Le thème du paysage en tant que genre des beaux-arts est le terrain. AVEC Français Le mot « paysage » est traduit par « terrain, pays ». Après tout, le paysage n’est pas seulement l’image de la nature qui nous est familière. Le paysage peut aussi être urbain (architectural par exemple). Dans le paysage urbain, on distingue une image d'une précision documentaire - « veduta ».
Et si nous parlons du paysage naturel, alors ils sont mis en évidence séparément paysage marin, qui s'appelle « marina » (en conséquence, les artistes représentant la mer sont appelés « marinistes »), cosmique (image de l'espace céleste, des étoiles et des planètes).
Mais les paysages diffèrent aussi en termes de temps : paysages modernes, historiques, futuristes.
Cependant, en art, quel que soit le paysage (réel ou fictif), il s’agit toujours d’une image artistique. À cet égard, il est important de comprendre que pour tout le monde style artistique(classicisme, baroque, romantisme, réalisme, modernisme) se caractérisent par leur propre philosophie et esthétique des images de paysage.
Bien entendu, le genre du paysage s’est développé progressivement, tout comme la science se développait. Apparemment, quel est le point commun entre les paysages et la science ? Beaucoup en commun! Pour créer un paysage réaliste, il faut connaître la perspective linéaire et aérienne, la proportionnalité, la composition, le clair-obscur, etc.
Par conséquent, le genre du paysage est considéré comme un genre relativement jeune en peinture. Pendant longtemps, le paysage n'a été qu'un moyen « auxiliaire » : la nature a été représentée en arrière-plan dans les portraits, les icônes, scènes de genre. Souvent, ce n’était pas réel, mais idéalisé et généralisé.
Et bien que le paysage ait commencé à se développer dans l'art oriental ancien, sens indépendant il est entré Art d'Europe occidentaleà partir du 14ème siècle environ.
Et il serait très intéressant de comprendre pourquoi cela s’est produit. Après tout, à cette époque, une personne était déjà capable de représenter assez correctement des idées abstraites, son apparence, sa vie, des animaux dans des symboles graphiques, mais elle resta longtemps indifférente à la nature. Et c'est seulement maintenant qu'il essaie de comprendre la nature et son essence, parce que... Pour représenter, il faut comprendre.
Développement du paysage dans la peinture européenne
L’intérêt pour le paysage se manifeste clairement à partir de la peinture du début de la Renaissance.
artiste et architecte italien Giotto(vers 1267-1337) développa une approche complètement nouvelle de la représentation de l'espace. Et bien que dans ses peintures le paysage ne soit également qu'un moyen auxiliaire, il portait déjà une charge sémantique indépendante ; Giotto transformait l'espace plat et bidimensionnel de l'icône en trois dimensions, créant l'illusion de profondeur à l'aide du clair-obscur.
Giotto "Fuite en Egypte" (Église Saint-François d'Assise)
La peinture transmet l’ambiance printanière idyllique du paysage.
Le paysage commença à jouer un rôle encore plus important au cours de la Haute Renaissance (XVIe siècle). C'est durant cette période que commence la recherche des possibilités de composition, de perspective et d'autres éléments de la peinture pour transmettre le monde environnant.
Les maîtres ont joué un rôle majeur dans la création du genre paysager de cette période école vénitienne: Giorgione (1476/7-1510), Titien (1473-1576), Le Greco (1541-1614).
El Greco "Vue de Tolède" (1596-1600). Musée métropolitain d'art (New York)
La ville espagnole de Tolède est représentée sous un ciel sombre et orageux. Le contraste entre le ciel et la terre est évident. La vue de la ville est donnée d'en bas, la ligne d'horizon est élevée et une lumière fantasmagorique est utilisée.
En créativité Pieter Bruegel (l'Ancien) le paysage gagne déjà en ampleur, en liberté et en sincérité. Il écrit simplement, mais dans cette simplicité on peut voir la noblesse d'une âme qui sait voir la beauté de la nature. Il sait rendre à la fois le petit monde sous ses pieds et l'immensité des champs, des montagnes et des cieux. Il n'a pas d'endroits morts et vides - tout vit et respire avec lui.
Nous attirons votre attention sur deux tableaux de P. Bruegel du cycle « Les Saisons ».
P. Bruegel (l'Ancien) « Le retour du troupeau » (1565). Kunsthistorisches Museum (Vienne)
P. Bruegel (L'Ancien) « Chasseurs dans la neige » (1565). Kunsthistorisches Museum (Vienne)
En images artiste espagnol D. Velazquez on voit déjà naître le plein air ( plein air- du fr. en plein air – peinture « en plein air ». Son œuvre « Vue de la Villa Médicis » transmet la fraîcheur de la verdure, les nuances chaudes de la lumière glissant le long des feuilles des arbres et des hauts murs de pierre.
D. Velazquez « Vue du jardin de la Villa Médicis à Rome » (1630)
Rubens(1577-1640), affirmant la vie, dynamique, caractéristique de l'œuvre de cet artiste.
P. Rubens « Paysage avec un arc-en-ciel »
D'un artiste français François Boucher(1703-1770) les paysages semblent tissés de nuances de bleu, de rose et d'argent.
F. Boucher « Paysage au moulin à eau » (1755). National Gallery (Londres)
Les artistes impressionnistes ont cherché à développer des méthodes et des techniques permettant de capturer l'image de la manière la plus naturelle et la plus vivante possible. monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre vos impressions éphémères.
