Obrazi ljudi na večini umetnikovih slik so zatemnjeni ali obrnjeni na stran. To se naredi za izražanje čustev in omogočanje telesu, da »govori«. »Vedno sem poskušal svetu pokazati samo pozitivne trenutke v življenju. Upam, da moje delo gledalcu prinaša veselje, mir in udobje,« pravi Hanks.

Dežni akvarel Lin Ching Che

Nadarjena umetnica Lin Ching-Che je stara 27 let. Navdihuje ga jesenski dež. Oblačne mestne ulice v moškem ne vzbudijo melanholije in malodušja, ampak prej vzbudijo željo, da vzame v roke čopič. Lin Ching Che slika v akvarelu. S pisano vodo poveličuje deževno lepoto velemest.

Kipeča fantazija Arusha Votsmusha

Pod psevdonimom Arush Votsmush se skriva nadarjeni umetnik iz Sevastopola Alexander Shumtsov. Umetnik o svojih slikah pravi: »S svojimi deli nikomur ne poskušam ničesar dokazati. Najprej uživam. To je čista droga ustvarjalnosti. Ali čisto življenje – brez dopinga. Samo čudež."

Čar Pariza v delih Thierryja Duvala

V Parizu rojeni umetnik Thierry Duval je veliko potoval. Od tod tudi prisotnost celih serij slik, ki temeljijo na »geografskih značilnostih«. Kljub temu je Pariz bil in ostaja avtorjev najljubši kraj. Levji delež del je posvečen prav mestu zaljubljencev. Ima lastno tehniko plastenja akvarelov, ki mu omogoča ustvarjanje slik s skoraj hiperrealističnimi detajli.

Večerni mir Josepha Zbukvica

Danes na Hrvaškem rojeni Avstralec Joseph Zbukvic velja za enega od stebrov akvarelnega slikarstva po vsem svetu. Umetnik se je v akvarel zaljubil dobesedno od prve poteze, presenetila sta ga neukročena narava in individualnost te tehnike.

Skrivnosti vzhoda skozi oči Myo Vin Onga

Umetnik Myoe Win Aung je vse svoje delo posvetil rodni Burmi, njenemu vsakdanu in praznikom, laikom in menihom, krajem in mestom. Ta svet je miren, odet v nežne barve, skrivnosten in rahlo zamišljen, kot nasmeh Bude.

Neverjeten akvarel Joeja Francisa Dowdena

Angleški umetnik Joe Francis Dowden slika hiperrealistične akvarele. In verjame, da to zmore vsak, le poznati je treba skrivnosti tehnike. Skrivnost njegovega navdiha je izjemno preprosta: "Odvrzite učbenike o akvarelu in se izgubite v pravem gozdu."

Čarovnija baleta Liu Yija

Akvarele tega kitajskega umetnika zlahka imenujemo umetnost o umetnosti. Navsezadnje so njegova najljubša tema slike ljudi, ki so neposredno povezani z njim - na primer balerine ali klasični glasbeniki. Način njihove predstavitve na slikah je svojevrsten: zdi se, da ljudje izhajajo iz tanke meglice, čustveni in zelo značilni. Do neke mere odmevajo podobe balerin francoski umetnik Edgar Degas.

Solarna slika Abeja Toshiyukija

Abe Toshiyuki prejel likovna vzgoja 20 let je posvetil poučevanju in nikoli ni opustil svojih sanj, da bi postal umetnik. Leta 2008 je dokončno opustil pedagoški poklic in se popolnoma posvetil ustvarjalnemu samouresničevanju.

Podeželsko jutro Christiana Granjuja

Še vedno blogam različni umetniki in si pobliže ogledam gvaš, s katerim delajo ljudje. (Tudi jaz imam svojega, a je treba videti, kaj ljudje počnejo.) Ugotovil sem, da akvarel zame osebno ni primeren za plener. Potrebujem nekaj z večjo prekrivnostjo in hitrejšim sušenjem. In hkrati manj muhast. Zato se zdi, da je gvaš zdaj bolj optimalna možnost za plenersko delo, ko se svetlobni in vremenski pogoji zelo hitro spreminjajo in resnično ni udobja.

Za olje še nisem pripravljen, preveč težkih stvari moram nositi s seboj, tudi platna ali deske za delo, pa tudi posebno škatlo za skice, da se med transportom ne razmažejo. In zdaj, ko sem opremljen za delo z akvareli, pasteli in barvnimi svinčniki, se mi ramena kar odlepijo. Tako zelo, da po zadnjih nekaj potovanjih prejšnji mesec živim z Voltarenom. To ni nekakšen tip, če sploh kaj. To je mazilo za bolečine v mišicah in sklepih.

Moja najljubša plenerista sta trenutno James Gurney in Nathan Fowkes. Izkazalo se je, da sta oba ilustratorja, tako kot jaz, ki se po navdihu in napihovanju umetniških mišic odpravita na plenerizacijo ali rišeta iz življenja. Nisem jih posebej izbral po tem principu - tako se je zgodilo. James je znan po svoji »Dinotopiji« (mimogrede, nedavno je izšla njegova knjiga o risanju v ruščini »Color and Light«, v angleščini tukaj: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)) in Nathan je umetnik animator (od njega se lahko učite na www.schoolism.com). In res mi je všeč nepremišljenost in hitrost, s katero oba tovariša delata na plenerju z gvašem, da se celo konice prstov zbodejo - sam želim hiteti in kipariti z gvašem ali kazeinom.

