Artistes anglais célèbres - Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough. Artistes anglais contemporains – Russ Mills

20.04.2019

Artistes anglais célèbres - Artistes anglais célèbres

William Hogarth (1697-1764) a été le premier homme à élever (1) Britanique art pictural (2)à un niveau d'importance. Il est né à Londres. Son père était maître d'école. Son début goût pour le dessin (3)était remarquable et après une scolarité normale pour sa journée, il a été apprenti (4)à une assiette d'argent graveur (5).
Il attribuait son succès au dur labeur : « Je ne connais rien de tel que le génie », écrit-il - « le génie est rien que (6) le travail et diligence (7)’.
Hogarth a peint de nombreux tableaux. Le contrat de mariage est le premier de la série de ses tableaux formant le célèbre ‘mariage à la mode’ (8). Les deux pères sur la photo sont assis à droite. L’un, un comte, fier de son arbre généalogique ; l'autre, probablement un conseiller municipal de la ville de Londres, examine le règlement du mariage. Le fils du comte s’admire dans le miroir ; la fille de l’échevin joue avec son alliance et écoute les plaisanteries d’un jeune avocat.
Le sujet de la photo est une protestation contre le mariage pour de l'argent et vanité (9). Hogarth fut le premier grand artiste anglais.
Sir Joshua Reynolds (1723-1792), premier président de la Royal Academy, fut non seulement un peintre mais le fondateur des principes académiques d'une École britannique.
Son propre travail a été influencé par les Vénitiens, Titien (10) et Véronèse (11). Sa passion pour les riches profondeur des ombres (12) a eu de la chance; pour l'obtenir, il a utilisé du bitume.
La troisième grande figure de la peinture du XVIIIe siècle - Thomas Gainsborough (1727- 1788) - est né en 1727 dans le petit bourg de Sudbury dans le Suffolk.
Gainsborough avait peu de formation académique, il a appris à peindre non pas en travaillant dur en studio, mais en observant le monde réel. Les poses gracieuses et les tons argentés de Van Dyck le fascinaient et jouaient un rôle important dans le développement de son talent. Le plus connu aujourd’hui de tous les portraits de Gainsborough est peut-être le célèbre Blue Boy.
Mais curieusement (13) assez, c'était peu connu à l'époque de Gainsborough et il n'y a pas informations précises (14), à propos de la date du tableau. C'est un portrait en habit Van Dyck (15). Il existe une opinion selon laquelle Gainsborough a peint Le garçon bleu afin d'établir le point qu'il avait avancé dans un litige (16) avec Reynolds et d'autres peintres, quand il maintenu (17) que le dominante (18) la couleur d'une image doit être bleue. Sa photo La fille du chalet avec chien et pichet attiré l'attention générale (19). Le tableau représentant une petite fille de la campagne a été exposé pour la première fois en 1814 ; la pose facile de la jeune fille, le tour naturel de sa tête et l'expression de son visage font un fidèle à la réalité (20) image.
Gainsborough s'est toujours considéré comme un peintre paysagiste, mais il s'est éloigné de son véritable amour par la nécessité de peindre des portraits pour pouvoir gagner sa vie (21).
Il fut le premier à introduire (22) liberté lyrique dans la peinture britannique. Son exploit réside dans la découverte de la beauté de son paysage natal.

William Hogarth fut le premier à soulever les Britanniques art au bon niveau. Il est né à Londres. Son père était professeur d'école. Ses premières capacités de dessin étaient impressionnantes et, après ses cours, il suivit une formation de graveur sur argent.
Son succès est le fruit d’un travail acharné : « Je sais que le génie n’existe pas », a-t-il écrit, « le génie n’est rien d’autre que le travail et la diligence. »
Hogarth a peint de nombreux tableaux. " Contrat de mariage" - le premier d'une série de tableaux qui composent le célèbre cycle "Mariage à la mode". Dans le tableau, les deux parents sont représentés à droite. L'un d'eux, un comte, souligne fièrement son pedigree, l'autre, peut-être un membre de la City de Londres, étudie un accord de mariage. Le fils d'un comte profite de son apparition dans le miroir, la fille d'un conseiller municipal fait tournoyer une bague dans ses mains et écoute les compliments d'un jeune avocat.
Le thème de cette image est une protestation contre le mariage pour l’argent et l’arrogance. Hogarth fut le premier artiste anglais célèbre.
Sir Joshua Reynolds, premier président de la Royal Academy, était non seulement un artiste, mais aussi le fondateur des principes académiques de la British School.
Ses propres peintures ont été fortement influencées par les Vénitiens Titien et Véronèse. Sa fascination pour la richesse des contrastes d’ombres fut couronnée de succès ; pour y parvenir, il a utilisé de la résine de roche.
Le troisième personnage célèbre du XVIIIe siècle. Il y avait Thomas Gainsborough, né en 1727 dans la petite ville de Sudbury, dans le comté de Safolk.
Gainsborough n'a pas reçu une formation académique complète. Il a appris à dessiner non pas en travaillant soigneusement en studio, mais en contemplant le monde réel. Les poses majestueuses et les nuances argentées des peintures de Van Dyck le fascinaient et influençaient grandement le développement ultérieur de son talent. Apparemment, l’œuvre la plus importante de Gainsborough est le portrait « Le garçon en bleu ».
Il est intéressant de noter que cette œuvre n'était pas très connue du vivant de Gainsborough, la date exacte de cette peinture est donc inconnue. Il s'agit d'un portrait dans le style de Van Dyck. Il existe une opinion selon laquelle Gainsborough a peint "Le garçon en bleu" afin de défendre son point de vue dans une polémique avec Van Dyck et d'autres artistes selon laquelle la couleur bleue prédomine dans l'image. Son tableau "Fille de la campagne avec un chien et une tasse" a attiré l'attention du public. Le tableau, représentant une petite fille du village, a été exposé pour la première fois en 1814. L’apparence simple de la jeune fille, le mouvement naturel de sa tête et l’expression de son visage rendaient cette image réaliste.
Gainsborough s'est toujours considéré comme un peintre paysagiste, mais a été contraint d'abandonner sa véritable passion pour les paysages et de peindre des portraits pour gagner sa vie.
Il a été le pionnier de la liberté lyrique dans l'art britannique. Son succès repose sur l’étude de la beauté de sa nature natale.

