Le 23 avril 1932, le Comité central du Parti adopte une résolution « Sur la restructuration des organisations littéraires et artistiques », qui liquide toutes celles qui existaient dans les années 1920. des groupes artistiques et une organisation unique ont été créés - Union des Artistes de l'URSS. La première définition de la méthode du réalisme socialiste appartient à I. M. Gronsky, qui fut l'un des fondateurs de l'Union des écrivains (dont les délégués au premier congrès en 1934 étaient en effet de nombreux écrivains majeurs de l'époque). L'origine du terme est souvent attribuée à Gorki, qui a proposé d'utiliser l'héritage classique pour créer des œuvres au contenu nouveau, socialiste et humaniste. En fait, le style principal de l’ère soviétique était naturalisme, mais pas critique, mais vernissant, cherchant à aplanir les problèmes sociaux aigus et à créer une image idéalisée de la modernité. Et bien que la tendance néoclassique soit généralement caractéristique de l'art européen, « fatigué » de l'avant-garde, dans le deuxième tiers du XXe siècle, le réalisme socialiste, comme l'art du Troisième Reich et l'Italie de Mussolini, a cherché à combiner plusieurs tendances disparates. : monumentalisme, naturel dans le rendu des formes naturelles, pathétique et héroïsme dans l'interprétation des images. L'art devait devenir compréhensible pour les masses, il était censé « appeler et diriger », en substance, suivre le nouveau canon communiste dans la représentation de l’homme et de la réalité sociale. Le personnage principal des œuvres était censé être un ouvrier, et les « travailleurs » eux-mêmes étaient censés être soumis à une « refonte idéologique dans l’esprit du socialisme ». Le réalisme était compris comme un naturalisme détaillé et un néo-académisme froid (« l’art sous des formes compréhensibles pour les autorités », comme le dit la célèbre plaisanterie). S'exprimant lors du premier congrès pan-syndical des écrivains soviétiques en 1934 sur la méthode "le réalisme socialiste "M. Gorki entendait par là l'utilisation créative du patrimoine classique de la culture mondiale, le lien entre l'art et la modernité, la représentation de la vie moderne du point de vue de "l'humanisme socialiste". La poursuite des traditions humanistes de l'art antérieur, en les combinant avec de nouvelles, contenu socialiste, le « réalisme socialiste » était censé représenter nouveau genre conscience artistique. Dans le même temps, on supposait que les moyens d'expression pouvaient être très divers même dans l'interprétation d'un même sujet - du moins c'est ce qu'on disait. En fait, pendant de nombreuses décennies, elle fut officiellement autorisée d'en haut, « idéologiquement cohérente » (ce qui est l'essentiel), la seule direction possible de l'art, gravitant vers le naturalisme, une sorte de diamatisme et de mathématiques historiques dans la science, interdisant toute dissidence dans la conscience artistique, avec un mécanisme fonctionnel de commandes de l'État, prévu (pour les artistes acceptables par le parti) des expositions et des récompenses. Les thèmes de l'art dans tous les types et genres semblaient suggérer la diversité : depuis l'héroïsme de la révolution jusqu'aux guerre civile au travail quotidien, poussé et proposé par la vie elle-même. Le genre du portrait aurait dû rester l'un des genres phares, puisque l'art réaliste est toujours et avant tout une étude de l'homme, de son âme, de sa psychologie (et si les écrivains sont des « ingénieurs », âmes humaines", alors, probablement, il était sous-entendu que les artistes sont des «constructeurs» qui incarnent leur idée). Tel était ce programme plutôt vague, pour le moins, sournois dans les mots et très dur dans les actes. Comment il a été mis en œuvre - la décennie suivante montré.
Bien entendu, le même thème peut être développé et révélé de différentes manières, comme dans les peintures de Petrov-Vodkin et Deineka, les paysages de Rylov et Nyssky, les portraits de Konchalovsky et Korin, dans les graphismes de Lebedev et Konashevich, dans la sculpture de Mukhina et Shadr, comme dans Par la suite, sans s'écarter des principes réalistes de base de la vision de la nature, les artistes contemporains ont travaillé et travaillent de différentes manières : V. Popkov, Y. Krestovsky, V. Ivanov, V. Tyulenev, G. Yegoshin et d’autres. Mais la « méthode du réalisme socialiste », adoptée à l’unanimité lors du congrès des « ingénieurs des âmes humaines » en 1934, n’impliquait aucune liberté. Au contraire, la créativité artistique est devenue de plus en plus rigidement idéologisée. Comme l'a écrit le critique et critique littéraire russe V. M. Piskunov (l'auteur a parlé des poètes, mais cela s'applique pleinement aux artistes), « des générations et des périodes entières ont été rejetées d'un seul trait de plume faisant autorité », et précisément le meilleur des maîtres « ne méritait pas de figurer dans le calendrier réaliste socialiste. » Il ne faut jamais oublier cela lorsqu’on lit l’histoire russe de la période soviétique.