Auguste Renoir "La Pataugeoire". Musée métropolitain d'art (New York)
Les artistes postimpressionnistes ont développé les traditions des impressionnistes dans leur peinture.
"Vincent Wag Gogh" Nuit étoilée"(1889)
Au 20ème siècle Des représentants d'une grande variété de personnes se sont tournés vers le genre du paysage directions artistiques: Fauves, Cubistes, Surréalistes, Abstractionnistes, Réalistes.
Voici un exemple de paysage d'un artiste américain Hélène (Hélène) Frankenthaler(1928-2011), qui a travaillé dans le style de l'art abstrait.
Helen Frankenthaler "Montagnes et mer" (1952)
Certains types de paysages
Paysage architectural
N.V. Gogol a appelé l'architecture « la chronique du monde », car elle, selon lui, « parle même lorsque les chansons et les légendes sont déjà silencieuses… ». Nulle part le caractère et le style de l’époque ne se manifestent de manière aussi figurative et claire que dans l’architecture. Apparemment, c'est pourquoi les maîtres de la peinture ont capturé le paysage architectural sur leurs toiles.
F. Ya Alekseev « Vue de l'échange et de l'amirauté depuis la forteresse Pierre et Paul » (1810)
Le tableau montre la Flèche Île Vassilievski. Son centre de composition ensemble architectural- Bâtiment d'échange. Devant la Bourse se trouve une place semi-circulaire avec un talus en granit. Sur ses deux côtés se trouvent des colonnes qui servaient de balises. Au pied des colonnes se trouvent des sculptures en pierre symbolisant les fleuves russes : la Volga, le Dniepr, la Neva et le Volkhov. Sur la rive opposée du fleuve sont visibles le Palais d'Hiver et les bâtiments de l'Amirauté, Place du Sénat. La construction de la Bourse, conçue par Thomas de Thomon, dura de 1804 à 1810. Lorsque Pouchkine arriva à Saint-Pétersbourg en 1811, la Bourse était déjà devenue le centre architectural de la flèche de l'île Vassilievski et la place la plus fréquentée de la ville portuaire.
Un type de paysage architectural est la veduta. En fait, ce paysage de F. Alekseev est la vedova.
Véduta
Véduta - genre Peinture européenne, particulièrement populaire à Venise au XVIIIe siècle. Il s’agit d’une peinture, d’un dessin ou d’une gravure représentant une représentation détaillée d’un paysage urbain quotidien. Donc, artiste néerlandais Jan Vermeer représentait exactement sa ville natale de Delft.
Jan Vermeer "Vue de Delft" (1660)
Les maîtres Veduta ont travaillé dans de nombreux pays européens, dont la Russie (M. I. Makhaev et F. Ya. Alekseev). Ligne entière en tête avec des vues russes interprétées par Giacomo Quarenghi.
Marina
Marina est un genre de peinture, un type de paysage (du latin marinus - mer), représentant une vue sur la mer ou une scène de bataille navale, ainsi que d'autres événements se déroulant en mer. En tant qu'espèce indépendante peinture de paysage Marina se démarque au début du XVIIe siècle. en Hollande.
Peintre marin (mariniste français) est un artiste qui peint la vie marine. Les représentants les plus éminents de ce genre sont les Anglais William Turner et artiste russe (arménien) Ivan Constantinovitch Aivazovski, qui a peint environ 6 000 tableaux sur un thème marin.
W. Turner « Le dernier voyage du navire « Brave » »
I. Aivazovsky « Arc-en-ciel »
Un arc-en-ciel qui apparaît dans une mer agitée donne l'espoir de sauver les personnes d'un navire naufragé.
Paysage historique
Tout y est très simple : montrer le passé à travers le cadre historique, l'environnement naturel et architectural. Ici on se souvient des photos N.K. Roerich, images de Moscou au XVIIe siècle. SUIS. Vasnetsova, baroque russe du XVIIIe siècle. SON. Lanceray, UN. Benoît, archaïque K.F. Bogaïevski et etc.
N. Roerich « Invités d'outre-mer » (1901)
Il s'agit d'un tableau de la série « Le début de la Russie ». Slaves". Dans l'article « Sur le chemin des Varègues aux Grecs » (1899), Roerich décrit une image poétique imaginaire : « Les invités de minuit naviguent. Le rivage en pente douce du golfe de Finlande s'étend comme une bande lumineuse. L'eau semblait saturée du bleu du ciel clair du printemps ; le vent ondule dessus, chassant les rayures et les cercles violets mats. Un troupeau de mouettes a atterri sur les vagues, s'est balancé négligemment sur elles, et ce n'est que sous la quille même du bateau avant que leurs ailes ont fait clignoter leurs ailes - elles ont été alarmées une vie paisible quelque chose d'inhabituel, d'inédit. Un nouveau ruisseau perce les eaux stagnantes, il se jette dans l'ancien La vie slave, traversera des forêts et des marécages, roulera grand champ, les familles slaves se soulèveront - elles verront des invités rares et inconnus, elles s'émerveilleront de leur strictement martiale, de leur coutume d'outre-mer. Les tours arrivent en longue file ! La coloration vive brûle au soleil. Les flancs de la proue se sont relevés avec brio, se terminant par un nez haut et mince.
