Nizozemska. 17. stoletje Država doživlja blaginjo brez primere. Tako imenovana "zlata doba". Konec 16. stoletja je več provinc v državi doseglo neodvisnost od Španije.
Zdaj je protestantska Nizozemska šla svojo pot. In katoliška Flandrija (današnja Belgija) pod okriljem Španije je svoja.
V neodvisni Nizozemski nabožno slikarstvo Skoraj nihče ga ni več potreboval. Protestantska cerkev ni odobravala luksuznega okrasja. Toda ta okoliščina je "igrala v roke" posvetnemu slikarstvu.
Dobesedno vsak prebivalec nove države je vzljubil to vrsto umetnosti. Nizozemci so želeli videti na slikah lastno življenje. In umetniki so jim voljno prišli na pol poti.
Še nikoli prej okoliška resničnost ni bila toliko prikazana. Navadni ljudje, navadne sobe in najbolj običajen zajtrk mestnega prebivalca.
Realizem je cvetel. Vse do 20. stoletja bo dostojna konkurenca akademizmu s svojimi nimfami in grške boginje.
Te umetnike imenujemo "mali" Nizozemci. Zakaj? Slike so bile majhne velikosti, saj so bile ustvarjene za majhne hiše. Tako skoraj vse slike Jana Vermeerja niso višje od pol metra.
Vendar mi je bolj všeč druga različica. Na Nizozemskem je v 17. stoletju živel in delal veliki mojster, »veliki« Nizozemec. In vsi drugi so bili "majhni" v primerjavi z njim.
Govorimo seveda o Rembrandtu. Začnimo z njim.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Avtoportret pri 63 letih. 1669 Narodna galerija v Londonu
Rembrandt je v svojem življenju doživel širok spekter čustev. Zato je v njegovih zgodnjih delih toliko zabave in poguma. In toliko kompleksnih občutkov je – v poznejših.
Tukaj je mlad in brezskrben na sliki "Izgubljeni sin v gostilni." Na njegovih kolenih je njegova ljubljena žena Saskia. Je priljubljen umetnik. Naročila kar dežujejo.
Rembrandt. Izgubljeni sin v gostilni. 1635 Galerija starih mojstrov, Dresden
A vse to bo v kakih 10 letih izginilo. Saskia bo umrla od uživanja. Priljubljenost bo izginila kot dim. Veliko hišo z unikatno zbirko bodo odvzeli za dolgove.
Toda pojavil se bo isti Rembrandt, ki bo ostal stoletja. Goli občutki junakov. Njihove najgloblje misli.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Avtoportret. 1650 Metropolitanski muzej umetnosti, New York
Frans Hals je eden največjih portretistov vseh časov. Zato bi ga tudi uvrstil med “velike” Nizozemce.
Na Nizozemskem je bilo takrat običajno naročati skupinske portrete. Tako se je pojavilo veliko podobnih del, ki prikazujejo ljudi, ki delajo skupaj: strelce enega ceha, zdravnike enega mesta, upravnike doma za ostarele.
V tem žanru najbolj izstopa Hals. Navsezadnje je bila večina teh portretov videti kot komplet kart. Ljudje sedijo za mizo z enakim izrazom obraza in samo opazujejo. Za Halsa je bilo drugače.
Poglejte njegov skupinski portret »Puščice ceha sv. George."
Frans Hals. Puščice Ceha sv. George. 1627 Muzej Fransa Halsa, Haarlem, Nizozemska
Tukaj ne boste našli niti ene ponovitve v pozi ali izrazu obraza. Hkrati pa tukaj ni kaosa. Znakov je veliko, a noben se ne zdi odveč. Zahvaljujoč neverjetno pravilni postavitvi figur.
In tudi v enem samem portretu je bil Hals boljši od mnogih umetnikov. Njegovi vzorci so naravni. Ljudje iz visoka družba njegove slike so brez izmišljene veličine, modeli iz nižjih slojev pa niso videti ponižani.
In njegovi liki so tudi zelo čustveni: smehljajo se, smejijo in gestikulirajo. Kot na primer ta "Cigan" s pretkanim pogledom.
Frans Hals. ciganka. 1625-1630
Hals je tako kot Rembrandt svoje življenje končal v revščini. Iz istega razloga. Njegov realizem je bil v nasprotju z okusi njegovih strank. Ki so želeli polepšati svoj videz. Hals ni sprejel odkritega laskanja in je s tem podpisal svoj stavek - "Pozaba".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Avtoportret. 1668 Kraljeva galerija Mauritshuis, Haag, Nizozemska
Terborkh je bil mojster vsakdanjega žanra. Bogati in manj bogati meščani se ležerno pogovarjajo, dame berejo pisma, prokuristka opazuje dvorjenje. Dve ali tri tesno postavljene figure.
Prav ta mojster je razvil kanone vsakdanjega žanra. Kar si bodo kasneje sposodili Jan Vermeer, Pieter de Hooch in številni drugi »majhni« Nizozemci.
Gerard Terborch. Kozarec limonade. 1660. Državni muzej Hermitage, Sankt Peterburg
"Kozarec limonade" je eden od znana dela Terborha. Prikazuje še eno prednost umetnika. Neverjetno realistična podoba tkanine za obleko.
Terborch ima tudi nenavadna dela. Kar govori o njegovi želji, da preseže zahteve strank.
Njegov "The Grinder" prikazuje življenje najrevnejših ljudi na Nizozemskem. Navajeni smo videti udobna dvorišča in čiste sobe na slikah "malih" Nizozemcev. Toda Terborch si je upal pokazati grdo Nizozemsko.
Gerard Terborch. Mlinček. 1653-1655 Državni muzeji v Berlinu
Kot razumete, takšno delo ni bilo povpraševanje. In oni - redek pojav celo Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Umetniška delavnica. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Dunaj
Ni zagotovo znano, kako je izgledal Jan Vermeer. Očitno je le, da je na sliki "Umetnikova delavnica" upodobil samega sebe. Resnica od zadaj.
Zato je presenetljivo, da je nedavno postalo znano novo dejstvo iz gospodarjevega življenja. Povezana je z njegovo mojstrovino "Delft Street".
Jan Vermeer. Delftska ulica. 1657 Državni muzej v Amsterdamu
Izkazalo se je, da je Vermeer svoje otroštvo preživel na tej ulici. Hiša na sliki je pripadala njegovi teti. Tam je vzgojila svojih pet otrok. Morda sedi na pragu in šiva, medtem ko se njena otroka igrata na pločniku. Vermeer je živel v hiši nasproti.
Pogosteje pa je upodabljal notranjost teh hiš in njihove prebivalce. Zdi se, da so zapleti slik zelo preprosti. Tukaj je lepa gospa, bogata meščanka, ki preverja delovanje svoje tehtnice.
Jan Vermeer. Ženska s tehtnico. 1662-1663 Narodna galerija umetnosti, Washington
Zakaj je Vermeer izstopal med tisoči drugih »malih« Nizozemcev?