De grands efforts dans les années 1930. étaient attachés à formation du national écoles d'art, la création de « l'art soviétique multinational ». Des décennies d'expositions d'art national et républicaines, participation de représentants de différentes républiques à des expositions d'art thématiques : « 15 ans de l'Armée rouge », « 20 ans de l'Armée rouge », « Industrie du socialisme » (1937), « Meilleures œuvres Art soviétique" (1940), dans des expositions internationales à Paris (1937) et à New York (1939), dans l'organisation de l'Exposition agricole de toute l'Union (1939-1940) - une forme de communication culturelle entre les peuples de l'URSS en ces années-là. L'exposition « Industrie du socialisme » était particulièrement importante ». Plus de 700 artistes de Moscou, Leningrad et d'autres villes de la RSFSR et des républiques fédérées y ont participé. exposition. Les œuvres présentées étaient dédiées aux « meilleurs gens du pays, ouvriers de choc des plans quinquennaux, nouveaux bâtiments de l'industrie soviétique », qui devinrent plus tard un élément obligatoire de toute exposition officielle à grande échelle.
En 1932, l'Académie panrusse des arts fut fermée au cours des premières années de la révolution, et plus tard l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture fut rétabli.
Il faut rappeler que les années 1930. – l’une des périodes les plus controversées et tragiques tant de l’histoire de notre État que de sa culture et de son art. Piétiner l’humanisme principes démocratiques dans la vie de la société ne pouvait qu'affecter l'atmosphère de créativité. La base du processus créatif a été violée : la liberté d’expression de l’artiste. Derrière l'affirmation de plus en plus rigide d'un style et d'un mode de vie uniques, avec l'exclusion de la réalité de toute manifestation de liberté de choix, un seul Forme d'art. Puisque l'art s'est vu attribuer le rôle d'« explicatif » de directives sous une forme visuelle, il s'est naturellement transformé en un art illustratif et simple (« compréhensible »), perdant toute l'exhaustivité, la complexité et la polyvalence des moyens d'expression.
Malgré la glorification démagogique du « simple travailleur » - « le bâtisseur d'un avenir radieux », le droit même de l'homme à la liberté d'esprit, à sa propre vision du monde, et enfin au doute - incitation nécessaire à l'amélioration personnelle et création créative - a été refusée. Car quoi de plus destructeur pour la créativité que l’implantation de formes dogmatiquement uniformes de glorification d’une ou de plusieurs figures, ou de plusieurs figures, ou d’une – et fausse – idée, qui n’est pas légitimement élevée au-dessus de plusieurs millions de personnes ? Cela a conduit au fait que les chemins et les destins des artistes divergeaient de plus en plus. Certains semblent – ou en réalité – être tombés dans l’oubli, d’autres sont devenus « les artistes phares de l’époque ». Le sort de certains a été le silence, l’obscurité et l’oubli tragique ; le mensonge inévitable et les mensonges délibérés accompagnent la gloire des autres. D'innombrables œuvres sont apparues, comme des peintures de V. Efapov et G. Shegal sur le « leader, professeur et ami » qui « présidait » les congrès, d'innombrables portraits du « leader des peuples ». La vie du village a été représentée de manière faussement optimiste dans les grandes toiles festives de S. V. Gerasimov " Vacances collectives à la ferme " (1937, Galerie Tretiakov ; voir encart couleur), A. A. Plastova "Vacances au village ", peint en 1937 (et tous deux étaient des peintres doués, surtout le dernier). Tous ces tableaux et d'autres similaires étaient présentés comme la véritable "vérité de la vie". Ils étaient pleins de cette gaieté qui ne correspondait même pas de loin à la vérité, mais Gorki C'est « l'optimisme historique » qu'il appelle l'une des propriétés déterminantes du « réalisme socialiste ». Les genres les plus populaires des beaux-arts - et cela découle tout naturellement de l'essence de la « méthode » - la peinture thématique et le portrait - devraient interpréter toujours l'image d'un contemporain uniquement de manière optimiste. La vie du village a été représentée avec optimisme dans les grandes toiles festives de S. V. Gerasimov ". Vacances collectives à la ferme "(voir encart couleur), A. A. Plastova" Vacances au village" peint en 1937 (et tous deux étaient des peintres doués, surtout ce dernier). Les « vacances collectives à la ferme » - une fête ensoleillée sur fond d'un paysage d'été sans fin - dans la peinture de l'impressionniste russe Sergueï Gerasimov, sont devenues l'un des symboles officiels de l'art du réalisme socialiste. Après une terrible famine au début des années 1930. cette joie d'être, qui sera reproduite dans les beaux-arts et le cinéma des années 1930-1950, deviendra à la fois un vernissage et une sorte de sublimation des désirs et des espoirs réels de l'homme soviétique, toujours en manque et privé de les commodités les plus élémentaires.
