warsztat) – Saul i Dawid, ok. 1650-55, 130 cm x 164,5 cm, Olej na płótnie

Vermeer van Delft, Johannes – Diana i jej nimfy, ok. 1653-54, 97,8 cm x 104,6 cm, Olej na płótnie.

Vermeer, Johannes - Widok na miasto Delft, ok. 1660-61, 96,5 cm x 115,7 cm, Olej na płótnie

Mauritshuis: Vermeer, styczeń - Widok Delft, 1660-61

„Vermeulen, Jan - Martwa natura z książkami, globusem i instrumentami muzycznymi, ok. 1660, 30 cm x 38,5 cm, olej na desce

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, styczeń - Krajobraz na skraju wydm

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, styczeń - Podwórko chłopskie na wydmach

Steen, Jan - Cysterka (zakonnica) bawiąca się, ok. 1662-65, 31 cm x 27,5 cm, olej na desce

Steen, Jan – Jak się słyszy, tak się śpiewa, ok. 1663-65, 134 cm x 63 cm, Olej na płótnie

Steen, Jan - Jeśli jesteś świnią, powinieneś być w stajni (Pijane kobiety), ok. 1673-75, 86 cm x 72 cm, Olej na płótnie

Mauritshuis: Sten, Jan - Życie ludzkie

Mauritshuis: Sten, Jan - Starzy ludzie robiący ajerkoniak

Mauritshuis: Sten, Jan - Dziewczyna jedząca ostrygi

Mauritshuis: Sten, Jan – wróżka

Mauritshuis: Sten, Jan - Taniec country w tawernie

Mauritshuis: Sten, Jan - Mojżesz i korona faraona

Mauritshuis: Sten, Jan - Wizyta lekarska

Mauritshuis: Steen, Jan - Portret rzekomo Marii van Wassenaar (1654-1683), czyli Dwór Drobiarski

Mauritshuis: Sten, Jan – Gryzak

Mauritshuis: Sten, Jan – Chora dziewczyna

Mauritshuis: Potter, Paul – Krowy odbite w wodzie, 1648

Mauritshuis: Potter, Paul - Stado na łące, 1652

Mauritshuis: Potter, Paul - Bull, 1647

Mauritshuis: Hals, Frans - Śmiejący się chłopiec, 1625

Mauritshuis: Hals, Frans - Portret mężczyzny, 1660

Mauritshuis: Holbein, Hans II - Portret Roberta Cheesemana (1485-1547), 1533

Avercamp, Hendrick – Zabawa na lodzie, ok. 1610, 36 cm x 71 cm, Drewno, olej

Backer, Jacob Adriaensz - Pasterz z fletem, ewentualnie autoportret, ok. 1637, 52,2 cm x 40,8 cm, Olej na drewnie

Baen, Jan de – Gloryfikacja Cornelisa de Witta (1623-1672), jako zwycięzcy bitwy pod Chatham w 1667 r., ok. 1667-70, 66 cm x 100 cm, olej na płótnie

Barbari, Jacopo de (atrybut) - Portret Hendrika, hrabiego Meklemburgii (1479-1552), 1507, 59,3 cm x 37,5 cm, olej na drewnie

Pszczoła, Sybrand van - Targ wieprzowy, 1638, 44 cm x 68 cm, olej na drewnie

Bega, Cornelis Pietersz - Karczma wiejska, 1658, 47 cm x 58 cm, olej na płótnie

Berchem, Nicolaes Pietersz - Dzieciństwo Zeusa, 1648, 202 cm x 262 cm, Olej na płótnie

Berchem, Nicolaes Pietersz, Weenix, Jan Chrzciciel – Powołanie Mateusza, ok. 1657, 98,2 cm x 120,8 cm, olej na desce

Berghe, Christoffel van den - Pejzaż zimowy, ok. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Miedź, olej

Berghe, Christoffel van den - Pejzaż letni, ok. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Miedź, olej

Beuckelaer, Joachim - Scena kuchenna z Chrystusem w Emaus, ok. 1560-65, 109,5 cm x 169 cm, olej na desce

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Martwa natura z owocami i dobrami luksusowymi, ok. 1655, 98 cm x 76 cm, Drewno, olej

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Martwa natura luksusowa, ok. 1655, 99,5 cm x 120,5 cm, olej na płótnie

Bloemaert, Abraham - Bogowie na weselu Peleusa i Tetydy, 1638, 193 cm x 164,5 cm, olej na płótnie

Bloemaert, Abraham - Teagenes otrzymujący gałązkę palmową od Chariclei, 1626, 157,2 cm x 157,7 cm, olej na płótnie

Borch, Gerard ter - List, ok. 1655, 39 cm x 29,5 cm, olej na desce

Obydwa, styczeń – pejzaż włoski, ok. 1645, 108,2 cm x 125,8 cm, Olej na płótnie

Bray, Jan de - Pokłon pasterzy, 1665, 63 cm x 48 cm, olej na desce

Breenbergh, Bartholomeus - Pejzaż z nimfami myśliwskimi i Dianą, 1647, 37,8 cm x 50 cm, olej na desce

Brekelenkam, Quiringh Gerritsz - Stara kobieta dokonująca upuszczania krwi, ok. 1660, 48 cm x 37 cm, Drewno, olej

Brouwer, Adriaen - Walka chłopska, ok. 1625-26, 25,5 cm x 34 cm, Olej na drewnie

Brueghel de Oude, Jan - Wazon z kwiatami, ok. 1610-15, 42 cm x 34,5 cm, Olej na drewnie

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne Prawie nikomu już to nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju pokochał ten rodzaj sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj na zdjęciu młody i beztroski” Syn marnotrawny w tawernie.” Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostaną zabrane za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzego.”

Fransa Halsa. Strzały cechu św. George. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborch był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. lata 60. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Dlatego zaskakujące jest to, że stało się to niedawno znane nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.

Około połowa 16-tego stołu. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich maniery z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. W jego ślady poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły niemieckiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyjeżdżali poza Alpy, aby nasycać się doskonałościami luminarzy Malarstwo włoskie, ale w większości poddali się wpływowi przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas schyłku tego malarstwa i jako manierzy powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesadzie mięśni, w pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów. Jednak zamiłowanie Włochów do malarstwa, które w okresie przejściowym Gruzji sięgało często skrajności, przyniosło pewien pożytek, gdyż wniosło do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowe życie . Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce. Ze wszystkich stron niemal jednocześnie wyłaniają się niezliczone rzesze wspaniałych artystów, powołanych do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę ich twórczości, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów, i jego nowe odgałęzienia, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne. Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, który rozegrał się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majstrowie sklepów i członkowie różnych korporacji. Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych malarzach portretowych kwitnącej epoki Galii. sztuki, wówczas samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który miał niesamowitą sztukę modelowania postaci w świetle, ale nieco zimny w charakterze i kolorze, Bartholomew van der Gelst (1611 lub 1612-70) i ​​uderzający fugą jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz. W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby skupione, wszystkie najlepsze cechy malarstwa G., a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazy historyczne , codzienne sceny i krajobraz. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Portera († później 1645), Gerarda Dou (1613-75) i Samuela van Googstratena (1626-78). Oprócz tych artystów, aby uzupełnić listę najlepszych portrecistów i malarzy historycznych omawianego okresu, należy wymienić Jana Lievensa (1607-30), przyjaciela Rembrandta w jego studiach u P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622) -72) i Pietera Nazona (1612-91), pracującego najwyraźniej pod wpływem V. d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole holenderskiej, znalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii. Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do rodziny, a potem dobroduszny humor, dokładnie charakteryzujących przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowanych w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i karczmach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. V. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie. Generalnie Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy z tego, że ich ojczyzna to nie tylko ojczyzna najnowszy gatunek, ale także krajobraz w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub rozgrywa się komedię, podporządkowując jej zatem warunki sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej miejsca, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje. W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto natura ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła takim kolorystom jak Holendrzy obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej dzięki warunki klimatyczne kraj - jego nasycone parą powietrze, zmiękczające kontury obiektów, tworzące gradację tonów na różnych płaszczyznach i zasłaniające odległość mgłą srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienność wyglądu obszarów zdeterminowana czasem roku, pory dnia i warunków pogodowych. Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. szkoły, które były ich tłumaczami charakter domowy , szczególnie szanowany: Ian V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678). Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Z malarstwem pejzażowym ściśle związane jest malowanie widoków architektonicznych, którym artyści holenderscy jako samodzielną dziedzinę sztuki zaczęli się zajmować dopiero w połowie XVII wieku. Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze było tak ważne w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkami, a nawet portretami, odrywając się na chwilę od zwykłej tematyki, zostało malarzami morskimi, a jeśli zdecydowaliśmy się wymienić wszystkich malarzy holenderskich. szkoły przedstawiające spokojne lub wściekłe morze, kołyszące się na nim statki, zapełnione statkami porty, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdael, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willem v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634). Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie. Od początku XVIII w. jego upadek nadchodzi nie dlatego, że wybrzeża Zuiderzee przestają produkować wrodzone talenty, ale dlatego W społeczeństwie coraz bardziej słabnie samoświadomość narodowa, duch narodowy wyparowuje, a francuskie gusta i poglądy z epoki pompatycznej nabierają tempa. Ludwik XIV. W sztuce ten zwrot kulturowy wyraża się w zapomnieniu przez artystów podstawowych zasad, na których opierała się oryginalność malarzy poprzednich pokoleń, i odwołaniu się do zasad estetycznych przywiezionych z sąsiedniego kraju. Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta bardzo zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne i dzieła własnego pióra, wśród których jedna – „Wielka Księga Malarza” („t groot schilderboec”) – przez pięćdziesiąt lat służyła jako kod dla młodych artystów słynnego Adriana V. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi, jakby wyciętymi postaciami z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się niegdyś szczytem doskonałości wśród naśladowców tego artysty, Henrika V Jako malarze historyczni zasłynęli Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.”. Z pozostałych malarzy omawianej epoki obdarzony był niewątpliwym talentem , ale zarażony duchem czasu, warto zauważyć Willem i France v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Trost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

Wpływy zagraniczne wywierały duży wpływ na malarstwo holenderskie aż do lat dwudziestych XIX wiek, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić modyfikacje, jakie dokonała się sztuka we Francji, poczynając od perukarstwa z czasów Króla Słońce, a kończąc na pseudoklasycyzmie Dawida. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inne narody, zwrócili swój wzrok ku ich starożytności, a tym samym do ich chwalebnego malarstwa z przeszłości. Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie pozbyć się obcych wpływów, ale udając się na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali stamtąd jedynie znajomość z sukcesami nowoczesna technologia. Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne sensu stricto jest w nim kultywowane, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; Ale jeśli chodzi o gatunek historyczny, Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Z gatunku codziennego, który również znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tadema), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschop (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857). Najnowszy cel jest szczególnie bogaty. malarstwo pejzażystów, którzy pracowali i tworzą na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wiernymi i poetyckimi interpretatorami ich rodzimej natury. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych malarzy marynistycznych Holandii zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Wreszcie Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832) wykazali się dużymi umiejętnościami w malowaniu zwierząt.

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Szkice o historii Malarstwo holenderskie na podstawie próbek znajdujących się w Petersburgu.” (specjalny dodatek do czasopisma „Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

Za narodziny szkoły holenderskiej uważa się pierwsze lata XVII wieku. Szkoła ta należy do wielkich szkół malarskich i jest szkołą niezależną i niezależną o wyjątkowych i niepowtarzalnych cechach i tożsamości.

