Aussi ironique que cela puisse paraître, il faut admettre la véracité de l'affirmation selon laquelle l'Angleterre est un pays où le public est très musical, mais où il n'y a pas de musiciens !

Ce problème est d’autant plus intéressant que l’on sait bien à quel point la culture musicale de l’Angleterre était élevée à l’époque de la reine Elizabeth. Où ont disparu les musiciens et compositeurs en Angleterre aux XVIIIe et XIXe siècles ?

Il n'est pas difficile de donner une réponse superficielle. La Grande-Bretagne était engagée dans le commerce, acquérait des colonies, effectuait de gigantesques transactions financières, créait une industrie, se battait pour une constitution, jouait aux échecs sur l'immense échiquier du globe - et elle n'avait pas le temps de s'occuper de la musique.

La réponse est tentante, mais pas vraie. Après tout, cette même Angleterre a donné à l’humanité de grands poètes : Byron, Shelley, Burns, Coleridge, Browning, Crabbe, Keats, Tennyson, mais pouvez-vous nommer tous ceux qui figurent sur cette liste de gloire ; L'Angleterre marchande a donné naissance à de merveilleux artistes : Hogarth, Constable et Turner. La taille du chapitre ne permet pas de lister ici les noms de tous les maîtres de la prose en Angleterre aux XVIIIe-XIXe siècles. Citons seulement Defoe, Fielding, Sterne, Goldsmith, Walter Scott, Dickens, Thackeray, Stevenson, Meredith, Hardy, Lamb, Ruskin, Carlyle.

L’argument ci-dessus est donc intenable. Il s’avère que l’Angleterre marchande était à son meilleur dans toutes les formes d’art, à l’exception de la musique.

Peut-être nous rapprocherons-nous de la vérité si nous suivons le fil de la pensée du musicologue Goddard. Dans son livre The Music of Britain in Our Time, il écrit : « La musique anglaise vit d’abord avec l’admiration de Haendel, puis de Haydn, ère victorienne cette admiration a cédé la place à l’adoration pour Mendelssohn, et cette adoration a fait des œuvres de Mendelssohn non seulement le critère, mais le seul terreau de la musique. Il n’existait tout simplement aucune organisation, association ou classe encline à soutenir la musique anglaise.

Bien que cette explication semble quelque peu grossière et improbable, si vous y réfléchissez bien, elle est tout à fait acceptable. L'aristocratie anglaise, comme on le sait, par simple snobisme, exigeait des chefs d'orchestre et des chanteurs italiens, des danseurs français, Compositeurs allemands, parce qu'elle ne considérait pas écouter ses musiciens comme une chose suffisamment laïque, tout comme elle partait voyager non pas en Écosse ou en Irlande, mais en Italie ou en Espagne, dans la jungle africaine ou dans le monde glacé des fjords. Ainsi, la musique nationale anglaise ne pouvait être entendue que lorsque la bourgeoisie montante et victorieuse se sentait assez forte pour ne pas imiter dans le domaine du théâtre, de la musique, de l'opéra." haute société», mais d'aller là où son esprit, son cœur et ses goûts la mènent. Mais pourquoi la bourgeoisie anglaise a-t-elle pu trouver la littérature et la poésie à son goût, et pourquoi cela n’est-il pas arrivé avec la musique ?

Oui, parce que la bourgeoisie montante apportait avec elle les idéaux des puritains et rejetait avec une pieuse horreur la splendeur de la scène lyrique, phénomène né à l'instigation du diable. Il a fallu le XIXe siècle avec son rationalisme, une pensée plus libre, plus éloignée de la religion, une vision de la vie plus laïque et, pourrait-on dire, mondaine, pour que la bourgeoisie anglaise se tourne vers la musique, pour que l'ère à venir assure le droit à une vie pleine de danses vives, pétillantes de rires joyeux dans l'opéra bouffe d'Arthur Sullivan (1842-1900), afin d'éveiller la compréhension des cantates d'Hubert Parry (1848-1924), ils découvrirent Edward Elgar ( 1857-1934), qui, toujours avec méfiance envers les traditions bibliques, présente au public anglais de nombreux oratorio : « Les Apôtres », « La Lumière du Christ », « Le roi Olaf », « Les Rêves de Gérontius ». Elgar jouit déjà de popularité et de reconnaissance. Il est le musicien de la cour du roi. Lui seul est comblé d'autant de récompenses que tous les musiciens anglais célèbres dans l'histoire de la musique, de la Renaissance à nos jours, n'en ont pas reçu.

Mais l’influence de la musique du continent reste forte. Ainsi, sur les traces d'Elgar Frédéric Delius(1863-1934) ses études à Leipzig et à Paris le libèrent de l'influence de Mendelssohn, où il rencontre Strindberg et Gauguin et ce qui signifiait peut-être encore plus pour lui que la rencontre avec ces grands personnages, c'était la rencontre avec la ville elle-même sur les rives de la rivière Seine, avec les Français, avec l'esprit gaulois.

Delius a écrit les opéras suivants : Koanga (1904), Roméo et Juliette rustiques (1907), Fennimore et Gerda (1909).

Delius vivait dans un environnement français et, malgré un respectable désir de liberté créatrice, ne parvenait pas à s'affranchir complètement de l'influence de la musique du continent.

