- Musique de la Renaissance
Renouveau de l'art et de la science aux XIVe-XVIe siècles. C'était une époque de grands changements, marquant la transition d'un mode de vie médiéval à la modernité. Composer et jouer de la musique a acquis une importance particulière au cours de cette période. Les humanistes qui ont étudié les cultures anciennes de la Grèce et de Rome ont déclaré que composer de la musique était une activité utile et noble. On croyait que chaque enfant devait apprendre à chanter et maîtriser les instruments de musique. C'est pour cette raison que d'éminentes familles accueillaient chez elles des musiciens pour donner des leçons à leurs enfants et divertir leurs invités.
L’esthétique musicale de la Renaissance a été développée par les compositeurs et les théoriciens avec autant d’intensité que dans d’autres formes d’art. Après tout, tout comme Giovanni Boccace croyait que Dante, avec son œuvre, contribuait au retour des muses et insufflait la vie à la poésie morte, tout comme Giorgio Vasari parlait de la renaissance des arts, Josepho Zarlino a écrit dans son traité « Établissements de l’Harmonie » (1588) :
«Cependant, que ce soit à cause du temps insidieux ou de la négligence humaine, les gens ont commencé à accorder peu de valeur non seulement à la musique, mais aussi aux autres sciences. Et exaltée jusqu'aux plus hautes hauteurs, elle tomba jusqu'au plus bas ; et, après qu'un honneur inouï lui fut rendu, ils commencèrent à la considérer comme pitoyable, insignifiante et si peu vénérée que même les gens instruits la reconnaissaient à peine et ne voulaient pas lui rendre ce qui lui était dû.
Au tournant des XIIIe et XIVe siècles, le traité « Musique » du maître de musique John de Grohe est publié à Paris, dans lequel il révise de manière critique les idées médiévales sur la musique. Il écrit : « Ceux qui ont tendance à raconter des contes de fées disent que la musique a été inventée par les muses qui vivaient près de l'eau. D'autres disaient qu'il avait été inventé par des saints et des prophètes. Mais Boèce, un homme important et noble, a des points de vue différents... Il dit dans son livre que les débuts de la musique ont été découverts par Pythagore. Les gens chantaient pour ainsi dire dès le début, puisque la musique leur était innée par nature, comme le prétendent Platon et Boèce, mais les fondements du chant et de la musique étaient inconnus jusqu'à l'époque de Pythagore... »
Cependant, Jean de Groheo n'est pas d'accord avec la division de la musique en trois types de Boèce et de ses disciples : la musique du monde, la musique humaine, la musique instrumentale, car l'harmonie provoquée par le mouvement corps célestes, personne n'a même entendu le chant des anges ; En général, « il n’appartient pas à un musicien d’interpréter le chant angélique, à moins qu’il ne soit théologien ou prophète ».
« Disons donc que la musique actuelle parmi les Parisiens se réduit apparemment à trois divisions principales. Une section est constituée de musique simple, ou civile (civilis), que nous appelons également folk ; l'autre est une musique complexe (composée - composita), ou correcte (savante - régularis), ou canonique, qu'on appelle mensural. Et la troisième section, qui découle des deux ci-dessus et dans laquelle les deux sont combinées en quelque chose de meilleur, est la musique d'église, destinée à louer le créateur. »
John de Grohe était en avance sur son temps et n'avait aucun adepte. La musique, comme la poésie et la peinture, n'acquiert de nouvelles qualités qu'au XVe et surtout au XVIe siècle, ce qui s'accompagne de l'apparition de plus en plus de nouveaux traités sur la musique.
Glarean (1488 - 1563), auteur de l'essai musical « L'homme aux douze cordes » (1547), est né en Suisse et a étudié à la faculté artistique de l'Université de Cologne. Le Master en arts libéraux enseigne à Bâle la poésie, la musique, les mathématiques, le grec et le latin, ce qui témoigne des intérêts pressants de l'époque. Ici, il se lie d'amitié avec Erasmus de Rotterdam.
Glarean aborde la musique, en particulier la musique d'église, à l'instar des artistes qui ont continué à peindre des tableaux et des fresques dans les églises, c'est-à-dire que la musique, comme la peinture, doit, en dehors de la didactique et de la réflexion religieuses, avant tout donner du plaisir, être la « mère de plaisir."
Glarean justifie les avantages de la musique monodique par rapport à la polyphonie, tout en parlant de deux types de musiciens : les phonos et les symphonistes : les premiers ont une tendance naturelle à composer une mélodie, les seconds - à développer une mélodie pour deux, trois voix ou plus.
Glarean, en plus de développer la théorie de la musique, considère également l'histoire de la musique, son développement, en fin de compte, dans le cadre de la Renaissance, ignorant complètement la musique du Moyen Âge. Il justifie l'idée de l'unité de la musique et de la poésie, de l'interprétation instrumentale et du texte. Dans le développement de la théorie musicale, Glarean a légitimé, avec l'utilisation de douze tons, les modes éolien et ionien, justifiant ainsi théoriquement les concepts de majeur et de mineur.
Glarean ne se limite pas au développement du solfège, mais examine le travail des compositeurs modernes Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue. Il parle de Josquin Despres avec amour et délice, comme Vasari de Michel-Ange.
Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), dont nous connaissons déjà la déclaration, rejoignit l'ordre franciscain pendant 20 ans à Venise avec ses concerts musicaux et l'épanouissement de la peinture, qui éveillent sa vocation de musicien, compositeur et théoricien de la musique. En 1565, il dirigea la chapelle St. Marque. On pense que dans l'essai « Établissement de l'harmonie », Zarlino a exprimé les principes de base sous une forme classique. esthétique musicale Renaissance.
Zarlino, qui parlait bien sûr du déclin de la musique au Moyen Âge, s'appuie sur l'esthétique ancienne pour développer sa doctrine sur la nature de l'harmonie musicale. « À quel point la musique était glorifiée et vénérée comme sacrée, cela est clairement démontré par les écrits des philosophes et en particulier des Pythagoriciens, car ils croyaient que le monde avait été créé selon les lois musicales, que le mouvement des sphères était la cause de l'harmonie et que notre L'âme est construite selon les mêmes lois, elle s'éveille grâce aux chants et aux sons, et ceux-ci semblent avoir un effet vivifiant sur ses propriétés.
Zarlino est enclin à considérer la musique comme le principal art libéral, tout comme Léonard de Vinci exaltait la peinture. Mais cette passion pour certains types d’art ne doit pas nous dérouter, car nous parlons de l’harmonie comme d’une catégorie esthétique globale.
« Et si l’âme du monde (comme certains le pensent) est harmonie, notre âme ne peut-elle pas être la cause de toute harmonie en nous et notre corps ne peut-il pas être uni à l’âme en harmonie, surtout lorsque Dieu a créé l’homme à l’image du monde plus grand, appelé par les Grecs cosmos, c'est-à-dire un ornement ou orné, et lorsqu'il créa une apparence d'un volume plus petit, contrairement à celui appelé mikrokosmos, c'est-à-dire petit monde? Il est clair qu’une telle hypothèse n’est pas dénuée de fondement.»
Chez Tsarlino Théologie chrétienne se transforme en esthétique antique. L'idée de l'unité du micro et du macrocosme fait naître en lui une autre idée - sur la proportionnalité de l'harmonie objective du monde et de l'harmonie subjective inhérente à l'âme humaine. Mettant en avant la musique comme principal art libéral, Zarlino parle de l'unité de la musique et de la poésie, de l'unité de la musique et du texte, de la mélodie et des mots. À cela s’ajoute « l’histoire », qui anticipe ou justifie l’origine de l’opéra. Et s’il y a de la danse, comme cela se produira à Paris, nous verrons naître le ballet.
On pense que c'est Zarlino qui a donné les caractéristiques esthétiques du majeur et du mineur, définissant la triade majeure comme joyeuse et lumineuse, et la triade mineure comme triste et mélancolique. Il définit également le contrepoint comme « un tout harmonique contenant divers changements de sons ou de voix chantées selon un certain modèle de corrélation et avec une certaine mesure de temps, ou bien une combinaison artificielle de différents sons amenés à être cohérents ».
Josephfo Zarlino, comme Titien, avec qui il était associé, acquit une grande renommée et fut élu membre de l'Académie vénitienne de la renommée. L’esthétique clarifie la situation de la musique à la Renaissance. Fondateur école vénitienne la musique était Adrian Willaert (entre 1480/90 - 1568), néerlandais de naissance. Tsarlino a étudié la musique avec lui. La musique vénitienne, comme la peinture, se distinguait par une riche palette sonore, qui acquiert bientôt des traits baroques.
Outre l’école vénitienne, les écoles romaine et florentine étaient les plus importantes et les plus influentes. Le directeur de l'école romaine était Giovanni Palestrina (1525 - 1594).