K. Bogaevsky « Tour consulaire à Sudak » (1903). Théodosie Galerie d'art nommé d'après I.K. Aïvazovski
Paysage futuriste (fantastique)
Peintures artiste belge Jonas De Ro sont des toiles épiques de mondes nouveaux et inexplorés. L'objet principal de l'image de Jonas est constitué de vastes peintures du monde post-apocalyptique, d'images futuristes et fantastiques.
En plus du futur de villes absolument réelles, Jonas dessine également des illustrations tout à fait originales d'une ville abandonnée.
J. De Roe « Civilisation abandonnée »
Philosophie du paysage
Qu'est-ce que c'est?
Au centre de la peinture de paysage se trouve toujours la question de la relation de l'homme à l'environnement, qu'il s'agisse de la ville ou de la nature. Mais aussi environnement a aussi sa propre relation avec une personne. Et ces relations peuvent être harmonieuses ou inharmonieuses.
Considérez le paysage « Les cloches du soir ».
I. Levitan « Cloches du soir » (1892). État Galerie Tretiakov(Moscou)
Le tableau « Les cloches du soir » représente un monastère au bord d’une rivière, éclairé par les rayons du soleil du soir. Le monastère est entouré forêt d'automne, des nuages flottent dans le ciel - et tout cela se reflète dans la surface miroir d'une rivière qui coule calmement. La joie lumineuse de la nature et le monde spirituel de l’existence et des sentiments des gens fusionnent en harmonie. J'ai envie de regarder cette photo et de la regarder, elle calme l'âme. C’est une beauté heureuse et idyllique.
Et voici un autre paysage du même artiste - "Above Eternal Peace".
I. Levitan « Au-dessus de la paix éternelle » (1894). Galerie nationale Tretiakov (Moscou)
Levitan lui-même a écrit à propos de cette image : « … je suis tout entier dedans, avec tout mon psychisme, avec tout mon contenu… ». Dans une autre lettre : « L'éternité, une éternité terrible, dans laquelle des générations se sont noyées et se noieront encore... Quelle horreur, quelle peur ! C’est à cette éternité menaçante que la peinture de Levitan nous fait penser. L'eau et le ciel sur la photo captivent et émerveillent une personne, éveillant la pensée de l'insignifiance et du caractère éphémère de la vie. Sur une rive escarpée et haute se trouve une église en bois isolée, à côté se trouve un cimetière avec des croix branlantes et des tombes abandonnées. Le vent secoue les arbres, chasse les nuages, entraîne le spectateur dans les étendues infinies du nord. La sombre grandeur de la nature n’a d’opposé qu’une petite lumière dans la fenêtre de l’église.
L'artiste a peut-être voulu répondre avec sa peinture à la question de la relation entre l'homme et la nature, du sens de la vie, en opposant les forces éternelles et puissantes de la nature à la vie humaine faible et éphémère. C'est une tragédie sublime.
Une autre classe de maître
Par matières souples nous entendrons ici les crayons 3B et plus tendres, fusain pressé, sanguine, sauce, sépia, craie, pastel. Plus le matériau est doux, plus le toucher du papier doit être doux. Il est préférable d'effacer les mauvais endroits au début avec une serviette ou un bâton, puis avec une gomme. Certains de ces matériaux peuvent être utilisés lors du travail sur papier humide : sauce, sanguine, sépia. Ils peuvent également être réduits en poussière, dilués avec de l'eau dans n'importe quelle proportion et travaillés au pinceau. Des exemples de méthodes de travail spécifiques seront donnés ci-dessous.
Les débutants ont souvent une attitude mal conçue à l'égard du matériel, par exemple lorsqu'ils disposent de peu de temps pour grande feuille Le dessin est réalisé avec un crayon dur. En l'absence d'expérience, le processus de travail devient difficile et un résultat complet devient inaccessible. Croquis grande taille fournir influence positive pour développer un sentiment d'intégrité, et ils sont naturellement réalisés avec des matériaux souples et mobiles tels que la sanguine, le fusain, le sépia, etc. Ces grands croquis sont réalisés à bout de bras.
Dessin intérieur.
La représentation d’intérieurs d’après nature a ses propres caractéristiques. Premièrement, l'intérieur comprend des plans d'espace. Le dessinateur doit trouver un point tel que l'architecture du dessin soit lisible et avec les proportions correctes de l'ensemble et des détails. Dans le même temps, pour les très grands espaces, il est nécessaire de « corriger » la perspective apparente afin d'obtenir moins de distorsion. Pour ce faire, il est possible de construire « à l'œil nu » une perspective grand angle avec trois points de fuite ou plus à l'horizon, et les verticales sont tracées strictement parallèles. Les intérieurs des chambres sont représentés avec une perspective normale. L'emplacement de la ligne d'horizon est très important - au niveau des yeux homme debout, ou assis. Dans de rares cas, une ligne d'horizon est réalisée près du sol pour conférer une monumentalité particulière à l'objet. Deuxièmement, l'intérieur dispose de diverses sources d'éclairage et parfois plusieurs points lumineux « fonctionnent ». Dans tous les cas, il faut faire attention à la perspective aérienne, qui complète la perspective linéaire. Le premier plan devient le plus contrasté ; à mesure qu'il s'éloigne, la lumière apparaît plus sombre, les ombres apparaissent plus claires et toutes les autres relations tonales se rapprochent. Troisièmement, les objets à l'intérieur varient en couleur (du blanc au noir) et en texture (bois, marbre, métal)
Pour des croquis rapides, utilisez une ligne. Mais la ligne, en tant que telle, ne définit que conditionnellement les limites de l’objet, sans donner une idée desa qualité de couleur et de texture. Par conséquent, sur la base du premier croquis linéaire, vous pouvez immédiatement appliquer un ton clair avec un mixeur ou du daim, après l'avoir d'abord essayé sur la palette. Les capacités de la ligne à transmettre un volume réel sont également limitées. Nous connaissons les brillants dessins linéaires d'intérieurs réalisés par des architectes tels que Voronikhin, Thomas de Thomon, Cameron, Zholtovsky, Noakovsky.
