Anglais célèbre Artistes - Célèbres Artistes anglais
William Hogarth (1697-1764) a été le premier homme à élever (1) Britanique art pictural (2)à un niveau d'importance. Il est né à Londres. Son père était maître d'école. Son début goût pour le dessin (3)était remarquable et après une scolarité normale pour sa journée, il a été apprenti (4)à une assiette d'argent graveur (5).
Il attribuait son succès au dur labeur : « Je ne connais rien de tel que le génie », écrit-il - « le génie est rien que (6) le travail et diligence (7)’.
Hogarth a peint de nombreux tableaux. Le contrat de mariage est le premier de la série de ses tableaux formant le célèbre « mariage à la mode » (8). Les deux pères sur la photo sont assis à droite. L'un, un comte, est fier de son arbre généalogique ; l'autre, probablement un échevin de la ville de Londres, examine le règlement du mariage. Le fils du comte s’admire dans le miroir ; la fille de l’échevin joue avec son alliance et écoute les plaisanteries d’un jeune avocat.
Le sujet de la photo est une protestation contre le mariage pour de l'argent et vanité (9). Hogarth fut le premier grand artiste anglais.
Sir Joshua Reynolds (1723-1792), premier président de la Royal Academy, fut non seulement un peintre mais le fondateur des principes académiques d'une École britannique.
Son propre travail a été influencé par les Vénitiens, Titien (10) et Véronèse (11). Sa passion pour les riches profondeur des ombres (12) a eu de la chance; pour l'obtenir, il a utilisé du bitume.
La troisième grande figure de la peinture du XVIIIe siècle - Thomas Gainsborough (1727-1788) - est né en 1727 dans le petit bourg de Sudbury dans le Suffolk.
Gainsborough avait peu de formation académique, il a appris à peindre non pas en travaillant dur en studio, mais en observant le monde réel. Les poses gracieuses et les tons argentés de Van Dyck le fascinaient et jouaient un rôle important dans le développement de son talent. Le plus connu aujourd’hui de tous les portraits de Gainsborough est peut-être le célèbre Blue Boy.
Mais curieusement (13) assez, c'était peu connu à l'époque de Gainsborough et il n'y a pas informations précises (14), à propos de la date du tableau. C'est un portrait en habit Van Dyck (15). Il existe une opinion selon laquelle Gainsborough a peint Le garçon bleu afin d'établir le point qu'il avait avancé dans un litige (16) avec Reynolds et d'autres peintres, quand il maintenu (17) que le dominante (18) la couleur d'une image doit être bleue. Sa photo La fille du chalet avec chien et pichet attiré l'attention générale (19). Le tableau représentant une petite fille de la campagne a été exposé pour la première fois en 1814 ; la pose facile de la jeune fille, le tour naturel de sa tête et l'expression de son visage font un fidèle à la réalité (20) image.
Gainsborough s'est toujours considéré comme un peintre paysagiste, mais il s'est éloigné de son véritable amour par la nécessité de peindre des portraits pour pouvoir gagner sa vie (21).
Il fut le premier à introduire (22) liberté lyrique dans la peinture britannique. Son exploit réside dans la découverte de la beauté de son paysage natal.
William Hogarth fut le premier à élever les beaux-arts britanniques à leur juste niveau. Il est né à Londres. Son père était professeur d'école. Ses premières capacités de dessin étaient impressionnantes et, après ses cours, il suivit une formation de graveur sur argent.
Son succès est le fruit d’un travail acharné : « Je sais que le génie n’existe pas », a-t-il écrit, « le génie n’est rien d’autre que le travail et la diligence ».
Hogarth a peint de nombreux tableaux. " Contrat de mariage" - le premier d'une série de tableaux qui composent le célèbre cycle "Mariage à la mode". Dans le tableau, les deux parents sont représentés à droite. L'un d'eux, un comte, souligne fièrement son pedigree, l'autre, peut-être un membre de la City de Londres, étudie un accord de mariage. Le fils d'un comte profite de son apparition dans le miroir, la fille d'un conseiller municipal fait tournoyer une bague dans ses mains et écoute les compliments d'un jeune avocat.
Le thème de cette image est une protestation contre le mariage pour l’argent et l’arrogance. Hogarth fut le premier artiste anglais célèbre.
Sir Joshua Reynolds, le premier président de la Royal Academy, était non seulement un artiste, mais aussi le fondateur des principes académiques. » école britannique".
Ses propres peintures ont été fortement influencées par les Vénitiens Titien et Véronèse. Sa fascination pour la richesse des contrastes d’ombres fut couronnée de succès ; pour y parvenir, il a utilisé de la résine de roche.
Le troisième personnage célèbre du XVIIIe siècle. Il y avait Thomas Gainsborough, né en 1727 dans la petite ville de Sudbury, dans le comté de Safolk.
Gainsborough n'a pas reçu une formation académique complète. Il a appris à dessiner non pas en travaillant soigneusement en studio, mais en contemplant monde réel. Les poses majestueuses et les nuances argentées des peintures de Van Dyck le fascinaient et influençaient grandement le développement ultérieur de son talent. Apparemment, l’œuvre la plus importante de Gainsborough est le portrait « Le garçon en bleu ».
Il est intéressant de noter que cette œuvre n'était pas très connue du vivant de Gainsborough, la date exacte de cette peinture est donc inconnue. Il s'agit d'un portrait dans le style de Van Dyck. Il existe une opinion selon laquelle Gainsborough a peint "Le garçon en bleu" afin de défendre son point de vue dans une polémique avec Van Dyck et d'autres artistes selon laquelle la couleur bleue prédomine dans l'image. Son tableau "Fille de la campagne avec un chien et une tasse" a attiré l'attention du public. Le tableau, représentant une petite fille du village, a été exposé pour la première fois en 1814. Le regard simple de la jeune fille, le mouvement naturel de sa tête et l’expression de son visage rendaient cette image réaliste.