La falsification de l'histoire et des idées humanistes a conduit à un effondrement psychologique personnalité créative. À son tour, l'artiste, créant une image fausse, fausse, mais construite sur les principes de vraisemblance visuelle, a forcé les masses, pleines d'un désir sincère (et particulièrement prononcé dans les années 1930) pour le bonheur universel de l'humanité qui travaille, à croire En lui. Je pense que c'est la plus grande tragédie de l'art soviétique et de l'époque en général.
Parallèlement, dans l'art de la période considérée, de nombreux noms de maîtres remarquables peuvent être cités : K. S. Petrov-Vodkin, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan, V. A. Favorsky, P. D. Korin (disons cependant que le tableau le plus important de la vie de Korin, « La Rus qui passe », n'a jamais « eu lieu », et la raison en est, comme nous le savons. semble être l'atmosphère artistique de ces années-là). Une école-atelier Π fonctionnait à Leningrad depuis 1925. N. Filonova. Sous sa direction, la conception de la célèbre publication a été achevée épopée finlandaise"Kalevala", décor de "L'Inspecteur général" de N.V. Gogol. Mais dans les années 30. l'atelier se vide, les étudiants quittent le maître. L’exposition des œuvres de Filonov, préparée en 1930 au Musée d’État russe, n’a jamais été ouverte ; elle ne devait avoir lieu que 58 ans plus tard.
D'autres artistes deviennent présentateurs. Parmi eux, la place principale appartient à Boris Vladimirovitch Ioganson(1893-1973), dans les années 1920. qui a écrit des ouvrages tels que "Rabfak tu vas, "Tribunal soviétique", "Uzlovaya gare ferroviaire en 1919" (tous – 1928), qui a présenté le tableau « 15 ans de l'Armée rouge » à l'exposition de 1933 Interrogatoire des communistes" et à l'exposition "Industrie du socialisme" de 1937 - une grande toile "À l'ancienne usine de l'Oural" (TG). En deux derniers travaux Ioganson semble s'efforcer de suivre les traditions imposées par les artistes russes, principalement Repin et Surikov. Et en effet, l'artiste sait dépeindre des « situations conflictuelles », des personnages qui s'affrontent : avec la « splendeur » générale des interminables « vacances collectives à la ferme » et les innombrables images de « chef, professeur et ami », c'est déjà la dignité d'un maître. . Cela se reflète principalement dans la décision de composition : dans « Interrogatoire des communistes », il s'agit d'un affrontement de deux forces différentes, prisonniers et ennemis, dans « Oural Demidovsky » (le deuxième titre du tableau « À la vieille usine de l'Oural ») – un ouvrier et propriétaire d'usine, dont les vues sont au gré de l'artiste. Elles se croisent tout comme les vues de l'archer à barbe rousse et de Pierre Ier dans « Le Matin de l'exécution de Streltsy » de Sourikov. Le processus de travail lui-même - Ioganson est passé de la fragmentation descriptive, de la verbosité et de la surcharge de composition à une solution plus laconique et stricte, où tout le conflit dramatique repose sur la collision de deux mondes hostiles l'un à l'autre - est traditionnel. Même le remplacement de l'emplacement de la figure féminine - à la recherche d'une situation plus typique - du premier plan dans la première version par celui masculin - dans la version finale ("Interrogatoire des communistes") rappelle un peu la recherche de I. E. Repin pour une solution dans son tableau "Ils ne s'y attendaient pas". De grandes possibilités coloristiques potentielles sont révélées dans ces peintures, en particulier dans la première, où les contrastes du clair-obscur, des éclairs vifs de bleu profond, de brun-rouge et de blanc renforcent l'ambiance tragique de ce qui se passe. Mais au final, c’est une perte totale. L'artiste change simplement de goût, car il se tourne vers la satire et la caricature, si inappropriées dans un tableau. S'ils sont communistes, même entre les mains de l'ennemi, ils s'approchent de lui sans crainte ; s'il s'agit de « Gardes blancs » - alors il y aura certainement des crises de colère (épaule retournée, nuque d'un rouge dégoûtant, fouet levé, etc.) ; s'il est éleveur, alors son regard est haineux, mais aussi incertain s'il est ouvrier, alors il est plein de supériorité, de dignité, de colère et de colère ; force intérieure. Et tout cela est délibéré, excessif, pédalé – et à cause de cela, cela perd son sens et devient faux. Comme les peintures historico-révolutionnaires de Brodsky, comme les portraits de Rizhsky, ces œuvres de Ioganson illustrent de manière expressive l’évolution de l’art russe et c’est en ce sens qu’elles peuvent véritablement être considérées comme des « classiques de l’art soviétique ».
