V Flandriji je imel baročni slog izrazito nacionalno identiteto in močan vitalnost. glava Flamska šola je bil P.P. Rubensa, ki je združeval baročno dekorativnost in realistične težnje. Rubensovi največji sodobniki so bili A. van Dyck (portret), J. Jordaens (domači žanr), F. Snyders (tihožitje) in A. Brouwer (kmečki žanr).

V 17. stoletju je bila nizozemska umetnost razdeljena na dve šoli - flamsko in nizozemsko - zaradi delitve same Nizozemske kot posledice revolucije na dva dela: Nizozemsko, kot se je začelo imenovati sedem severnih provinc, osvobojenih španske oblasti. , in južni del, ki je ostal pod vladavino Španije, - Flandrija (sodobna Belgija). Njihov zgodovinski razvoj je šel po različnih poteh, kakor tudi kulturni. V Flandriji fevdalno plemstvo in višje meščanstvo , in tudi Katoliška cerkev je igrala glavna vloga v življenju države in so bile glavne stranke umetnosti . zato poslikave za gradove , za mestne hiše antwerpenskega patricijata in veličastne oltarne podobe za bogate katoliške cerkve - tukaj glavne vrste del flamskih slikarjev

tokrat Prizori iz Svetega pisma, starodavni mitološki prizori, portreti uglednih kupcev, lovski prizori, ogromna tihožitja so glavne zvrsti flamske umetnosti 17. stoletja.

Tako kot v Italiji je tudi v Flandriji barok postal prevladujoče gibanje, vendar so se v Flandriji v večji meri kot v Italiji realistične poteze razvile v okviru baroka. Umetnost odraža materialno lepoto narave in podobo močne, energične, zdrave osebe. Razvijata se vsakdanji žanr in tihožitje. Osrednja osebnost flamske umetnosti 17. stoletja je bil Peter Paul Rubens

(1577-1640). Zaradi vsestranskosti Rubensovega talenta in njegove neverjetne ustvarjalne produktivnosti je podoben mojstrom renesanse. Rojen v Nemčiji v družini antwerpnskega odvetnika Jana Rubensa, ki je emigriral med iz Nizozemske v Nemčijo. Po očetovi smrti leta 1589 so se Rubensova mati in otroci vrnili v Antwerpen, kjer se je Rubens izobraževal: v jezuitski šoli je študiral latinščino in sodobne evropske jezike ter se seznanil z starodavna zgodovina, kasneje študiral slikarstvo - najprej pri umetniku staronizozemske tradicije, nato pri mojstru italijanskega gibanja. Leta 1598 je bil Rubens uvrščen na seznam svobodnih mojstrov Ceha sv. Luke in ta datum lahko štejemo za začetek umetnikove ustvarjalne samostojnosti.

Vendar leta 1600 odpotuje na nadaljnje izpopolnjevanje v Italijo, predvsem v Benetke, »da spozna« Tiziana, Veroneseja in Tintoretta, nato v Rim, kjer študira Michelangela. V Italiji je ostal do leta 1608, od leta 1601 je služil kot dvorni slikar vojvode Gonzaga v Mantovi. Ta leta so bila obdobje oblikovanja njegove umetnosti.

Leta, preživeta v Italiji, niso bila polna le dela na oltarnih slikah za rimske, mantuanske in genovske cerkve, na portretih (»Avtoportret z mantuanskimi prijatelji«, c. 1606, »Marquise Brigida Spinola-Doria«, 1606-07) , ampak in preučevanje del antike, v katero se je zaljubil vse življenje, pa tudi mojstrov renesanse in sodobnih bolonjskih slikarjev. Od sodobnih umetnikov Caravaggio je imel v tem obdobju največji vpliv na Rubensa.

Leta 1608 se je Rubens vrnil v domovino, se poročil z dekletom iz bogate meščanske družine Isabello Brandt in se trdno naselil v Antwerpnu. Od takrat naprej je bil vedno uspešen kot umetnik. Naročila dobiva od cerkve, dvora, meščanstva, tuji dvori naročajo njegova dela.

Že v prvih letih Rubensovega bivanja v Antwerpnu je nastala njegova delavnica, nekakšna umetniška akademija, ki ni znana le po ogromnem številu tukaj ustvarjenih platen, namenjenih okrasitvi palač in templjev Flandrije in drugih evropskih prestolnic, ampak tudi za željo mladih talentov po sodelovanju z Rubensom. Istočasno se je pojavila antwerpenska šola reprodukcijske gravure, ki je reproducirala originalne slike Rubensa in njegovega kroga.

Rubensova hiša postane središče umetniškega življenja Flandrije, vanjo se zgrinja smetana evropske umetniške in znanstvene inteligence, umetnikovo pozornost iščejo najbolj privilegirani ljudje. Vzdušje družinsko življenje Rubens je odlično prenesel "Avtoportret z Isabello Brandt"(1609-1610), upodablja sebe in svojo ženo pod krošnjami cvetočih kovačnikov, v elegantnih, celo svečanih kostumih, brez poze in pretencioznosti, ki izžarevata mladostno srečo.

Prvo večje delo doma so bile oltarne slike za znamenito katedralo v Antwerpnu: "Dvig križa"(1610-1611) in "Spust s križa"(1611-1614), v kateri je Rubens ustvaril klasičen tip oltarne podobe 17. stoletja. V njej združiti monumentalnost(to je namreč slika, ki naj izraža razpoloženje velikega števila ljudi, nekaj zelo pomembnih idej, ki so jim razumljive) in dekorativnost(ker je taka slika barvita točka v ansamblu notranjosti).