Ma to podłoże w dużej mierze historyczne – jednocześnie narodził się nowy ruch w sztuce i nowe państwo na mapie Europy.

Aż do XVII wieku Holandia nie wyróżniała się bogactwem artystów narodowych. Być może dlatego w przyszłości w tym kraju będzie ich tak wielu duża liczba artystów, zwłaszcza artystów holenderskich. Choć kraj ten stanowił jedno państwo z Flandrią, to głównie we Flandrii intensywnie tworzyły się i rozwijały oryginalne ruchy artystyczne. We Flandrii pracowali wybitni malarze Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, których takich w Holandii nie było. Na początku XVI wieku można odnotować jedynie pojedyncze wybuchy geniuszu w malarstwie; jest to artysta i rytownik Łukasz z Lejdy, będący uczniem szkoły brukgijskiej. Ale Łukasz z Lejdy nie założył żadnej szkoły. To samo można powiedzieć o malarzu Dirku Boutsie z Haarlemu, którego twórczość ledwo odstaje na tle stylu i maniery początków szkoły flamandzkiej, o artystach Mostarta, Skorela i Heemskerke, którzy mimo całego swojego znaczenia, nie są indywidualnymi talentami, które charakteryzują ich z ich oryginalnością kraju.

Następnie wpływy włoskie rozprzestrzeniły się na wszystkich, którzy tworzyli pędzlem – od Antwerpii po Haarlem. Między innymi z tego powodu zacierały się granice, mieszały się szkoły, a artyści tracili tożsamość narodową. Nie przeżył ani jeden uczeń Jana Skorela. Ostatni, najsłynniejszy, największy portrecista, który wraz z Rembrandtem jest dumą Holandii, artysta obdarzony potężnym talentem, doskonale wykształcony, zróżnicowany stylowo, z natury odważny i elastyczny, kosmopolita, który utracił wszystko ślady jego pochodzenia, a nawet imienia – Antonis Moreau (był oficjalnym malarzem króla hiszpańskiego) zmarł po 1588 roku.

Pozostali przy życiu malarze niemal przestali być Holendrami w duchu swojej twórczości; brakowało im organizacji i umiejętności odnowienia szkoły narodowej. Byli to przedstawiciele manieryzmu holenderskiego: rytownik Hendrik Goltzius, Cornelis z Haarlemu, który naśladował Michała Anioła, Abraham Bloemaert, naśladowca Correggio, Michiel Mierevelt, dobry portrecista, zręczny, precyzyjny, lakoniczny, trochę zimny, nowoczesny jak na swoje czasy , ale nie narodowy. Co ciekawe, on sam nie uległ wpływom włoskim, które ujarzmiły większość przejawów ówczesnego malarstwa holenderskiego.

Pod koniec XVI wieku, kiedy portreciści utworzyli już szkołę, zaczęli pojawiać się i formować inni artyści. W drugiej połowie XVI wieku narodziło się wielu malarzy, którzy stali się fenomenem w malarstwie; było to niemal przebudzenie holenderskiej szkoły narodowej. Różnorodność talentów prowadzi do wielu różne kierunki i sposoby rozwoju malarstwa. Artyści sprawdzają się we wszystkich gatunkach, w różnych zestawieniach kolorystycznych: jedni pracują w jasnych barwach, inni w ciemnych (wyczuwał się tu wpływ włoskiego artysty Caravaggia). Malarze preferują jasne kolory, a koloryści ciemne kolory. Rozpoczyna się poszukiwanie maniery obrazkowej, opracowywane są zasady przedstawiania światłocienia. Paleta staje się bardziej zrelaksowana i swobodna, podobnie jak linie i plastyczność obrazu. Pojawiają się bezpośredni poprzednicy Rembrandta – jego nauczyciele Jan Pace i Peter Lastman. Coraz swobodniejsze stają się także metody gatunkowe – historyczność nie jest już tak obowiązkowa jak dawniej. Tworzy się szczególny, głęboko narodowy i niemal historyczny gatunek – portrety zbiorowe przeznaczone do miejsc publicznych – ratuszów, korporacji, warsztatów i społeczności. Wraz z tym najdoskonalszym w swej formie wydarzeniem kończy się wiek XVI, a zaczyna wiek XVII.

To dopiero początek, zalążek szkoły, sama szkoła jeszcze nie istnieje. Jest wielu utalentowanych artystów. Wśród nich są wykwalifikowani rzemieślnicy, kilku znakomitych malarzy. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder i wreszcie Esayas van de Velde i van Goyen – wszyscy urodzili się pod koniec XVI w. wiek. Na tej liście znajdują się także artyści, których nazwiska utrwaliły się w historii, ci, którzy reprezentowali jedynie indywidualne próby osiągnięcia mistrzostwa, oraz ci, którzy stali się nauczycielami i poprzednikami przyszłych mistrzów.

Był to moment krytyczny w rozwoju malarstwa holenderskiego. Przy niestabilnej równowadze politycznej wszystko zależało tylko od przypadku. Przeciwnie, we Flandrii, gdzie zaobserwowano podobne przebudzenie, panowało już poczucie pewności i stabilności, jakiego nie było jeszcze w Holandii. We Flandrii istnieli już artyści, którzy uformowali się w ten sposób lub byli mu bliscy. Warunki polityczne i społeczno-historyczne w tym kraju były korzystniejsze. Istniał bardziej elastyczny i tolerancyjny rząd, tradycje i społeczeństwo. Z potrzeby luksusu zrodziła się trwała potrzeba sztuki. W sumie istniały poważne powody, dla których Flandria miała po raz drugi stać się wielkim ośrodkiem sztuki. Do tego brakowało tylko dwóch rzeczy: kilku lat spokoju i mistrza, który byłby twórcą szkoły.

W 1609 roku, gdy decydowały się losy Holandii – Filip III zgodził się na rozejm między Hiszpanią a Holandią – pojawił się Rubens.

Wszystko zależało od szansy politycznej lub militarnej. Pokonana i podbita Holandia musiałaby całkowicie utracić niepodległość. Wtedy oczywiście nie byłoby dwóch niezależnych szkół – w Holandii i we Flandrii. W kraju zależnym od wpływów włosko-flamandzkich taka szkoła i utalentowani, oryginalni artyści nie mogli się rozwijać.

Aby narodził się naród holenderski, a sztuka holenderska ujrzała wraz z nim światło, potrzebna była głęboka i zwycięska rewolucja. Szczególnie ważne było, aby rewolucja opierała się na sprawiedliwości, rozsądku, konieczności, aby ludzie zasłużyli na to, co chcieli osiągnąć, aby byli zdecydowani, przekonani o swojej słuszności, pracowici, cierpliwi, powściągliwi, bohaterscy i mądrzy. Wszystkie te cechy historyczne znalazły później odzwierciedlenie w powstaniu holenderskiej szkoły malarstwa.

Sytuacja okazała się taka, że ​​wojna nie zrujnowała Holendrów, ale ich wzbogaciła; walka o niepodległość nie uszczupliła ich sił, ale wzmocniła i zainspirowała. W zwycięstwie nad najeźdźcami ludzie wykazali się tą samą odwagą, co w walce z żywiołami, o morze, o zalanie ziem, o klimat. To, co miało zniszczyć ludzi, dobrze im służyło. Traktaty podpisane z Hiszpanią dały Holandii wolność i wzmocniły jej pozycję. Wszystko to doprowadziło do powstania własnej sztuki, która gloryfikowała, uduchowiała i wyrażała wewnętrzną istotę narodu holenderskiego.

Po traktacie z 1609 r. i oficjalnym uznaniu Zjednoczonych Prowincji nastąpił natychmiastowy zastój. To było tak, jakby dobroczynny, ciepły wietrzyk dotknął ludzkich dusz, ożywił glebę, odnalazł i obudził kiełki gotowe do rozkwitu. To niesamowite, jak niespodziewanie i w jak krótkim czasie – nie więcej niż trzydzieści lat – na małej przestrzeni, na niewdzięcznej pustynnej ziemi, w trudnych warunkach życia, pojawiła się cudowna plejada malarzy, i to wielkich malarzy.

Pojawiły się natychmiast i wszędzie: w Amsterdamie, Dordrechcie, Lejdzie, Delft, Utrechcie, Rotterdamie, Haarlemie, a nawet za granicą - jakby z nasion, które spadły z pola. Najstarsi to urodzeni na przełomie wieków Jan van Goyen i Wijnants. I dalej, w przedziale od początku stulecia do końca jego pierwszej tercji – Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jakub Ruisdael.

Ale na tym kreatywne pomysły się nie skończyły. Następny na świat przyszedł Pieter de Hooch w Hobbema. Ostatni z wielkich – van der Heyden i Adrian van de Velde – urodzili się w latach 1636 i 1637. W tym czasie Rembrandt miał trzydzieści lat. Mniej więcej te lata można uznać za czas pierwszego rozkwitu szkoły holenderskiej.

Biorąc pod uwagę wydarzenia historyczne tamtych czasów, można sobie wyobrazić, jakie powinny być aspiracje, charakter i losy nowej szkoły malarstwa. Co ci artyści mogliby napisać w kraju takim jak Holandia?

Rewolucja, która dała Holendrom wolność i bogactwo, jednocześnie pozbawiła ich tego, co stanowi żywotną podstawę wielkich szkół na całym świecie. Zmieniła wierzenia, zmieniła nawyki, zniosła wizerunki scen starożytnych i ewangelicznych, zaprzestała tworzenia dużych dzieł - malarstwa kościelnego i dekoracyjnego. Tak naprawdę każdy artysta miał wybór – być oryginalnym albo nie być wcale.

Należało stworzyć sztukę dla narodu mieszczańskiego, która będzie do niego przemawiała, przedstawiała go i była dla niego istotna. Byli to praktyczni, nieskłonni do marzeń, ludzie biznesu, ze złamanymi tradycjami i antywłoskimi nastrojami. Można powiedzieć, że Holendrzy mieli proste i odważne zadanie – stworzyć własny portret.

Malarstwo holenderskie, był i mógł być jedynie wyrazem wyglądu zewnętrznego, prawdziwym, wiernym, podobnym portretem Holandii. Był to portret ludzi i terenu, zwyczajów mieszczańskich, placów, ulic, pól, morza i nieba. Głównymi elementami szkoły holenderskiej były portrety, pejzaże i sceny codzienne. Taki był obraz ten od początków jego istnienia aż do jego upadku.

Wydawać by się mogło, że nie ma nic prostszego niż odkrycie tej powszechnej sztuki. W rzeczywistości nie można sobie wyobrazić niczego równego mu pod względem szerokości i nowości.

Od razu zmieniło się wszystko w sposobie rozumienia, widzenia i przekazywania: punkt widzenia, ideał artystyczny, wybór natury, styl i metoda. Malarstwo włoskie i flamandzkie w swoich najlepszych przejawach jest dla nas wciąż zrozumiałe, bo wciąż się nimi zachwyca, ale to już martwe języki i nikt już nimi nie będzie się posługiwał.