Dela Jamesa Gurneyja od tukaj

Dela Nathana Fawkesa od tukaj

To so zdaj v bistvu moji junaki. V svojih delih bi rad prešel iz življenja od detajlnega cevovoda k svobodnejši potezi. Pa ne zato, ker sem nehal ljubiti tarnati nad podrobnostmi - to se ne bo zgodilo, obožujem jih. Ampak zato, ker bi rad videl po pleneru pripravljen ali skoraj končana dela, ki bi ga lahko uporabili za resnejše slike. Kajti zdaj, ko si obujam v spomin skice iz življenja in dokončam risbe – po spominu in po fotografijah – nimam več moči za večjo ponovitev.

Med iskanjem variant gvaša sem naletel na še enega nadarjenega ilustratorja, ki ga tu ne bom navezoval, ker mi vzbuja nekaj notranjih protislovij. Poleg tega sem pogosto naletel na dejstvo, da je neuporabno spraševati zahodne ilustratorje o materialih ali nekaterih podrobnostih dela. V 90% primerov preprosto ne odgovorijo in niso posebej osredotočeni na temo, kako točno delujejo. Zelo dobro razumem njihov položaj, a mislim, da je uf. Potem pa se je izkazalo, da je še več superlativ. Nadarjena ilustratorka, s katero se NE povezujem, zelo jasno odgovarja na vsa vprašanja o tehniki in uporabljenih materialih: "Prosim, pošljite mi e-pošto za nakup informacij." Sprva sem pomislil, da je preprosto narobe napisano, ko sem za seznamom uporabljenega materiala zagledal podpis pod enim od del. Ker so informacije o nakupu informacije o nakupu, nakup informacij pa je nakup informacij. Ampak ne. Oseba dejansko deli informacije le za denar. In še vedno ne razumem, kako se počutim glede tega.

Po eni strani ima prav. Tudi njemu ta podatek ni padel z neba. V svojo tehniko dela je vlagal čas in denar. Grozljivo je pomisliti, koliko denarja sem že porabil za iskanje materialov, ki mi najbolj ustrezajo. Tako je tudi z njim. Zakaj bi zdaj delil z nekom zastonj? Sama sem se velikokrat srečala s tem, da moj podrobne zgodbe ali premišljene teme in lekcije, ki so jih ljudje prejeli brezplačno, so bile uporabljene za celotne mojstrske tečaje, torej monetizirane in vse je šlo mimo mene v hranilnik nekoga drugega, vključno s prašičkom priznanj. Obstaja pa tudi nekaj takega, kot je ustvarjalna izmenjava. Brez tega ni normalnega razvoja. Obstaja samo stagnacija. Kaj pa, če so moji podatki, ki sem jih delil iz srca, pomagali nekemu zelo kul umetniku, da se postavi na noge?! Navsezadnje bi bil svet brez njega veliko bolj reven.

Še ena točka. Osebno nisem pripravljen osebi plačati za informacije, brez katerih bi zlahka zdržal (no, bom še pogledal, kaj je tam). Za mojstrski tečaj - da. In za en stavek, s kakšnim valjčkom nanaša barvo oziroma v kakšnih razmerjih jo redči - najverjetneje ne. Čeprav je to tudi plačilo za čas, porabljen za razlage! Kaj pa, če bi mi ta detajl pomagal bolj kot kateri koli mojstrski tečaj? Zelo kompleksna tema.

Kaj menite o tem? Ali umetniki delajo prav, ko monetizirajo vse svoje znanje? So super ali je to odvratno? Samo prosim, ne govorite mi o zlati sredini, da ga lahko delite brezplačno in hkrati pretvorite v bankovce z različnimi mojstrskimi tečaji in prodajo. O tem ni govora. Jasno je že, da lahko to storite na pameten način, kot. Kaj pa brezkompromisno: "Če želite kupiti te informacije, mi napišite e-pošto"?

Obrazi ljudi na večini umetnikovih slik so zatemnjeni ali obrnjeni na stran. To se naredi za izražanje čustev in omogočanje telesu, da »govori«. »Vedno sem poskušal svetu pokazati samo pozitivne trenutke v življenju. Upam, da moje delo gledalcu prinaša veselje, mir in udobje,« pravi Hanks.

Dežni akvarel Lin Ching Che

Nadarjena umetnica Lin Ching-Che je stara 27 let. Navdihuje ga jesenski dež. Oblačne mestne ulice v moškem ne vzbudijo melanholije in malodušja, ampak prej vzbudijo željo, da vzame v roke čopič. Lin Ching Che slika v akvarelu. S pisano vodo poveličuje deževno lepoto velemest.

Kipeča fantazija Arusha Votsmusha

Pod psevdonimom Arush Votsmush se skriva nadarjeni umetnik iz Sevastopola Alexander Shumtsov. Umetnik o svojih slikah pravi: »S svojimi deli nikomur ne poskušam ničesar dokazati. Najprej uživam. To je čista droga ustvarjalnosti. Ali čisto življenje – brez dopinga. Samo čudež."

Čar Pariza v delih Thierryja Duvala

V Parizu rojeni umetnik Thierry Duval je veliko potoval. Od tod tudi prisotnost celih serij slik, ki temeljijo na »geografskih značilnostih«. Kljub temu je Pariz bil in ostaja avtorjev najljubši kraj. Levji delež del je posvečen prav mestu zaljubljencev. Ima lastno tehniko plastenja akvarelov, ki mu omogoča ustvarjanje slik s skoraj hiperrealističnimi detajli.