Le motif coupé exprime non seulement le caractère conventionnel de l’éclairage, mais bien plus encore. Avant de réaliser un tel dessin, vous devez réfléchir à la manière d'utiliser plus efficacement l'éclairage à l'intérieur, à la manière de révéler les plans d'éclairage de la manière la plus expressive possible. Que la lumière provienne des fenêtres, qu'il s'agisse d'une lumière diffuse ou que la lumière provienne de lustres, dans chaque cas, une solution de conception qualitativement nouvelle sera nécessaire. Pour les dessins d'intérieur, il est bon d'utiliser du papier teinté, dans l'espoir de réaliser des traits dans les points lumineux lors de la dernière étape du travail à la craie.
Un brillant exemple de dessins d'intérieurs en clair-obscur sont les dessins de Gonzago, Premazzi et Piranesi.
Dessin d'un paysage avec architecture.
Vous devez peindre à l'extérieur par temps et à des moments différents - nous verrons alors la même architecture sous un éclairage différent et il sera plus facile de saisir l'essentiel. Ici, il est également nécessaire de construire une image en perspective, qui détermine la relation des plans spatiaux avec l'horizon ainsi que le point de fuite et la position de tous les objets dans l'espace. Essayez d’abord de tracer la forme même des bâtiments, qui ne dépend pas de l’éclairage. Au fur et à mesure que le soleil se déplace, il change tout le temps et vous devez vous rappeler et fixer rapidement la position la plus avantageuse sur la feuille, ou dès le début, vous supposez un éclairage diffus du ciel nuageux. Travaillez d'abord sur de grands plans, subordonnez-les et associez-leur des formes et des détails plus petits. Il convient de dessiner sur différents formats de papier pour que l'architecture apparaisse à une échelle différente. Il est plus facile de commencer par des paysages urbains par une journée sans soleil, lorsque l'éclairage est plus stable et que le rapport lumière/ombre change peu. Des exemples de telles œuvres sont les dessins de M. Vorobyov, F. Alekseev, I. Charlemagne et d'autres.
Dessin d'architecture dans un paysage (d'après mon expérience).
Je choisis un format papier et dessine immédiatement la composition sur une feuille de papier en sépia (sans crayon) : combien de terres, combien d'architecture et combien de ciel. Habituellement, la superficie du ciel sur la feuille est plus grande que la superficie de la terre (c'est mauvais quand cela s'avère pareil). Dans un premier temps, les problèmes d'éclairage et de relations tonales sont "gardés à l'esprit" - la forme même de la terre et de l'architecture est esquissée, à travers des formes simplifiées et sans détails - plan, prisme, cylindre, etc. Pour plus de clarté dans la composition, le premier croquis doit être clair mais « léger ».
Ensuite commence l’élaboration des principaux détails et explications. Forme générale Ton. Vous pouvez appliquer le sépia frotté avec un pinceau ou du daim et facilement, sans le frotter sur le papier, l'appliquer aux endroits nécessaires à la composition. En éclairage diffus, ce sont d'abord des ouvertures ; en éclairage ensoleillé, ce sont aussi les limites générales de leurs propres ombres. Le ton de sol moyen est généralement plus foncé que le ton moyen de l’architecture. Les détails et le développement du ton sont effectués conformément à une perspective linéaire et aérienne. En même temps, de préférence d'un seul coup, le ciel est réalisé : l'état des nuages en perspective et en éclairage, et l'architecture est complétée sur fond de ciel. Tout au long de l’œuvre, l’architecture reste l’élément principal de la composition. Il est toujours conseillé au stade final de réaliser un ou deux des endroits les plus clairs et un ou deux des plus sombres, tout en renforçant les contrastes du premier plan. Plus près des bords de la feuille, les contrastes s'affaiblissent. L’environnement (la nature, les gens) de ces dessins est de ton moyen et plus ou moins conventionnel, c’est-à-dire qu’il « joue avec l’architecture ». La scène linéaire et les détails sont réalisés uniquement avec un bâton sépia bien aiguisé. Pour presque tous les sujets, du papier à texture rugueuse peut être utilisé. Ensuite, les plans lointains sont réalisés en ombrage, et le premier plan à la craie, pour rendre compte des textures brutes (écorce d'arbre, murs constitués de rochers, terre, etc.). Si vous prenez du papier teinté - jaunâtre, grisâtre, brunâtre, etc. – puis dans la dernière étape plusieurs accents sont posés à la craie ou au blanc liquide au pinceau. Le badigeon s’utilise de deux manières : soit comme point culminant, soit comme plan de lumière. L'éblouissement est de petite taille, mais brillant en intensité. Les avions lumineux sont moins brillants, mais plus grands. Dans les deux cas, ces points lumineux ont une intensité différente et l’un d’eux devient le plus brillant. Le ton général du ciel est généralement plus clair que tout le reste.
