Nizozemsko slikarstvo, v likovni umetnosti
Približno polovica 16. tabele. med nizozemskimi slikarji obstaja želja, da bi se znebili pomanjkljivosti domače umetnosti - njene gotske kotnosti in suhosti - s preučevanjem italijanskih umetnikov renesanse in združevanjem njihovega načina z najboljšimi tradicijami lastne šole. Ta želja je vidna že v delih omenjenega Mosterta; a za glavnega razširjevalca novega gibanja je treba šteti Jana Schorela (1495-1562), ki je dolgo živel v Italiji in kasneje v Utrechtu ustanovil šolo, iz katere je izšla vrsta umetnikov, okuženih z željo, da postanejo nizozemski Rafaeli. in Michelangelo. Po njegovih stopinjah Maarten van Van z vzdevkom Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford z vzdevkom. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) in drugi, ki pripadajo naslednjemu obdobju italijanske šole, kot na primer Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), so šli onkraj Alp, da bi se preželi s popolnostmi. svetil italijanskega slikarstva, a so padli večinoma pod vpliv predstavnikov takrat začenjajočega se zatona tega slikarstva, vrnili v domovino kot manieristi, ki so si predstavljali, da je vse bistvo umetnosti v pretiravanje z mišicami, v pretencioznosti kotov in razkošju običajnih barv. Vendar pa je slikarska strast Italijanov, ki je v prehodni dobi v Gruziji pogosto segala do skrajnosti, prinesla svojevrstne koristi, saj je v to sliko vnesla boljšo, bolj učeno risbo in sposobnost svobodnejšega in drznejšega vodenja kompozicije. Italijanstvo je skupaj s staronizozemsko tradicijo in brezmejno ljubeznijo do narave postalo eden od elementov, iz katerih se je oblikovala izvirna, visoko razvita umetnost cvetoče dobe. Začetek te dobe, kot smo že rekli, je treba datirati v začetek 17. stoletja, ko je Nizozemska, ko je osvojila neodvisnost, začela živeti novo življenje. Dramatično preobrazbo še včeraj zatirane in revne države v politično pomembno, udobno in bogato zvezo držav je spremljala prav tako dramatična revolucija v njeni umetnosti. Z vseh strani, skoraj naenkrat, se pojavijo v neštetem številu. čudoviti umetniki, ki jih je k delovanju klical vzpon narodnega duha in potreba po njihovem delu, ki se je razvila v družbi. Prvotnim umetniškim središčem, Haarlemu in Leidnu, se pridružijo nova - Delft, Utrecht, Dortrecht, Haag, Amsterdam itd. Povsod se stara slikarska opravila pod vplivom spreminjajočih se zahtev in pogledov razvijajo na nov način. , in njenih novih podružnic, katerih zametki so bili v prejšnjem obdobju komaj opazni. Reformacija je iz cerkva izrinila nabožne slike; palač in plemiških dvoran ni bilo treba okrasiti s podobami starodavnih bogov in junakov, zato je zgodovinsko slikarstvo, ki je zadovoljevalo okuse bogatega meščanstva, zavrglo idealizem in se obrnilo k natančni reprodukciji resničnosti: začelo je interpretirati davno pretekle dogodke. kot dogodki tistega dne, ki so se zgodili na Nizozemskem, in se je še posebej lotil portretiranja, v njem ovekovečil poteze ljudi tistega časa, bodisi v posameznih figurah bodisi v obsežnih, večfiguralnih kompozicijah, ki prikazujejo strelske družbe (schutterstuke), ki igrala tako vidno vlogo v boju za osvoboditev države - upravniki njenih dobrodelnih ustanov (regentenstuke), mojstri trgovin in člani raznih korporacij. Če bi se odločili govoriti o vseh nadarjenih portretnih slikarjih cvetoče dobe Galije. umetnost, potem bi samo naštevanje njihovih imen z navedbo njihovih najboljših del zahtevalo veliko vrstic; zato se omejujemo le na tiste umetnike, ki izstopajo posebej iz splošne serije. To so: Michiel Mierevelt (1567-1641), njegov učenec Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), predhodniki treh največjih nizozemskih portretistov - čarovnik chiaroscura Rembrandt van Rijn (1606-69), neprimerljiv risar, ki je imel neverjetno umetnost modeliranja figur v svetlobi, a nekoliko hladnega značaja in barve, Bartholomew van der Gelst (1611 ali 1612-70) in udaren s fugo njegovega čopiča Frans Gols starejši (1581-1666). Od teh je Rembrandtovo ime v zgodovini še posebej močno zasijalo, sprva so ga njegovi sodobniki zelo cenili, nato pa so ga pozabili, zanamci ga malo cenijo in šele v tem stoletju so ga pošteno povzdignili na raven svetovnega genij. V njegovi značilni umetniški osebnosti je vse zgoščeno, kot v fokusu. najboljše lastnosti G. slikarstvo in njegov vpliv se je odražal v vseh njegovih vrstah - v portretih, zgodovinskih slikah, vsakdanjih prizorih in krajinah. Najbolj znani med Rembrandtovimi učenci in sledilci so bili: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ali 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (okoli 1620-54), Salomon in Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († pozneje 1645), Gerard Dou (1613-75) in Samuel van Googstraten (1626-78). Poleg teh umetnikov je treba za popoln seznam najboljših portretistov in zgodovinskih slikarjev obravnavanega obdobja navesti Jana Lievensa (1607-30), Rembrandtovega prijatelja v študiju pri P. Lastmanu, Abrahama van Templa (1622). -72) in Pieter Nazon (1612-91), ki je deloval očitno pod vplivom V. d. Gelsta, posnemalec Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana in Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) in Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Domače slikarstvo, katerega prvi poskusi so se pojavili v stari nizozemski šoli, se je znašlo v 17. stoletju. posebno rodovitna tla v protestantski, svobodni, buržoazni, samozadovoljni Nizozemski. Majhne slike, ki so brezhibno predstavljale običaje in življenje različnih slojev lokalne družbe, so se ljudem zdele bolj zabavne kot velika dela resnega slikarstva in skupaj s pokrajinami primernejše za okrasitev udobnih zasebnih domov. Cela horda umetnikov zadovoljuje povpraševanje po takšnih slikah, ne da bi dolgo razmišljali o izbiri tem zanje, ampak vestno reproducirajo vse, kar se srečuje v resnici, hkrati pa kažejo ljubezen do svoje družine, nato dobrodušen humor, natančno karakterizacijo upodobljenih položajev in obrazov ter prefinjeno v obvladovanju tehnologije. Medtem ko se eni ukvarjajo z ljudskim življenjem, prizori kmečke sreče in žalosti, pijančevanjem v krčmah in krčmah, zbiranji pred obcestnimi gostilnami, kmečkimi počitnicami, igrami in drsanjem po ledu zamrznjenih rek in kanalov itd. vsebino za svoja dela iz elegantnejšega kroga - slikajo graciozne dame v njihovem intimnem okolju, dvorjenje kicoških gospodov, gospodinje, ki ukazujejo svojim služkinjam, salonske vaje v glasbi in petju, veseljačenje zlate mladine v hišah užitka itd. V dolgem nizu umetnikov prve kategorije izstopata Adrian in Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ali 1606-38), Jan Stan (okoli 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. V. Lahr, v Italiji z vzdevkom Bambocchio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques z vzdevkom Sorg (1621-82), Claes Molenaar (prej 1630-76), Jan Minse-Molenar (okoli 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) in nekateri. itd. Od enako velikega števila slikarjev, ki so reproducirali življenje srednjega in višjega, na splošno dovolj, razreda, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francija c. Miris starejši (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer iz Delfta (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668 ). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony in Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Kategorija žanrskih slikarjev vključuje umetnike, ki so slikali prizore vojaškega življenja, brezdelje vojakov v stražarnicah. , taborišča , konjeniški spopadi in cele bitke, dresura konj, pa tudi bojnim prizorom sorodni prizori lova s sokoli in psi. Glavni predstavnik te veje slikarstva je slavni in izredno plodovit Philips Wouwerman (1619-68). Poleg njega še njen brat tega mojstra Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), ki ga bomo kmalu srečali med krajinarji, že omenjeni Palamedes, Jacob Leduc (1600 - pozneje 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Za mnoge od teh umetnikov ima pokrajina enako pomembno vlogo kot človeške figure; a vzporedno z njimi dela množica slikarjev, ki si to zadajo kot glavno ali izključno nalogo. Na splošno imajo Nizozemci neodtujljivo pravico biti ponosni, da je njihova domovina rojstni kraj ne le najnovejšega žanra, ampak tudi krajine v smislu, kot jo razumemo danes. Pravzaprav v drugih državah, npr. v Italiji in Franciji se je umetnost malo zanimala za neživo naravo, ni našla v njej niti edinstvenega življenja niti posebne lepote: slikar je v svoje slike vnašal pokrajino le kot postranski element, kot okras, med katerim so bile epizode človeške drame oz. komedijo igrajo, zato jo podrejajo razmeram prizorišča, izumljajoč ji blagodejne slikovite linije in lise, a brez kopiranja narave, ne da bi bili prežeti z vtisom, ki ga ta vzbuja. Na enak način je »sestavljal« naravo v tistih redkih primerih, ko je poskušal naslikati čisto krajinsko sliko. Nizozemci so bili prvi, ki so razumeli, da tudi v neživi naravi vse diha, vse je privlačno, vse je sposobno vzbuditi misel in vznemiriti gibanje srca. In to je bilo povsem naravno, saj so Nizozemci tako rekoč z lastnimi rokami ustvarili naravo okoli sebe, jo cenili in občudovali, kot oče neguje in občuduje lastno zamisel. Poleg tega je ta narava, kljub skromnosti svojih oblik in barv, koloristom, kot so nizozemci, zaradi podnebnih razmer v državi - njenega zraka, nasičenega s paro, mehčala obrise, dala obilico