Večerni mir Josepha Zbukvica

Danes na Hrvaškem rojeni Avstralec Joseph Zbukvic velja za enega od stebrov akvarelnega slikarstva po vsem svetu. Umetnik se je v akvarel zaljubil dobesedno od prve poteze, presenetila sta ga neukročena narava in individualnost te tehnike.

Skrivnosti vzhoda skozi oči Myo Vin Onga

Umetnik Myoe Win Aung je vse svoje delo posvetil rodni Burmi, njenemu vsakdanu in praznikom, laikom in menihom, krajem in mestom. Ta svet je miren, odet v nežne barve, skrivnosten in rahlo zamišljen, kot nasmeh Bude.

Neverjeten akvarel Joeja Francisa Dowdena

Angleški umetnik Joe Francis Dowden slika hiperrealistične akvarele. In verjame, da to zmore vsak, le poznati je treba skrivnosti tehnike. Skrivnost njegovega navdiha je izjemno preprosta: "Odvrzite učbenike o akvarelu in se izgubite v pravem gozdu."

Čarovnija baleta Liu Yija

Akvarele tega kitajskega umetnika zlahka imenujemo umetnost o umetnosti. Navsezadnje so njegova najljubša tema podobe ljudi, ki so neposredno povezani z njim - na primer balerine ali klasični glasbeniki. Način njihove predstavitve na slikah je svojevrsten: zdi se, da ljudje izhajajo iz tanke meglice, čustveni in zelo značilni. Do neke mere odmevajo podobe balerin francoskega umetnika Edgarja Degasa.

Solarna slika Abeja Toshiyukija

Abe Toshiyuki ( Abe Toshiyuki) je pridobil umetniško izobrazbo in 20 let posvetil poučevanju, pri čemer nikoli ni opustil svojih sanj, da bi postal umetnik. Leta 2008 je dokončno opustil pedagoški poklic in se popolnoma posvetil ustvarjalnemu samouresničevanju.

Podeželsko jutro Christiana Granjuja

Francoz Christian Granu (

Voroneška umetnica Olga Bražnikova je znana po svojih svetlih, sončnih delih, narejenih v gvašu. Pot do umetnosti zanjo ni bila lahka; opustila je delo oblikovalke, vstopila je v Voroneško umetniško šolo, letos pa je diplomirala na Pedagoški univerzi z diplomo iz " likovna umetnost" Olga dela predvsem z gvašem in ruši stereotipe, povezane s tem materialom. Umetnica je za Umbra Media pokazala svoj domači studio in povedala, kako ji je ustvarjalnost spremenila življenje.

O študiju
"Pobegni z dela v tovarni"

- Kdaj ste spoznali, da želite postati umetnik?

Vedno sem rad risal, a v zavesti mojih staršev (mama je delala kot računovodkinja, oče še vedno dela v tovarni letal) umetnik ni resen poklic. Zato sem moral na letalsko fakulteto. Ne razumem, kako mi je uspelo dokončati. Pomagala mi je sposobnost dobrega risanja, naredil sem stenske časopise za teste. Ko se je študij končal, sem ugotovil, da nikoli ne bom šel v tovarno. In odšel zvečer umetniška šola da imam vsaj nekaj za svojo dušo. Učitelj mi je predlagal, da vstopim v Voroneško umetniško šolo.

- Kako so vaši starši dojeli, da želite postati umetnik?

Niso verjeli, da bom to naredil. Bila je smešna zgodba. Oče je rekel, da pozna človeka, ki zna s palico v pesek narisati portret Lenina! In če tega ne zmorem, potem nisem umetnik. Kljub vsemu sem se pripravljal na sprejem, hodil na tečaje 2-3 mesece in se ločeno učil risanja z učiteljem. In ko sem vstopil, so me starši podpirali in bili veseli. In šele kasneje, ko so moja dela začela razstavljati, so verjeli vame. Po fakulteti sem končal v obrambnem podjetju, kjer še vedno delam kot oblikovalec. Imel sem precej dolg premor - sedem let, potem pa sem se odločil, da se vrnem k slikanju in ustvarjalnosti. Leta 2013 je vstopila na Voroneško državno pedagoško univerzo, kjer je letos diplomirala.

O materialih
"Malo ljudi verjame, da so moje slike naslikane v gvašu"

- Zakaj ste izbrali gvaš, kaj vas pri tem materialu zanima?

Za gvaš sem se začel zanimati na pedagoškem inštitutu. Prej sem to dojemal bolj kot prehodno stopnjo na olje. Toda zdaj je to moj najljubši material. Hitro se suši, je brez vonja, daje teksturirane poteze in svetle barve. Slikam impasto, gvaša ne redčim z vodo. Ponavadi rišem na debel papir. Olje seveda ni tako priročno za delo v stanovanju. Še posebej glede na to, da moja mačka nenehno poskuša priti v kakšen kozarec. Nekoč sem slikal v olju, me je za nekaj časa zamotilo, ona pa je že zašla modra barva in odtisi leve tačke po celem stanovanju. Potem sva cel večer drgnila te sledi.

- Kaj menite o dejstvu, da se gvaš pogosto imenuje "otroški" material?

Mislim, da je to stereotip in predsodek. Po besedah ​​kolegov sem se razvil v gvašu svoj stil. Ko objavljam svoja dela na internetu, veliko ljudi piše, kako so presenečeni, da so slike naslikane v gvašu in ne v olju. Gvaš - št otroška ustvarjalnost, ampak spodoben material. Zdi se mi, da je mogoče iz katerega koli materiala ustvariti mojstrovine, material tu ne igra primarne vloge.

- Kaj vas navdihuje?

