Principaux styles d'architecture du XIXe siècle. Architecture des bâtiments publics du XIXe siècle

28.04.2019

M. Kozlovski. Monument à A. Suvorov sur le Champ de Mars. 1801
Souvorov est apparu sous les traits de Mars, vêtu d'une armure, d'un casque et d'une cape.
Sur le piédestal du monument se trouvent des figures allégoriques des génies de la Gloire et de la Paix. Sur le bouclier il y a une inscription : « Prince d'Italie, comte Souvorov
Rymnikski"

Architecture russe de la première moitié du XIXe siècle

Premier quart du 19e siècle en Russie - une époque de grand développement urbain. En architecture, l'essentiel est la construction de bâtiments civils et administratifs. L'architecture est inextricablement liée à la sculpture. La synthèse des arts est l'une des manifestations d'un principe stylistique unique, qui pour l'art russe était le grand classicisme, autrement appelé le style Empire russe, dont les maîtres étaient A.N. Voronikhine, A.D. Zakharov, K.I. Rossi, vice-président. Stasov.
Andreï Nikiforovitch Voronikhine (1759-1814), fils de serf, étudia la peinture à Moscou. D'après son propriétaire A.S. Stroganov lui a donné la liberté, Voronikhin étudie indépendamment l'architecture.

La principale création de Voronikhin est la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg. La tâche de l'architecte était difficile. La cathédrale de Saint-Pétersbourg était censée avoir une colonnade, comme devant la cathédrale de Saint-Pétersbourg. Pierre est à Rome. Voronikhin a placé la colonnade sur la façade latérale face à la perspective Nevski ; on pensait qu'il y aurait une colonnade similaire de l'autre côté, mais ce plan n'a pas été réalisé.
La cathédrale était décorée de divers compositions sculpturales, sur lequel ont travaillé les plus grands sculpteurs russes de l'époque - Prokofiev, Martos, Shchedrin. Après la guerre avec Napoléon, le temple est devenu un monument à la valeur militaire : Koutouzov a été enterré ici dans les années 30. Des monuments à Koutouzov et Barclay de Tolly ont été érigés devant la cathédrale.

Andreyan Dmitrievich Zakharov (1761-1811), après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Arts et un internat en France, a enseigné à l'Académie. En 1805, Zakharov fut nommé « architecte en chef de l’Amirauté ». En 1806, il entreprend la reconstruction de l'Amirauté, qui regroupe bâtiments administratifs, quais et bâtiments de production. La façade principale, longue de 406 m, est divisée en cinq parties principales : une tour centrale, deux ailes et deux bâtiments entre elles. Zakharov a conservé la flèche dorée de la tour, enrichissant ainsi son cadre décoratif. La décoration sculpturale de forme allégorique reflète l'idée de la Russie en tant que puissance maritime. Ainsi, la frise en relief du grenier est dédiée à « l'établissement de la flotte en Russie », au-dessus de l'arc d'entrée se trouvent des personnages croisant des bannières - allégories des victoires de la flotte russe. Sur de hauts piédestaux, des groupes de nymphes appariées tenant des sphères sont des allégories de voyages en mer à travers le monde. La composition du bâtiment reprend l'ordre dorique et la tour l'ordre ionique.

Au début du siècle, un certain nombre de bâtiments qui ont déterminé l'aspect architectural de Saint-Pétersbourg ont été créés par le Suisse Thomas de
Thomon (1760-1813). L'un d'eux était la Bourse sur la flèche de l'île Vassilievski. Le corps de bâtiment est élevé sur un socle élevé.
Après la guerre victorieuse avec Napoléon, des travaux de construction actifs ont commencé à Moscou, incendiée par les envahisseurs ; de grands travaux de construction ont alors été réalisés à Saint-Pétersbourg. Sous la direction d'O.I. Beauvais (1784-1834) au Kremlin, les tours et parties du mur, détruites par les Français lors de la retraite, sont restaurées. La solennité et le triomphalisme s'intensifient dans l'architecture. Développement d’ensembles et utilisation de la sculpture monumentale développés.

Le plus grand représentant du style Empire fut Karl Ivanovitch Rossi (1775-1849), qui érigea le bâtiment de l'état-major, dont le centre était l'arc de triomphe. Parallèlement, l'architecte commence à créer l'ensemble du palais Mikhaïlovski. Rossi est parti du schéma d'aménagement traditionnel de l'architecture russe : le bâtiment principal et les ailes de service forment un tout avec la cour avant. Derrière il y avait un vaste parc. Le palais fermait la perspective par une rue menant à la perspective Nevski. Dans la seconde moitié des années 20. Rossi a créé l'ensemble du Théâtre Alexandrinsky, trouvant un emplacement favorable pour le théâtre par rapport à la perspective Nevski. Le dernier grand ensemble de Rossi était les bâtiments du Synode et du Sénat, réunis par un arc enjambant la rue Galernaya, correspondant à la composition de l'Amirauté, située de l'autre côté de la place.

V.P. Stasov (1769-1848) reconstruisit la cour des écuries sur le quai de la Moïka à Saint-Pétersbourg et créa la caserne du régiment de Pavlovsk sur le Champ de Mars. Le centre de la nouvelle façade, face au Champ de Mars, était orné d'une colonnade solennelle d'ordre dorique. Dans les années 30 Stasov a participé à la restauration des intérieurs du Palais d'Hiver après l'incendie.
Auguste Ricard de Montferrand (1786-1858). L'événement le plus important a été la construction de la cathédrale Saint-Isaac selon le projet d'O. Montferrand, qui a duré de 1818 à 1842. La hauteur du bâtiment est de 101,5 m, la longueur avec portiques est de 111 m, le diamètre du dôme est de 21,8 m. L'extérieur du bâtiment est entouré de 112 colonnes de granit de 17 m de haut. La cathédrale a été construite dans le style du classicisme avec des éléments du baroque et de la Renaissance, qui se manifestent dans le décor sculptural. Les frontons du temple sont décorés de hauts-reliefs, des figures d'anges agenouillés sont installées aux angles du toit de l'édifice et des évangélistes sont installés sur les frontons. Au total, la cathédrale est ornée de 350 statues et reliefs coulés en bronze. La puissante cloche, pesant 29,8 tonnes, émettait un son qui pouvait être entendu à la périphérie de la ville. La décoration intérieure de la cathédrale était étonnante par sa splendeur. Les murs sont tapissés de marbre blanc italien, les panneaux sont en marbre vert, rouge, jaspe multicolore et porphyre rouge. L'intérieur contient de la mosaïque et
peintures de K.P. Bryullova, F.A. Bruni, V.K. Shebouev et d'autres artistes russes et étrangers. Le sanctuaire de la cathédrale était l'icône de l'image miraculeuse du Sauveur, qui appartenait à Pierre Ier.

Sculpture classicisme

L'épanouissement de la sculpture était associé à l'essor sociopolitique de la Russie. Le plus grand maître, représentant du classicisme, dont les œuvres se trouvaient à Arkhangelsk, Odessa, Taganrog, était Ivan Petrovich Martos (1754-1835). L'œuvre remarquable de Martos est le monument à Minine et Pojarski, sur lequel le sculpteur a commencé à travailler en 1804. Installé sur la Place Rouge, le monument représente Kouzma Minine désignant Moscou et le prince Pojarski blessé se levant de son lit. Pour la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg, Martos a créé le haut-relief monumental « Moïse donnant de l'eau dans le désert » sur le grenier de la colonnade de la cathédrale, ainsi que la figure d'un archange et la statue de Jean-Baptiste. À la fin de sa créativité, Martos a réalisé un monument à Richelieu à Odessa et M.V. Lomonosov à Arkhangelsk.

Parmi les sculpteurs qui ont communiqué avec l'architecture figurent V.I. Demut-Malinovsky (1779-1846) et S.S. Pimenov (1784-1833), qui a travaillé avec Voronikhin sur les sculptures de la cathédrale de Kazan. Pimenov a réalisé la sculpture d'Alexandre Nevski et Demut-Malinovsky - la statue de Saint-André le Premier Appelé. Pour l'Amirauté, les sculpteurs ont créé trois figures colossales qui personnifiaient les pays du monde. Depuis 1817, les sculpteurs commencent à collaborer avec K.I. Rossi, créant des sculptures de l'arc de l'état-major. L'arc était couronné d'une composition « Victoire » en tôle de cuivre, dont la figure centrale était la Gloire ailée debout sur un char avec l'emblème de l'État levé. I.I. Terebenev (1780-1815) a réalisé des sculptures pour l'Amirauté, notamment le relief de 22 mètres de haut « L'établissement de la flotte en Russie », placé dans le grenier du cube inférieur de la tour de l'Amirauté.

BI. Orlovsky (1796-1837) a créé des monuments au maréchal Koutouzov et à Barclay de Tolly devant la cathédrale de Kazan.
F.P. a travaillé dans de petites formes de sculpture. Tolstoï (1783-1873), qui créa une série de médaillons en plâtre, porcelaine, bronze, fonte, dédié aux événements La guerre patriotique de 1812 et les actions militaires de 1813-1814. La plupart des médaillons représentent des compositions allégoriques. En 1814-1816. Tolstoï a réalisé quatre bas-reliefs représentant des scènes de l'Odyssée d'Homère.

F.P. Tolstoï. Milice populaire de 1812. Médaillon. 1816
Une femme est représentée assise sur un trône, personnifiant la Russie. Elle remet les épées au noble, au marchand et au paysan

Comment s’est déroulé le XIXe siècle en Russie ?— une époque d'anxiété et de bouleversements au niveau de l'État ? Une autocratie branlante, des soulèvements de paysans et d'intellectuels, des guerres qui épuisent les terres russes... Et toujours la même prétention au pouvoir à travers le monde.

La grandeur de l'empire ne pouvait se refléter que dans un seul style - le russe (empire) avec sa pompe sobre, sa prétention dans les détails et sa surcharge d'éléments architecturaux. C'est cette direction architecturale qui a dominé au XIXe siècle.

A cette époque, les maîtres les plus célèbres créent leurs chefs-d'œuvre architecturaux :

UN. ;
ENFER. ;
K.I. ;
V.P. .

Changements Architecture moscovite du 19ème siècle : un incendie en 1812 détruisit de nombreux bâtiments. Retroussant ses manches, O.I. entreprit de restaurer la capitale moderne. . Grâce à lui, Moscou peut aujourd'hui se vanter de ses attraits touristiques :

Ensemble de la Place Rouge ;
Ensemble Place du Théâtre;
Bâtiment du Manège ;
Jardin du Kremlin (Alexandrovsky);
Porte Triomphale.

Presque en parallèle avec Bove, D.I. . Celui-ci a immortalisé son nom dans les projets suivants :

Université de Moscou ;
Conseil d'administration ;
La maison des Lunins sur le boulevard Nikitsky.

L'architecture russe au premier tiers du XIX V. atteint son apogée. Période 1810-1830 - une étape brillante et en même temps finale du classicisme russe.

Après la fin de la guerre de 1812-1814. de vastes constructions sont en cours dans le pays et, sous le contrôle de l'État, de grandes tâches d'urbanisme sont résolues avec succès, des ensembles majestueux de rues et de places sont créés, dans l'architecture desquels les architectes ont cherché à exprimer le triomphe de la victoire du peuple russe.