Rubens se je obračal na teme Stare in Nove zaveze, na upodobitev svetnikov, na antično mitologijo in zgodovinske teme, na alegorijo, vsakdanji žanr, portret in krajino. Velik slikar je bil tudi velik mojster risanja (študije iz življenja, samostojne kompozicije, portreti, skice; ohranilo se je okoli 300 risb). Rubensova umetnost, ki jo odlikuje živ in močan čut za naravo ter neizčrpna domišljija,

polna raznolikih zapletov, akcije, obilice figur in dodatkov ter patetičnih gest. Rubensova umetnost je značilen izraz baročnega sloga, ki v njegovih delih dobiva nacionalne značilnosti. Ogromno načelo, ki potrjuje življenje, prevlada občutka nad racionalnostjo je značilno tudi za najbolj dramatična Rubensova dela. Značilnost nemškega in celo italijanskega baroka poteze konvencije in zunanje vzvišenosti ter mističnosti, se umaknem

t pri Rubensu pred mogočnim pritiskom bivanjske stvarnosti, telesne moči, strasti, včasih tudi nebrzdanosti, opitosti z naravo. Rubens poveličuje nacionalni tip lepote. Devica Marija se, podobno kot Magdalena, pojavi kot plavolasa, modrooka, zaobljena Flamka. Kristus je celo na križu videti kot atlet. Sebastian je pod točo puščic poln moči. Rubensove slike so polne silovitega gibanja. Običajno se za izboljšanje dinamike zateče k določenemu kompozicije, kjer prevladuje diagonalna smer. Tako je na primer na obeh slikah Antwerpna diagonala oblikovana s črto križa. to dinamično smer ustvarjajo zapleteni koti in poze figur , ki se med seboj povezujejo, tvorijo kompleksno prostorsko okolje . Vse skladbe Rubensa

prežet z gibanjem, je to resnično svet, kjer ni miru. Patos burne kozmične dinamike, boj nasprotnih sil prevladuje v ogromnih dekorativnih platnih: “ Zadnja sodba ", "Mala zadnja sodba", "Padec grešnikov",(1610, vse v Alte Pinakothek, München). Element prvobitnega kaosa je podrejen brezhibno organizirani kompoziciji, zgrajeni po diagonali, elipsi, spirali, na kontrastih temnih in svetlih silhuet, barvnih kombinacijah in lisah, curkih svetlobe in senčenih slikovnih masah, kompleksni igri ritmičnih harmonij. Hud boj med ljudmi in divjimi živalmi je utelešen v lovskih prizorih - novi zvrsti flamskega slikarstva, ki jo je ustvaril Rubens in ki se odlikuje po bolj konvencionalnem značaju ("Lov na krokodila in povodnega konja", "Lov na divjega prašiča", 1615, "Lov na leve" 1615-18), nato s približevanjem realnosti, z združevanjem živalski žanr in pokrajino ("Lov na merjasca", OK. 1618-20). Tema boja človeka z naravnimi silami je prisotna že v umetnikovih zgodnjih krajinskih delih. ("Nosilci kamnov", OK. 1620, Ermitaž).

Rubens je razumel in ljubil antiko, je mite pogosto spreminjal v slikovite podobe. Ampak izbral je predvsem tiste teme, ki jih je mogoče utelesiti v dinamičnih kompozicijah, izrazite veselje do bivanja, pojte himno življenja. Rubensov čopič poetizira čutni element. ("Kip Cerere", med 1612 in 1614; "Venera in Adonis" 1615; "Združitev zemlje v vodi" OK. 1618, "Dianina vrnitev z lova", c. 1615-16, "Venera pred ogledalom" 1615-16), prizori "bakanalije", ki poveličuje življenje narave in velikodušno rodovitnost zemlje ("bakanalija", 1615-20, "Procesija Silena" 1618,).

Podobe klasične antike pridobijo zemeljsko pristnost, ne da bi se utemeljile ali izgubile svojo vzvišenost, kot na primer v mojstrovini Ermitaža "Persej in Andromeda." Andromeda, ki se je spremenila v svetlolaso, polno zdravja Flamko, Perzej, poln moči, ki je lepotico osvobodil iz zmajevega ujetništva, njegov krilati konj Pegaz, kupidi, slava, ki krona junaka - vse je zajeto v poezijo. in poln občutka veselja. To še posebej olajša barva slike, slovesni zvok modre, rdeče, rumene barve. Drhteča, vibrirajoča poteza s čopičem v najfinejših odtenkih rožnatih in bisernih tonov prenese vso lepoto Andromedinega telesa. Prehodi svetlobe in sence so neopazni, ni jasnih kontur, zdi se, da vsi predmeti izhajajo iz svetlobe in zraka. Rubens slika zelo tekoče, včasih se pod barvami pokaže ton tal. Res je, dvajseta leta 20. stoletja so bila na splošno značilna za svetle barve in večbarvnost; poznejši Rubens bo težil k bolj monokromnemu slikarstvu.

Rubens je običajno ustvaril majhno skico prihodnje slike, pri čemer je glavno risbo nanesel z rjavkastimi potezami na svetlo podlago in gradnjo barvna sestava z uporabo nekaj svetlih barv. Rubensove skice - veličastne stvaritve njegovega slikarstva (nekatere so v Ermitažu) - so bile napisane hitro in so zajemale mojstrov načrt; Ko je bila slika pripravljena s pomočjo njegovih učencev, jo je naslikal s čopičem. Vendar pa svoja najboljša dela od začetka do konca ustvari sam. Rubens se je pogosto držal stare nizozemske navade slikanja na lesene plošče, prekrite s tanko plastjo barve na svetli podlagi in ustvarjale učinek zrcalno polirane sijoče površine.

Dvajseta in trideseta leta 16. stoletja so najbolj intenzivna ustvarjalna dejavnost Rubens.

V Rubensovi delavnici v Antwerpnu je bilo delo v polnem teku – med njegovimi strankami niso bili le plemiči in bogati trgovci, temveč tudi francoska kraljica Maria de' Medici in španska kraljica Isabella. Rubensa so imenovali "kralj umetnikov in umetnik kraljev". V letih 1623-1625. Rubens prejme naročilo za cikel 21 slik francoske kraljice Marie de Medici, vdova Henrika IV., za okrasitev luksemburške palače. Malo zanimive in zgodovinsko pomembne teme (poroka in kraljičino regentstvo) so Rubensov genij spremenila v sijajno stvaritev monumentalne in dekorativne umetnosti. Prizorov iz življenja Marie de Medici ni mogoče poimenovati zgodovinske slike, v njih zgodovinske osebe sobivajo s starimi božanstvi, resnični dogodki sobivajo z alegorijami. A ne glede na to, kaj upodablja, ima vse značaj prepričljive resnice, resničnosti in zvestobe upodabljanemu svetu, z vso nebrzdano likovno domišljijo.