Vocabulaire

1. être le premier homme à élever - être le premier artiste à élever
2. art pictural - beaux-arts
3. goût pour le dessin – inclination à dessiner
4. être apprenti - être assistant, étudiant d'un master
5. graveur - graveur
6. rien que - ici : rien de plus que
7. diligence - diligence
8. « mariage à la mode » - (français) série de tableaux « mariage à la mode »
9. vanité - arrogance, vanité
10. Titien - Titien Vecellio (1477-1576), célèbre artiste italien
11. Veronese Paolo - Veronese Paolo (1528-1588), célèbre artiste italien
12. profondeur des ombres - contrastes d'ombres
13. curieusement - intéressant
14. informations précises - certaines informations
15. dans une habitude de Van Dyck - à la manière de Van Dyck
16. différend - discussion
17. maintenir - affirmer, défendre
18. prédominant - ce qui prévaut, dominant
19. attirer l'attention générale - attirer l'attention générale
20. fidèle à la réalité - ici : réaliste, réaliste
21. gagner sa vie - gagner sa vie
22. présenter - présenter

Des questions

1. Qui fut le premier artiste anglais des XVIIe-XVIIIe siècles ?
2. Quel est le sujet du tableau de Hogarth, Le Contrat de mariage ?
3. Qui fut le premier président de la Royal Academy ?
3. Quelles photos de Gainsborough connaissez-vous ?
4. Gainsborough a-t-il peint uniquement des portraits ?
5. Quelle est la couleur prédominante dans ses images ?

À la fin de la Première Guerre mondiale, l’art britannique semble intimidé, comme envahi par le sentiment de sa propre insignifiance face à des événements aussi catastrophiques. Les artistes d’Europe continentale ont de nouveau embrassé le modernisme, mais les artistes britanniques sont restés hésitants. Pourtant, les quatre décennies suivantes ont donné au pays des innovateurs ; Certes, ils travaillaient chacun de leur côté. Pour beaucoup, l'image (figure) d'une personne, bien que sous les formes les plus contre nature, reste le thème principal de la créativité. Plusieurs âmes sœurs se sont jointes à leurs efforts créatifs. L'expressionnisme abstrait de Picasso a trouvé un écho auprès des artistes du groupe Unit One de la ville cornouaillaise de St. Ives. Des maîtres comme Stanley Spencer, Augustus John et Lucian Freud ont progressivement modifié les canons de la peinture figurative. Francis Bacon a particulièrement contribué à la destruction de la tradition avec ses portraits grotesques. Le fondateur d'Unit One, Paul Nash, célèbre pour ses peintures sur la Première Guerre mondiale, a donné aux spectateurs un regard surréaliste sur le paysage britannique ; John Piper, un autre artiste de guerre, est devenu un pionnier du style néo-romantisme, expérimentant la couleur dans des paysages dramatiques.

Stanley Spencer Il a choqué ses contemporains en créant des toiles représentant des scènes bibliques encadrées par des scènes idylliques de la vie rurale dans la Grande-Bretagne de l'entre-deux-guerres. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il peint une série de tableaux illustrant le dur travail des constructeurs navals dans les chantiers navals de la rivière Clyde. Dans ses œuvres ultérieures, l’élément sexuel s’intensifie. Les portraits nus de la seconde épouse de Spencer ont incité le président de la Royal Academy of Arts à accuser l'artiste d'obscénité. Mais peu importe ce que Spencer représente, son style figuratif se distingue par une précision virtuose.

Henri Moore- sculpteur britannique exceptionnel du 20ème siècle. Après avoir étudié l’art sud-américain dans les années 1920, Yorkshireman Moore se tourne vers l’art abstrait une décennie plus tard. Partant de l'art de Picasso, il progresse dans son œuvre depuis des masses volumétriques informes jusqu'à la création de formes féminines fluides, qui seront le motif principal de sa sculpture jusque dans les années 1980. "Mes énormes personnages allongés", a déclaré Moore, "sont générés par la nature", ce qui explique peut-être pourquoi ils semblent complètement naturels dans un environnement de jardinage paysager.

Petite amie Mura Barbara Hepworth aimait aussi les formes abstraites, mais les interprétait comme des symboles de la nature plutôt que comme des figures. Travaillant le métal, le bois et la pierre, elle crée des images biomorphiques avec une texture tangible. Les compositions de Hepworth se caractérisent par la présence de trous qui se fondent harmonieusement dans la sculpture. Son œuvre la plus célèbre est peut-être « Single Form » (Single Form, 1963), située dans le bâtiment de l’Assemblée générale des Nations Unies à New York. Hepworth est décédée dans un incendie dans son studio à St Ives en 1975.