La communauté de poètes, de scientifiques humanistes, de musiciens et de mélomanes de Florence s'appelle la Camerata. Elle fut dirigée par Vincenzo Galilei (1533 - 1591). En pensant à l'unité de la musique et de la poésie, et en même temps au théâtre et à l'action sur scène, les membres de la Camerata ont créé un nouveau genre : l'opéra.
Les premiers opéras sont considérés comme « Daphné » de J. Peri (1597) et « Eurydice » d'après des textes de Rinuccini (1600). Ici, une transition s'est opérée d'un style polyphonique à un style homophonique. L'oratorio et la cantate y furent joués pour la première fois.
La musique des Pays-Bas des XVe et XVIe siècles est riche des noms de grands compositeurs, parmi lesquels Josquin Despres (1440 - 1524), sur lequel Zarlino a écrit et qui a servi à la cour de France, où s'est développée l'école franco-flamande. On pense que la plus grande réalisation des musiciens hollandais fut la messe chorale a capella, correspondant à la poussée ascendante des cathédrales gothiques.
L'art de l'orgue se développe en Allemagne. En France, des chapelles sont créées à la cour et des festivals musicaux sont organisés. En 1581, Henri III crée le poste d'« Intendant en chef de la musique » à la cour. Le premier «intendant en chef de la musique» fut le violoniste italien Baltazarini de Belgioso, qui mit en scène «Le ballet comique de la reine», un spectacle dans lequel la musique et la danse étaient pour la première fois présentées comme une action scénique. C'est ainsi qu'est né le ballet de cour.
Clément Janequin (c. 1475 - c. 1560), compositeur marquant de la Renaissance française, est l'un des créateurs du genre du chant polyphonique. Ce sont des œuvres à 4 ou 5 voix, comme des chansons fantastiques. Le chant polyphonique profane - la chanson - se généralise hors de France.
À la Renaissance, la musique instrumentale se développe largement. Parmi les principaux instruments de musique figurent le luth, la harpe, la flûte traversière, le hautbois, la trompette, les orgues de divers types (positifs, portables), les variétés de clavecin ; le violon était un instrument folklorique, mais avec le développement de nouvelles cordes instruments à archet Comme la viole, c'est le violon qui devient l'un des principaux instruments de musique.
Si la mentalité des temps nouveaux s'éveille d'abord dans la poésie et se développe brillamment dans l'architecture et la peinture, alors la musique, à partir de chanson populaire, imprègne tous les domaines de la vie. Même la musique d'église est désormais davantage perçue, comme les peintures d'artistes sur des thèmes bibliques, non pas comme quelque chose de sacré, mais comme quelque chose qui apporte de la joie et du plaisir, auquel les compositeurs, les musiciens et les chœurs eux-mêmes se souciaient.
En un mot, comme dans la poésie, dans la peinture, dans l'architecture, un tournant s'est produit dans le développement de la musique, avec le développement de l'esthétique et de la théorie musicales, avec la création de nouveaux genres, notamment de formes d'art synthétiques, comme l'opéra et le ballet, qui doit être perçu comme une Renaissance, a transmis des siècles. La musique de la Renaissance résonne dans l'architecture comme une harmonie des parties et du tout, inscrite dans la nature, et dans les intérieurs des palais, et dans les peintures, dans lesquelles on voit toujours une performance, un épisode arrêté, où les voix se taisent, et les personnages écoutaient tous la mélodie fanée, que nous comme si je pouvais entendre...
- Instruments de musique
Pendant longtemps, le son de la viole a été considéré comme un modèle de sophistication musicale. Il existe trois types principaux dans la famille des altos. La viole de gambe est un grand instrument que l'interprète place verticalement et presse sur les côtés avec ses pieds (le mot italien gambe signifie « genou »). Deux autres variétés - viola da braccio (de l'italien braccio - "avant-bras") et viole d'amour (français viole d'amour - "alto d'amour") étaient orientées horizontalement et, lorsqu'elles étaient jouées, elles étaient pressées contre l'épaule. La viole de gambe est proche en gamme sonore du violoncelle, la viole de braccio est proche du violon et la viole d'amour est proche de l'alto.
Parmi les instruments à cordes pincées de la Renaissance, la place principale est occupée par le luth (lutnia polonais, de l'arabe « alud » - « arbre »). Il est arrivé en Europe depuis le Moyen-Orient à la fin du 14ème siècle et au début du 16ème siècle, il existait un vaste répertoire pour cet instrument ; Tout d’abord, des chants étaient chantés accompagnés d’un luth. Le luth a un corps court ; la partie supérieure est plate et la partie inférieure ressemble à un hémisphère. Un manche est attaché au manche large, divisé par des frettes, et la tête de l'instrument est repliée presque à angle droit. Si vous le souhaitez, vous pouvez voir la ressemblance avec un bol dans l'apparence du luth. Douze cordes sont regroupées par paires et le son est produit à la fois avec les doigts et avec une plaque spéciale - un médiateur.
Aux XVe et XVIe siècles, différents types de claviers apparaissent. Les principaux types de ces instruments - clavecin, clavicorde, cymbale, virginel - ont été activement utilisés dans la musique de la Renaissance, mais leur véritable épanouissement est venu plus tard.
- Outils populaires
À cette époque, beaucoup de gens aimaient jouer de la flûte à bec, des flûtes et des cors. La musique la plus complexe a été écrite pour le clavecin nouvellement créé, le virginel (un clavecin anglais caractérisé par sa petite taille) et l'orgue. Dans le même temps, les musiciens n'ont pas oublié de composer une musique plus simple qui ne nécessitait pas de compétences d'interprétation élevées. Dans le même temps, des changements se produisent dans l'écriture musicale : les lourds blocs d'impression en bois sont remplacés par des caractères mobiles en métal inventés par l'Italien Ottaviano Petrucci. Les œuvres musicales publiées se sont rapidement épuisées, toutes plus de gens a commencé à s'impliquer dans la musique.
Au 16ème siècle de nouveaux instruments de musique sont apparus. Les plus populaires étaient ceux qui étaient faciles et simples à jouer pour les mélomanes, sans nécessiter de compétences particulières.
Les plus courantes étaient les altos et les fleurs cueillies associées. L'alto était le précurseur du violon, et il était facile à jouer grâce aux frettes (bandes de bois sur le manche) qui vous aidaient à frapper les bonnes notes. Le son de l'alto était faible, mais il sonnait bien dans les petites salles. Accompagnés d'un autre instrument à cordes pincées - le luth - ils chantaient, comme ils le font aujourd'hui avec une guitare.
À cette époque, beaucoup de gens aimaient jouer de la flûte à bec, des flûtes et des cors. La musique la plus complexe a été écrite pour le clavecin nouvellement créé, le virginel (un clavecin anglais caractérisé par sa petite taille) et l'orgue. Dans le même temps, les musiciens n'ont pas oublié de composer une musique plus simple qui ne nécessitait pas de compétences d'interprétation élevées. Dans le même temps, des changements se produisent dans l'écriture musicale : les lourds blocs d'impression en bois sont remplacés par des caractères mobiles en métal inventés par l'Italien Ottaviano Petrucci. Les œuvres musicales publiées se sont rapidement épuisées et de plus en plus de personnes ont commencé à s'impliquer dans la musique.
- Brève description de l'époque par pays
Les Pays-Bas sont une région historique du nord-ouest de l'Europe qui comprend des régions de la Belgique, de la Hollande, du Luxembourg et du nord-est de la France modernes. Au XVe siècle Les Pays-Bas ont atteint un niveau économique et culturel élevé et sont devenus un pays européen prospère.
C'est ici qu'est née l'école polyphonique hollandaise, l'un des phénomènes les plus importants de la musique de la Renaissance. Pour le développement de l'art au XVe siècle, la communication entre musiciens de différents pays, influence mutuelle des écoles créatives. L'école hollandaise a absorbé les traditions de l'Italie, de la France, de l'Angleterre et des Pays-Bas eux-mêmes.