Leta 1620. Rubens ustvarja nov žanr evropskega svečani baročni portret, s poudarkom družbeni pomen modeli, v kateri veličino izražajo poza modela, kostum in vse vrste dodatkov v okolju.(portret Marie de Medici, 1622). Posebno mesto zavzema najfinejša prozorna slika portret služkinje Infante Isabelle(1625, Ermitaž).

Leta 1626 je Rubens izgubil svojo ljubljeno ženo. Določeno obdobje njegovega življenja se končuje. Umetnik, obremenjen z osamljenostjo, sprejme naročilo nizozemske vladarice Infante Isabelle in odpotuje na diplomatsko misijo v Španijo in Anglijo (da se pogaja za mir med Španijo in Anglijo). Angleški in španski kralj ga častno pozdravita kot svetovno znanega umetnika, pridobi nove zveze, pokroviteljstvo kraljeve družine in je povzdignjen v plemiško in viteško dostojanstvo. V Španiji je Rubens študiral tamkajšnje bogato predstavljene Tizianove slike in srečal mladega Velazqueza.

Leta 1630 se je Rubens vrnil v Antwerpen in se kmalu poročil z mlado šestnajstletno daljno sorodnico svoje prve žene Elene Fourmen (v drugem prepisu - Faurmen). Rubensova poroka je postala nova faza v njegovem življenju, polna mirne družinske sreče. Pridobi posestvo, ki vključuje grad Sten (od tod tudi ime tega obdobja - "Sten"). Razočaran nad dvorno kariero in diplomatsko dejavnostjo se je popolnoma posvetil ustvarjalnosti. Mojstrstvo poznega Rubensa se sijajno kaže v razmeroma majhnih delih, ki jih je izvedel lastnoročno. Podoba njegove mlade žene postane lajtmotiv njegovega dela. Postala je umetnikova muza v zadnje obdobje njegovo ustvarjalnost. Ideal svetlolase lepotice z bujnim, čutnim telesom in čudovitim izrezom velikih, bleščečih oči se je oblikoval v mojstrovih delih že dolgo preden je Elena vstopila v njegovo življenje in se končno spremenila v vidno utelešenje tega ideala. Rubens slika Heleno v obliki svetopisemske Bathshebe (1635), boginje Venere (»Pariška sodba«, c. 1638), ene od treh milosti (c. 1639), vključuje njeno podobo na sliki »The Vrt ljubezni« (ok. 1635), kot da je napolnjen s smehom in vzkliki mladih parov, zbranih v parku, šelestenjem svilenih oblek, trepetanjem svetlobe in zraka. Številni so portreti Elene v poročni obleki, z otroki, s najstarejšim sinom Franzom in na sprehodu z možem na vrtu. Umetnik ustvari podobo gole Elene z žametnim, s krznom obrobljenim krznenim plaščem, prevlečenim čez ramena, redko v svoji odkritosti osebnega občutka in očarljivi sliki. ("Plašč", 1638, Kunsthistorisches Museum, Dunaj). Portret je zgrajen na najfinejših barvnih niansah, na kontrastu gostega rjavega kožuha z žametno kožo, z zrakom rahlo prepojenimi lasmi in vlago sijočih oči. Žensko telo je naslikano z neverjetno realistično močjo, zdi se, da čutite utrip krvi v žilah. To je zelo osebna, intimna podoba, a kot v vsaki veliko delo, vsebuje splošno idejo: Rubens poveličuje žensko kot simbol življenja.

V tem zadnjem desetletju svojega življenja je Rubens pisal bolj zase, pri tem pa ga je vodila lastna izbira tem, vendar je veliko del izvajal tudi po naročilu. Slika portrete, in čeprav ta zvrst v njegovem delu ni najpomembnejša, se vseeno jasno umešča v okvire sloga. V svojem zadnjem avtoportretu (1638-1639) pa se je Rubens uspel pokazati kot subtilen psiholog: zapisana je žalost, utrujenost, sledi bolezni in številni razmišljanji človeka že srednjih let, modrega iz življenjskih izkušenj. na tem obrazu.

Rubens se obrača tudi k življenju narave. Pokrajine poznega Rubensa reproducirajo epsko podobo narave Flandrije z njenimi odprtimi prostori, razdaljami, cestami in ljudmi, ki jo naseljujejo. Umirjeno svobodo ali, nasprotno, divje prvine prenaša Rubensov čopič z enakim občutkom realizma in nenehne življenjske potrditve. ("Mavrica", 1632-35, Ermitaž; "Vrnitev s polja", 1636-38, Galerija Pitti, Firence).

V smislu resnično ljudskega duha je Rubens dedič velikega nizozemski umetnik Pieter Bruegel Muzhitsky. Umetnik upodablja ljudske praznike, polne veselih elementov (»Kmečki ples«, 1636-40, »Kermessa«, ok. 1635).

V zadnjem desetletju sta Rubensovo slikarsko znanje odlikovali virtuoznost in izjemna širina. Barvanje postane bolj enobarvno, bolj posplošeno, prejšnja večbarvnost se izgubi.

Rubens je umrl leta 1640 na vrhuncu svojih ustvarjalnih moči. Svetu je dal približno 3 tisoč slik in veliko risb. Imel je veliko učencev, ogromno delavnico, v kateri so mnoga dela po umetnikovih skicah dokončali njegovi učenci. Van Dyck, Snyders, Jan Brueghel the Velvet so bili med njimi. A ne gre za število študentov. Zgodovinski pomen Rubensa je v tem, da je v bistvu ustanovil flamsko šolo in določil pot njenega razvoja., kar je imelo velik vpliv na kasnejši razvoj Zahodnoevropska umetnost, predvsem 19. stol.