Bil je neprekosljiv mojster svetlobe. Na sliki "Ženska s tehtnico" svetloba nežno obdaja obraz, tkanine in stene junakinje. Daje podobi neznano duhovnost.
In kompozicije Vermeerjevih slik so skrbno preverjene. Ne boste našli niti ene nepotrebne podrobnosti. Dovolj je, da odstranite enega od njih, slika bo "razpadla" in čarovnija bo izginila.
Vse to za Vermeerja ni bilo lahko. Tako neverjetna kakovost je zahtevala mukotrpno delo. Samo 2-3 slike na leto. Posledično nezmožnost prehrane družine. Vermeer je delal tudi kot trgovec z umetninami in prodajal dela drugih umetnikov.
5. Pieter de Hooch (1629-1684)
Pieter de Hooch. Avtoportret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam
Hocha pogosto primerjajo z Vermeerjem. Delala sta istočasno, bilo je celo obdobje v istem mestu. In to v enem žanru - vsakdanjem. V Hochu vidimo tudi eno ali dve figuri na prijetnih nizozemskih dvoriščih ali sobah.
Odprta vrata in okna naredijo prostor njegovih slik večplasten in zabaven. In figure se zelo harmonično prilegajo temu prostoru. Kot na primer na njegovi sliki "Služkinja z dekletom na dvorišču."
Pieter de Hooch. Služkinja z dekletom na dvorišču. 1658 London National Gallery
Do 20. stoletja je bil Hoch zelo cenjen. Toda malo ljudi je opazilo majhna dela njegovega konkurenta Vermeerja.
Toda v 20. stoletju se je vse spremenilo. Hochova slava je zbledela. Težko pa je ne prepoznati njegovih dosežkov v slikarstvu. Malokdo zna tako kompetentno združiti okolje in ljudi.
Pieter de Hooch. Igralci kart v sončni sobi. 1658 Royal umetniška zbirka, London
Upoštevajte, da v skromni hiši na platnu "Igralci kart" v dragem okvirju visi slika.
To je v še enkrat govori o tem, kako je bilo slikanje priljubljeno med navadnimi Nizozemci. Slike so krasile vsak dom: hišo bogatega meščana, skromnega meščana in celo kmeta.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Steen. Avtoportret z lutnjo. 1670. leta Muzej Thyssen-Bornemisza, Madrid
Jan Steen je morda najbolj vesel "mali" Nizozemec. Toda ljubeč moralni nauk. Pogosto je upodabljal krčme ali revne hiše, v katerih je vladala razvada.
Njeni glavni junaki so veseljaki in dame lahkotnosti. Gledalca je želel zabavati, a latentno posvariti pred začaranim življenjem.
Jan Steen. Nered je. 1663 Kunsthistorisches Museum, Dunaj
Sten ima tudi tišja dela. Kot na primer »Jutranja toaleta«. Toda tudi tukaj umetnik preseneti gledalca s preveč razkritimi podrobnostmi. Obstajajo sledi elastike za nogavice in ne prazen lonec. In nekako se sploh ne spodobi, da pes leži kar na blazini.
Jan Steen. Jutranja toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam
A kljub vsej lahkomiselnosti, barvne rešitve Wall je zelo profesionalen. V tem je bil boljši od mnogih "malih Nizozemcev". Poglejte, kako odlično se rdeče nogavice podajo k modri jakni in svetlo bež preprogi.
7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1682)
Portret Ruisdaela. Litografija iz knjige iz 19. stoletja.
Do konca 16. stoletja je bilo nizozemsko slikarstvo neločljivo povezano s flamskim slikarstvom in je imelo splošno ime"nizozemska šola" Oba, ki sta veji nemškega slikarstva, štejeta brata van Eyck za svoja prednika in se že dolgo gibljeta v isti smeri ter razvijata isto tehniko, tako da se nizozemski umetniki ne razlikujejo od svojih Flandrijcev. in bratje Brabant.
Ko so se Nizozemci znebili zatiranja Španije, je pridobilo nizozemsko slikarstvo nacionalni značaj. Nizozemske umetnike odlikuje reprodukcija narave s posebno ljubeznijo v vsej njeni preprostosti in resnici ter pretanjenim občutkom za barve.
Nizozemci so bili prvi, ki so razumeli, da tudi v neživi naravi vse diha, vse je privlačno, vse je sposobno vzbuditi misel in vznemiriti gibanje srca.
Med krajinarji, ki interpretirajo svoje domače narave, še posebej spoštuje Jan van Goyen (1595-1656), ki skupaj z Esaiasom van de Veldejem (ok. 1590-1630) in Pietrom Moleynom starejšim (1595-1661) velja za utemeljitelja nizozemske krajine.
Toda nizozemskih umetnikov ni mogoče razdeliti na šole. Izraz "nizozemska slikarska šola" je zelo poljuben. Na Nizozemskem so obstajala organizirana društva umetnikov, ki so bile svobodne korporacije, ki so ščitile pravice svojih članov in niso vplivale na ustvarjalno dejavnost.
V zgodovini še posebej močno sveti ime Rembrandta (1606-1669), v čigar osebnosti je vse najboljše lastnosti Nizozemsko slikarstvo in njegov vpliv se je odražal v vseh zvrsteh - v portretih, zgodovinske slike, vsakdanji prizori in pokrajina.
V 17. stoletju se je uspešno razvijalo vsakdanje slikarstvo, katerega prvi poskusi so bili zabeleženi v stari nizozemski šoli. V tem žanru so najbolj znana imena Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704), Henrik Roques z vzdevkom Sorg (1621-82),
Umetnike, ki so slikali prizore vojaškega življenja, lahko uvrstimo med žanrske slikarje. Glavni predstavnik ta veja slikarstva - slavni in nenavadno plodovit Philips Wouwerman (1619-68)
V posebno kategorijo lahko izpostavimo mojstre, ki so v svojih slikah združevali pokrajine s podobami živali, najbolj znane med tovrstnimi slikarji podeželske idile, Paulus Potter (1625-54); Albert Cuyp (1620-91).
Nizozemski umetniki so največ pozornosti namenili morju.
V delu Willema van de Veldeja starejšega (1611 ali 1612-93), njegovega slavnega sina Willema van de Veldeja mlajšega (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708) je bilo slikanje morskih vedut njihova posebnost.
Na področju tihožitja so bili najbolj znani Jan-Davids de Gem (1606-83), njegov sin Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93) .
Briljantno obdobje nizozemskega slikarstva ni trajalo dolgo - samo eno stoletje.
Od začetka 18. stol. prihaja njen zaton, razlog za to so okusi in pogledi pompozne dobe Ludvika XIV. Namesto neposrednega odnosa do narave, ljubezni do domačega in iskrenosti se vzpostavlja prevlada vnaprejšnjih teorij, konvencij in posnemanja svetil francoske šole. Glavni propagator tega obžalovanja vrednega trenda je bil Flamec Gerard de Leresse (1641-1711), ki se je naselil v Amsterdamu.