Ses représentants marquants : Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (vers 1400 - 27/11/1474, Cambrai), compositeur franco-flamand, l'un des fondateurs de l'école hollandaise. Les bases de la tradition polyphonique dans la musique hollandaise ont été posées par Guillaume Dufay (vers 1400 - 1474). Il est né dans la ville de Cambrai en Flandre (une province du sud des Pays-Bas) et a chanté dans une chorale d'église dès son plus jeune âge. Parallèlement, le futur musicien suit des cours particuliers de composition. Dès son plus jeune âge, Dufay part en Italie, où il écrit ses premières compositions - ballades et motets. En 1428-1437 il a servi comme chanteur dans la chapelle papale de Rome ; Au cours de ces mêmes années, il voyage en Italie et en France. En 1437, le compositeur fut ordonné. A la cour du duc de Savoie (1437-1439), il compose des musiques pour les cérémonies et les fêtes. Dufay jouissait d'un grand respect de la part des nobles - parmi ses admirateurs se trouvaient, par exemple, le couple Médicis (dirigeants de la ville italienne de Florence). [A travaillé en Italie et en France. En 1428-37, il fut chanteur des chapelles papales à Rome et dans d'autres villes italiennes, et en 1437-44, il servit auprès du duc de Savoie. Depuis 1445, chanoine et directeur des activités musicales de la cathédrale de Cambrai. Maître du sacré (messes à 3, 4 voix, motets), comme du profane (chansons françaises à 3, 4 voix, Chansons italiennes, ballades, rondos) genres associés à la polyphonie populaire et à la culture humaniste de la Renaissance. L'art danois, qui a absorbé les réalisations de l'art musical européen, a eu une grande influence sur le développement ultérieur de la musique polyphonique européenne. Il fut également un réformateur de la notation musicale (on attribue à D. l'introduction des notes à tête blanche). Les œuvres complètes de D. furent publiées à Rome (6 vol., 1951-66).] Dufay fut le premier parmi les compositeurs à commencer à composer la messe en tant que composition musicale intégrale. Créer de la musique d'église nécessite un talent extraordinaire : la capacité d'exprimer des concepts abstraits et intangibles par des moyens concrets et matériels. La difficulté est qu'une telle composition, d'une part, ne laisse pas l'auditeur indifférent, et d'autre part, ne détourne pas l'attention du service et aide à se concentrer plus profondément sur la prière. Beaucoup de messes de Dufay sont inspirées, pleines de vie intérieure ; ils semblent aider un instant à lever le voile de la révélation divine.
Souvent, lors de la création d'une messe, Dufay prenait une mélodie connue à laquelle il ajoutait la sienne. De tels emprunts sont caractéristiques de la Renaissance. Il était considéré comme très important que la messe soit basée sur une mélodie familière que les fidèles pourraient facilement reconnaître même dans une œuvre polyphonique. Un fragment de chant grégorien était souvent utilisé ; Les œuvres profanes n’étaient pas non plus exclues.
En plus de la musique religieuse, Dufay compose des motets basés sur des textes profanes. Il y utilise également des techniques polyphoniques complexes.
Josquin Despres (1440-1521). Représentant de l'école polyphonique hollandaise de la seconde moitié du XVe siècle. Il y eut Josquin Despres (vers 1440-1521 ou 1524), qui eut une grande influence sur l'œuvre des compositeurs de la génération suivante. Dans sa jeunesse, il fut chef de chœur d'une église à Cambrai ; a pris leçons de musiqueà Okegem. À l'âge de vingt ans, le jeune musicien vient en Italie, chante à Milan avec les ducs Sforza (plus tard le grand artiste italien Léonard de Vinci y servit) et dans la chapelle papale de Rome. En Italie, Despres a probablement commencé à composer de la musique. Au tout début du XVIe siècle. il s'installe à Paris. À cette époque, Despres était déjà célèbre et il fut invité au poste de musicien de la cour par le roi de France Louis XII. A partir de 1503, Despres s'installe de nouveau en Italie, dans la ville de Ferrare, à la cour du duc d'Este. Despres compose beaucoup, et sa musique gagne rapidement une reconnaissance dans les cercles les plus larges : elle est appréciée aussi bien de la noblesse que de la noblesse. les gens ordinaires. Le compositeur a créé non seulement des œuvres religieuses, mais aussi des œuvres profanes. En particulier, il s'est tourné vers le genre de la chanson folklorique italienne - frottola (frottola italienne, de frotta - «foule»), qui se caractérise par un rythme de danse et. tempo rapide. Despres a introduit des caractéristiques d'œuvres profanes dans la musique d'église : une intonation fraîche et vivante rompait le strict détachement et évoquait un sentiment de joie et de plénitude de vie. Cependant, le sens des proportions du compositeur n'a jamais failli à sa technique polyphonique. , mais c'est là le secret de la popularité de ses créations.
Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Les jeunes contemporains de Guillaume Dufay étaient Johannes (Jean) Okeghem (vers 1425-1497) et Jacob Obrecht. Comme Dufay, Okegem était originaire des Flandres. Il a travaillé dur toute sa vie ; En plus de composer de la musique, il était chef de la chapelle. Le compositeur a créé quinze messes, treize motets et plus de vingt chansons. Les œuvres d'Okegöm se caractérisent par la rigueur, la concentration et un long développement de lignes mélodiques douces. Il accorda une grande attention à la technique polyphonique, s'efforçant de faire en sorte que toutes les parties de la messe soient perçues comme un tout. Le style créatif du compositeur se retrouve également dans ses chansons - elles sont presque dépourvues de légèreté profane, leur caractère rappelle davantage des motets et parfois des fragments de messes. Johannes Okegem était respecté tant dans son pays qu'à l'étranger (il fut nommé conseiller du roi de France). Jacob Obrecht était chef de chœur dans les cathédrales de diverses villes des Pays-Bas et dirigeait des chapelles ; Il a servi plusieurs années à la cour du duc d'Este à Ferrare (Italie). Il est l'auteur de vingt-cinq messes, vingt motets, trente chansons. Utilisant les réalisations de ses prédécesseurs, Obrecht a introduit beaucoup de nouveautés. la tradition polyphonique. Sa musique est pleine de contrastes, audacieuse, même lorsque le compositeur se tourne vers les genres religieux traditionnels.
La polyvalence et la profondeur de la créativité d'Orlando Lasso. L’histoire de la musique de la Renaissance néerlandaise est complétée par l’œuvre d’Orlando Lasso (de son vrai nom Roland de Lasso, vers 1532-1594), surnommé par ses contemporains « l’Orphée belge » et le « Prince de la musique ». Lasso est né à Mons (Flandre). Dès son enfance, il a chanté dans la chorale de l'église, époustouflant les paroissiens avec sa voix merveilleuse. Gonzaga, duc de la ville italienne de Mantoue, entendit par hasard le jeune chanteur et l'invita dans sa propre chapelle. Après Mantoue, Lasso travailla brièvement à Naples, puis s'installa à Rome où il reçut le poste de directeur de la chapelle de l'une des cathédrales. À l'âge de vingt-cinq ans, Lasso était déjà connu comme compositeur et ses œuvres étaient très demandées par les éditeurs de musique. En 1555, fut publié le premier recueil d'œuvres contenant des motets, des madrigaux et des chansons. Lasso a étudié tout le meilleur de ce qui a été créé par ses prédécesseurs (compositeurs néerlandais, français, allemands et italiens) et a utilisé leur expérience dans son travail. Étant une personne extraordinaire, Lasso cherchait à surmonter la nature abstraite de la musique religieuse et à lui donner une individualité. À cette fin, le compositeur a parfois utilisé des motifs de genre et du quotidien (thèmes de chants folkloriques, danses), réunissant ainsi les traditions ecclésiales et profanes. Lasso combinait la complexité de la technique polyphonique avec une grande émotivité. Il réussit particulièrement dans les madrigaux dont les textes révélaient l'état mental des personnages, par exemple « Les Larmes de Saint-Pierre » (1593), basé sur des poèmes du poète italien Luigi Tranzillo. Le compositeur écrivait souvent pour un grand nombre. de voix (cinq à sept), ses œuvres sont donc difficiles à interpréter.
Depuis 1556, Orlando Lasso vivait à Munich (Allemagne), où il dirigeait la chapelle. À la fin de sa vie, son autorité dans les cercles musicaux et artistiques était très élevée et sa renommée s'étendait dans toute l'Europe. L’école polyphonique néerlandaise a eu une grande influence sur le développement de la culture musicale européenne. Les principes de polyphonie développés par les compositeurs néerlandais sont devenus universels et de nombreuses techniques artistiques ont été utilisées dans leur travail par les compositeurs dès le XXe siècle.
France.
Pour la France, les XVe-XVIe siècles sont une époque de changements importants : Guerre de Cent Ans(1337-1453) avec l'Angleterre, à la fin du XVe siècle. l'unification de l'État était achevée ; au XVIe siècle, le pays connaît des guerres de religion entre catholiques et protestants. Dans un état fort avec monarchie absolue Le rôle des célébrations de cour et des fêtes folkloriques s'est accru. Cela a contribué au développement de l'art, en particulier de la musique qui accompagnait de tels événements. Le nombre d'ensembles vocaux et instrumentaux (chapelles et consorts), composés d'un nombre important d'interprètes, augmente. Au cours des campagnes militaires en Italie, les Français se sont familiarisés avec les réalisations de la culture italienne. Ils ont profondément ressenti et accepté les idées de la Renaissance italienne - l'humanisme, le désir d'harmonie avec le monde environnant, de profiter de la vie.
Si en Italie la Renaissance musicale était avant tout associée à la messe, alors les compositeurs français, ainsi que la musique d'église Attention particulière consacré au chant polyphonique profane - chanson. L'intérêt pour cette musique s'est manifesté en France dans la première moitié du XVIe siècle, lors de la publication d'un recueil de pièces musicales de Clément Janequin (vers 1485-1558). Ce compositeur est considéré comme l'un des créateurs du genre.