Particularités dernière étape architecture du classicisme, reflétée dans début XIX V. uniquement sur des bâtiments individuels à Saint-Pétersbourg et à Moscou, ils se manifestent désormais dans tout le pays dans le domaine de la construction civile, industrielle et rurale. Cela a été facilité par de nouvelles formes d'organisation de la construction, en particulier l'utilisation généralisée de normes et de règles uniformes pour la planification et le développement des villes, des conceptions exemplaires de bâtiments administratifs et de façades de bâtiments résidentiels. Ils ont maintenant été créés d'une nouvelle manière ensembles architecturaux. Si auparavant ils étaient formés autour d'un grand bâtiment central, l'essentiel est désormais devenu la place ou l'espace de la rue, équipé de bâtiments publics, administratifs et résidentiels conçus simultanément.

Le type de domaine noble qui dominait l'architecture du classicisme russe de la période précédente cède la place à de nouveaux types de bâtiments - un manoir résidentiel à Moscou et dans les villes de province, un immeuble d'appartements à Saint-Pétersbourg. Les formes architecturales de palais et de domaines des bâtiments publics de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle disparaissent progressivement.

La technologie de la construction continue de se développer, des structures métalliques sont développées et utilisées dans les bâtiments publics et industriels.

Les réalisations de l'architecture russe de cette période sont associées au travail d'architectes exceptionnels classicisme tardif, comme Rossi, Stasov, Mikhailov - à Saint-Pétersbourg, Beauvais, Gilardi, Grigoriev - à Moscou, Sviyazev, Komarov et d'autres - dans les zones minières et les villes de Russie.

Depuis les années 30. XIXème siècle les premiers signes de l'effondrement de l'architecture classique apparaissent, la désunion de ses principes techniques, utilitaires et artistiques. Dans les années 1830-1840. une division de l'architecture en « haut » et « bas » apparaît. L'architecture civile commence à être considérée comme un « bel art ». Cela était étranger aux principes progressistes de l’architecture classique russe. Ces tendances ont entraîné une diminution exigences artistiques dans l'architecture des bâtiments de masse.

Le classicisme russe avec ses cent ans de développement progressif à la fin du premier moitié du 19ème siècle V. a épuisé ses possibilités. La canonisation des principes de l'architecture classique et en même temps l'utilisation sans principes de formes et de styles architecturaux de l'Antiquité, du Moyen Âge et de la Renaissance ont été menées dans les années 1840-1850. à la diffusion de la stylisation et de l'éclectisme.

Depuis le milieu du XIXe siècle, la tendance a changé. Les anciennes traditions artistiques et architecturales sont mises en avant. Le résultat est un style « russo-byzantin ». L'un des fondateurs de la direction était K.A. Ton. C'est lui qui a créé la cathédrale du Christ-Sauveur, qui est toujours considérée comme un chef-d'œuvre architectural. Et l'architecte K.A. Tone est devenu célèbre en tant que fondateur du mouvement.

Basées sur le mélange des traditions russes anciennes et byzantines, de nombreuses branches apparaissent :

« Style pseudo-russe » ;
« À la russe » ;
"Style néo-russe".

Le travail actif des populistes et leur désir de faire revivre la culture russe ont conduit à l'utilisation généralisée de :

Fenêtres dans les traditions de l'architecture russe ;
Petite ornementation en brique ;
Tentes, kokochniks, porches.

Les maîtres suivants ont travaillé à la renaissance de la culture :

Rezanov ;
Gornostaev ;
Corde.

Dernières années du 19ème siècle. marque le développement rapide du « style néo-russe ».

Le XIXe siècle s'est avéré mouvementé pour la terre russe : guerres, soulèvements et émeutes, affaiblissement du pouvoir autocratique... Tout cela ne pouvait qu'affecter l'architecture de cette époque, qui est devenue une stricte continuation des classiques et a été remplie avec des motifs russes anciens.

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styles du 19ème siècle

Un des principaux putain XIX siècle, il y a eu une renaissance des styles anciens, notamment le rococo, le grec et le gothique. Ce mélange, ainsi que l'utilisation croissante de machines dans la fabrication de meubles, ont conduit certains designers et artisans à se tourner vers des méthodes de fabrication de meubles plus traditionnelles et des designs plus raffinés. Le design japonais a ensuite gagné en influence, tandis que l'Art nouveau (« nouvel art »), à la mode des années 1880 à 1914, s'est inspiré du passé et a créé de nouveaux styles, comme celui de Charles Rennie Mackintosh et des ateliers de Vienne.

Le style Louis XV, très surchargé, trouve son origine dans les années 1730. S'étendit à l'Italie et à l'Allemagne, qui créèrent leurs propres modifications avec une tendance à des excès encore plus grands.

néoclassique

Dans les années 1750, les styles grec et romain, avec leurs formes géométriques et leurs ornements strictement classiques, ressuscitent. Chippendale, Ince et Mayhew ont créé des meubles dans ce style.

styleèreRenaissance

Ce style, né en Italie aux XIIIe et XIVe siècles, se caractérise par le renouveau du design classique. Les meubles sont richement sculptés, souvent avec des détails architecturaux, une décoration de figures mythologiques, d'angelots et de rouleaux d'acanthe.

baroque

Également originaire d'Italie. Les meubles de ce style avaient une caractéristique architecturale : de grands miroirs muraux avec des sculptures luxuriantes et des cadres en volutes, et sous eux se trouvaient des consoles avec des ornements de chérubins, personnages mythiques ou des oiseaux. Les armoires étaient décorées de mosaïques, de colonnes, de panneaux peints et de vernis.

Style russe dans l'architecture du 19ème siècle

La version démocratique du style « russe » est le phénomène le plus marquant de l’architecture des années 1860-1870. Comme l’errance en peinture, elle donne le ton en architecture. L’important n’est pas le nombre de bâtiments, mais la réaction du public (ce n’est pas un hasard si les projets de V. A. Hartmann ont été inspirés par les célèbres « Tableaux d’une exposition » de M. P. Moussorgski).

Le travail d'autres représentants du nouveau style « russe » - I.S. Bogomolov, F.I. Kharlamova, I.P. Kudryavtseva, A.L. Guna, M.A. Kuzmina, A.I. Valberga, N.P. Basina - se développe dans la direction fixée par Gornostaev et Hartmann. Ils ont beaucoup travaillé la pierre, concevant des immeubles d'habitation, et en eux la mesquinerie inhérente, la fragmentation, la disproportion du décor par rapport à la taille globale des bâtiments et la surcharge de détails, inhérentes à la direction dans son ensemble, ressortent particulièrement clairement.

Il existe un lien direct entre le développement de certaines tendances du style « russe » et les événements de l’histoire politique. dans le sens officieux du style « russe » des années 1830-1850. la nationalité et la nationalité ne sont pas différenciées. La stratification intervient au tournant des années 1850-1860.

Dans les années 1860-1870. Le rôle dirigeant appartient à la direction démocratique, à l’ombre de laquelle les autres se développent. Dans les années 1880, après l’assassinat d’Alexandre II, en raison de l’effondrement des tactiques de terreur individuelle, le populisme connaît une crise et disparaît progressivement de la scène. La même chose se produit avec la version démocratique du style « russe ». Son histoire se termine pratiquement dans les années 1870. A la même époque dans les années 1870. la direction « archéologique » et « sol » du style « russe » s'est formée dans les années 1880-1890. Le style officiel « russe » prend vie, après avoir subi des changements correspondant à l'époque. Toutes les directions du style « russe » des années 1880-1890. plus aristocratique dans le choix des motifs. Ils ne proviennent pas principalement de l'architecture paysanne, des arts populaires et appliqués, mais de l'architecture de culte ou de palais, en pierre ou en bois. La version démocratique du style « russe » est la seule où une différence est faite entre les concepts de « national » et de « populaire ». L'accent est mis sur la nationalité (sur la nationalité du motif). Dans d'autres versions du style « russe », l'accent n'est pas tant mis sur la nationalité, mais sur la nationalité ; les deux concepts au 19e siècle. - synonymes, dans le national ils essaient de voir l'expression de l'esprit du peuple. Pour les « gens du sol » esprit folklorique incarné dans l'Orthodoxie, nationalité officielle- en autocratie. Les « archéologues » définissent la nationalité et la nationalité comme identité. La différence de compréhension de la nationalité correspond à l'attitude différente des représentants de différentes orientations envers le patrimoine.

Les « gens du sol » s'intéressent aux fondements généraux du style « russe », du système. Dans leur concept, les slavophiles prennent vie sur l'intégrité de la culture populaire russe, basée sur une connaissance directe et mystiquement intégrale, opposée au rationalisme occidental, sur la communauté et la « conciliarité » de la vie populaire avec des formes de culture et de vie en croissance organique. de là, sur la nécessité de restaurer l'intégrité d'antan en réunissant l'intelligentsia et le peuple. Le programme de création de la culture populaire s’inspire de cet objectif même. Dans l'architecture russe ancienne, les « explorateurs du sol » tentent de trouver des modèles généraux de manifestation de l'intégrité de la culture populaire afin de les faire revivre dans la pratique architecturale moderne. L'attention des « archéologues » est absorbée par l'étude des formes qui confèrent une originalité unique à l'architecture russe. Leur devise : connaissance précise du patrimoine paternel, excluant la possibilité de déplacement d'éléments de différentes époques et de différentes caractéristiques dans des bâtiments nouvellement conçus.

Les représentants de la nationalité officielle, comme auparavant, associent l'idée d'État à la tradition académique, leur slogan est une combinaison de formes russes anciennes et des principes de « l'architecture italienne ». Les différences entre les directions du style « russe » ne sont pas absolues et indiquent plutôt le placement des accents. Les « Pochvenniki » dans leurs théories, comme les « archéologues », procèdent de la nécessité de recréer scientifiquement le style « russe ». Les « archéologues », comme les « pédologues », voient dans la compréhension des caractéristiques de la culture nationale une garantie de la véracité du style reconstruit. Enfin, leur anti-académisme est partiel et relatif.

Dans les années 1870. recherche active et activité littéraire le chef de la direction scientifique « archéologique » est L.V. Dahl, mais il est difficile d'imaginer une personne plus différente du capricieux Stasov que l'universitaire Dahl, réservé dans ses écrits, ses appréciations et ses conclusions, qui préférait la fiabilité d'un fait exact et était loin de la politique. Si Stasov met constamment l'accent sur la démocratie du nouveau style « russe », son lien avec la littérature, l'errance et la musique, alors Dal, bien qu'il voit ce point commun, met l'accent sur autre chose - sur l'originalité et sur la nécessité de sa renaissance en architecture sur un base véritablement scientifique : « Direction moderne, vers lequel l'art s'efforce actuellement, est marqué par le caractère de nationalité, dans le sens où nous prenons des éléments pour le développement de l'art russe directement de la vie populaire... Nouvellement émergent, direction russe constitue une conséquence naturelle du développement de la conscience de soi et d’une étude plus sérieuse de la profondeur de la vie spirituelle du peuple russe.