Propad šole je pripomogel tudi slavni Adrian van de Werff (1659-1722), čigar dolgočasni kolorit njegovih slik se je nekoč zdel višek popolnosti.
Tuji vplivi so močno bremenili nizozemsko slikarstvo vse do dvajsetih let 19. stoletja.
Kasneje so se nizozemski umetniki obrnili k svoji antiki - k strogemu opazovanju narave.
Posebno bogato je najnovejše nizozemsko slikarstvo krajinarjev. Med njimi so Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (r. 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) in drugi.
Med najnovejšimi marinisti na Nizozemskem ima dlan Johannes Schotel (1787-1838).
Živali je prikazoval v slikarstvu odlična umetnost Wouters Verschoor (1812-74).
V naši spletni trgovini lahko kupite reprodukcije slik nizozemskih umetnikov.
Opomba. Poleg umetnikov iz Nizozemske so na seznamu tudi slikarji iz Flandrije.
Nizozemska umetnost 15. stoletja
Prve manifestacije renesančne umetnosti na Nizozemskem segajo v zgodnje 15. stoletje. Prve slike, ki jih že lahko uvrstimo med zgodnjerenesančne spomenike, sta ustvarila brata Hubert in Jan van Eyck. Oba - Hubert (umrl 1426) in Jan (okrog 1390-1441) - sta imela odločilno vlogo pri oblikovanju nizozemske renesanse. O Hubertu ni znanega skoraj nič. Jan je bil očitno zelo izobražen človek, študiral je geometrijo, kemijo, kartografijo in opravljal nekaj diplomatskih nalog za burgundskega vojvodo Filipa Dobrega, v službi katerega je mimogrede potekalo njegovo potovanje na Portugalsko. O prvih korakih renesanse na Nizozemskem lahko sodimo po slikah bratov, nastalih v dvajsetih letih 15. stoletja, med njimi tudi »Žene, ki nosijo miro pri grobu« (verjetno del poliptiha; Rotterdam, Museum Boijmans van Beiningen), "Madonna in the Church" (Berlin), "Saint Jerome" (Detroit, Art Institute).
Brata Van Eyck zavzemata izjemno mesto v sodobni umetnosti. Vendar niso bili sami. Obenem so z njimi sodelovali tudi drugi slikarji, ki so jim bili slogovno in problemsko sorodni. Med njimi nedvomno prvo mesto pripada tako imenovanemu flemalskemu mojstru. Veliko genialnih poskusov je bilo izvedenih, da bi ugotovili njegovo pravo ime in izvor. Od teh je najbolj prepričljiva različica, da ta umetnik dobi ime Robert Campin in precej razvito biografijo. Prej imenovan Mojster oltarja (ali "Oznanjenje") Merode. Obstaja tudi neprepričljivo stališče, ki mu pripisana dela pripisuje mlademu Rogierju van der Weydnu.
O Campinu je znano, da je bil rojen 1378 ali 1379 v Valenciennesu, naslov mojstra je prejel 1406 v Tournaiju, tam živel, nastopal poleg slike veliko dekorativnih, je bil učitelj številnih slikarjev (vključno z Rogierjem van der Weydnom, o katerem bomo razpravljali v nadaljevanju, od leta 1426, in Jacquesom Daraisom, od leta 1427) in umrl leta 1444. Kampenova umetnost se je ohranila vsakdanje lastnosti v splošni »panteistični« shemi in se tako izkazal za zelo blizu naslednji generaciji nizozemskih slikarjev. Zgodnja dela Rogierja van der Weydna in Jacquesa Daraisa, avtorja, ki je bil izjemno odvisen od Campina (na primer njegovo »Čaščenje magov« in »Srečanje Marije in Elizabete«, 1434–1435; Berlin), jasno razkrivajo zanimanje za umetnost tega mojstra, pri čemer se nedvomno pojavlja trend časa.
Rogier van der Weyden je bil rojen leta 1399 ali 1400, se je šolal pri Campinu (to je v Tournaiju), leta 1432 prejel naslov mojstra in se leta 1435 preselil v Bruselj, kjer je bil uradni slikar mesta: leta 1449– 1450 je odpotoval v Italijo in leta 1464 umrl. Pri njem so študirali nekateri največji umetniki nizozemske renesanse (npr. Memling), ki je užival široko slavo ne samo v domovini, ampak tudi v Italiji (slavni znanstvenik in filozof Nikolaj Kuzanski ga je označil za največjega umetnika; Dürer je pozneje opozoril na njegovo delo). Delo Rogierja van der Weydna je služilo kot hranilna osnova za najrazličnejše slikarje naslednje generacije. Dovolj je reči, da je njegova delavnica - prva tako široko organizirana delavnica na Nizozemskem - močno vplivala na nesluteno širjenje sloga enega mojstra v 15. stoletju, na koncu je ta slog zreducirala na vsoto šablonskih tehnik in celo igrala vlogo zavore slikarstvu ob koncu stoletja. In vendar umetnosti sredine 15. stoletja ni mogoče reducirati na rohirsko tradicijo, čeprav je z njo tesno povezana. Drugo pot poosebljajo predvsem dela Dirika Boutsa in Alberta Ouwaterja. Njim je, tako kot Rogierju, nekoliko tuje panteistično občudovanje življenja, njihova podoba človeka pa vse bolj izgublja stik z vprašanji vesolja – filozofskimi, teološkimi in umetniškimi vprašanji ter dobiva vedno več konkretnosti in psihološke gotovosti. A Rogierja van der Weydna, mojstra povišanega dramatičnega zvoka, umetnika, ki je težil k individualnim in hkrati vzvišenim podobam, je zanimalo predvsem področje človekovih duhovnih lastnosti. Dosežki Boutsa in Ouwaterja so na področju krepitve vsakodnevne pristnosti podobe. Med formalnimi problemi so jih bolj zanimala vprašanja, povezana z reševanjem ne toliko izraznih kot vizualnih problemov (ne ostrina risbe in izraznost barve, temveč prostorska organizacija slike in naravnost svetlobno-zračnega okolja) .