Dans les années 1930 A. A. Deineka travaille beaucoup. Laconisme des détails, expressivité de la silhouette, linéaire sobre et rythme des couleurs sont les grands principes de son art. Les anciens « Ostovites » restent généralement fidèles à leurs traditions. Les sujets se diversifient : genre, portrait, paysage. Mais peu importe ce qu’ils écrivent, les signes des temps apparaissent partout. Pour l'exposition "20 ans de l'Armée rouge", Deineka a écrit l'un des plus poétiques et œuvres romantiques "Futurs pilotes "(1938, GG) : trois personnages de garçons nus (représentés de dos), au bord de la mer, regardant un hydravion dans le ciel bleu - futurs cent conquérants. Ce romantisme s'exprime aussi dans la couleur - une combinaison d'eau bleu foncé, ciel gris-bleu, lumière du soleil, inondant le remblai. Le spectateur ne peut pas voir les visages des garçons, mais toute la structure de l'image transmet un sentiment de soif de vie et d'ouverture spirituelle. De nombreuses peintures de Deineka ces années-là sont consacrées au sport. Le monde aux multiples facettes de l'Europe et du Nouveau Monde se révèle dans ses aquarelles, peintes après un voyage à l'étranger en 1935 : " Tuileries ", "Rue à Rome" et d'autres (bien sûr, n'oubliez pas, du point de vue d'un Soviétique qui a « sa propre fierté »).
Les artistes officiellement reconnus ont créé une image illusoire d’une vie festive joyeuse, si incompatible avec la réalité. Mais beaucoup d’entre eux ont su choisir des sujets et des moments qui leur ont permis de rester totalement sincères. Bien entendu, la manière la plus simple de procéder était de paysage. Ainsi, le sentiment d'une nouvelle vie en construction sera véhiculé par Yu I. Pimenov dans le film. "Nouveau Moscou" (1937, Galerie Tretiakov). Les tendances impressionnistes se ressentent vivement dans l'immédiateté de l'impression, habilement transmise à travers la figure d'une femme assise au volant, dont on ne voit même pas le visage, dans la richesse de la lumière et de l'air, et le dynamisme de la composition. Les couleurs vives et festives soulignent également l’image du « nouveau » Moscou.
Au cours de ces années, des artistes aussi merveilleux que N. ont continué à travailler. P. Krymov, A. V. Kuprin, dont chacun, avec ses propres moyens, crée soit une image subtilement lyrique, soit épiquement majestueuse de la Patrie (N. P. Krymov. "Rivière" (1929), "Journée d'été à Tarusa" (1939/40) ; A. V. Kuprin. "Vallée de Tiam" (1937); tous – PT). De nombreux paysages de Crimée et de Russie centrale d'A. V. Lentulov sont pittoresquement généreux et romantiques. Cent natures mortes sont pleines de vie (par exemple, "Nature morte au chou" 1940). Avec toute la structure picturale et plastique de la toile, G. G. Nissky a cherché à exprimer l'esprit de modernité, les rythmes intenses de la nouvelle vie, représentant (nous l'admettons, non sans faux romantisme) des cuirassés debout sur la rade, des voiliers volant dans la mer. , des lignes de chemin de fer s'étendant au loin ("Sur les pistes" 1933).
On peut dire cela par rapport à la décennie précédente, les années 1930. élargir la portée géographique du paysage en tant que genre. Les artistes voyagent dans l'Oural, en Sibérie, dans l'Extrême-Nord et en Crimée. La Patrie, ce vaste territoire d'un État multinational, donne de riches impressions aux peintres, dans les paysages desquels prévaut une idée : la nature de notre pays, représentée par les maîtres dans toute sa générosité et la variabilité fantaisiste de l'éclairage à différents moments de la journée et de l'année. , n'est pas seulement un symbole de la beauté de notre terre natale, mais aussi un symbole du temps, il est d'une manière ou d'une autre renouvelé par le travail de millions de personnes.
Les artistes des républiques nationales capturent avec amour les signes de la nouveauté de leur pays. M. S. Saryan peint de beaux paysages, des portraits (par exemple l'architecte A. Tamanyan, le poète A. Isahakyan) et des natures mortes. Vallées verdoyantes, montagnes enneigées éblouissantes d'Arménie, ses temples anciens et ses nouveaux chantiers de construction envahissant ses paysages rudes ("Fonderie de cuivre d'Alaverdi", 1935; "Ancien", 1937; "Fleurs et Fruits" 1939) sont magnifiques, illuminés par le talent génial d'un peintre-né, son étonnante générosité décorative. Les paysages de G. M. Gyurjyan et F. P. Terlemezyan témoignent du nouveau visage de l'Arménie. L'image de la nouvelle Géorgie est donnée dans les peintures de A. G. Tsimakuridze, U. V. Japaridze, E. D. Akhvlediani.