Le courant « archéologique », dont l'un des représentants les plus brillants, mais non le seul, était Dahl, est né et s'est développé en ligne avec le mouvement social libéral des décennies post-réforme. Un rôle important dans sa formation a été joué par la renaissance des sentiments patriotiques provoqués par la guerre russo-turque menée sous la bannière de la libération. Peuples slaves. Ses partisans, loin du radicalisme de Stassov, mais tout à fait francs dans leurs sympathies démocratiques et leurs sentiments anti-monarchistes, sont regroupés autour de la publication dont la publication a commencé en 1872. revue "Architecte". Ils partagent tous la conviction de N.I. Rochefort dont dépendent directement le déclin et l'essor de l'architecture système politique. En particulier, le déclin de l’architecture à l’ère du classicisme a été causé par l’oppression de l’absolutisme, puisque la rigidité des normes qu’elle imposait à l’art excluait la possibilité d’une libre créativité.

Dahl, architecte de formation, est entré dans l'histoire de l'architecture russe en tant qu'historien. Convaincu que « le passé est une riche source d’éléments d’art originaux », il a fait de l’étude du patrimoine russe l’œuvre de sa vie. « Bien que le style russe, en vertu de déjà conditions historiques, et n'a pas pu développer des formes aussi opportunes et parfaites que, par exemple, le gothique ou le roman, mais, néanmoins, les principes fondamentaux de l'opportunité et de la signification de l'architecture byzantine, qui ont servi de fondement à notre architecture, sont passés dans ses formes. Mais ces principes sont encore obscurs pour nous ou n’ont pas été explorés du tout par nous. Sans les étudier attentivement, nous tomberons dans des erreurs qui contredisent fortement les exigences esthétiques ; nous placerons côte à côte des formes d'origines différentes et différentes époques, ne soupçonnant pas du tout notre illusion. Le fruit d’une attitude aussi frivole envers l’art sera une violation de l’harmonie des pièces et, par conséquent, un manque d’intégrité et d’exhaustivité.

Comprendre l’origine logique des parties d’une œuvre architecturale dans son ensemble n’est possible que par une étude historique sérieuse de celle-ci. C'est pourquoi nous avons besoin recherche historique nos monuments, et surtout maintenant, compte tenu du développement de l’architecture domestique. C'est le credo de Dahl : une connaissance précise et une utilisation précise de ses résultats.

Depuis 1872 jusqu'à sa mort (1878), Dahl effectuait chaque année des expéditions pour étudier les monuments antiques. Tout d'abord, les motifs et détails architecturaux qui pouvaient être directement utilisés ont été esquissés et mesurés - plateaux, portails, porches, galeries, profils de corniches, barreaux de fenêtres et clôtures d'églises, sculptures en bois de piliers, serviettes, éventails sculptés et faîtes de huttes paysannes. .

Les « archéologues » savaient que seul le motif pouvait être reproduit. Dal écrit à ce sujet sans mâcher ses mots : « Notre style russe moderne n'emprunte pas des motifs aux formes fondamentales d'agencement de l'édifice ancien, ni à ces quelques éléments structurels qui ont été traités de manière originale par la vie du peuple... mais se limite à la reproduction et au développement d'ornements d'origine russe. Cette orientation est due en partie à une connaissance insuffisante des formes originales de l’architecture russe ancienne, et principalement au fait que ces formes ne peuvent plus satisfaire le mode de vie moderne. Mais Dahl, et aucun de ses contemporains, ne conclut que l’utilisation de motifs de l’architecture russe ancienne est inacceptable. Pour les pragmatistes, positivistes et rationalistes de la fin du XIXe siècle. L’idée d’un retour à l’Antiquité semble absurde et impossible. Eux, les gens de leur temps, valorisent le progrès, croient en la science et veulent en tirer le maximum, non seulement techniquement, mais aussi artistiquement. Les « archéologues » ont tenté de faire revivre non pas l'architecture russe ancienne, mais la nationalité dans l'architecture moderne. Et ils cherchèrent à faire de la connaissance des motifs de l'Antiquité la propriété des architectes avec d'autant plus de persistance qu'ils étaient convaincus de l'existence d'un équivalent matériel de l'idée nationale. "En quête d'originalité, notre art moderne s’empare avidement de tous les motifs d’ornementation que l’on trouve dans l’Antiquité ou chez les peuples, et à partir de là, il crée peu à peu son propre style.

Recherches sur l'histoire de l'architecture russe, département d'architecture russe dans la revue « Zodchiy », départements historiques de l'Exposition polytechnique panrusse de Moscou en 1872, lors des expositions artistiques et industrielles panrusses de 1882. à Moscou et en 1896 à Nijni Novgorod, des rapports sur les réunions des sociétés d'architecture de Moscou et de Saint-Pétersbourg, des congrès archéologiques (l'histoire de l'architecture était alors considérée comme une branche de l'archéologie) et des voyages de retraités à travers la Russie ont fait leur travail. La forme classique non adressée, interprétée dans le style « russe » en général, disparaît progressivement du travail des architectes. Le dessin des détails devient de plus en plus caractéristique et concret, et des motifs d'origines différentes se côtoient de moins en moins souvent, ce dont Dahl avait tant peur.

Dans les années 1870-1890. Parallèlement à l’archéologie calme de Dahl, se forme le pochvénisme militant et agressif de V.O., parfumé d’une bonne dose de nationalisme. Sherwood, architecte, sculpteur, philosophe, théoricien de l'architecture.

Il construit son concept architectural sur la base de la doctrine philosophique du regretté slavophile N.Ya. Danilevsky - le créateur de la théorie du type culturel et historique et en partie son successeur dans ce domaine, K.N. Léontiev. Selon cette théorie, chacun des peuples historiques personnifie une certaine idée, l'incarnant dans une culture qui, comme un organisme vivant, naît, atteint sa maturité et, s'étant épuisée, meurt. Puisque l'idée d'un peuple et son esprit sont éternels et immuables, les principes dans lesquels il s'incarne sont également immuables. Les grands génies du passé sont grands parce qu’ils ont su pénétrer les secrets les plus intimes de l’esprit.

Sherwood considère que sa tâche est de comprendre comment l'idée du peuple russe se manifeste dans l'art et de formuler les lois éternelles de la beauté qui la sous-tendent. Confiant en leur existence, Sherwood entreprend sans crainte de les identifier, puis de modéliser le système de l'architecture russe. Il ne laisse pas l'ombre d'un doute sur le fait qu'« il est destiné au porteur de la foi chrétienne pure - le peuple russe - de restaurer la plénitude et la manifestation globale de l'idée spirituelle dans l'architecture ».

Partisan de l’intégrité du système artistique, Sherwood continue toutefois de le comprendre de manière mécanique, indépendamment des bases structurelles et de planification des bâtiments. En même temps, sa méthode - la synthèse comme résultat de l'analyse - anticipe la méthodologie de recherche de la modernité, dont le but est toujours de synthétiser le passé, et non d'identifier l'individu, bien que caractéristique, comme dans l'éclectisme.

Héraut des idées du XXe siècle, défenseur de la spiritualité et de l'intégrité, ennemi du rationalisme et de l'analyse, Sherwood, véritable adversaire de l'académisme, n'accepte pas la Renaissance, mais motive son antipathie différemment de Stasov ou de Gogol. Son renouveau le rebute en raison de l'absence d'une « idée clairement définie » - le renouveau de l'art païen, selon Sherwood, n'est pas une idée ; la restauration de la moralité païenne serait la chute, et non la montée, de l’humanité. La source de l’épanouissement de l’art est la foi. La sincérité du sentiment religieux détermine la perfection de l'art préraphaélien. Dans la période post-Louis, c'est-à-dire après la révolution bourgeoise française de 1789, « l'ambiance idéale qui évoque la créativité a progressivement disparu. Le rationalisme, puis le positivisme, exprimés dans un matérialisme extrême, n'avaient pas la moindre prétention à inspirer l'art, et pourtant l'histoire prouve que seule une idée spirituelle est capable de susciter une grande créativité... » Quelle est la conclusion de cette situation ? Pour Sherwood, il n'y en a qu'une : « Une société instruite, armée d'un vrai savoir, est obligée de développer l'idée russe, issue de ses propres principes fondamentaux et coïncidant avec les plus hautes exigences de la raison dans toutes les manifestations de sa vie, et donc dans l’art, d’autant plus que nos ancêtres nous ont laissé un matériau immense et merveilleux qui attend une évaluation consciente et une inspiration sincère.

Après avoir justifié la nécessité de faire revivre l'architecture russe ancienne, Sherwood présente un schéma idéal de ses techniques, reconstruit sur la base de la conviction que « l'intégrité de l'idée russe et la capacité de nos ancêtres à la mettre en œuvre dans l'architecture ne se sont pas seulement manifestées dans des individus individuels. des maisons, mais dans tout le Kremlin... chaque élément y témoigne de la vie spirituelle et étatique du peuple ; Le Kremlin est tout un poème, plein de sentiments et de pensées... un groupe de bâtiments, apparemment déconnectés les uns des autres, est l'intégrité et l'unité. C’est le genre d’unité que nous devrions rechercher dans nos bâtiments.

L'intégrité idéologique de l'architecture russe ancienne correspond à l'intégrité artistique, matérialisée dans des formes architecturales : « … le sentiment de grâce du peuple exigeait, à son tour, association artistique, qui a trouvé sa justification logique dans des schémas de formes et de lignes purement géométriques. La forme la plus parfaite et la plus unificatrice est le cône.

Les avantages du cône par rapport à la construction frontale sont évidents : pour visualiser cette dernière, un seul point de vue est acceptable - directement opposé au milieu (point de vue classique le long de l'axe central), uniquement de ce point de vue le déformant l’effet des contractions de perspective n’est pas observé. Cône ou octaèdre, donnant un équilibre aux directions de perspective, se ressemblant avec différents points vision. Il s'agit de la cathédrale Saint-Basile, où l'on retrouvera la division et l'unité, subordonnées à un schéma strictement géométrique - la forme octogonale et le regroupement régulier des masses y prédominent. Cependant, dans conditions modernes, poursuit Sherwood, le regroupement de masses en forme de cône n'est applicable que dans de rares cas : dans des bâtiments librement situés sur une place ou un espace ouvert. Par conséquent, dans la pratique de construction dominante du développement continu, un « schéma de lignes de définition dérivé d’un cône, dont le plus simple est un triangle isocèle », devrait être utilisé.

Sherwood considère comme pseudo-scientifique la manière de recréer le style « russe » par les démocrates, qui tentaient de dériver les caractéristiques de l’architecture russe ancienne à partir de la cabane en bois d’un paysan. Même Tone est indirectement accusé d'interprétation démocratique du prototype national, puisque la cathédrale du Christ-Sauveur, selon la description de Sherwood, est une cabane plusieurs fois agrandie, dont les véritables dimensions ne peuvent être perçues qu'en étant éloignée d'environ cinq milles. . Mais, en véritable moniste du XIXe siècle, Sherwood oppose le prototype des partisans démocratiques du style populaire et national - la cabane - avec un autre prototype - le temple, au motif que « la religion dans l'ancienne Rus » était presque la seule leader de la vie intellectuelle du peuple, pénétrant complètement dans la vie privée d'une personne. Le style de l’église, qui exprimait l’idée animatrice du peuple, s’est également transmis à l’architecture civile. Conformément à l'idée de type historico-culturel, qui considérait chaque peuple comme porteur d'une certaine idée, l'art se voit attribuer le rôle d'exposant de cette idée. "L'idée de l'architecture russe allie élévation et largeur."