Le premier véritable compositeur anglais du XIXe siècle fut Ralph Vaughan-Williams(1872), chanteur de nature anglaise, Anglais, expert en anglais chanson folklorique. Il se tourne vers l'ancien poète Banayen et le compositeur Tellis du XVIe siècle. Il écrit une symphonie sur la mer et Londres. dresse un portrait musical des Tudors, mais préfère faire sonner les anglais chansons folkloriques.

Dans le camp des compositeurs anglais du XIXe siècle, il occupe une place à part, non seulement en raison de son excellente technique, de son goût étonnant et de sa fécondité, mais aussi parce qu'il possède des qualités qui n'étaient données qu'à Dickens ou Mark Twain : il sait comment souriez avec indulgence, quelque peu ironique, les yeux plissés, mais d'une manière humaine, comme le faisaient les grands écrivains mentionnés ci-dessus.

Il a écrit les œuvres suivantes pour la scène :

Belles bergères, Les montagnes (1922), Hugh le cavalier (1924), Sir John amoureux (1929), Service (1930), Le baiser empoisonné (1936), Voleurs de mer (1937), Succès du pèlerin (1951).

Les contemporains de Vaughan-Williams, musiciens anglais novateurs, tentent de développer le style d'un nouvel opéra anglais. Les traditions ne manquent pas : les compositeurs de cette époque font revivre les traditions des anciens opéras-ballades, ressuscitent l'esprit de Gay et Pepusha : mélangez sentiments sublimes avec du burlesque, du pathétique avec de l'ironie ; mais surtout, la poésie anglaise inspire : un trésor de beauté poétique, un monde de pensées.

Parmi les compositeurs anglais de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, nous citerons uniquement ceux qui ont contribué à la formation de la musique de scène moderne.

Arnold Bax (1883-1953) est devenu célèbre en tant qu'auteur de ballet.
William Walton (1902) connut un grand succès avec l'opéra Troilus et Cressida (1954).
Arthur Bliss (1891) attire l’attention avec son opéra « Les Olympiens » (1949), basé sur le livret de Priestley.
Eugène Goossens (1893-1963) parlait en anglais scène d'opéra avec les opéras « Judith » (1929) et « Don Giovanni de Manara » (1937).

Mais les œuvres de Benjamin Britten ont apporté à l’opéra anglais un succès mondial.

Les plus grands compositeurs du monde de tous les temps : listes par ordre chronologique et alphabétique, ouvrages et ouvrages de référence

100 grands compositeurs du monde

Liste des compositeurs par ordre chronologique

1. Josquin Despres (1450 –1521)
2. Giovanni Pierluigi de Palestrina (1525 –1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 –1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean-Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henri Purcell (1658 –1695)
7. Arcangelo Corelli (1653 –1713)
8.Antonio Vivaldi (1678 –1741)
9. Jean-Philippe Rameau (1683 –1764)
10. Georges Haendel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 –1757)
12. Jean-Sébastien Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 –1787)
14. Joseph Haydn (1732 –1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitri Stepanovitch Bortnyanski (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Népomucène Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 –1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franz Schubert (1797 –1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hector Berlioz (1803 –1869)
28. Mikhaïl Ivanovitch Glinka (1804 –1857)
29. Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Frédéric Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810 –1856)
32. Alexandre Sergueïevitch Dargomyjski (1813 –1869)
33. Franz Liszt (1811 –1886)
34. Richard Wagner (1813 –1883)
35. Giuseppe Verdi (1813-1901)
36. Charles Gounod (1818 –1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Alexandre Nikolaïevitch Serov (1820 –1871)
40. César Frank (1822 –1890)
41. Bedrich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825 –1899)
44. Anton Grigoriévitch Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833 –1897)
46. ​​​​​​Alexandre Porfirievitch Borodine (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saëns (1835 –1921)
48. Léo Delibes (1836 –1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modeste Petrovitch Moussorgski (1839 –1881)
52. Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840 –1893)
53. Antonin Dvorak (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843 –1907)
56. Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov (1844 – 1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Léos Janacek (1854 –1928)
59. Anatoly Konstantinovitch Lyadov (1855 –1914)
60. Sergueï Ivanovitch Taneyev (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858-1924)
63. Hugo Loup (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860-1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Richard Strauss (1864-1949)
67. Alexandre Tikhonovitch Grechaninov (1864 –1956)
68. Alexandre Konstantinovitch Glazounov (1865 –1936)
69. Jean Sibélius (1865 –1957)
70. Franz Lehar (1870 –1945)
71. Alexandre Nikolaïevitch Scriabine (1872 –1915)
72. Sergueï Vassilievitch Rachmaninov (1873 –1943)
73. Arnold Schönberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875 –1937)
75. Nikolaï Karlovitch Medtner (1880 –1951)
76. Béla Bartok (1881 –1945)
77. Nikolaï Yakovlevitch Myaskovsky (1881 –1950)
78. Igor Fedorovitch Stravinsky (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885 –1935)
82. Sergueï Sergueïevitch Prokofiev (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892 – 1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895-1982)
86.Paul Hindemith (1895-1963)
87. Georges Gershwin (1898-1937)
88. Isaac Osipovitch Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Ilitch Khatchatourian (1903 – 1978)
90. Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch (1906 –1975)
91. Tikhon Nikolaïevitch Khrennikov (né en 1913)
92. Benjamin Britten (1913-1976)
93. Gueorgui Vassilievitch Sviridov (1915 – 1998)
94. Léonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinovitch Shchedrin (né en 1932)
96. Krzysztof Penderecki (né en 1933)
97. Alfred Gariévitch Schnittke (1934 – 1998)
98. Bob Dylan (né en 1941)
99. John Lennon (1940-1980) et Paul McCartney (né en 1942)
100. Sting (né en 1951)