Se développant intensivement au cours de ces années portrait. Π. P. Konchalovsky a peint toute une série de beaux portraits de personnalités culturelles : "V. Sofronitsky au piano " (1932), "Sergueï Prokofiev" (1934), "Vsevolod Meyerhold" (1938). Dans ce dernier, comme toujours chez Konchalovsky, la couleur est ouverte, sonore, mais elle est donnée en contraste avec le regard intense et la pose de Meyerhold - cela introduit quelque chose d'inquiétant dans l'image (ce qui n'est pas surprenant : il reste peu de jours avant son arrestation et mort).
Après près de 15 ans de silence, M. V. Nesterov s'est exprimé avec un certain nombre de portraits de l'intelligentsia soviétique ("Artistes P.D. et A.D. Korina", 1930; "Sculpteur I.D. Shadr ", 1934; "I.P. Pavlov" 1935;"Chirurgien S. S. Yudin", 1935; "Sculpteur V. I. Mukhina ", 1940; tous - Galerie Tretiakov). Celui que Nesterov représente : que ce soit Pavlov avec son enthousiasme juvénile, volontaire, recueilli, spirituel (le geste laconique et expressif de ses mains ne fait que souligner plus nettement son caractère irrépressible, dynamique, « explosif » nature) ; le sculpteur Shadr, pensif concentré devant un torse de marbre géant ; le chirurgien Yudin ou l'artiste Kruglikova - l'artiste souligne avant tout que ces personnes sont des créateurs et que le sens de leur vie réside dans leurs activités créatives dans l'art ou la science. Les portraits de Nesterov ont une mesure, une simplicité et une clarté classiques, ils sont exécutés dans les meilleures traditions de la peinture russe, en particulier de V. A. Serov.
Son élève suit le chemin de Nesterov dans le portrait Pavel Dmitrievitch Korine(1892-1971). Il met également l'accent sur l'intellect, la complexité intérieure d'une personne, mais son style d'écriture est différent, la forme est plus dure, plus claire, la silhouette est plus nette, le dessin est plus expressif, la coloration est plus sévère.
Intérêt pour l'intelligentsia créative dans les années 1920. L'artiste géorgien K. Magalashvili montre également (portraits du sculpteur "Oui. Nikoladze", 1922, peintre Elena Akhvlediani" 1924, pianistes "I. Orbeliani" 1925). En 1941, elle peint le portrait d'un pianiste "V. Kuftina." L'artiste azerbaïdjanais S. Salam-zadeh choisit comme thème l'image d'un ouvrier (portrait d'un cueilleur de coton "La manie de Kerimova" 1938).
années 1930 étaient une certaine étape dans le développement de tous les types art monumental. L'ouverture de l'Exposition agricole de toute l'Union, le canal de Moscou, la construction du métro dans la capitale, des clubs, des palais de la culture, des théâtres, des sanatoriums, etc., la participation d'artistes soviétiques à des expositions internationales ont donné vie à de nombreuses œuvres de sculpture monumentale, peinture monumentale et arts décoratifs et appliqués. Les artistes de Moscou, de Leningrad, d'autres villes de la RSFSR et des républiques nationales, qui ont préservé et retravaillé de manière créative les traditions et les formes de l'art national, ont examiné les principaux problèmes de la synthèse des arts. Dans la peinture monumentale place de premier plan appartient à A. A. Deineke, E. E Lansere. Ce dernier s'est développé en tant qu'artiste avant même la révolution. Dans les années 1930 il exécute des peintures à Kharkov, Tbilissi. Le tableau de la salle de restaurant de la gare Kazansky à Moscou est dédié à l'amitié et à l'unité des peuples, parle des ressources naturelles du pays ; La peinture de la salle du restaurant de l'hôtel de Moscou est basée sur les traditions de la peinture illusoire des plafonds italiens, principalement du vénitien Tiepolo. Au cours de ces années, V. A. Favorsky, A. D. Goncharov et L. A. Bruni se sont également engagés dans la peinture monumentale. Dans le tableau de la Maison des Modèles de Moscou (graffito, 1935, non conservé), Favorsky réalise une véritable synthèse de l'architecture et de la peinture, cette œuvre a eu une énorme influence sur ses élèves.
DANS sculpture Tant les vieux maîtres, qui ont fait leur marque dans les premières années du pouvoir soviétique, que les jeunes ont beaucoup travaillé. Il convient de noter qu'au cours de la période considérée, dans tous les types et genres de sculpture - dans les portraits, les compositions statuaires, les reliefs - une tendance à l'idéalisation de la nature est devenue perceptible. Cela se reflète particulièrement dans la sculpture monumentale, présentée lors de concours pour de nombreux monuments.