materiala za razvoj svetlobnih motivov in zračne perspektive. objektov, ki ustvarjajo stopnjevanje tonov v različnih načrtih in prekrivajo razdaljo z meglico srebrne ali zlate megle, ter spremenljivost videza območij, ki jih določajo letni čas, ura dneva in vremenske razmere. Med krajinarji obdobja razcveta so Nizozemci. posebno spoštovane so šole, ki so bile tolmači domače narave: Jan V. Goyen (1595-1656), ki je skupaj z Esaiasom van de Veldejem (ok. 1590-1630) in Pietrom Moleynom starejšim. (1595-1661), ki velja za ustanovitelja Goll. pokrajina; potem ta magistrski študent, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - pozneje 1679), ljubitelj učinkov boljše osvetlitve Umetnost. d. Nair (1603-77), pesniški Jacob v. Ruisdael (1628 ali 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) in Cornelis Dekker († 1678). Med Nizozemci je bilo tudi veliko krajinarjev, ki so se podajali na potovanja in reproducirali motive tuje narave, kar pa jim ni preprečilo, da bi ohranili nacionalni značaj v svojem slikarstvu. Albert V. Everdingen (1621-75) je upodabljal poglede na Norveško; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († kasneje 1690) in Jan Lingelbach (1623-74) - Italija; Ian V. d. Župan mlajši (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) in Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Nemčija in Švica; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) in skupina njegovih privržencev so slikali pokrajine, ki jih je navdihnila italijanska narava, z ruševinami starodavnih stavb, kopalnimi nimfami in prizori namišljene Arkadije. V posebno kategorijo lahko izpostavimo mojstre, ki so v svojih slikah združevali pokrajino s podobami živali, pri čemer so dajali prednost prvemu ali drugemu ali pa so oba dela obravnavali z enako pozornostjo. Najbolj znan med tovrstnimi slikarji podeželske idile je Paulus Potter (1625-54); Poleg njega je treba sem uvrstiti še Adriana. d. Velde (1635 ali 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) in številni umetniki, ki so se zatekali k temam prednostno ali izključno k Italiji, kot so: Willem Romain († pozneje 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616? -77) Frederic de Moucheron (1633 ali 1634-86) in drugi Tesno povezano s krajino je slikanje arhitekturnih vedut, ki nizozemski umetniki se je začela kot samostojna veja umetnosti uveljavljati šele v polovici 17. stoletja. Nekateri od tistih, ki so od takrat delovali na tem področju, so bili prefinjeni pri upodabljanju mestnih ulic in trgov s svojimi zgradbami; to so med drugim manj pomembni Johannes Bärestraten (1622-66), Job in Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) in Jacob v. vas Yulft (1627-88). Drugi, med katerimi so najvidnejši Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 ali 1617-92), pisali notranji pogledi cerkve in palače. Morje je bilo v življenju Nizozemske tako pomembno, da ga njena umetnost ni mogla obravnavati drugače kot z največjo pozornostjo. Številni njeni umetniki, ki so se ukvarjali s krajino, žanri in celo portreti, so se za nekaj časa oddaljili od svojih običajnih tem, postali marinisti, in če se odločimo našteti vse nizozemske slikarje. šole, ki prikazujejo mirno ali divje morje, ladje, ki se zibljejo na njem, pristanišča, natrpana z ladjami, pomorske bitke itd., Potem bi dobili zelo dolg seznam, ki bi vključeval imena Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. in J. Ruisdael, A. Cuyp in drugi, že omenjeni v prejšnjih vrsticah. Če se omejimo le na tiste, za katere je bilo slikanje morskih vrst posebnost, moramo omeniti Willema v. de Velde starejši (1611 ali 1612-93), njegov slavni sin V. v. de Velde mlajši (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) in Julius Parcellis († pozneje 1634). Končno je bila realistična smer nizozemske šole vzrok, da se je v njej izoblikovala in razvila vrsta slikarstva, ki se v drugih šolah do tedaj ni gojila kot posebna, samostojna veja, namreč slikanje rož, sadja, zelenjave, živa bitja, kuhinjski pripomočki, namizna posoda itd. - z eno besedo tisto, čemur se danes običajno reče »mrtva narava« (nature morte, Stilleben). Na tem območju med Najbolj znani umetniki cvetoče dobe so bili Jan-Davids de Gem (1606-83), njegov sin Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - pozneje 1678), Willem Kalf (1621 ali 1622-93) in Jan Waenix (1640-1719).
Briljantno obdobje Nizozemsko slikarstvo ni trajalo dolgo - samo eno stoletje. Od začetka 18. stol. njegov zaton prihaja, ne zato, ker obale Zuiderzeeja nehajo proizvajati prirojene talente, ampak zato, ker družba vse bolj slabi nacionalno identiteto, nacionalni duh izhlapi in francoski okusi in pogledi pompozne dobe Ludvika XIV. V umetnosti se ta kulturni obrat izraža s pozabo umetnikov na tista temeljna načela, od katerih je bila odvisna izvirnost slikarjev prejšnjih generacij, in s pozivom k estetska načela, pripeljana iz sosednje države. Namesto neposrednega odnosa do narave, ljubezni do domačega in iskrenosti, prevlade vnaprejšnjih teorij, konvencij in posnemanja Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain in drugi svetilki francoske šole. Glavni propagator tega obžalovanja vrednega trenda je bil Flamec Gerard de Leresse (1641-1711), ki se je naselil v Amsterdamu, zelo sposoben umetnik in izobražen svojega časa, ki je imel velik vpliv na svoje sodobnike in neposredne potomce tako s svojim manirnim psevdo -zgodovinske slike in dela lastnega peresa, med katerimi je eno - " Odlična knjiga slikar" ("t groot schilderboec) - petdeset let služil kot šifra mladim umetnikom. K zatonu šole je prispeval tudi slavni Hadrijan. de Werff (1659-1722), čigar elegantno slikarstvo s hladnimi figurami, kot da bi bile izrezljane iz slonovine, z dolgočasno, nemočno barvo, se je nekoč zdelo višek popolnosti. Med privrženci tega umetnika je Henryk v. užival slavo kot zgodovinski slikar. Limborg (1680-1758) in Filip V.-Dyck (1669-1729), imenovan "mali V.-Dyck". Od drugih slikarjev obravnavane dobe, obdarjenih z nedvomnim talentom, a okuženih z duhom časa, je treba omeniti Willema in Francea v. Miris mlajši (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) in Carel de Maur (1656-1738). Nekaj sijaja je umirajoči šoli dal Cornelis Trost (1697-1750), predvsem karikaturist z vzdevkom Dutch. Gogarth, portretist Jan Quincgard (1688-1772), dekorativni in zgodovinski slikar Jacob de Wit (1695-1754) in slikarji mrtve narave Jan V. Geysum (1682-1749) in Rachel Reisch (1664-1750).
Tuji vplivi so nizozemsko slikarstvo bremenili vse do dvajsetih let 19. stoletja, ko so v njem uspeli bolj ali manj odraziti spremembe, ki jih je umetnost doživela v Franciji, začenši z lasuljarstvom iz časov sončnega kralja in konča s psevdoklasicizem David. Ko je slog slednjih postal zastarel in se je povsod po zahodni Evropi namesto navdušenja nad starimi Grki in Rimljani vzbudila romantična želja po obvladovanju poezije in figuralike, so Nizozemci, tako kot druga ljudstva, svoj pogled usmerili v njihovi starodobnosti in torej na njihovo slavno preteklo slikarstvo. Želja, da bi ji povrnili sijaj, s katerim je zasijala v 17. stoletju, je začela navduševati novejše umetnike in jih vračati k načelom starih narodnih mojstrov - k strogemu opazovanju narave in iznajdljivemu, iskrenemu odnosu do nalog pri roko. Ob tem se nista skušala popolnoma izločiti izpod tujih vplivov, ampak sta domov odšla na študij v Pariz ali Dusseldorf in druga umetniška središča v Nemčiji, odnesla le seznanjanje z uspehi sodobne tehnologije. Zaradi vsega tega je ponovno oživljena nizozemska šola dobila izvirno, privlačno fizionomijo in gre danes po poti nadaljnjega napredka. Številne svoje najnovejše figure zlahka primerja z najboljšimi slikarji 19. stoletja v drugih državah. Zgodovinsko slikarstvo v ožjem pomenu besede se v njem goji, kakor v starih časih, zelo zmerno in nima izjemnih predstavnikov; ampak deloma zgodovinski žanr Nizozemska je lahko ponosna na več pomembnih novejših mojstrov, kot so: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (r. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (r. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) in zelo nadarjeni Lawrence Alma-Tadema (r. 1836), ki je dezertiral v Anglijo. V vsakdanjem žanru, ki je bil prav tako vključen v krog delovanja teh umetnikov (z izjemo Alma-Tadema), je mogoče opozoriti na vrsto odličnih slikarjev z Josephom Israelsom (r. 1824) in Christofflom na čelu. Bisschop (r. 1828); poleg njih so vredni imena Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (r. 1826), Teresa Schwarze (r. 1852) in Valli Mus (r. 1857). Najnovejši gol je še posebej bogat. slikarstvo krajinarjev, ki so delali in delajo na različne načine, včasih s skrbno dodelavo, včasih s široko tehniko impresionistov, a zvesti in poetični interpreti njihovega domačo naravo. Med njimi so Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (r. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (r. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (r. 1837), Lodewijk Apol (r. 1850) in mnogi drugi. itd. Neposredni dediči Ya. Pojavila sta se slikarja obetavnih pogledov D. Heyden in E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Med najnovejšimi nizozemskimi marinisti je dlan pripada Jogu. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (r. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) in Henrik Mesdag (r. 1831). Nazadnje sta Wouters Verschoor (1812-74) in Johann Gas (r. 1832) pokazala veliko spretnost pri slikanju živali.