Obožujem mestne krajine. Hiše, ki so živele in imajo svojo zgodovino, me fascinirajo. Ponavadi se sprehajam po mestu, snemam zgodbe, potem pa pišem doma. Všeč mi je izgred barv in teksturiranih potez. In od sodobnih umetnikov Zelo me navdihujejo akvareli Arusha Votsmusha.

- V kakšnem vzdušju najraje delate - v tišini ali ob glasbi?

Ko pišem, poslušam predvsem dobri stari rock. Nekatere izmed mojih najljubših skupin so Aquarium in The Doors

Splošno razširjeno je prepričanje, da akademska izobrazba »ubija« umetnikovo individualnost. Kaj menite o tem?

Mislim, da je umetnostna vzgoja pomembnejša kot kdaj koli prej. Ko gledate iste video lekcije prek interneta, niste udeleženec v procesu, vendar je to nujno. Mislim, da akademska izobrazba pomaga pri pridobivanju risarskih veščin. Študiral sem pri Aleksandru Starilovu, bil je vsestranski umetnik, arhitekt, inovator. Verjel je, da morate imeti klasično izobrazbo in potem iskati svoj slog; isti primitivizem se ne rodi iz nič. In strinjam se z njim.

O izvedbi
"Umetnik je več kot poklic"

- Kako vam uspe združevati delo oblikovalca, ustvarjalnost in družino?

Težko je, pišem večinoma ob vikendih. In hči je že odrasla, ni vam treba biti ves čas z njo, že ima veliko svojih interesov. V obdobju, ko nisem risala, sem imela ves čas občutek, da mi to manjka. Zdaj slikanja ne nameravam opustiti, rada sem ustvarjalna in iščem. Biti umetnik je zame smisel življenja in več kot poklic. Ustvarjanje slike je zame nekakšna skrivnost, čeprav s tehničnega vidika skrivnosti seveda ni. Toda proces je vedno zanimiv - sprašujem se, kaj se bo na koncu izcimilo.

- Kakšni so vaši načrti v bližnji prihodnosti? Bi radi imeli svojo delavnico?

Zelo si želim sodelovati na razstavah, ne pa se izolirati v svoj prostor. Upam, da bom kmalu lahko imel osebno razstavo v umetniška šola. In delavnica je morda le še stvar daljne prihodnosti. Zaenkrat vsa moja dela sodijo v stanovanje. Pred kratkim smo zaključili prenovo. Stene so bile posebej pobarvane v belo, da so lahko obesili slike. Delovni prostor sem organiziral tako, da je bilo okoli zraka in veliko svetlobe. Zaenkrat se še ni prerasel z najrazličnejšimi zanimivimi predmeti in detajli, a mislim, da to ne bo dolgo trajalo.

V vročem podeželskem poletju ali v dolgotrajnem snežnem metežu. Ne da bi šli od doma, lahko najdete navdih v navadnem sadju oz nenavadne barve. Subjekt ne poskuša obrniti glave, kot na portretu, in ne spremeni sence v svetlobo vsako sekundo, kot v pokrajini. To je tisto, kar je dobro pri žanru tihožitja. In "mrtva narava" v prevodu iz francoščine ali " mirno življenje stvari« v nizozemski različici resnično poživi notranjost. Natalija Letnikova predstavlja 7 najboljših tihožitij ruskih umetnikov.

"Gozdne vijolice in pozabke"

Gozdne vijolice in pozabke

Slika Isaaca Levitana je kot modro nebo in bel oblak - od pevca ruske narave. Samo na platnu niso domači odprti prostori, ampak šopek divjih rož. Regrat, šmarnica, koruznica, smilj, praprot in azaleja ... Za gozdom se je umetnikova delavnica spremenila v »ali rastlinjak ali cvetličarno«. Levitan je ljubil cvetlična tihožitja in je svoje učence učil videti tako barvo kot socvetja: "Ne smejo dišati po barvah, ampak po rožah."

"Jabolka in listi"

Jabolka in listi

Dela Ilya Repina organsko postavljajo briljantno postavitev Ruskega muzeja. Potujoči umetnik je zložil skladbo za svojega učenca Valentina Serova. Izkazalo se je tako slikovito, da je učitelj sam prijel za čopič. Šest jabolk z navadnega vrta - zmečkanih in s "sodi" ter kup raztrganega listja jesenske barve, kot vir navdiha.

»Šopek rož. floksi"

Šopek rož. Phloxes

Slikarstvo Ivana Kramskoja. "Nadarjena oseba ne bo izgubljala časa z upodabljanjem, recimo, bazenov, rib itd. Dobro je, da to počnemo za ljudi, ki že imajo vse, vendar moramo še veliko narediti," je Kramskoj pisal Vasnecovu. In vendar žanr tihožitja na koncu življenja slavni portretist ni prezrl. Šopek floksov v stekleni vazi je bil predstavljen na XII potujoča razstava. Slika je bila odkupljena pred otvoritvijo.

"Tihožitje"

Tihožitje

Kazimir Malevič na poti do »črnega kvadrata« skozi impresionizem in kubizem, mimo realizma. Skleda sadja je plod ustvarjalnih iskanj, tudi znotraj iste slike: debele črne črte francoske tehnike cloisonné, ploščate posode in voluminozno sadje. Vse sestavine slike združuje le barva. Značilnost umetnika - svetla in bogata. Kot izziv pastelne barve resnično življenje.