Portret mlade ženske, 1445, Galerija slik, Berlin
Sveti Ivo, 1450, Narodna galerija, London
Sveti Luka slika podobo Madone, 1450, muzej Groningen, Brugge
Toda preden preidemo na delo teh dveh slikarjev, bi se morali ustaviti pri pojavu v manjšem obsegu, ki kaže, da so odkritja umetnosti sredine stoletja, ki so hkrati nadaljevanje van Eyck-Kampenove tradicije in odmik od sta bili v obeh teh lastnostih globoko upravičeni. Konservativniji slikar Petrus Christus nazorno pokaže zgodovinsko neizogibnost tega odpadništva tudi za umetnike, ki niso naklonjeni radikalnim odkritjem. Od leta 1444 je Christus postal državljan Brugesa (tam je umrl v letih 1472/1473) - to pomeni, da je videl najboljša dela van Eycka in je bil pod vplivom njegove tradicije. Ne da bi se zatekel k ostremu aforizmu Rogierja van der Weydna, je Christus dosegel bolj individualizirano in diferencirano karakterizacijo kot van Eyck. Toda njegovi portreti (E. Grimston - 1446, London, Narodna galerija; Kartuzijanski menih - 1446, New York, Metropolitanski muzej) hkrati kažejo na določen upad podobe v njegovem delu. V umetnosti je postajalo vse bolj očitno hrepenenje po konkretnem, individualnem in partikularnem. Morda so se te težnje najbolj jasno pokazale v delu Boutsa. Mlajši od Rogierja van der Weydna (rojen med 1400 in 1410) je bil daleč od dramatične in analitične narave tega mojstra. Toda zgodnji Bouti prihajajo predvsem od Rogierja. Oltar s "Spustom s križa" (Granada, katedrala) in številne druge slike, na primer "Pokopavanje" (London, Narodna galerija), kažejo na poglobljeno študijo dela tega umetnika. Toda izvirnost je opazna že tukaj - Bouts daje svojim likom več prostora, ne zanima ga toliko čustveno okolje kot dogajanje, sam proces le-tega, njegovi liki so bolj aktivni. Enako velja za portrete. V odličnem portret moškega(1462; London, Narodna galerija) molitveno dvignjenih - čeprav brez povzdignjenosti - oči, posebna usta in lično zložene roke imajo tako individualno barvo, ki je van Eyck ni poznal. Tudi v podrobnostih je čutiti to osebno noto. Nekoliko prozaičen, a nedolžno resničen odsev je v vseh delih mojstra. Najbolj opazna je v njegovih večfiguralnih kompozicijah. In predvsem v njegovem najbolj znanem delu – oltarju louvainske cerkve svetega Petra (med 1464 in 1467). Če gledalec van Eyckovo delo vedno dojema kot čudež ustvarjalnosti, potem se ob Boutsovih delih porajajo drugačni občutki. Skladateljsko delo Boutsa zgovorno govori o njem kot režiserju. Upoštevajoč uspehe takšne »režiserske« metode (torej metode, pri kateri je umetnikova naloga razporediti značilne poteze, kot bi bile izvlečene iz narave), znakov, organizirati sceno) v naslednjih stoletjih bi morali biti pozorni na ta pojav v delu Dirka Boutsa.
Naslednja faza nizozemske umetnosti zajema zadnja tri ali štiri desetletja 15. stoletja - izjemno težek čas za življenje države in njeno kulturo. To obdobje se začne z delom Joosa van Wassenhova (ali Joosa van Genta; med 1435–1440 - po 1476), umetnika, ki je imel pomembno vlogo pri oblikovanju nova slika, a je leta 1472 odšel v Italijo, se tam aklimatiziral in se organsko vključil v italijansko umetnost. Njegov oltar s »Razpelom« (Gent, cerkev sv. Bava) nakazuje željo po pripovednosti, a hkrati željo, da bi zgodbo odvzel hladno brezstrastnost. Slednje želi doseči s pomočjo gracioznosti in dekorativnosti. Njegov oltar je posvetno delo v naravi s svetlo barvno shemo, ki temelji na prefinjenih prelivajočih se tonih.
To obdobje se nadaljuje z delom mojstra izjemnega talenta – Huga van der Goesa. Rodil se je okoli leta 1435, leta 1467 je postal mojster v Gentu in leta 1482 umrl. Husova najzgodnejša dela vključujejo več podob Madone z otrokom, ki se odlikujejo po liričnem vidiku podobe (Philadelphia, Museum of Art in Bruselj, Museum), ter sliko »Sv. Ana, Marija z otrokom in darovalcem« (Bruselj , muzej). Hus v razvoju ugotovitev Rogierja van der Weydna vidi v kompoziciji ne toliko način harmonične organizacije upodobljenega, ampak sredstvo za koncentracijo in identifikacijo čustvene vsebine prizora. Oseba je za Husa izjemna samo po moči svojih osebnih občutkov. Hkrati pa Gusa privlačijo tragični občutki. Vendar podoba svete Genevieve (na hrbtni strani Objokovanja) nakazuje, da je Hugo van der Goes v iskanju golega čustva začel posvečati pozornost njenemu etičnemu pomenu. V Portinarijevem oltarju skuša Hus izraziti svojo vero v duhovne zmožnosti človeka. Toda njegova umetnost postane živčna in napeta. Umetniške tehnike Gusa je raznolik - še posebej, ko mora poustvariti duhovni svet osebe. Včasih, tako kot pri posredovanju reakcije pastirjev, primerja bližnje občutke v določenem zaporedju. Včasih, tako kot pri Marijini podobi, umetnik začrta skupne značilnosti doživetja, iz katerih gledalec dopolni občutek v celoti. Včasih - v podobah ozkookega angela ali Margarite - se za razvozlavanje podobe zateče k kompozicijski ali ritmični tehniki. Včasih se prav izmuzljivost psihološkega izraza zanj sprevrže v karakterizacijsko sredstvo - tako zaigra odsev nasmeha na suhem, brezbarvnem obrazu Marie Baroncelli. In premori igrajo ogromno vlogo – pri prostorski odločitvi in akciji. Omogočajo miselni razvoj in dopolnitev občutka, ki ga je umetnik orisal na sliki. Značaj podob Huga van der Goesa je vedno odvisen od vloge, ki naj bi jo igrale kot celota. Tretji pastir je res naraven, Jožef je popolnoma psihološki, angel na njegovi desni je skoraj neresničen, podobi Marjete in Magdalene pa sta kompleksni, sintetični in zgrajeni na izjemno subtilnih psiholoških gradacijah.