Francis Baconétait le plus important artiste britannique XXe siècle. Il n'avait pas éducation spéciale, mais au début de l'âge adulte, il visite régulièrement toutes les galeries d'art de Paris, Berlin et Londres. L'œuvre de Picasso a eu une énorme influence sur lui. En 1945, il expose à Londres son œuvre « Trois études pour des figures à la base d'une crucifixion » (1944) - d'étranges compositions surréalistes de formes anthropomorphes, rappelant soit des personnes, soit des animaux, ou Dieu sait qui d'autre. Le lendemain matin, Bacon s'est réveillé célèbre. Il peint dans le style de l'art figuratif, mais ses portraits - des personnages déchirés, comme retournés, « déformés puis transformés », comme l'a dit un jour l'artiste lui-même, ont laissé une impression indélébile. Certaines de ses peintures sont basées sur des œuvres classiques. Telle est, par exemple, son pontife hurlant - l'image originale du sévère pape Innocent X tirée du portrait de Velazquez, déformée au-delà de toute reconnaissance. Les bouches ouvertes et hurlantes sont un motif récurrent dans son œuvre. Bacon avait également l'habitude de peindre des visages à côté de morceaux de viande, faisant allusion à leurs similitudes psychologiques.

Lucien Freud, petit-fils de Sigmund Freud, a émigré en Grande-Bretagne depuis l'Allemagne nazie dans sa jeunesse avec sa famille. S'inspirant largement du style de Stanley Spencer, il développe une approche réaliste et prosaïque de la représentation de la figure humaine, en appliquant de la peinture en couches épaisses. Avec l'âge, Freud a progressivement modifié son interprétation des images humaines, sans aucune pitié, décrivant les gens de manière de plus en plus naturaliste, avec toutes leurs bosses et leurs verrues. Des pièces sales et peu attrayantes servaient de décor à ses personnages sédentaires, généralement nus et apathiques. Largement connu comme un artiste talentueux, Freud a continué à écrire au 21e siècle. En 2008, son portrait d'une assistante sociale nue et endormie est devenu le plus travail coûteuxœuvre d'art d'un artiste vivant : elle a été adjugée 17,2 millions de livres sterling aux enchères.

Joseph Turner

Entre 1802 et 1809, Turner peint une série de pièces marines, parmi lesquelles « Sun Rising in Mist ». Les chefs-d'œuvre de cette période sont « Le Lac Léman », « Matin glacial », « La Traversée du Ruisseau », etc. En 1819, Turner effectua sa première visite en Italie. Au cours du voyage, il réalisa environ 1 500 dessins et, au cours des années suivantes, il peignit une série de tableaux inspirés de ce qu'il avait vu. Turner était le maître de l'air et du vent, de la pluie et du soleil, de l'horizon, des navires et de la mer. Il dissout les formes de son paysage dans des jeux d'ombre et de lumière, il anticipe le travail des peintures impressionnistes françaises. Au cours de sa vie, Turner a peint quelques centaines de tableaux et quelques milliers d'aquarelles et de dessins. À sa mort, toute la collection de peintures et de dessins de Turner a été léguée à la nation et se trouve dans les galeries National et Tate.

Thomas Gainsborough

Ses œuvres paysagères contiennent beaucoup de poésie et de musique. Ses meilleures œuvres sont « Blue Boy », « Le portrait de la duchesse de Beaufort », « Sara Siddons » et autres. La découverte particulière de Gainsborough a été la création d'une forme d'art dans laquelle les personnages et l'arrière-plan forment une seule unité. Le paysage n'est pas laissé à l'arrière-plan, mais dans la plupart des cas, l'homme et la nature fusionnent en un seul tout grâce à l'harmonie atmosphérique des ambiances. Gainsborough a souligné que le contexte naturel de ses personnages devrait être la nature elle-même. Ses œuvres, peintes dans des tons clairs et transparents, ont eu une influence considérable sur les artistes de l'école anglaise. Il était en avance sur son temps. Son art est devenu précurseur du mouvement romantique.

John Constable

John Constable, l'un des plus grands peintres paysagistes, est né à Sufford le 11 juin 1776. Il était le fils d'un riche meunier. Il a commencé à s'intéresser à la peinture de paysage alors qu'il était au lycée. Son père ne privilégiait pas l'art comme métier. Enfant, Constable travaillait presque secrètement, peignant dans la maison d'un peintre amateur. Son vif intérêt artistique est tel que son père lui permet de visiter Londres en 1795, où il commence à étudier la peinture. En 1799, Constable entre à la Royal Academy School de Londres. Il fut le premier paysagiste à considérer que tout peintre devait réaliser ses croquis directement d'après nature, c'est-à-dire travailler en plein air. L'art de Constable s'est développé lentement.

Il essayait de gagner sa vie grâce aux portraits. Son cœur n’y a jamais été et il n’a atteint aucune popularité. Constable était réaliste. Il a mis dans son paysage de bétail, ses chevaux, les gens qui y travaillaient. Il mettait les prairies souriantes, l'éclat du soleil sur la pluie, ou les nuages orageux et incertains. Les œuvres les plus remarquables de Constable sont « Flatford Mill », « The White Horse », « The Hay Wain », « Waterloo Bridge », « From Whitehall escaliers » et d'autres. En Angleterre, Constable n'a jamais reçu la reconnaissance qui lui était due. Les Français furent les premiers à acclamer publiquement Constable. Son influence sur les écoles de peinture étrangères a été puissante. Constable peut véritablement être considéré comme le père de la peinture paysagère moderne.