Rubens je dosegel neverjetno popolnost in lahkotnost v umetnosti uporabe čopiča - in to je navdušilo romantike. Takole je o njem zapisal Eugene Delacroix: »... posnemal je Michelangela, a tako, kot je znal posnemati le on! pogum, da je sam ... Včasih se prepiram z njim zaradi njegovih težkih oblik, zaradi pomanjkanja prefinjenosti in gracioznosti ... Toda tudi Rubensove napake ne oslabijo vtisa njegovih slik, so! tako prežet z zelo posebno lastnostjo pravega poguma ... Rubens je veliko bolj soroden Homerju kot mnogi starodavni mojstri. Imel je podobnega genija v svojem duhu ...«

Najbolj znan izmed vseh Rubensovih učencev, ki se je pri njem kratko učil, a kmalu postal prvi pomočnik v njegovi delavnici, je bil Anthony van Dyck (1599-1641).

Van Dyck se je že zgodaj razvil kot umetnik. Sin bogatega antwerpnskega trgovca se je vse življenje trudil pridružiti družinski aristokraciji in v njegovih portretih in avtoportretih je vedno poudarjen aristokratizem modela, njena krhkost in prefinjenost.

Prav na tako elegantnem ljubljencu usode ga vidimo avtoportret: temu flamskemu obrazu z rožnatimi ličnicami je namerno podan utrujen izraz, v naravi so poudarjene značilnosti ženskosti. Lepe, negovane roke so skrbno upodobljene, obleka je aristokratsko ležerna, kodri pa romantično razviti. Sebe slika zdaj kot Rinaldo, zdaj kot Paris, zdaj kot sveti Sebastijan, v vseh njegovih religioznih kompozicijah pa sije otožno-elegično razpoloženje. S portretiranjem bogatih antwerpnskih meščanov, ki so tudi sami izhajali iz tega okolja, van Dyck na vse možne načine poskuša aristokratizirati modele, jim dati nervozen izraz in prefinjenost oblik.

Veliko mesto v njegovem delu zavzemajo mitološke in krščanske teme, ki jih interpretira s svojo značilno liriko (»Suzana in starci«, 1618-1620; "St. Jerome", 1620; "Madona z jerebicami" zgodnja leta 1630).

Toda van Dyckov glavni žanr je portret. V prvem Obdobje Antwerpen(pozne 10. - zgodnja 20. leta), kot imenujemo ta čas njegovega ustvarjanja, slika bogate meščane ali svoje soumetnike, piše strogo realistično, s subtilnim psihologizmom.

Toda ob prihodu v Italijo ta tip portreta se umakne drugemu. Ko je osvojil ljubezen lokalnega genovskega plemstva, je van Dyck prejel številna naročila in ustvaril svečani, reprezentativni portret, v katerem je bila najprej izražena razredna pripadnost modela. Figura je predstavljena nekoliko od spodaj, kar jo naredi veličastnejšo, monumentalnejšo; dodatki bogate noše in opreme ta vtis še povečajo. Van Dyckovi portreti so dekorativni v svoji celotni zgradbi: plastičen in linearen ritem, igra chiaroscura, ki se je je naučil od Caravaggia, in seveda barva, v kateri se je spojil vpliv največjega kolorista Rubensa z vplivom na umetnika beneške barvne šole ( portret Paola Adorna).

Leta 1627 se je van Dyck vrnil v Antwerpen in, ker je Rubens v tem obdobju odšel v Španijo in Anglijo, je za nekaj časa postal glavna umetniška osebnost v domači kraj. Njegov uspeh kot modnega slikarja je ogromen. Politiki, cerkveni prelati, aristokrati in bogati meščani, lokalne lepotice, kolegi umetniki se pojavljajo v dolgi galeriji Van Dyckovih del iz teh let ( parni portreti zakoncev Stevens; portret umetnika F. Snydersa itd.).

Po Rubensovi vrnitvi v domovino, ker ni želel tekmovati z velikim mojstrom, je ambiciozni umetnik odšel v Anglijo, da bi služil kralju Karlu I. (1632). Angleška nacionalna slikarska šola je šele nastajala in van Dycka so sprejeli z veseljem in takoj dobesedno zasuli z naročili. Karel I. mu podeli naziv glavnega kraljevega slikarja in ga povzdigne v viteza. Van Dyck se s svojo stvaritvijo »poplača« za vse galerije slovesnih portretov angleške dvorne aristokracije. Svoje modele predstavlja v bogatih interierjih ali na prostem, najpogosteje v polni višini, v spektakularni postavi, v barvitih oblačilih, jasno okrašenih. Toda individualne značilnosti modela, subtilno ujete v vsakem posameznem primeru, Van Dyckov inherentni občutek za sorazmerje in seveda briljantna spretnost umetnika - vse to skupaj ga reši pred surovim laskanjem ().

portret Thomasa Whartona; portret Philipa Whartona; portret Karla I. na lovu Za Anglijo je bil van Dyck ustanovitelj velike šole portretna umetnost

, ki je v 18. stoletju doseglo izjemen razcvet. Toda za šole na celini je bil van Dyck kot mojster obrednega portretiranja zelo pomemben. (1593-1678), Pravi sledilec in vodja flamske šole po Rubensovi smrti je bil Jacob Jordaens

Eden najboljših Rubensovih pomočnikov v njegovi delavnici, se je veliko naučil od velikega slikarja, vendar mu ni uspelo izgubiti svojih individualnih lastnosti. Tako kot van Dyck je izhajal iz meščanskega okolja. Katerih koli tem se loti – mitoloških, krščanskih, alegoričnih – vedno ostal trezen realist, ki mu je uspelo ohraniti zdrav ljudski duh. Njegova najljubša zvrst je vsakdanja. Oltarne podobe in slike na mitološko tematiko so nastajale tudi skozi prizmo žanrskih rešitev.

Tipično delo je "Praznik kralja fižola"- podoba družinske pojedine, ki jo večkrat ponovi Jordanes: mize so obložene s hrano, obrazi sijoči od zadovoljstva in se razlijejo v nasmehe. Umetnik je svoje podobe iskal v kmečkem okolju, v ljudski množici.

V drugi pogosti zgodbi - "Satir na obisku pri kmetu"(na temo Ezopove basni; različice te slike so na voljo v številnih evropskih muzejih) starodavna legenda dobi nacionalne flamske značilnosti.