Hugo van der Goes je vedno želel izraziti in utelesiti v svojih podobah duhovno nežnost človeka, njegovo notranjo toplino. Toda v bistvu umetnikovi najnovejši portreti kažejo na naraščajočo krizo Husovega dela, saj njegove duhovne strukture ni ustvarila toliko zavest o individualnih lastnostih osebe, temveč tragična izguba enotnosti človeka in sveta za umetnik. IN zadnja služba– “Marijina smrt” (Bruges, muzej) – ta kriza povzroči propad vseh umetnikovih ustvarjalnih stremljenj. Obup apostolov je brezupen. Njihove kretnje so brez pomena. Lebdeči v sijaju Kristus s svojim trpljenjem kot da opravičuje njihovo trpljenje, njegove prebodene dlani so obrnjene proti gledalcu, figura nedoločene velikosti pa krši obsežno strukturo in občutek za realnost. Prav tako je nemogoče razumeti obseg resničnosti izkušenj apostolov, saj imajo vsi enak občutek. In ni toliko njihov, kot je umetnikov. Toda njeni nosilci so še vedno fizično resnični in psihološko prepričljivi. Podobne podobe bodo oživele pozneje, ko se je ob koncu 15. stoletja v nizozemski kulturi končala stoletna tradicija (pri Boschu). Nenavaden cikcak tvori osnovo kompozicije slike in jo organizira: sedeči apostol, edini negiben, gleda v gledalca, nagnjen od leve proti desni, lebdeča Marija od desne proti levi, Kristus lebdi od leve proti desni. . In isti cik-cak v barvni shemi: figura sedeče osebe je barvno povezana z Marijo, tistega, ki leži na motno modrem platnu, v oblačilu prav tako modrega, vendar skrajno, skrajno modrega, potem - eterično, nematerialna modrina Kristusa. In vse naokoli so barve oblačil apostolov: rumena, zelena, modra - neskončno hladne, jasne, nenaravne. Občutek v »Vnebovzetju« je gol. Ne pušča prostora za upanje ali človečnost. Ob koncu življenja je Hugo van der Goes vstopil v samostan; njegova zadnja leta je zasenčila duševna bolezen. Očitno je v teh biografskih dejstvih mogoče videti odsev tragičnih protislovij, ki so opredeljevala mojstrovo umetnost. Husovo delo je bilo znano in cenjeno, pozornost pa je vzbudilo tudi zunaj Nizozemske. Jean Clouet starejši (mojster iz Moulinsa) je bil pod močnim vplivom njegove umetnosti, Domenico Ghirlandaio je poznal in študiral Portinarijevo oltarno sliko. Vendar ga sodobniki niso razumeli. Nizozemska umetnost vztrajno nagibal k drugačni poti, osamljene sledi vpliva Husovega dela pa samo poudarjajo moč in razširjenost teh drugih trendov. Najbolj polno in dosledno so se pojavili v delih Hansa Memlinga.
Zemeljska nečimrnost, triptih, sredinska plošča,
Pekel, leva plošča triptiha "Earthly Vanities",
1485, Muzej likovna umetnost, Strasbourg
Hans Memling, očitno rojen leta 1433 v Seligenstadtu blizu Frankfurta na Majni (umrl leta 1494), se je umetnik odlično izobraževal pri Rogierju in po tem, ko se je preselil v Brugge, je tam pridobil široko slavo. Že razmeroma zgodnja dela razkrivajo smer njegovega iskanja. Načela lahkega in vzvišenega so od njega dobila veliko bolj posveten in zemeljski pomen, vse zemeljsko pa - določeno idealno vznesenost. Primer je oltar z Madono, svetniki in donatorji (London, Narodna galerija). Memling si prizadeva ohraniti vsakdanji videz svojih resničnih junakov in jim približati svoje idealne junake. Vzvišeno načelo preneha biti izraz nekaterih panteistično razumljenih splošnih svetovnih silnic in se spremeni v naravno duhovno lastnost človeka. Načela Memlingovega dela se jasneje pokažejo v tako imenovanem Floreins-oltarju (1479; Brugge, muzej Memling), katerega glavni oder in desno krilo sta v bistvu prosti kopiji ustreznih delov Rogierjevega münchenskega oltarja. Odločno zmanjša velikost oltarja, odreže zgornji in stranski del Rogierjeve kompozicije, zmanjša število figur in tako rekoč približa dogajanje gledalcu. Dogodek izgubi svoj veličasten obseg. Slike udeležencev izgubijo svojo reprezentativnost in pridobijo zasebne značilnosti, kompozicija je odtenek mehke harmonije, barva, medtem ko ohranja čistost in preglednost, popolnoma izgubi hladno, ostro zvočnost Rogirova. Zdi se, da trepeta s svetlimi, jasnimi odtenki. Še bolj značilno je »Oznanjenje« (okoli 1482; New York, zbirka Lehman), kjer je uporabljena Rogierjeva shema; Marijina podoba je dobila poteze mehke idealizacije, angel je žanrsko izrazito odet, notranja oprema pa je naslikana z van-eyckovsko ljubeznijo. Hkrati motivi italijanske renesanse - girlande, putti itd. - vse bolj prodirajo v Memlingovo delo, kompozicijska zgradba postaja vse bolj odmerjena in jasna (triptih z "Madono in otrokom, angelom in darovalcem", Dunaj). Umetnik skuša izbrisati mejo med konkretnim, meščansko vsakdanjim principom in idealizirajočim, harmoničnim.
Memlingova umetnost je pritegnila veliko pozornost mojstrov severnih provinc. Zanimale pa so jih tudi druge značilnosti – tiste, ki so bile povezane s Husovim vplivom. Severne province, vključno z Nizozemsko, so v tistem obdobju zaostajale za južnimi tako gospodarsko kot duhovno. Zgodnje nizozemsko slikarstvo običajno ni preseglo poznosrednjeveške in provincialne predloge in raven njegove obrti se nikoli ni dvignila do umetnosti flamskih umetnikov. Šele v zadnji četrtini 15. stoletja so se razmere spremenile zaradi umetnosti Hertgen tot sint Jans. Živel je v Haarlemu pri johanitskih menihih (ki jim dolguje svoj vzdevek - sint Jans pomeni sveti Janez) in umrl mlad - star osemindvajset let (rojen v Leidnu (?) okoli 1460/65, umrl v Haarlemu leta 1490- 1495 ). Hertgen je nejasno začutil tesnobo, ki je skrbela Husa. Toda, ne da bi se dvignil do svojih tragičnih spoznanj, je odkril mehak čar preprostih človeških občutkov. Gusu je blizu s svojim zanimanjem za notranjost, duhovni svet oseba. Med glavnimi Goertgenovimi deli je oltarna slika, naslikana za harlemske Johannite. Od nje se je ohranilo sedaj obojestransko razžagano desno krilo. Njena notranja stran predstavlja velik večfiguralni prizor žalovanja. Gertgen uresničuje obe nalogi, ki si jih je zadal čas: posreduje toplino, človečnost čutenja in ustvarja življenjsko prepričljivo pripoved. Slednje je še posebej opazno na zunanji strani vrat, kjer je upodobljen sežig posmrtnih ostankov Janeza Krstnika Julijana Odpadnika. Udeleženci akcije so obdarjeni s pretiranim značajem, dogajanje pa je razdeljeno na več neodvisnih prizorov, od katerih je vsak predstavljen z živim opazovanjem. Na poti mojster ustvari morda enega prvih evropska umetnost nov čas skupinskih portretov: zgrajen na principu enostavne kombinacije značilnosti portreta, predvideva delo 16. stoletja. Njegova »Kristusova družina« (Amsterdam, Rijksmuseum), predstavljena v notranjosti cerkve, interpretirana kot realno prostorsko okolje, daje veliko za razumevanje Geertgenovega dela. Figure v ospredju ostajajo pomembne, ne kažejo nobenih občutkov in ohranjajo svoj vsakdanji videz z mirnim dostojanstvom. Umetnik ustvarja podobe, ki so morda najbolj meščanske narave v nizozemski umetnosti. Hkrati je pomembno, da Gertgen razume nežnost, sladkost in nekaj naivnosti ne kot zunanje značilne znake, temveč kot določene lastnosti človekovega duhovnega sveta. In to zlitje meščanskega občutka življenja z globoko čustvenostjo je pomembna značilnost Gertgenovega dela. Ni naključje, da duhovnim gibanjem svojih junakov ni dajal vzvišenega, univerzalnega značaja. Kot da namenoma preprečuje, da bi njegovi junaki postali izjemni. Zaradi tega se ne zdijo individualni. Imajo nežnost in nimajo drugih čustev ali tujih misli; sama jasnost in čistost njihovih izkušenj jih dela daleč od vsakdanjega življenja. Vendar pa se nastala idealnost podobe nikoli ne zdi abstraktna ali umetna. Te značilnosti razlikujejo enega od najboljša dela umetnik, “Božič” (London, Narodna galerija), majhna slika, ki skriva občutke navdušenja in presenečenja.