CHEFS-D'ŒUVRE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE

Les compositeurs les plus célèbres du monde

Liste des compositeurs par ordre alphabétique

Introduction

Le sort de la musique anglaise s’avère complexe et paradoxal. Du XVe siècle jusqu'à la fin du XVIIe siècle, à l'époque de la formation et de l'épanouissement de la tradition musicale classique anglaise, son développement fut continu. Ce processus s'est déroulé de manière intensive en raison du recours au folklore, qui a été déterminé plus tôt que dans d'autres écoles de composition, ainsi qu'en raison de la formation et de la préservation de genres uniques et distinctifs au niveau national (hymne, masque, semi-opéra). Musique anglaise ancienne art européen impulsions importantes, dont la polyphonie, les principes de développement variationnels-figuratifs, la suite orchestrale. En même temps, elle réfractait de manière originale les stimuli venant de l’extérieur.

Au XVIIe siècle, des événements ont eu lieu qui ont porté des coups puissants à la culture musicale anglaise. Il s'agit, d'une part, du puritanisme, qui s'est établi lors de la révolution de 1640-1660, avec son désir fanatique d'abolir les valeurs spirituelles antérieures et les anciens types et formes de culture laïque, et d'autre part, la restauration de la monarchie (1660), ce qui a fortement modifié l'orientation culturelle générale du pays, renforçant l'influence extérieure (depuis la France).

Étonnamment, parallèlement aux symptômes évidents de la crise, des phénomènes apparaissent qui indiquent une hausse plus élevée art musical. A une époque difficile pour la musique anglaise, apparaît Henry Purcell (1659-1695), dont les œuvres marquent l'apogée de la musique nationale école de composition, même s'ils n'ont pas eu d'impact direct sur la créativité des générations suivantes. George Frideric Handel (1685-1759), travaillant en Angleterre, a établi avec ses oratorios la primauté de la tradition chorale dans le spectre des genres de la musique anglaise, ce qui l'a directement influencé développement ultérieur. Au cours de la même période, « L'Opéra du mendiant » de Gay et Pepusch (1728), dont le caractère parodique témoignait de l'avènement d'une ère de tournant culturel, devint l'ancêtre de nombreux exemples de ce qu'on appelle l'opéra ballade.

Elle était l'un des sommets arts théâtraux Angleterre et en même temps preuve du renversement de l'art musical - plus précisément du mouvement de son « énergie créatrice de culture » (A. Schweitzer) - de la sphère professionnelle vers la sphère amateur.

Une tradition musicale se compose de nombreux facteurs - tels que la composition, l'interprétation, le mode de vie vie musicale. Régulés par des directives idéologiques, esthétiques et artistiques générales, ces facteurs n'agissent pas toujours dans une unité coordonnée et souvent, dans certaines conditions historiques, leur interaction est perturbée. Ceci peut être confirmé par la période centenaire qui s'étend approximativement du milieu du XVIIIe siècle jusqu'à milieu du 19ème siècle en Angleterre.

Musique d'Angleterre

Haut niveau de performance, large distribution et profond ancrage dans la vie quotidienne diverses formes la création musicale - instrumentale, vocale et chorale - crée alors un terrain favorable à la vie de concert animée et à grande échelle de Londres, qui attire des musiciens continentaux dans la capitale de l'empire : Chopin, Berlioz, Tchaïkovski, Glazounov... un vent nouveau de modernité était porté avec eux par les musiciens allemands, la route vers laquelle les îles britanniques était largement ouverte depuis le règne de la dynastie hanovrienne (de 1714 à 1901) - rappelons-nous par exemple les concerts hebdomadaires de Bach - Abel et les concerts de Haydn - Zalomon. Ainsi, l'Angleterre a participé au processus intensif de formation des symphonies préclassiques et classiques, mais n'y a pas apporté une contribution créative. En général, à cette époque, la branche de la créativité nationale dans les genres de l'opéra et de la symphonie, qui étaient pertinents sur le continent, était sous-développée ; dans d'autres genres (par exemple, l'oratorio), le canal devenait parfois superficiel. C’est cette époque qui a donné à l’Angleterre le nom désormais peu convaincant de « pays sans musique ».

Il est paradoxal que « l'ère du silence » se soit produite à l'époque dite victorienne - la période du règne de la reine Victoria (de 1837 à 1901). L’État était au zénith de sa force et de sa gloire. Une puissante puissance coloniale, « l’atelier du monde », a donné à sa nation une confiance en soi et la conviction qu’« elle est destinée à occuper la première place mondiale jusqu’à la fin de ses jours » (J. Aldridge). L'ère victorienne a été l'apogée de tous les domaines de la culture anglaise : la prose et la poésie, le drame et le théâtre, la peinture et l'architecture, et enfin l'esthétique - et une époque de déclin notable dans le domaine de la composition.

Dans le même temps, c'est précisément à partir du milieu du XIXe siècle, alors que la crise de l'école nationale de composition était déjà évidente, que des impulsions de recrudescence ont commencé à s'accumuler, qui se sont manifestées au milieu du XIXe siècle et se sont clairement manifestées. lui-même dans tournant du 19ème siècle et XX siècles.

Le mouvement choral, amateur et professionnel, se développe et se développe. La tradition chorale était perçue comme véritablement nationale. Des maîtres anglais lui prêtèrent allégeance : Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).