Œuvres majeures du programme choral de Clément Janequin (1475-1560). Enfant, Janequin chantait dans une chorale d'église de sa ville natale de Châtellerault (Centre de la France). Par la suite, comme le suggèrent les historiens de la musique, il étudie auprès du maître hollandais Josquin Despres ou auprès d'un compositeur de son entourage. Après avoir reçu la prêtrise, Janequin a travaillé comme régent (directeur de chœur) et organiste ; puis il fut invité à servir par le duc de Guise. En 1555, le musicien devient chanteur de la Chapelle Royale, puis en 1556-1557. - compositeur de la cour royale. Clément Janequin a créé deux cent quatre-vingts chansons (publiées entre 1530 et 1572) ; a écrit de la musique d'église - messes, motets, psaumes. Ses chansons étaient souvent de nature figurative. Devant l'esprit de l'auditeur défilent des images de batailles ("Bataille de Marignano", "Bataille de Renta", "Bataille de Metz"), des scènes de chasse ("La Chasse"), des images de la nature ("Chant des oiseaux", "Nightingale ", "Lark" ), scènes du quotidien ("Women's Chat"). Avec une clarté étonnante, le compositeur a réussi à transmettre l'atmosphère de la vie quotidienne parisienne dans la chanson « Cris de Paris » : il a introduit dans le texte les exclamations des vendeurs (« Lait ! » - « Tartes ! » - « Artichauts ! » - "Poisson!" - "Allumettes!" - "Pigeons")!" - "Vieilles chaussures!" - "Vin!"). Janequin n'utilisait presque pas de thèmes longs et fluides pour les voix individuelles et les techniques polyphoniques complexes, préférant les appels nominaux, les répétitions et les onomatopées.
Une autre direction de la musique française est associée au mouvement paneuropéen de la Réforme.
Dans les services religieux, les protestants français (huguenots) abandonnèrent le latin et la polyphonie. La musique sacrée a acquis un caractère plus ouvert et démocratique. L'un des plus brillants représentants de cette tradition musicale fut Claude Gudimel (entre 1514 et 1520-1572), auteur de psaumes basés sur des textes bibliques et de chorals protestants.
Chanson. L'un des principaux genres musicaux de la Renaissance française est la chanson (chanson française - « chanson »). Ses origines se trouvent dans l'art populaire (des vers rimés de contes épiques étaient mis en musique), dans l'art des troubadours et des trouvères médiévaux. En termes de contenu et d'ambiance, la chanson pouvait être très diversifiée - il y avait des chansons d'amour, des chansons de tous les jours, des chansons humoristiques, des chansons satiriques, etc. Les compositeurs ont pris comme textes des poèmes folkloriques et de la poésie moderne.
Italie.
Avec l'avènement de la Renaissance, la musique quotidienne jouée sur divers instruments s'est répandue en Italie ; des cercles de mélomanes se sont formés. Dans le domaine professionnel, deux des écoles les plus fortes ont émergé : la romaine et la vénitienne.
Madrigal. À la Renaissance, le rôle des genres profanes s’accroît. Au XIVe siècle. le madrigal est apparu dans la musique italienne (du vieux lat. matricale - « chant dans la langue maternelle »). Il a été formé sur la base de chants folkloriques (de bergers). Les madrigaux étaient des chants à deux ou trois voix, souvent sans accompagnement instrumental. Ils ont été écrits sur des poèmes de poètes italiens modernes, qui parlaient d'amour ; il y avait des chansons sur des sujets quotidiens et mythologiques.
Au XVe siècle, les compositeurs ne se tournent guère vers ce genre ; l'intérêt pour celui-ci ne fut ravivé qu'au XVIe siècle. Un trait caractéristique du madrigal du XVIe siècle est le lien étroit entre musique et poésie. La musique suivait avec souplesse le texte et reflétait les événements décrits dans la source poétique. Au fil du temps, des symboles mélodiques uniques se sont développés, désignant de doux soupirs, des larmes, etc. Dans les œuvres de certains compositeurs, le symbolisme était philosophique, par exemple dans le madrigal de Gesualdo di Venosa « Je meurs, malheureux » (1611).
Le genre connaît son essor au tournant des XVIe et XVIIe siècles. Parfois, simultanément à l'interprétation d'une chanson, son intrigue se jouait. Le madrigal devient la base de la comédie madrigale (composition chorale basée sur le texte d'une pièce de comédie), qui prépare l'apparition de l'opéra.
Ecole polyphonique romaine. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Le chef de l'école romaine était Giovanni Pierluigi da Palestrina, l'un des plus grands compositeurs de la Renaissance. Il est né dans la ville italienne de Palestrina, d'où il tire son nom de famille. Depuis son enfance, Palestrina a chanté dans la chorale de l'église et, une fois atteint l'âge adulte, il a été invité au poste de chef d'orchestre (chef de chœur) à la basilique Saint-Pierre de Rome ; plus tard, il servit dans la chapelle Sixtine (la chapelle de la cour du pape).
Rome, centre du catholicisme, a attiré de nombreux musiciens de premier plan. DANS temps différent Les maîtres polyphonistes néerlandais Guillaume Dufay et Josquin Despres y ont travaillé. Leur technique de composition développée rendait parfois difficile la perception du texte du service : il se perdait derrière l'entrelacement exquis des voix et les paroles, en fait, n'étaient pas audibles. Les autorités ecclésiastiques se méfiaient donc de telles œuvres et préconisaient le retour de la monophonie basée sur les chants grégoriens. La question de l'admissibilité de la polyphonie dans la musique religieuse a été discutée dès le Concile de Trente de l'Église catholique (1545-1563). Proche du Pape, Palestrina a convaincu les dirigeants de l'Église de la possibilité de créer des œuvres dans lesquelles la technique de composition n'interférerait pas avec la compréhension du texte. Pour preuve, il compose la « Messe du pape Marcello » (1555), qui allie une polyphonie complexe à une sonorité claire et expressive de chaque mot. Ainsi, le musicien a « sauvé » la musique polyphonique professionnelle de la persécution des autorités ecclésiastiques. En 1577, le compositeur fut invité à discuter de la réforme de la progressive - un recueil d'hymnes sacrés de l'Église catholique. Dans les années 80 Palestrina entra dans les ordres sacrés et, en 1584, il devint membre de la Société des Maîtres de Musique, une association de musiciens qui relevait directement du Pape.
Le travail de Palestrina est imprégné d'une vision du monde lumineuse. Les œuvres qu'il a créées ont étonné ses contemporains tant par leur plus grande habileté que par leur quantité (plus de cent messes, trois cents motets, cent madrigaux). La complexité de la musique n’a jamais fait obstacle à sa perception. Le compositeur a su trouver un juste milieu entre la sophistication de ses compositions et leur accessibilité à l'auditeur. Palestrina considérait que sa principale tâche créative consistait à développer une bon travail. Chaque voix dans ses chants se développe indépendamment, mais forme en même temps un tout avec les autres, et souvent les voix forment des combinaisons d'accords frappantes. Souvent, la mélodie de la voix supérieure semble flotter au-dessus du reste, dessinant un « dôme » de polyphonie ; Toutes les voix se distinguent par leur douceur et leur développement.
La prochaine génération de musiciens considérait l'art de Giovanni da Palestrina comme exemplaire et classique. De nombreux compositeurs exceptionnels des XIXe-VIIIe siècles ont étudié ses œuvres.
Une autre direction de la musique de la Renaissance est associée au travail des compositeurs de l'école vénitienne, dont le fondateur était Adrian Willart (vers 1485-1562). Ses élèves furent l'organiste et compositeur Andrea Gabrieli (entre 1500 et 1520 - après 1586), le compositeur Cyprian de Pope (1515 ou 1516-1565) et d'autres musiciens. Alors que les œuvres de Palestrina se caractérisent par leur clarté et leur stricte retenue, Willaert et ses disciples ont développé un style choral luxuriant. Pour obtenir un son surround et un jeu de timbres, ils ont utilisé plusieurs chœurs dans les compositions, situés à différents endroits du temple. Le recours à l'appel nominal entre les chœurs a permis de remplir l'espace de l'église d'effets sans précédent. Cette approche reflétait les idéaux humanistes de l'époque dans son ensemble - avec sa gaieté, sa liberté et la tradition artistique vénitienne elle-même - avec son désir de tout ce qui est brillant et inhabituel. Chez les maîtres vénitiens, le langage musical devient également plus complexe : il se remplit de combinaisons audacieuses d'accords et d'harmonies inattendues.