"Sled in limona"

Sled in limona

Štirje otroci in slikanje. Ta kombinacija v življenju umetnika nezmotljivo narekuje žanr. To se je zgodilo z Zinaido Serebryakovo. Številni družinski portreti in tihožitja, iz katerih lahko sestavite jedilnik: »Košara s sadjem«, »Šparglji in jagode«, »Grozdje«, »Ribe na zelenici« ... V rokah pravega mojstra »sled in limona« ” bo postala umetnina. Poezija in preprostost: spiralna limonina lupina in riba brez kakršnih koli dodatkov.

"Tihožitje s samovarjem"

Tihožitje s samovarjem

Študent Serova, Korovina in Vasnetsova, "Jack of Diamonds" - Ilya Mashkov je rad upodabljal svet okoli nas, ja svetlejši. Porcelanaste figurice in begonije, buče ... Meso, divjačina - v duhu starih mojstrov in moskovski kruh - skice s smolenske tržnice prestolnice. In kje bi bili po ruski tradiciji brez samovarja? Tihožitje s področja prazničnega življenja s sadjem in svetlimi jedmi dopolnjuje lobanja - opomin na krhkost življenja.

"Študij z medaljami"

Študij z medaljami

Tihožitje v sovjetskem slogu. Umetnik 20. stoletja Anatolij Nikič-Kriličevski je na eni sliki prikazal celotno življenje prve sovjetske svetovne prvakinje v hitrostnem drsanju Marije Isakove. S pokali, za vsakim od katerih so leta treniranja; medalje, ki so bile osvojene v ogorčenem boju; črke in ogromni šopki. Lepa slika za umetnika in umetniška kronika športnih uspehov. Zgodba o tihožitju.

GVAŠ

Prevedeno iz francoska beseda"gvaš" pomeni "vodna barva". Gvaš barve imajo veliko prekrivnost in so neprozorne, vendar jih je mogoče redčiti z vodo (glej Barve).

S tehniko gvaša umetniki slikajo na papir, karton, vezan les in gosto svilo. Dela imajo mat, žametno površino. Toda pri uporabi gvaša se pojavijo lastne težave - barve po sušenju hitro posvetlijo. Za predvidevanje stopnje spremembe tona in barve so potrebne precejšnje izkušnje.

Gvaš je bil splošno znan že v srednjem veku, ko so z njim ustvarjali knjižne miniature(običajno v kombinaciji z akvareli) v mnogih državah Azije in Evrope ter v renesansi - skice, kartoni, portretne miniature. V Rusiji je tehnika gvaša v umetnosti dosegla visoko stopnjo razvoja. konec XIX- začetek 20. stoletja Umetniki V. A. Serov, A. Ya Golovin, S. V. Ivanov so slikali velike štafelajna dela, ki mojstrsko uporablja svojo gosto barvo za doseganje impresivnih dekorativnih učinkov.

Znani umetniki uporabljajo tehniko gvaša na različne načine. Tako je bila slika "Sejem" B. M. Kustodieva naslikana v okvirju, na dekorativni način. Slikar je prikazal pisana oblačila ljudi in zgradb nasploh, predvsem vrste šotorov, strehe in za njimi temen pas gozda.

B. M. Kustodiev. pošteno
1908. Papir, gvaš.

B. M. Kustodiev. pošteno
1908. Papir, gvaš.

Izjemen mojster gvaša je bil A. S. Stepanov, znan po svojih delih, posvečenih pokrajinam in živalim. Eno njegovih najboljših del je "Volkovi". Plenilci, lačni in previdni, so presenetljivo živo napisani. Bleden mesečina, nebo je skrivnostno razsvetljeno. Srebrno-modra barvna shema ustvarja občutek nočnega mraza.

Umetniki iz društva Svet umetnosti so se pogosto zatekali k tehniki gvaša. Gvaš so pogosto kombinirali z drugimi materiali. Na primer, v delu "Kraljeva pot" A. N. Benois je poleg gvaša uporabil akvarel, zlato in srebro. Uporaba dveh najnovejši materiali je sliki dal pomp, tako značilen za takratne prebivalce Versaillesa.

A. N. Benois. Kraljevi sprehod

A. N. Benois. Kraljevi sprehod
1906. Papir na lepenki, gvaš, akvarel,
bronasta barva, srebrna barva,
grafitni svinčnik, pero, čopič
Državna galerija Tretyakov

Zelo pogosto so plakati in skice narejeni v gvašu. gledališke kulise, dekorativno oblikovalska dela.

Kako delati z gvašem

Za delo z gvašem je najbolje uporabiti porcelanasto ali plastično paleto z luknjami za barve ob robovih ali le majhno, ravno belo ploščo (30x40 cm). Krtače so okrogle in ploščate (glej Ščetke). Pri delu na okrasnih panojih, plakatih in sloganih lahko uporabite čopiče s ščetinami. Tukaj pa boste potrebovali tudi plakatno perje ali palice, nabrušene v obliki lopatice. In ko delate na veliki površini, uporabite ravno krtačo - krtačo z ravnimi ščetinami. Večkrat pokrijte površino z gvašem, ne da bi čakali, da se barva posuši. Če obstajajo neravnine, poravnajte celotno ravnino z vlažno žlico. Najprej zaporedno narišite črte od leve proti desni vodoravno in nato čez premaz. Ne nanašajte predebelega sloja barve: zlahka bo razpokala in se drobila. Gvaš se pri sobni temperaturi suši eno uro.

Bolje je delati na tablici, lahko pa uporabite tudi radirko - ploščo iz vezanega lesa z zunanjim okvirjem, ki stisne robove papirja, ali z dvema okvirjema, vstavljenima drug v drugega.