Dessin d'un paysage avec des éléments architecturaux.
On peut notamment considérer les dessins de paysages, où l'architecture dans la composition ne joue que le rôle d'un accent qui souligne la beauté du paysage. Dans de tels dessins, la co-échelle de l'élément architectural et du paysage est particulièrement importante. Il s’agit ici de montrer à quel point l’architecture s’intègre parfaitement dans la nature et en même temps s’en différencie. La texture de la nature est infiniment variée : ciel, feuillages, arbres, terre, pierres, etc. contrairement à plus ou moins la même texture en architecture. Rôle spécial les détails architecturaux entrent en jeu ici. De tels dessins sont généralement réalisés dans un ton profond - du blanc au plus foncé, mais il est conseillé de ne pas atteindre un degré d'obscurité tel que le matériau ne "fonctionne" plus.
Il y a 2 semaines par elena_tarutina Je continuerai à résumer l'expérience de ce que j'ai appris au cours des 4 dernières années. ⠀ Récemment, j'ai décrit en détail toutes les étapes de la création d'une école, toutes mes étapes progressives et mes doutes à son sujet. ⠀ J'espère que dans un avenir proche j'écrirai sur le chemin, mes propres transformations et sur le changement dans ma vision de la vie, et sur la façon dont j'ai décidé avec trois enfants non seulement d'être artiste, mais aussi de créer un énorme communauté. ⠀ ⠀ Et maintenant, c'est avec grand plaisir que je vais te parler @ap428 Armen Petrosyan, une personne importante pour moi, qui m'a très sérieusement soutenu dans la création d'une école, et en général dans la compréhension du sens de ma vie. ⠀ ⠀ Armen a deux gros...
Il y a 2 semaines par elena_tarutina J'ai commencé à réfléchir au programme de l'année prochaine. J'ai senti toute une foule de personnages dans ma tête, chacun disant quelque chose de différent. ⠀ ⠀ On a déjà trouvé 6 (six, Karl !) nouvelles idées. Le second dit que sa propre créativité sera une priorité cette année (et je suis de son côté !). Le troisième demande : qui fera tout cela, hein ? Le quatrième laisse timidement entendre qu'il a besoin de sommeil et de repos. Les pensées de la cinquième personne portent exclusivement sur les autres choses intéressantes à faire avec ses propres enfants (hier, il a commencé à préparer des biscuits avec eux selon la recette @ann_chernykh, cela s'est avéré très savoureux, merci Anya ! #Biscuits de Noël_des grands-mères suisses)⠀ ⠀ Eh bien...
Il y a 2 semaines par elena_tarutina Tome Dernièrement pas de temps pour les livres du tout. Mais il y a beaucoup de monde dans la file d'attente. Et aujourd'hui, il y a eu une pause joyeuse et je suis arrivé au Labyrinthe, j'en ai commandé un tas, grâce aux réductions. Et j'ai aussi acheté un cours de psychosomatique... Et j'ai commencé à lire nouveau livre Liz Gilbert. ⠀ ⠀ Ces trois femmes m'ont longtemps inspiré, m'ont donné de la force et une nouvelle compréhension de ma nature - Liz Gilbert (Manger pour prier, aimer), Julia Cameron (tout) et Clarissa Pinkola Estes (Courir avec les loups).⠀ ⠀ Vous trouverez ci-dessous un extrait du livre Big Magic de Liz Gilbert. Sur le fait qu’il ne faut pas attendre l’inspiration. Du tout. ⠀ ⠀ Et sur la photo - j'ai amené Nikita avec...
Il y a 2 semaines par elena_tarutina Les gens ont déjà commencé à me demander s'il y aurait un calendrier cette année. Oui, nous le faisons déjà ! Le rêve de faire un calendrier en octobre n'est apparemment pas réalisable, mais au moins ce sera début décembre) ⠀ Pour moi, c'est déjà une tradition de faire un calendrier avec les œuvres de l'année, même si pas toutes, mais importantes. Alors un de ces jours, j'en posterai plus des informations détaillées.⠀ ⠀ Et je vous rappelle qu'il reste 4 jours avant le début du cours « Liberté de créativité et techniques mixtes » !⠀ Vous pouvez vous inscrire au groupe via le lien dans le profil. Nous commençons le 5 décembre. #beanartist100
Il y a 2 semaines par elena_tarutina Il reste 3 jours avant le début du cours « Liberté de création et techniques mixtes » ! Je vais répondre aux plus importantes ici FAQ. Vous pouvez regarder les cours à tout moment, car ils sont enregistrés à l'avance. Combien de temps cela prend-il : la leçon dure environ 30 à 40 minutes, et environ une heure supplémentaire est l'analyse vidéo (du travail posté au cours des trois premiers jours), tout le monde devrait absolument la regarder, il y a beaucoup de choses importantes là. Vous avez besoin d'au moins une heure par semaine pour votre travail, et il est préférable d'y ajouter 20 à 30 minutes chaque jour pour maintenir et poursuivre le sujet. Si vous avez plus de temps pour travailler sur le cours, tant mieux. Une leçon théorique d'introduction s'ouvre jeudi, et...