Gertgen je zgodaj umrl, vendar načela njegove umetnosti niso ostala v temi. Vendar mojster braunschweiškega diptiha (»Sveti Bavo«, Braunschweig, Muzej; »Božič«, Amsterdam, Rijksmuseum) in nekateri drugi anonimni mojstri, ki so mu najbližji, ki so mu najbližji, niso toliko razvijali Hertgenovih načel. saj jim dajejo značaj splošno razširjenega standarda. Morda je najpomembnejši med njimi Mojster Virgo inter virgines (imenovan po sliki v amsterdamskem Rijksmuseumu, ki prikazuje Marijo med svetimi devicami), ki ni težil toliko k psihološki utemeljitvi čustev, temveč k ostrini njihovega izraza v majhne, precej vsakdanje in včasih skoraj namenoma grde figure ("Pokopavanje", St. Louis, muzej; "Žalovanje", Liverpool; "Oznanjenje", Rotterdam). Ampak tudi. njegovo delo je bolj dokaz izčrpanosti večstoletne tradicije kot izraz njenega razvoja.
Močan padec umetniške ravni je opazen tudi v umetnosti južnih provinc, katerih mojstri so bili vse bolj nagnjeni k nepomembnim vsakdanjim podrobnostim. Bolj kot drugi je zanimiv zelo pripovedni Mojster legende o sv. Uršuli, ki je deloval v Bruggeu v 80. in 90. letih 15. stoletja (»Legenda o sv. Uršuli«; Brugge, samostan črnih sester), neznani avtor portretov zakoncev Baroncelli, ki ni brez spretnosti (Firence, Uffizi), in tudi zelo tradicionalen bruški mojster legende o sv. Luciji (oltar sv. Lucije, 1480, Brugge, cerkev sv. Jakoba, tudi poliptih, Talin, muzej). Oblikovanje prazne, malenkostne umetnosti ob koncu 15. stoletja je neizogibna antiteza Husovemu in Hertgenovemu iskanju. Človek je izgubil glavna podpora njegov svetovni nazor – vera v harmoničen in ugoden red vesolja. A če je bila skupna posledica tega le osiromašenje predhodnega koncepta, je podrobnejši pogled razkril grozeče in skrivnostne poteze sveta. Za odgovor na nerešljiva vprašanja časa so bile uporabljene poznosrednjeveške alegorije, demonologija in mračne napovedi Svetega pisma. V pogojih naraščajoče akutne družbena nasprotja in težki konflikti so nastali v Boschevi umetnosti.
Hieronymus van Aken z vzdevkom Bosch je bil rojen v Hertogenboschu (umrl tam leta 1516), torej stran od glavne umetniški centri Nizozemska. Njegova zgodnja dela niso brez kančka primitivnosti. A že pri upodabljanju ljudi nenavadno združujeta oster in moteč občutek za življenje narave s hladno grotesknostjo. Bosch se odziva na trend sodobna umetnost- s svojo željo po resničnem, s svojo konkretizacijo podobe človeka, nato pa - zmanjšanjem njegove vloge in pomena. To težnjo prevzema do neke mere. V Boschevi umetnosti se pojavljajo satirične ali bolje rečeno sarkastične podobe človeške rase. To je njegova »Operacija odstranjevanja kamnov neumnosti« (Madrid, Prado). Operacijo opravi menih - in tukaj se duhovščini pojavi zloben nasmeh. Toda tisti, ki mu je to storjeno, pozorno gleda v gledalca in ta pogled nas vključi v dogajanje. V Boschevih delih raste sarkazem; ljudi si predstavlja kot potnike na ladji norcev (slika in risba zanjo sta v Louvru). Zateče se k ljudskemu humorju – ta pod njegovimi rokami dobi temen in grenak odtenek.
Bosch želi potrditi mračno, iracionalno in nizkotno naravo življenja. Ne izraža samo svojega pogleda na svet, svojega občutka življenja, ampak mu daje moralno in etično oceno. "Kozolec" je eno najpomembnejših Boschevih del. V tem oltarju se goli občutek resničnosti zlije z alegorijo. Kozolec aludira na stari flamski pregovor: »Svet je kup kozolca: vsak vzame iz njega, kar lahko zagrabi«; ljudje se poljubljajo na očeh in predvajajo glasbo med angelom in nekim hudičevim bitjem; fantastična bitja vlečejo voz, papež, cesar in navadni ljudje pa mu veselo in poslušno sledijo: nekateri bežijo naprej, se poženejo med kolesa in umrejo strti. Pokrajina v daljavi ni fantastična ali pravljična. In nad vsem - na oblaku - je mali Kristus z dvignjenimi rokami. Vendar bi bilo napačno misliti, da Bosch gravitira k metodi alegoričnega primerjanja. Nasprotno, prizadeva si, da bi bila njegova ideja utelešena v samem bistvu umetniških odločitev, tako da se pred gledalcem ne pojavi kot šifriran pregovor ali prispodoba, temveč kot posplošujoč brezpogojni način življenja. S prefinjenostjo domišljije, ki je ni poznal srednji vek, Bosch svoje slike napolni z bitji, ki bizarno združujejo različne živalske oblike ali živalske oblike s predmeti neživega sveta in jih postavljajo v očitno neverjetna razmerja. Nebo postane rdeče, ptice, opremljene z jadri, letajo po zraku, pošastna bitja se plazijo po površju zemlje. Ribe s konjskimi nogami odpirajo usta, poleg njih pa podgane, ki na hrbtu nosijo žive lesene zanke, iz katerih se izležejo ljudje. Konjski križ se spremeni v velikanski vrč, repnata glava pa se prikrade nekam na tanke gole noge. Vse polzi in vse je obdarjeno z ostrimi, praskajočimi oblikami. In vse je okuženo z energijo: vsako bitje - majhno, goljufivo, vztrajno - je zajelo jezno in naglo gibanje. Bosch daje tem fantazmagoričnim prizorom največjo prepričljivost. Opusti podobo dogajanja, ki se odvija v ospredju, in jo razširi na ves svet. Svojim večfiguralnim dramatičnim ekstravagancam daje srhljiv ton v njihovi univerzalnosti. Včasih v sliko vnese dramatizacijo pregovora – a v njej ni več humorja. In v središče postavi majhno nemočno figurico sv. Antona. Tak je na primer oltar s »Skušnjavo sv. Antona« na osrednjih vratih iz Lizbonski muzej. A takrat Bosch pokaže izjemno izostren, gol občutek za realnost (predvsem v prizorih na zunanjih vratih omenjenega oltarja). V Boschevih zrelih delih je svet brezmejen, vendar je njegova prostornost drugačna - manj hitra. Zrak se zdi bolj čist in vlažen. Tako je napisano »Janez na Patmosu«. Na hrbtni strani te slike, kjer so v krogu upodobljeni prizori Kristusovega mučeništva, so predstavljene neverjetne pokrajine: prozorne, čiste, s širokimi rečnimi prostori, visokim nebom in drugimi - tragične in intenzivne (»Križanje«). Bolj vztrajno pa Bosch misli na ljudi. Poskuša najti ustrezen izraz njihovega življenja. Zateče se k obliki velikega oltarja in ustvari nenavaden, fantazmagoričen grandiozen spektakel grešnega življenja ljudi - "Vrt užitkov".