Cette idée, selon Sherwood, définit le système de techniques de composition de l'architecture russe ancienne, ses formes fondamentales sont le carré et l'octogone, la taille la plus courante est la longueur d'une bûche, la principale technique de composition est l'ajout de volumes identiques, qui déterminent l'unité et la diversité de l'apparence des bâtiments anciens. Autrement dit, les bâtiments russes reposent sur un module unique, des schémas spécifiques strictement géométriques et une disposition axiale des volumes. Mais si le concept général des bâtiments est construit sur des lignes droites, alors les formes de chaque partie sont combinées avec des courbes pour éviter la monotonie. Cependant, la prédominance exclusive des courbes n'est pas non plus autorisée. Le plus artistique est la combinaison de lignes droites, brisées et courbes reliées par une courbe douce. Leurs variations, invariablement retrouvées dans l'architecture russe, ajoutent également de la variété à l'apparence des bâtiments.

Enfin, Sherwood révèle un autre modèle qui imprègne l'architecture russe, à partir de formulaires généraux bâtiments et se terminant par leurs moindres détails - une attraction commune à tous est le motif carré. « Le plan carré a été suivi dans les anciens bâtiments russes jusque dans les moindres détails ; la place divisait les corniches et les murs des bâtiments et non seulement elle servait de diagramme, mais la place elle-même servait de décoration dans le style russe et était appelée une mouche. Contrairement à un cône, il ne peut être porteur d’un principe unificateur, mais « représente une forme de proportions inconditionnellement correcte, parfaite, la plus simple et stable ; avec sa logique et sa justesse, il satisfait la raison et le sentiment.

L’utilisation de la symétrie est également originale dans l’architecture russe. Une forme ou une partie distincte d'un bâtiment est toujours symétrique, mais dans la composition globale, la symétrie est souvent remplacée par l'équilibre ou, comme le dit Sherwood, l'équilibre. La nature de sa manifestation est également diverse : situés symétriquement, mais ayant des détails différents, des éléments de même taille, de forme et de détail différents ; parties opposées du bâtiment de masse égale (l'une est plus haute et plus mince, l'autre est plus large et plus basse) ; enfin, deux ou trois éléments relativement petits, contrebalancés par un grand. S'il y a une violation flagrante de la symétrie (il y a une tour au centre, un porche jouxte la partie basse du bâtiment sur le côté), la loi des lignes unificatrices entre en vigueur - un diagramme triangulaire, avec le sommet au plus haut indiquer.

Les architectes russes utilisent également l’échelle d’une manière unique. Au sommet, certaines parties du bâtiment deviennent plus petites et le bâtiment apparaît plus mince et plus haut. Révéler sur la façade la division interne du bâtiment, sa structure spatiale, donne au maître la possibilité de souligner l'échelle, en comparant les masses totales de la structure avec ses petits éléments, par exemple les porches avancés.

Et une autre caractéristique des bâtiments russes - le matériau de construction - la brique, laissée ouverte, « par une répétition monotone donnait du rythme aux détails du bâtiment et servait même de forme de décoration : elle était soit poussée vers l'avant, puis approfondie, soit placée verticalement. avec un bord, interrompant les lignes monotones des ceintures et des parties de la corniche, dans lesquelles étaient placées des briques, des coins les uns au-dessus des autres, en plusieurs rangées avec des rebords progressifs vers le bas, des dents et des craquelins étaient faits et placés en rangées dans le forme de losanges. Ces techniques de l’architecture ancienne étaient si diverses qu’une seule brique pouvait à elle seule servir de décoration luxueuse.

L'incarnation de cette théorie dans la vie est né le bâtiment du Musée historique de Moscou (1874-1883). Il est difficile de dire ce qui a précédé quoi : la construction de la théorie ou la théorie du bâtiment. Très probablement, le thorium est né du travail sur le projet ; le projet était en quelque sorte la matérialisation de la théorie. La différence de dates est 1874. - époque de développement du projet initial et 1895. - la date de sortie du livre ne contredit pas cela. Les étapes de formalisation des pensées de Sherwood en une théorie cohérente et pleinement motivée sont consignées dans ses lettres à I.E. Zabelin, une note explicative du projet de concours du Musée historique (1874) et dans une brochure de 1879. « Quelques mots sur le Musée historique. E. I. V. héritier du prince héritier. Le livre ne fait que résumer de nombreuses années de travail.

Cependant, si le système modélisé par Sherwood architecture russe ancienne et c'est proche de la vérité, le Musée historique n'a pas pu initier la renaissance de l'architecture ancienne. La structure qu'il a conçue révèle une parenté avec les œuvres que Sherwood qualifie avec mépris de copies, arguant : « … le matériel collecté, disposé au fil des années, ne constitue pas encore une science dont la tâche est de découvrir les lois des phénomènes et les élèvent à des principes communs, mais les archéologues ont exigé des copies de leur matériau préféré... cette situation a causé et cause de grands dommages et entrave le développement de l'architecture russe.

Le matérialisme est scientifique et le mérite des architectes-collectionneurs (c'est-à-dire, évidemment, L.V. Dal, V.V. Suslov, A.M. Pavlinov, D.I. Grim et d'autres) est respectable ; mais pour ouvrir la voie au développement ultérieur de l'architecture russe, il est nécessaire de la développer, d'en tirer des lois, tant idéologiques que formelles ; Si l’exigence de copier non seulement ralentit, mais détruit même directement la liberté de créativité inspirée, alors une conscience claire des lois du style peut constituer une force pour un véritable artiste, comme une arme pour un guerrier.

Sherwood croyait que sa théorie serait son arme, avec laquelle il pourrait donner une impulsion au développement du style « russe ». En fait, sa méthode est aussi analytique et mécaniste que celle de ses adversaires idéologiques – les « archéologues ». Mais son analyse touche à un niveau qualitativement différent – ni celui des motifs, ni celui des formes. Nous parlons des principes qui constituent ensemble un système artistique, mais un système « externe », considéré isolément de l’organisme architectural vivant.

La nature mécanique de la pensée ne permet pas à Sherwood de remarquer que l'architecture Rus antique, comme tout autre type d'architecture médiévale, est basée sur l'intégrité organique, sur le fait que ses éléments constructifs-fonctionnels et artistiques-substantiels existent dans une unité dialectique inextricable. La possibilité d'une renaissance de l'architecture russe ancienne, comme la renaissance de l'Antiquité dans l'architecture des temps modernes, était objectivement exclue. Un obstacle à cela était la rigidité du système artistique du Moyen Âge - le revers et la conséquence de l'inséparabilité physique de ses principes constitutifs. En conséquence, le système de Sherwood tombe fatalement dans le courant dominant de la stylisation. Il établit des lois objectives, mais « externes », à l'aide desquelles il est censé composer, là encore, des formes « externes ». En pratique, il ne pouvait même pas le faire. Spécifiquement pour l’architecture des temps modernes, la nature de l’interprétation de la relation entre l’utile et le beau subordonne les lois dérivées de Sherwood. Les détails russes anciens sont situés sur les façades conformément aux lois générales de l'éclectisme. Ils recouvrent uniformément les plans des murs ; une composition axiale symétrique reste le moyen de leur harmonisation. C'est la mesure de l'innovation réalisée grâce au système Sherwood. Comme ses contemporains, il fut confronté à la nécessité de concevoir des types de bâtiments différents de ceux de la Russie antique, qui dictaient la nature du volume, l'aménagement et la structure spatiale, en utilisant des formes traditionnelles conformément à la méthode adoptée au XIXe siècle. , et pas dans la Rus antique. façade d'architecture de style sherwood

Par conséquent, les principes de l'agencement des formes et des formes elles-mêmes, si vivants dans le passé, dans le projet de Sherwood, sont révélés à partir du contexte, du tissu vivant du corps, et se transforment en le même copisme et en schéma mort que les motifs de ses adversaires. Humain XIXème siècle, Sherwood ne pouvait pas encore comprendre que l'intégrité du système de l'architecture russe, en tant qu'une des variétés de l'architecture médiévale, repose sur l'inséparabilité des principes utilitaires et artistiques, que le bâtiment, arraché à l'organisme vivant Forme d'art, apparemment aléatoire, forme avec son propre genre un système artistique indépendant typologiquement lié à l'ordre.

Le musée historique se distingue parmi les nombreux bâtiments contemporains par la complexité de sa composition volumétrique. La symphonie de ses tours fait écho au Kremlin ; par sa petite taille, la subordination de ce bâtiment au sanctuaire de la terre russe est clairement indiquée. L'abondance des tourelles, des porches, leurs formes octogonales et leurs tentes correspondent non seulement aux tours du Kremlin, mais aussi aux nombreux dômes de Saint-Basile. Les volumes sont divisés de manière séquentielle, chacun d'eux possède son propre plafond, couvert côte à côte, comme autrefois. Comme autrefois, non seulement la forme conique des formes est soigneusement conservée, mais aussi la ligne unificatrice du triangle, poussée au-delà du plan de la façade du porche, de petits éléments dépassant vers l'avant pour souligner la taille de l'édifice dans son ensemble. , les formulaires à remplir diminuent vers le haut. Les façades sont revêtues de briques rouges, comme les murs du Kremlin, elles sont recouvertes d'un luxueux motif de détails en briques.

Mais l’art ne tolère pas la conception mécanique. Sherwood s'est avéré être victime de sa propre théorie parce qu'il l'a prise trop au pied de la lettre. Il aspirait non seulement à recréer les principes de l’architecture russe d’avant Pierre le Grand, mais aussi à les recréer sous les formes de l’architecture antérieure.

Au début du XIXe siècle, l'art était dominé par le néoclassicisme, qui professait les principes de haute moralité et de détermination politique, qui fut bientôt remplacé par le romantisme. Les romantiques croyaient que. force motrice le progrès est l’individualité. Ils ont souligné l’importance de tout ce qui est émotionnel, irrationnel, mystique, intuitif et symbolique dans la nature humaine et l’ont placé au-dessus du rationnel et de la logique. Le romantisme a initié le processus de libération de l'artiste de l'autorité des académies, d'un faux sens du devoir public et du poids de l'opinion publique, des conventions morales. (Représentants : William Blake, Eugène Delacroix, Caspar David Friedrich, Théodore Gericault, K. Aivazovsky.)

Le réalisme a également remis en question les idéaux de l'académisme et opinion publique, élargissant la gamme thématique de l'art pour inclure l'imagerie Vie courante et souvent des images de pauvreté et de travail. (Représentants : Gustave Courbet, Honoré Daumier, Edgar Degas, Edouard Manet, Adolph von Menzel)

L'impressionnisme a abandonné la représentation habituelle de la réalité sous la forme de formes clairement définies. Les impressionnistes ont remplacé la ligne et la forme par des taches de couleur vives et des éclairs de lumière, trahissant l'impression que l'artiste a du sujet de l'image, plutôt que le sujet lui-même dans sa forme physique. ils préféraient travailler à l'extérieur, rejetant ainsi la tradition académique de la peinture en atelier à partir de croquis préparés à l'avance. (Représentants : Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Alfred Sisley).