Il ya 1 semaine par elena_tarutina Commence après-demain, le 5 décembre. Un peu plus sur le contenu du cours : « Il s'agit d'un cours pratique dédié à introduire des matériaux bien connus à un nouveau niveau, à les manipuler avec plus d'audace et à connecter des éléments incompatibles. Nous comprendrons quoi d'autre peut être fait avec des pastels et de l'acrylique ordinaires, du fusain et du mastic, de l'ondulation et du ruban adhésif - pour qu'à la fin nous obtenions quelque chose de nouveau - une nouvelle sensation, un nouvel état, un nouveau possibilités créatives. Voyons comment généraliser, mettre en évidence l'essentiel, dessiner de manière sommaire et rapide. Nous parlerons de la façon de transformer votre relation avec la créativité en une qualité différente - plus libre, libérée, ajoutant de l'enthousiasme et une vision des possibilités. Comment regardez-vous même...
Il ya 1 semaine par elena_tarutina Avec en toile de fond le fait que demain je recommence » Techniques Mixtes", a intensifié ses propres expériences. ⠀ J'ai acheté différents matériels aujourd'hui, je suis en train de les tester entre toutes les activités, besoins, questions et cris des enfants. ⠀ ⠀ Juste au moment où tu peins quelque chose comme ça, des cris retentissent à nouveau, ou Masya vient à l'atelier pour trier des citrouilles séchées, des perles (j'en garde une boîte spéciale pour elle), ou pour peindre quelque chose avec moi. ⠀ Et ils veulent aussi un calendrier de l'Avent - même l'aîné, même s'il le cache ⠀ J'y suis presque arrivé. ⠀ ⠀ Pour ceux qui aiment sauter dans le dernier wagon, vous pouvez toujours rejoindre le cours - via le lien dans...
il y a 5 jours par elena_tarutina Il y a un an, j'ai également résumé les résultats de l'année. Et je suis également arrivé à la conclusion sur la complexité de l'équilibre) J'écrirai sur cette année séparément. En attendant, celui de l’année dernière : ⠀ « Analyse de l’année créative, quelques réflexions ici aussi. En général, l'année s'est avérée inégale et déchirée dans cette section. Et évidemment, je n’avais pas assez de temps pour tout ce que j’avais prévu. Plus précisément, nous avons réussi à faire 10 pour cent de ce que nous voulions. Et 200 de ce qui était possible dans ma situation. ⠀ ⠀ Je suis heureux que, à mon avis, il y ait eu une percée avec de grands travaux technologiques complexes, multicouches utilisant différents matériaux. Mais il n'y en avait pas assez. Tout l'été et au-delà -…
Il y a 20 heures par elena_tarutina J'ai enfin terminé le calendrier)) ⠀ Toutes les tentatives pour le faire plus tôt échouent chaque année raisons diverses. ⠀ Si quelqu'un vous le demande, vous pouvez commander - lien dans le profil, même endroit Description détaillée. ⠀ ----------⠀ Les amis ! Cette année, comme d'habitude, je réalise à nouveau un calendrier avec mes œuvres. Comme les trois fois précédentes, il reprend une partie du travail réalisé au cours de l'année. ⠀ Beaucoup d'entre eux étaient présents à mon exposition personnelle en septembre, mais il y en a aussi des nouveaux. ⠀ ⠀ Comme d'habitude, je réalise une petite édition pour des amis, et une petite partie peut être achetée. ⠀ ⠀ Cette fois son format est le même carré - 29x29cm...
L'ARCHITECTURE DANS LE PAYSAGE
Chaque été, de nombreux artistes dessinent et peignent des monuments architecturaux d'après nature. Peindre en extérieur nécessite certaines connaissances et compétences pratiques. Ici, vous pouvez observer des espaces beaucoup plus grands : souvent la distance par rapport aux objets représentés peut atteindre plusieurs kilomètres.
Disons que vous venez au parc. Parmi les vieux peupliers et tilleuls étalés, il y a de petits détails architecturaux - des bois aux formes bizarresbancs, portails, belvédères, vérandas, fontaines. Avant de commencercroquis , choisissez le point de vue sous lequel les objets entourés de verdure seront les plus expressifs.
Nous devons nous efforcer de souligner caractéristique structures et formes d'éléments architecturaux, apprenez à y voir le principal et le secondaire. Certaines des parties les plus intéressantes devraient être dessinées plus en détail, le reste devrait être simplifié.
Telcroquis flexibles, horairesune ligne étrange devraitgérer le ton - l'ombrage.Le dessin ressemblera alors àplus vivant. Des croquis sont en cours de réalisationdans n'importe quelle technique, mais l'essentiel estla tâche est de développer la netteté de la formenia, observation, tveratteindre ta main. Puis nous passons àpetite couleurcroquis .
Ils peuvent inclureéléments solides architecture .
Ici aussi, il faut corrigeraucun choix motif. Si vous êtesprendre d'assaut la porte du villageà la maison, n'oubliez pas votre environnementobjets le long du chemin,buisson près de la porte, arbre vyah.
Souvent, l'image est trop grande pour l'image sélectionnée.format feuille. Ou, au contraire, ils dessinent n'importe quel détail si finement qu'il disparaît danspaysage . Ou bien il se retrouve exactement au centre de la feuille, comme pour la diviser en parties égales. Souvent, les jeunes artistes représentent un bâtiment de telle manière qu'il couvre tout le paysage - qu'il s'agisse d'une rivière, d'une forêt, d'un lac ou d'un champ.
Lorsqu'ils dessinent divers motifs architecturaux, beaucoup négligent leur construction élémentaire. Cela donne l'impression d'instabilité des structures et conduit à une courbure de leurs parties individuelles.