Umetnikova zadnja dela nenavadno združujejo domišljijo in resničnost njegovih prejšnjih del, hkrati pa jih zaznamuje občutek žalostne sprave. Skupki zlobnih bitij, ki so se prej zmagoslavno širili po celotnem polju slike, se sesujejo. Ločeni, majhni, se še vedno skrivajo pod drevesom, pojavljajo se iz tihih rečnih tokov ali tečejo po zapuščenih gričih, poraslih s travo. Vendar so se zmanjšale in izgubile aktivnost. Ne napadajo več ljudi. In on (še vedno sveti Anton) sedi med njimi - bere, razmišlja ("Sveti Anton", Prado). Boscha ni zanimala misel o položaju ene osebe v svetu. Sveti Anton je v svojih prejšnjih delih brez obrambe, usmiljenja vreden, a ne osamljen – pravzaprav mu je odvzet tisti del samostojnosti, ki bi mu omogočal, da bi se počutil osamljenega. Zdaj se pokrajina nanaša posebej na eno osebo in v Boschevem delu se pojavi tema človekove osamljenosti v svetu. Umetnost 15. stoletja se konča z Boschem. Boschevo delo zaključuje to stopnjo čistih uvidov, nato intenzivnih iskanj in tragičnih razočaranj.
A trend, ki ga pooseblja njegova umetnost, ni bil edini. Nič manj simptomatičen ni drug trend, povezan z delom mojstra neizmerno manjšega obsega - Gerarda Davida. Umrl je pozno - leta 1523 (rojen okrog 1460). Toda tako kot Bosch je sklenil 15. stoletje. Že njegova zgodnja dela(»Anunciation«; Detroit) – prozaično realističen; dela s samega konca 1480-ih (dve sliki na temo sojenja Cambysesu; Brugge, muzej) razkrivajo tesno povezanost z Boutsom; boljše od drugih so skladbe lirične narave z razvitim, aktivnim pokrajinskim okoljem (»Počitek na letu v Egipt«; Washington, Narodna galerija). Toda nezmožnost mojstra, da bi presegel meje stoletja, je najbolj jasno vidna v njegovem triptihu s »Kristusovim krstom« (začetek 16. stoletja; Brugge, muzej). Zdi se, da je bližina in miniaturnost slike v neposrednem nasprotju z velikim obsegom slike. Resničnost v njegovi viziji je brez življenja, uhojena. Za intenzivnostjo barve ni niti duhovne napetosti niti občutka dragocenosti vesolja. Emajlni slog slike je hladen, samosvoj in brez čustvenega namena.
15. stoletje na Nizozemskem je bil čas velike umetnosti. Do konca stoletja se je izčrpala. Nove zgodovinske razmere, prehod družbe na drugo stopnjo razvoja so povzročili nova etapa v evoluciji umetnosti. Izvira iz začetka 16. stoletja. Toda na Nizozemskem z izvirno kombinacijo posvetnega načela z religioznimi merili pri presoji življenjskih pojavov, značilnih za njihovo umetnost, ki izhaja iz van Eycksa, z nezmožnostjo zaznavanja človeka v njegovi samozadostni veličini, zunaj vprašanj duhovnega občestva s svetom ali z Bogom - na Nizozemskem je novo obdobje neizogibno moralo nastopiti šele po najmočnejši in najhujši krizi celotnega prejšnjega svetovnega nazora. Če v Italiji Visoka renesansa je bila logična posledica umetnosti Quattrocento, na Nizozemskem te povezave ni bilo. Še posebej boleč se je izkazal prehod v novo dobo, saj je v veliki meri pomenil zanikanje prejšnje umetnosti. V Italiji je prišlo do preloma s srednjeveško tradicijo že v 14. stoletju in umetnost italijanske renesanse je ohranila celovitost svojega razvoja skozi celotno renesanso. Na Nizozemskem je bila situacija drugačna. Uporaba srednjeveška dediščina v 15. stoletju je otežilo uporabo ustaljenih tradicij v 16. stoletju. Za nizozemske slikarje se je meja med 15. in 16. stoletjem izkazala za povezano s korenito spremembo njihovega pogleda na svet.
06.05.2014
Življenjska pot Fransa Halsa je bila tako svetla in razgibana kot njegovo slikarstvo. Do danes so v svetu znane zgodbe o pijanih prepirih Khalse, ki jih je vsake toliko organiziral po velikih praznikih. Umetnik s tako veselim in nasilnim značajem ni mogel pridobiti spoštovanja v državi, državna vera ki je vseboval kalvinizem. Frans Hals se je rodil v Antwerpnu v začetku leta 1582. Vendar je njegova družina zapustila Antwerpen. Leta 1591 so Khalovi prispeli v Haarlem. Tu se je rodil Francetov mlajši brat ...
10.12.2012
Jan Steen je eden od najbolj znanih predstavnikov nizozemska šola slikarstvo sredine 17. stol. V delih tega umetnika ne boste našli nobenih monumentalnih ali elegantnih slik, niti svetlih portretov velikih ljudi ali verskih podob. Pravzaprav je Jan Steen mojster vsakdanjih prizorov, polnih zabave in iskrivega humorja njegove dobe. Na njegovih slikah so upodobljeni otroci, pijanci, navadni ljudje, ghouli in mnogi, mnogi drugi. Jan se je rodil v južni provinci Nizozemske, v mestu Leiden okoli leta 1626...
07.12.2012
Delo slavnega nizozemskega umetnika Hieronymusa Boscha še vedno dvoumno dojemajo tako kritiki kot preprosto ljubitelji umetnosti. Kaj je upodobljeno na Boschevih slikah: demoni podzemlja ali preprosto ljudje, iznakaženi zaradi greha? Kdo je bil v resnici Hieronymus Bosch: obsedeni psihopat, sektaš, videc ali preprosto veliki umetnik, nekakšen starodavni nadrealist, kot Salvador Dali, ki je črpal ideje iz področja nezavednega? Morda njegova življenjska pot...