Traduction du sujet en russe :

Joseph Turner

Les chefs-d'œuvre de cette période sont : « Lac Léman », « Frosty Morning », « Crossing the Stream » et autres. En 1819, Turner revint de son premier voyage en Italie. Au cours du voyage, il réalise environ 1 500 dessins et l'année suivante, inspiré par ce qu'il voit, il peint une série de tableaux. Turner était un maître de l'air et du vent, de la pluie et du soleil, de l'horizon, des navires et de la mer. Les contours de ses paysages se dissolvent dans les jeux d'ombre et de lumière, il est en cela le prédécesseur des impressionnistes français. Tout au long de sa vie, Turner a peint des centaines de tableaux et des milliers d'aquarelles et de dessins. Après sa mort, la collection de ses peintures, selon son testament, fut transférée à la National Gallery et à la Tate Gallery.

Thomas Gainsborough

Ses paysages sont remplis de poésie et de musique. Ses meilleures œuvres sont "The Blue Boy", "Portrait de la duchesse Beaufer", "Sarah Siddons" et d'autres. Une découverte importante de Gainsborough fut sa création d'une forme de peinture où les personnages et le paysage forment un tout. Le paysage n'est pas qu'un arrière-plan, mais dans la plupart des cas l'homme et la nature se confondent dans une atmosphère d'harmonie des humeurs. Gainsborough a souligné que le contexte naturel de personnages il doit y avoir la nature elle-même. Ses œuvres, exécutées dans des couleurs claires et transparentes, ont eu une influence significative sur les artistes de la peinture anglaise. Il était en avance sur son temps. Son art devient un précurseur du mouvement romantique.

John Constable

Les compétences du gendarme se sont développées progressivement. Il commence à gagner sa vie en peignant des portraits. Son cœur n’y a jamais été et il n’a donc pas atteint la popularité. Constable était réaliste. Sur ses toiles, il représente du bétail, des chevaux et des personnes qui y travaillent. Il a peint des prairies scintillantes de rosée, des étincelles de soleil dans des gouttes de pluie et des nuages d'orage violents. Les œuvres les plus célèbres de Constable sont « The Mill at Flatford », « Cheval Blanc», « Un chariot de foin », « Waterloo Bridge », « From the Steps of Whitehall » et d'autres. En Angleterre, Constable n’a pas reçu la reconnaissance à laquelle il s’attendait à juste titre. Les Français furent les premiers à reconnaître publiquement Constable. Son influence sur les écoles de peinture étrangères fut énorme. Constable peut à juste titre être reconnu comme le fondateur du genre paysager.

Joseph Turner

Joseph Turner - le grand peintre paysagiste anglais - est né à Covent Garden à Londres, le 23 avril 1775. Il était le fils d'un coiffeur à la mode à cette époque. Dès son plus jeune âge, il commence à dessiner. Son père vendait les dessins du garçon à ses visiteurs. Il gagnait ainsi de l’argent, qui servait à payer ses cours d’art. À l'âge de 14 ans, il entre à l'école de la Royal Academy. Ses dessins à l'aquarelle sont exposés à la Royal Academy depuis l'âge de quinze ans. A l'âge de 18 ans, il crée son propre studio. Il a d'abord travaillé à l'aquarelle puis à l'huile. Entre 1802 et 1809, Turner peint une série de paysages marins, parmi lesquels Soleil levant dans le brouillard. Des chefs-d'œuvre de cette période sont considérés : « Lac Léman », « Frosty Morning », « Crossing the Stream » et d'autres. En 1819, Turner revint de son premier voyage en Italie. Au cours du voyage, il réalise environ 1 500 dessins et l'année suivante, inspiré par ce qu'il voit, il peint une série de tableaux. Turner était un maître de l'air et du vent, de la pluie et du soleil, de l'horizon, des navires et de la mer. Les contours de ses paysages se dissolvent dans les jeux d'ombre et de lumière, il est en cela le prédécesseur des impressionnistes français. Tout au long de sa vie, Turner a peint des centaines de tableaux et des milliers d'aquarelles et de dessins. Après sa mort, la collection de ses peintures, selon son testament, fut transférée à la National Gallery et à la Tate Gallery.

Thomas Gainsborough

Thomas Gainsborough était un maître de l'école de peinture anglaise. Il peint des portraits et des paysages. Il est né à Sudbury en 1727, fils d'un marchand. Son père l'envoya à Londres pour étudier la peinture. Il a passé 8 ans à Londres pour travailler et étudier. C'est là qu'il fait la connaissance de l'école de peinture traditionnelle flamande. Ses portraits sont dominés par les couleurs vertes et bleues. Il fut le premier artiste anglais à représenter la nature et la campagne britannique. Il a représenté une botte de foin, une maison pauvre, des paysans pauvres. Ses paysages sont remplis de poésie et de musique. Ses meilleures œuvres sont "The Blue Boy", "Portrait de la duchesse Beaufer", "Sarah Siddons" et d'autres. Une découverte importante de Gainsborough fut sa création d'une forme de peinture où les personnages et le paysage forment un tout. Le paysage n'est pas qu'un arrière-plan, mais dans la plupart des cas l'homme et la nature se confondent dans une atmosphère d'harmonie des humeurs. Gainsborough a souligné que l'arrière-plan naturel des personnages devrait être la nature elle-même. Ses œuvres, exécutées dans des couleurs claires et transparentes, ont eu une influence significative sur les artistes de la peinture anglaise. Il était en avance sur son temps. Son art devient un précurseur du mouvement romantique.