Gainsborough s'est toujours considéré comme un peintre paysagiste, mais a été contraint d'abandonner sa véritable passion pour les paysages et de peindre des portraits pour gagner sa vie.
Il a été le pionnier de la liberté lyrique dans l'art britannique. Son succès repose sur l’étude de la beauté de sa nature natale.
Vocabulaire
1. être le premier homme à élever - être le premier artiste à élever
2. art pictural - beaux-arts
3. goût pour le dessin – inclination à dessiner
4. être apprenti - être assistant, étudiant d'un master
5. graveur - graveur
6. rien que - ici : rien de plus que
7. diligence - diligence
8. « mariage à la mode » - (français) série de tableaux « mariage à la mode »
9. vanité - arrogance, vanité
10. Titien - Titien Vecellio (1477-1576), célèbre artiste italien
11. Veronese Paolo - Veronese Paolo (1528-1588), célèbre artiste italien
12. profondeur des ombres - contrastes d'ombres
13. curieusement - intéressant
14. informations précises - certaines informations
15. dans une habitude de Van Dyck - à la manière de Van Dyck
16. différend - discussion
17. maintenir - affirmer, défendre
18. prédominant - ce qui prévaut, dominant
19. attirer l'attention générale - attirer l'attention générale
20. fidèle à la réalité - ici : réaliste, réaliste
21. gagner sa vie - gagner sa vie
22. présenter - présenter
Des questions
1. Qui fut le premier artiste anglais des XVIIe-XVIIIe siècles ?
2. Quel est le sujet du tableau de Hogarth, Le Contrat de mariage ?
3. Qui fut le premier président de la Royal Academy ?
3. Quelles images de Gainsborough connaissez-vous ?
4. Gainsborough a-t-il peint uniquement des portraits ?
5. Quelle est la couleur prédominante dans ses images ?
Moderne Artistes anglais peu connu des amateurs d'art russe. Permettez-moi de vous présenter les peintures de l'étonnant artiste Russ Mills ( Russ Mills) de Kingsbridge, Royaume-Uni. Son travail se situe entre les beaux-arts urbains, le street art et le graphisme contemporain.
Malgré sa technique de peinture plutôt progressiste, Russ Mills n'est pas du tout jeune. Il est né en 1952, dans le Yorkshire. C'est une personnalité assez polyvalente et créative. Ras, en plus de peindre, joue dans le projet musical « Undark » et crée des installations multimédias, et enseigne également au Royal College of Art de la Glasgow School of Art. Sur invitation, il donne des conférences dans d'autres universités au Royaume-Uni et à l'étranger.
Ce anglais moderne se concentre principalement sur la forme humaine, en particulier les visages, entremêlés d'éléments du règne animal, reflétant souvent l'absurdité de la nature humaine. Au cours de sa longue vie créative, Russ Mills a travaillé sur la conception graphique d'albums musicaux de célébrités telles que Nine Inch Nails, Roger Eno, Japan, Harold Budd et Brian Eno, David Sylvian, Michael Brook et The Overload. Ses œuvres graphiques peuvent être utilisées. comme peintures pour l'intérieur des clubs de musique, des bars et même des bureaux. Leur expressivité et leur dynamique mettront parfaitement en valeur l'intérieur d'une pièce dans laquelle la vie bat constamment son plein.
Artistes de quel pays ont apporté une contribution particulière au développement de la peinture mondiale ?
Lorsqu’on pose cette question, on se souvient souvent des artistes français. Plus . Et personne ne doute de son influence.
Mais si l'on prend le XVIIIe siècle et le début du XIXe, alors il est important d'en noter le bien-fondé Artistes anglais.
Durant cette période, plusieurs maîtres brillants ont travaillé dans le pays de Foggy Albion, qui a radicalement changé l'art mondial.
1. William Hogarth (1697-1764)
Guillaume Hogarth. Autoportrait. 1745 Tate British Gallery, Londres Hogarth a vécu des temps difficiles. Au début du XVIIIe siècle, en Angleterre, une société bourgeoise venait tout juste d'émerger, qui remplaçait la société féodale.
Les valeurs morales étaient encore fragiles. Très sérieusement, l’intérêt personnel et l’enrichissement par tous les moyens étaient considérés comme des vertus. Tout comme dans les années 90 du 20e siècle en Russie.
Hogarth décida de ne pas garder le silence. Et il a tenté d’ouvrir les yeux de ses compatriotes sur le déclin des valeurs morales. A l'aide de peintures et de gravures.
Il a commencé avec une série de peintures intitulée « Prostitute Career ». Malheureusement, les peintures n'ont pas survécu. Seules subsistent les gravures.
Guillaume Hogarth. Carrière de prostituée : piégée par un proxénète. Gravure. 1732 C'est l'histoire vraie d'une jeune fille du village, Mary, venue en ville pour chercher fortune. Mais elle est tombée dans les griffes d'un vieux proxénète. On voit cette scène dans la première gravure. Devenue une femme entretenue, elle a passé sa courte vie parmi les exclus de la société.
Hogarth a délibérément traduit ses peintures en gravures afin de les diffuser largement. Il a donc essayé de toucher le plus de personnes possible.
De plus, il ne voulait pas seulement avertir les filles pauvres comme Mary. Mais aussi des aristocrates. À en juger par sa série d'œuvres « Mariage à la mode ».
L'histoire qui y est décrite était très typique de l'époque. Un aristocrate pauvre épouse la fille d'un riche marchand. Mais il s’agit simplement d’un accord qui n’implique pas une union des cœurs.