Kiedyś panował zwyczaj myślenia wzniosłego i ogólnego; istniała sztuka polegająca na umiejętnym doborze przedmiotów. W ich dekoracji korekta. Uwielbiał pokazywać naturę taką, jaka nie istnieje w rzeczywistości. Wszystko ukazane było mniej więcej zgodne z osobowością danej osoby, zależało od niej i było jej podobieństwem. W rezultacie powstała sztuka, dla której człowiek jest w centrum, a wszystkie inne obrazy wszechświata zostały ucieleśnione albo w formy ludzkie lub były niewyraźnie przedstawiane jako drugorzędne środowisko danej osoby. Twórczość rozwijana według określonych wzorców. Każdy przedmiot musiał zapożyczać swoją plastyczną formę od tego samego ideału. Mężczyzna musiał być częściej przedstawiany nago niż ubranego, dobrze zbudowanego i przystojnego, aby mógł z odpowiednią wielkością odegrać przypisaną mu rolę.

Teraz zadanie malowania stało się prostsze. Trzeba było nadać każdej rzeczy i zjawisku swoje prawdziwe znaczenie, umieść osobę na właściwym miejscu i, jeśli to konieczne, obejdź się bez niej.

Czas mniej myśleć, patrzeć uważnie na to, co najbliżej, lepiej obserwować i pisać inaczej. To jest obraz tłumu, obywatela, człowieka pracy. Trzeba było stać się skromnym dla wszystkiego, co skromne, małym dla małych, niepozornym dla niepozornego, wszystko akceptować, nie odrzucając i nie pogardząc niczym, wnikając w ukryte życie rzeczy, z miłością łącząc się z ich istnieniem, trzeba było być uważnym , dociekliwy i cierpliwy. Geniusz polega teraz na braku uprzedzeń. Nie ma potrzeby niczego upiększać, uszlachetniać, demaskować: to wszystko jest kłamstwem i bezużyteczną pracą.

Malarze holenderscy, tworząc w jakimś zakątku północnego kraju z wodą, lasami, morskimi horyzontami, potrafili odzwierciedlić w miniaturze cały wszechświat. Mały kraj, dokładnie zbadany według gustów i instynktów obserwatora, zamienia się w niewyczerpany skarbiec, tak bogaty jak samo życie, tak bogaty w doznania, jak bogate jest w nie ludzkie serce. Szkoła holenderska rozwija się i działa w ten sposób przez całe stulecie.

Malarze holenderscy znajdowali tematy i kolory, które zaspokajały wszelkie ludzkie skłonności i uczucia, dla natur szorstkich i delikatnych, żarliwych i melancholijnych, marzycielskich i wesołych. Pochmurne dni ustępują wesołym, słonecznym dniom, morze jest czasem spokojne i mieniące się srebrem, czasem burzliwe i ponure. Wzdłuż wybrzeża znajduje się wiele pastwisk z gospodarstwami rolnymi i wiele statków zatłoczonych. I prawie zawsze można poczuć ruch powietrza nad otwartymi przestrzeniami i silne wiatry z Morza Północnego, które gromadzi chmury, ugina drzewa, obraca skrzydła młynów i rozprasza światła i cienie. Do tego należy dodać miasta, życie domowe i uliczne, uroczystości na jarmarkach, przedstawienia różnych obyczajów, potrzeby biednych, okropności zimy, bezczynność w tawernach z dymem tytoniowym i kuflami piwa. Z drugiej strony zamożny tryb życia, sumienna praca, kawalkady, popołudniowy odpoczynek, polowania. Ponadto - życie publiczne, uroczystości cywilne, bankiety. W rezultacie powstała nowa sztuka, ale poruszająca tematy stare jak świat.

W ten sposób powstała harmonijna jedność ducha szkoły i najbardziej zdumiewająca różnorodność, jaka kiedykolwiek powstała w ramach jednego ruchu artystycznego.

Ogólnie rzecz biorąc, szkoła holenderska nazywana jest szkołą gatunkową. Jeśli rozłożymy go na elementy składowe, wówczas możemy wyróżnić wśród niego malarzy pejzaży, mistrzów portretu grupowego, malarzy morskich, malarzy zwierząt, artystów malujących portrety zbiorowe czy martwe natury. Jeśli przyjrzeć się bliżej, można wyróżnić wiele odmian gatunkowych - od miłośników malowniczości po ideologów, od kopistów natury po jej interpretatorów, od konserwatywnych domowników po podróżników, od kochających i odczuwających humor po artystów unikających komedii. Przypomnijmy sobie obrazy przedstawiające humor Ostade'a i powagę Ruisdaela, spokój Pottera i kpinę Jana Steena, dowcip Van de Velde i ponurą senność wielkiego Rembrandta.

Z wyjątkiem Rembrandta, którego należy uznać za zjawisko wyjątkowe zarówno w skali swojego kraju, jak i w historii, wówczas wszystkich pozostałych artystów holenderskich cechuje określony styl i metoda. Prawa tego stylu to szczerość, przystępność, naturalność i wyrazistość. Jeśli odbierzecie sztuce holenderskiej to, co można nazwać uczciwością, to przestaniecie rozumieć jej żywotne podstawy i nie będziecie w stanie określić ani jej charakteru moralnego, ani stylu. U tych artystów, którzy w większości zasłużyli sobie na miano krótkowzrocznych kopistów, czuć wzniosłą i życzliwą duszę, wierność prawdzie i umiłowanie realizmu. Wszystko to nadaje ich dziełom wartość, jakiej zdaje się nie mieć to, co na nich przedstawione.

Początkiem tego szczerego stylu i pierwszym efektem tego szczerego podejścia jest doskonały rysunek. Wśród malarzy holenderskich Potter jest przejawem geniuszu w precyzyjnych, zweryfikowanych pomiarach i umiejętności prześledzenia ruchu każdej linii.

W Holandii niebo często zajmuje połowę, a czasem cały obraz. Dlatego konieczne jest, aby niebo na zdjęciu poruszało się, przyciągało i niosło nas ze sobą. Aby można było odczuć różnicę między dniem, wieczorem i nocą, aby można było odczuć ciepło i zimno, aby widz był jednocześnie zmarznięty i cieszył się tym oraz odczuwał potrzebę skupienia. Choć chyba trudno taki rysunek nazwać najszlachetniejszym ze wszystkich, spróbujcie znaleźć na świecie artystów, którzy namalowaliby niebo, jak Ruisdael i van der Neer, a tak wiele i tak błyskotliwie przekazaliby swoją twórczością. Wszędzie Holendrzy mają ten sam design - powściągliwy, lakoniczny, precyzyjny, naturalny i naiwny, zręczny i nie sztuczny.

Holenderska paleta jest całkiem godna ich rysunku, stąd idealna jedność ich metody malowania. Każdy obraz holenderski można łatwo rozpoznać po wyglądzie. Jest niewielki i wyróżnia się mocnymi, surowymi kolorami. Wymaga to od artysty dużej dokładności, pewnej ręki i głębokiej koncentracji, aby uzyskać skoncentrowany efekt na widzu. Artysta musi wejść w głąb siebie, aby pielęgnować swój pomysł, widz musi wejść w głąb siebie, aby zrozumieć plan artysty. To holenderskie obrazy dają najjaśniejsze wyobrażenie o tym ukrytym i wiecznym procesie: czuć, myśleć i wyrażać. Nie ma bardziej bogatego obrazu na świecie, skoro to Holendrzy mieszczą tak wiele treści na tak małej przestrzeni. Dlatego wszystko tutaj nabiera precyzyjnej, skompresowanej i skondensowanej formy.

Każdy obraz holenderski jest wklęsły, składa się z krzywych opisanych wokół jednego punktu, będącego ucieleśnieniem koncepcji obrazu oraz cieni rozmieszczonych wokół głównego punktu światła. Solidna podstawa, biegnący blat i zaokrąglone rogi zwrócone do środka – wszystko to jest obrysowane, pokolorowane i podświetlone w kole. Dzięki temu obraz nabiera głębi, a przedstawione na nim obiekty oddalają się od oka widza. Widz jest niejako prowadzony od pierwszego planu do ostatniego, od kadru po horyzont. Wydaje się, że zamieszkujemy obraz, poruszamy się, patrzymy w głąb, podnosimy głowę, by zmierzyć głębokość nieba. Rygor perspektywy powietrznej, doskonała zgodność koloru i odcieni z miejscem w przestrzeni, jakie zajmuje obiekt.

Aby pełniej zrozumieć malarstwo holenderskie, należy szczegółowo rozważyć elementy tego ruchu, cechy metod, naturę palety i zrozumieć, dlaczego jest ono tak ubogie, niemal monochromatyczne i tak bogate w rezultaty. Ale wszystkie te pytania, podobnie jak wiele innych, zawsze były przedmiotem spekulacji wielu historyków sztuki, nigdy jednak nie zostały wystarczająco zbadane i wyjaśnione. Opis głównych cech sztuki holenderskiej pozwala odróżnić tę szkołę od innych i prześledzić jej genezę. Wyrazistym obrazem ilustrującym tę szkołę jest obraz Adriaana van Ostade z Muzeum Amsterdamskiego „Atelier Artysty”. Temat ten był jednym z ulubionych malarzy holenderskich. Widzimy uważnego, lekko zgarbionego mężczyznę, z przygotowaną paletą, cienkimi, czystymi pędzlami i przezroczystym olejem. Pisze w półmroku. Jego twarz jest skupiona, jego ręka jest ostrożna. Tylko może ci malarze byli odważniejsi i umieli śmiać się bardziej beztrosko i cieszyć się życiem, niż można wywnioskować z zachowanych obrazów. W przeciwnym razie, jak ich geniusz objawiłby się w atmosferze tradycji zawodowych?

Podwaliny pod szkołę holenderską położyli van Goyen i Wijnants na początku XVII wieku, ustanawiając pewne prawa malarstwa. Prawa te zostały przekazane z nauczycieli na uczniów i przez całe stulecie holenderscy malarze kierowali się nimi, nie schodząc na bok.