Jordaensova umetnost je tesno povezana s staro nizozemsko tradicijo. V zgodnjih letih je med evropskimi mojstri nanj močno vplival Caravaggio (»Čaščenje pastirjev«). Kasneje so ga učinki svetlobnih in senčnih kontrastov začeli manj zanimati. Nasičenost barv ustvarja praznično kompozicijo, ki je vedno polna zabave. Jordanesovo slikarstvo je bujno, svobodno, plastično močno, kaže umetnikovo veliko dekorativno zmožnost. Nacionalna barva, nacionalni tip sta v delih Jordaensa izražena z največjo popolnostjo in naravnostjo.

Poseben žanr v flamski umetnosti 17. stoletja. je bilo tihožitje, katerega slavni mojster je bil Frans Snyders (1579-1657).

Na njegovih slikah ležijo na mizah na kupih lepo naslikani darovi zemlje in vode: ribe, meso, sadje, pokončana divjad. Takšna tihožitja so praviloma služila kot dekorativni okras za velike, bogate interierje, zato je flamsko tihožitje običajno veliko, za razliko od nizozemskega (na primer slavnega "Klop" Snyders, 1618-1621: »Trgovina z ribami«, »Trgovina s sadjem«, izvedena za škofovsko palačo).

Žanrsko slikarstvo Flandrije je predstavljeno v umetnosti izjemno nadarjenega umetnika Adriana Brouwer(Brouwer, Brower, 1606-1638).

Ker je več let živel na Nizozemskem, Brouwer je slikal majhne slike na vsakdanje teme. Njegovi junaki so kmetje in mestni plebs, igrajo karte, pijejo, se tepejo, kričijo pesmi.

V Brouwerjevih delih ni široke dekorativnosti flamske šole, narejena so v duhu Nizozemski realizem in so namenjeni natančnemu pregledu (»vaški zdravnik«). Zapleti so včasih dramatični, obrazi, obrazna mimika, poze, geste so nenavadno ekspresivni, ironija je prepletena z grenkobo in v tem smislu Brouwer nadaljuje tradicijo Bruegla ("Boj").

Njegovo pisanje je mojstrsko, umetniško, polno pretanjenih barvnih razmerij. Lakonizem jezika, sposobnost izražanja glavne stvari z minimalnimi sredstvi, modro samoomejevanje se v celoti manifestirajo v Brouwerjevih risbah, ki so v svojem lapidarnem slogu zelo blizu sodobni umetnosti.

Browerjev sledilec - David Teniers mlajši(1610-1690), v svojem delu kmečka tema razlagajo kot podeželske praznike in okrasne elemente. V velikih, a malofiguralnih kompozicijah predstavlja praznično zabavo na prostem, s plesom, jedjo in mirnimi pogovori (»Vaški praznik«, »Kmečka svatba«).

V drugi polovici 17. stol. V flamskem slikarstvu ni večjih mojstrov, a prispevek k evropska umetnost Flandrija je že narejena.

Osvobodilni boj proti Španiji se je na severu in jugu Nizozemske končal različno. Leta 1598 je bil španski kralj Filip II., po dolgi in krvavi vojni, prisiljen popustiti. Severna Nizozemska je dosegla popolno neodvisnost, južne province pa so dobile formalno suverenost, medtem ko so ohranile avtoriteto kraljevega podkralja in katoliške cerkve. V začetku 17. stoletja je enotna nizozemska umetniška šola prenehala obstajati, na njenem mestu pa sta se začeli oblikovati dve samostojni umetniški šoli - flamska in nizozemska. V 17. stoletju so doživeli največji razcvet.

Južne nizozemske province, na čelu s Flandrijo in Brabantom (večinoma ozemlje sodobne Belgije), ki so ostale pod špansko oblastjo, so živele nemirno življenje, ki ga je nenehno mučila grožnja vojne. Vendar pa je kratek oddih, ki ga je omogočilo premirje od 1609 do 1621, blagodejno vplival na duhovno življenje v državi. Tu se je na prelomu stoletja oblikovala šola starodobnikov in humanistov. Guverner sam je poslušal predavanja enega od njih, izjemnega flamskega znanstvenika, zgodovinarja in filologa, založnika del starorimskega filozofa Seneke, Justusa Lipsia, na univerzi v Louvainu. Toda najbolj presenetljiva stran v kulturi 17. stoletja je bila Južna Nizozemska (po največji provinci se imenuje Flandrija) s svojim slikarstvom.

Na prelomu iz 16. v 17. stoletje so bile tu še žive tradicije prejšnje dobe. Pokrajina je zavzemala pomembno mesto v flamskem slikarstvu. Najmlajši sin Pietra Bruegla starejšega, Jan Bruegel (1568-1625), ki so ga zaradi prefinjenosti slikarstva poimenovali Žamet, je nadaljeval z delom.

Nabožne slike so bile v katoliški Flandriji ustvarjene predvsem za okrasitev cerkva. Vendar pa so številne kompozicije, ki temeljijo na temah iz Stare in Nove zaveze, začele dojemati kot zgodovinske in okrašene posvetne zgradbe.

Flamsko slikarstvo je dobilo svoj pravi obraz po vrnitvi Petra Pauwela Rubensa (1577-1640) v domovino leta 1606 po osemletnem bivanju v Italiji. Delo tega mojstra je absorbiralo vse najbolj napredne in pomembne, kar je bilo v evropska kultura tistega časa. Umetnikova inteligenca, izjemna nadarjenost in izobrazba ter neizčrpna umetniška domišljija so vzbujali občudovanje njegovih sodobnikov. Slikar, zgodovinar antike, arheolog in arhitekturni zgodovinar je opravljal zahtevne diplomatske misije, ko je iskal mir za svojo trpečo domovino. Rubens je strastno ljubil Flandrijo, čutil duha njenih ljudi, blizu mu je bil polnokrvni odnos Flamcev do življenja, delil je njihove strastne sanje o miru in blaginji.

Sanje o sreči in obilju so napajale delo Rubensovega stalnega pomočnika, največjega mojstra flamskega tihožitja Fransa Snydersa (1579-1657).

Anthony Van Dyck (1599-1641), povezan z močnimi vezmi z Rubensom, je bil eden največjih portretistov 17. stoletja. Natančnost opazovanja je v njegovih delih združevala z željo po potrditvi prefinjene duhovne plemenitosti modela.