Sre Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 zvezki, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, »Geschichte der Malerei« (2. in 3. zvezek, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Študije o zgodovini nizozemskega slikarstva na podlagi njegovih vzorcev, ki se nahajajo v Sankt Peterburgu." (poseben dodatek k revija "Vestn. lepe umetnosti", 1885-90).
Podrobnosti Kategorija: Likovna umetnost in arhitektura poznega 16. in 18. stoletja Objavljeno 2. 6. 2017 15:37 Ogledi: 2667Naš članek se bo osredotočil na dva umetnika: Jan van Goyen in Jakob van Ruisdael.
Oba sta živela v času osvoboditve Nizozemske izpod tujega jarma in to je bila zlata doba nizozemskega slikarstva. V nizozemski umetnosti so se začeli razvijati naslednji žanri: portret, pokrajina, vsakdanji žanr, tihožitje. Tega tedaj ni bilo opaziti niti v izjemnih umetniških središčih - v Italiji ali Franciji. Nizozemska umetnost 17. stoletja. je postala svojevrsten pojav v evropskem umetnostnem svetu 17. stoletja. Nizozemski mojstri so utrli pot umetnikom drugih nacionalnih evropskih umetnostnih šol.
Jan van Goyen (1596-1656)
Terborch "Portret van Goyena" (ok. 1560)
Jan van Goyen je eden prvih umetnikov, ki je naravo upodabljal naravno, preprosto, brez olepševanja. Je ustvarjalec nacionalne nizozemske krajine. Narava njegove dežele mu je dala dovolj predmetov, da jih je imel vse življenje.
Jan van Goyen se je rodil leta 1596 v mestu Leiden v družini čevljarja.
Čeprav je Jan van Goyen v mladosti nekaj časa preživel v Parizu, je bila ljubezen do preproste pokrajine v Franciji neznana, zato o kakršnih koli vplivih predstavnikov francoskega slikarstva na njegovo delo skoraj ni vredno govoriti.
V domovini je imel več slikarskih učiteljev, vendar je eno leto preživel le v delavnici Isaiaha van de Veldeja, z drugimi mentorji pa je komuniciral še manj.
Jan van Goyen "Pokrajina s sipinami" (1630-1635). Kunsthistorisches Museum (Dunaj)
Ustvarjanje
Sprva je Goyen slikal nizozemske vasi ali okolico z rastlinjem, nato pa so na njegovih slikah začeli prevladovati obalni pogledi, kjer sta nebo in voda zasedla večino slik.
Jan van Goyen "Pogled na reko" (1655). Mauritshuis (Haag)
Drevesa, koče ali mestne zgradbe imajo na njegovih slikah stransko vlogo, a zelo slikovitega videza, prav tako majhne jadrnice in ladje na vesla z figurami ribičev, krmarjev in potnikov.
Goyenove slike so večinoma monotone. Umetnik je ljubil barvno preprostost, hkrati pa so bile njegove barve harmonične. Barvo je nanašal v rahlem sloju.
Jan van Goyen "Pogled na Merwede pri Dordrechtu (ok. 1645). Rijksmuseum (Amsterdam)
Umetnikova kasnejša dela odlikuje skoraj enobarvna paleta, prosojna zemlja pa jim daje posebno globino in edinstven čar.
Jan van Goyen, Pokrajina z dvema hrastoma (1641). Rijksmuseum (Amsterdam)
Njegove slike so prijetne prav zaradi svoje preprostosti in realizma. Umetnik je ustvaril precej umetniških platen, vendar njegovo delo ni bilo vedno nagrajeno na vreden način. Zato je moral Goyen zaslužiti denar na druge načine: trgoval je s tulipani, sodeloval pri ocenjevanju in prodaji umetniških del, nepremičnin in zemljišč. Toda poskusi podjetništva običajno niso vodili do uspeha.
Jan van Goyen "Zimski prizor na ledu"
Zdaj je njegovo delo cenjeno in vsak muzej meni, da so njegove slike dragoceni eksponati.
V Ermitažu je tudi več slik Jana van Goyena: »Pogled na reko. Maas, blizu Dortrechta", "Obala Scheveningena, blizu Haaga", "Zimska pokrajina", "Pogled na reko. Maas«, »Vaški pogled«, »Pokrajina s hrastom« itd.
Jan van Goyen "Pokrajina s hrastom"
Poleg slikanja se je Goyen ukvarjal z jedkanico (vrsta graviranja na kovino) in risbo.
Leta 1632 se je Goyen z družino preselil v Haag, kjer je živel do konca svojega življenja - do leta 1656.
Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)
Jacob Isaacs van Ruisdael se je rodil in umrl v Haarlemu (Nizozemska). Njegovih natančnih portretov ni ohranjenih. Ta portret je le špekulativen.
Ruisdael trenutno velja za najpomembnejšega nizozemskega krajinskega umetnika, a v času njegovega življenja njegov talent ni bil dovolj cenjen. Njegov učitelj bi lahko bil njegov stric, umetnik Solomon van Ruisdael.
Ruisdael je bil tudi kirurg, ki je delal v Amsterdamu.
Ustvarjanje
Umetnik je skozi pokrajino spretno prenesel človeška čustva. In zanj je bila pomembna katera koli sestavina pokrajine: veja drevesa, ki jo je upognil sunek vetra, zdrobljena travna trava, nevihtni oblak, uhojena pot ... In vse te komponente so bile v njegovih slikah harmonično združene v eno samo. NARAVA.
Pisal je z drobnimi potezami. Rad je slikal gozdne goščave, močvirja, slapove, majhna nizozemska mesta ali vasi, predvsem pa - zmagoslavno nebo. Ruisdaelove pokrajine so razumljive vsaki osebi katere koli narodnosti, saj izražajo enotnost z naravo, ki je skupna vsem ljudem.
Ruisdael je ustvaril približno 450 slik. Drugi viri navajajo številko 600. Večina njegovih krajin je posvečena naravi rodne Nizozemske, slikal pa je tudi hrastovih gozdovih Nemčija in slapovi na Norveškem.
Nizozemski umetniki so veliko prispevali k delu mojstrov, ki so začeli svoje dejavnosti v 17. stoletju in se niso ustavili do danes. Niso pa vplivali le na svoje kolege, temveč tudi na profesionalce v literaturi (Valentin Proust, Donna Tartt) in fotografiji (Ellen Kooi, Bill Gekas in drugi).
Začetek razvoja
Leta 1648 se je Nizozemska osamosvojila, vendar je morala Nizozemska za nastanek nove države prestati maščevanje s strani Španije, ki je takrat v flamskem mestu Antwerpen pobila približno 10 tisoč ljudi. Zaradi pokola so se prebivalci Flandrije izselili z ozemelj, ki so jih nadzorovale španske oblasti.
Na podlagi tega bi bilo logično ugotoviti, da je spodbuda neodvisnim nizozemskim umetnikom prišla prav iz flamske ustvarjalnosti.
Od 17. stoletja se pojavljata tako državna kot umetniška veja, kar vodi do oblikovanja dveh umetnostnih šol, ki se razlikujeta po narodnosti. Imeli so skupnega izvora, vendar so se znaki precej razlikovali. Medtem ko je Flandrija ostala pod okriljem katolicizma, je Nizozemska doživela povsem nov razcvet, začenši l. XVII stoletje.
nizozemska kultura
V 17. stoletju je nova država šele stopila na pot svojega razvoja in popolnoma prekinila vezi z umetnostjo pretekle dobe.
Boj s Španijo se je postopoma umiril. Narodno razpoloženje se je začelo zasledovati v ljudskih krogih, ko so se oddaljili od katoliške vere, ki so jo prej vsiljevale oblasti.
Protestantsko vladanje je imelo protisloven pogled na dekoracijo, kar je povzročilo zmanjšanje del na verske teme in v prihodnosti le na roko posvetne umetnosti.
Še nikoli prej ni bila resnična okoliška resničnost tako pogosto prikazana na slikah. Nizozemski umetniki so v svojih delih želeli prikazati običajno vsakdanje življenje brez olepševanja, prefinjenega okusa in plemenitosti.
Posvetna umetniška eksplozija je povzročila številne smeri, kot so krajina, portret, vsakdanji žanr in tihožitje (katerega obstoja niso poznala niti najbolj razvita središča Italije in Francije).
Lastna vizija realizma nizozemskih umetnikov, izražena v portretih, krajinah, notranjih delih in tihožitjih, je vzbudila zanimanje za to veščino na vseh ravneh družbe.
torej Nizozemska umetnost 17. stoletje je dobilo vzdevek "zlata doba nizozemskega slikarstva", kar mu je zagotovilo status najbolj izjemne dobe v nizozemskem slikarstvu.
Pomembno je vedeti: obstaja napačno prepričanje, da je nizozemska šola upodabljala le povprečnost človeškega obstoja, vendar so mojstri tistih časov nesramno uničili okvir s pomočjo svojih fantastičnih del (na primer "Pokrajina z Janezom Krstnikom" avtor Bloemaert).
Nizozemski umetniki 17. stoletja. Rembrandt
Rembrandt Harmensz van Rijn velja za eno največjih umetniških osebnosti na Nizozemskem. Poleg umetniške dejavnosti se je ukvarjal tudi z graverstvom in je upravičeno veljal za mojstra chiaroscura.