Barvajte z gvašem na bel risalni papir, ovojni papir ali siv karton. Če želite papir enakomerno raztegniti na tablico, jo položite tako, da so njegovi robovi na vsaki strani 2-4 cm večji od tablice. Nato obe strani papirja zmočite z gobo, dokler ni ravno. Po tem posušite papir z vato, robove tablice pa namažite z moko ali dekstrinom. Začnite lepiti od sredine tablice in enakomerno vlecite v vse smeri. Zavarujte vogale z gumbi. Končano tablico za sušenje položite vodoravno na ravno mesto s papirnato stranjo navzgor. Vaš material za delo z barvami gvaša je pripravljen.

Veličastno in raznoliko rusko slikarstvo vedno navdušuje gledalce s svojo nestalnostjo in popolnostjo umetniške oblike. To je značilnost del znanih likovnih mojstrov. Vedno znova so nas presenetili s svojim izjemnim pristopom k delu, spoštljivim odnosom do čustev in čustev vsakega človeka. Morda so zato ruski umetniki tako pogosto upodabljali portretne kompozicije, ki so živo združevale čustvene podobe in epsko umirjene motive. Ni čudno, da je Maxim Gorky nekoč rekel, da je umetnik srce svoje države, glas celega obdobja. Res, veličastne in elegantne slike ruskih umetnikov živo izražajo navdih svojega časa. Kot aspiracije slavni avtor Antona Čehova so si mnogi prizadevali v ruske slike vnesti edinstven okus svojega naroda, pa tudi neugasljive sanje o lepoti. Težko je podcenjevati izjemne slike teh mojstrov veličastna umetnost, saj so se pod njihovim čopičem rojevala zares izjemna dela različnih žanrov. Akademsko slikarstvo, portret, zgodovinska slika, krajine, dela romantike, modernizma ali simbolizma - vsa še vedno prinašajo veselje in navdih svojim gledalcem. Vsak najde v njih nekaj več kot pisane barve, graciozne linije in neponovljive zvrsti svetovne umetnosti. Morda je tako obilje oblik in podob, s katerimi preseneča rusko slikarstvo, povezano z ogromnim potencialom sveta, ki ga obdajajo umetniki. Levitan je tudi rekel, da vsaka nota bujne narave vsebuje veličastno in izjemno paleto barv. S takim začetkom se za umetnikov čopič odpre veličastno prostranstvo. Zato se vse ruske slike odlikujejo po izjemni resnosti in privlačni lepoti, ki se ji je tako težko odtrgati.

Rusko slikarstvo se upravičeno razlikuje od svetovnega umetniške umetnosti. Dejstvo je, da je do 17. domače slikarstvo je bilo povezano izključno z versko tematiko. Razmere so se spremenile s prihodom na oblast reformatorskega carja Petra Velikega. Zahvaljujoč njegovim reformam so se začeli ukvarjati ruski mojstri posvetno slikarstvo, je prišlo do ločitve ikonopisja kot posebne smeri. Sedemnajsto stoletje je čas umetnikov, kot sta Simon Ushakov in Joseph Vladimirov. Nato v ruščini svet umetnosti portret se je rodil in hitro postal priljubljen. V osemnajstem stoletju so se pojavili prvi umetniki, ki so se preselili iz portretno slikarstvo do pokrajine. Opazna je umetnikova izrazita naklonjenost zimskim panoramam. Osemnajsto stoletje je ostalo v spominu tudi po pojavu vsakdanjega slikarstva. V devetnajstem stoletju so v Rusiji pridobila popularnost tri gibanja: romantika, realizem in klasicizem. Kot prej so se ruski umetniki še naprej obračali k portretnemu žanru. Takrat so se pojavili svetovno znani portreti in avtoportreti O. Kiprenskega in V. Tropinina. V drugi polovici devetnajstega stoletja so umetniki vedno bolj upodabljali navadne ruske ljudi v zatiranem stanju. Realizem postane osrednje gibanje slikarstva tega obdobja. Takrat so se pojavili potujoči umetniki, ki so upodabljali le resnično, resnično življenje. No, dvajseto stoletje je seveda avantgarda. Takratni umetniki so pomembno vplivali tako na svoje privržence v Rusiji kot po svetu. Njihove slike so postale predhodnice abstraktne umetnosti. Rusko slikarstvo je ogromno čudovit svet nadarjeni umetniki ki so s svojimi stvaritvami slavili Rusijo

Voroneška umetnica Olga Bražnikova je znana po svojih svetlih, sončnih delih, narejenih v gvašu. Pot do umetnosti zanjo ni bila lahka; opustila je delo oblikovalke, vstopila je na Voroneško umetniško šolo, letos pa je diplomirala na Pedagoški univerzi iz likovne umetnosti. Olga dela predvsem z gvašem in ruši stereotipe, povezane s tem materialom. Umetnica je za Umbra Media pokazala svoj domači studio in povedala, kako ji je ustvarjalnost spremenila življenje.

O študiju
"Pobegni z dela v tovarni"

— Kdaj ste ugotovili, da želite postati umetnik?

— Vedno sem rad risal, a po mnenju mojih staršev (mama je delala kot računovodkinja, oče še vedno dela v tovarni letal) biti umetnik ni resen poklic. Zato sem moral na letalsko fakulteto. Ne razumem, kako mi je uspelo dokončati. Pomagala mi je sposobnost dobrega risanja, naredil sem stenske časopise za teste. Ko se je študij končal, sem ugotovil, da nikoli ne bom šel v tovarno. In hodila sem v večerno likovno šolo, da bi imela vsaj nekaj za svojo dušo. Učitelj mi je predlagal, da vstopim v Voroneško umetniško šolo.