John Constable

John Constable, l'un des peintres paysagistes les plus célèbres, est né à Safford le 11 juin 1776. Il était le fils d'un riche meunier. Il a commencé à s'intéresser à la peinture dès l'école primaire. Son père n'approuvait pas l'art en tant que profession. Enfant, Costable travaillait en secret, peignant chez un artiste amateur. Son intérêt pour la peinture convainc son père de l'envoyer à Londres en 1795, où il commence à étudier la peinture. En 1799, Constable entre à l'école de la Royal Academy de Londres. Il fut le premier des peintres paysagistes à croire qu'il fallait faire des croquis d'après nature, c'est-à-dire travailler en plein air. Les compétences du gendarme se sont développées progressivement. Il commence à gagner sa vie en peignant des portraits. Son cœur n’y a jamais été et il n’a donc pas atteint la popularité. Constable était réaliste. Sur ses toiles, il représente du bétail, des chevaux et des personnes qui y travaillent. Il a peint des prairies scintillantes de rosée, des étincelles de soleil dans des gouttes de pluie et des nuages d'orage violents. Les œuvres les plus célèbres de Constable sont « The Mill at Flatford », « The White Horse », « The Hay Wain », « Waterloo Bridge », « From the Steps of Whitehall » et d'autres. En Angleterre, Constable n’a pas reçu la reconnaissance à laquelle il s’attendait à juste titre. Les Français furent les premiers à reconnaître publiquement Constable. Son influence sur les écoles de peinture étrangères fut énorme. Constable peut à juste titre être reconnu comme le fondateur du genre paysager.

Traduction en anglais :

Joseph Turner, le plus grand peintre paysagiste romantique anglais, est né à Covent Garden, Londres, le 23 avril 1775. Il était le fils d'un barbier à la mode. Il a commencé à dessiner et à peindre dès son plus jeune âge. Son père vendait les dessins du garçon à ses clients. Il gagnait ainsi de l'argent que son père payait pour ses cours d'art. À l'âge de 14 ans, il entre à la Royal Academy School. Ses aquarelles furent exposées à la Royal Academy dès l'âge de quinze ans. À 18 ans, il avait créé son propre studio. Turner a d'abord travaillé à l'aquarelle, puis à l'huile. Entre 1802 et 1809, Turner peint une série de pièces marines, parmi lesquelles « Sun Rising in Mist ». Les chefs-d'œuvre de cette période sont « Le Lac Léman », « Matin glacial », « La Traversée du Ruisseau », etc. En 1819, Turner effectua sa première visite en Italie. Au cours du voyage, il réalisa environ 1 500 dessins et, au cours des années suivantes, il peignit une série de tableaux inspirés de ce qu'il avait vu. Turner était le maître de l'air et du vent, de la pluie et du soleil, de l'horizon, des navires et de la mer. Il dissout les formes de son paysage dans des jeux d'ombre et de lumière, il anticipe le travail des peintures impressionnistes françaises. Au cours de sa vie, Turner a peint quelques centaines de tableaux et quelques milliers d'aquarelles et de dessins. À sa mort, toute la collection de peintures et de dessins de Turner a été léguée à la nation et se trouve dans les galeries National et Tate.

Thomas Gainsborough

Thomas Gainsborough était un maître de l'école de peinture anglaise. Il était portraitiste et paysagiste. Il est né à Sudbury en 1727 et était le fils d'un marchand. Son père l'envoya à Londres pour étudier les arts. Il a passé 8 ans à travailler et étudier à Londres. Il y fait la connaissance de l'école traditionnelle flamande de peinture. Dans ses portraits, les couleurs vertes et bleues prédominent. Il fut le premier peintre britannique à peindre la campagne britannique. Il a peint un chariot de foin, une chaumière pauvre, de pauvres paysans. Ses œuvres paysagères contiennent beaucoup de poésie et de musique. Ses meilleures œuvres sont "Blue Boy", "Le Portrait de la duchesse de Beaufort", "Sara Siddons" et d'autres. La découverte particulière de Gainsborough a été la création d'une forme d'art dans laquelle les personnages et l'arrière-plan forment une seule unité. Le paysage n'est pas laissé à l'arrière-plan, mais dans la plupart des cas, l'homme et la nature fusionnent en un seul tout grâce à l'harmonie atmosphérique des ambiances. Gainsborough a souligné que le contexte naturel de ses personnages devrait être la nature elle-même. Ses œuvres, peintes dans des tons clairs et transparents, ont eu une influence considérable sur les artistes de l'école anglaise. Il était en avance sur son temps. Son art est devenu précurseur du mouvement romantique.

Les collectionneurs de peintures anciennes sont conservateurs dans leurs préférences. Les plus intéressants sont Maîtres italiens Renaissance, vieux hollandais et Peintres allemands, impressionnistes français et quelques autres. Dans le même temps, les artistes d’autres pays et d’autres époques méritent souvent une attention tout aussi particulière. Regardons les peintures de l'Angleterre.