Une figure marquante de la Renaissance fut Carlo Gesualdo di Venosa (vers 1560-1613), prince de la ville de Venosa, l'un des plus grands maîtres du madrigal profane. Il est devenu célèbre en tant que philanthrope, joueur de luth et compositeur. Le prince Gesualdo était ami avec le poète italien Torquato Tasso ; Il reste quelques lettres intéressantes dans lesquelles les deux artistes discutent de questions de littérature, de musique et de beaux-arts. Gesualdo di Venosa a mis en musique de nombreux poèmes du Tasse - c'est ainsi qu'est apparu un certain nombre de madrigaux hautement artistiques. En tant que représentant de la fin de la Renaissance, le compositeur a développé nouveau genre madrigal, où les sentiments venaient en premier - orageux et imprévisibles. Par conséquent, ses œuvres se caractérisent par des changements de volume, une intonation semblable à des soupirs et même des sanglots, des accords au son aigu et des changements de tempo contrastés. Ces techniques donnaient à la musique de Gesualdo un caractère expressif et quelque peu bizarre ; elle étonnait et en même temps attirait ses contemporains. L'héritage de Gesualdo di Venosa se compose de sept recueils de madrigaux polyphoniques ; Parmi les œuvres spirituelles - "Hymnes sacrés". Sa musique, encore aujourd'hui, ne laisse pas l'auditeur indifférent.
Développement des genres et des formes de musique instrumentale. La musique instrumentale est également marquée par l'émergence de nouveaux genres, notamment le concerto instrumental. Le violon, le clavecin et l’orgue se transforment progressivement en instruments solistes. La musique écrite pour eux a été l'occasion de démontrer le talent non seulement du compositeur, mais aussi de l'interprète. Ce qui était avant tout valorisé était la virtuosité (la capacité à faire face aux difficultés techniques), qui devint peu à peu une fin en soi et une valeur artistique pour de nombreux musiciens. Les compositeurs des XVIIe et XVIIIe siècles composaient généralement non seulement de la musique, mais jouaient également des instruments de manière magistrale et étaient engagés dans des activités d'enseignement. Le bien-être de l’artiste dépendait en grande partie du client spécifique. En règle générale, tout musicien sérieux cherchait à obtenir une place soit à la cour d'un monarque ou d'un riche aristocrate (de nombreux membres de la noblesse possédaient leurs propres orchestres ou opéras), soit dans un temple. De plus, la plupart des compositeurs combinaient facilement la musique religieuse avec le service rendu à un mécène séculier.
Angleterre.
La vie culturelle de l'Angleterre à la Renaissance était étroitement liée à la Réforme. Au XVIe siècle, le protestantisme se répand dans le pays. L'Église catholique a perdu sa position dominante, l'Église anglicane est devenue l'Église d'État, qui a refusé de reconnaître certains dogmes (dispositions fondamentales) du catholicisme ; La plupart des monastères ont cessé d'exister. Ces événements ont influencé la culture anglaise, notamment la musique. Des départements de musique ont été ouverts dans les universités d'Oxford et de Cambridge. Les instruments à clavier étaient joués dans les salons nobles : virginel (un type de clavecin), (petit) orgue portable, etc. Les petites compositions destinées à la musique à domicile étaient populaires. Le représentant le plus éminent de la culture musicale de cette époque était William Bird (1543 ou 1544-1623), éditeur de partitions, organiste et compositeur. Bird est devenu le fondateur du madrigal anglais. Ses œuvres se distinguent par la simplicité (il évite les techniques polyphoniques complexes), l'originalité de la forme qui suit le texte et la liberté harmonique. Tous les moyens musicaux sont conçus pour affirmer la beauté et la joie de vivre, par opposition à la sévérité et à la retenue médiévales. Le compositeur avait de nombreux adeptes dans le genre madrigal.
Bird a également créé des œuvres spirituelles (messe, psaumes) et de la musique instrumentale. Dans ses compositions pour virginal, il a utilisé des motifs de chants et de danses folkloriques.
Le compositeur voulait vraiment que la musique qu'il écrivait « porte avec bonheur au moins un peu de tendresse, de détente et de divertissement », comme l'écrivait William Byrd dans la préface d'un de ses recueils de musique.
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Présentation de la leçon
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Le cours s'adresse aux élèves de 5e année de 2e année d'études de littérature musicale.
Objectif de la leçon : éducation culture esthétique les étudiants grâce à l'exposition à la musique Renaissance.
Objectifs de la leçon:
- Donner une idée du rôle de la musique et de la pratique musicale dans la vie des hommes de la Renaissance ;
- Connaissance des instruments de musique, des genres, des compositeurs de la Renaissance ;
- Introduction aux œuvres musicales de la Renaissance européenne ;
- Développement des compétences de base en analyse musicale auditive ;
- Développer une compréhension de la relation différents types arts;
- Nourrir la perception émotionnelle des œuvres d’art ;
- Développement de la pensée et de la parole des élèves ;
- Élargissez vos horizons.
Type de cours : leçon sur l'apprentissage d'un nouveau sujet.
Matériel de cours : présentation multimédia, ordinateur.
Matériel musical :
- la pièce de W. Bird pour la virginale "Volta" ;
- F. da Milano « Fantasia » n° 6 pour luth ;
- Scène du film « Elizabeth » : La Reine danse la volta (vidéo) ;
- I. Alberti « Pavane et gaillarde » (vidéo) ;
- Chanson folklorique anglaise « Greensleeves » ;
- J.P. Palestrina « Messe du Pape Marcello », partie de « Agnus Dei » ;
- O. Lasso « Écho » ;
- Madrigal de G. di Venosa « Moro, lasso, al mio duolo » ;
- J. Peri Scène de l'opéra « Eurydice ».
Pendant les cours
I. Moment organisationnel
II. Actualisation des connaissances
Dans la dernière leçon, nous avons parlé de la culture et de la peinture de la Renaissance.
– Quel est l’autre nom de cette époque (« Renaissance » en français) ?
– Quels siècles couvre la Renaissance ? Quelle époque a-t-il remplacé ?
– D’où vient ce nom d’époque ? Que voulaient-ils « faire revivre » ?
– Dans quel pays la Renaissance a-t-elle commencé plus tôt que dans d’autres ?
- Lequel ville italienne surnommé « le berceau de la Renaissance » ? Pourquoi?
– Quels grands artistes ont vécu à Florence ? Souvenez-vous de leur travail.
– En quoi leurs créations diffèrent-elles de l’art médiéval ?
III. Apprendre un nouveau sujet
Aujourd'hui, nous retournons à la Renaissance. Nous découvrirons à quoi ressemblait la musique à cette époque. Faisons connaissance avec les instruments de musique de la Renaissance, voyons-les et écoutons leur son authentique. Nous avons également une réunion avec compositeurs exceptionnels la Renaissance et ses chefs-d'œuvre.
IV. Travailler avec une présentation
Diapositive 1. Titre de page.
Diapositive 2. Le thème de notre leçon est « Musique de la Renaissance ». Période : XIV-XVI siècles.
Diapositive 3.Épigraphe de la leçon. Comment comprenez-vous ces mots ?
... Il n'y a aucune créature vivante sur terre
Tellement dur, cool, diablement méchant,
Alors que je n'ai même pas pu le faire pendant une heure
La musique y fait une révolution.
(William Shakespeare)
Diapositive 4.À la Renaissance, le rôle de l'art dans une vie culturelle société. L'éducation artistique est reconnue comme un aspect important du développement d'une personne noble, une condition d'une bonne éducation.
Le contrôle de l'Église sur la société est affaibli, les musiciens bénéficient d'une plus grande liberté. La personnalité et l'individualité créatrice de l'auteur deviennent de plus en plus évidentes dans ses écrits. À la Renaissance, le concept même de « compositeur».
C'est devenu très important pour le développement de la musique invention de l'imprimerie musicaleà la fin du XVe siècle. En 1501, l'éditeur italien Ottaviano Petrucci publie le premier recueil destiné à la musique domestique. De nouveaux ouvrages ont été publiés et distribués très rapidement. Désormais, tout citadin à revenu moyen peut acheter des partitions. En conséquence, la musique urbaine commence à se développer rapidement, touchant de plus en plus de personnes.
Diapositive 5. Instruments de musique Renaissance. Vents, cordes, claviers.
Diapositive 6. Luth- l'instrument le plus apprécié de la Renaissance. Désigne les instruments à cordes pincées. Au début, on jouait du luth avec un plectre, mais au XVe siècle, on commença à jouer avec les doigts.
Diapositive 7. Son corps ressemble à une poire coupée en deux. Le luth a un manche court avec des frettes, courbées à angle droit.
Diapositive 8. Le luth venait de instrument arabe appelé Al-ud (arabe pour « arbre »). Au 8ème siècle, l'oud est entré en Europe à partir de Afrique du Nord lors de la conquête arabe de l'Espagne et s'est implantée à la cour de nombreux nobles espagnols. Au fil du temps, les Européens ont ajouté des frettes (divisions sur le manche) au oud et l'ont appelé « luth ».
Diapositive 9. Les hommes et les femmes jouaient du luth.
Diapositive 10. Le luth était compact, léger et pouvait être emporté partout avec vous.