Le tableau le plus célèbre de cette série, « Tête-à-tête », démontre le vide de leur relation.
Guillaume Hogarth. Mariage à la mode. Tête-à-tête. 1743 Galerie nationale de Londres La femme s'est amusée avec les invités toute la nuit. Et le mari n'est rentré à la maison que le matin, dévasté par les réjouissances (à en juger par la tache sur son cou, il était déjà atteint de la syphilis). La comtesse se relève nonchalamment et s'apprête à bâiller. Son visage montre une totale indifférence envers son mari.
Et ce n’est pas étonnant. Elle a commencé une liaison à côté. L'histoire se terminera tristement. Le mari retrouvera sa femme au lit avec son amant. Et il sera poignardé avec une épée lors d'un duel. L'amant sera envoyé à la potence. Et la comtesse se suicidera.
Hogarth n'était pas qu'un caricaturiste. Sa compétence est trop élevée. Combinaisons de couleurs complexes et harmonieuses. Et aussi une expressivité incroyable. Vous pouvez facilement « lire » ses peintures et comprendre quelles sont les relations entre les gens.
Guillaume Hogarth. Mariage à la mode. Duel et mort du comte. 1743 Galerie nationale de Londres Les mérites de Hogarth peuvent difficilement être surestimés. Après tout, il a inventé réalisme critique. Personne avant lui n’avait jamais représenté en peinture autant de conflits et de drames sociaux.
Reynolds n'a pas réinventé la roue. Mais il a fixé des normes très élevées pour tous les artistes européens.
3.Thomas Gainsborough (1727-1788)
Thomas Gainsborough. Autoportrait. 1758-1759 Galerie nationale du portrait, Londres Gainsborough peut à juste titre être considéré comme l'artiste anglais le plus célèbre du XVIIIe siècle. Il a vécu à la même époque que Reynolds. Ils étaient rivaux.
La différence entre Reynolds et Gainsborough est visible à l'œil nu. Le premier a des nuances rouges et dorées ; images majestueuses et solennelles.
Gainsborough a des tons bleu argenté et vert olive. Ainsi que des portraits aériens et intimistes.
Thomas Gainsborough. Portrait de dame en bleu. 1778-1782 , Saint-Pétersbourg On voit tout cela dans le portrait « Lady in Blue ». Aucune intensité d'émotions. Juste une image belle et douce. Pour obtenir cet effet, Gainsborough a travaillé avec un pinceau fin de près de 2 mètres de long !
Gainsborough s'est toujours considéré avant tout comme un peintre paysagiste. Mais le besoin de gagner de l'argent l'oblige à peindre des portraits sur commande. Ironiquement, il est devenu célèbre et est resté dans l’histoire précisément en tant que portraitiste.
Mais l'artiste a fait un compromis avec lui-même. Représentant souvent des sujets dans le giron de la nature. Combinant un portrait détesté et un paysage aimé.
Thomas Gainsborough. Portrait de M. et Mme Hallett (promenade matinale). 1785 Galerie nationale de Londres Les clients ne parvenaient pas à décider lequel des deux portraitistes ils préféraient. Et les aristocrates ont commandé des portraits à Reynolds et à Gainsborough. Ils étaient trop différents. Mais en termes de force des œuvres, elles n'étaient pas inférieures les unes aux autres.
Mais contrairement à Reynolds, son adversaire était également attiré des gens simples. Avec la même passion, il peint à la fois la duchesse et le roturier.
Thomas Gainsborough. Fille avec des cochons. 1782 Collection privée Reynolds a échangé son tableau « Filles avec des cochons » avec un collectionneur contre un tableau qu'il possédait. Croire que c'est meilleur travail son rival.
Les œuvres de Gainsborough sont uniques par leur qualité. Il y a aussi des coups de pinceau non cachés qui, à distance, rendent vivant et respirant ce qui se passe.
Ce sont des lignes douces et ombrées. C'est comme si tout se passait dans l'air humide, comme c'est le cas en Angleterre.
Et bien sûr, une combinaison inhabituelle de portrait et de paysage. Tout cela distingue Gainsborough de nombreux autres portraitistes de son époque.
4. William Blake (1757-1827)
Thomas Phillips. Portrait de William Blake. 1807 National Portrait Gallery, Londres William Blake était une personne extraordinaire. Depuis son enfance, il a été visité par des visions mystiques. Et quand il a grandi, il est devenu anarchiste. Il ne reconnaissait ni les lois ni la moralité. Croire que c’est ainsi que la liberté humaine est opprimée.
Il ne reconnaissait pas non plus la religion. Le considérant comme le principal restrictif des libertés. Bien entendu, ces opinions se reflétaient dans ses œuvres. « L'Architecte du monde » est sa vive attaque contre le christianisme.
Guillaume Blake. Grand architecte. Gravure coloriée à la main. 36 x 26 cm, 1794. Musée anglais, Londres Le Créateur tient une boussole qui trace les limites de l’homme. Des limites à ne pas franchir. Rendre notre réflexion limitée, vivre dans des limites étroites.
Pour ses contemporains, son travail était trop extraordinaire et il n'a donc jamais été reconnu de son vivant.
Certains voyaient dans ses œuvres des prophéties et des bouleversements à venir. Percevant Blake comme heureux, l'homme n'est pas lui-même.
Mais Blake n’a jamais été officiellement déclaré fou. Il a travaillé fructueusement toute sa vie. Et c’était un touche-à-tout. C'était aussi un excellent graveur. Et un brillant illustrateur. Ayant créé d'incroyables aquarelles pour " Comédie divine»Dante.