24.11.2012
Slavni nizozemski umetnik Pieter Bruegel starejši je ustvaril svoj barvit stil slikanja, ki se je bistveno razlikoval od drugih renesančnih slikarjev. Njegove slike so podobe ljudske satirične epike, podobe narave in vaškega življenja. Nekatera dela očarajo s svojo kompozicijo - želite jih gledati in gledati, prepirati se o tem, kaj točno je umetnik želel posredovati gledalcu. Posebnost Brueglovega pisanja in videnja sveta spominjata na delo zgodnjega nadrealista Hieronymusa Boscha...
26.11.2011
Han van Meegeren (polno ime Henrikus Antonius van Meegeren) se je rodil 3. maja 1889 v družini preprostega šolskega učitelja. Vse tvoje prosti čas deček je v delavnico spremljal svojega ljubljenega učitelja, ki mu je bilo ime Korteling. Njegovemu očetu to ni bilo všeč, vendar je Kortelingu uspelo v dečku razviti okus in sposobnost posnemanja stila pisanja antike. Van Meegeren prejel dobra izobrazba. Pri 18 letih se je vpisal na Delft Institute of Technology, kjer je študiral arhitekturo. Hkrati je študiral na...
13.10.2011
Slavni nizozemski umetnik Johannes Jan Vermeer, pri nas znan kot Vermeer iz Delfta, upravičeno velja za enega najsvetlejših predstavnikov zlate dobe. Nizozemska umetnost. Bil je mojster žanrskega portreta in tako imenovanega gospodinjskega slikarstva. Bodoči umetnik se je rodil oktobra 1632 v mestu Delft. Jan je bil drugi otrok v družini in edini sin. Njegov oče je prodajal umetnine in se ukvarjal s tkanjem svile. Njegovi starši so bili prijatelji z umetnikom Leonartom Breimerjem, ki je ...
18.04.2010
Že tako oguljena fraza, da so vsi geniji malo nori, se preprosto odlično ujema z usodo velikega in briljantnega postimpresionističnega umetnika Vincenta Van Gogha. Ker je živel le 37 let, je zapustil bogato dediščino - približno 1000 slik in prav toliko risb. Ta številka je še toliko bolj impresivna, če izvemo, da je Van Gogh slikarstvu posvetil manj kot 10 let svojega življenja. 1853 30. marca se je v vasi Grot-Zundert, ki se nahaja na jugu Nizozemske, rodil deček Vincent. Leto prej je v družini duhovnika, v kateri se je rodil...
Flamsko slikarstvo je eno od klasične šole v zgodovini likovne umetnosti. Kdor se zanima za klasično risbo, je že slišal ta stavek, toda kaj se skriva za tako plemenitim imenom? Bi lahko brez pomisleka identificirali več značilnosti tega sloga in navedli glavna imena? Za bolj samozavestno krmarjenje po dvoranah večjih muzejev in bodite malo manj sramežljivi glede daljnega 17. stoletja, to šolo morate poznati.
Zgodovina flamske šole
17. stoletje se je začelo z notranjim razkolom na Nizozemskem zaradi verskih in politični boj za notranjo svobodo države. To je privedlo do razkola kulturno sfero. Država se razcepi na dva dela, južni in severni, katerih slikarstvo se začne razvijati v različne smeri. Južnjaki, ki so pod špansko oblastjo ostali v katoliški veri, postanejo predstavniki Flamska šola, medtem ko severni umetniki se sklicujejo likovni kritiki nizozemska šola.
Predstavniki flamske slikarske šole so nadaljevali tradicijo svojih starejših italijanskih kolegov - umetnikov renesanse: Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti ki je posvečal veliko pozornost verskim in mitološkim temam. Po znani poti, dopolnjeni z neorganskimi, surovimi elementi realizma, nizozemski umetniki niso mogli ustvariti izjemnih umetniških del. Stagnacija se je nadaljevala, dokler ni vstal za stojalom Peter Paul Rubens(1577-1640). Kaj je bilo tako neverjetnega, da je ta Nizozemec lahko prinesel umetnosti?
Slavni mojster
Rubensov talent je lahko vdihnil življenje v slikarstvo južnjakov, ki pred njim ni bilo nič posebnega. Dobro pozna dediščino Italijanski mojstri, je umetnik nadaljeval tradicijo obračanja k verskim temam. Toda za razliko od svojih kolegov je Rubens znal harmonično vplesti značilnosti v klasične zaplete svoj stil gravitira k bogatim barvam in prikazuje naravo, polno življenja.
Iz umetnikovih slik, kot iz odprtega okna, se zdi, da lije sončna svetloba (« Zadnja sodba«, 1617). Nenavadne rešitve za gradnjo kompozicije klasičnih epizod iz Svetega pisma ali poganske mitologije so med sodobniki pritegnile in še vedno vzbudijo pozornost novega talenta. Takšna inovativnost je bila videti sveža v primerjavi z mračnimi, utišanimi odtenki slik njegovih nizozemskih sodobnikov.
Značilna lastnost jeklo in modeli flamskega umetnika. Polne svetlolase dame, poslikane z zanimanjem brez neprimernega okrasja, so pogosto postale osrednje junakinje slike Rubensa. Primere lahko najdemo na slikah "Pariška sodba" (1625), "Susanna in starejši" (1608), "Venera pred ogledalom"(1615) itd.
Poleg tega je Rubens zagotovil vpliv na oblikovanje krajinskega žanra. Začel se je razvijati v slikarstvu flamskih umetnikov do glavnega predstavnika šole, vendar je Rubensovo delo postavilo glavne značilnosti nacionalnega krajinskega slikarstva, ki je odražalo lokalno barvo Nizozemske.
Sledilci
Rubens, ki je hitro zaslovel, se je kmalu znašel obkrožen s posnemovalci in učenci. Gospodar jih je naučil uporabljati ljudske značilnosti lokalnost, barvo in morda poveličujejo nenavadno človeško lepoto. To je pritegnilo gledalce in umetnike. Sledilci se preizkusili v različne žanre- iz portretov ( Gaspare De Caine, Abraham Janssens) do tihožitij (Frans Snyders) in pokrajin (Jan Wildens). Slikarstvo za gospodinjstvo Flamska šola je izvirno izvajala Adrian Brouwer in David Teniers Jr.
Eden izmed Rubensovih najuspešnejših in opaznih učencev je bil Anthony Van Dyck(1599 - 1641). Njegov avtorski slog se je razvijal postopoma, sprva povsem podrejen posnemanju mentorja, sčasoma pa je postal previdnejši pri barvah. Učenec je bil v nasprotju z učiteljem nagnjen k nežnim, zamolklim odtenkom.
Iz Van Dyckovih slik je jasno razvidno, da ni imel močne nagnjenosti k gradnji kompleksnih kompozicij, volumetričnih prostorov s težkimi figurami, kar je odlikovalo slikarstvo njegovega učitelja. Galerijo umetnikovih del polnijo posamezni ali parni portreti, obredni ali intimni, kar govori o avtorjevih žanrskih prioritetah, ki so drugačne od Rubensa.