Diapositive 11. La musique pour luth n'était pas enregistrée avec des notes, mais à l'aide de tablatures. Regardez : la tablature de luth se compose de 6 lignes indiquant les cordes. Les chiffres indiquent les frettes, les durées sont en haut.
Diapositive 12. Instruments à cordes frottées. Si le luth était joué par des personnes de classes différentes, seule une personne très riche pourrait se permettre un instrument de la famille des violes. Les altos étaient chers ; ils étaient fabriqués à partir de bois précieux et décorés de motifs et de bijoux élégants. Les altos étaient des tailles différentes. Dans ce tableau, les anges jouent les types de violes les plus populaires : da gamba et da braccia.
Diapositive 13. Alto en italien - "violette". Le son de l'alto était très agréable : doux, doux et silencieux.
Diapositives 14, 15. Le nom viola da braccia est traduit de l'italien par « main, épaule ». C'était le nom donné aux petites violes qui étaient tenues à l'épaule lorsqu'elles étaient jouées.
Diapositive 16. Viole de gambe - "pied". Il était de grande taille et devait être tenu entre les genoux ou placé sur la cuisse pour jouer. Ces violes étaient généralement jouées par des hommes.
Diapositive 17. Avez-vous remarqué à quoi ressemblent beaucoup les violes des instruments classiques ? Pour violons, violoncelles. Comparons la viole de gambe avec le violoncelle.
On entendra le son des violes un peu plus tard.
Diapositive 18.Virginiel. Un instrument à clavier rectangulaire, généralement sans pieds. Selon le principe de l'appareil, c'était l'un des prédécesseurs du piano. Mais en termes de qualité sonore, elle était plus proche de la harpe et du luth. Son timbre se distinguait par la douceur et la tendresse.
Diapositive 19. Qui sait ce que signifie le mot anglais ? vierge? Vierge, fille. Devinez pourquoi cet instrument était appelé « girlish » ? Le plus souvent, le virginel était joué par des jeunes filles de naissance noble. On sait que même la reine Elizabeth I d'Angleterre aimait beaucoup le virginel et en jouait bien.
Diapositive 20. William Bird- le plus large Compositeur anglais, organiste et claveciniste du temps d'Elizabeth. Né en 1543, décédé en 1623. A été organiste de la cour. Il composa de nombreuses œuvres sacrées, madrigaux et pièces pour virginal.
Écoutons: W. Pièce d'oiseau pour "Volta" virginale
Diapositive 21-24. Les artistes de la Renaissance représentaient souvent des anges jouant de la musique dans leurs peintures. Pourquoi? Qu'est-ce que cela signifie? Pourquoi les anges ont-ils besoin de musique ? Et les gens ?
Diapositive 25. Regardez quoi grande entreprise les musiciens. A quoi jouent-ils? Comment se sentent-ils? Sont-ils bien ensemble ? Les paroles de W. Shakespeare correspondent-elles à cette image ? Quel est le mot clé de ces versets ? Unité, accord.
Écoutez à quel point les cordes sont amicales
Ils se mettent en formation et donnent leur voix, -
Comme si la mère, le père et le jeune garçon
Ils chantent dans une joyeuse unité.
L'accord des cordes dans un concert nous dit :
Que le chemin solitaire est comme la mort.
Diapositive 26. Genres instrumentaux La Renaissance se divise en 3 types : transcriptions d'œuvres vocales, pièces virtuoses à caractère improvisé (ricercar, prélude, fantaisie), pièces de danse (pavana, gaillarde, volta, moresca, saltarella).
Diapositive 27. Francesco da Milano- célèbre luthiste et compositeur italien du XVIe siècle, que ses contemporains appelaient « Le Divin ». Il possède de nombreuses pièces pour luth, regroupées en trois collections.
Écoutons: F. da Milano « Fantasia » pour luth
Diapositive 28. Danses de la Renaissance. À la Renaissance, l’attitude même envers la danse change. D'activité pécheresse et indigne, la danse se transforme en accessoire obligatoire. vie sociale et devient l'une des compétences les plus nécessaires d'un homme noble. Les bals sont solidement ancrés dans la vie de l’aristocratie européenne. Quels genres de danses étaient à la mode ?
Diapositive 29. Volta– Danse populaire du XVIe siècle d’origine italienne. Le nom volta vient du mot italien voltare, qui signifie « tourner ». Le tempo de la volta est rapide, la taille est à trois temps. Le mouvement principal de la danse : le monsieur se lève brusquement et fait tourner la dame qui danse avec lui dans les airs. De plus, ce mouvement doit être exécuté de manière claire et gracieuse. Et seuls les hommes entraînés pouvaient maîtriser cette danse.
Regardons: fragment du film vidéo « Elizabeth »
Diapositive 30. Pavane– solennel une danse lente d'origine espagnole. Le nom Pavana vient du latin pavo – paon. La taille de la pavane est à deux temps, le tempo est lent. Ils le dansaient pour démontrer aux autres leur grandeur et leur costume luxueux. Le peuple et la bourgeoisie n’ont pas exécuté cette danse.
Diapositive 31.gaillarde(de l'italien - joyeux, joyeux) - danse active. Le caractère de la gaillarde préserve le souvenir de l'origine populaire de la danse. Elle se caractérise par des sauts et des mouvements brusques.
La pavane et la gaillarde étaient souvent exécutées l'une après l'autre, formant une sorte de suite.
Vous verrez maintenant un fragment d'un concert de l'ensemble de musique ancienne « Hesperion XXI ». Son chef est Jordi Savall- Violoncelliste, joueur et chef d'orchestre espagnol, l'un des musiciens les plus influents d'aujourd'hui, interprétant de manière authentique la musique ancienne (telle qu'elle sonnait au moment de sa création).
Diapositive 32. Regardez : I. Alberti "Pavane et gaillarde".
Interprété par l'ensemble de musique ancienne « Hespèrion XXI », dirigé par. J. Saval.
Diapositive 33. Genres vocaux La Renaissance était divisée en ecclésiastique et laïque. Que signifie « laïc » ? Il y eut une messe et un motet dans l'église. En dehors de l'église - caccia, ballata, frottola, villanelle, chanson, madrigal.
Diapositive 34. Le chant religieux atteint l'apogée de son développement. C’est l’époque de la polyphonie de « l’écriture stricte ».
Le compositeur-polyphoniste le plus remarquable de la Renaissance fut l'Italien Giovanni Pierluigi da Palestine. Il tire son surnom - Palestrina - du nom de la ville dans laquelle il est né. Il a travaillé au Vatican, a occupé des postes élevés positions musicales sous le trône papal.
Masse – composition musicale, composé de prières en latin, entendues lors des offices de l'Église catholique.
Écoutons: J.P. da Palestrina "Messe du Pape Marcello", partie de "Agnus Dei"
Diapositive 35. Chansons profanes. Anglais ballade "Manches Vertes"- très populaire aujourd'hui. Les paroles de cette chanson sont attribuées au roi anglais Henri VIII. Il adressa ces vers à sa bien-aimée Anne Boleyn, qui devint plus tard sa seconde épouse. Savez-vous de quoi parle cette chanson ?
Diapositive 36. Paroles de la chanson « Green Sleeves » traduites par S.Ya Marshak.
Écoutons: Ballade anglaise "Greensleeves"
Diapositive 37. Orlando Lasso- l'un des représentants les plus marquants de l'école polyphonique néerlandaise. Né en Belgique, a vécu en Italie, en Angleterre et en France. Durant les 37 dernières années de sa vie, alors que son nom était déjà connu dans toute l'Europe, il dirigea la chapelle de la cour de Munich. Il a créé plus de 2 000 œuvres vocales à caractère religieux et profane.
Diapositive 38. La chanson « Echo » a été écrite pour deux chœurs à quatre voix. Le premier chœur pose des questions, le deuxième chœur lui répond comme un écho.
Écoutons: O. Lasso Chanson « Echo »
Diapositive 39. Madrigal(du mot italien madre - « mère ») - une chanson dans la langue maternelle maternelle. Madrigal est une chanson polyphonique (à 4 ou 5 voix) au contenu lyrique et au caractère sublime. L'apogée de cela genre vocal arrive au 16ème siècle.
Diapositive 40.Gesualdo di Venosa – Compositeur italien XVIe siècle, l'un des plus grands maîtres du madrigal profane. Il était personne mystérieuse. Un riche prince, dirigeant de la ville de Venosa. Ayant surpris sa belle épouse en train de tricher, Gesualdo, dans un accès de jalousie, lui ôta la vie. Périodiquement, il tombait dans la mélancolie et se cachait de tout le monde dans son château. Il est décédé à l'âge de 47 ans, dans un esprit embrumé...
De son vivant, il publie 6 recueils de madrigaux à cinq voix. Une caractéristique du style de G. di Venosa est la saturation de la musique, unique pour son époque, avec des chromatismes et des juxtapositions colorées d'accords dissonants. Alors Gesualdo traduisit son terrible chagrin et des affres de conscience.