Guillaume Blake. Un tourbillon d'amoureux. 1824-1727 Illustration pour la Divine Comédie de Dante La seule chose que Blake avait en commun avec son époque était la mode pour tout ce qui était terrible et fabuleux. Après tout, en Angleterre, au XIXe siècle, le romantisme et les motifs de contes de fées étaient célébrés.
Par conséquent, son tableau « L’Esprit de la puce » s’inscrit bien dans série généraleœuvres de ces années-là.
Guillaume Blake. Fantôme d'une puce. 1819 Tempera, or, bois. 21 x 16 cm.Tate Britain, Londres. Blake a affirmé avoir vu l'âme du sangsue. Mais il a été placé dans une petite puce. Si cette âme habitait une personne, beaucoup de sang coulerait.
Blake est clairement né avant son temps. Son travail ressemble étrangement à celui des symbolistes et des surréalistes du XXe siècle. Ils se sont souvenus de ce maître 100 ans après sa mort. Il est devenu leur idole et leur inspirateur.
5. John Constable (1776-1837)
Ramsay Reinagle. Portrait de John Constable. 1799 National Portrait Gallery, Londres Malgré apparence aristocratique Le connétable était le fils d'un meunier. Et il aimait travailler de ses mains. Il savait labourer, construire des clôtures et pêcher. C'est peut-être pour cela que ses paysages sont dépourvus de pathos. Ils sont naturels et réalistes.
Avant lui, les artistes peignaient des paysages abstraits, souvent italiens. Mais Constable écrivait sur un domaine spécifique. Une vraie rivière, un chalet et des arbres.
John Constable. Chariot à foin. 1821 Galerie nationale de Londres Son « Hay Wagon » est le paysage anglais le plus célèbre. C'est cette œuvre qui fut autrefois vue par le public français à l'Exposition de Paris de 1824.
Les jeunes ont été particulièrement impressionnés. Qui a vu dans cette image ce pour quoi ils luttaient eux-mêmes. Pas de pomposité académique. Pas de ruines antiques ni de couchers de soleil spectaculaires. Mais seulement la vie quotidienne zones rurales. Magnifique dans son naturel.
Après cette exposition, Constable a vendu jusqu'à 20 de ses tableaux à Paris. Dans son Angleterre natale, ses paysages n’étaient quasiment jamais achetés.
Mais contrairement à Gainsborough, il se tournait rarement vers les portraits pour gagner de l'argent. Continuer à me perfectionner spécifiquement en peinture de paysage.
Pour ce faire, il a étudié les phénomènes naturels d’un point de vue scientifique. Et il a su sélectionner des teintes très proches de celles que l’on retrouve dans la nature. Il était particulièrement doué pour le ciel, les contrastes de nuages clairs et sombres.
John Constable. cathédrale Salisbury. Vue depuis le jardin de l'évêque. 1826 Collection Frick, New York Mais Constable n'est pas seulement célèbre pour ses peintures incroyablement réalistes. Mais aussi avec mes croquis.
L'artiste a réalisé un croquis de la même taille que le futur tableau. Travailler en plein air. C'était un savoir-faire. Et c’est précisément cette méthode de travail que les impressionnistes reprendront plus tard.
John Constable. Bateau et ciel orageux. 1824-1828 Collection royale d'art, Londres Mais Constable écrivait souvent des œuvres achevées en studio à partir de ces croquis. Bien qu’ils fussent plus populaires auprès du public de l’époque, ils n’étaient pas aussi vivants et pleins de mouvement que les sketches.
À la maison, la grandeur du connétable ne s'est réalisée qu'au 20e siècle. À ce jour, il est l’un des artistes les plus appréciés d’Angleterre. On peut dire que les Russes traitent la situation avec la même appréhension.
6. William Turner (1775-1851)
William Turner. Autoportrait. 1799 Tate British Gallery, Londres L'artiste anglais William Turner a réussi à devenir célèbre dans sa jeunesse et à devenir académicien des arts. Presque immédiatement, on commença à l’appeler « l’artiste de la lumière ». Car le soleil était souvent présent dans ses toiles.
Si vous regardez les paysages d’autres artistes, vous verrez rarement le soleil. C'est trop brillant.
Cette luminosité est difficile à représenter. Cela frappe les yeux. Déforme tout autour. Mais Turner n’en avait pas peur. Dessiner le soleil aussi bien à son zénith qu'au coucher du soleil. Enveloppant audacieusement tout ce qui l’entoure de lumière.
William Turner. Port de Dieppe. 1826 Collection Frick, New York, États-Unis Mais Turner, bien qu'il fût académicien et appréciait son titre, ne pouvait s'empêcher d'expérimenter. Il avait un esprit extraordinaire et agile.
Ainsi, après quelques décennies, son travail a considérablement évolué. Il y a de moins en moins de détails. De plus en plus de lumière. De plus en plus de sensations.
L’un des tableaux les plus célèbres de cette époque est « Le dernier voyage du brave navire ».
Ici, nous voyons un peu d'allégorie. Les voiliers sont remplacés par des bateaux à vapeur. Une époque en remplace une autre. Le soleil se couche et le mois sort pour le remplacer (en haut à gauche).
William Turner. Le dernier voyage du navire Brave. 1838 Galerie nationale de Londres Ici, le soleil domine toujours. Le coucher de soleil occupe une bonne moitié de l’image. Et dans les œuvres ultérieures, l'artiste atteint presque l'abstraction. Exagérer toutes vos aspirations antérieures. Supprimer les détails pour ne laisser que des sensations et de la lumière.