Un mouvement folklorique parallèle se développe, dont la figure de proue est Cecil J. Sharp (1859-1924). Il comprenait une direction scientifique (collecte de terrain, compréhension théorique) et une direction pratique (introduction à l'école et à la vie quotidienne). Cela s'est accompagné d'une réévaluation critique de l'assimilation des genres folkloriques dans les salons de divertissement et de la pénétration du matériel folklorique dans la créativité des compositeurs. Tous ces aspects du mouvement folklorique ont interagi – se complétant et parfois s’opposant de manière conflictuelle.

Jusqu'au milieu du XIXe siècle, aussi étrange que cela puisse paraître à première vue, en fait chansons anglaises rarement trouvé leur place dans les collections – beaucoup moins souvent que les chansons d’Écosse, du Pays de Galles et, surtout, d’Irlande. Non sans ironie, Ralph Vaughan Williams a écrit dans l'essai d'introduction au livre du plus grand folkloriste du pays Cecil Sharp, « English Folk Song » : « Nous savions jusqu'à présent, de sources faisant autorité, que la musique folk était « soit mauvaise, soit irlandaise ».

Le mouvement pour la renaissance de la musique ancienne - Purcell, Bach, madrigalistes et virginalistes anglais - a contribué à l'éveil d'un profond intérêt parmi les interprètes, les fabricants instruments de musique et des scientifiques (comme A. Dolmetsch et sa famille), ainsi que des compositeurs

"l'âge d'or" de l'école professionnelle anglaise. Le patrimoine des XVe-XVIIe siècles, vivifié par la pratique du spectacle, sublime pensée critique, est apparu comme une force inspirante de l’artisanat national original.

Les tendances répertoriées, d'abord à peine perceptibles, ont progressivement gagné en puissance et, se précipitant les unes vers les autres, pour fin du 19ème siècle des siècles ont fait exploser le sol. Leur unification a marqué le début d'une nouvelle renaissance musicale Angleterre. Après une longue pause, ce pays n'est pas séparé personnalités créatives, mais est entrée dans la culture musicale européenne en tant qu'école nationale. A cette époque, le continent parlait de compositeurs anglais ; Brahms a prédit musique anglaise avenir intéressant, R. Strauss l'a soutenu en la personne d'E. Elgar. L'intensité de son évolution au tournant des XIXe et XXe siècles fut grande.

La tradition du romantisme austro-allemand a depuis longtemps trouvé un terrain fertile en Angleterre. Il s’agit d’une influence historiquement déterminée, renforcée par le système éducation musicale et la pratique consistant à perfectionner les jeunes compositeurs dans les villes d'Allemagne se reflétait dans le style (principalement à Parry, Standford, Elgar). Les musiciens anglais comprenaient que l’affirmation de l’identité nationale présupposait la libération d’une influence aussi puissante. Cependant, contrairement aux déclarations, ce processus de créativité était lent et difficile, car les genres dominants eux-mêmes - y compris les genres conceptuels comme la symphonie ou le poème symphonique - s'appuyaient sur l'expérience fructueuse de l'école austro-allemande. En conséquence, l’étendue de l’influence allemande et la mesure dans laquelle elle a été surmontée ont servi de critère pour l’identité nationale et la signification de l’œuvre du compositeur. Par exemple, les évaluations suivantes d'un des critiques anglais sont révélatrices : « Tandis que la musique de Parry et de Stanford parlait l'allemand avec l'anglais et accent irlandais… La musique d’Elgar parlait anglais avec un accent allemand.

Au tournant du siècle, en Grande-Bretagne comme dans toute l’Europe, il y avait un désir de créer un langage musical qui correspondrait à l’esthétique moderne. Le « mot nouveau » vient de France. L'intérêt pour l'Orient qui s'est manifesté parmi les musiciens anglais les a incités à s'intéresser aux réalisations de l'impressionnisme français. Cela était particulièrement évident dans les œuvres de Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) et Gustav Holst. Certes, chez Scott et Bantock, le monde des images et des ambiances orientales n'affecte pas les fondements de la pensée du compositeur. Leur image de l’Orient est conventionnelle et il n’est pas difficile de détecter de nombreuses caractéristiques traditionnelles dans son incarnation.

La mise en œuvre de ce thème dans l’œuvre de Holst, attiré par la culture indienne, atteint un autre niveau. Il cherchait à trouver un contact spirituel plus profond entre l'Occident et cultures orientales, ce qui est généralement caractéristique de l'art du XXe siècle. Et il a réalisé ce désir à sa manière, en contradiction avec ce que faisait son aîné contemporain Debussy. Dans le même temps, les découvertes de l'impressionnisme, associées à une nouvelle idée de l'espace musical, du timbre, de la dynamique, à une nouvelle attitude envers le son, entrent dans la palette des moyens d'expression utilisés par les compositeurs en Angleterre - la patrie de « paysage et port de plaisance » (C. Nodier).