Njegova zapuščina je bogata z individualno raznolikostjo: portreti, žanrski prizori, tihožitja, krajine, pa tudi slike na zgodovinske, verske in mitološke teme.
Njegova sposobnost obvladovanja chiaroscura mu je omogočila, da je okrepil čustveno izraznost in duhovnost osebe.
Med delom na portretih je delal na človeški obrazni mimiki.
Zaradi srce parajočih tragičnih dogodkov njegovega pozna dela so bile napolnjene z medlo svetlobo, ki je razkrivala globoke izkušnje ljudi, zaradi česar briljantna dela niso nikogar zanimala.
Takrat so bili v modi zunanja lepota brez poskusov potapljanja v globino, pa tudi naturalizma, ki je v nasprotju z odkritim realizmom.
Slika "Vrnitev" izgubljeni sin»Vsak ljubitelj Rusije lahko vidi na lastne oči likovna umetnost, ker to delo ki se nahaja v Ermitažu v Sankt Peterburgu.
Frans Hals
Frans Hals je veliki nizozemski umetnik in velik portretist, ki je pomagal uvesti žanr svobodnega pisanja v rusko umetnost.
Delo, ki mu je prineslo slavo, je bila slika z naslovom "Banket častnikov strelske čete sv. Jurija", naslikana leta 1616.
Njegova portretna dela so bila za tisti čas preveč naravna, kar je bilo v nasprotju z današnjim časom. Ker je umetnik ostal nerazumljen, je tako kot veliki Rembrandt življenje končal v revščini. "Cigan" (1625-1630) je eno njegovih najbolj znanih del.
Jan Steen
Jan Steen je na prvi pogled eden najbolj duhovitih in veselih nizozemskih umetnikov. V norčevanju iz družbenih pregreh se je rad zatekel k umetnosti satire družbe. Medtem ko je gledalca zabaval z neškodljivimi, smešnimi podobami veseljakov in lahkih dam, je pravzaprav svaril pred takšnim načinom življenja.
Umetnik je imel tudi bolj mirne slike, na primer delo "Jutranja toaleta", ki se je na prvi pogled zdelo kot popolnoma nedolžna akcija. A če natančno pogledate podrobnosti, ste lahko precej presenečeni nad njihovimi razkritji: to so sledi nogavic, ki so prej stiskale noge, in lonec, napolnjen z nečim nespodobnim, pa tudi pes, ki si dovoli, da ima prav. na lastnikovi blazini.
V najboljšem lastna dela umetnik je v svoji elegantno spretni kombinaciji prehitel svoje kolege barvne palete in obvladovanje senc.
Drugi nizozemski umetniki
Ta članek je navedel le tri bistre ljudi od desetin, ki si zaslužijo biti na istem seznamu z njimi:
Torej, v tem članku ste se seznanili z nizozemskimi umetniki 17. stoletja in njihovimi deli.
Opomba. Poleg umetnikov iz Nizozemske so na seznamu tudi slikarji iz Flandrije.
Nizozemska umetnost 15. stoletja
Prve manifestacije renesančne umetnosti na Nizozemskem segajo v zgodnje 15. stoletje. najprej slike, ki jih že lahko uvrstimo med zgodnjerenesančne spomenike, sta ustvarila brata Hubert in Jan van Eyck. Oba - Hubert (umrl 1426) in Jan (okoli 1390-1441) - sta igrala odločilno vlogo v nastajanju nizozemske renesanse. O Hubertu ni znanega skoraj nič. Jan je bil očitno zelo izobražen človek, študiral je geometrijo, kemijo, kartografijo in opravljal nekaj diplomatskih nalog za burgundskega vojvodo Filipa Dobrega, v čigar službi je mimogrede potekalo njegovo potovanje na Portugalsko. O prvih korakih renesanse na Nizozemskem lahko sodimo po slikah bratov, ki so bile ustvarjene v dvajsetih letih 15. stoletja, med njimi pa so tudi »Žene, ki nosijo miro pri grobu« (verjetno del poliptiha; Rotterdam). , Museum Boijmans van Beyningen), "Madona v cerkvi" (Berlin), "Sveti Hieronim" (Detroit, Art Institute).
Brata Van Eyck zavzemata izjemno mesto v sodobni umetnosti. Vendar niso bili sami. Ob tem so z njimi sodelovali tudi drugi slikarji, ki so jim bili slogovno in problemsko sorodni. Med njimi nedvomno prvo mesto pripada tako imenovanemu flemalskemu mojstru. Veliko genialnih poskusov je bilo izvedenih, da bi ugotovili njegovo pravo ime in izvor. Od teh je najbolj prepričljiva različica, da ta umetnik dobi ime Robert Campin in precej razvito biografijo. Prej imenovan Mojster oltarja (ali "Oznanjenje") Merode. Obstaja tudi neprepričljivo stališče, ki dela, ki se mu pripisujejo, pripisuje mlademu Rogierju van der Weydnu. O Campinu je znano, da je bil rojen 1378 ali 1379 v Valenciennesu, naslov mojstra je prejel 1406 v Tournaiju, tam živel, nastopal poleg slike veliko dekorativnih, je bil učitelj številnih slikarjev (vključno z Rogierjem van der Weydnom, o katerem bomo razpravljali v nadaljevanju, od leta 1426, in Jacquesom Daraisom, od leta 1427) in umrl leta 1444. Kampenova umetnost je ohranila vsakdanje poteze v splošni »panteistični« shemi in se tako izkazala za zelo blizu naslednji generaciji nizozemskih slikarjev. Zgodnja dela Rogierja van der Weydna in Jacquesa Daraisa, avtorja, ki je bil izjemno odvisen od Campina (na primer njegovo »Čaščenje magov« in »Srečanje Marije in Elizabete«, 1434–1435; Berlin), jasno razkrivajo zanimanje za umetnost tega mojstra, pri čemer se nedvomno pojavlja trend časa.
Portret mlade ženske, 1445, Galerija slik, Berlin
Sveti Ivo, 1450, Narodna galerija, London
Sveti Luka slika podobo Madone, 1450, muzej Groningen, Brugge
Rogier van der Weyden je bil rojen leta 1399 ali 1400, se je šolal pri Campinu (to je v Tournaiju), leta 1432 prejel naslov mojstra in se leta 1435 preselil v Bruselj, kjer je bil uradni slikar mesta: leta 1449– 1450 je odpotoval v Italijo in leta 1464 umrl. Pri njem so študirali nekateri največji umetniki nizozemske renesanse (na primer Memling), ki je užival široko slavo ne le v domovini, ampak tudi v Italiji (slavni znanstvenik in filozof Nikolaj Kuzanski ga je poklical največji umetnik; kasneje je njegovo delo opazil Dürer). Delo Rogierja van der Weydna je služilo kot hranilna osnova za najrazličnejše slikarje naslednje generacije. Dovolj je reči, da je njegova delavnica - prva tako široko organizirana delavnica na Nizozemskem - močno vplivala na nesluteno širjenje sloga enega mojstra v 15. stoletju, na koncu je ta slog zreducirala na vsoto šablonskih tehnik in celo igrala vlogo zavore slikarstvu ob koncu stoletja. In vendar umetnosti sredine 15. stoletja ni mogoče reducirati na rohirsko tradicijo, čeprav je z njo tesno povezana. Drugo pot poosebljajo predvsem dela Dirika Boutsa in Alberta Ouwaterja. Njim je, tako kot Rogierju, nekoliko tuje panteistično občudovanje življenja, njihova podoba človeka pa vse bolj izgublja stik z vprašanji vesolja – filozofskimi, teološkimi in umetniškimi vprašanji ter dobiva vedno več konkretnosti in psihološke gotovosti. A Rogierja van der Weydna, mojstra povišanega dramatičnega zvoka, umetnika, ki je težil k individualnim in hkrati vzvišenim podobam, je zanimalo predvsem področje človekovih duhovnih lastnosti. Dosežki Boutsa in Ouwaterja so na področju krepitve vsakodnevne pristnosti podobe. Med formalnimi težavami so jih bolj zanimala vprašanja, povezana z reševanjem ne toliko izraznih, temveč vizualne naloge(ne ostrina risbe in izraznost barve, temveč prostorska organizacija slike in naravnost, naravnost svetlobnega okolja).