Rares sont ceux qui qualifieraient la peinture anglaise de l'un des trésors du pays, et en vain. Parmi les artistes anglais, il existe de nombreux maîtres intéressants et originaux, dont les créations ornent les meilleures galeries d'art du monde et les plus riches collections privées d'objets d'art.

Cependant, parmi de larges cercles d’amateurs d’art, l’Angleterre est injustement reléguée au second plan. Tout le monde ne peut pas citer sans hésitation au moins trois peintres anglais. Essayons d'éliminer cette injustice en proposant brève revue la peinture anglaise ancienne depuis sa formation en un phénomène distinct et indépendant de l'art mondial.

Les origines de la peinture anglaise.

Jusqu'au XVIIe siècle, on ne pouvait parler de la peinture anglaise que de manière conditionnelle. Il y avait des miniatures ou des fresques, mais les Anglais faisaient pâle figure sur fond d'écoles italiennes ou hollandaises. La peinture n'était pas encouragée dans le pays - les puritains stricts et sévères qui dominaient la sphère idéologique n'acceptaient aucune sorte de « décoration ».

Il n'est pas surprenant que les auteurs du premier ouvrage anglais peintures ils n'étaient pas anglais. L'histoire de la peinture anglaise devrait commencer avec les œuvres des grands Néerlandais Rubens et Van Dyck, qui ont donné une puissante impulsion au développement des beaux-arts anglais. Mais si l'exécution par Rubens des peintures murales pour le palais de Whitehall en 1629 n'est devenue pour l'artiste, en substance, qu'un brillant ajout à sa carrière de diplomate (il était le chef de l'ambassade du roi d'Espagne lors des négociations avec Charles Ier d'Angleterre), alors Anthony Van Dyck était l'artiste de la cour de Charles et a reçu la noblesse. Il est enterré dans la célèbre cathédrale Saint-Paul de Londres.

Van Dyck et les Néerlandais Cornelis Ketel, Daniel Mitens, les Allemands von der Faes (Peter Lely) et Gottfried Kniller (Sir Godfrey Kneller, le favori de Cromwell) venus après lui en Angleterre étaient des portraitistes. Leurs peintures se distinguent par un savoir-faire brillant et la subtilité de l'observation psychologique. Leurs services ont été très appréciés. Ils furent tous anoblis et Neller fut même enterré à l’abbaye de Westminster.

Le genre dominant de la peinture anglaise était portrait de cérémonie. Les sujets historiques et mythologiques occupent une place secondaire et les paysagistes sont peu nombreux.

Les Anglais du XVIIe siècle furent contraints de céder les premiers rôles à de brillants étrangers. Mais même parmi eux, des maîtres originaux sont apparus. Ainsi, William Dobson (1610-1646) commença par copier des tableaux de Titien et de Van Dyck, mais désormais les seigneurs écossais les exposent fièrement dans leurs châteaux. tableaux anciens, dont beaucoup sont des portraits de leurs ancêtres par Dobson.

Le XVIIIe siècle est « l’âge d’or » de la peinture anglaise.

Une véritable percée dans les arts visuels, qui a éliminé la stigmatisation des « étudiants éternels » des Britanniques, a été l'œuvre de William Hogarth (1697-1764).

Il ouvre le XVIIIe siècle « doré » de la peinture anglaise. C’était un innovateur et un réaliste à tous points de vue. Il peint des marins, des mendiants, ses propres serviteurs et des femmes de petite vertu. Ses peintures ou cycles individuels sont parfois fortement satiriques, parfois profondément tristes, mais toujours très vivants et réalistes. Et la gaieté éclatante de « La Fille aux crevettes » (1745) vous fait tout simplement sourire. Ce portrait est unanimement considéré par les amateurs et les critiques comme l'un des portraits les plus intéressants et les plus vitaux de l'époque.

Hogarth écrivait également des sujets historiques et était un maître de la gravure. Il est l'auteur de l'essai « Analyse de la beauté », consacré aux questions des buts et du sens des beaux-arts (1753).

C'est précisément à partir de Hogarth que la société éclairée d'Europe a commencé à donner à la peinture anglaise la place qui lui revient, que les peintures anglaises sont devenues demandées et que l'artiste lui-même a acquis une renommée continentale.

Le deuxième grand maître, dont les œuvres devraient retenir l'attention des connaisseurs de peintures anciennes, fut Joshua Reynolds (1723-1792), le premier président de la Royal Academy of Arts. Il étudie en Angleterre et passe trois ans en Italie, où Michel-Ange devient son idole. Le portrait reste le genre principal dans lequel l'artiste travaille.

Ses créations se distinguent par une grande diversité - des portraits d'apparat de la noblesse remplis de perfection et de raideur aux charmantes images d'enfants (il suffit de regarder la merveilleuse « Fille aux fraises », 1771).

Le maître a également fait don des sujets mythologiques indispensables, mais ses personnages ne sont en aucun cas académiques. Il suffit de regarder la espiègle Vénus (« Cupidon dénoue la ceinture de Vénus », 1788) ou le fauteur de troubles au sérieux enfantin Hercule (« L'Enfant Hercule étrangle le serpent », 1786).

Reynolds était également un théoricien de l'art exceptionnel, qui a laissé de nombreuses œuvres dont des générations de peintres ont tiré leurs leçons. À la fin de sa vie, l'artiste a subi un coup terrible : il a perdu la vue.