Ses contemporains ne comprenaient pas sa musique ; ils la considéraient comme terrible et dure. Les musiciens du XXe siècle l'ont apprécié, un film a été tourné sur G. di Venosa, des livres ont été écrits et le compositeur A. Schnittke lui a dédié l'opéra « Gesualdo ».
Diapositive 41. Le madrigal « Moro, lasso, al mio duolo » est l'une des dernières créations de G. di Venoz. Il possède à la fois la musique et les paroles :
Oh! je meurs de chagrin
Celui qui promettait le bonheur
Il me tue avec son pouvoir !
Oh, mauvais tourbillon de chagrin !
Celui qui a promis la vie
La mort m'a donné.
Écoutons: G. di Venosa « Moro, lasso, al mio duolo »
Diapositive 42. A la fin du XVIe siècle, naît à Florence Camerata florentine- un cercle de musiciens et de poètes qui voulaient faire revivre tragédie grecque antique avec sa manière particulière inhérente de prononcer le texte (quelque chose entre la parole et le chant).
Diapositive 43. La naissance de l'opéra. De ces expériences est né l’opéra. Le 6 octobre 1600, le premier opéra survivant à ce jour, Eurydice, est créé à Florence. Son auteur est le compositeur et chanteur Jacopo Peri.
Écoutons: J. Peri Scène de l'opéra « Eurydice »
V. Résumé de la leçon
– Qu’avez-vous appris de nouveau aujourd’hui sur la Renaissance ?
– De quel instrument avez-vous aimé le son ? Comment?
- Lesquels? instruments modernes Le luth, l'alto et la vierge sont-ils semblables ?
– Que chantait-on à la Renaissance ? Où? Comment?
– Pourquoi les artistes de la Renaissance représentaient-ils si souvent des musiciens ?
– De quelle musique jouée en classe aujourd’hui avez-vous aimé et dont vous vous souvenez ?
VI. Devoirs (facultatif) :
- Chantez la chanson « Green Sleeves » à partir des notes ; ceux qui le souhaitent peuvent choisir un accompagnement ;
- Retrouvez des peintures musicales d'artistes de la Renaissance et parlez-en.
Plusieurs caractéristiques innovantes déterminantes peuvent être identifiées dans la culture musicale de la Renaissance.
Premièrement, le développement rapide de l'art profane, exprimé par la diffusion généralisée de nombreux genres de chant et de danse profanes. Ce sont des italiensfrottole (« chansons folkloriques, de mots frottola - foule), villanelles (« chants de village »),Caccia , canzone (littéralement - chansons) et madrigaux, espagnolVillancico (de villa - village), chansons françaises, allemandesMenti , Anglais ballades et d'autres. Tous ces genres, glorifiant la joie d'être, s'intéressent à monde intérieur les gens luttant pour la vérité de la vie reflétaient directement une vision du monde purement Renaissance. Leurs moyens d'expression se caractérisent par l'utilisation généralisée des intonations et des rythmes de la musique folklorique.
Le point culminant de la ligne laïque dans l'art de la Renaissance -madrigal . Le nom du genre signifie « chanson dans la langue maternelle (c’est-à-dire l’italien) ». Il souligne la différence entre le madrigal et la musique sacrée interprétée en latin. Le développement du genre est passé d'un simple chant de berger à une voix à une pièce vocale-instrumentale à 5 ou 6 voix avec un texte lyrique sophistiqué. Parmi les poètes qui se sont tournés vers le genre madrigal figurent Pétrarque, Boccace, le Tasse. Les maîtres remarquables du madrigal étaient les compositeurs A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Originaire d'Italie, le madrigal s'est rapidement répandu dans d'autres pays occidentaux. pays européens.
La variété française du chant polyphonique s'appellechanson . Il se distingue du madrigal par sa plus grande proximité avec la vie réelle et quotidienne, c'est-à-dire par sa nature de genre. Parmi les créateurs de chanson -Clément Jeannequin , l'un des plus connus Compositeurs français Renaissance.
Deuxièmement, la plus grande floraison de la polyphonie chorale, qui est devenue le leader style musicalère. Majestueux et sonore, il s'accordait parfaitement avec la solennité du service religieux. Dans le même temps, la polyphonie polyphonique était la forme d'expression dominante non seulement dans les genres spirituels, mais aussi dans les genres profanes.
Le développement de la polyphonie chorale est associé tout d'abord au travail des compositeurs de l'école néerlandaise (franco-flamande) : Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.
Orlando Lasso (vers 1532-1594) a travaillé dans de nombreux pays européens. Son talent, véritablement phénoménal, a captivé et ravi tout le monde. Tout le monde est représenté dans la vaste créativité d'Orlando Lasso genres musicaux Renaissance (avec la prédominance de la musique profane sur le sacré). Ses œuvres les plus populaires incluent « Echo », écrite dans le genre d’une chanson italienne de tous les jours. L’œuvre repose sur une juxtaposition colorée de deux chœurs, créant un effet d’écho. Son texte appartient au compositeur lui-même.
Avec Orlando Lasso, le plus grand représentant Haute Renaissance il y avait un Italien dans la musiquePalestine (nom et prénom Giovanni Pierlui da Palestrina, vers 1525-1594). La majeure partie de la vie de Palestrina s'est déroulée à Rome, où il a été constamment associé au travail dans l'église, en particulier, il a dirigé la chapelle de la cathédrale Saint-Pierre. Pétra. L'essentiel de sa musique est constitué d'œuvres sacrées, principalement des messes (il y en a plus d'une centaine, parmi lesquelles se distingue la célèbre « Messe du Pape Marcello ») et des motets. Cependant, Palestrina composait aussi volontiers de la musique profane - madrigaux, canzonettas. Œuvres de Palestrina pour chœur à sarrellaest devenu un exemple classique de polyphonie de la Renaissance.
Le travail des compositeurs polyphoniques a joué un rôle de premier plan dans le développement du principal genre musical de la Renaissance -masses . Originaire du Moyen Âge, le genre de la messe enXIV- XVIsiècles, il se transforme rapidement, passant d'échantillons présentés en parties séparées et disparates à des œuvres de forme cyclique harmonieuse.
En fonction de la calendrier de l'église dans la musique de la messe, certaines parties ont été omises et d'autres parties ont été insérées. Les parties obligatoires qui sont constamment présentes dans service de l'Église, cinq. DANSje Et V - « KyrieÉleison» (« Seigneur, aie pitié ») et« AgnusDei» (« Agneau de Dieu") - un appel au pardon et au pardon a été exprimé. DansII Et IV - « Gloria"("Gloire") et " Sanctus» (« Saint") - louange et gratitude. Dans la partie centrale, "Credo» (« Je crois"), expose les principes fondamentaux de la doctrine chrétienne.
Troisièmement, le rôle croissant de la musique instrumentale (avec une nette prédominance des genres vocaux). Si le Moyen Âge européen ne connaissait presque aucun instrumentisme professionnel, à la Renaissance, de nombreuses œuvres ont été créées pour le luth (l'instrument de musique le plus répandu à l'époque), l'orgue, la viole, la vihuela, la flûte virginale et longitudinale. Ils suivent toujours des schémas vocaux, mais leur intérêt pour le jeu instrumental est déjà déterminé.
Quatrièmement, à la Renaissance, il y avait une formation active d'écoles nationales de musique (polyphonistes hollandais, virginalistes anglais, vihuélistes espagnols et autres), dont la créativité était basée sur le folklore de leur pays.
Enfin, la théorie musicale a fait un grand pas en avant, mettant en avant ligne entière de merveilleux théoriciens. C'est du françaisPhilippe de Vitry , auteur du traité " Arsnova» (« Nouvel art », où est donnée une justification théorique du nouveau style polyphonique) ; italienJosephfo Zarlino , l'un des créateurs de la science de l'harmonie ; SuisseGlaréen , fondateur de la doctrine de la mélodie.
La Renaissance, ou Renaissance, est une période de l'histoire culturelle de l'Europe occidentale et centrale, s'étendant approximativement sur les XIVe et XVIe siècles. Cette période tire son nom du regain d'intérêt pour l'art ancien, devenu un idéal pour les personnalités culturelles des temps modernes. Les compositeurs et théoriciens de la musique - J. Tinctoris, G. Tsarlino et d'autres - ont étudié les traités musicaux grecs anciens ; dans les œuvres de Josquin Despres, comparé à Michel-Ange, selon les contemporains, « on revit la perfection perdue de la musique des anciens Grecs » : apparue à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle. l'opéra était guidé par les lois du drame antique.
Cours de solfège. D'après une gravure du XVIe siècle.
J.P. Palestrina.
Le développement de la culture de la Renaissance est associé à l'essor de tous les aspects de la société. Une nouvelle vision du monde est née : l'humanisme (du latin humanus - « humain »). L’émancipation des forces créatrices a conduit au développement rapide de la science, du commerce, de l’artisanat et de nouvelles relations capitalistes ont pris forme dans l’économie. L'invention de l'imprimerie a contribué à la diffusion de l'éducation. Super découvertes géographiques et le système héliocentrique du monde de N. Copernic a changé les idées sur la Terre et l'Univers.