Holenderskie malarstwo manierystyczne

=Malarstwo holenderskie. Duża kolekcja =

Malarstwo holenderskie jest pierwszą gałęzią tzw. „Szkoła holenderska”, podobnie jak druga – flamandzkia, powstała jako odrębna epoka w sztukach pięknych po brutalnej rewolucji, zakończonej zwycięstwem narodu holenderskiego nad uciskającymi go Hiszpanami. Od tego momentu malarstwo holenderskie natychmiast nabrało oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiągnęło jasny i obfity rozkwit. Malarstwo, w twórczości ogromnej liczby mniej lub bardziej utalentowanych artystów, którzy pojawili się niemal jednocześnie, od razu nabrało tutaj kierunku bardzo wszechstronnego, a jednocześnie zupełnie odmiennego od kierunku sztuki w innych krajach! Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Drugą jego wyróżniającą właściwością jest subtelne wyczucie koloru i zrozumienie, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie promienie świetlne, bliskość lub zakres odległości. Malarstwo niderlandzkie to malarstwo, w którym wyczucie koloru, światła i cienia jest rozwinięte do tego stopnia, że ​​światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można powiedzieć, rolę głównego bohatera i wzbudza ogromne zainteresowanie najdrobniejsza fabuła, najbardziej nieeleganckie formy i obrazy... .Przedstawiam Państwu moją osobistą kolekcję obrazów holenderskich artystów! Trochę historii: Większość holenderskich artystów nie szuka długo materiału do swojej twórczości, ale zadowala się tym, co znajduje wokół siebie, w rodzimej przyrodzie i życiu swojego ludu - hałaśliwą zabawą wspólnych świąt, chłopskich biesiad , sceny z życia wsi lub intymnego życia mieszkańców miast, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się na bujnych łąkach, wioski nad brzegami rzek, jezior i grachtów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglice kościołów i ratuszy, porty zapełnione statkami, wypełnione srebrzystymi lub złotymi oparami nieba - wszystko to pod zaroślami żółci. mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową, zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności. Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów sięgają po tematy biblijne, historię starożytną i mitologię, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską scenerią. Co prawda obok zwartego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasyczny kraj sztuka, Włochy; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość. Wreszcie jako cechę malarzy holenderskich można wskazać wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości dobrze znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury. Dlatego artystów holenderskich nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów! Jednakże towarzystwa takie, noszące nazwę cechów św. Łukasza, nie były akademiami, kustoszami słynnych legend artystycznych, ale wolnymi korporacjami, podobnymi do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniącymi się od nich strukturą i celem wzajemnego wspierania swoich członków, ochrony ich praw, troszczcie się o ich starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot. Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Wczesne dzieła malarzy holenderskich dotarły do ​​nas dopiero w bardzo ograniczone ilości , ponieważ większość z nich zmarła w tym niespokojnym czasie, kiedy Reformacja zdewastowała kościoły katolickie, zniosła klasztory i opactwa, podżegała „łamaczy ikon” (burzystów) do niszczenia malowanych i rzeźbionych świętych obrazów, a powstanie ludowe zniszczyło wszędzie portrety znienawidzonych tyranów . Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwy; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. Mgła spowijająca nas z początków szkoły holenderskiej zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuirboutem († 1475), a także Jana Mostaerta (ok. 1470-1556), którego dążenie do naturalizmu w połączeniu z nutą gotyckiej legendy, ciepłem uczuć religijnych z dbałością o zewnętrzną elegancję. Oprócz tych wybitnych mistrzów z początków sztuki holenderskiej na uwagę zasługują: Pieter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Joris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, który zainteresował się bzdurami anabaptyzmu i wyobrażał sobie siebie jako proroka Dawida i syna Bożego oraz Dirka Jacobsa (w Ermitażu znajdują się dwa obrazy tego ostatniego przedstawiające towarzystwa strzeleckie). Około połowy XVI wieku. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich maniery z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Za głównego propagatora nowego ruchu należy uznać Jana van Scorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. W jego ślady poszli Maarten van Van, nazywany Heemskerk (1498-1574), Henrik Goltzius (1558-1616), Cornelis van Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu istnienia szkoły, jak np. Abraham Bloemaert (1564-1651) i Gerard Honthorst (1592-1662), którzy wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w większości popadli pod wpływ przedstawicieli schyłku malarstwa właśnie ten obraz, który zaczynał się w tamtym czasie. Jednak zamiłowanie do Włochów, które w epoce przejściowej sięgało często skrajności, przyniosło pewien pożytek, gdyż wniosło do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce. Ze wszystkich stron, niemal jednocześnie, pojawiają się niezliczona ilość wspaniałych artystów! Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Harlemu i Lejdy, dołączają nowe – Delft, Utrecht, Dordrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie na nowo rozwijają się dawne zadania malarstwa – jego nowe gałęzie, których początki były ledwo zauważalne w poprzednim okresie, kwitną. Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajające gusta bogatej mieszczaństwa, porzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości. Jeśli chciałbyś porozmawiać o wszystkich utalentowanych portrecistach tej kwitnącej epoki, samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem ich najlepszych dzieł zajęłoby wiele linijek; Dlatego ograniczymy się do wymienienia tylko kilku. Takim jest na przykład Michael Mervelt (1567-1641), poprzednik trzech największych portrecistów Holandii - czarownik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który posiadał niesamowitą sztukę modelowania postaci w lekki, ale Bartholomew van der miał nieco zimny charakter i kolor Helst (1611 lub 1612-70) i ​​uderzającą fugę jego pędzla autorstwa Fransa Halsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz. W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w skupieniu, wszystkie najlepsze cechy malarstwa holenderskiego, a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabritius (ok. 1620-54), Pieter de Grebber, Willem de Porter († później 1645), Gerard Dou (1613-75) i Samuel van Hoogstraten (1626-78). Oprócz tych artystów, dla większej kompletności listy, należy wymienić jeszcze Jana Lievensa (1607-30), przyjaciela Rembrandta w opracowaniu P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622-72) i Pietera Nesona (1612-91). ), który pracował nad Podobno pod wpływem V. zm. Helsta, naśladowcy Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662) i Jana de Bray († 1664, † 1697). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) i Anthony Palamedes (1601-73). Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego doskonale rozwinęli się jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), wspomniany już Palamedes, Jacob Duke (1600 - później 1660) i Dirk Maas (1656-1717). Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie. W ogóle Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy, że ich ojczyzna jest kolebką nie tylko najnowszego gatunku, ale także krajobrazu w dzisiejszym rozumieniu. Rzeczywiście, w innych krajach, na przykład we Włoszech i Francji, sztuka nie interesowała się przyrodą nieożywioną i nie znajdowała w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Wśród pejzażystów okresu rozkwitu szkoły holenderskiej szczególnie szanowani są: Jan van Goyen (1595-1656), który wraz z Ezaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Elderem. (1595-1661), uważany za twórcę krajobrazu holenderskiego; wówczas uczeń tego mistrza, Salomon van Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik lepszych efektów świetlnych Art van der Neer (1603-77), poetycki Jacob van Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meindert Hobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678). Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Allaert van Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Oba (1610-52) – Włochy; Herman Saftleven (1610-85) – Reina; Cornelis Poulenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); oprócz niego należy tu zaliczyć Adriana van de Velde (1635 lub 1636-72), Alberta Cuypa (1620-91) oraz licznych artystów, którzy sięgali po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Adam Peinaker (1622-73), Jan -Baptiste Weenix (1621-60), Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78) itd. Z malarstwem pejzażowym ściśle związane jest malowanie widoków architektonicznych, którym holenderscy artyści zaczęli się zajmować jako niezależna dziedzina sztuki dopiero w połowie XVII w. Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to Johannes Beerestraten (1622-66) i Jacob van der Ulf (1627-88). Inni, zwłaszcza Pieter Sanredam († 1666) i Dirk van Delen (1605-71), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze było tak ważne w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów, zajmujących się pejzażem, gatunkiem, a nawet portretem, odrywając się na chwilę od zwykłych tematów, zostało malarzami morskimi, a gdyby chcieć wymienić wszystkich malarzy szkoły holenderskiej, którzy przedstawiali spokojne lub wzburzone morze , kołysające się na nim statki, zapełnione statkami porty, bitwy morskie itp., wówczas powstałaby bardzo długa lista, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdael, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie widoków morskich, należy wymienić Willema van de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynnego syna Willema van de Velde Młodszego (1633-1707), a także jako Jan van de Cappelle († 1679). Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie wśród artystów holenderskich epoki rozkwitu najbardziej znani byli Jan-Davids de Heem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Hondekoeter (1636) -95), Maria Oosterwijk (1630-93), Willem van Aelst (1626-83), Willem Heda (1594 - później 1678), Willem Kalf (1621 lub 1622-93) i Jan Weenix (1640-1719). Ogólnie rzecz biorąc, jak widzimy, prawdopodobnie główną cechą wyróżniającą rozwój sztuki holenderskiej na przestrzeni tych wszystkich lat była jej znacząca przewaga wśród wszystkich rodzajów malarstwa. Malowidła zdobiły domy nie tylko przedstawicieli elity rządzącej społeczeństwem, ale także biednych mieszczan, rzemieślników i chłopów; sprzedawano je na aukcjach i jarmarkach; czasami artyści używali ich jako środka do płacenia rachunków. Zawód artysty nie był rzadkością, malarzy było wielu i zaciekle ze sobą rywalizowali. Niewielu z nich mogło utrzymać się z malarstwa, wielu podejmowało się różnych zajęć: Sten był karczmarzem, Hobbema urzędnikiem akcyzowym, Jacob van Ruisdael był lekarzem.))))) Od początku XVIII wieku. w malarstwie niderlandzkim ugruntowały się francuskie gusta i poglądy pompatycznej epoki Ludwika XIV - naśladownictwo Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta bardzo zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo- obrazy historyczne i dzieła własnego pióra, wśród których jedna – „Wielka księga malarza” („t groot schilderboec”) – przez pięćdziesiąt lat służyła jako kod dla młodych artystów, a także słynny Adrian van de Werff ( 1659-1722), którego malowanie zimnymi postaciami, jakby wyrzeźbionymi z kości słoniowej, wydawało się wówczas szczytem doskonałości. Wśród naśladowców tego artysty Henrik van Limborg (1680-1758) i Philip van Dyck (1669-1729), nazywany. „Mały Van Dyck” zasłynął jako malarz historyczny. Wśród innych malarzy omawianej epoki, obdarzonych niewątpliwym talentem, ale zarażonych duchem czasu, należy wymienić Willema i Fransa van Miersa Młodszego (1662-1662). 1747, 1689-1763), Nicholasa Verkolge (1673-1746), Constantijna Netschera (1668-1722) i Karela de Moora (1656-1738). Nieco blasku tej szkole nadawali Cornelis Troost (1697-1750), głównie karykaturzysta, nazywany holenderskim Gogarthem, portrecista Jan Quincheed (1688-1772), malarz historii dekoracji Jacob de Wit (1695-1754) i malarz zmarłych natura Jana van Huysum (1682 -1749). Obce wpływy ciążyły na malarstwie holenderskim aż do lat dwudziestych XIX wieku, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić przemiany, jakie zaszły w sztuce francuskiej, począwszy od perukarstwa czasów Króla Słońce, a skończywszy na pseudoklasycyzmie Dawid. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inne narody, zwrócili swój wzrok ku ich starożytności, a tym samym do ich chwalebnego malarstwa z przeszłości. Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie eliminować się spod obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii. Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska na nowo nabrała oryginalności i ruszyła w naszych czasach drogą wiodącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Holandia może być dumna z kilku znaczących współczesnych mistrzów: Jacoba Eckhouta (1793-1861), Davida Blesa (ur. 1821), Hermanna ten Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowanego Lawrence'a Alma-Tadema (ur. 1836), którzy „opuszczony” do Anglii Joseph Israels (ur. 1824) i Christoffel Bissschop (ur. 1828), Anton Mauwe (1838-88) i Jacob Maris (ur. 1837), Bartholomeus van Hove (1790-1888) i Johannes Bosboom (ur. 1837). 1817-N), Henrik Mesdag (ur. 1831), Wouters Vershuur (1812-74) i wielu innych.....

Tymczasem ten jest wyjątkowy i wart więcej szczegółowe badania obszar kultury europejskiej, który odzwierciedla pierwotne życie mieszkańców Holandii w tamtym czasie.

Historia wyglądu

Wybitni przedstawiciele sztuki artystycznej zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy znawcy kultury nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie jest związana ze skalą talentu, a oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do „dużego” stylu z dużymi płótnami o tematyce historycznej lub mitologicznej. Historia powstania malarstwa holenderskiego została szczegółowo opisana w XIX wieku i autorzy prac na jej temat również posługiwali się tym terminem. „Małych Holendrów” wyróżniał świecki realizm, zwrócenie się do otaczającego świata i ludzi oraz posługiwanie się bogatym w tonację malarstwem.