Les postimpressionnistes Paul Cézanne, Vincent Van Gogh et Paul Gauguin adhéraient au principe d'une vision individuelle de l'art. Ils pensaient avoir une vision particulière du monde qu’ils devaient suivre, même si cela signifiait la privation de richesse financière et de statut social. Les caractéristiques de ce vaste mouvement anti-bourgeois étaient une attention accrue portée à la structure et à la conception, un refus d'imiter la nature et de moraliser par l'intrigue.

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Concept "culture» vient du latin cultura, qui signifie « culture », « transformation ». Au sens large, la culture désigne ce qui est créé par le travail physique et mental des personnes. Dans un sens plus étroit, la culture est la somme des réalisations de la société, de ses conditions de vie matérielles, idéologiques et morales, manifestées dans la vie quotidienne, l'idéologie, l'éducation, l'éducation, dans les phénomènes scientifiques, artistiques et littéraires. Mais souvent, le concept de « culture » est utilisé pour désigner avant tout la créativité artistique.

La Russie, située à la jonction de l'Est et de l'Ouest, en contact avec des peuples, des croyances, des traditions différentes, a toujours été sous l'influence d'influences culturelles diverses, souvent très dissemblables. Certaines choses ont pris racine sur le sol russe, mais beaucoup ont été rejetées. De même, elle est restée en Russie (christianisme, écriture, certaines formes de gouvernement, modes d'organisation de l'activité scientifique, etc.), adaptée aux conditions domestiques et a finalement acquis des caractéristiques véritablement nationales.

Au début du 19ème siècle. La Russie était un pays avec une vie culturelle particulière. Les couches supérieures de la société (nobles, bureaucrates, riches marchands) ont construit leur vie conformément aux normes courantes en Occident. Ayant une excellente maîtrise des langues étrangères (principalement le français et l'allemand), les représentants de ces groupes sociaux ont eu l'occasion de se familiariser avec les dernières réalisations européennes.

Un grand nombre de livres et de magazines différents de France, d'Allemagne et de Grande-Bretagne ont été importés en Russie, ce qui a donné une idée de la vie politique et sociale de ces pays, des dernières années. découvertes scientifiques et les inventions techniques les plus importantes. Au milieu du 19ème siècle. Les sujets du tsar russe se trouvaient souvent dans les plus grandes villes d’Europe. Parfois, la situation en France, en Angleterre et en Allemagne leur était bien mieux connue que la situation dans leur pays d'origine, qu'ils voyaient moins souvent qu'en Europe. Une partie de l’aristocratie s’est tellement européanisée que le français, alors langue de communication internationale, est devenu pour elle sa langue maternelle. Un nombre considérable de nobles utilisaient le mot et l'écriture russes avec beaucoup de difficulté.

La majeure partie de la population russe - la paysannerie russe - dans la première moitié du XIXe siècle. n'a subi aucune influence de la morale, des modes et des habitudes européennes. Pour lui, il existait un monde russe traditionnel qui vivait selon ses propres lois. La majeure partie de la population de l’Empire russe ne savait ni lire ni écrire à cette époque. Mais cela ne signifiait pas que les Russes ordinaires étaient en dehors de la culture. Ils avaient leur propre culture spécifique, un système primordial d'idées et de valeurs spirituelles développé au fil des siècles.

russe église orthodoxe, ses rituels, symboles de foi et sacrements élevaient les gens au-dessus des préoccupations quotidiennes du monde et leur enseignaient à considérer le monde comme la création de Dieu. Contrairement à la noblesse, dont beaucoup de représentants ont effectivement rompu avec l’Église, les gens ordinaires ont conservé à la fois leur adhésion à la foi dans les enseignements de Jésus-Christ et leur foi dans le roi, l’oint de Dieu. Aucun des doutes et du mécontentement inhérents à la noblesse à ce sujet n'a pénétré leur âme.

Les gens créaient leurs propres contes de fées, épopées, chansons et fabriquaient une grande variété de produits à partir de cuir, de bois, de lin, de pierre et de métaux. Et il a mis son âme dans ces créations. C'était la culture de vie du peuple russe, son monde spirituel. Et lorsque, sous le règne de Nicolas Ier, les nobles slavophiles ont commencé à étudier et à promouvoir ce monde coloré et inconnu auprès de beaucoup, un nombre considérable de personnes ont été surprises d'apprendre qu'il existait des exemples tout à fait originaux et uniques de culture. la richesse à côté d'eux. Âge d'or de la culture russe. Dans la première moitié du XIXe siècle. la société dite instruite a commencé à prendre conscience de l'importance de l'identité culturelle de la Russie. Cette période a été marquée par l’émergence de créateurs qui ont comblé le vieux fossé culturel entre le haut et le bas de la société. Leur travail est devenu un véritable phénomène national. Cette fois sera appelée plus tard âge d'or de la culture russe. Les noms de A : S. Pouchkine, N.V. Gogol, M. Yu. Lermontov sont devenus à jamais un symbole des réalisations des cigognes de la culture russe.

Le critique littéraire et poète A. Grigoriev a écrit : Pouchkine-G- notre tout. Et il n’y avait aucune exagération dans cette déclaration. Pouchkine est le summum du talent humain. Il est poète, écrivain, penseur et historien. Il est en fait devenu le fondateur de la langue littéraire russe moderne. Tout ce qu'il a touché, tout ce qu'il a écrit et pensé, s'est transformé sous sa plume en un véritable chef-d'œuvre. Pouchkine était un génie russe qui a élevé la culture russe à des sommets universels et l'a établie à jamais comme l'une des composantes les plus importantes du monde. héritage culturel humanité.

L'académicien D.S. Likhachev a écrit : Pouchkine est un génie qui a réussi à créer l'idéal d'une nation. Ne vous contentez pas d'"afficher"une particularité nationale du caractère russe, mais pour briser l'idéal de la nationalité russe, l'idéal de la culture. A.S. Pouchkine (1799-1837) né à Moscou. La famille noble Pouchkine était ancienne et éminente.

La mère du poète était la petite-fille d'Ibrahim Hannibal, originaire du nord de l'Abyssinie, qui était l'un des plus proches collaborateurs de Pierre Ier. Pouchkine l'a immortalisé dans l'histoire Lande de Pierre le Grand. L'enfance d'Alexandre s'est déroulée en partie à Moscou, en partie dans les domaines Pouchkine près de Moscou. Il a été élevé, comme beaucoup d'autres enfants nobles, sous la direction de tuteurs étrangers. DANS premières années il connaissait incomparablement mieux le français que le russe. Sa nounou, la paysanne Arina Rodionovna, qui adorait son élève, a eu une grande influence sur le développement de son amour pour tout ce qui est russe et sur sa compréhension de la vie et de la culture populaires. Elle lui racontait des contes populaires, des légendes et chantait des chansons russes. Une grande partie de ce que le poète a entendu de la nounou Arina a résonné plus tard dans ses œuvres merveilleuses. Écrit en vers Le Conte du prêtre et de son ouvrier Balda, Le Conte du tsar Saltan, Le Conte du pêcheur et du poisson, Le Conte de princesse morte et sur les sept héros, Le Conte du Coq d'Or sont devenus les favoris de nombreuses générations de Russes.

Les œuvres de A. S. Pouchkine reflètent tous les événements les plus marquants de la vie russe. La philosophie de l'histoire de Pouchkine, ses réflexions sur son développement progressif, sur la vie de la société russe et de nombreuses questions urgentes de notre temps ont trouvé leur incarnation la plus vivante dans la tragédie. Boris Godounov, dans les poèmes Cavalier de bronze Et Poltava, roman en vers Eugène Onéguine, dans le roman Arabe de Pierre le Grand, histoires Dubrovsky, la fille du capitaine et d'autres. Le poète a également fait ses preuves en tant qu'historien-chercheur. Son L'histoire de Pougatchev Et Histoire de Pierre Ier- un travail scientifique sérieux.

Les œuvres de A. S. Pouchkine sont empreintes d'un profond amour pour la patrie. Le poète a répondu avec vivacité aux problèmes sociaux et étatiques les plus importants de la vie contemporaine et s'est montré un opposant résolu au servage :

Vais-je voir un peuple non opprimé et l'esclavage, tombé dans la folie du roi...

C'était un grand poète patriotique russe qui connaissait bien la culture de son peuple et appréciait l'honneur et la gloire de sa patrie. À l'automne 1836, dans une lettre à P. Ya Chaadaev, A. S. Pouchkine écrivait : Bien que personnellement je sois de tout cœur attaché au souverain, je suis loin d'admirer tout ce que je vois autour de moi ; En tant qu'écrivain - je suis irrité, en tant que personne ayant des préjugés - je suis offensé - mais je jure sur mon honneur que pour rien au monde je ne voudrais changer la Patrie ou avoir une autre histoire que celle de nos ancêtres, comme Dieu nous l'a donné.

N.V. Gogol (1809-1852) né dans la ville de Sorochintsy, dans la province de Poltava, dans une famille noble et pauvre. Les années d'enfance passées en Ukraine, la vie du peuple, la culture du peuple ukrainien sont restées à jamais gravées dans la mémoire de Gogol et se sont ensuite reflétées dans des couleurs vives. travaux littéraires- des recueils d'histoires Soirées dans une ferme près de Dikanka Et Mirgorod.

La première partie du livre «Soirées dans une ferme près de Dikanka» a immédiatement attiré l'attention des écrivains de la capitale. Ayant déménagé à Saint-Pétersbourg en 1828, Gogol rencontra V. A. Joukovski, A. S. Pouchkine et d'autres écrivains. Le talent incontestable de Gogol a été reconnu universellement. Après la publication en 1632 de la deuxième partie des «Soirées dans une ferme près de Dikanka», le nom de Gogol gagna en popularité. À Saint-Pétersbourg, Gogol s'est développé comme un grand maître et est devenu un véritable écrivain russe.

Dans les années 1830. Gogol a eu l'idée de deux de leurs œuvres. Ils deviendront plus tard une comédie Auditeur et poème Âmes mortes, dont les intrigues ont été suggérées à Gogol par L. S. Pouchkine.

L'écrivain acheva de travailler sur la comédie « L'Inspecteur général » en 1836. L'auteur rêvait de la mettre en scène pour le grand public. Mais le monde bureaucratique métropolitain influent a vu dans la pièce de Gogol attaques contre le gouvernement l'auteur a été accusé de calomnie contre la Russie. Si l’empereur n’était pas intervenu, la pièce n’aurait pas atteint le public. Après s'être familiarisé avec L'Inspecteur général, Nicolas Ier autorise la production théâtrale. Le tsar voyait et savait qu'il y avait de nombreuses lacunes dans le gouvernement du pays et considérait qu'il était nécessaire de lutter contre ce mal, notamment en le ridiculisant publiquement.