Il est plus facile d’écrire à l’aide d’un dessin précis et bien composécouleur . Mais il n'est pas du tout nécessaire de montrer puis d'étudierbrosse les moindres détails de la structure. Il faut sélectionner parmi eux uniquement ceux qui confèrent au bâtiment un aspect architectural unique et expriment son caractère, son « visage ». Après tout, souvent, à la recherche de petites choses, nous passons à côté de l'essentiel. Mais une autre erreur se produit souvent : le mépris total des détails, une « poursuite » obligatoire de la généralité. Cela draine la vitalité du croquis et rend le travail approximatif.
Les plans dans les espaces ouverts sont particulièrement prononcés - par exemple, un bâtiment, situé au loin, n'aura plus l'air aussi distinct que de près. La forêt lointaine apparaîtra comme une bande bleue ou bleue ; les troncs et les cimes des arbres individuels ne seront tout simplement pas visibles. Aussi structure architecturaleà une certaine distance c'est "généralisé"environnement étouffant et semble sombre ou clair dans le croquissilhouette sur fond de ciel et de terre - cela dépend déjà de l'état du jour.
Aquarellistes le plus souvent le premier et forfaits moyens sont prescrits plus en détail, en plaçant plusieurs couches de peinture transparentes les unes sur les autres, avec une augmentation progressive de la force de la couleur ettons . Et pour le fond, ils utilisent la technique du remplissage - appliquer de la peinture en une seule couche.
Couleur Le paysage architectural dépend à la fois de l’apparence et de la couleur des bâtiments et des reflets qui y tombent, ainsi que de l’heure de la journée.
Si vous avez choisi un motif matinal, les couleurs de votre croquis ne doivent pas être trop vives ou trop dures. Essayez de choisir des combinaisons calmes de nuances chaudes et froides. En travaillant par un après-midi ensoleillé, vous remarquerez peut-être que la couleur des objets à la lumière est blanchie et que les ombres, au contraire, sont saturées de reflets chauds du sol et de reflets froids du ciel. Lorsque vous représentez un motif du soir, comme un coucher de soleil, gardez à l'esprit que les objets deviennent moins distinctifs dans les détails, plus sombres et plus froids, tandis que le ciel peut être très coloré, voire quelque peu fantastique. Il est très important de comprendre correctement le ton et relations de couleurs et les transmettre correctement.
Le travail sur un paysage architectural ne réussira qu'avec une étude minutieuse de la nature, la capacité de voir les détails dans leur ensemble et l'ensemble indissociable des détails caractéristiques. Et surtout, il faut aimer la nature et l'architecture, ressentir leur unité indissoluble et poétique.
I. NIKITINQui d’entre nous n’a pas admiré les vues majestueuses et charmantes de la ville, infiniment diverses, évoquant des sentiments et des émotions tout aussi divers ! Silhouettes fabuleuses d'anciens murs et tours de la ville, palais majestueux et bâtiments publiques, des ensembles attrayants et impressionnants de bâtiments résidentiels, de puissants groupes de bâtiments industriels et autres - le résultat de la pensée créative et du travail constructif de générations de plusieurs siècles ou le résultat de transformations héroïques et ingénieuses.
Il n’est pas surprenant que les images de la ville aient inspiré et continuent d’inspirer la pensée créatrice de l’artiste.
Les villes de notre pays offrent aux artistes un choix infini de sujets passionnants.
Les plans quinquennaux de Staline pour une construction socialiste grandiose transforment d'année en année le visage de notre pays. (L'une après l'autre, sous les yeux de tous, de nouvelles villes se développent, les anciennes sont reconstruites et agrandies, changeant leur apparence de manière méconnaissable, restée inchangée pendant des décennies. De nouveaux géants de l'industrie soviétique émergent, des structures grandioses sont construites - l'énergie hydroélectrique gares, ponts, barrages, canaux et bien d’autres, une grande variété de noms et d’usages.
Cette construction, par son apparence, son architecture, parle d'une nouvelle vie, de nouvelles réalisations du travail socialiste libre. Il inspire et attire vers de nouveaux exploits et victoires.
Les thèmes de notre paysage urbain, industriel et architectural sont innombrables et exceptionnellement enrichissants pour l'artiste par leur signification émotionnelle et leur beauté.
C'est pourquoi les jeunes artistes doivent non seulement se familiariser avec cette section du dessin et de la peinture, mais également tester leurs forces dans un travail créatif sur ses sujets.
L'architecture a longtemps attiré les artistes - peintres et graphistes - non seulement par l'élément de composition capital du tableau, reflétant le cadre réel de l'action ou l'environnement de l'objet représenté, mais aussi par la beauté des volumes et des formes architecturaux, parfaitement combinés avec la nature. , la figure humaine, le mouvement de la foule, les couleurs de la décoration et du costume . Cependant, la représentation de l’architecture a longtemps été de nature décorative et n’a pas dépassé les conventions du style plat.
Réaliste, fidèle et expressif en termes de volume et d'espace, le transfert de formes architecturales plus ou moins complexes, organisées en ensembles et groupes, n'est devenu possible qu'après le XVe siècle, à l'époque Renaissance italienne, les lois de la perspective ont été explorées et révélées.