William Turner. Le matin après le déluge. 1843 Tate Museum, Londres Comme vous le comprenez, le public ne pouvait pas apprécier de telles œuvres. La reine Victoria a refusé de faire chevalier Turner. La réputation a été ébranlée. Des allusions à la folie se faisaient de plus en plus entendre dans la société.
C'est le lot de tous les vrais artistes. Il fait un trop grand pas en avant. Et le public ne le « rattrape » que des décennies, voire des siècles plus tard. C'est ce qui est arrivé au grand Turner.
7. Préraphaélites
Lorsqu’on parle d’artistes anglais, il est difficile d’ignorer les préraphaélites. De plus, au 21ème siècle, ils sont devenus très populaires.
D’où vient un tel amour pour ces artistes ?
Les préraphaélites ont débuté avec des objectifs ambitieux. Ils voulaient sortir de l’impasse d’une peinture académique et trop rigide. Ils en ont assez d’écrire des mythes et des récits historiques peu connus du grand public. Nous voulions montrer une beauté réelle et vivante.
Et les préraphaélites commencèrent à peindre des images féminines. Ils se sont révélés très beaux et attrayants.
Regardez leurs beautés aux cheveux roux. En règle générale, ils étaient leurs amants dans la vraie vie.
Les préraphaélites ont commencé à glorifier activement la beauté féminine. En conséquence, à part cela, il ne restait rien d’autre en eux.
Cela a commencé à ressembler à des photographies luxueuses et mises en scène pour des magazines sur papier glacé. Ce sont précisément de telles images qui sont faciles à imaginer pour la publicité des parfums féminins.
C'est pourquoi les préraphaélites étaient si populaires auprès des gens du 21e siècle. À l’ère de la publicité glamour et très lumineuse.
John Everett Millais. Ophélie. 1851 Tate Britain, Londres Malgré le vide évident de nombreuses œuvres, ce sont ces artistes qui sont à l’origine du développement du design, en rupture avec l’art. Après tout, les préraphaélites (par exemple William Morris) travaillaient activement sur des croquis de tissus, de papiers peints et d'autres décorations intérieures.
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J'espère qu'après cet article, les artistes anglais vous ont ouvert une nouvelle facette. Les Italiens et les Néerlandais n’ont pas toujours été les seuls à influencer l’art mondial. Les Britanniques ont également apporté une contribution significative.
2 - Portraitistes anglais marquants
Parmi les portraitistes anglais les plus célèbres du XVIIIe siècle figurent Joshua Reynolds et Thomas Gainsborough. Tous deux ont commencé à se développer sous l’influence de l’art italien et français et ont progressivement évolué vers des motifs nationaux dans leur travail. La peinture de Reynolds est à bien des égards proche du style baroque, tandis que Gainsborough a travaillé d'une manière proche du style rococo.
Le travail de Reynolds
Des trois autres maîtres principaux art anglais Sir Joshua Reynolds (1723-1792), premier président de la Royal Academy of Arts, fondée en 1768, était le plus polyvalent et le plus érudit, le plus sûr de lui et le plus cohérent. Armstrong a écrit une monographie sur lui. Lorsque Goodson, le professeur de Reynolds, cessa de le satisfaire, il commença à copier les peintures de Rembrandt. Le fruit le plus mûr de ses études sur Rembrandt est un autoportrait de jeune avec un chapeau conservé à la National Portrait Gallery. Puis il fut attiré par l'Italie, où il séjourna de 1749 à 1752 ; ici, il est devenu un éclectiste conscient. Michel-Ange est devenu son idole. Mais il choisit principalement des Bolognes et des Vénitiens comme dirigeants. Il s'est plongé dans l'étude la plus approfondie des techniques colorées des maîtres anciens ; il n'a rien laissé sans surveillance ; la base rationnelle de son art est évidente partout. Dans ses peintures historiques, il dépasse à peine le niveau de l’éclectisme ; ici, comme au gré de l'artiste, les formes rubensiennes se conjuguent aux couleurs titiennes et au clair-obscur corrégien. Des exemples typiques de ce genre sont « La Sainte Famille » à la National Gallery, « La Tempérance de Scipion » à l'Ermitage et « L'Espoir nourrissant l'amour » à Bowood. Son tableau mythologique le plus célèbre, Le Serpent dans l'herbe, conservé à la National Gallery, représente le dieu de l'amour dénouant la « ceinture de beauté » d'une jeune fille. Une excursion au royaume de la romance est un nouveau tableau de l'époque, frappant par son horreur : « Le comte Ugolino dans la tour de la faim », situé dans la galerie de la ville de Noll, dans le Kent.
Riz. 237 - "Seigneur exilé". Peinture de Joshua Reynolds à la National Gallery de Londres
En tant que portraitiste, Reynolds allie l'observation directe de ce qu'il voit à une humeur sublime et magnanime, déployant sur cette base tous les charmes de son éblouissante éloquence picturale ; et bien que dans le contenu allégorique et dans les circonstances d'autres portraits il se soit montré tout à fait fils de son temps, d'autres portraits, par exemple « Le Seigneur exilé » de la National Gallery, sont remplis d'une profondeur spirituelle immédiate et ressentie. Il a créé une masse de natures véritablement intégrales ; Ses portraits d'enfants, en particulier, respirent une fraîcheur et un naturel rares.
Riz. 238 - "Les trois sœurs de Miss Montgomery couronnent l'hermès de l'Hymen." Peinture de Joshua Reynolds à la National Gallery de Londres
Au retour d'Italie de Reynolds, l'attention générale fut attirée en 1753 par son portrait du capitaine Keppel, maintenant dans la collection de Lord Rosbury à Londres. Ici, pour la première fois, ils n'ont pas vu une figure ou une tête représentée sur la toile, mais un organisme vivant. La période de 1753 à 1765 embrasse la première période de maturité de l’artiste. De magnifiques portraits simples et frais appartiennent à cette époque, dont Kitty Fisher dans la collection du comte de Crewe (1759) et le célèbre portrait de Nellie O'Brien (1763) à la Wallace Gallery, puis le portrait du pasteur Laurence Sterne ( 1760), propriété du marquis de Lansdowne, et l'acteur Garrick parmi les figures de la « Tragédie » et de la « Comédie », dans la collection de Lord Rothschild à Londres.