Toda preden preidemo na delo teh dveh slikarjev, bi se morali ustaviti pri pojavu v manjšem obsegu, ki kaže, da so odkritja umetnosti sredine stoletja, ki so hkrati nadaljevanje van Eyck-Kampenove tradicije in odmik od sta bili v obeh teh lastnostih globoko upravičeni. Konservativniji slikar Petrus Christus nazorno pokaže zgodovinsko neizogibnost tega odpadništva tudi za umetnike, ki niso naklonjeni radikalnim odkritjem. Od leta 1444 je Christus postal državljan Brugesa (tam je umrl v letih 1472/1473) - to pomeni, da je videl najboljša dela van Eycka in je bil pod vplivom njegove tradicije. Ne da bi se zatekel k ostremu aforizmu Rogierja van der Weydna, je Christus dosegel bolj individualizirano in diferencirano karakterizacijo kot van Eyck. Toda njegovi portreti (E. Grimston - 1446, London, Narodna galerija; Kartuzijanski menih - 1446, New York, Metropolitanski muzej) hkrati kažejo na določen upad podobe v njegovem delu. V umetnosti je postajalo vse bolj očitno hrepenenje po konkretnem, individualnem in partikularnem. Morda so se te težnje najbolj jasno pokazale v delu Boutsa. Mlajši od Rogierja van der Weydna (rojen med 1400 in 1410) je bil daleč od dramatične in analitične narave tega mojstra. Toda zgodnji Bouti prihajajo večinoma od Rogierja. Oltar s "Spustom s križa" (Granada, katedrala) in številne druge slike, na primer "Pokopavanje" (London, Narodna galerija), kažejo na poglobljeno študijo dela tega umetnika. Toda izvirnost je opazna že tukaj - Bouts daje svojim likom več prostora, ne zanima ga toliko čustveno okolje kot dogajanje, sam proces le-tega, njegovi liki so bolj aktivni. Enako velja za portrete. Na odličnem portretu moškega (1462; London, Narodna galerija) imajo molitveno dvignjene - čeprav brez povzdigovanja - oči, posebna usta in lično zložene roke tako individualno obarvanost, ki je van Eyck ni poznal. Tudi v podrobnostih je čutiti to osebno noto. Nekoliko prozaičen, a nedolžno resničen odsev se skriva v vseh mojstrovih delih. Najbolj opazna je v njegovih večfiguralnih kompozicijah. In predvsem v njegovem najbolj znanem delu – oltarju louvainske cerkve svetega Petra (med 1464 in 1467). Če gledalec van Eyckovo delo vedno dojema kot čudež ustvarjalnosti, ustvarjanja, potem se pred deli Boutsa porajajo drugačni občutki. Skladateljsko delo Boutsa zgovorno govori o njem kot režiserju. Upoštevajoč uspehe takšne »režiserske« metode (to je metode, pri kateri je umetnikova naloga razporediti značilne like, kot da bi bili izvlečeni iz narave, organizirati sceno) v naslednjih stoletjih, velja biti pozoren na to. fenomen v delu Dirka Boutsa.
Naslednja faza nizozemske umetnosti zajema zadnja tri ali štiri desetletja 15. stoletja - izjemno težek čas za življenje države in njeno kulturo. To obdobje se začne z delom Joosa van Wassenhova (ali Joosa van Genta; med 1435–1440 - po 1476), umetnika, ki je imel pomembno vlogo pri oblikovanju nova slika, a je leta 1472 odšel v Italijo, se tam aklimatiziral in se organsko vključil v italijansko umetnost. Njegov oltar s »Razpelom« (Gent, cerkev sv. Bava) nakazuje željo po pripovednosti, a hkrati željo, da bi zgodbo odvzel hladno brezstrastnost. Slednje želi doseči s pomočjo gracioznosti in dekorativnosti. Njegov oltar je posvetno delo v naravi s svetlo barvno shemo, ki temelji na prefinjenih prelivajočih se tonih.
To obdobje se nadaljuje z delom mojstra izjemnega talenta – Huga van der Goesa. Rodil se je okoli leta 1435, leta 1467 je postal mojster v Gentu in leta 1482 umrl. Husova najzgodnejša dela vključujejo več podob Madone z otrokom, ki se odlikujejo po liričnem vidiku podobe (Philadelphia, Museum of Art in Bruselj, Museum), ter sliko »Sv. Ana, Marija z otrokom in darovalcem« (Bruselj , muzej). Hus v razvoju ugotovitev Rogierja van der Weydna vidi v kompoziciji ne toliko način harmonične organizacije upodobljenega, ampak sredstvo za koncentracijo in identifikacijo čustvene vsebine prizora. Oseba je za Husa izjemna samo po moči svojih osebnih občutkov. Hkrati pa Gusa privlačijo tragični občutki. Vendar podoba svete Genevieve (na hrbtni strani Objokovanja) nakazuje, da je Hugo van der Goes v iskanju golega čustva začel posvečati pozornost njenemu etičnemu pomenu. V Portinarijevem oltarju skuša Hus izraziti svojo vero v duhovne zmožnosti človeka. Toda njegova umetnost postane živčna in napeta. Husove umetniške tehnike so raznolike – še posebej, ko mora poustvariti človekov duhovni svet. Včasih, tako kot pri posredovanju reakcije pastirjev, primerja bližnje občutke v določenem zaporedju. Včasih, tako kot pri Marijini podobi, umetnik oriše splošne poteze doživetja, po katerih gledalec zaokroži občutenje v celoti. Včasih - v podobah ozkookega angela ali Margarite - se za razvozlavanje podobe zateče k kompozicijski ali ritmični tehniki. Včasih se prav izmuzljivost psihološkega izraza zanj sprevrže v karakterizacijsko sredstvo - tako zaigra odsev nasmeha na suhem, brezbarvnem obrazu Marie Baroncelli. In premori igrajo ogromno vlogo - pri prostorski odločitvi in akciji. Omogočajo miselni razvoj in dopolnitev občutka, ki ga je umetnik orisal na sliki. Značaj podob Huga van der Goesa je vedno odvisen od vloge, ki naj bi jo igrale kot celota. Tretji pastir je res naraven, Jožef je popolnoma psihološki, angel na njegovi desni je skoraj neresničen, podobi Marjete in Magdalene pa sta kompleksni, sintetični in zgrajeni na izjemno subtilnih psiholoških gradacijah.
Hugo van der Goes je vedno želel izraziti in utelesiti v svojih podobah duhovno nežnost človeka, njegovo notranjo toplino. Toda v bistvu umetnikovi najnovejši portreti kažejo na naraščajočo krizo Husovega dela, saj njegove duhovne strukture ni ustvarila toliko zavest o individualnih lastnostih osebe, temveč tragična izguba enotnosti človeka in sveta za umetnik. IN zadnja služba– “Marijina smrt” (Bruges, muzej) – ta kriza povzroči propad vseh umetnikovih ustvarjalnih stremljenj. Obup apostolov je brezupen. Njihove kretnje so brez pomena. Lebdeči v sijaju Kristus s svojim trpljenjem kot da opravičuje njihovo trpljenje, njegove prebodene dlani so obrnjene proti gledalcu, figura nedoločene velikosti pa krši obsežno strukturo in občutek za realnost. Prav tako je nemogoče razumeti obseg resničnosti izkušnje apostolov, kajti vsi so imeli enak občutek. In ni toliko njihov, kot je umetnikov. Toda njeni nosilci so še vedno fizično resnični in psihološko prepričljivi. Podobne podobe bodo oživele pozneje, ko se je ob koncu 15. stoletja v nizozemski kulturi končala stoletna tradicija (pri Boschu). Nenavaden cikcak tvori osnovo kompozicije slike in jo organizira: sedeči apostol, edini negiben, gleda v gledalca, nagnjen od leve proti desni, lebdeča Marija od desne proti levi, Kristus lebdi od leve proti desni. . In isti cik-cak v barvni shemi: figura sedeče osebe je barvno povezana z Marijo, tistega, ki leži na motno modrem platnu, v oblačilu prav tako modrega, vendar skrajno, skrajno modrega, potem - eterično, nematerialna modrina Kristusa. In vse naokoli so barve oblačil apostolov: rumena, zelena, modra - neskončno hladne, jasne, nenaravne. Občutek v »Vnebovzetju« je gol. Ne pušča prostora za upanje ali človečnost. Hugo van der Goes je ob koncu svojega življenja vstopil v samostan, njegov največji zadnja leta jih je zaznamovala duševna bolezen. Očitno je v teh biografskih dejstvih mogoče videti odsev tragičnih protislovij, ki so opredeljevala mojstrovo umetnost. Husovo delo je bilo znano in cenjeno, pozornost pa je vzbudilo tudi zunaj Nizozemske. Jean Clouet starejši (mojster iz Moulinsa) je bil pod močnim vplivom njegove umetnosti, Domenico Ghirlandaio je poznal in študiral Portinarijevo oltarno sliko. Vendar ga sodobniki niso razumeli. Nizozemska umetnost se je vztrajno nagibala na drugačno pot in osamljeni sledovi vpliva Husovega dela samo poudarjajo moč in razširjenost teh drugih smeri. Najbolj polno in dosledno so se pojavili v delih Hansa Memlinga.
Zemeljska nečimrnost, triptih, sredinska plošča,
Pekel, leva plošča triptiha "Earthly Vanities",
1485, Muzej likovna umetnost, Strasbourg
Hans Memling, očitno rojen leta 1433 v Seligenstadtu blizu Frankfurta na Majni (umrl leta 1494), se je umetnik odlično izobraževal pri Rogierju in po tem, ko se je preselil v Brugge, je tam pridobil široko slavo. Že relativno zgodnja dela odkrijte smer njegovega iskanja. Načela lahkega in vzvišenega so od njega dobila veliko bolj posveten in zemeljski pomen, vse zemeljsko pa - določeno idealno vznesenost. Primer je oltar z Madono, svetniki in donatorji (London, Narodna galerija). Memling si prizadeva ohraniti vsakdanji videz svojih resničnih junakov in jim približati svoje idealne junake. Vzvišeno načelo preneha biti izraz nekaterih panteistično razumljenih splošnih svetovnih silnic in se spremeni v naravno duhovno lastnost človeka. Načela Memlingovega dela se jasneje pokažejo v tako imenovanem Floreins-oltarju (1479; Brugge, muzej Memling), katerega glavni oder in desno krilo sta v bistvu prosti kopiji ustreznih delov Rogierjevega münchenskega oltarja. Odločno zmanjša velikost oltarja, odreže zgornji in stranski del Rogierjeve kompozicije, zmanjša število figur in tako rekoč približa dogajanje gledalcu. Dogodek izgubi svoj veličasten obseg. Slike udeležencev izgubijo svojo reprezentativnost in pridobijo zasebne značilnosti, kompozicija je odtenek mehke harmonije, barva, medtem ko ohranja čistost in preglednost, popolnoma izgubi hladno, ostro zvočnost Rogirova. Zdi se, da trepeta s svetlimi, jasnimi odtenki. Še bolj značilno je Oznanjenje (okoli 1482; New York, zbirka Lehman), kjer je uporabljena Rogierjeva shema; Marijina podoba ima poteze mehke idealizacije, angel je izrazito žanrsko nagnjen, notranja oprema pa je naslikana z van-eyckovsko ljubeznijo. Hkrati motivi italijanske renesanse - girlande, putti itd. - vse bolj prodirajo v Memlingovo delo, kompozicijska zgradba postaja vse bolj odmerjena in jasna (triptih z "Madono in otrokom, angelom in darovalcem", Dunaj). Umetnik skuša izbrisati mejo med konkretnim, meščansko vsakdanjim principom in idealizirajočim, harmoničnim.