— Kako so vaši starši razumeli, da želite postati umetnik?

"Niso verjeli, da bom to storil." Bila je smešna zgodba. Oče je rekel, da pozna človeka, ki zna s palico v pesek narisati portret Lenina! In če tega ne zmorem, potem nisem umetnik. Kljub vsemu sem se pripravljal na sprejem, hodil na tečaje 2-3 mesece in se ločeno učil risanja z učiteljem. In ko sem vstopil, so me starši podpirali in bili veseli. In šele kasneje, ko so moja dela začela razstavljati, so verjeli vame. Po fakulteti sem končal v obrambnem podjetju, kjer še vedno delam kot oblikovalec. Imel sem precej dolg premor - sedem let, potem pa sem se odločil, da se vrnem k slikanju in ustvarjalnosti. Leta 2013 je vstopila na Voroneško državno pedagoško univerzo, kjer je letos diplomirala.

O materialih
"Malo ljudi verjame, da so moje slike naslikane v gvašu"

— Zakaj ste izbrali gvaš, kaj vas pri tem materialu zanima?

— Na pedagoškem inštitutu sem se začel zanimati za gvaš. Prej sem to dojemal bolj kot prehodno stopnjo na olje. Toda zdaj je to moj najljubši material. Hitro se suši, je brez vonja, daje teksturirane poteze in svetle barve. Slikam impasto, gvaša ne redčim z vodo. Ponavadi rišem na debel papir. Olje seveda ni tako priročno za delo v stanovanju. Še posebej glede na to, da moja mačka nenehno poskuša priti v kakšen kozarec. Ko sem slikal v olju, me je nekaj časa zamotilo, ona pa je že zašla v modro barvo in pustila odtise tačk po celem stanovanju. Potem sva cel večer drgnila te sledi.

— Kaj menite o dejstvu, da se gvaš pogosto imenuje "otroški" material?

— Zdi se mi, da je to stereotip in predsodek. Prav v gvašu sem po besedah ​​kolegov razvila svoj slog. Ko objavljam svoja dela na internetu, veliko ljudi piše, kako so presenečeni, da so slike naslikane v gvašu in ne v olju. Gvaš ni otroška ustvarjalnost, ampak vreden material. Zdi se mi, da je mogoče iz katerega koli materiala ustvariti mojstrovine, material tu ne igra primarne vloge.

— Kaj vas navdihuje?

— Rad imam mestne krajine. Hiše, ki so živele in imajo svojo zgodovino, me fascinirajo. Ponavadi se sprehajam po mestu, snemam zgodbe, potem pa pišem doma. Všeč mi je izgred barv in teksturiranih potez. In med sodobnimi umetniki me zelo navdihujejo akvareli Arusha Votsmusha.

— V kakšnem vzdušju najraje delate – v tišini ali ob glasbi?

— Ko pišem, največkrat poslušam dobri stari rock. Nekatere izmed mojih najljubših skupin so Aquarium in The Doors

— Prevladuje mnenje, da akademska izobrazba »ubija« umetnikovo individualnost. Kaj menite o tem?

— Zdi se mi, da je izobraževanje na umetniškem področju zdaj pomembnejše kot kdaj koli prej. Ko gledate iste video lekcije prek interneta, niste udeleženec v procesu, vendar je to nujno. Mislim, da akademska izobrazba pomaga pri pridobivanju risarskih veščin. Študiral sem pri Aleksandru Starilovu, bil je vsestranski umetnik, arhitekt, inovator. Verjel je, da morate imeti klasično izobrazbo in potem iskati svoj slog; isti primitivizem se ne rodi iz nič. In strinjam se z njim.

O izvedbi
"Umetnik je več kot poklic"

— Kako vam uspe združiti delo oblikovalca, ustvarjalnost in družino?

— Težko je, pišem večinoma ob vikendih. In hči je že odrasla, ni vam treba biti ves čas z njo, že ima veliko svojih interesov. V obdobju, ko nisem risala, sem imela ves čas občutek, da mi to manjka. Zdaj slikanja ne nameravam opustiti, rada sem ustvarjalna in iščem. Biti umetnik je zame smisel življenja in več kot poklic. Ustvarjanje slike je zame nekakšna skrivnost, čeprav s tehničnega vidika skrivnosti seveda ni. Toda proces je vedno zanimiv - sprašujem se, kaj se bo na koncu izcimilo.

— Kakšni so vaši načrti v bližnji prihodnosti? Bi radi imeli svojo delavnico?

— Zelo si želim sodelovati na razstavah in ne biti omejen na svoj prostor. Upam, da bom kmalu lahko imel osebno razstavo v likovni šoli. In delavnica je morda le še stvar daljne prihodnosti. Zaenkrat vsa moja dela sodijo v stanovanje. Pred kratkim smo zaključili prenovo. Stene so bile posebej pobarvane v belo, da so lahko obesili slike. Delovni prostor sem organiziral tako, da je bilo okoli zraka in veliko svetlobe. Zaenkrat se še ni prerasel z najrazličnejšimi zanimivimi predmeti in detajli, a mislim, da to ne bo dolgo trajalo.