Entre 1765 et 1775 les poses des personnages dans les portraits de Reynolds deviennent plus calculées, les couleurs plus raffinées, les draperies plus négligentes, le personnel plus artificiel. Il s'agit notamment de : « Lady Sarah Banbury sacrifiant aux Grâces » (1766) et « Lady Black en Junon, à qui Vénus donne une ceinture », appartenant à Sir Henry Banbury, Mme Hartley, sous la forme d'une nymphe, avec son fils. , sous la forme du jeune Bacchus, dans la collection de Lord Northbrook (1772), de couleur dure, tableau quelque peu faux "Les Trois Sœurs de Miss Montgomery couronnant l'Herm de l'Hymen" (1775) de la National Gallery, cela comprend également le joli " Fille aux fraises" (1771) à la Wallace Gallery, la petite Frances Crewe traversant un champ avec un manteau et un panier sur le bras (1770), dans la collection du comte de Crewe, et photo charmante au château de Windsor, représentant une petite princesse allongée à terre avec un chien (1773).
Riz. 239 - "Fille aux fraises." Peinture de Joshua Reynolds à la Wallace Gallery de Londres
Les seize dernières années de sa vie sont considérées comme la période la plus mature de l'œuvre de Reynolds. Une profonde compréhension des personnes représentées devient de plus en plus son la qualité la plus importante. Les vêtements, aux couleurs magnifiques, sont à nouveau drapés avec plus de soin. Le fond paysager ne conserve encore qu’une signification secondaire, purement décorative. Mais tous les détails sont combinés en un tout vaste et harmonieux. Issu d'une longue série d'œuvres magistrales, le nouveau portrait du petit Crewe (1775) dans la collection du comte de Crewe, Lady Crosby habillée avec un goût étonnant de gris et d'or (1778) par Sir Charles Tennant, le magnifique « Écolier » ( 1779) au château de Warwick, un portrait profondément spirituel, se distinguent Lord Thurloe (1781), propriété du marquis de Bass, et le portrait d'une puissance saisissante de Lord Heathfield avec la clé de Gibraltar à la main (1787) à la National Gallery. Parmi les meilleurs figurent les portraits de la grande actrice Miss Siddons en muse tragique sur un trône flottant dans les nuages, derrière lequel sont visibles des personnifications de passions dramatiques (1784), à Grosvenor House, duchesse de Devonshire avec sa fille animée sur ses genoux. (1786), au château de Chatsworth), et le délicieux "Innocent Age" - une petite fille assise dans l'herbe, les bras croisés sur la poitrine (1790) à la National Gallery de Londres.
Reynolds n'a jamais vraiment voulu être lui-même ; mais néanmoins dans son meilleures œuvres sa grande personnalité est immédiatement visible.
La créativité de Gainsborough
Quatre ans plus jeune que Reynolds était son grand rival Thomas Gainsborough (1727-1788), qui le surpassait en originalité et en spontanéité artistique. A Reynolds, on ressent davantage le baroque du 17ème siècle, à Gainsborough - le rococo du 18ème siècle. Pour Gainsborough, sur lequel il existe de bons livres de Fulcher, Armstrong, Mme Bell et Pauli, les maîtres anciens originaux semblaient ne pas exister du tout. Il a commencé par peindre les paysages de sa région rurale du Suffolk. Ayant pris connaissance (après 1760) des peintures de van Dyck, il commença à les copier avec diligence. Van Dyck est devenu le phare de son art. Cependant, il avait lui-même un sens de la vérité et de la beauté plus fort que Van Dyck. Il a vu les femmes anglaises et le paysage anglais de ses propres yeux anglais et les a représentés avec un pinceau large et sain qui est devenu plus léger et plus « impressionniste » au fil des années. Ses portraits sont généralement dans la relation la plus étroite avec le paysage indigène, et les paysages se transforment souvent involontairement en un genre, ou les animaux qu'ils contiennent passent d'images périphériques à des images principales.
La première période indépendante de la créativité de Gainsborough (1746-1758) s'est déroulée à Ipswich, parmi des essais et des expériences, réalisés d'abord par le toucher et devenant progressivement plus confiants. Parmi les premières peintures conservées à la National Gallery figurent un magnifique double portrait quelque peu sec de ses filles, dont l'une attrape un papillon, et un magnifique paysage connu sous le nom de forêt de Cornard qui, malgré ou précisément à cause de la répartition des arbres sur cela rappelle Gobbem, resté le plus frais en termes de nature de tous ses paysages.
La deuxième période de son œuvre (1758-1774) se déroule dans un environnement artistique plus dynamique et dans un meilleur cadre de vie à Bass. Ici sont d'abord apparus des portraits si soigneusement, presque doucement, dessinés et enluminés, par exemple celui du clerc Orpin lisant la Bible à la National Gallery. Le portrait en buste de Georgiana Spencer (1762), propriété d'Earl Spencer à Londres, se distingue par son élégante simplicité ; la figure grandeur nature du musicien Fisher à Hampton Court et la demi-figure de l'acteur Colman dans le National La galerie respire la vie chaleureuse. Probablement déjà en 1770 est apparu le célèbre "Blue Boy", situé à Grosvenor House : un portrait de face du jeune Betall, avec tons chauds des corps dans un costume fantastique bleu, sur fond de paysage aux tons marron - un véritable miracle dans la noblesse du dessin et l'effet coloré particulier ; A côté de ce « Blue Boy » peut être placé « Pink Boy », portrait d'un garçon vêtu de satin rose, dans la collection du baron Ferdinand Rothschild à Londres.