Il est significatif que lors du concours pour le monument à V. I. Chapaev (pour la ville de Samara) et à T. G. Shevchenko (pour Kharkov), le vainqueur ait été Matvey Genrikovich Manizer(1891 – 1966), successeur de l’école académique de sculpture russe avec sa tendance au récit et à l’idéalisation. DANS monument à Chevtchenko Manizer a présenté le poète avant tout comme un combattant, un dénonciateur de l'autocratie. Cette idée est renforcée par le fait que sa figure contraste avec la triste image d'un ouvrier agricole, classiquement nommé plus tard du nom de l'héroïne de son poème " Catherine " (l'un des 16 personnages personnifiant « les étapes de la lutte du peuple ukrainien pour sa libération »).
Le monument est conçu pour une vue panoramique et est placé à l'entrée du parc (l'auteur du piédestal est l'architecte I. Langbard). En 1936-1939 Manizer réalise (avec ses étudiants) un certain nombre de statues pour la station de métro de Moscou "Place de la Révolution". Ce travail peut difficilement être qualifié de réussi, d'autant plus que l'espace limité et les arcs bas empêchaient la synthèse organique de l'architecture et de la sculpture.
A. T. Matveev continue de travailler dans la sculpture lyrique, savamment modelée, profondément poétique. Profondément caractérisé par l'œuvre de Ya I. Nikoladze (portrait "G. Tabidzé" 1939 ; bousiller "I. Chavchavadze", 1938). Crée des images subtilement psychologiques ou poignantes dans portrait-sculpté S.D. Lebedeva ("Fille au papillon" bronze. 1936 ; "Chkalov" croquis, bronze, 1937).
La participation de l'URSS à l'exposition internationale « Art, technologie et Vie moderne", aménagé à Paris. Le pavillon soviétique a été construit selon le projet de B. M. Iofan. Le groupe sculptural a été réalisé par Vera Ignatievna Mukhina (1889-1953). En 1922-1923, selon le plan de propagande monumentale, elle exécute un mouvement plein de passion et d'orage, une figure personnifiant la «flamme de la révolution». En 1927, elle crée une sculpture de chevalet représentant une paysanne, aux volumes alourdis et serrés, dont la plasticité laconique et expressive témoigne d'un intérêt constant pour le image généralisée monumentale. Dans les portraits des années 1930, elle a trouvé tout à fait. langue moderne sculpture réaliste basée sur dessins classiques. Mais le maître s'intéressait surtout aux principes de synthèse de l'architecture et de la sculpture. L'une des solutions originales a été donnée par Mukhina dans son travail pour l'Exposition internationale : le bâtiment de Iofan se terminait par un gigantesque pylône élevé de 33 m de haut, couronné de manière tout à fait organique par un groupe sculptural. "Ouvrière et fermière collective" (1937, ex-VDNH). Ils tiennent dans leurs mains tendues un marteau et une faucille. Il aurait été difficile de trouver une solution plus globale à ce sujet que celle trouvée par Mukhina. Un mouvement puissant émane du groupe sculptural, qui crée une course rapide des personnages vers l'avant et vers le haut. Les plis des vêtements et des foulards sont interprétés de manière expressive. La légèreté apparente et l'éclat argenté de l'acier inoxydable dans lequel la sculpture est réalisée renforcent encore l'impression dynamique. Le sculpteur innovant Mukhina a réussi à incarner « l'idéal de l'époque » dans cette œuvre. Collaboration Mukhina avec l'architecte Iofan a conduit à l'unité artistique d'une architecture simple et structurellement intégrale et de formes sculpturales plastiquement riches, laconiques et complètes. De plus, le rôle de la sculpture est ici prédominant : le bâtiment, revêtu de marbre avec des tiges d'acier inoxydable, n'est en fait qu'un piédestal pour celle-ci. La sculpture complète naturellement les rythmes architecturaux verticaux et confère au bâtiment une complétude architecturale. Il s’agit de l’un des monuments les plus rares en termes d’expressivité, exécuté conformément au « plan de propagande monumentale » autrefois conçu. Placée plus tard sur un piédestal bas près de VDNKh, elle a perdu toute sa monumentalité. Mukhina travaille beaucoup dans la sculpture décorative ("Pain", bronze, 1939, PT), et complète également les travaux de I. D. Shadra sur monument à Maxime Gorki (bronze, granit, 1951), installé à Moscou devant la gare biélorusse.
Dans les années 1930 La sculpture animalière se développe de manière intéressante, où ressortent sans aucun doute les noms de deux maîtres - Vasily Alekseevich Vataguine(1883/84–1969), qui connaît parfaitement non seulement les caractéristiques, mais aussi la psychologie des animaux, qui travaille beaucoup le bois ( "Ours de l'Himalaya" 1925) et bronze ( "Tigre", 1925), et Ivan Semenovitch Efimov(1878-1959), qui a interprété ses œuvres de la manière la plus différents matériaux plus généralisé, décoratif que Vatagin, et conférant à la bête des traits d'anthropomorphisme ( "Chat avec une balle" 1935, porcelaine ; "Coq", 1932, cuivre forgé). Au cours des années suivantes, Vatagin a continué à travailler avec succès dans le genre animalier ( "Pingouin avec poussin" arbre, 1960).