Memlingova umetnost ga je pritegnila velika pozornost gospodarji severnih provinc. Zanimale pa so jih tudi druge lastnosti – tiste, ki so bile povezane s Husovim vplivom. Severne province, vključno z Nizozemsko, so v tem obdobju gospodarsko in duhovno zaostajale za južnimi. Zgodnje nizozemsko slikarstvo običajno ni preseglo poznosrednjeveške in provincialne predloge, raven njegove obrti pa se nikoli ni dvignila do umetnosti flamskih umetnikov. Šele v zadnji četrtini 15. stoletja so se razmere spremenile zaradi umetnosti Hertgen tot sint Jans. Živel je v Haarlemu pri johanitskih menihih (ki jim dolguje svoj vzdevek - sint Jans pomeni sveti Janez) in umrl mlad - star osemindvajset let (rojen v Leidnu (?) okoli 1460/65, umrl v Haarlemu leta 1490- 1495 ). Hertgen je nejasno začutil tesnobo, ki je skrbela Husa. Toda, ne da bi se dvignil do svojih tragičnih spoznanj, je odkril mehak čar preprostih človeških občutkov. Husu je blizu zanimanje za notranji, duhovni svet človeka. Med glavnimi Goertgenovimi deli je oltarna slika, naslikana za harlemske Johannite. Od nje se je ohranilo sedaj obojestransko razžagano desno krilo. Njena notranja stran predstavlja velik večfiguralni prizor žalovanja. Gertgen uresničuje obe nalogi, ki si jih je zadal čas: posreduje toplino, človeškost čutenja in ustvarja življenjsko prepričljivo pripoved. Slednje je še posebej opazno na zunanji strani vrat, kjer je upodobljen sežig posmrtnih ostankov Janeza Krstnika Julijana Odpadnika. Udeleženci akcije so obdarjeni s pretiranim značajem, dogajanje pa je razdeljeno na več neodvisnih prizorov, od katerih je vsak predstavljen z živim opazovanjem. Na poti mojster ustvari morda enega prvih evropska umetnost nov čas skupinskih portretov: zgrajen na principu enostavne kombinacije značilnosti portreta, predvideva delo 16. stoletja. Njegova »Kristusova družina« (Amsterdam, Rijksmuseum), predstavljena v notranjosti cerkve, interpretirana kot realno prostorsko okolje, daje veliko za razumevanje Geertgenovega dela. Figure v ospredju ostajajo pomembne, ne kažejo nobenih občutkov in ohranjajo svoj vsakdanji videz z mirnim dostojanstvom. Umetnik ustvarja podobe, ki so morda najbolj meščanske narave v nizozemski umetnosti. Hkrati je pomembno, da Gertgen razume nežnost, sladkost in nekaj naivnosti ne kot zunanje značilne znake, temveč kot določene lastnosti človekovega duhovnega sveta. In to zlitje meščanskega občutka življenja z globoko čustvenostjo je pomembna značilnost Gertgenovega dela. Ni naključje, da duhovnim gibanjem svojih junakov ni dajal vzvišenega, univerzalnega značaja. Kot da namenoma preprečuje, da bi njegovi junaki postali izjemni. Zaradi tega se ne zdijo individualni. Imajo nežnost in nimajo drugih čustev ali tujih misli; sama jasnost in čistost njihovih izkušenj jih dela daleč od vsakdanjega življenja. Vendar pa se nastala idealnost podobe nikoli ne zdi abstraktna ali umetna. Te značilnosti odlikujejo tudi eno umetnikovih najboljših del, »Božič« (London, Narodna galerija), majhno sliko, ki skriva občutke navdušenja in presenečenja.
Gertgen je zgodaj umrl, vendar načela njegove umetnosti niso ostala v temi. Vendar mojster braunschweiškega diptiha (»Sveti Bavo«, Braunschweig, Muzej; »Božič«, Amsterdam, Rijksmuseum) in nekateri drugi anonimni mojstri, ki so mu najbližji, ki so mu najbližji, niso toliko razvijali Hertgenovih načel. saj jim dajejo značaj splošno razširjenega standarda. Morda je najpomembnejši med njimi Mojster Virgo inter virgines (imenovan po sliki amsterdamskega Rijksmuseuma, ki prikazuje Marijo med svetimi devicami), ki ni težil toliko k psihološki utemeljitvi čustev, temveč k ostrini njihovega izraza v majhne, precej vsakdanje in včasih skoraj namenoma grde figure ("Pokopavanje", St. Louis, muzej; "Žalovanje", Liverpool; "Oznanjenje", Rotterdam). Ampak tudi. njegovo delo je bolj dokaz izčrpanosti večstoletne tradicije kot izraz njenega razvoja.
Močan padec umetniške ravni je opazen tudi v umetnosti južnih provinc, katerih mojstri so bili vse bolj nagnjeni k nepomembnim vsakdanjim podrobnostim. Bolj kot drugi je zanimiv zelo pripovedni Mojster legende o sv. Uršuli, ki je deloval v Bruggeu v 80. in 90. letih 15. stoletja (»Legenda o sv. Uršuli«; Brugge, samostan črnih sester), neznani avtor portretov zakoncev Baroncelli, ki ni brez spretnosti (Firence, Uffizi), in tudi zelo tradicionalen bruški mojster legende o sv. Luciji (oltar sv. Lucije, 1480, Brugge, cerkev sv. Jakoba, tudi poliptih, Talin, muzej). Oblikovanje prazne, malenkostne umetnosti ob koncu 15. stoletja je neizogibna antiteza Husovemu in Hertgenovemu iskanju. Človek je izgubil glavno oporo svojega pogleda na svet - vero v harmoničen in ugoden red vesolja. A če je bila skupna posledica tega le osiromašenje predhodnega koncepta, je podrobnejši pogled razkril grozeče in skrivnostne poteze sveta. Za odgovor na nerešljiva vprašanja časa so bile uporabljene poznosrednjeveške alegorije, demonologija in mračne napovedi Svetega pisma. V razmerah naraščajočih akutnih družbenih nasprotij in hudih konfliktov je nastala Boscheva umetnost.
Hieronymus van Aken z vzdevkom Bosch je bil rojen v 's-Hertogenboschu (umrl tam leta 1516), torej stran od glavne umetniški centri Nizozemska. Njegova zgodnja dela niso brez kančka primitivnosti. A že pri upodabljanju ljudi nenavadno združujeta oster in moteč občutek za življenje narave s hladno grotesknostjo. Bosch se odziva na trend moderne umetnosti - s hrepenenjem po resničnem, s konkretizacijo podobe človeka, nato pa z zmanjševanjem njegove vloge in pomena. To težnjo pripelje do neke skrajnosti. V Boschevi umetnosti se pojavljajo satirične ali bolje rečeno sarkastične podobe človeške rase. To je njegova »Operacija odstranjevanja kamnov neumnosti« (Madrid, Prado). Operacijo opravi menih - in tukaj se duhovščini pojavi zloben nasmeh. Toda tisti, ki mu je to storjeno, pozorno gleda v gledalca in ta pogled nas vključi v dogajanje. V Boschevem delu se poveča sarkazem; ljudi si predstavlja kot potnike na ladji norcev (slika in njena risba sta v Louvru). Zateče se k ljudskemu humorju – ta pod njegovimi rokami dobi temen in grenak odtenek.