A atteint une prospérité sans précédent art, architecture, littérature. La nouvelle attitude se reflète dans la musique et transforme son apparence. Elle s'écarte progressivement des normes du canon médiéval, le style s'individualise et la notion même de « compositeur » apparaît pour la première fois. La texture des œuvres change, le nombre de voix passe à quatre, six ou plus (par exemple, le canon à 36 voix attribué au plus grand représentant école néerlandaise J. Okegem). En harmonie, les consonances consonnes dominent ; l'utilisation des dissonances est strictement limitée par des règles spéciales (voir Consonance et Dissonance). Des gammes majeures et mineures et un système de rythme d'horloge, caractéristique de la musique ultérieure, sont formés.
Tous ces nouveaux moyens ont été utilisés par les compositeurs pour transmettre la structure particulière des sentiments de l'homme de la Renaissance - sublime, harmonieux, calme et majestueux. Le lien entre le texte et la musique devient plus étroit, la musique commence à transmettre l'ambiance ou, comme on disait alors, les effets des mots individuels, tels que « vie », « mort », « amour », etc. ; souvent illustré avec des moyens musicaux spéciaux.
La musique de la Renaissance s'est développée dans deux directions : religieuse et profane. Les principaux genres de musique religieuse sont la messe et le motet - œuvres polyphoniques polyphoniques pour chœur, non accompagné ou accompagné d'un ensemble instrumental (voir Musique chorale, Polyphonie). Parmi les instruments, la préférence a été donnée à l'orgue.
Le développement de la musique profane a été facilité par la croissance de la création musicale amateur. La musique résonnait partout : dans les rues, dans les maisons des citoyens, dans les palais des nobles. Les premiers interprètes virtuoses de concert sont apparus au luth, au clavecin, à l'orgue, à la viole et à divers types de flûtes longitudinales. Dans les chants polyphoniques (madrigal en Italie, chanson en France), les compositeurs parlaient de l'amour et de tout ce qui se passe dans la vie. Voici les titres de certaines chansons : « Stag Hunt », « Echo », « Battle of Marignano ».
Aux XVe-XVIe siècles. L'importance de l'art de la danse augmente, de nombreux traités et manuels pratiques sur la chorégraphie apparaissent, des recueils de musique de danse apparaissent, parmi lesquels danses populaires de cette époque - danse de basse, branle, pavane, gaillarde.
À la Renaissance, des écoles nationales de musique furent créées. La plus grande d’entre elles est l’école polyphonique néerlandaise (franco-flamande). Ses représentants sont G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Les autres écoles nationales comprennent l'italien (JP Palestrina), l'espagnol (TL de Victoria), l'anglais (W. Bird) et l'allemand (L. Senfl).
La question du côté musical de la Renaissance est assez complexe. Dans la musique de cette époque, il est plus difficile d'identifier de nouveaux éléments et tendances fondamentalement différents de ceux du Moyen Âge que dans d'autres domaines de l'art - dans la peinture, la sculpture, l'architecture, l'artisanat d'art, etc. Le fait est que la musique, tant au Moyen Âge que tout au long de la Renaissance, a conservé son caractère diversifié. Il y avait une division claire entre la musique spirituelle de l'Église et les compositions, chants et danses profanes. Cependant, la musique de la Renaissance a son propre caractère original, bien qu’étroitement lié aux réalisations antérieures.
Culture musicale Renaissance
Une caractéristique de la musique de la Renaissance, qui comprend l'ère musicale des XVe et XVIe siècles, est la combinaison de diverses écoles nationales, qui avaient en même temps une tendance de développement commune. Les experts identifient les premiers éléments caractéristiques de l'époque de l'humeur dans le style musical italien. D’ailleurs, dans la patrie de la Renaissance » nouvelle musique" a commencé à apparaître à la fin du 14ème siècle. Les caractéristiques du style Renaissance se sont manifestées le plus clairement dans le style hollandais école de musique, à partir du milieu du XVe siècle. Une caractéristique de la musique néerlandaise était une attention accrue portée aux compositions vocales avec un accompagnement instrumental approprié. De plus, les compositions vocales polyphoniques étaient caractéristiques à la fois de la musique religieuse de l'école hollandaise et de son orientation profane.
Ainsi, dès le XVIe siècle, il s'est répandu en France, en Allemagne et en Angleterre. De plus, des compositions vocales profanes de style hollandais ont été interprétées sur différentes langues: par exemple, les historiens de la musique voient dans ces chansons les origines de la chanson traditionnelle française. Toute la musique européenne de la Renaissance se caractérise par deux tendances apparemment multidirectionnelles. L’un d’eux a conduit à une nette individualisation des compositions : dans les œuvres profanes, l’origine de l’auteur est de plus en plus visible, des paroles plus personnelles, des expériences et des émotions d’un compositeur particulier apparaissent.
Une autre tendance se reflète dans la systématisation croissante de la théorie musicale. Les œuvres, tant religieuses que profanes, deviennent de plus en plus complexes, la polyphonie musicale s'améliore et se développe. Tout d'abord, dans la musique religieuse, des règles claires de formation, de séquences harmoniques, de guidage vocal, etc. ont été établies.
Théoriciens ou compositeurs de la Renaissance ?
En lien avec cette nature complexe du développement de la musique à la Renaissance, il y a actuellement un débat sur la question de savoir si les principales personnalités musicales de cette époque doivent être considérées comme des compositeurs, des théoriciens ou des scientifiques. Ensuite, il n'y avait pas de « division du travail » claire, alors les musiciens se sont combinés diverses fonctions. Ainsi, le Suisse Glarean, qui a vécu et travaillé dans la première moitié du XVIe siècle, était plutôt un théoricien. Il a apporté d'importantes contributions à théorie de la musique, créant la base pour l'introduction de concepts tels que majeur et mineur. En même temps, il considérait la musique comme une source de plaisir, c'est-à-dire qu'il prônait son caractère laïc, rejetant en fait le développement de la musique dans l'aspect religieux du Moyen Âge. De plus, Glarean ne voyait la musique qu'en lien inextricable avec la poésie, c'est pourquoi grande attention consacré aux genres de chansons.
L'Italien Josephfo Zarlino, dont l'activité créatrice s'est déroulée dans le deuxième quart - fin du XVIe siècle, a largement développé et complété les développements théoriques présentés ci-dessus. En particulier, il a d'abord proposé d'associer les concepts déjà formulés de majeur et de mineur à l'humeur émotionnelle d'une personne, associant le mineur à la mélancolie et à la tristesse, et le majeur à la joie et sentiments sublimes. De plus, Zarlino perpétue l'ancienne tradition de l'interprétation de la musique : pour lui, la musique est une expression tangible de l'harmonie dans laquelle l'univers doit exister. Par conséquent, la musique, selon lui, était la plus haute manifestation génie créatif et le plus important des arts.
D’où vient la musique de la Renaissance ?
La théorie est la théorie, mais dans la pratique, la musique est impensable sans instruments de musique - bien sûr, avec leur aide, elle a pris vie. art musical Renaissance. Le principal instrument qui a « migré » vers la Renaissance à partir de la période musicale médiévale précédente était l’orgue. Cet instrument à clavier et à vent était activement utilisé dans la musique religieuse, et compte tenu de la place la plus importante accordée aux compositions sacrées dans la musique de la Renaissance, l'importance de l'orgue restait. Même si, en général, le « poids spécifique » de cet instrument a peut-être diminué, les instruments à cordes frottées et pincées ont pris la tête. Cependant, l'orgue a marqué le début d'une direction distincte d'instruments à clavier qui avaient un son plus aigu et plus profane. Le plus courant d’entre eux était le clavecin.
Les instruments à cordes frottées ont développé une famille à part entière : les violes. Les violes étaient des instruments dont la forme et la fonction étaient similaires aux instruments de violon modernes (violon, alto, violoncelle). Il existe très probablement des liens familiaux entre les violes et la famille des violonistes, mais les violes ont caractéristiques. Ils ont une « voix » individuelle beaucoup plus prononcée, qui a une teinte veloutée. Les violes ont un nombre égal de cordes principales et de cordes résonantes, c'est pourquoi elles sont très capricieuses et difficiles à accorder. Par conséquent, les violes sont presque toujours un instrument soliste ; il est rarement possible de les utiliser harmonieusement dans un orchestre.
Quant aux instruments à cordes pincées, la place principale parmi eux à la Renaissance était occupée par le luth, apparu en Europe vers le XVe siècle. Le luth était d’origine orientale et possédait une structure spécifique. L'instrument, dont les sons pouvaient être produits à la fois avec les doigts et à l'aide d'une plaque spéciale (analogue à un médiateur moderne), a très rapidement gagné en popularité dans l'Ancien Monde.
Alexandre Babitski