Główne etapy rozwoju

Historię malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy to w sztuce narodowej ugruntował się realizm. Drugi okres malarstwa niderlandzkiego przypadł na lata 1640-1660. Jest to czas, w którym następuje prawdziwy rozkwit lokalności szkoła artystyczna. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło podupadać – od 1670 roku do początków XVIII wieku.

Warto to zauważyć centra kulturalne zmieniło się w tym czasie. W pierwszym okresie w Haarlemie pracowali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Khalsa. Następnie ośrodek przeniósł się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze dzieła wykonali Rembrandt i Vermeer.

Sceny z życia codziennego

Wymieniając najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, należy koniecznie zacząć od codzienności – najbardziej żywej i oryginalnej w historii. To Flamandowie odsłonili światu sceny z życia codziennego zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego zwolennicy Audenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade'a ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Malarstwo holenderskie tamtych czasów także opowiada o scenach spokojnych: na niektórych pracach chłopi rozmawiają przy fajce i szklance piwa, spędzają czas na jarmarku lub w gronie rodziny. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego światłocienia w kolorze złotym. Sceny miejskie inspirowały artystów takich jak Hals, Leicester, Molenaar i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, czy też Każda fabuła miała mieć charakter rozrywkowy, czasem groteskowo dydaktyczny. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetyzacji życia codziennego, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki lub flirtu. Metsyu użył jasne kolory, zmieniając codzienność w święto, a de Hoocha inspirowała się prostotą życia rodzinnego, skąpanego w rozproszonym świetle dnia. Późniejsi przedstawiciele gatunku, do których zaliczają się tacy holenderscy mistrzowie malarstwa, jak Van der Werff i Van der Neer, w pogoni za eleganckim przedstawieniem, często tworzyli tematy nieco pretensjonalne.

Przyroda i krajobrazy

Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażowym. Po raz pierwszy pojawił się w dziełach takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać obszary wiejskie w pewnym srebrzystym świetle. W jego twórczości na pierwszy plan wysunęła się materialna jedność natury. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do XVII-wiecznych marinistów należeli Porsellis, de Vlieger i van de Capelle. Starali się nie tyle oddać określone sceny morskie, ile samą wodę, grę świateł na niej i na niebie.

W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła o ideach filozoficznych. Jan van Ruisdael maksymalnie odsłonił piękno holenderskiego krajobrazu, ukazując go w całej jego dramatyczności, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, kontynuował swoje tradycje. Koninck malował panoramy, a van der Neer tworzył nocne pejzaże i renderował światło księżyca, wschody i zachody słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystów. Później artyści zaczęli interesować się obcą przyrodą – zarówno van Laar, Wenix, Berchem, jak i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Założycielem gatunku był Sanredam, którego najlepszych naśladowców można nazwać braćmi Berkheide i Janem van der Heijdenem.

Obraz wnętrz

Odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności, można nazwać sceny z kościołami, pałacami i pokojami domowymi. Wnętrza pojawiały się na obrazach drugiej połowy XVII w. autorstwa mistrzów Delft – Haukgeesta, van der Vlieta i de Witte’a, którzy stali się głównymi przedstawicielami tego ruchu. Korzystając z technik Vermeera, artyści przedstawiali sceny wypełnione światło słoneczne, pełen emocji i objętości.

Malownicze potrawy i potrawy

Wreszcie kolejnym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza przedstawianie śniadań. Jako pierwsi zajęli się nim mieszkańcy Haarlemu, Claes i Heda, którzy malowali nakryte stoły luksusowymi naczyniami. Malowniczy chaos i szczególny przekaz przytulnego wnętrza wypełnia srebrzystoszare światło, charakterystyczne dla srebra i cyny. Artyści z Utrechtu malowali martwe natury z bujnymi kwiatami, a w Hadze artyści szczególnie dobrze radzili sobie z przedstawianiem ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry współistnieją z symbolami zmysłowych przyjemności lub ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Martwa natura z kuchni demokratycznej stała się znakiem rozpoznawczym szkoły artystycznej w Rotterdamie.

Malarstwo holenderskie powstał w pierwszych latach XVII wieku. Holenderska szkoła malarstwa była niezależną, wielką, niezależną szkołą o wyjątkowych i niepowtarzalnych cechach i tożsamości.
Aż do XVII wieku Holandia nie wyróżniała się bogactwem artystów narodowych. Choć kraj ten stanowił jedno państwo z Flandrią, to głównie we Flandrii intensywnie tworzyły się i rozwijały oryginalne ruchy artystyczne.
We Flandrii pracowali wybitni malarze Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, których takich w Holandii nie było. Na początku XVI wieku można odnotować jedynie pojedyncze wybuchy geniuszu w malarstwie; jest to artysta i rytownik Łukasz z Lejdy, będący uczniem szkoły brukgijskiej. Ale Łukasz z Lejdy nie założył żadnej szkoły. To samo można powiedzieć o malarzu Dirku Boutsie z Haarlemu, którego twórczość ledwo odstaje na tle stylu i maniery początków szkoły flamandzkiej, o artystach Mostarta, Skorela i Heemskerke, którzy mimo całego swojego znaczenia, nie są indywidualnymi talentami, które charakteryzują ich z ich oryginalnością kraju.
Pod koniec XVI wieku, kiedy portreciści utworzyli już szkołę, zaczęli pojawiać się i formować inni artyści. Różnorodność talentów prowadzi do wielu różnych kierunków i ścieżek rozwoju malarstwa. Pojawiają się bezpośredni poprzednicy Rembrandta – jego nauczyciele Jan Pace i Peter Lastman. Coraz bardziej swobodne stają się także metody gatunkowe – historyczność nie jest już tak obowiązkowa jak dawniej. Tworzy się szczególny, głęboko narodowy i niemal historyczny gatunek – portrety zbiorowe przeznaczone do miejsc publicznych – ratuszów, korporacji, warsztatów i społeczności.
To dopiero początek, sama szkoła jeszcze nie istnieje. Jest wielu utalentowanych artystów, wśród nich są wykwalifikowani rzemieślnicy, kilku wielkich malarzy: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, wreszcie Esayas van de Velde i van Goyen – wszyscy urodzili się pod koniec XVI wieku.
W rozwoju Malarstwo holenderskie to był krytyczny moment. Przy niestabilnej równowadze politycznej wszystko zależało tylko od przypadku. Przeciwnie, we Flandrii, gdzie zaobserwowano podobne przebudzenie, panowało już poczucie pewności i stabilności, jakiego nie było jeszcze w Holandii. We Flandrii istnieli już artyści, którzy uformowali się w ten sposób lub byli mu bliscy.
Warunki polityczne i społeczno-historyczne w tym kraju były korzystniejsze. Istniały poważne powody, dla których Flandria po raz drugi stała się wielkim ośrodkiem sztuki. Do tego brakowało dwóch rzeczy: kilku lat spokoju i mistrza, który byłby twórcą szkoły.
W 1609 roku rozstrzygnęły się losy Holandii, po zawarciu rozejmu (między Hiszpanią a Holandią) i oficjalnym uznaniu Zjednoczonych Prowincji, natychmiast nastąpiła cisza. To niesamowite, jak niespodziewanie i w jak krótkim czasie – nie więcej niż trzydzieści lat – na małej przestrzeni, na niewdzięcznej pustynnej ziemi, w trudnych warunkach życia, pojawiła się cudowna plejada malarzy, i to wielkich malarzy.
Pojawiły się natychmiast i wszędzie: w Amsterdamie, Dordrechcie, Lejdzie, Delft, Utrechcie, Rotterdamie, Haarlemie, a nawet za granicą - jakby z nasion, które spadły z pola. Najstarsi to Jan van Goyen i Wijnants, urodzeni na przełomie wieków. I dalej, w przedziale od początku stulecia do końca jego pierwszej tercji – Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jakub Ruisdael. Następny jest Pieter de Hooch, Hobbema. Ostatnimi z wielkich byli van der Heyden i Adrian van de Velde w latach 1636 i 1637. Mniej więcej te lata można uznać za czas pierwszego rozkwitu szkoły holenderskiej. Trzeba było tworzyć sztukę dla narodu.
Malarstwo holenderskie, był i mógł być jedynie wyrazem wyglądu zewnętrznego, prawdziwym, wiernym, podobnym portretem Holandii. Głównymi elementami holenderskiej szkoły malarstwa były portrety, pejzaże i sceny codzienne. Szkoła holenderska rozwija się i działa od stulecia.
Holenderscy malarze znajdowali tematy i kolory, które zaspokajały wszelkie ludzkie skłonności i uczucia. Holenderska paleta jest całkiem godna ich rysunku, stąd idealna jedność ich metody malowania. Każdy obraz holenderski można łatwo rozpoznać po wyglądzie. Jest niewielki i wyróżnia się mocnymi, surowymi kolorami. Wymaga to od artysty dużej dokładności, pewnej ręki i głębokiej koncentracji.
Dokładnie Malarstwo holenderskie daje najjaśniejsze pojęcie o tym ukrytym i wiecznym procesie: czuć, myśleć i wyrażać. Nie ma bardziej bogatego obrazu na świecie, skoro to Holendrzy mieszczą tak wiele treści na tak małej przestrzeni. Dlatego wszystko tutaj nabiera precyzyjnej, skompresowanej i skondensowanej formy.
Aby uzyskać pełniejszy obraz malarstwa holenderskiego, należałoby szczegółowo rozważyć elementy tego ruchu, cechy metod i charakter palety. Opis głównych cech sztuki holenderskiej pozwala odróżnić tę szkołę od innych i prześledzić jej genezę.
W wyrazisty sposób ilustrujący Malarstwo holenderskie, to obraz Adriana van Ostade'a z Muzeum w Amsterdamie „Atelier Artysty”. Temat ten był jednym z ulubionych malarzy holenderskich. Widzimy uważnego, lekko zgarbionego mężczyznę, z przygotowaną paletą, cienkimi, czystymi pędzlami i przezroczystym olejem. Pisze w półmroku. Jego twarz jest skupiona, jego ręka jest ostrożna.
Tylko może ci malarze byli odważniejsi i umieli śmiać się bardziej beztrosko i cieszyć się życiem, niż można wywnioskować z zachowanych obrazów.
Podwaliny pod holenderską szkołę malarstwa położyli na początku XVII wieku Jan van Goyen i Jan van Wijnants, ustanawiając pewne prawa malarstwa.

W ramach Roku Królestwa Niderlandów w Federacji Rosyjskiej
w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin (Galeria sztuki krajów europejskich i amerykańskich XIX-XX wieku)
do 26 stycznia 2014 roku trwała wystawa prac z kolekcji korporacyjnej Grupy ING
Magia holenderskiego realizmu.

Grupa ING jest jedną z największych międzynarodowych firm finansowych pochodzenia holenderskiego. Kolekcja sztuki ING obejmuje dziś ponad 15 tysięcy dzieł różnych szkół i ruchów narodowych. Na wystawie Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina Grupa ING prezentuje najważniejszą część swojej kolekcji – obrazy związane z nurtem artystycznym realizmu magicznego.
W latach dwudziestych XX wieku w Europie pod hasłem „powrotu do porządku” rozpoczęło się odrodzenie klasycznego nurtu w sztuce. W Sztuka europejska pasja do sztuki abstrakcyjnej poprzedniej dekady słabnie, a odżywają tendencje realistyczne. Częściowo wynikało to z bolesnych doświadczeń I wojny światowej: język sztuki abstrakcyjnej był dość ograniczony, a artyści zmuszeni byli szukać nowego stylu, który oddałby brutalność minionej rzezi. To doprowadziło do narodzin nowa forma realizm, który porzucił przedstawianie życia codziennego, jak to miało miejsce w sztuce XIX wieku, i skupił się na innych technikach. Podobne ruchy artystyczne zaczęły pojawiać się w całej Europie: „nowa materialność” w Niemczech, „sztuka metafizyczna” we Włoszech, „surrealizm” we Francji, a w latach trzydziestych XX wieku „realizm magiczny” w Holandii.