Le troisième grand maître de cette période fut Thomas Gainsborough (1727-1788), le rival constant de Reynolds. Gainsborough, inférieur à son adversaire par la minutie de son pinceau et le raffinement de sa technique, le surpassa en originalité et en spontanéité dans la transmission de la nature.

Il faut dire que Gainsborough ne s'est lancé dans le portrait que parce que ce genre, contrairement à son paysage favori, permettait de vivre confortablement. Cependant, ses portraits étaient remarquablement différents des portraits traditionnels. Les gens y vivent vraiment, ils sont immergés dans leur monde intérieur, sans poser ni « immergés dans des pensées sur de grandes choses ». C'est pourquoi Gainsborough propose tant de portraits de famille et d'enfants : les clients préféraient voir leurs proches tels qu'ils sont.

Le chef-d'œuvre le plus célèbre de Gainsborough est peut-être The Boy in Blue (1770). Transmission fine monde intérieur un jeune homme calme et digne, une magnifique palette de couleurs - tout cela place Gainsborough parmi les plus grands portraitistes d'Europe du XVIIIe siècle. Au fil des années, le style pictural de l’artiste devient de plus en plus libre, léger et large, évoquant des associations avec l’impressionnisme bien plus tardif.

Cependant, le genre favori du maître a toujours été le paysage. Même dans ses portraits, l’arrière-plan joue un rôle important, parfois presque égal. Les pinceaux de Gainsborough comprennent de nombreux types de nature anglaise, dont les plus célèbres sont « Forest Cornard ». période au début créativité (1748) et « L'Abreuvoir » (vers 1774-1777).

vers 1774-1777)

Lorsqu'on parle du paysage anglais, on ne peut manquer de mentionner Richard Wilson (1714-1782). Il a coloré les peintures, qui étaient assez traditionnelles dans leur composition et leurs sujets, avec des tons vifs et vibrants. Par conséquent, ses toiles semblaient trop naturelles à ses contemporains et peu de gens étaient prêts à acheter ses peintures. Le maître reçut une reconnaissance bien méritée seulement un siècle après sa mort. Parmi les autres peintres paysagistes, on peut citer les disciples de Gainsborough, George Moreland (1763-1804) et John Crome (1768-1821), fondateur de l'école « Norwich », devenue célèbre au XIXe siècle.

Dans la seconde moitié du siècle, une direction historique a émergé dans la peinture anglaise, mais peu de maîtres véritablement remarquables ont travaillé dans le genre historique. Acheter des tableaux historiques était considéré comme une sorte de devoir patriotique.

Le tournant des XVIII-XIX siècles. Nouvelles tendances de la peinture anglaise

La fin du XVIIIe siècle est marquée par de grands bouleversements. La Révolution française et l’ère napoléonienne ont mis sur le devant de la scène de nouveaux héros : militaires, hommes politiques et combattants. Portrait et peinture d'histoire acquérir une importance exceptionnelle. Mais si certaines images d’hommes d’État sont traditionnellement pleines de dignité et d’importance, d’autres portent l’empreinte du romantisme débridé qui dominait la littérature de cette époque. Le représentant le plus éminent de la première direction était Thomas Lawrence, le second était George Dow.

L’art « brillant mais froid » (comme le disent les critiques d’art) de Lawrence (1769-1830) lui a valu une énorme popularité sur le continent. Ses mérites ont également été reconnus par son pays natal: il a été pendant de nombreuses années président de la Royal Academy of Arts. Ses portraits se distinguent par la représentation soignée des draperies, des vêtements, la signification des visages des personnages, leur estime de soi et leur supériorité. Même dans le portrait de Caroline Lamb, une dame incroyablement célèbre, excentrique et capricieuse, l’amante de Byron, dont les pitreries étaient légendaires, nous voyons une femme calme et réfléchie.

C’est pour cette raison que parmi les clients de Lawrence se trouvent de nombreuses personnes issues des familles les plus nobles d’Europe, des rois et des princesses. Souvent, pour plaire au client, l'artiste refait des portraits, donnant aux visages la majesté qui leur revient.

Les œuvres de George Dow (1789-1829), au contraire, se distinguent par leur émotivité et leur vivacité. Selon A.G. Venetsianov, les portraits de Doe ne sont pas des portraits, mais des visages vivants. L'artiste a réalisé ses meilleures toiles en Russie, où, à l'invitation d'Alexandre Ier, il a peint des portraits pour la galerie militaire du Palais d'Hiver. Dow a peint de nombreux portraits des chefs militaires les plus éminents de Russie et son portrait d'Alexandre Ier est considéré comme la meilleure image de l'empereur.

Ses toiles ont été peintes rapidement, littéralement en trois séances, et ressemblaient étonnamment à l'original. Les clients étaient absolument ravis. Pouchkine a décrit le travail de Doe avec d'excellents mots. L'autorité du maître était si grande qu'il fut élu membre des académies d'art de Saint-Pétersbourg, Londres, Vienne, Paris, Florence, Dresde, Munich et Stockholm.

La peinture de paysage anglaise connaît un développement particulier au tournant du siècle. Les maîtres britanniques de ce genre jouent un rôle de premier plan en Europe. La plus grande influence sur les artistes ultérieurs fut John Constable (1776-1837). Il n’était jamais allé à l’étranger et n’écrivait que sur la bonne vieille Angleterre. Il a représenté des vues de son pays natal avec la plus grande authenticité. Le maître maîtrisait si magistralement la couleur et le clair-obscur que, selon les contemporains, dans ses peintures, on peut littéralement sentir la fraîcheur du vent et entendre le bruissement des feuilles dans la cime des arbres.