Razcvet flamske slikarske šole je trajal komaj kaj več kot tri desetletja. Upad se je začel čutiti kmalu po Rubensovi smrti. Leta 1632 je van Dyck odšel v Anglijo, leta 1657 pa je Snyders umrl. In samo Jacob Jordanes (1593-1678), ki je živel dolgo življenje, je svoje slikarstvo nadaljeval tudi v drugi polovici stoletja. Njegovo močno, umirjeno, grobo slikarstvo je težilo k običajnim ljudskim tipom in podobam.

kmečka žanrske scene je zapisal slikar David Teniers mlajši (1610-1690). V času svojega življenja je užival uspeh in zbiratelji so ga vneto kupovali v naslednjih stoletjih. Teniersove kompozicije so polne vsakdanjih epizod. Glavna stvar za umetnika je bila vsakdanjem življenju vaško okolico in njene stalnice.

Sedemnajsto stoletje je bilo čas nastanka nacionalne umetniške šole Flandrije. Tako kot v Italiji je tudi tukaj barok postal prevladujoče gibanje. Vendar se flamski barok v marsičem razlikuje od italijanskega; v njem so razvite realistične poteze. Razcvet nacionalne kulture in umetnosti Flandrije zajema prvo polovico 17. stoletja, določajo ga posebnosti zgodnje meščanske revolucije poznega 16. stoletja. V začetku 17. stol. V flamski umetnosti so bile srednjeveške umetniške oblike dokončno premagane. Širijo se posvetne teme in žanri: zgodovinski in alegorični, mitološki, portretni in vsakdanji žanri, krajina. Po manierizmu sta iz Italije prodrla akademizem bolonjske šole in karavagizem. Na podlagi križanja realistične tradicije staronizozemskega slikarstva in karavagizma se je razvila realistična smer in razcvetel monumentalni baročni slog. Največje umetniško središče v Flandriji iz druge polovice 16. stoletja. postal Antwerpen.

Vodja flamske slikarske šole je bil Peter Paul Rubens (1577-1640). V njegovem delu sta jasno izražena tako močan realizem kot nacionalna različica baroka. Rojeni muralist in slikar štafelaj, grafik, arhitekt-dekorater, oblikovalec gledaliških predstav, nadarjen diplomat, ki je govoril več jezikov, znanstvenik in humanist je bil zelo cenjen na knežjih in kraljevih dvorih. Rubens je ustvarjalec baročnih patetičnih kompozicij, ki včasih zajemajo apoteozo junaka, včasih polne tragedije. Moč plastične domišljije, dinamičnost oblik in ritmov, zmagoslavje dekorativnega načela so osnova njegovega dela.

Zgodnja (obdobje Antwerpna) Rubensova dela (pred 1611-1613) kažejo na vpliv Benečanov in Caravaggia. Rubens je bil mojster slik z mitološkimi in alegoričnimi temami. V "Bakanaliji" (1615-1620, Moskva, Puškinov muzej), ki prikazuje praznik v čast boga vina Bakhusa, so mitološke podobe nosilke naravnega elementarnega načela, plodnosti in neizčrpne ljubezni do življenja. Od drugega desetletja 17. stol. stopnjuje se dramska dinamika Rubensovih kompozicij. V "Posilstvu Leucippusovih hčera" (1619-1620, München, Alte Pinakothek) drama strasti, ki očara junake, doseže svoj vrhunec. Rubensov slikarski talent je dosegel vrhunec v dvajsetih letih 16. stoletja. Barva je postala glavni izražalec čustev, ki organizira začetek kompozicij. Rubens je opustil lokalni kolorit, prešel na tonsko večplastno slikanje na belo ali rdečo podlago in kombiniral skrbno modeliranje z lahkotno skicoznostjo. Do takrat je bilo ustvarjenih dvajset velikih kompozicij na temo "Življenje Marie de' Medici" (1622-1625, Pariz, Louvre), namenjenih okrasitvi luksemburške palače. V »Avtoportretu« (ok. 1638, Dunaj, Umetnostnozgodovinski muzej) vse prispeva k razkritju ideala nadarjene, inteligentne in samozavestne osebe. Od leta 1630 Začelo se je pozno obdobje Rubensove umetniške dejavnosti. Sit slave in časti se je umaknil iz diplomatskih dejavnosti, zavračal uradne ukaze in večino življenja preživel na podeželskem gradu Stan. Njegovo dojemanje sveta je postalo globlje in umirjeno. Skladbe so dobile zadržan in uravnotežen značaj. Umetnik se je osredotočil na njihovo slikovno dovršenost: barvitost je izgubila večbarvnost in postala posplošena. Zadnja desetletja Rubensovega ustvarjanja predstavljajo vrhunec njegovega umetniškega razvoja. Rubens se je obrnil k upodabljanju življenja ljudi, slikal pokrajine, portrete svojih ljubljenih, žene, otrok, sebe obkroženega z njimi, še posebej uspešen je bil v podobah otrok: "Portret Elene Fourman z otroki", "Krzneni plašč", ( 1638-1639, Dunaj, Muzej zgodovinske umetnosti). (1636, Louvre, Pariz). Ljudska osnova Rubensovega dela se jasno kaže v "Kmečkem plesu" (med 1636 in 1640, Madrid, Prado).

Razvoj dela Anthonyja Van Dycka (1599-1641) je napovedal in določil razvojno pot flamske šole v drugi polovici 17. stoletja. v smeri aristokracije in sekularizma. Umetnik je težil k dramskim rešitvam tem in se osredotočal na psihološke vidike življenja posameznih likov. To je določilo Van Dyckov obrat k portretiranju. V njej je ustvaril tip sijajnega plemiškega portreta, podobo prefinjenega, inteligentnega, plemenitega človeka. (»Družinski portret«, med 1618 in 1626, St. Petersburg, Hermitage, je zadnjih deset let svojega življenja preživel v Angliji na dvoru Karla I. Vplivali so tipi portretov, ki jih je razvil). nadaljnji razvoj Angleški in evropski portret.