Termin „realizm magiczny” został po raz pierwszy wprowadzony w Niemczech, a później był używany przez niektórych pisarzy w Holandii. Jego cechą charakterystyczną jest to, że przedmioty ze świata rzeczywistego są ukazane z fotograficzną precyzją (realizm), jednak umieszczenie ich w odrealnionym kontekście – wytworem wyobraźni artysty – efekt oderwania (magii), zniszczenia standardowego postrzegania rodzi się otaczający świat. Aby osiągnąć taki efekt, realiści magiczni sięgnęli po wyrafinowane techniki malarstwa XVII-wiecznego. Jednocześnie za fasadą zdecydowanie realistycznego stylu malarstwa kryje się spojrzenie przenikliwe i głęboko osobiste, a skrupulatna precyzja wykonania obrazów budzi poczucie wyobcowania.

Artyści zaczynają interesować się samą tradycją malarską. Jednym z pierwszych naśladowców tego trendu jest Holender Karol Willink, jedynego artysty, który ma zaszczyt znaleźć się nie tylko w kolekcji ING, ale także w szerszej historii sztuki XX wieku. Willink, uznając styl nowoczesny za przemijający, postanawia zakończyć swoje eksperymenty i przejść do tradycji realistyczne malarstwo.

Karol Willink. Dziewczyna w renesansowej sukni. 1946

Wzrok każdego wchodzącego na wystawę od razu przyciąga „Dziewczyna w renesansowym kostiumie” Karela Willinka. Dziewczyna Rubensa w ciężkiej brokatowej sukience z zabawkową owcą na smyczy, ukazana na tle zwykłego parku, ciągnącego się w perspektywie Patinirowa aż po horyzont, wydaje się bohaterką jakiegoś koszmaru. Albo lodowate światło elektryczne, jak z „Melancholii” Larsa von Triera daje taki efekt, albo kontrast pomiędzy wcale nie dziecinną i wcale nie niewinną twarzą modelki a idylliczną scenerią w duchu dawnych mistrzów, gdzie to twarz jest wstawiona jak na obrazie, uruchamia się podróbka z prowincjonalnego studia fotograficznego. „Dziewczyna” powstała w 1945 roku – w czasie okupacji Karel Willink, choć uznawany był za artystę całkowicie aryjskiego, odmawiał sprzedaży swoich obrazów Niemcom i utrzymywał się z portretów. Jednak obraz ten, przy całym swoim niestandardowym charakterze, jest postrzegany jako refleksja nad Starą Europą, która umarła i którą teraz muszą zasiedlać młode, nieznane plemiona.

Pozostali artyści pokazani na wystawie są znacznie mniej znani i zdają się chcieć wdać się w dyskusję z Willinkiem, udowadniając mu swoim maniakalnym realizmem, że wartości starego świata mają prawo do życia. Ale jednocześnie kolekcja ING wcale nie wygląda na przejaw konserwatyzmu.

Termin „realizm magiczny” ukryty w tytule wystawy został wymyślony przez niemieckiego historyka i krytyka sztuki Franza Rocha w 1925 r. dla artystów „nowej materialności”, szybko jednak przeniósł się na obszar literatury i praktycznie utracił w tym zakresie jakiekolwiek wyraźne znaczenie sztuki wizualne. Na wystawie widzimy całą gamę „izmów”. Od hiperrealizmu – jak w „The Box” Frans Klemens, z którego lada moment wypadną narzędzia budowlane, aż do banalnego akademizmu – jak w martwych naturach Piotr Sebens I Bernarda Ferkaykę. Są tu także fani Andrew Wyetha... Johana Abelinga z „Domem”, który z łatwością mógłby stać się „Domem Christiny”. A konceptualiści jak autor 7 tysięcy autoportretów Filipa Ackermana, uczeń wielkiego Jana Dibbetsa. A fani postmodernistycznych gier lubią Barendę Blankert, cytując starych Włochów zmieszanych z Georgesem Seuratem. I właśnie ta „nowa materialność”, do której zaliczają się rówieśnicy Karela Willinka – Wima Schumachera ze srebrnymi portretami i pejzażami oraz Dick Ket z kolażowymi martwymi naturami, przywracając iluzjonistyczną perswazję kubistycznemu światu przedmiotów. Jednakże, Dicka Keta, w „Martwej naturze na Mikołaja”, szyfrując jego imię, ponieważ lalka marionetka, która trafiła na świąteczny stół, po zachodniofryzyjsku nazywa się „ket”, bawi się w surrealistyczne gry. Podobnie jak Karel Willink, jego północna maniera jest bliska Maxowi Ernstowi i Salvadorowi Dali, a jego kartezjanizm jest bliski Rene Magritte'owi.

Prawdopodobnie kolekcja ING ma program patriotyczny: w końcu realizm uważany jest za wielkie osiągnięcie złotego wieku Holandii. Wielu artystów odwołuje się tu do Złotego Wieku, a w „Martwej naturze z owocami na tle pejzażu” genialnego stylisty Raoula Hinkesa Chciałbym poprawić datę wpisując „1635” zamiast „1935”. Nie można jednak powiedzieć, że motywy, które przyświecały zebraniu tej korporacyjnej kolekcji, ograniczały się do chęci wspierania narodowej marki artystycznej. Wystawa zajmuje tylko trzy sale, a obrazy są po prostu rozdzielone między nimi, zgodnie z zasadą gatunkową: portret, pejzaż, martwa natura. Jednak przy całym fotograficznym realizmie prac nie czuje się różnicy między gatunkami: zaprojektowane głównie w matowej srebrzysto-szarej tonacji, rozświetlone głównie równomiernym matowym światłem, wyróżniające się nienaturalną wyrazistością linii, wszystkie początkowo przywołują na myśl typowy holenderski krajobraz, a potem zaczynają przypominać martwą naturę. Mistrzowski i beznamiętny zarys rzeczywistości, z której zniknęło życie. Nie jako holistyczny obraz realnego świata, ale jako zbiór znaków indeksowych, które niczym pęknięcie na jednym podłokietniku i kokardka na drugim odnoszą się do realnego świata jako miejsca zbrodni. Barendę Blankert. Co częściowo opisał poeta Józef Brodski w wierszu inspirowanym malarstwem Carla Willinka: „To się nazywa «mistrzostwo»:

Umiejętność nie bania się zabiegu

Nieistnienie - jako formy własne

Nieobecność, skopiowana z życia.

W ślad za Willinkiem coraz większą popularnością cieszą się tacy przedstawiciele realizmu magicznego, jak Peike Koch, Raoul Hinkuis, Dick Kaeth czy Wim Schumacher.

Peike Kocha. Zbiór. 1953

„Realizm magiczny przedstawia zjawiska możliwe, a jednocześnie nieprawdopodobne; surrealizm ze swej strony ukazuje sytuacje, które są niemożliwe, nie istnieją lub nie mogą istnieć” – stwierdził Peike Kocha, wyjaśniający różnicę między realizmem magicznym a surrealizmem, dwoma często mylonymi ruchami w sztuce. Surrealizm to przede wszystkim świat fantazji i snów, natomiast realizm magiczny to codzienność w nowym kontekście.

Cechą wspólną wszystkich realistów magicznych jest atmosfera, jaką tworzą ich obrazy. Poczucie niepokoju, jakie wywołują te obrazy, wynika po części z ich skrajnego realizmu, który zmniejsza dystans między widzem a dziełem. Jednocześnie nie ma tu narracji ścisłej ani pełnej. Artysta proponuje jedynie zestaw możliwych odczytań, ale nigdy nie daje pełnej odpowiedzi. Widz ma prawo wyciągnąć własne wnioski.

Estetyka realizmu magicznego, to połączenie rzeczywistości i magii wymagało oczywiście pewnych technik stylistycznych. Prace realistów magicznych wyróżnia pewien chłód i pozornie obojętne spojrzenie artysty na temat obrazu, przesuwające się po powierzchni, co było szczególnie widoczne w portrecie i martwych naturach (Dick Kath, Wim Schumacher).

Wima Schumachera. Portret Adina Meesa. 1933;

Wim Schumacher „Melita w bieli”, 1928 r

Wim Schumacher „Prats de Mollo” 1929

Dicka Keta. Święty Mikołaj, martwa natura. 1931

Dick Ket (1902-1940). Martwa natura ze skrzypcami i wycinki z gazet z autoportretami W.Schumachera i R.Hynckesa.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973). Martwa natura z owocami i pejzażem/Martwa natura z owocami na tle krajobrazu. 1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Gruszki w krajobrazie.Ca.1937/Ger Langeweg.Gruszki w krajobrazie.

Dla współczesnych przedstawicieli realizmu magicznego w Holandii charakterystyczne i nieprzypadkowe jest ich powiązanie z takimi zjawiskami w sztuce XX wieku, jak pop-art, neoekspresjonizm i fotorealizm. Techniki demonstracyjnego konstruowania świata wyobraźni, chęć odtworzenia utylitaryzmu i stereotypizacji otaczającej przestrzeni, ucieczka w świat wyobraźni, posługiwanie się ukrytymi aluzjami, swobodna zabawa obrazami i znaczeniami sprawiają, że twórczość współczesnych „magicznych” ” artyści podobni do surrealizmu. Jednocześnie niezwykły stopień sztuki figuratywnej i dbałość o szczegóły jest niewątpliwie nawiązaniem do realistycznej tradycji dawnych mistrzów holenderskich.

Celem wystawy „Magia realizmu holenderskiego” jest ukazanie jednego z najjaśniejszych zjawisk w sztuce Niderlandów XX wieku – jako dialogu pomiędzy malarzami kilku pokoleń, pomiędzy realistami magicznymi pierwszej połowy XX wieku stulecia, w tym Wima Schumachera, Karela Willinka, Peike Kocha i ich współczesnych naśladowców: Philippa Akkermana, Fransa Stuurmana, Koosa van Koulena i innych, dialog, który pozwala przypomnieć sobie tradycyjną kulturę Holandii. Na wystawie zaprezentowanych zostanie około czterdziestu prac holenderskich artystów XX i XXI wieku, ukazujących kunszt techniczny, połączenie tradycji i innowacyjności.

Jan van Tongeren (1897-1991).Martwa natura z białym dzbankiem.1967/ Jan van Tongeren.Martwa natura z białym dzbankiem

Franc Clement (ur. 1941). Box.1985/ Franc Clement. Box.