La science de la perspective s'est développée de plus en plus au fil du temps et a été portée à notre époque à une telle perfection que ses règles permettent non seulement de représenter des objets en les dessinant d'après nature, mais aussi de reproduire l'apparence des objets créés par le créateur. l'imagination de l'artiste.
Outre la connaissance des lois de la perspective, pour réussir à travailler le paysage urbain et les motifs architecturaux, l'artiste doit se familiariser avec l'art de l'architecture et les formes architecturales.
Comme on le sait, ce plus ancien des arts, lors de la création de bâtiments et de structures, les dote de formes et de caractéristiques externes qui permettent de deviner le but des structures par leur apparence, de déterminer la relation d'une partie de celle-ci à une autre et leur connexion mutuelle et distinguer le principal du secondaire.
Organisant l'espace et traitant les volumes, les plans et les détails de la structure, l'architecte est guidé par ce qu'il crée artistiquement et idée architecturale.
Avec une pratique approfondie du dessin d'après nature, l'œil curieux de l'artiste apprend progressivement à comprendre les particularités de la construction et la nature stylistique des formes architecturales, même d'une complexité considérable. Cependant, pour une attitude consciente envers la nature, une connaissance de l'histoire est nécessaire.
Il va sans dire qu'un travail de composition indépendant sur des sujets architecturaux complexes ne peut être réalisé avec succès sans des connaissances spécialisées suffisantes.
Les reproductions présentées ici à partir de dessins et de peintures de maîtres du paysage urbain et architectural - peintres et architectes - permettent d'analyser les aspects de l'ordre compositionnel et de se familiariser avec les techniques d'exécution.
Il est infiniment plus utile de mener une telle étude à partir des originaux qui représentent ce type de dessin et de peinture dans nos galeries d’art et nos musées.
Les maîtres célèbres du paysage architectural étaient les peintres vénitiens Antonio Canaletto (1697-1768), Bernardo Belotto (1720-1789), Francesco Guardi (1712-1793), D. Pannini (1695-1768), l'architecte et graveur vénitien Giovanni Battista. Piranèse (1720-1778), artiste français Hubert Robert (1733-1778).
Les œuvres des maîtres russes sont excellentes : An. Velsky (1730 1796), F. Alekseev (1755-1824), Sylvester Shchedrin (1791-1830), Galaktionov (1779-1854), M. Vorobyov (1787-1855).
De brillants exemples de paysages architecturaux, de fantaisies et de perspectives architecturales peuvent être trouvés dans les dessins des architectes : M. Kazakov (1738-1813), Giacomo Quarenghi (1744-1817), A. Voronikhin (1760-1813), P. Gonzago (1751). -1831) et etc.
Voici quelques notes pratiques liées au travail d’après nature, utiles à prendre en compte pour les jeunes artistes en herbe travaillant sur un paysage architectural.
Bon choix de point à partir duquel dessiner une vue de la ville, un paysage architectural ou monument architectural, Il a grande importance. Cette tâche doit être résolue de la manière la plus avantageuse à la fois en termes de composition globale et en termes de caractéristiques les plus expressives. sujet principal ce dessin ou croquis pictural. Dans cette direction, vous devez développer votre flair artistique de toutes les manières possibles, en étudiant des exemples classiques de composition dans beaux-Arts et la beauté infinie de la nature. Parfois, il peut être difficile de décider immédiatement des limites de l'image les plus avantageuses d'un point de vue artistique.
La raison en est peut-être l'immensité de la vue sur la ville ou du paysage architectural qui s'étend devant nous, la multitude de détails architecturaux qui attirent à la fois l'œil de l'artiste et sont tout aussi tentants pour lui.
Il convient de garder à l'esprit qu'il est plus conseillé aux artistes débutants de se limiter d'abord à des sujets plus simples et moins spécifiques, pour ensuite travailler progressivement sur des sujets plus complexes.
Lorsqu'il travaille sur des paysages architecturaux, le jeune artiste doit procéder du principal, du principal au particulier, puis au secondaire. Le dessin doit être basé sur la construction perspective correcte des formes. Le dessinateur doit tout d'abord imaginer clairement la position de l'horizon, le point de fuite, les points de déviation des lignes, etc.
Les constructions en perspective lors du dessin d'après nature peuvent être réduites aux schémas et techniques les plus simples. Ils sont très élémentaires et ne concernent que les constructions de base et les formes de base. Techniques nécessaires, la planéité doit être soigneusement étudiée dans la nature et dessinée, guidée par les règles de la perspective, en totale cohérence avec le schéma de perspective de base.
Un artiste d'un paysage architectural doit être particulièrement exigeant envers lui-même lorsqu'il analyse la structure des masses, des volumes et des formes architecturales, détermine leur connexion constructive mutuelle, établit des relations et des proportions et recherche la nature du mouvement et du rythme des masses architecturales et lignes. La ressemblance avec un portrait d'une image revêt une importance exceptionnelle pour les sujets architecturaux. L'ego découle des conditions de régularité harmonieuse et de complétude des formes architecturales.
Les plans de vues de villes et de paysages architecturaux qui pénètrent profondément dans l'image, la spatialité et la plasticité du relief des extérieurs et des intérieurs architecturaux, les effets d'ombre et de lumière, la brume aérienne des distances et la transparence des ombres attireront sans aucun doute l'attention. . jeune artiste. Il doit s'efforcer d'en obtenir un rendu fidèle, vivant et artistique, car de cela dépend une part importante du charme et du pouvoir de persuasion de ses dessins et esquisses.