Pendant le séjour de Gainsborough à Bass, certains des paysages les plus célèbres sont apparus - de ton brunâtre, fermés dans leur unité, réchauffés par la merveilleuse lumière d'une partie de la nature boisée anglaise. Parmi les plus beaux d'entre eux figurent la « Charrette » et « l'abreuvement du bétail » de la Galerie nationale.
Riz. 241 - "Abreuvoir à bétail". Peinture de Thomas Gainsborough à la National Gallery de Londres.
Gainsborough s'installe à Londres en 1774. Ce n'est qu'ici que son talent se développe jusqu'à atteindre la plus haute liberté artistique et virtuosité. Les couleurs délicates, plutôt froides, élégamment choisies des personnages et de leurs vêtements s'accordent de plus en plus harmonieusement avec le fond. Son pinceau devient plus léger, plus libre et plus large. Il a peint d'innombrables fois des portraits du roi George III, de la reine Charlotte et de leurs enfants. La plupart d’entre eux peuvent être vus au château de Windsor et au palais de Buckingham. Parmi les portraits de dames les plus célèbres de Gainsborough, le portrait de Mme Graham, vêtue d'une robe rouge et quelque peu maladroitement placée sur une haute colonne de la galerie d'Édimbourg, appartient aux premières années londoniennes. La pleine mesure de son talent s'exprime dans les portraits de l'actrice Mme Robinson ("Perdita") à la Wallace Gallery, de Mme Sheridan (née Eliza Linley) dans la collection de Lord Rothschild, de Lady Sheffield par Ferdinand Rothschild et de Mme Beaufoy. par Alfred Rothschild à Londres - toutes des figures individuelles en taille réelle, debout sur fond de paysage avec un parc, mais le plus célèbre de tous est le portrait de l'actrice Mme Siddons à la National Gallery. Le même Siddons, que Reynolds a dépeint comme une muse tragique, est assis chez Gainsborough dans une élégante robe de soirée, avec un grand chapeau, devant une draperie rouge. Pour le meilleur portraits masculins Gainsborough possède un portrait de Ralph Schomberg dans un costume rouge jaunâtre à la National Gallery.
Un grand groupe de portraits de la famille Bailly, dans la même galerie, remonte à la dernière période de l'activité de Gainsborough. Les poses des personnages sont forcées et délibérées, mais les couleurs enchanteresses de ce tableau et l'écriture aérienne et légère lui confèrent une grande valeur picturale. Le petit tableau ovale du château de Windsor, représentant la «promenade matinale» du duc de Cumberland et de son épouse, est excellent comme paysage. L’excellent « Picnic » de St. James’s Park, propriété de Sir Algernon Nield, qui n’est pas sans rappeler Watteau et Monet, a un caractère tout à fait paysager. Une place digne à côté de cette image est occupée par la magnifique marina de Grosvenor House. La peinture de paysage est toujours restée l'amour secret de Gainsborough.
Autres portraitistes anglais
Le cinquième de ces pionniers de la peinture anglaise fut George Romney (1734-1802), dont une description détaillée est donnée dans l'ouvrage en deux volumes de Ward et Roberts. Ce n’est que très récemment qu’on a commencé à le classer parmi les grands maîtres. De retour en 1775 de Rome, où il avait absorbé des vues faussement classiques, il devint cependant portraitiste à Londres et rivalisa avec Reynolds et Gainsborough pour les faveurs des clients. Dans ses portraits, on reconnaît facilement le petit-fils du classicisme tant dans la plasticité des figures que dans le dessin. Il était d’ailleurs le meilleur portrait de la « belle Anglaise », telle qu’on a l’habitude de l’imaginer, saine et en même temps alanguie. Ses portraits sont peints avec clarté et fermeté, mais en aucun cas anguleux ou secs. Aux tons locaux clairs, ils se distinguent par une teinte raffinée, parfois cependant un peu rougeâtre.
La National Gallery de Londres possède huit tableaux de Romney, mais aucun de ses véritables chefs-d'œuvre, comme les Enfants dansant main dans la main de Lord Gower dans la collection du duc de Sutherland, ou le portrait de Mme Ressel et son enfant dans celle de Sir George Ressel à Londres. Sa base pseudo-classique est évidente dans le groupe de Lady Warwick avec ses enfants et dans Miss Vernon de Lord Warwick dans le rôle d'Hebe, ainsi que dans le portrait de Lady Hamilton en Bacchante conservé à la National Gallery.
Riz. 243 - "Lady Hamilton en bacchante." Peinture de George Romney à la National Gallery de Londres.
Le portraitiste britannique le plus important de la jeune génération d’artistes émergeant dans la seconde moitié du siècle fut l’Écossais Sir Henry Rayburn (1756-1828), qui visita l’Italie avant de s’installer à Édimbourg. Le biographe de Rayburn, Armstrong, attribue sa principale qualité principalement à l'impression que lui a faite à Rome Innocent X de Velazquez. Dans la spontanéité, la fraîcheur et l'ampleur du concept, dans la chaleur captivante et la vivacité des tons et des couleurs, seuls quelques-uns peuvent l'égaler. Ses meilleures œuvres incluent dans la galerie d'Édimbourg des portraits de Mme Campbell, John Wilson avec un cheval et un autoportrait de l'artiste, dans la salle de tir d'Édimbourg un saisissant portrait en pied de Nathaniel Spence tirant un arc, au musée de Glasgow. un portrait de Sir John Sinclair, à la National Gallery de Londres, une dame au chapeau de paille, à Dresde, un portrait de l'évêque Lucius O'Byrne. Une caractéristique de l'époque était que Rayburn passait d'une plus grande ampleur et d'une plus grande liberté de pinceau à un style. lettre plus cohérente et solide.