La fin du XVIIIe siècle est marquée par la généralisation de l'aquarelle. Les peintures à l’eau étaient autrefois souvent utilisées en Angleterre, mais c’est maintenant que l’aquarelle est appréciée. Constable était un excellent aquarelliste, mais la véritable perfection de l'aquarelle a été atteinte par une autre sommité du paysage anglais - Joseph William Turner (1775-1851). Ses éléments étaient la mer et l'air, les deux sujets les plus gratifiants pour les efforts d'un aquarelliste, les éléments sont rapides, capricieux et changeants.

De nombreuses œuvres de Turner sont peintes à l'huile, mais il n'a jamais trahi ses éléments favoris. Même dans les images assez traditionnelles de monuments architecturaux, le ciel et l'eau sont l'un des personnages principaux. Toutes les peintures de l’artiste regorgent d’effets de lumière, et même des objets spécifiques transmettent la nature autant qu’ils servent de supports de couleurs vives et créent l’ambiance générale de l’image. L’un des tableaux les plus caractéristiques à cet égard et peut-être le plus expressif est « Le feu en mer » (1834).

La contribution de Turner au monde des beaux-arts ne se limite pas à ses propres peintures. Pendant la guerre franco-prussienne, les futurs célèbres Claude Monet, Alfred Sisley et Camille Pissarro quittent la France et se rendent à Londres pour étudier le travail des peintres paysagistes anglais. Ils ont été très influencés par les œuvres de Turner, dont le désir de sacrifier souvent les détails, mais de créer l'ambiance émotionnelle générale de l'image grâce au jeu de couleurs et à la liberté de trait, est devenu plus tard l'un des principes fondamentaux de l'impressionnisme. Turner peut donc à juste titre être considéré comme l’un des précurseurs de ce grand mouvement.

Milieu du 19ème siècle. À la recherche du nouveau dans l'ancien

La seconde moitié du XIXe siècle a été caractérisée par un certain nombre de critiques comme une période de stagnation de la peinture anglaise. La même opinion était partagée par un groupe de jeunes artistes très populaire à une époque, qui organisa la Confrérie préraphaélite à la fin des années 40. Ses membres appelaient au rejet des traditions mortes, des conventions et de l’académisme de l’art moderne et à un retour à la peinture directe et sincère de la période « d’avant Raphaël ».

Dans le travail des membres de la Confrérie, le désir de suivre les canons du début de la Renaissance est clairement perceptible. Cela s'exprimait dans tout, depuis l'intrigue, le style d'écriture avec attention particulière aux détails et à l'élaboration profonde de la couleur, et à l'exigence de peindre uniquement d'après nature et directement sur toile. Ils essayèrent même de préparer des toiles et des peintures selon des recettes médiévales.

La rébellion des jeunes peintres contre les canons, leur courage suscitent bientôt le rejet de la communauté des arts premiers. Cependant, le soutien actif du critique faisant autorité John Ruskin a changé l'attitude des amateurs d'art envers la Confrérie.

Les figures les plus marquantes de la Confrérie sont Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) et John Everett Millais (1829-1896). Ils sont les auteurs des tableaux les plus caractéristiques de la Confrérie - "La Mort d'Ophélie" de Millet et de nombreux portraits de Jane Morris, la bien-aimée de Rossetti, sous la forme des mythiques Proserpine, Astarté, etc.

La société préraphaélite s'est effondrée au tournant des années 50 et 60, mais au cours des décennies suivantes, son influence a été très visible, non seulement dans la peinture ou la poésie, mais aussi dans l'art du mobilier, la conception de livres et d'autres domaines appliqués. Le sort de ses membres s’est avéré différent. Ainsi, si Rossetti abandonne complètement la peinture, alors Millet, s'éloignant quelque peu du style du préraphaélitisme, reste très demandé et est aujourd'hui l'artiste le plus apprécié en Angleterre de la 2e moitié du XIXe siècle.

À la fin du siècle, l’Angleterre était de plus en plus influencée par Artistes français- réalistes et impressionnistes. L'un des représentants les plus intéressants de l'école anglaise de cette période était James McNeil Whistler, portraitiste et paysagiste (1834-1903), né aux États-Unis. Il peint selon une technique traditionnelle, mais son amour pour les effets subtils de lumière et d'ombre, les états de nature instables et instables le rapproche des impressionnistes.

Paysage fin XIXème et début XXème siècles. est resté le passe-temps des peintres anglais. Parmi les adeptes de l'impressionnisme, on peut citer l'étudiant de Whistler Richard Sickert (1860-1942), parmi les peintres paysagistes traditionnels - George Turner et son fils William Lakin Turner (1867-1936), Frederick Tucker (1860-1935) et d'autres. Ils assimilèrent pleinement l'héritage de leurs célèbres prédécesseurs et représentèrent dignement la tradition picturale anglaise dans art européen. Le travail des deux derniers maîtres est présenté dans notre collection.

Même un rapide coup d'œil sur les créations des maîtres évoqués dans cet article permet de comprendre le pouvoir attractif de la peinture ancienne. N'oublions pas qu'acheter un tableau n'est pas qu'un investissement rentable. Ceci, tout d’abord, apportera dans la maison la beauté, fruit de l’inspiration du maître, morceau de son immortalité.