Efimov, s'intéressant au théâtre de marionnettes dès 1918, a développé le principe innovant des marionnettes « en canne », développant de manière créative les intrigues des « marionnettes en persil » traditionnelles, s'est tourné vers le théâtre des silhouettes et a créé des installations pleines d'esprit à plusieurs figures.
La partie la plus précieuse du travail de tous deux réside dans leurs dessins. Vatagin a créé des illustrations pour Mowgli (Le Livre de la Jungle) de Rudyard Kipling (1926) et d'autres livres sur les animaux. Efimov a également agi en tant que maître graphiques de livre principalement dans le domaine de la littérature pour enfants.
DANS graphique Ces années-là, les illustrateurs de livres continuent d’occuper une place de premier plan. V. A. Favorsky, qui travaille lui-même de manière très intensive (gravures sur bois pour « Le Conte de la campagne d'Igor », pour « Vita Nova » de Dante, pour « Hamlet » de Shakespeare), dirige toute une école de graphistes. Parmi la centaine d'étudiants, Andrei Dmitrievich Goncharov (1903-1979), auteur d'illustrations hautement professionnelles et profondément perspicaces pour Smolett et Shakespeare, mérite une attention particulière. En général, cependant, la gravure sur bois est éclipsée par la lithographie, ainsi que le dessin - fusain et aquarelle noire.
L'école de Léningrad introduit une nouvelle note dans l'art du graphisme imprimé (principalement des gravures sur bois) et du dessin, dans lequel il y a beaucoup de grâce qui vient des traditions du « Monde de l'Art ». Il s'agit des œuvres de L. S. Khizhinsky, qui a commencé sa carrière créative en Ukraine, de G. D. Epifanov et de N. Alekseev, décédé prématurément. Maîtres du graphisme de chevalet, chanteurs de l'élégiaque paysage aquarelle il y avait V. Pakulin et N. Tyrsa, les rythmes de la nouvelle Léningrad industrielle sont capturés dans les aquarelles de N. Lapshin. Depuis le milieu des années 1930. G. Vereisky travaille presque exclusivement dans la technique de la gravure et de la lithographie (il a incarné l'acteur V. P. Ershov plus de 50 fois, atteignant ainsi la profondeur caractéristiques psychologiques). Dans la plupart différentes techniques et les genres, a travaillé le brillant dessinateur K. Rudakov (illustrations pour Zola et Maupassant, images graphiques sur chevalet de la vie de l'Europe occidentale, portraits de contemporains, par exemple, un portrait de l'artiste « Ya. K. Kolesova", aquarelle, 1936).
A.D. Gontcharov. Caliban. Illustration pour la pièce "La Tempête" de W. Shakespeare. Gravure sur bois
Une galaxie de jeunes graphistes réalise des illustrations pour des classiques russes et soviétiques. Dementy Alekseevich Shmarinov (1907-1999), élève de D. N. Kardovsky, réalise des illustrations pour « Crime et Châtiment » de F. M. Dostoïevski (1935-1936), pleines de sentiments durs et tragiques, des dessins élégants et simples pour « Les Contes de Belkin » d'A. . S. Pouchkine (1937), une série de dessins pour « Pierre Ier » d'Alexei Tolstoï (1940), illustrations pour « Un héros de notre temps » de M. Yu. Les dessins de «Pierre Ier» sont en fait des compositions historiques entières avec des personnages brillants, excellente transmission sommaire de l’esprit même de l’époque de Pierre le Grand. Shmarinov a contourné de nombreux détails du quotidien pour donner à la série un style épique élevé.
Evgeny Adolfovich Kibrik (1906-1978) réalise pour « Cola Brugnon » (1936) des lithographies pleines d'une simplicité captivante et d'un sens subtil de l'esprit gaulois qui ont ravi l'auteur de l'ouvrage, Romain Roldan ; illustrations héroïques pour "La Légende d'Ulenspiegel" de Charles de Coster (1938). Plus tard, Kibrik a écrit : « Toute ma vie, je me suis efforcé d'incarner une image. C'est l'image d'une personne gentille, courageuse et joyeuse. Il aime la vie et les gens. Je veux l'imiter. mon œuvre soit en la personne d'un Bourguignon, soit d'un Flamand, puis d'un Ukrainien, puis d'un Russe.