Les portraits de Reynolds ont développé le talent du Londonien John Hoppner (1759-1810), maître dans l'art de représenter de belles femmes anglaises aux joues rouges, qu'il a peintes dans des couleurs claires et froides, dans une performance fraîche et affectueuse. Le portrait de la comtesse d'Oxford conservé à la National Gallery est l'une de ses meilleures œuvres. Ces derniers se trouvent dans des collections privées. Les quatre enfants de Douglas sont célébrés dans la collection de Lord Rothschild à Londres.
Hoppner est immédiatement suivi par Sir Thomas Lawrence (1769-1830), le portraitiste anglais le plus célèbre du premier quart du XIXe siècle, bien qu'issu clairement du XVIIIe siècle et considéré comme représentatif du déclin du grand art anglais de cette époque. . Vizeva a de nouveau restauré sa réputation artistique. Dans ses meilleures œuvres, il nous apparaît comme un maître doté d'un sens aigu de l'observation et d'une technique de peinture raffinée. Elle est assez bien représentée à la National Gallery par les portraits du banquier Angerstein, de la princesse Lieven et de Philippe Sensom. Ci-dessus ses images du pape Pie VII et du cardinal Consalvi au château de Windsor, puis du jeune Lemton, vêtu d'un costume rouge et allongé sur l'herbe, dans la collection du comte de Durham à Londres, la charmante Miss Feren (Lady Dorby ) marchant, légèrement enveloppé dans de la fourrure, sur fond de paysage, au Pierzont Morgan à New York.
Artistes anglais célèbres
L'histoire du développement du art du monde a été fortement influencé par les artistes italiens, allemands, français et hollandais. Comme d’habitude, les mérites des artistes britanniques, qui appartiennent pour la plupart aux XVIIIe et XIXe siècles, sont ignorés. Cependant, durant cette période, plusieurs représentants brillants de la brumeuse Albion se sont manifestés, leurs œuvres d'art méritent une place d'honneur dans les collections mondiales les plus précieuses.
Le premier artiste d’origine anglaise, William Hogarth, ouvre l’âge d’or de la peinture britannique. Hogarth a créé les peintures dans le style du réalisme et était un maître de la gravure. Les personnages de ses toiles étaient des serviteurs, des mendiants, des marins et des marginaux. L’artiste a habilement révélé les émotions vives, joyeuses et profondes tristes capturées dans les images des gens.
Joshua Reynolds a laissé une trace marquante dans la peinture anglaise. Le premier président de la Royal Academy of Arts a créé des peintures d’une beauté étonnante. Parmi les héros du portrait, on trouve des représentants prudes à la mode de la noblesse et des déesses antiques. Joshua Reynolds était un grand théoricien de la peinture, ses travaux scientifiques sur les beaux-arts ont été étudiés par plus d'une génération d'artistes.
Rival de Reynolds, Thomas Gainsborough a gagné sa vie avec de magnifiques portraits de la noblesse, mais son genre de peinture préféré était le paysage. L'artiste reflétait magistralement l'individualité et captait les traits de caractère profonds de ses personnages. Tout au long de sa carrière artistique, Gainsborough a constamment évolué. et cette aspiration à l'excellence se retrouve à travers ses œuvres. Au déclin de sa carrière, ses peintures peuvent être attribuées à l'impressionnisme tardif.
Outre les portraitistes célèbres, la peinture anglaise a donné naissance à un grand nombre de paysagistes étonnants, comme Sikkert, Turner, Wilson, Moreland.
Traduction
L'histoire du développement de l'art mondial a été fortement influencée par des artistes italiens, allemands, français et néerlandais. Comme d'habitude, les mérites des artistes anglais, qui remontent pour la plupart aux XVIIIe et XIXe siècles, sont ignorés. Cependant, au cours de cette période, se sont fait connaître plusieurs représentants éminents de Foggy Albion, dont les œuvres artistiques méritent une place honorable dans les collections les plus précieuses du monde.
Le premier artiste d’origine anglaise, William Hogarth, inaugure l’âge d’or de la peinture en Grande-Bretagne. Hogarth peignait dans le style du réalisme et était un maître de la gravure. Les personnages de ses toiles étaient des serviteurs, des mendiants, des marins et des exclus. L'artiste a habilement révélé les émotions vives, joyeuses et profondes des personnes représentées dans les peintures.
Joshua Reynolds a laissé une marque marquante sur la peinture anglaise. Le premier président de la Royal Academy of Arts a créé des toiles d'une beauté étonnante. Parmi les héros du portrait, vous trouverez des représentants à la mode et raffinés de la noblesse et des déesses anciennes. Joshua Reynolds était un grand théoricien de la peinture ; plus d'une génération d'artistes a étudié grâce à ses travaux scientifiques sur les beaux-arts.
Le rival de Reynolds, Thomas Gainsborough, gagnait sa vie en peignant de magnifiques portraits de la noblesse, mais son genre de peinture préféré était le paysage. L'artiste a magistralement reflété l'individualité et capturé les traits de caractère profonds de ses personnages. Tout au long de sa carrière artistique, Gainsborough a constamment évolué et cette volonté de perfection se retrouve dans son travail. A la fin de sa carrière, ses peintures peuvent être classées dans l'impressionnisme tardif.