Malgré toutes les différences stylistiques individuelles, les compositeurs anglais de cette période étaient unis par le désir de renforcer les fondements folkloriques et nationaux de leur musique. La découverte du folklore paysan et la créativité des maîtres de la vieille école anglaise comme deux sources interdépendantes appartiennent à G. Holst et R. Vaughan-Williams. Appel à l’héritage de « l’âge d’or » art anglaisétait le seul moyen possible de faire revivre la tradition nationale. Folklore et maîtres anciens, établissant des liens avec la culture musicale européenne moderne - l'interaction de ces tendances dans l'art de Holst et Vaughan Williams a apporté un renouveau tant attendu à la musique anglaise du XXe siècle. Les thèmes, intrigues et images de la prose, de la poésie et du théâtre anglais ont constitué un support important dans l'établissement des idéaux nationaux. Pour les musiciens, les ballades rurales de Robert Burns et les poèmes impies de John Milton, les élégies pastorales de Robert Herrick et les poèmes de John Donne, riches en tension passionnée, acquièrent une sonorité moderne ; a été redécouvert William Blake. Une compréhension toujours plus profonde de la culture nationale est devenue le facteur le plus important la formation et l'épanouissement de l'école anglaise de composition du XXe siècle, la formation de l'idéal esthétique des compositeurs.

D'abord les plus grands représentants Hubert Parry (1848-1918) et Charles Stanford (1852-1924) participent au nouveau renouveau musical anglais. Compositeurs, érudits, interprètes, musiciens et enseignants, ils étaient, comme les fondateurs de nombreuses écoles nationales, des personnalités marquantes dont le travail aux multiples facettes visait avec altruisme à créer une nouvelle école nationale de composition, capable de faire revivre la tradition du passé glorieux de la musique anglaise. . Leurs propres activités sociales et créatives servies exemple élevé pour les contemporains et pour les compositeurs anglais des générations ultérieures et plus jeunes.

La formation d’une nouvelle école anglaise de composition a eu lieu pendant le long règne (1837-1901) de la reine Victoria. Durant cette époque, divers domaines de la culture anglaise se sont pleinement développés. La grande nationale tradition littéraire. Si les activités de Parry et de Stanford sont étroitement liées, relativement parlant, à la période de proto-Renaissance de l’époque considérée, alors le nom d’Elgar ouvre la véritable période créatrice du nouveau renouveau.

Comme ses contemporains, l'école de composition anglaise était avant tout confrontée aux problèmes de la composition européenne. romantisme musical dans leur intégralité. Et naturellement, l’art de Wagner est devenu leur priorité. La puissante influence de la musique de Wagner en Angleterre ne peut être comparée qu'à son influence en France à l'époque ou à celle de Haendel en Angleterre au XVIIIe siècle.

Au tournant du siècle déjà, les compositeurs anglais s'efforçaient avec persistance de se soustraire à l'influence des traditions classiques et romantiques allemandes, si profondément enracinées sur le sol anglais. Rappelons que Parry souhaitait créer – contrairement à celui de Mendelssohn – une variété nationale d'oratorio philosophique. Une réalisation majeure fut la trilogie de petites cantates d'Elgar, The Spirit of England (1917).

Le premier véritable compositeur que l’Angleterre ait produit depuis Purcell s’appelle Edward Elgar (1857-1934). Il était très étroitement associé à la culture musicale provinciale anglaise. Sur étapes initiales son vie créative Il a été compositeur et arrangeur pour l'orchestre de sa ville natale de Worcester, a également écrit pour des musiciens de Birmingham et a travaillé pour des chorales locales. Ses premiers chants choraux et cantates s’inscrivent dans la grande tradition chorale anglaise née dans les années 80 et 90. XIXème siècle - c'est-à-dire précisément au moment où Elgar créait ses premières œuvres chorales - jusqu'à la phase culminante. L'oratorio d'Elgar, The Dream of Gerontius (1900), qui a rendu célèbre la musique anglaise sur le continent, a été une réalisation si importante pour le compositeur qu'il a généralement supplanté Elijah de Mendelssohn et est devenu le deuxième oratorio préféré du public anglais après les Messies de Haendel.

L'importance d'Elgar pour l'histoire de la musique anglaise est déterminée principalement par deux œuvres : l'oratorio « Le Rêve de Gerontius » (1900, sur le poème de J. Newman) et la symphonique « Variations sur un thème mystérieux » (« Enigma » - variations (Enigma (lat.) - énigme. ), 1899), qui devint le summum du romantisme musical anglais. L'oratorio « Le Rêve de Gérontius » résume non seulement le long développement des genres cantates-oratorio dans l'œuvre d'Elgar lui-même (4 oratorios, 4 cantates, 2 odes), mais à bien des égards tout ce qui a précédé le chemin de l'anglais. musique chorale. Une autre caractéristique importante se reflète également dans l'oratorio renaissance nationale- intérêt pour le folklore. Ce n’est pas un hasard si, après avoir écouté « Le Rêve de Gerontius », R. Strauss a porté un toast « à la prospérité et au succès du premier progressiste anglais, Edward Elgar, le maître de la jeune école progressiste des compositeurs anglais ». Contrairement à l’oratorio Enigma, les variations ont posé la première pierre de la symphonie nationale, qui était avant Elgar le domaine le plus vulnérable de la culture musicale anglaise. "Les Variations Enigma indiquent qu'en la personne d'Elgar le pays a trouvé un compositeur d'orchestre de première grandeur", a écrit l'un des chercheurs anglais. Le « mystère » des variations réside dans le fait que les noms des amis du compositeur y sont cryptés, cachés aux regards et aux regards. chanson thème faire du vélo. (Tout cela n’est pas sans rappeler les « Sphinx » du « Carnaval » de R. Schumann.) Elgar a également écrit la première symphonie anglaise (1908).