La pièce « L'Inspecteur général » a fait forte impression sur ses contemporains. La scène du théâtre n’a jamais rien vu de pareil. La réalité russe y était dépeinte avec une force et une luminosité si talentueuses que même si, comme le disait Gogol lui-même, seuls six fonctionnaires provinciaux se révélèrent être des voyous, beaucoup s'indignèrent. La comédie a rencontré une réaction vive et sympathique parmi ceux qui préconisaient un changement des conditions politiques générales et qui dénonçaient publiquement les lacunes de l'administration publique.

En 1836, N.V. Gogol partit à l'étranger, où il resta avec de courtes pauses presque jusqu'à sa mort. Il a vécu principalement en Italie, où il a travaillé sur sa plus grande œuvre - le poème «Dead Souls», dans lequel il a exposé ses réflexions les plus chères sur les destinées historiques de la Russie. En 1841, il acheva le premier volume, publié sous le titre Les Aventures de Chichikov, ou les Âmes Mortes.

Dans les années 1840. de sérieux changements se sont produits dans la vision du monde de l’écrivain. Gogol s'est retrouvé en proie à une crise mentale, à une sérieuse réévaluation des valeurs et à de profondes réflexions sur ses expériences. Le livre est plein de ces humeurs de déstabilisation spirituelle, d’humilité face aux adversités de la vie, d’insatisfaction à l’égard de ce qu’il a créé dans la littérature. 4 Passages choisis de correspondance avec des amis.

Dès la parution de cet essai, il y a eu une vive réaction de la part de ceux qui se considéraient comme « un combattant pour le progrès, pour des idéaux brillants ». Cette indignation s'est traduite par une lettre agressive de V.G. Belinsky, qui a impitoyablement qualifié Gogol d'apostat. L’écrivain pense que tout ce qui arrive dans la vie doit être accepté. Lermontov avec humilité, Belinsky perçu comme réactionnaire, estimant que grand écrivain« je me suis perdu », « j'ai changé ».

Ces attaques ont eu un effet déprimant sur Gogol. Des signes d'une nouvelle exacerbation de sa maladie mentale apparurent ; Gogol était tourmenté par des pressentiments de mort imminente.

N.V. est mort Gogol à Moscou et fut enterré au cimetière du monastère Danilov. Les paroles du prophète Jérémie ont été placées sur la pierre tombale : Ils riront de mes paroles amères. En 1931, la dépouille de Gogol fut transférée au cimetière de Novodievitchi.

Parmi les talents remarquables de l'âge d'or de la culture russe figure le nom M. Yu. Lermontov (2814-1841). Il a vécu une vie courte, mais s'est immortalisé avec des œuvres poétiques et en prose qui sont devenues de véritables classiques de la littérature russe.

La nature a doté M. Yu. Lermontov de divers talents. Il possédait une musicalité rare - il jouait magistralement du violon et du piano, chantait des airs de opéras italiens, musique composée. Il dessinait et peignait à l'huile, et s'il s'était consacré à la peinture, il aurait pu devenir un artiste célèbre. Problèmes complexes facilement résolus Problèmes mathématiques et était connu comme un bon joueur d'échecs. Il était bien éduqué et connaissait plusieurs langues étrangères. Tout lui venait assez facilement, mais la poésie et la littérature devenaient le besoin de son âme.

Tout au long de sa lecture de la Russie, M. Yu. Lermontov s'est fait connaître pour ses œuvres. Mort du poète Et Borodino Voldanny en 1837

Le poème « La mort d'un poète », écrit immédiatement après la mort de A. S. Pouchkine, est devenu viral. Ceci est un monologue lyrique le jeune Lermontov sur le sort tragique de Pouchkine le poète.

Le poème "Borodino" a été publié. Un vieux soldat, un guerrier honoré, participant à la bataille de Borodino, au nom duquel l'histoire est racontée, rappelle l'une des pages les plus héroïques de l'histoire de la Patrie.

L'œuvre de M. Yu. Lermontov a déterminé l'étape post-Pouchkine du développement de la poésie russe.

Le sort de la Patrie et les pensées du poète à son sujet se reflètent dans de nombreuses œuvres du poète. (Encore une fois des rebondissements folkloriques... Adieu, Russie non lavée... Patrie o Feuille et etc.).

Les poèmes et poèmes de Lermontov sont remplis de ses quêtes spirituelles, de ses rêves, de ses impulsions, de ses humeurs et en même temps d'une introspection sobre et intrépide, d'une connaissance de soi. Ce sont des réflexions sur les questions éternelles de l’existence humaine. Ce sont les poèmes Mtsyri Et Démon, poèmes Parus, je sors seul sur la route..., « Et c'est ennuyeux et triste..., Strophes, Douma, Prophète et etc.

L'œuvre la plus significative de M.Yu. Lermontov - roman Héros de notre temps, dont l'intrigue était les vicissitudes de la vie d'un jeune noble, l'officier Grigori Alexandrovitch Pechorin, un homme doué, réfléchi et doté d'une forte volonté. L'écrivain s'intéresse à ce riche, profond personnalité humaine qui ne trouve pas d'application à ses puissants pouvoirs, à ses passions violentes.

Maintien de sa position dans l'architecture et la sculpture classicisme avec lui attention particulière au patrimoine antique comme norme et modèle idéal. En architecture, son summum était le style style empire qui s'exprimait sous des formes massives avec la présence de sculptures qui complétaient conception architecturale bâtiments. La fantaisie urbanistique en architecture a acquis une ampleur sans précédent. Premier tiers du XIXème siècle. est devenu la phase la plus élevée du développement de l’architecture classique russe qui a duré près d’un siècle. Les plus grandes réalisations sont liées à la créativité O. Montferrand, A.N. Voronikhin, A.D. Zakharova Et K. Rossi.

Grâce à leurs efforts, le centre de Saint-Pétersbourg a acquis son aspect unique, formé non pas comme une somme de bâtiments individuels, mais comme un cycle d'espaces. Communiquer les uns avec les autres Palais, Admiralteyskaya, places du Sénat avec la zone Des échanges, dont il fut l'architecte J. Thomon (1760-1813), formait un système unique et grandiose de complexes architecturaux et spatiaux.

Parmi les monuments architecturaux les plus remarquables de la première moitié du XIXe siècle. rapporte énorme Cathédrale Saint-Isaacà Saint-Pétersbourg, construit de 1818 à 1858 selon les plans d'un architecte français O. Montferrand (1786-1858), La cathédrale personnifiait la puissance et la grandeur de l'Orthodoxie, la force de la Russie qui, selon les idées de l'Église russe, est devenue, après la chute de Byzance, le porteur de la vraie foi (orthodoxe) du Christ.

En 1834, un monument insolite a été inauguré au centre de Saint-Pétersbourg - Colonne Alexandre, créé selon le projet d'O. Montferrand. Le monument est dédié aux victoires des armes russes dans la guerre contre Napoléon. Le monolithe colossal de granit mesurait 25,6 m de haut et pesait plus de 600 tonnes avec une hauteur totale de la structure de 47,5 m. La figure d'un ange couronnant la colonne a été réalisée par un sculpteur. B.I. Orlovski (1796-1837).

Encore plus tôt, en 1811, sur l'artère principale de Saint-Pétersbourg, la perspective Nevski, l'architecte A. N. Voronikhine (1759-1814) chantier terminé Cathédrale de Kazan. Sur la place devant la cathédrale de Kazan il y a

réalisé par un sculpteur B.I. Orlovsky des statues de M. I. Kutuzov et M. B. Barclay de Tolly, qui combinaient organiquement le psychologisme, les images concrètes avec la rigueur et la majesté inhérentes au classicisme. En 1813, le commandant en chef des troupes russes fut enterré dans la cathédrale. Guerre patriotique 1812 Maréchal M.I. Koutouzov. B. I. Orlovsky était également propriétaire de la conception du bâtiment Corps de cadets de montagne(Institut des Mines), marqué par une solennité monumentale et stricte.

Parmi les plus significatifs monuments architecturauxÀ Saint-Pétersbourg de cette époque, il y a aussi un bâtiment Ermitage Impérial(architecte L. von Klenze, 1784-1864), qui est devenu le principal musée russe, contenant les collections d'art les plus riches. Mais par la volonté de l'empereur Nicolas Ier en 1852, la réunion œuvres d'artétait ouvert au visionnement gratuit de tous. L'Ermitage est devenu le premier musée accessible au public en Russie.

L'ampleur du concept épate les créations KI Ross (1775-1849). Son premier ouvrage majeur à Saint-Pétersbourg fut la construction du palais grand-duc Mikhaïlovski, aujourd'hui le bâtiment Musée d'État russe. Les idées de Rossi se sont également concrétisées dans la construction de l'ensemble Théâtre Alexandrinsky Et Place du Palais avec des bâtiments et arc du bâtiment de l'état-major, dont l'arc colossal borde Place du Palais. L'arc de triomphe est devenu le point culminant de toute la composition architecturale, conçue comme un monument à la gloire héroïque du peuple russe, vainqueur de la guerre de 1812.

Le bâtiment était un chef-d'œuvre de l'architecture russe Amirauté. Lors de sa construction, la solution à un ensemble complexe de problèmes d'urbanisme, proposée par l'architecte A.D. Zakharov (1761 -1811), s'est avéré incroyablement précis.

Dans la capitale de la Russie, Moscou, des bâtiments remarquables font également leur apparition.

Conçu par un architecte hors pair O. I. Bové (1784-1834) en 1814, il fut reconstruit Carré rouge. L'ancienne galerie marchande située en face du mur du Kremlin a acquis une nouvelle apparence architecturale. Il s'est transformé en bâtiments allongés horizontalement, créant un contraste expressif avec les tours du Kremlin tournées vers le ciel.

En 1816, Beauvais élabore un plan pour un ensemble classique Place du Théâtre. Ici, en 1825, il a ouvert ses portes au public Grand théâtre, construit selon le projet d'O.I. Bove et est devenu l'un des plus grands bâtiments de théâtre au monde.

Un espace de places a été organisé, qui comprenait les places Kraspaja, Teatralnaya et Manezhnaya. Tout cela a été indiqué par les architectes de la première moitié du XIXe siècle. J'ai vu grand : ils ont vu un seul bâtiment ou un groupe de bâtiments ! dans l’étendue spatiale de la rue, de la place et de la ville dans son ensemble. Cela prédéterminé la longueur des façades caractéristiques de l'architecture Empire. | En 1817, eut lieu l'inauguration d'un immense bâtiment Manège, destiné aux revues militaires, aux défilés et aux exercices. Il pourrait facilement accueillir un régiment d'infanterie (2 mille personnes). Le projet a été réalisé sous la direction d'un ingénieur A. A. Bétancourt, et la décoration de la façade appartenait à O. I. Bové. Selon le projet O.I. Bové a été cassé Jardin Alexandre au mur du Kremlin, il a créé un plan 1er hôpital municipal. Beauvais est l'auteur de celles érigées en 1834. Porte Triomphale en l'honneur de la victoire dans la guerre patriotique de 1812. La porte était située à la Tverskaya Zastava, à l'entrée de Moscou en provenance de Saint-Pétersbourg, là où commençait l'autoroute principale de la ville.