Frans Stuurman „Delfshaven” 1979

Frans Stuurman (g.1952) Zatoka.1994 / Frans Stuurman.Mewa

Jan Najgorszy „Poszukiwacz przygód” 1993

Kick Sailer „Przed lustrem” 1993

Kick Seiler „Noc” 1992

Pete Sebens „Stół Hildy” 1995

Henk Helmantel (ur. 1945). Martwa natura z owocami granatu. 1998. Drewno, olej

Barend Blankert (g.1941). Ćwiczenie.1991 / Barend Blankert. Ćwiczenia

Barend Blankert „Dwóch chłopców w naturze” 1988-1990

Filipa Ackermana. Autoportret. 2001

Philip Akkerman (ur. 1957) 4 Autoportrety nr 132, nr 51, nr 80, nr 20 / Philip Akerman.4 autoportrety

Światło na obrazach realizmu magicznego często wygląda sztucznie, jest zbyt ostre i przerywane. Artyści wykorzystali tę technikę, aby w pełni zrealizować metody wykorzystania perspektywy wypracowane przez kubistów.

Również na obrazach realistów magicznych prawie nie można znaleźć żadnych niuansów ani delikatnych schematów kolorystycznych: pierwszy plan i tło są często przedstawiane z tym samym stopniem szczegółowości. Wśród współczesnych wyznawców realizmu magicznego technikę tę stosują m.in Koosa van Koulena.

Koosa van Koulena. Olga. 2007

Koos van Keulen „Itier i Pisanello” 2003

Matthijs Roling(ur.1943).Ogród.2005 / Matthijs Roling.Ogród

Bernard Verkaaik (ur. 1946). Garnek, cebula i czarna tkanina.2004/Bernard Ferkaaik. Garnek, żarówki i czarna tkanina

oni>
Kenne Gregoire (ur. 1951). Przerwa na kawę. 2003. Płótno na drewnie, akryl

Harry van der Woude „Autoportret z pomarańczową misą” 2007

W latach 60. we Francji pojawił się nowy realizm, a w USA i Wielkiej Brytanii pop-art - zapotrzebowanie na realizm magiczny jako ruch gwałtownie spadło. W tym czasie w Europie zaczął pojawiać się neoekspresjonizm. Aktywny udział w tym procesie biorą między innymi belgijscy i holenderscy artyści Alfonsa Freimutha I Rogera Roveela. Zaczynają tworzyć obrazy w „stylu naturalnym”, od czasu do czasu powracając do tradycji swoich poprzedników, którzy odkryli kierunek „realizmu magicznego”. Teraz mistrzowie bardziej typowe są dla takich tematów jak miłość, harmonia, śmierć, uczucia, podczas gdy nowy realizm neurotyczny często zamienia się w kwestie tabu w społeczeństwie. Artyści wszystkich tych ruchów mocno wierzą w potrzebę wyrażania zarówno osobistych stanowisk, myśli, jak i uniwersalnych wartości ludzkich, które spajają te okresy w sztuce.

Wystawa jako całość wyraźnie ukazuje nie tylko ciągłość twórczości współczesnych holenderskich artystów od ich bezpośrednich poprzedników, ale także ciągły dialog z tradycyjną kulturą i związek ze złotym wiekiem malarstwa holenderskiego. Odnajdywanie tych skrzyżowań i wzajemnych odniesień staje się dla widza fascynującym poszukiwaniem. Jednak magia działa również w przypadku biernej kontemplacji. Jednak realizm magiczny to oksymoron, a paradoksy i sprzeczności zawsze się przyciągają.

P.S. Niestety nie mogłem być na wystawie, materiały na jej temat zebrałem w Internecie:
Spinki do mankietów:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Malarstwo holenderskie

jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały okres aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoła holenderska”. Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwaj od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci. Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez ród Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, zakończonej całkowitym triumfem Gollów. ludzi nad Hiszpanami, którzy ich uciskali. Z tej epoki każda z dwóch gałęzi Sztuka holenderska zaczyna poruszać się osobno, chociaż czasami zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt. Malarstwo G. natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego nie można znaleźć w całej historii sztuki, leżą w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych. W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała stworzyć wszystko od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, praktycznemu zmysłowi i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. Osiągnięciu tych wyników znacznie ułatwiła ustanowiona w kraju federalno-republikańska forma rządów oraz mądrze realizowana zasada wolności myśli i przekonań religijnych. Jak gdyby cudem wszędzie, we wszystkich obszarach ludzkiej pracy, żarliwa działalność zaczęła nagle wrzeć w nowym, niepowtarzalnym, czysto między innymi w dziedzinie sztuki. Z gałęzi tego ostatniego na ziemi holenderskiej szczęście było głównie w jednym - malarstwie, które tutaj, w twórczości wielu mniej lub bardziej utalentowanych artystów, pojawiających się niemal jednocześnie, przybrało bardzo wszechstronny kierunek i jednocześnie czas zupełnie odmienny od kierunku sztuki w innych krajach. Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości. U najlepszych przedstawicieli malarstwa geometrycznego to wyczucie koloru i światłocienia jest rozwinięte do tego stopnia, że ​​światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można rzec, rolę głównego bohatera i wzbudza duże zainteresowanie najbardziej nieistotna fabuła, najbardziej nieeleganckie formy i obrazy. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy pospolitych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty położone na skraju gajów bukowych lub dębowych, wioski nad brzegami rzek, jezior i gajów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo pełne srebrzyste lub złote opary - to wszystko pod muśnięciem . mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową, zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności. Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. To prawda, że ​​obok zatłoczonego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasycznym kraju sztuki, we Włoszech; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość. Wreszcie jako cecha celu. malarzy, można wskazać na ich wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości dobrze znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury. Dlatego cel. artystów nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet stworzyć z nich ściśle określone grupy, a samo wyrażenie „ ducha ludowego. G szkoła malarstwa „, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywistą szkołę. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, które, jak się okazało, wydawałoby się, powinno wpłynąć na komunikację ich działań w jednym ogólnym kierunku, jednak takie stowarzyszenia nosiły tę nazwę., jeśli się do tego przyczyniły, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot. Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie określonego kierunku artystycznego i co mogłoby ograniczać oryginalność któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa G. są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety dzieła prymitywnych malarzy greckich dotarły do ​​nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, ponieważ większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz nawoływała „łamaczy ikon” (beeldstormerów) do niszczenia malowniczych i rzeźbione święte obrazy, a powstanie ludowe zniszczyło wszędzie portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwy; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. A więc, jeśli chodzi o najstarszego z Gollów. malarze Albert van Ouwater, nie ma pozytywnych danych poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksa i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczeń Gertjen van Sint-Jan znany jest jedynie z dwóch paneli tryptyku przechowywanego w Galerii Wiedeńskiej („Grób Święty” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należeć do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, potrafił jak nikt przed nim wiernie odtworzyć wszystko, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o zewnętrzną elegancję. Oprócz tych wybitnych mistrzów w początkach sztuki gruzińskiej na uwagę zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany J. de Bosch (ok. 1462-1516), który swoim kompleksem położył podwaliny pod satyryczne malarstwo codzienne, skomplikowane, a czasem niezwykle dziwne kompozycje; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Peter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, uniesiony anabaptystycznymi bzdurami i wyobrażający sobie siebie jako proroka Dawida i syna Bóg, Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelissen (1480? - później 1533) i jego syn Dirk Jacobs (dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie, znajdują się w Cesarskim Ermitażu).

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Studia z historii malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu” (specjalny dodatek do czasopismo „Vestn. Sztuk Pięknych”, 1885-90).

A. Somow.

Słownik encyklopedyczny F.A. Brockhausa i I.A. Efrona. - S.-Pb.: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .

Malarstwo holenderskie, w sztukach pięknych

Około połowa 16-tego stołu. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich maniery z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. W jego ślady poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły włoskiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w większości pod wpływem przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas upadku tego malarstwa, jako manieryści powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesada mięśni, pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów. Jednak zamiłowanie Włochów do malarstwa, które w okresie przejściowym Gruzji sięgało często skrajności, przyniosło pewien pożytek, gdyż wniosło do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce. Ze wszystkich stron niemal jednocześnie wyłaniają się niezliczone rzesze wspaniałych artystów, powołanych do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę ich twórczości, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów, i jego nowe odgałęzienia, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne. Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, który rozegrał się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majstrowie sklepów i członkowie różnych korporacji. Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych malarzach portretowych kwitnącej epoki Galii. sztuki, wówczas samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który miał niesamowitą sztukę modelowania postaci w świetle, ale nieco zimny w charakterze i kolorze, Bartholomew van der Gelst (1611 lub 1612-70) i ​​uderzający fugą jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz. W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w centrum uwagi, wszystkie najlepsze cechy malarstwa G., a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Portera († później 1645), Gerarda Dou (1613-75) i Samuela van Googstratena (1626-78). Oprócz tych artystów, aby uzupełnić listę najlepszych portrecistów i malarzy historycznych omawianego okresu, należy wymienić Jana Lievensa (1607-30), przyjaciela Rembrandta w jego studiach u P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622-72) i Petera Nasona (1612-91), którzy najwyraźniej pracowali pod wpływem V. d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole holenderskiej, znalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii. Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do rodziny, a potem dobroduszny humor, dokładnie charakteryzujących przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowanych w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i karczmach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie. W ogóle Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy, że ich ojczyzna jest kolebką nie tylko najnowszego gatunku, ale także krajobrazu w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub rozgrywa się komedię, podporządkowując jej zatem warunki sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej miejsca, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje. W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto przyroda ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła takim kolorystom jak Holendrzy obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej, ze względu na warunki klimatyczne kraju – jego przesycone parą powietrze, łagodzące kontury obiektów, wytwarzających gradację tonów na różnych planach i pokrywających odległość mgiełką srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienności wyglądu obszarów zdeterminowanej porą roku, porą dnia i warunkami atmosferycznymi. Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. Szczególnie szanowane są szkoły będące interpretatorami swego domowego charakteru: Jan V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678). Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Z malarstwem pejzażowym ściśle związane jest malowanie widoków architektonicznych, którym artyści holenderscy jako samodzielną dziedzinę sztuki zaczęli się zajmować dopiero w połowie XVII wieku. Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze było tak ważne w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkami, a nawet portretami, odrywając się na chwilę od zwykłej tematyki, zostało malarzami morskimi, a jeśli zdecydowaliśmy się wymienić wszystkich malarzy holenderskich. szkoły przedstawiające spokojne lub wściekłe morze, kołyszące się na nim statki, zapełnione statkami porty, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdael, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willem v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634). Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie. Od początku XVIII w. jego upadek nadchodzi nie dlatego, że wybrzeża Zuiderzee przestają produkować wrodzone talenty, ale dlatego W społeczeństwie coraz bardziej słabnie samoświadomość narodowa, duch narodowy wyparowuje, a francuskie gusta i poglądy pompatycznej epoki Ludwika XIV zakorzeniają się. W sztuce ten zwrot kulturowy wyraża się w zapomnieniu przez artystów podstawowych zasad, na których opierała się oryginalność malarzy poprzednich pokoleń, i odwołaniu się do zasad estetycznych przywiezionych z sąsiedniego kraju. Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta bardzo zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne i dzieła własnego pióra, wśród których jedna – „Wielka Księga Malarza” („t groot schilderboec”) – przez pięćdziesiąt lat służyła jako kod dla młodych artystów słynnego Adriana V. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi, jakby wyciętymi postaciami z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się niegdyś szczytem doskonałości wśród naśladowców tego artysty, Henrika V Jako malarze historyczni zasłynęli Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.”. Z pozostałych malarzy omawianej epoki obdarzony był niewątpliwym talentem , ale zarażony duchem czasu, warto zauważyć Willem i France v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Trost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

Obce wpływy ciążyły na malarstwie holenderskim aż do lat dwudziestych XIX wieku, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić przemiany, jakie zaszły w sztuce francuskiej, począwszy od perukarstwa czasów Króla Słońce, a skończywszy na pseudoklasycyzmie Dawid. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inne narody, zwrócili swój wzrok ku ich starożytności, a tym samym do ich chwalebnego malarstwa z przeszłości. Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie eliminować się spod obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii. Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne sensu stricto jest w nim kultywowane, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; Ale jeśli chodzi o gatunek historyczny, Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Z gatunku codziennego, który również znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tadema), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschop (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857). Najnowszy cel jest szczególnie bogaty. malarstwo pejzażystów, którzy pracowali i tworzą na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wiernymi i poetyckimi interpretatorami ich rodzimej natury. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych malarzy marynistycznych Holandii zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Wreszcie Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832) wykazali się dużymi umiejętnościami w malowaniu zwierząt.