L'œuvre d'Elgar est l'un des phénomènes marquants du romantisme musical. Synthétisant les influences nationales et d'Europe occidentale, principalement austro-allemandes, il présente les traits de directions lyrico-psychologiques et épiques. Le compositeur utilise largement le système de leitmotifs, dans lequel l'influence de R. Wagner et R. Strauss se fait clairement sentir.

L'établissement de nouvelles positions dans la musique anglaise intervient à un moment charnière dans la vie spirituelle de la Grande-Bretagne. Ce furent des années de grandes épreuves et de grands changements. La Première Guerre mondiale a contraint de nombreux artistes de ce pays, qui se considérait comme un bastion inviolable en Europe, à réagir avec sensibilité aux contradictions de la réalité environnante à une échelle sans précédent. La musique anglaise d’après-guerre est dominée par un besoin centrifuge de regarder le monde avec une vision élargie. La jeune génération entre de manière décisive en contact avec les recherches innovantes des maîtres européens - Stravinsky, Schoenberg. Les origines de "Facade" de William Walton (1902-1983) sont des idées de composition tirées du "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, mais la base du style de l'œuvre est l'anti-romantisme proclamé par Stravinsky et le "Six" français. Constant Lambert (1905-1951) a surpris ses compatriotes en commençant à travailler dans le genre du ballet dès les premiers pas de son parcours créatif, dont les traditions furent interrompues en Angleterre dans la seconde moitié du XVIIIe siècle ; en fait, c'est tout naturellement que le compositeur a été attiré par ce genre qui, en Europe, dans les années 20 du XXe siècle, était devenu un symbole de la quête artistique moderne. Le ballet Roméo et Juliette de Lambert (1925) était une sorte de réponse à Pulcinella de Stravinsky. Parallèlement, avec son autre composition - Elegiac Blues pour petit orchestre (1927) - Lambert répond au jazz qui émerveille les Européens. Alan Bush (1900-1995) a lié ses activités à la position créative d'Eisler et au mouvement ouvrier ; il a non seulement adopté les idées sociopolitiques et philosophiques correspondantes, mais a également développé de manière fructueuse sa technique de composition, en s'appuyant sur l'expérience de la nouvelle école de Vienne. réfracté par Eisler.

Dans la première moitié des années 30, le changement de générations de compositeurs, apparu au cours de la décennie précédente, est enfin déterminé. En 1934, l'Angleterre perdit trois grands maîtres : Elgar, Dilius et Holst. Parmi eux, seul Holst travailla activement jusqu'à ses derniers jours. Elgar, après une décennie de silence, n’a repris vie pour sa créativité qu’au début des années 30. Parallèlement, frappé d'une grave maladie et de cécité, Dilius, qui vivait en France, s'inspire du succès inattendu de sa musique dans son pays natal, à Londres, où se tient le festival de son auteur en 1929, et dans un élan de avec force, il dicte ses dernières œuvres.

A la fin des années 30, la jeune génération entre dans une époque de maturité créative. Le temps de l’expérimentation est dépassé, les principaux intérêts sont déterminés, la créativité s’engouffre dans le courant dominant des traditions établies, la maîtrise et la rigueur par rapport à ses idées apparaissent. Ainsi, William Walton écrit un oratorio biblique monumental (« Belshazzar’s Feast », 1931) et le fait suivre de grandes œuvres orchestrales (Première Symphonie, 1934 ; Concerto pour violon, 1939). Michael Tippett (né en 1905) rejette ses œuvres antérieures ; Il déclare que de nouvelles œuvres dans le genre de chambre (Première Sonate pour piano, 1937) et des œuvres orchestrales de concert (Concerto pour orchestre à deux cordes, 1939 ; Fantaisie sur un thème de Haendel pour piano et orchestre, 1941) constituent le début de son chemin créatif, dont le premier point culminant fut l'oratorio « L'Enfant de notre temps » (1941). Dans ces années-là, Lambert (le masque « The Last Will and Testament of Summer » pour soliste, chœur et orchestre, 1936), Berkeley (Première Symphonie, 1940), Bush (Première Symphonie, 1940) travaillaient sur des compositions à grande échelle dans ces années-là.

Parmi les nombreuses personnalités artistiques brillantes et originales dont est riche l'école anglaise des compositeurs du XXe siècle, Benjamin Britten se démarque. C'est lui qui était destiné à trouver dans son œuvre une interaction harmonieuse de tendances multidirectionnelles (et pour la génération précédente de compositeurs anglais, presque mutuellement exclusives) - l'incarnation des idées de modernité et la mise en œuvre de l'originalité de l'art national.

ensemble de musique britten vocal

En 1904, le critique allemand Oscar Adolf Hermann Schmitz publia un livre sur la Grande-Bretagne, l'appelant (à la fois le livre et le pays lui-même) « Le pays sans musique » (Das Land Ohne Musik). Peut-être avait-il raison. Après la mort de Haendel en 1759, la Grande-Bretagne apporta une contribution négligeable au développement de la musique classique. Il est vrai que Schmitz a prononcé sa condamnation au mauvais moment : le XXe siècle a été témoin d'un renouveau de la musique britannique, qui s'est manifesté par la formation d'un nouveau style national. Cette époque a également donné au monde quatre grands compositeurs britanniques.