Prefinjenosti Van Dyckove umetnosti se je zoperstavila vesela umetnost Jacoba Jordanesa (1593-1678), ki je ustvaril galerijo značilnih ljudske vrste. Tako kot pri Rubensu je tudi njegova umetnost prežeta z močnim občutkom življenja narave in njenih čutnih elementov. Jordanes je slikal oltarne podobe in slike na mitološke teme, vendar jih je interpretiral žanrsko. Med najbolj značilnimi je »Praznik fižolovega kralja« (ok. 1638, Sankt Peterburg, Ermitaž).

V 17. stoletju tihožitje se je uveljavilo kot samostojen žanr. Odražalo je zanimanje za materialni svet, ki izvira iz nizozemskega "slikanja stvari" zgodnjega 15. stoletja. Flamske "trgovine življenja" so velika platna, svetlih barv; služila so kot okras za stene prostornih palač flamskega plemstva, ki poveličujejo lepoto in bogastvo zemeljskega obstoja. Glavni mojster monumentalnega dekorativnega tihožitja in "lovskih prizorov" je bil Frans Snyders (1579-1657). Zdi se, da so predmeti v pretiranem obsegu obdarjeni z izjemno vitalnostjo, nemirne linije, ki jih orisujejo, ustvarjajo dinamičen, nevihten ritem (niz "klopi" za podeželsko lovsko palačo nadškofa Trista v mestu Brugge (1620, St. Petersburg). , Ermitaž). Linija flamskega slikarstva 17. stoletja je bila predstavljena z delom Adriana Brouwerja (1605/06-1638), učenca Fransa Halsa, ki je v njih nadaljeval groteskno in šaljivo tradicijo Žanrsko slikarstvo Pietra Bruegla se je v nasprotju z Brueglom, ustvarjalcem širokih panoram ljudskega življenja, obračalo k specifičnim vsakdanjim situacijam in ekspresivnim likom. ki se je pogosto sprevrglo v pretepe (»V krčmi«, 1630, München, Stara pinakoteka).

V drugi polovici 17. stol. vsebina flamskega slikarstva postane plitkejša. Pojavijo se težnje po idealizaciji in zunanjem zabavanju. Te značilnosti so značilne za delo enega od vidnih slikarjev sredine 17. stoletja. David Teniers mlajši (1610-1690). V velikih, a majhnih kompozicijah, lepih barv in dekorativnosti, je rad upodabljal vesele obroke s plesom na prostem, kmečke poroke ("Vaški praznik", 1646, Sankt Peterburg, Ermitaž), v njih je ustvarjal idilično. slike veselega, brezskrbnega, zadovoljnega življenja.

Sedemnajsto stoletje je bilo čas nastanka nacionalne umetniške slikarske šole v Flandriji. Tako kot v Italiji je tudi tukaj barok postal prevladujoče gibanje. Vendar se flamski barok v marsičem bistveno razlikuje od italijanskega. Baročne oblike navdaja občutek brbotajočega življenja in barvitega bogastva sveta, občutek spontanosti moči mogočnega človeka in plodovite narave. V okviru baroka so se v Flandriji v večji meri kot v Italiji razvile realistične poteze.
Posebnosti umetniška kultura Flandrija - žeja po poznavanju sveta, narodnost, veselje, slovesna prazničnost - je bila najbolj izražena v slikarstvu. Flamski slikarji so v svoja platna ujeli poetizirano čutno in materialno lepoto narave in podobo celote. močan človek polna zdravja in neusahljive energije.

Rubens

Vodja flamske slikarske šole, eden od največji mojstriČopič preteklosti je bil Peter Paul Rubens (1577-1640). Njegovo delo jasno izraža močan realizem in edinstveno nacionalno različico baročnega sloga. Vsestransko nadarjen, briljantno izobražen Rubens je zgodaj dozorel in se pokazal kot umetnik ogromnega ustvarjalnega obsega, iskrenih vzgibov, drzne drznosti in viharnega temperamenta. Rojeni slikar stenalist, grafik, arhitekt-dekorater, oblikovalec gledaliških predstav, nadarjen diplomat, ki je govoril več jezikov, humanistični znanstvenik je bil zelo cenjen na knežjih in kraljevih dvorih v Mantovi, Madridu, Parizu in Londonu. .
Rubens je ustvarjalec velikih baročnih patetičnih skladb, ki včasih zajemajo apoteozo junaka, včasih polne tragedije. Moč plastične domišljije, dinamičnost oblik in ritmov, zmagoslavje dekorativnega načela so osnova njegovega dela.

Van Dyck

Razvoj dela Anthonyja Van Dycka (1599-1641) je napovedal in določil razvojno pot flamske šole v drugi polovici 17. stoletja. v smeri aristokracije in sekularizma. Umetnik izjemnega talenta je Van Dyck ostal zavezan flamskemu realizmu. V svojih najboljših delih - v portretih ljudi različnih slojev, družbenih ravni, različnih duševnih in intelektualnih ustrojev - je pravilno našel individualne podobnosti in prodrl v notranje duhovno bistvo modela. Van Dyckove tipične podobe dajejo idejo o značaju celotne dobe v zgodovini Evrope.
Van Dyck je vstopil v Rubensovo delavnico kot devetnajstletni mladenič po končanem vajeništvu pri van Balenu. Van Dyckove zgodnje kompozicije na religiozne in mitološke teme so nastale pod vplivom Rubensa, od katerega je podedoval veliko slikarsko spretnost, sposobnost poustvarjanja oblik narave z občutkom za čutno konkretnost in pristnost, značilno za Flamce.