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Studia z historii malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu” (specjalny dodatek do czasopismo „Vestn. Sztuk Pięknych”, 1885-90).

Prawie dwieście lat później, w 1820 roku, w tym budynku mieściła się Królewska Galeria Sztuki – jedna z najlepszych na świecie kolekcji malarstwa holenderskiego XV-XVII w.

XVII wiek nazywany jest „złotym wiekiem” malarstwa holenderskiego (nie mylić z flamandzkim „złotym wiekiem”, który nawiązuje do twórczości artystów Flandrii w XV wieku – tzw. „flamandzkich prymitywistów”).

W galerii są w pełni i różnorodnie reprezentowane wszystkie gatunki tej epoki holenderskiej sztuki pięknej: wspaniałe przykłady portretów, pejzaży, martwych natur, obrazy historyczne Wreszcie głównym odkryciem holenderskich mistrzów są sceny rodzajowe, czyli sceny z życia codziennego.

Wydaje się, że nie ma ani jednego znaczącego artysty z Holandii, którego twórczość nie byłaby reprezentowana w Muzeum w Hadze. Oto portreciści Anton van Dyck i Jacob van Kampen oraz mistrzowie martwej natury Willem van Elst i Balthasar van der Ast, znani malarze pejzażu: Hendrik Averkamp ze swoim słynnym „Krajobrazem zimowym”, Jan van Goyen i Salomon van Ruisdel i oczywiście , genialni mistrzowie sceny gatunkowej Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou i inni.

Wśród wielu znanych nazwisk wyróżniają się cztery najważniejsze dla sztuki holenderskiej. Są to Jan Steen, Frans Hals i dwaj najwięksi holenderscy geniusze, Rembrandt van Rijn i Johannes Vermeer.
W tamtej epoce holenderski artysta często poświęcał swoją twórczość jednemu ulubionemu gatunkowi. Takimi są Sten i Hals. Każdy z tych artystów przez całe życie pracował w swojej własnej dziedzinie: Sten się rozwijał scena rodzajowa Hals osiągnął najwyższe umiejętności w portretowaniu.

Dziś twórczość tych mistrzów uważana jest za klasykę swojego gatunku. W muzeum można zobaczyć „Śmiejący się chłopiec” Fransa Halsa i „Staruszek śpiewa – młodzi ludzie śpiewają” Jana Steena.
Ani Rembrandt, ani Vermeer nie kojarzyli swojej twórczości z jednym gatunkiem. Obaj, choć z różnym natężeniem, pracowali w różnorodnych dziedzinach, od portretu po pejzaż, i wszędzie osiągali nieosiągalne wyżyny, zdecydowanie wyrywając malarstwo holenderskie z wąskich ram gatunkowych.

Rembrandt jest hojnie reprezentowany w muzeach swojej ojczyzny. Różnorodność jego dziedzictwa znajduje odzwierciedlenie także na wystawie w Hadze. W muzeum prezentowane są trzy obrazy artysty: „Szymon chwalący Chrystusa”, „Lekcja anatomii doktora Tulpy” oraz jeden z ostatnich autoportretów wielkiego mistrza.
Przeciwnie, Vermeer pozostawił po sobie niezwykle niewiele obrazów. Muzea posiadające jeden lub dwa obrazy z tego tajemniczy malarz można policzyć na palcach jednej ręki.

W ojczyźnie artysty zachowało się zaledwie sześć jego arcydzieł. Cztery z nich – największa kolekcja Vermeera na świecie – przechowywane są w Riksmuseum w Amsterdamie. Haga jest słusznie dumna z pozostałych dwóch. To słynny „Widok Delft” - rodzinne miasto Vermeera i być może jego najsłynniejszy obraz, który stał się „wizytówką” muzeum - „Dziewczyna z perłową siarką”.
Głównym bogactwem muzeum jest kolekcja malarstwa z Holandii z XVII wieku. Jednak wystawa nie ogranicza się do tego: galeria w Hadze może pochwalić się twórczością artystów z innego „złotego wieku” – flamandzkiego. Znajdują się w nim dzieła mistrzów XV wieku: „Opłakiwanie Chrystusa” Rogiera van der Weydena i „Portret mężczyzny” Hansa Memlinga.
Kolekcję Moritzhaus uzupełnia Galeria Sztuki Księcia Willema V. Jest to chronologicznie pierwsze muzeum sztuki w Holandii. Jego ekspozycja, niegdyś zebrana przez samego księcia i odzwierciedlająca jego gust, poświęcona jest malarstwu XVIII wieku.

Moritzhaus jest otwarty od wtorku do soboty w godzinach 10:00–17:00. W niedziele i weekendy - od 11 do 17 godzin. W poniedziałek zamknięte. Cena biletu 12,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 6,50 NLG.

Galeria Willem V czynna jest codziennie od 11:00 do 16:00. W poniedziałek zamknięte. Cena biletu to 2,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 1,50 NLG. Wstęp do Galerii Willem V jest bezpłatny po okazaniu biletu Moritzhaus.

Wszyscy wiemy, że na przestrzeni wieków w Holandii powstawały wyjątkowe dzieła sztuki. Ale co dzieje się dziś na scenie sztuki współczesnej? Który młody artysta może zająć jego miejsce w historii? Amsterdam, podobnie jak wiele innych dużych holenderskich miast, ma wiele interesujących galerii, w których odbywają się duże wystawy utalentowanych kreatywnych artystów z całego kraju. Ponieważ istnieje ogromna liczba współczesnych artystów holenderskich, znanych zarówno w kraju, jak i za granicą, ich prace można znaleźć zarówno w dużych muzeach, takich jak Stedelijk, jak i w małych galeriach KochxBos Gallery czy Nederlands Fotomuseum.

Poniżej znajduje się pięciu wschodzących artystów holenderskich, którzy przyciągnęli uwagę międzynarodową i niewątpliwie wniosą wkład w historię sztuki holenderskiej.

Daana Roosegaarda

„Celem mojej pracy jest skłonienie ludzi do myślenia o przyszłości” – mówi Roosegaard. Ten artysta i innowator jest zdobywcą kilku nagród. W świecie sztuki współczesnej zyskał rozgłos dzięki instalacji Dune z 2006 roku. Interaktywne podświetlane znaki zainstalowane wzdłuż rzeki Mozy w Rotterdamie otworzyły drzwi artyście z obsesją na punkcie technologii, designu i architektury. Roosegaard w swoich pracach kreuje futurystyczny świat, w którym ludzie i technologia harmonijnie ze sobą współdziałają. Od lutego do 5 maja „Lotosowa Kopuła” będzie prezentowana w sali Beuning w Rijksmuseum. Ta dwumetrowa kopuła reaguje na podejście człowieka: rozkwitają setki aluminiowych kwiatów, czując ciepło odwiedzających.

Levia van Veluwa

Tradycyjne sposoby tworzenia dzieł sztuki dla Van Veluwu, artysty z Heuwelaken, to zdecydowanie za mało. W jego portfolio znajdują się fotografie, rzeźby, rysunki i instalacje, a cechą charakterystyczną jego twórczości jest wykorzystanie samego siebie jako materiału. To nie przypadek, że na jego pierwszą wystawę w galerii Ron Mandos w Amsterdamie składała się seria sześciu fotografii przedstawiających niezwykle szczegółowe rysunki wykonane długopisem. Zamiast płótna artysta malował na własnej twarzy. Związek ciała z powierzchnią odkryli powojenni artyści, którzy rozwinęli sztukę performance na niespotykany dotąd poziom. Ale wykorzystanie przedmiotów codziennego użytku, takich jak długopis, do stworzenia dzieła sztuki odegrało ważną rolę w sukcesie van Veluwe. Rozwijając tę ​​ideę w swoim własnym stylu, Levi van Veluw był w stanie wystawiać swoje prace w najlepszych muzeach świata i wprowadzać współczesną sztukę holenderską na scenę międzynarodową.

Tony’ego Van Tila

Tony Van Til ukończył studia sztuk pięknych w St. Just, instytucji edukacyjnej zlokalizowanej w małym miasteczku Breda na południu, w 2007 roku. Po ukończeniu studiów młody artysta angażuje się w ciekawe projekty. Jedną z nich są „Rzeźby Twittera”. Od 2012 roku prowadzi konto na Twitterze, na którym w 140 znakach opisuje pomysły na rzeźby. Na przykład jeden z pomysłów to „portret piękności po botoksie, powiększony do rozmiaru 4-piętrowej ściany”, inne są bardziej abstrakcyjne: tworzenie „cieni z narastającym bólem”. seria rysunków zawierająca kolejne pomysły na rzeźby. Czy tweetowanie jest procesem twórczym? Dla Van Tila odpowiedź brzmi: tak.

Anouk Kruythof

Ten artysta z Dordrechtu wykorzystuje fotografie jako materiał źródłowy do tworzenia rzeźb, instalacji, książek i broszur przeznaczonych do dystrybucji. Czasami tworzy anonimowe przedmioty (takie jak kartki i plakaty), które odwiedzający mogą zabrać do domu. W Stedelijk Museum odbywa się obecnie wystawa jej i jej koleżanki z Holandii, Pauline Olseten. Instalacja na parterze prezentuje ich interpretację fotografii ulicznej. Cecha charakterystyczna prace to podkreślony podziw dla ludzi i obcych. Kolejnym aspektem życia, który przyciąga jej uwagę, jest kolor. Według artystki „tworzy porządek w chaosie” za pomocą metody gradacji kolorów.

Harma Heikens

Mówiąc o nowoczesności, trudno nie wspomnieć o Harmie Heikensie Sztuka holenderska. Jej pierwsze wystawy datuje się na początek lat 90-tych. Rzeźby naturalnej wielkości łączą styl mangi i współczesną sztukę uliczną. Twórczość Harmy Heikens nie jest łatwa w odbiorze, szczególnie na pierwszy rzut oka. Wielu nazywało je nawet „dziwacznym kiczem”. Wynika to z faktu, że artysta wybrał bardzo bolesny temat: wykorzystywanie dzieci w społeczeństwie konsumpcyjnym, w którym wartości są zniekształcane. Jej rzeźby przedstawiają zaburzony świat biednych i wykorzystywanych dzieci, pobudzając widza do zajęcia się głęboko zakorzenionymi problemami społecznymi.

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju pokochał ten rodzaj sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzego.”

Fransa Halsa. Strzały cechu św. George. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborch był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. lata 60. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Zaskakującym jest zatem fakt, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.