Édouard Elgar

Il n'a jamais étudié formellement l'art de la composition, mais a réussi, à partir d'un modeste chef d'orchestre de Worcester et chef d'orchestre de l'hôpital psychiatrique de Worcester, à devenir le premier en deux cents ans. Compositeur britannique, qui a acquis une reconnaissance internationale. Sa première œuvre orchestrale majeure, « Variations sur un thème mystérieux » (Enigma Variations, 1899), lui valut une renommée - mystérieuse car chacune des quatorze variations était écrite sur un thème unique que personne n'avait jamais entendu. La grandeur d'Elgar (ou son caractère anglais, comme certains disent) réside dans son utilisation de thèmes mélodiques audacieux qui véhiculent une ambiance de mélancolie nostalgique. Son meilleur essai appelé l'oratorio « Le Rêve de Gérontius » (1900), et sa première marche du cycle « Marches solennelles et cérémoniales » (Marche de pompes et circonstances n° 1, 1901), également connue sous le nom de « Terre d'espérance et de gloire », ne manque jamais de susciter un délice parmi les auditeurs lors des « concerts-promenades » annuels.

Gustave Holst

Suédois né en Angleterre, Holst était un compositeur exceptionnellement exceptionnel. Maître de l'orchestration, il s'appuie dans son travail sur de telles différentes traditions, comme les chansons folkloriques et les madrigaux anglais, le mysticisme hindou et l'avant-gardisme de Stravinsky et Schoenberg. Il s'intéressait également à l'astrologie et son étude inspira Holst à créer son œuvre la plus célèbre (mais pas la meilleure), la suite symphonique en sept mouvements « Les Planètes » (1914-1916).

Ralph Vaughan-Williams

Ralph Vaughan Williams est considéré comme le plus anglais des compositeurs britanniques. Il rejette les influences étrangères, imprégnant sa musique de l'ambiance et des rythmes du folklore national et des œuvres des compositeurs anglais du XVIe siècle. Ses mélodies riches et tristes évoquent des images de la vie rurale. Stravinsky a même fait remarquer qu'écouter sa Symphonie pastorale (1921) était comme « regarder une vache pendant longtemps », et il l'a certes mis en comparaison, ne serait-ce que légèrement, avec la compositrice Elizabeth Lutyens, qui a appelé la « Symphonie pastorale » " musique pour les vaches" Vaughan Williams est surtout connu comme l'auteur de A Sea Symphony (1910), A London Symphony (1913) et de la charmante romance pour violon et orchestre The Lark Ascending (1914).

Benjamin Britten

Britten était et reste à ce jour le dernier grand compositeur britannique. Son talent et son ingéniosité, notamment en tant que compositeur vocal, lui ont valu une reconnaissance internationale comparable à celle d'Elgar. Parmi ses meilleures œuvres figurent l'opéra Peter Grimes (1945), l'œuvre orchestrale The Young Person's Guide to the Orchestra, 1946, et l'œuvre orchestrale et chorale majeure War Requiem (War Requiem, 1961) sur les poèmes de Wilfred Owen Britten. pas un grand fan du « traditionalisme anglais » caractéristique des compositeurs de la génération précédente, même s'il a arrangé des chansons folkloriques pour son partenaire, le ténor Peter Pears. De son vivant, Britten était connu comme homosexuel et peu de gens connaissaient le sien. passion, quoique innocente, pour les garçons de treize ans.

En 1904, le critique allemand Oscar Adolf Hermann Schmitz publia un livre sur la Grande-Bretagne, l'appelant (à la fois le livre et le pays lui-même) « Le pays sans musique » (Das Land Ohne Musik). Peut-être avait-il raison. Après la mort de Haendel en 1759, la Grande-Bretagne apporta une contribution négligeable au développement de la musique classique. Il est vrai que Schmitz a prononcé sa condamnation au mauvais moment : le XXe siècle a été témoin d'un renouveau de la musique britannique, qui s'est manifesté par la formation d'un nouveau style national. Cette époque a également donné au monde quatre grands compositeurs britanniques.

Édouard Elgar

Il n'a formellement étudié l'art de la composition nulle part, mais a réussi, d'un modeste chef d'orchestre de Worcester et chef d'orchestre de l'hôpital psychiatrique de Worcester, à devenir le premier compositeur britannique en deux cents ans à obtenir une reconnaissance internationale. Après avoir passé son enfance dans la boutique de son père dans la rue principale du Worcestershire, entouré de partitions, d'instruments de musique et de manuels de musique, le jeune Elgar a appris lui-même le solfège. Par temps chaud jours d'été il a commencé à emporter des manuscrits avec lui hors de la ville pour étudier (dès l'âge de cinq ans, il est devenu accro au vélo). Ainsi, pour lui, était posé le début d’une relation forte entre la musique et la nature. Plus tard, il dira : « La musique, elle est dans l’air, la musique est autour de nous, le monde en est plein, et tu peux en prendre autant qu’il te faut. » À l'âge de 22 ans, il accepte un poste de chef d'orchestre à l'hôpital psychiatrique de Worcester pour les pauvres à Pawick, à cinq kilomètres au sud-ouest de Worcester, une institution progressiste qui croit au pouvoir de guérison de la musique. Sa première œuvre orchestrale majeure, « Variations sur un thème mystérieux » (Enigma Variations, 1899), lui valut une renommée - mystérieuse car chacune des quatorze variations était écrite sur un thème unique que personne n'avait jamais entendu. La grandeur d'Elgar (ou son caractère anglais, comme certains disent) réside dans son utilisation de thèmes mélodiques audacieux qui véhiculent une ambiance de mélancolie nostalgique. Sa meilleure œuvre s'appelle l'oratorio « Le rêve de Gérontius » (1900), et sa Première marche de la pompe et des circonstances n° 1, 1901, également connue sous le nom de « La terre de l'espoir et de la gloire », suscite invariablement un grand plaisir parmi les auditeurs lors des « concerts de promenade » annuels.