Bosch želi potrditi mračno, iracionalno in nizkotno naravo življenja. Ne izraža samo svojega pogleda na svet, svojega občutka življenja, ampak mu daje moralno in etično oceno. "Kozolec" je eno najpomembnejših Boschevih del. V tem oltarju se goli občutek resničnosti zlije z alegorijo. Kozolec namiguje na stari flamski pregovor: »Svet je kup kozolca: vsak vzame iz njega, kar lahko zagrabi«; ljudje se poljubljajo na očeh in predvajajo glasbo med angelom in nekim hudičevim bitjem; fantastična bitja vlečejo voz, očka, cesar, pa mu veselo in poslušno sledi navadni ljudje: nekateri tečejo naprej, hitijo med kolesa in umrejo, zdrobljeni. Pokrajina v daljavi ni fantastična ali pravljična. In nad vsem - na oblaku - je mali Kristus z dvignjenimi rokami. Vendar bi bilo napačno misliti, da Bosch gravitira k metodi alegoričnega primerjanja. Nasprotno, prizadeva si, da bi bila njegova ideja utelešena v samem bistvu umetniških odločitev, tako da se pred gledalcem ne pojavi kot šifriran pregovor ali prispodoba, temveč kot posplošujoč brezpogojni način življenja. S prefinjenostjo domišljije, ki je ni poznal srednji vek, Bosch svoje slike napolni z bitji, ki bizarno združujejo različne živalske oblike ali živalske oblike s predmeti neživega sveta in jih postavljajo v očitno neverjetna razmerja. Nebo postane rdeče, ptice, opremljene z jadri, letajo po zraku, pošastna bitja se plazijo po površju zemlje. Ribe s konjskimi nogami odpirajo usta, poleg njih pa podgane, ki na hrbtu nosijo žive lesene zanke, iz katerih se izležejo ljudje. Konjski križ se spremeni v velikanski vrč, repnata glava pa se prikrade nekam na tanke gole noge. Vse polzi in vse je obdarjeno z ostrimi, praskajočimi oblikami. In vse je okuženo z energijo: vsako bitje - majhno, goljufivo, vztrajno - je zajelo jezno in naglo gibanje. Bosch daje tem fantazmagoričnim prizorom največjo prepričljivost. Opusti podobo dogajanja, ki se odvija v ospredju, in jo razširi na ves svet. Svojim večfiguralnim dramatičnim ekstravagancam daje srhljiv ton v njihovi univerzalnosti. Včasih v sliko vnese dramatizacijo pregovora – a v njej ni več humorja. In v središče postavi majhno nemočno figurico sv. Antona. Tak je na primer oltar s »Skušnjavo sv. Antona« na osrednjih vratih iz Lizbonski muzej. A takrat Bosch pokaže izjemno izostren, gol občutek za realnost (zlasti v prizorih na zunanjih vratih omenjenega oltarja). V Boschevih zrelih delih je svet brezmejen, vendar je njegova prostornost drugačna - manj hitra. Zrak se zdi bolj čist in vlažen. Tako je napisano »Janez na Patmosu«. Na hrbtni strani te slike, kjer so v krogu upodobljeni prizori Kristusovega mučeništva, so čudovite pokrajine: prozoren, čist, s širokimi rečnimi prostranstvi, visokim nebom in drugim - tragičnim in intenzivnim ("Križanje"). Bolj vztrajno pa Bosch misli na ljudi. Poskuša najti ustrezen izraz njihovega življenja. Zateče se k obliki velikega oltarja in ustvari nenavaden, fantazmagoričen grandiozen spektakel grešnega življenja ljudi - "Vrt užitkov".
Umetnikova zadnja dela nenavadno združujejo domišljijo in resničnost njegovih prejšnjih del, hkrati pa jih zaznamuje občutek žalostne sprave. Razpršeni so strdki zlobnih bitij, ki so se prej zmagoslavno širili po celotnem polju slike. Posamezni, majhni, se še vedno skrivajo pod drevesom, pojavijo se iz tihih rečnih tokov ali tečejo po zapuščenih travnatih gričih. Vendar so se zmanjšale in izgubile aktivnost. Ne napadajo več ljudi. In on (še vedno sveti Anton) sedi med njimi - bere, razmišlja ("Sveti Anton", Prado). Boscha ni zanimala misel o položaju ene osebe v svetu. Sveti Anton je v svojih prejšnjih delih brez obrambe, usmiljenja vreden, a ne osamljen – pravzaprav mu je odvzet tisti del samostojnosti, ki bi mu omogočal, da bi se počutil osamljenega. Zdaj se pokrajina navezuje specifično na eno osebo in v Boschevem delu se pojavi tema človekove osamljenosti v svetu. Umetnost 15. stoletja se konča z Boschem. Boschevo delo zaključuje to stopnjo čistih uvidov, nato intenzivnih iskanj in tragičnih razočaranj.
A trend, ki ga pooseblja njegova umetnost, ni bil edini. Nič manj simptomatičen ni drug trend, povezan z delom mojstra neizmerno manjšega obsega - Gerarda Davida. Umrl je pozno - leta 1523 (rojen okrog 1460). Toda tako kot Bosch je sklenil 15. stoletje. Že njegova zgodnja dela (»Oznanjenje«; Detroit) so prozaično realistična; dela s samega konca 1480-ih (dve sliki na temo sojenja Cambysesu; Brugge, muzej) razkrivajo tesno povezanost z Boutsom; boljše od drugih so skladbe lirične narave z razvitim, aktivnim pokrajinskim okoljem (»Počitek na letu v Egipt«; Washington, Narodna galerija). Toda nezmožnost mojstra, da bi presegel meje stoletja, je najbolj jasno vidna v njegovem triptihu s »Kristusovim krstom« (začetek 16. stoletja; Brugge, muzej). Zdi se, da je bližina in miniaturnost slike v neposrednem nasprotju z velikim obsegom slike. Resničnost v njegovi viziji je brez življenja, uhojena. Za intenzivnostjo barv ni niti duhovne napetosti niti občutka dragocenosti vesolja. Emajlni slog slike je hladen, samosvoj in brez čustvenega namena.
15. stoletje na Nizozemskem je bil čas velike umetnosti. Do konca stoletja se je izčrpala. Novo zgodovinske razmere, je prehod družbe na drugo stopnjo razvoja povzročil novo stopnjo v razvoju umetnosti. Izvira iz začetka 16. stoletja. Toda na Nizozemskem z izvirno kombinacijo posvetnega načela z religioznimi merili pri presoji življenjskih pojavov, značilnih za njihovo umetnost, ki izhaja iz van Eycksa, z nezmožnostjo zaznavanja človeka v njegovi samozadostni veličini, zunaj vprašanj duhovnega občestva s svetom ali z Bogom - na Nizozemskem je novo obdobje neizogibno moralo nastopiti šele po najmočnejši in najhujši krizi celotnega prejšnjega svetovnega nazora. Če je bila v Italiji visoka renesansa logična posledica umetnosti Quattrocenta, potem na Nizozemskem te povezave ni bilo. Še posebej boleč se je izkazal prehod v novo dobo, saj je v veliki meri pomenil zanikanje prejšnje umetnosti. V Italiji je prišlo do preloma s srednjeveško tradicijo že v 14. stoletju in umetnost italijanske renesanse je ohranila celovitost svojega razvoja skozi celotno renesanso. Na Nizozemskem je bila situacija drugačna. Uporaba srednjeveške dediščine v 15. stoletju je otežila uporabo uveljavljenih tradicij v 16. stoletju. Za nizozemske slikarje se je meja med 15. in 16. stoletjem izkazala za povezano s korenito spremembo njihovega pogleda na svet.
Nizozemska umetnost 16. stoletja
»Meščanski« barok v nizozemskem slikarstvuXVII V. – prikazovanje vsakdanjega življenja (P. de Hooch, Vermeer). Kalfova »razkošna« tihožitja. Skupinski portret in njegove značilnosti Halsa in Rembrandta. Rembrandtova interpretacija mitoloških in svetopisemskih prizorov.
Nizozemska umetnost 17. stoletja
V 17. stoletju Nizozemska je postala vzorčna kapitalistična država. Izvajala je obsežno kolonialno trgovino, imela je močno floto, ladjedelništvo pa je bilo ena vodilnih panog. Protestantizem (kalvinizem kot njegova najhujša oblika), ki je popolnoma izpodrinil vpliv katoliške cerkve, je privedel do tega, da duhovščina na Nizozemskem ni imela takega vpliva na umetnost kot v Flandriji, zlasti pa v Španiji ali Italiji. Na Nizozemskem cerkev ni igrala vloge naročnika umetniških del: cerkve niso bile okrašene z oltarnimi podobami, kajti kalvinizem je zavračal vsak kanček razkošja; Protestantske cerkve so bile preproste arhitekture in znotraj sploh niso bile okrašene.
Glavni dosežek nizozemske umetnosti 18. stoletja. - v štafelajnem slikarstvu. Človek in narava sta bila predmet opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. Domače slikarstvo postaja eden vodilnih žanrov, katerega ustvarjalci so v zgodovini prejeli ime "mali Nizozemci". Slikanje po evangelijih in svetopisemske zgodbe je tudi zastopana, vendar ne v tolikšni meri kot v drugih državah. Na Nizozemskem nikoli ni bilo povezav z Italijo in klasična umetnost ni imela takšne vloge kot v Flandriji.
Obvladovanje realističnih trendov, razvoj določenega obsega tem, diferenciacija žanrov kot en sam proces so se zaključili do 20. let 17. stoletja. Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov, Fransa Halsa (okoli 1580-1666). V 10-30 letih je Hals veliko delal v žanru skupinskih portretov. S platen teh let gledajo veseli, energični, podjetni ljudje, prepričani v svoje sposobnosti in v prihodnost ("Strelski ceh sv. Adrijana", 1627 in 1633;
»Stroški ceh sv. Jurij", 1627).
Halsove individualne portrete raziskovalci zaradi posebne specifičnosti podobe včasih imenujejo žanrski portreti. Hulsejev nedorečen slog, njegovo drzno pisanje, ko poteza čopiča oblikuje obliko in volumen ter prenaša barvo.
V portretih Halsa poznega obdobja (50-60) izginejo brezskrbna hrabrost, energija in intenzivnost v likih upodobljenih oseb. Toda prav v poznem obdobju ustvarjalnosti je Hals dosegel vrhunec mojstrstva in ustvaril najgloblja dela. Barvitost njegovih slik postane skoraj enobarvna. Dve leti pred smrtjo, leta 1664, se je Hals ponovno vrnil k skupinskemu portretu. Naslika dva portreta regentov in regentov doma za ostarele, v enega je ob koncu življenja našel zatočišče tudi sam. V portretu regentov ni čutiti duha tovarištva prejšnjih kompozicij, modeli so razklani, nemočni, imajo tope poglede, na njihovih obrazih je zapisano opustošenje.
Halsova umetnost je imela velik pomen za svoj čas, vplivala je na razvoj ne le portretov, temveč tudi vsakdanjih žanrov, krajin in tihožitij.