Le premier monument de Moscou a été érigé sur la Place Rouge en 1818 Kuzma Minina Et Dmitri Pojarski, réalisé par un sculpteur I.P.Carte puis poisson-chat (1754-1835). Le geste de Minine désignait le Kremlin - autel de la Russie, selon M. Yu. Lermontov.

Sur la place Sukharevskaya au début du XIXe siècle. La construction d'un grand hôpital et d'un refuge, appelé Une maison accueillante. Ce complexe de bâtiments a été créé aux frais du comte N.P. Sheremetev par les architectes. E.S. Nazarov (1747-1822) Et G. Quarenghi (1744-1817).

Le plus grand maître du style Empire de Moscou était DI Gilardi (1788-1845). Ses meilleures créations sont le bâtiment reconstruit après un incendie Université de Moscou, construit au 18ème siècle. M.F. Kazakov, et la construction Conseil d'administration sur Solyanka (aujourd'hui l'Académie des sciences médicales de Russie).

Une combinaison bizarre de classicisme avec motifs décoratifs l'architecture russe ancienne a marqué la créativité de l'architecte KA Tona (1794-1881), créateur Le Grand Palais du Kremlin, le bâtiment de l'Armurerie. Kremlin de Moscou, et Cathédrale du Christ Sauveur.

La rigueur, la sévérité, l’ascétisme sont inhérents à la création de l’architecte V. II. Stasova (1769-1848)- bâtiment Approvisionnement des entrepôts avec leur effet de puissance inébranlable des murs.

Dans d'autres villes de l'Empire russe, beaucoup de choses ont également été construites au cours de cette période, mais les bâtiments ne se distinguaient pas par la grandeur de la capitale.

Théâtre et dramaturgie

Dans la première moitié du XIXe siècle. La formation du théâtre national est en cours. Auparavant, les troupes de théâtre existaient soit dans les domaines de riches nobles, soit à la cour royale. Urbain, ou, comme on disait alors, publique il y avait peu de théâtres. Ils étaient généralement situés dans des pièces sombres et mal adaptées, et auditoriums n'ont pas été conçus pour un grand nombre de publique.

Le théâtre était considéré comme un divertissement ; on pensait que le spectateur lors des représentations ne devait que s'amuser et s'amuser. Par conséquent, le répertoire théâtral se composait principalement de vaudevilles joyeux, de pièces légères et toujours de musique et de danse.

Il y avait des théâtres français et allemands à Saint-Pétersbourg et des théâtres italiens se produisaient constamment. artistes d'opéra. Sur les scènes des deux plus grands théâtres russes - Bolchoïà Moscou et Maria n'a personneÀ Saint-Pétersbourg, des spectacles d'opéra et de ballet principalement italiens ou français ont été présentés.

Dans le 19ème siècle la situation est en train de changer. Le théâtre devient phénomène social des théâtres modernes apparaissent. Ils mettent en scène des pièces de théâtre nationales qui abordent des problèmes sociaux majeurs (par exemple, la pièce « L'Inspecteur général » de N.V. Gogol),

Dans la première moitié du XIXe siècle. sur la scène Théâtre d'Alexandrie une merveilleuse actrice brillait V.N. Asenkova (181 7-1841). Elle a eu autant de succès dans les deux rôles drôles dans le vaudeville, ainsi que des rôles importants dans des spectacles tels que « L'Inspecteur général » (Marya Antonovna) et « Malheur de l'esprit » (Sofya).

Très populaire dans les années 1830 et 1840. apprécié V.A. Karatygine (1802-1853), qui est devenu le premier tragédien généralement reconnu du théâtre dramatique russe. Il a beaucoup travaillé au Théâtre d'Alexandrie. Ses talents d'acteur ont révélé au public national la profondeur et la grandeur des pièces de William Shakespeare. Ses interprétations des rôles d'Hamlet, du Roi Lear et d'Othello ont été reconnues par le public et les critiques de théâtre comme le summum du jeu d'acteur.

À Moscou, le plus grand théâtre dramatique a été fondé au XVIIIe siècle. Théâtre Maly(c'est ainsi qu'on l'appelait par opposition au théâtre Bolchoï voisin). Le talent d'acteurs russes exceptionnels s'est révélé dans les pièces d'auteurs russes et européens sur la scène du Théâtre Maly. Parmi eux se trouvait notamment un remarquable réformateur du théâtre russe, qui développa les principes de l'art de l'imitation, M. S. Shchepkin (1788-1863). Les rôles de Famusov dans « Malheur de l'esprit » (première production en 1831) et du maire dans « L'Inspecteur général » (première production en 1836) ont fait connaître dans toute la Russie le nom de cet ancien serf (il a obtenu sa liberté en 1822). Shchepkin a affirmé l'importance éducative du théâtre ; il a largement déterminé les positions idéologiques et artistiques du Théâtre Maly.

Acteur P.M. Sadovsky (1818-1872) est également devenu célèbre sur la scène du Théâtre Maly. Son travail a contribué à l’inscription des pièces de l’écrivain et dramaturge russe dans le répertoire du théâtre. UN. JE. Ostrovski (1823-1886). P. M. Sadovsky a participé aux productions de toutes les pièces d'Ostrovsky. La première fois que la comédie d'Ostrovsky « Ne montez pas dans votre propre traîneau » a été jouée ici en 1852. Bientôt, le Théâtre Maly a commencé à s'appeler La maison d'Ostrovsky, parce que ses pièces commençaient à dominer le répertoire théâtral.

art

Progressivement dans la peinture russe de la première moitié du XIXe siècle. le style universel du classicisme cède la place à une attitude romantique. Des peintures sont créées qui deviennent des phénomènes de la vie spirituelle de la société.

Les tendances démocratiques de la nouvelle ère s'expriment clairement dans la créativité V. L. Tropinine (1776-1857).

V. A. Tropinine. Dentellières » :

Artiste serf talentueux du comte II Morkov, il a eu pendant quelque temps l'occasion de suivre des cours à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, où il a soigneusement copié les œuvres de maîtres d'Europe occidentale. En 1823, Tropinin obtient sa liberté et reçoit la même année le titre d'académicien. À cette époque, il avait créé plusieurs tableaux de première classe. Tropinin, le portraitiste, se caractérise par une exaltation romantique, son langage pictural est libre et audacieux. Les chefs-d'œuvre de son œuvre sont Portrait de A. S. Pouchkine, dentellière, « vieux mendiant » Et "Fileur".

K.P. Brullon. Autoportrait:

Brillant dessinateur, aquarelliste, portraitiste, peintre d'histoire K.P. Brioullov (1799-1852) Alors qu'il était encore étudiant à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, il acquit une renommée universelle. Il est diplômé de l'Académie avec une médaille d'or. Puis, aux frais de l'État, il fut envoyé se perfectionner en Italie. Il y passe plusieurs années et peint une série de tableaux de la vie romaine. L'œuvre centrale de K. P. Bryullov était un tableau créé en Italie "Le dernier jour de Pompéi avec son extraordinaire effet pittoresque d'éclairage froid sur fond de lave ardente jaillissant des profondeurs du Vésuve.

Une autre ligne de la créativité de Bryullov est ce qu'on appelle Genre italien, dont les exemples les plus frappants sont les peintures Matin italien Et Après-midi italien.

L'univers des portraits d'apparat de l'artiste (Portrait de Yu. P. Samoilova avec Amatsilia Paccini, Portrait de N. V. Kukolnik, Autoportrait etc.) avec son caractère décoratif et son pittoresque lumineux recrée l'apparence d'une personne dans des moments de solitude rêveuse.

L'ancêtre de la peinture quotidienne russe est A.G. Venetsianov (1780-1847). Le spectateur est exposé à un monde paysan quelque peu idéalisé par l'artiste. Ce tableau est reconnu comme un chef-d'œuvre du maître Portrait d'A.S. Pouchkine. Kiprensky possède également une série d'images de militaires ayant participé à la guerre patriotique de 1812.

S.F. Shchedrina (1791 - 1830) peut être considéré comme le fondateur de la peinture paysagère russe. Ses toiles sont caractérisées par le romantisme, une tentative de transmettre l'état de joie et de bonheur dans l'âme humaine. Il s'agit d'une série d'œuvres de l'artiste Ports à Sorrente avec des ports, des grottes, des terrasses et des vérandas entrelacées de raisins.

A.A. Ivanov (1806-1858) a donné à la peinture historique russe une précision psychologique sans précédent.

Le père de l'artiste, A. M. Ivanov, était professeur de peinture et le garçon est devenu accro au dessin dès son plus jeune âge. À l'âge de 11 ans, il entre à l'Académie des Arts, dont il obtient une médaille d'or. Puis il part perfectionner sa technique de peinture en Italie. L'artiste a tiré l'intrigue de sa toile de l'Évangile de Jean - Jésus apparaît pour la première fois devant les personnes baptisées par Jean-Baptiste. Pendant plusieurs années, Ivanov s'est préparé à ce travail, a réalisé des dizaines de croquis, a écrit une série de toiles préparatoires, dont - Apparition du Christ à Marie-Madeleine, pour lequel il reçut le titre d'académicien.

Pendant plus de 20 ans, l'artiste a travaillé sur cette plus grande toile de sa vie. Et en 1858, il le présente à la critique et au public. Immense peinture L'apparition du Christ au peuple a fait forte impression sur ses contemporains. Alexandre II l'acquit et en fit don quelques années plus tard à la nouvelle Musée public de Moscou et musée Rumyantsev. Le nom de l’artiste et de son œuvre grandiose était sur toutes les lèvres. Mais l'auteur lui-même n'a pas eu le temps de jouir de la renommée : à l'été 1858, il mourut subitement du choléra.

Toute une série de toiles représentant diverses scènes de genre reflétant la vie et les coutumes de la Russie à cette époque ont été créées par Ya A. Fedotov (1815-1852).

Les œuvres picturales de Fedotov se distinguent par l'expressivité des poses, des gestes et des expressions faciales des personnages, l'humour et une écriture soignée. Ses œuvres étaient destinées à un large public démocrate, comme Cavalier frais, mariée discriminante, jumelage de major, petit-déjeuner d'aristocrate, veuve et etc.

Musique

Dans la zone culture musicale au début du 19ème siècle en Russie, les œuvres d'auteurs étrangers régnaient en maître. Mais déjà dès les années 1830. la situation commence à changer et des œuvres musicales majeures apparaissent dans lesquelles les compositeurs nationaux utilisent largement des motifs nationaux.

Le représentant du romantisme dans la musique russe était A.N. Verstovsky (1799-1862). Le compositeur est considéré comme l'un des fondateurs de l'opéra-vaudeville russe. Son opéra La tombe d'Askold construit sur la base du folklore russe et des airs folkloriques. C'était la première œuvre de ce type dans la musique russe.

MI Glinka (1804-1857) - généralement reconnu comme le fondateur de la musique classique russe. Ses deux opéras (« La vie pour le tsar* Et "Ruslan et Ludmila*) a jeté les bases de deux directions dans le développement de l'opéra russe - le drame musical folklorique et l'opéra de conte de fées, l'opéra épique. Fantaisie musicale Kamarinskaïa se compose d'arrangements orchestraux de chansons folkloriques russes. Les mélodies russes imprègnent également les œuvres d’opéra de Glinka. C'est un classique de la romance russe.