Elgar - Le rêve de Gérontius

Gustave Holst

Suédois né en Angleterre, Holst était un compositeur exceptionnellement exceptionnel. Maître de l'orchestration, son œuvre s'inspire de traditions aussi diverses que les chants folkloriques et les madrigaux anglais, le mysticisme hindou et l'avant-gardeisme de Stravinsky et Schoenberg. Il s'intéressait également à l'astrologie et son étude inspira Holst à créer son œuvre la plus célèbre (mais pas la meilleure), la suite symphonique en sept mouvements (Les Planètes, 1914-1916).

Gustav Holst. "Planètes. Vénus"

Ralph Vaughan-Williams

Ralph Vaughan Williams est considéré comme le plus anglais des compositeurs britanniques. Il rejette les influences étrangères, imprégnant sa musique de l'ambiance et des rythmes du folklore national et des œuvres des compositeurs anglais du XVIe siècle. Vaughan Williams est l'un des compositeurs majeurs la première moitié du XXe siècle, qui a joué un rôle important dans le regain d'intérêt pour la musique académique britannique. Son héritage est très vaste : six opéras, trois ballets, neuf symphonies, cantates et oratorios, œuvres pour piano, orgue et ensembles de chambre, arrangements chansons folkloriques et bien d'autres ouvrages. Dans son œuvre, il s'inspire des traditions des maîtres anglais des XVIe et XVIIe siècles (il fait revivre le genre du masque anglais) et musique folklorique. Les œuvres de Williams sont connues pour leur conception à grande échelle, leur mélodisme, leur interprétation vocale magistrale et leur orchestration originale. Vaughan Williams est l'un des fondateurs de la nouvelle école de composition anglaise, la soi-disant « renaissance musicale anglaise ». Vaughan Williams est surtout connu comme l'auteur de A Sea Symphony (1910), "Une Symphonie de Londres" (1913) et la délicieuse romance pour violon et orchestre »(The Lark Ascending, 1914).

Vaughan Williams. "Symphonie de Londres"

Benjamin Britten

Britten était et reste à ce jour le dernier grand compositeur britannique. Son talent et son ingéniosité, notamment en tant que compositeur vocal, lui ont valu une reconnaissance internationale comparable à celle d'Elgar. Parmi ses meilleures œuvres figure l'opéra Peter Grimes (1945), une œuvre orchestrale "Le Guide de l'Orchestre du Jeune, 1946) et une grande œuvre orchestrale et chorale « War Requiem » (War Requiem, 1961) basée sur des poèmes de Wilfred Owen. L'un des thèmes principaux de l'œuvre de Britten - la protestation contre la violence, la guerre, l'affirmation de la valeur du monde humain fragile et non protégé - a reçu sa plus haute expression dans "War Requiem" (1961). Britten a parlé de ce qui l'a amené au War Requiem : « J'ai beaucoup pensé à mes amis morts au cours des deux guerres mondiales. Je ne prétendrai pas que cet essai soit écrit sur des tons héroïques. Il y a beaucoup de regrets à propos de ce terrible passé. Mais c’est précisément pourquoi Requiem s’adresse au futur. Au vu des exemples d’un passé terrible, nous devons prévenir des catastrophes telles que les guerres. Britten n’était pas un grand fan du « traditionalisme anglais » caractéristique des compositeurs de la génération précédente, même s’il arrangeait des chansons folkloriques pour son partenaire, le ténor Peter Pears. Ni dans premières années, ce n'est qu'aux dernières étapes de son évolution créatrice que Britten s'est fixé les tâches d'un pionnier de nouveaux techniques composition ou justification théorique de sa style individuel. Contrairement à beaucoup de ses pairs, Britten ne s’est jamais laissé emporter par la recherche du « plus récent » et n’a pas non plus cherché à s’appuyer sur les techniques de composition établies héritées des maîtres des générations précédentes. Il est guidé avant tout par le libre vol de l'imagination, de la fantaisie, de l'opportunité réaliste, et non par l'appartenance à l'une des nombreuses « écoles » de notre siècle. Britten accordait plus d’importance à la sincérité créatrice qu’au dogme scolastique, aussi avant-gardiste soit-il. Il a laissé pénétrer tous les vents de l'époque dans son laboratoire créatif, pénétrez, mais ne vous en débarrassez pas.

Britten. "Guide jeunesse de l'orchestre"

Depuis que Britten a été enterré à Aldborough, dans le Suffolk, en 1976, la musique classique britannique a eu du mal à maintenir son illustre réputation. John Taverner, descendant direct du compositeur du XVIe siècle John Taverner, et Peter Maxwell Davies créent des œuvres qui ont été favorablement accueillies par la critique, mais rien de vraiment remarquable n'est encore paru. La musique classique occupe une certaine niche dans la culture britannique, mais peut-être pas aussi grande que ses fans le souhaiteraient. Elle est présente dans des publicités télévisées et lors de divers événements sportifs, et les Britanniques ordinaires peuvent bien regarder la dernière soirée des Proms à la télévision (s'il n'y a rien de mieux à faire), mais en réalité, la musique classique n'est écoutée que par une très petite partie de la nation. , principalement des gens de la classe moyenne. Une musique respectable pour des gens respectables.

Matériaux utilisés à partir du site : london.ru/velikobritaniya/muzika-v-velik obritanii