Jordanija

Aristokratski prefinjenosti Van Dyckove umetnosti se je zoperstavila radoživa umetnost demokratičnim družbenim krogom Jacoba Jordanesa (1593-1678), polna plebejske spontanosti in moči, ki je ustvaril galerijo značilnih ljudskih tipov. Tako kot Rubens, čigar pomočnik je bil Jordan, je njegova umetnost prežeta z močnim občutkom življenja narave in njenih čutnih elementov. Jordanes je slikal oltarne podobe in slike na mitološke teme, vendar jih je interpretiral žanrsko. V vaseh, v obrtniških četrtih mesta je našel svoje junake. Pri njih je opazil presežek zdravja, energije in zadovoljstva z življenjem. So primitivni, polni spontane spontanosti v manifestacijah čustev, neobvladljivi v svojih nagnjenjih in strasteh. Umetnik je ujel njihove velike, masivne figure, njihove obraze, vznemirjene od strastnih krikov, njihovo posebno moralo in navade. Jordan je bil povezan z realistično tradicijo starega nizozemskega slikarstva; hkrati pa je v njegovem slikarstvu čutiti vpliv Caravaggia - njegove velikofiguralne kompozicije in kontrastni chiaroscuro. Na sliki »Satir na obisku pri kmetu« (ok. 1620, Moskva, Puškinov muzej) je zaplet izposojen iz Ezopove basne, vendar v sodobnem času na novo interpretiran ljudski duh, v tradiciji flamske umetnosti.

Flamsko tihožitje

V 17. stoletju tihožitje se je uveljavilo kot samostojen žanr. Odražalo je zanimanje za materialni svet, ki izvira iz nizozemskega "slikanja stvari" zgodnjega 15. stoletja. Flamske "trgovine z živino" presenečajo s svojo hrupno veselostjo in praznično okrasnostjo. Platna, velika in svetla v barvi, so služila kot okras za stene prostornih palač flamskega plemstva, ki so poveličevali lepoto zemeljskega obstoja, bogastvo podeželskega življenja, sadove zemlje, morja in rek.

Žanrsko slikarstvo

Skupaj z monumentalno slikarstvoŠtafelajna umetnost se je razvila v Flandriji na podlagi tradicije nizozemskega slikarstva 16. stoletja. Vodilno mesto v njem je zasedel vsakdanji žanr, ki je pokazal ostro kritičen odnos flamskih umetnikov do okoliškega življenja in uradne umetnosti ter odražal intimna razpoloženja in vidike življenja nizozemskega ljudstva.

Browwer. Najbolj demokratična linija flamskega slikarstva 17. stoletja. je predstavljal delo Adriana Brouwerja (1605/06-1638), učenca Fransa Halsa. Brouwer je slikal majhne slike in v njih nadaljeval groteskno in šaljivo tradicijo žanrskega slikarstva Pietra Bruegla. Za razliko od Bruegla, ustvarjalca širokih panoram ljudskega življenja, se je Brouwer obračal na specifične vsakdanje situacije in ekspresivne individualne like. Nagnjen je k snemanju psihičnih konfliktov, slikanju prizorov popivanja, iger s kartami in kockami, ki so pogosto prerasle v pretepe.

Živahna cerkvena gradnja v 17. stoletju v Flandriji je privedla do množičnih naročil za oltarje, tabernaklje, nagrobnike, kipe svetnikov, prižnice, spovednice in drugo okrasno skulpturo templja, ki so odlični primeri umetnosti, kiparstva in obrti hkrati . V prvi polovici 17. stoletja so še vedno obstajali odmevi gotske in renesančne tradicije nizozemskega 16. stoletja, pod vplivom Rubensovega dela pa so se tu začeli pojavljati baročni trendi. Številne skulpture so pripotovale v Italijo in tam dolgo živele, vendar so baročna načela sprejemale kot skozi prizmo nacionalnega izročila rezbarstva v kamnu in lesu.

Največji flamski kipar 17. stoletja je bil François Duquesnoy, ki je že mnogo let Pod vzdevkom Flamec je živel v Italiji in tu ustvaril svoja najmočnejša dela.

V Rimu je Duquesnoy nastopal kot eden od Berninijevih tekmecev, z njim pa je sodeloval tudi v katedrali sv. Petra. Vendar se narava njegovega dela nekoliko razlikuje od spektakularnih italijanskih del. Imajo več iskrenosti in iskrenosti čustev, nikoli ni zapadel v skrajnosti baročnega sloga. Tega ga je rešila njegova globoka želja po resnici in njegova temeljito prevzeta dediščina starih mojstrov. Francois Duquesnoy se je vrnil v domovino pri dvaindvajsetih letih in odnesel najmočnejše vtise iz poznanstva z Rubensom in njegovo umetnostjo.

Adonis Duquesnoy

V Flandriji je Duquesnoy ustvaril veliko število del, vendar je bila njegova vloga za flamsko kiparstvo zelo velika ne samo zaradi tega. Za flamske kiparje je odkril starodavno plastiko in Berninijevo kiparstvo. Iz njegove delavnice so izšli najpomembnejši in nadarjeni kiparji Flandrije sredi stoletja - Art Quellin, Duquesnoy in drugi.

Sveta Suzana

Andreja v katedrali sv. Petra

Duquesnoyjev učenec Art Quellin mlajši je bil nenavadno plodovit in vsestranski mojster. Po potovanju v Italijo leta 1650 je Quellin, ki je do takrat postal najbolj znan kipar v Flandriji, prejel veličastno naročilo. Povabili so ga, naj nastopi za fasade in dvorano novozgrajene amsterdamske mestne hiše ogromno kipi in reliefi na alegorične teme. Posebej znane so njegove kariatide in relief »Salomonova sodba« v dvorani sodišča. Poleg tega je Quellin ustvarjal portrete, ki se zlasti v poznejšem delu odlikujejo po globini in psihologizmu karakterizacije, pa tudi nagrobnike in drugo dekorativno cerkveno plastiko.

Mercury Arthus Quellin Jr.

Samson in Delilah Quellin Jr.

Katharina Hooft

Slikovite težnje so bile utelešene v delu Lucasa Feidherbeja, arhitekta in kiparja, učenca Petra Rubensa. Po njegovem načrtu je bila zgrajena cerkev v Louvainu, za katero je ustvaril tudi dekorativne reliefe. Zahvaljujoč kompleksnim dinamičnim kompozicijam polnega gibanja z iluzijo prostorske globine lahko Faidherbejeve reliefe imenujemo prave slike v kamnu.

Obrt se je močno razvila v 17. stoletju. Izdelki flamskih mojstrov so takrat sloveli po vsej Evropi. Pohištvo, intarzirano s slonovino in različnimi vrstami lesa, čipke in predvsem tapiserije, ustvarjene v Flandriji, je bilo v 17. stoletju mogoče videti na vseh koncih Evrope.