Les contemporains de M. I. Glinka étaient des compositeurs A. S. Dargomyzhsky (1813-1869). A. A. Alyabyev (1787-1851).A. E. Varlamov (1801-1848) et A.L. Gourilev (1803-1858).

Opéra de Dargomyzhsky Sirène a marqué la naissance d'un nouveau genre d'opéra russe : le drame psychologique populaire.

Alyabyev, Gurilev et Varlamov étaient les fondateurs Romance russe - une œuvre vocale et musicale originale, sensuelle et mélodique.

Au merveilleux poète V. A. Joukovski (1783-1852) et le compositeur A.F. Lvov (1798-1870) appartient à l'honneur de créer l'hymne national de l'Empire russe. Le 11 décembre 1833, sa première représentation publique eut lieu au Théâtre Bolchoï. L'hymne reflétait la force d'esprit du peuple russe, ses hautes valeurs spirituelles, sa grande dévotion à la patrie, son enthousiasme pour la victoire et la guerre patriotique de 1812. Le deuxième nom de l'hymne est Prière du peuple russe.

Que Dieu sauve le roi! Fort, souverain, Règne pour la gloire, pour notre gloire ! Régnez sur la peur de vos ennemis. Tsar orthodoxe, Dieu sauve le Tsar, sauve le Tsar !

Que Dieu sauve le roi! Longs sont les jours du glorieux. Donnez à la terre, donnez à la terre ! Fier des plus humbles. Gardien faible. Consolateur de tous – Envoyez tout vers le bas !

Rus' primitive, orthodoxe. Dieu sauve le roi, sauve le roi ! Son royaume est harmonieux, calme en force. Tout ce qui est indigne, débarrassez-vous-en !

Ô providence. Bénédiction

Cela nous a été envoyé, cela nous a été envoyé ! En quête du bien. Bonheur, humilité, patience dans le chagrin Donnez à la terre !

Fin XVIII - début XIX siècles. - ère classicisme dans l'architecture russe, qui a laissé une marque brillante sur aspect architectural Saint-Pétersbourg, Moscou et d'autres villes. Les bâtiments de style classique se distinguent par leur équilibre, leur rythme clair et calme et leurs proportions précises. Les principales lois de la composition architecturale étaient la symétrie, mettant l'accent sur le centre, et l'harmonie globale. L'entrée principale était généralement située au centre et était conçue sous la forme d'un portique. Les colonnes devaient être de couleur différente de celle des murs. Le plus souvent, les colonnes étaient peintes en blanc et les murs en jaune.
Au milieu du XVIIIe siècle. Saint-Pétersbourg était une ville de chefs-d’œuvre architecturaux isolés, entourés de domaines verdoyants. Puis le développement régulier de la ville commença le long d'avenues droites partant de l'Amirauté. Classicisme de Saint-Pétersbourg- il s'agit de l'architecture non pas de bâtiments individuels, mais d'ensembles entiers, frappant par leur unité et leur harmonie.
En 1806-1823. un nouveau bâtiment de l'Amirauté a été construit selon le projet Andreïan Dmitrievitch Zakharov(1761-1811). Dans l'immense bâtiment, l'architecte a mis l'accent sur la tour centrale. Il se distingue par un rythme vertical dynamique. L'Amirauté est couronnée par une aiguille dorée volant rapidement avec un bateau. Le rythme majeur solennel de l'Amirauté a donné le ton à toute l'architecture de la ville sur la Neva, et le bateau en est devenu le symbole.
La construction au début du XIXème siècle fut importante. Bâtiment d'échange sur la flèche de l'île Vassilievski. C'est ce bâtiment qui était censé réunir les ensembles qui s'étaient développés autour de la partie la plus large du lit de la Neva. La conception de la Bourse et le dessin de la flèche ont été confiés à un architecte français Thomas de Thomon. A.D. Zakharov a participé à la finalisation du projet. Leur collaboration créative a conduit à une brillante solution au problème. Le Miroir de la Neva unifiait le système : Forteresse Pierre et Paul - Flèche de l'île Vassilievski - Quai du Palais.
La perspective Nevski - l'artère principale de la capitale - a acquis l'apparence d'un ensemble unique avec sa construction en 1801-1811. Cathédrale de Kazan. Auteur du projet Andreï Nikiforovitch Voronikhine(1759-1814), fils d'un paysan serf, prit comme modèle la cathédrale Saint-Pierre de Rome, création de Michel-Ange. En utilisant ses motifs, Voronikhin a créé une œuvre architecturale originale.
Pendant quarante ans, de 1818 à 1858, la cathédrale Saint-Isaac a été construite à Saint-Pétersbourg - le plus grand bâtiment érigé en Russie dans la première moitié du XIXe siècle. À l'intérieur de la cathédrale, il peut y avoir 13 000 personnes. Depuis la galerie sur son dôme, vous pouvez voir Cronstadt, Peterhof, Pulkovo, Tsarskoïe Selo, Gatchina et la mer au loin. La conception de la cathédrale Saint-Isaac a été développée par un architecte français Auguste Montferrand(1786-1858). Selon le projet de Montferrand, une colonne de monolithe de granit de 47 mètres a été érigée sur la place du Palais (1829-1834) - un monument à Alexandre Ier et en même temps - un monument en l'honneur de la victoire des armes russes en 1812.
Karl Ivanovitch Rossi(1775-1849) était un architecte de premier plan de Saint-Pétersbourg qui « pensait en ensembles ». Le palais et le théâtre ont été transformés en un centre urbanistique de places et de nouvelles rues. Ainsi, en créant le palais Mikhaïlovski (aujourd'hui le Musée russe), il a aménagé une place devant le palais et a tracé une rue sur la perspective Nevski. L'entrée principale du bâtiment, située au fond de la cour avant derrière une grille en fonte, semble solennelle et monumentale, facilitée par le portique corinthien. Rossi a conçu le bâtiment de l'état-major, qui entourait la place du Palais du côté sud. L'un des ensembles les plus remarquables de Russie comprenait la construction du théâtre Alexandrinsky, la place Alexandrinskaya adjacente, la rue Teatralnaya derrière la façade du théâtre, qui porte aujourd'hui le nom de Rossi, et la place pentagonale Tchernyshev sur le quai Fontanka qui la termine. La dernière création de Rossi à Saint-Pétersbourg est le bâtiment du Sénat et du Synode sur la célèbre place du Sénat.
Le « plus strict » de tous les architectes du classicisme tardif était Vassili Petrovitch Stassov(1769-1848). Il a construit la caserne Pavlovsk sur le Champ de Mars à Saint-Pétersbourg, la cathédrale du régiment Izmailovsky, les arcs de triomphe (portes de Narva et de Moscou), etc. Partout, il a souligné la masse, sa lourdeur plastique.

Des architectes non moins remarquables travaillaient à Moscou à cette époque. Après l'expulsion des Français de Moscou en 1812, une restauration intensive et la construction de nouveaux bâtiments commencèrent. Il reflète toutes les innovations de l’époque, mais la tradition reste vivante. C'était la particularité de l'école de construction de Moscou. Ossip Ivanovitch Bové(1784-1834) reconstruisit et reconstruit pour l'essentiel les rangées de commerce, dont le dôme au-dessus de la partie centrale était situé en face du dôme du Sénat cosaque du Kremlin. Sur cet axe, un peu plus tard, Martos érigea un monument à Minine et Pojarski.
Bove a également participé à la reconstruction de tout le territoire adjacent au Kremlin, y compris un grand jardin près de ses murs avec une porte donnant sur la rue Mokhovaya ; créé l'ensemble Theatre Square ; construit le bâtiment du premier hôpital municipal; Porte triomphale à l'entrée de Moscou depuis Saint-Pétersbourg (maintenant sur l'avenue Koutouzov), etc.
Nous avons presque toujours travaillé ensemble de manière fructueuse DémenceIvanovitch Gelardi(1788-1845) et Afanassi Grigorievich Grigoriev(1782-1868). Dominico Gilardi a reconstruit l'Université cosaque de Moscou, qui a brûlé pendant la guerre. Les architectes ont travaillé de manière approfondie et fructueuse sur l'architecture des domaines (le domaine Usachev sur la Yauza, le domaine Golitsyn « Kuzminki »).
Je voudrais souligner les immeubles résidentiels moscovites du premier tiers du XIXe siècle, qui nous ont apporté le charme Style Empire russe. Ils cohabitent paisiblement avec des figures allégoriques solennelles sur les façades - avec le motif des balcons et des jardins de devant dans l'esprit des domaines provinciaux. La façade d'extrémité du bâtiment est généralement représentée sur la ligne rouge, tandis que la maison elle-même est cachée dans les profondeurs de la cour ou du jardin. Le pittoresque et la dynamique de la composition règnent en tout, contrairement à l'équilibre et à l'ordre de Saint-Pétersbourg (la maison des Lunins près de Porte Nikitski, construit par Gilardi; La maison de Khrouchtchev sur Prechistenka - aujourd'hui le musée A. S. Pouchkine, a été construite. Grigoriev).
Depuis la fin des années 30. XIXème siècle le classicisme commence à devenir obsolète. Architecture 2ème étage. XIXème siècle généralement appelé pastiche rétrospectif ou éclectisme, car les artistes-architectes ont commencé à utiliser les motifs et les modèles des styles architecturaux des époques passées - gothique, Renaissance, baroque, rococo, etc. Les chercheurs notent que l'éclectisme, ou, comme on l'appelle parfois, « l'historicisme », était une sorte de réaction à la canonicité du style classiciste. La période d’éclectisme a duré près de 70 ans – à partir de la fin des années 1830. jusqu'au tournant du siècle prochain.
Dans les années 1870-80. Les traditions classiques en architecture ont pratiquement disparu. L'essentiel est devenu la faisabilité technique et fonctionnelle - en lien avec l'émergence de nouveaux types de bâtiments : industriels et administratifs, gares, passages, marchés, hôpitaux, banques, ponts, bâtiments de théâtre et de divertissement, salles d'exposition, etc.
Une page spéciale sur l'architecture russe de la 2ème moitié du 19ème siècle. - il s'agit d'immeubles à appartements dont le client cherchait à tirer le maximum de profit et qui se sont rapidement rentabilisés. L'un des principaux problèmes créatifs de cette époque était le développement d'un modèle d'immeuble d'appartements. Dans la décoration des immeubles d'habitation, l'éclectisme est devenu un phénomène de masse.
Le « style russe » (ou « pseudo-russe ») se généralise. Ainsi, les dessus de tente, les décors à motifs, les « serviettes de marbre et broderies de briques », comme un contemporain appelait ces motifs, reviennent à la mode. Exemples typiques de ce style : l'église de la Résurrection sur le Sang de A. A. Parland à Saint-Pétersbourg, le Musée historique (A. A. Semenov, V. O. Sherwood), le bâtiment des Upper Trading Rows (A. N. Pomerantsev) à Moscou. En fait, l’architecture russe en bois a été prise comme modèle.