Še vedno obiskujem bloge različnih umetnikov in si pobližje ogledam gvaše, s katerimi ljudje delajo. (Tudi jaz imam svojega, a je treba videti, kaj ljudje počnejo.) Ugotovil sem, da akvarel zame osebno ni primeren za plener. Potrebujem nekaj z večjo prekrivnostjo in hitrejšim sušenjem. In hkrati manj muhast. Zato se zdi, da je gvaš zdaj bolj optimalna možnost za plenersko delo, ko se svetlobni in vremenski pogoji zelo hitro spreminjajo in resnično ni udobja.

Za olje še nisem pripravljen, s seboj moram nositi preveč težkih stvari, tudi platna ali deske za delo, pa tudi posebno škatlo za skice, da se med transportom ne razmažejo. In zdaj, ko sem opremljen za delo z akvareli, pasteli in barvnimi svinčniki, se mi ramena kar odlepijo. Tako zelo, da po zadnjih nekaj potovanjih prejšnji mesec živim z Voltarenom. To ni nekakšen tip, če sploh kaj. To je mazilo za bolečine v mišicah in sklepih.

Moja najljubša plenerista sta trenutno James Gurney in Nathan Fowkes. Izkazalo se je, da sta oba ilustratorja, tako kot jaz, ki se po navdihu in napihovanju umetniških mišic odpravita na plenerizacijo ali rišeta iz življenja. Nisem jih posebej izbral po tem principu - tako se je zgodilo. James je znan po svoji »Dinotopiji« (mimogrede, nedavno je izšla njegova knjiga o risanju v ruščini »Color and Light«, v angleščini tukaj: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)) in Nathan je umetnik animator (od njega se lahko učite na www.schoolism.com). In res mi je všeč nepremišljenost in hitrost, s katero oba tovariša delata na plenerju z gvašem, da se celo konice prstov zbodejo - sam želim hiteti in kipariti z gvašem ali kazeinom.

Dela Jamesa Gurneyja od tukaj

Dela Nathana Fawkesa od tukaj

To so zdaj v bistvu moji junaki. V svojih delih bi rad prešel iz življenja od detajlnega cevovoda k svobodnejši potezi. Pa ne zato, ker sem nehal ljubiti tarnati nad podrobnostmi - to se ne bo zgodilo, obožujem jih. Ampak zato, ker bi po plenerizmu rad videl dokončana ali skoraj dokončana dela, ki bi jih lahko uporabili za resnejše slike. Kajti zdaj, ko si obujam v spomin skice iz življenja in dokončam risbe – po spominu in po fotografijah – nimam več moči za večjo ponovitev.

Med iskanjem variant gvaša sem naletel na še enega nadarjenega ilustratorja, ki ga tu ne bom navezoval, ker mi vzbuja nekaj notranjih protislovij. Poleg tega sem pogosto naletel na dejstvo, da je neuporabno spraševati zahodne ilustratorje o materialih ali nekaterih podrobnostih dela. V 90% primerov preprosto ne odgovorijo in niso posebej osredotočeni na temo, kako točno delujejo. Popolnoma razumem njihovo stališče, vendar mislim, da je uf. Potem pa se je izkazalo, da obstaja še bolj presežna diploma. Nadarjena ilustratorka, s katero se NE povezujem, zelo jasno odgovarja na vsa vprašanja o tehniki in uporabljenih materialih: "Prosim, pošljite mi e-pošto za nakup informacij." Sprva sem pomislil, da je preprosto narobe napisano, ko sem za seznamom uporabljenega materiala zagledal podpis pod enim od del. Ker so informacije o nakupu informacije o nakupu, nakup informacij pa je nakup informacij. Ampak ne. Oseba dejansko deli informacije le za denar. In še vedno ne razumem, kako se počutim glede tega.

Po eni strani ima prav. Tudi njemu ta podatek ni padel z neba. V svojo tehniko dela je vlagal čas in denar. Grozljivo je pomisliti, koliko denarja sem že porabil za iskanje materialov, ki mi najbolj ustrezajo. Tako je tudi z njim. Zakaj bi zdaj delil z nekom zastonj? Sam sem se velikokrat srečal s tem, da so moje podrobne zgodbe ali premišljene teme in lekcije, ki so jih ljudje prejeli brezplačno, uporabili za celotne mojstrske tečaje, torej monetizirali in vse je šlo mimo mene v hranilnik nekoga drugega, vključno s priznanjem iz hranilnice. Obstaja pa tudi nekaj takega, kot je ustvarjalna izmenjava. Brez tega ni normalnega razvoja. Obstaja samo stagnacija. Kaj pa, če so moji podatki, ki sem jih delil iz srca, pomagali nekemu zelo kul umetniku, da se postavi na noge?! Navsezadnje bi bil svet brez njega veliko bolj reven.

Še ena točka. Osebno nisem pripravljen osebi plačati za informacije, brez katerih bi zlahka zdržal (no, bom še pogledal, kaj je tam). Za mojstrski razred - da. In za en stavek, s kakšnim valjčkom nanaša barvo oziroma v kakšnih razmerjih jo redči - najverjetneje ne. Čeprav je to tudi plačilo za čas, porabljen za razlage! Kaj pa, če bi mi ta detajl pomagal bolj kot kateri koli mojstrski tečaj? Zelo kompleksna tema.

Kaj menite o tem? Ali umetniki delajo prav, ko monetizirajo vse svoje znanje? So super ali je to odvratno? Samo prosim, ne govorite mi o zlati sredini, da ga lahko delite brezplačno in hkrati pretvorite v bankovce z različnimi mojstrskimi tečaji in prodajo. O tem ni govora. Jasno je že, da lahko to storite na pameten način, kot. Kaj pa brezkompromisno: "Če želite kupiti te informacije, mi napišite e-pošto"?