Posebno zanimiv je krajinski žanr Nizozemske v 17. stoletju. Nizozemsko upodabljata Jan van Goyen (1596-1656) in Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).
Razcvet krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino 17. stoletja. Največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruisdael (1628/29-1682).
pokrajine s slapovi (»Slap«) ali romantične pokrajine s pokopališčem (»Judovsko pokopališče«).
Ruisdaelova narava se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju.
Živalski žanr je tesno povezan z nizozemsko pokrajino. Najljubši motiv Alberta Cuypa so krave na napajališču (»Sončni zahod na reki«, »Krave na bregu potoka«).
Tihožitje doseže sijajen razvoj. Nizozemsko tihožitje je za razliko od flamskega tihožitja slika intimne narave, skromna po velikosti in motivih. Pieter Claes (ok. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) sta najpogosteje upodabljala tako imenovane zajtrke: jedi s šunko ali pito na razmeroma skromno postreženi mizi. Khedine "zajtrke" zamenjajo Kalfove razkošne "sladice". Preproste pripomočke zamenjajo marmorne mize, preproge, srebrni čaši, posode iz bisernih školjk in kristalni kozarci. Kalf dosega neverjetno virtuoznost pri podajanju teksture breskev, grozdja in kristalnih površin.
V 20-30-ih letih 17. stoletja. Nizozemci so ustvarili posebno vrsto male male figure. 40-60-a so bila razcvet slikarstva, ki je poveličevalo umirjeno meščansko življenje Nizozemske, izmerjen vsakdanji obstoj.
Adrian van Ostade (1610-1685) sprva prikazuje senčne plati kmečkega življenja (»Boj«).
Od 40. let prejšnjega stoletja so satirične note v njegovem delu vedno bolj nadomeščale humorne (»V vaški krčmi«, 1660).
Včasih so te majhne slike obarvane z velikim liričnim občutkom. Ostadejev "Slikar v ateljeju" (1663), v katerem umetnik poveličuje ustvarjalno delo, upravičeno velja za mojstrovino Ostadejevega slikarstva.
Toda glavna tema "malih Nizozemcev" še vedno ni kmečko življenje, temveč meščansko življenje. Običajno so to slike brez fascinantnega zapleta. Najbolj zabaven pripovedovalec v tovrstnih filmih je bil Jan Stan (1626-1679) ("Veselci", "Igra backgammon"). Še večje mojstrstvo je pri tem dosegel Gerard Terborch (1617-1681).
Notranjost "malega Nizozemca" postane še posebej poetična. Pravi pevec te teme je bil Pieter de Hooch (1629-1689). Njegove sobe z na pol odprtim oknom, s pomotoma odvrženimi čevlji ali zapuščeno metlo so pogosto upodobljene brez človeške figure.
Nova stopnja žanrskega slikarstva se začne v 50. letih in je povezana s tako imenovano delftsko šolo, z imeni umetnikov, kot so Carel Fabricius, Emmanuel de Witte in Jan Wermeer, v umetnostni zgodovini znan kot Wermeer iz Delfta (1632-1675). ). Zdi se, da Vermeerjeve slike nikakor niso izvirne. To so iste slike zamrznjenega meščanskega življenja: branje pisma, gospod in gospa, ki se pogovarjata, služkinje, ki opravljajo preprosta gospodinjska opravila, pogledi na Amsterdam ali Delft. Te slike so preproste v delovanju: "Dekle, ki bere pismo",
"Gospod in gospa pri spinetu"
"Oficir in smejoča deklica" itd. - so polni duhovne jasnosti, tišine in miru.
Glavne prednosti Vermeerja kot umetnika so v prenosu svetlobe in zraka. Raztapljanje predmetov v svetlobno-zračnem okolju, sposobnost ustvarjanja te iluzije je v prvi vrsti določilo prepoznavnost in slavo Vermeerja ravno v 19. stoletju.
Vermeer je naredil nekaj, česar v 17. stoletju ni nihče: slikal je pokrajine iz življenja (»Ulica«, »Pogled na Delft«).
Lahko jih imenujemo prvi primeri plenerističnega slikarstva.
Vrhunec nizozemskega realizma, rezultat slikarskih dosežkov nizozemske kulture v 17. stoletju, je delo Rembrandta. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) se je rodil v Leidnu. Leta 1632 je Rembrandt odšel v Amsterdam, središče umetniške kulture na Nizozemskem, kar je seveda pritegnilo mladi umetnik. Trideseta leta so bila čas njegove največje slave, pot do katere je slikarju odprla velika naročena slika iz leta 1632 - skupinski portret, znan tudi kot "Anatomija doktorja Tulpa" ali "Lekcija anatomije".
Leta 1634 se je Rembrandt poročil z dekletom iz bogate družine Saskio van Uylenborch. Začne se najsrečnejše obdobje njegovega življenja. Postane znan in moden umetnik.
Vse to obdobje je zavito v romantiko. Rembrandtov pogled na svet teh let je najbolj jasno predstavljen s slavnim "Avtoportretom s Saskio na kolenih" (okoli 1636). Celotno platno je prežeto z odkritim veseljem do življenja in veseljem.
Baročni jezik je najbližji izrazu visokega duha. In na Rembrandta v tem obdobju je močno vplival italijanski barok.
Liki na sliki iz leta 1635 »Abrahamova žrtev« se pred nami pojavljajo iz zapletenih zornih kotov. Kompozicija je izrazito dinamična, grajena po vseh pravilih baroka.
V istih tridesetih letih se je Rembrandt prvič začel resneje ukvarjati z grafiko, predvsem z jedkanico. Rembrandtove jedkanice so predvsem svetopisemske in evangeljske tematike, v svojih risbah pa se kot pravi nizozemski umetnik pogosto obrača h žanru. Na prelomu zgodnjega obdobja umetnikovega dela in njegove ustvarjalne zrelosti se pred nami pojavi ena njegovih najbolj znanih slik, znana kot "Nočna straža" (1642) - skupinski portret strelske čete kapitana Banninga Cocka.
Razširil je obseg žanra in predstavil bolj zgodovinsko sliko: na znak alarma se odred Banning Cocka odpravi na pohod. Nekateri so mirni in samozavestni, drugi vznemirjeni v pričakovanju prihajajočega, vsi pa nosijo izraz splošne energije, patriotskega navdušenja in zmagoslavja državljanskega duha.
Skupinski portret pod Rembrandtovim čopičem je prerasel v junaško podobo dobe in družbe.
Slika je bila že tako temna, da so jo imeli za upodobitev nočnega prizora, od tod tudi njeno napačno ime. Senca kapitanove postave na svetla oblačila poročnika dokazuje, da ni noč, ampak dan.
S smrtjo Saskije istega leta 1642 je prišlo do naravnega preloma Rembrandta z njemu tujimi patricijskimi krogi.
40. in 50. leta so čas ustvarjalne zrelosti. V tem obdobju se pogosto obrača na prejšnja dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo na primer z "Danae", ki ga je naslikal leta 1636. S tem, ko se je v 40. letih 20. stoletja obrnil na sliko, je umetnik okrepil svoje čustveno stanje.
Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo. Z novo potezo dvignjene roke Danae ji je prenesel veliko navdušenje, izraz veselja, upanja, privlačnosti.
V 40. in 50. letih je Rembrandtovo mojstrstvo vztrajno raslo. Za interpretacijo izbira najbolj lirične, poetične vidike človekovega bivanja, tiste človečnosti, ki je večna, vsečloveška: materinska ljubezen, sočutje. Sveto pismo mu daje največ materiala in iz njega - prizori življenja Svete družine Rembrandt prikazuje preprosto življenje, navadne ljudi, kot na sliki "Sveta družina".
Zadnjih 16 let je najbolj tragičnih let Rembrandtovega življenja; uničen je in nima ukazov. Toda ta leta so bila polna neverjetne ustvarjalne dejavnosti, zaradi katere so nastale slikovite podobe, izjemne po monumentalnem značaju in duhovnosti, globoko filozofska dela. Tudi majhna dela Rembrandta iz teh let ustvarjajo vtis izjemne veličine in prave monumentalnosti. Barva pridobi zvočnost in intenzivnost. Zdi se, kot da njegove barve izžarevajo svetlobo. Portreti poznega Rembrandta se zelo razlikujejo od portretov iz 30. in celo 40. let. Gre za skrajno enostavne (polčasovne ali generacijske) podobe ljudi, ki so umetniku po svoji notranji strukturi blizu. Rembrandt je največjo subtilnost karakterizacije dosegel v svojih avtoportretih, ki jih je do nas prišlo okoli sto. Zadnji del v zgodovini skupinskega portretiranja je bila Rembrandtova upodobitev starešin suknarske delavnice - tako imenovanih »Sindikov« (1662), kjer je Rembrandt s skromnimi sredstvi ustvaril žive in hkrati drugačne človeške tipe, a kar je najpomembneje, znal je prenesti občutek duhovne enotnosti, medsebojnega razumevanja in povezanosti med ljudmi.
V zrelih letih (predvsem v 50. letih) je Rembrandt ustvaril svoje najboljše jedkanice. Kot jedkalec mu v svetovni umetnosti ni para. Pri vseh imajo slike globoko filozofski pomen; pripovedujejo o skrivnostih bivanja, o tragiki človeškega življenja.
Veliko riše. Rembrandt je zapustil 2000 risb. Sem sodijo skice iz življenja, skice za slike in priprave za jedkanice.
V zadnji četrtini 17. stol. začne se zaton nizozemske slikarske šole, izguba njene nacionalne identitete in od zač. XVIII stoletja Prihaja konec velike dobe nizozemskega realizma.