E.A. Kibrik. "Lasochka". Illustration pour le conte "Cola Brugnon" de R. Rolland
S. V. Gerasimov crée des capricieux et personnages forts les héros de « L'Affaire Artamonov » de A. M. Gorky (1938-1939) ; Kukryniksy (une union de trois artistes - M.V. Kupriyanov, P.N. Krylov, N.A. Sokolov), dans les années 1920. qui se sont déclarés artistes satiriques, illustrent principalement œuvres satiriques(illustrations pour « Les Golovlev » de M. E. Saltykov-Shchedrin) ou des épisodes individuels (satiriques) dans travaux littéraires(illustrations pour « Klim Samgin » de Gorki). Les artistes de Léningrad K. I. Rudakov, N. A. Tyrsa travaillent sur les classiques occidentaux et russes, V. V. Lebedev et E. I. Charushin travaillent sur la littérature pour enfants, chacun conservant sa propre personnalité créatrice. Autour de « Detgiz », dirigé par V. Lebedev, tout un groupe de graphistes remarquables de Leningrad et de haute culture s'est organisé : Yu. Vasnetsov, V. Kurdov, V. Konashevich et bien d'autres.
Le 100e anniversaire de la mort de Pouchkine en 1937 a donné vie à toute une « Pouchkine » (dessins et aquarelles de N. P. Oulianov consacrés aux lieux de Pouchkine, série de L. S. Khizhinsky, lithographies de P. A. Shillingovsky). "Quel grand bonheur que la Russie ait Pouchkine. Toute notre vie, il brille au-dessus de nous comme le soleil qui ne se couche jamais !" – écrivit plus tard l'extraordinaire graphiste, maître du dessin pointu N. Kuzmin, qui illustra « Eugène Onéguine » à la « manière Pouchkine ».
E. I. Charushin. Illustration pour son propre livre « Vaska, Bobka et le lapin » (Detgiz, 1934)
La composition professionnelle dans les genres du concert, de la philharmonie et du théâtre musical a également connu des changements importants dans les années 30. Naturellement, ils ne pouvaient qu’être associés aux transformations de la vie sociale qui ont conduit à l’établissement d’un nouveau système étatique centralisé. Le 23 avril 1932, une résolution du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union fut adoptée « Sur la restructuration des organisations littéraires et artistiques ». Ce document du parti soulignait que le cadre des organisations littéraires et artistiques apparues dans les années 1920 « devient déjà étroit et entrave la portée sérieuse créativité artistique" Parmi ces organisations liquidées conformément à la résolution du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union figurait également le RAPM, qui s'était depuis longtemps transformé en un groupe qui plaçait ses intérêts de « clan » au-dessus de la vérité. Le texte du document du parti soulignait le danger de transformer ce type d'associations « d'un moyen de maximiser la mobilisation des écrivains et des artistes soviétiques autour des tâches de la construction socialiste en un moyen de cultiver l'isolement circulaire, la séparation des tâches politiques de notre pays ». temps et de groupes importants d’écrivains et d’artistes qui sympathisent avec la construction socialiste.
Bien que le décret du 23 avril 1932 supprime effectivement le droit des artistes de créer des associations et associations libres, il fut accueilli avec enthousiasme par l'écrasante majorité d'entre eux. Beaucoup d’entre eux espéraient des changements bénéfiques, l’abolition de la discrimination antérieure contre les soi-disant « compagnons de voyage » et approuvaient l’idée de s’unir en un seul syndicat créatif basé sur l’affiliation professionnelle. L'idée même d'égalité dans syndicats similaires absolument tous les maîtres de l'art, quelles que soient leurs positions artistiques et leurs préférences stylistiques, semblaient ouvrir de larges perspectives de libre développement dans sa mise en œuvre pratique individus créatifsà une condition indispensable : leur soutien à la construction socialiste dans le pays. Sinon, tout semblait être laissé à la discrétion des artistes eux-mêmes, qui choisissaient librement les voies permettant d'atteindre la vérité dans l'art et les moyens qu'ils utilisaient pour résoudre les problèmes qu'ils se posaient.
L'association organisationnelle des travailleurs créatifs a été consolidée par la création de syndicats créatifs unifiés. Parmi eux se trouvait l'Union des compositeurs soviétiques (plus tard l'Union des compositeurs de l'URSS) - une association de compositeurs et de musicologues, créée sur une base idéologique commune, puis reconnue par tous. syndicats créatifs. Dans sa déclaration rôle décisif joué au premier congrès des écrivains de toute l'Union, tenu en 1934 sous la direction et avec la participation active de A. M. Gorky. La méthode du réalisme socialiste est devenue la base théorique de la consolidation des figures créatrices du pays.
L'essence de la méthode a été formulée dans la charte de l'Union des écrivains de l'URSS en 1934 : « Le réalisme socialiste exige de l'artiste une vision véridique et historiquement spécifique. image artistique réalité dans son développement révolutionnaire. » Cette formule n'impliquait en effet pas le reflet de la vie dans l'art telle qu'elle est, dans ses contradictions complexes, mais la construction d'un modèle idéal, d'un modèle, la recréation de la réalité telle qu'elle devrait être pour correspondre à l'idéal stalinien. du socialisme. »
Dès les premières tentatives pour comprendre le processus artistique du point de vue du réalisme socialiste, des difficultés importantes sont apparues. La pratique vivante ne rentrait pas dans le lit procustéen de la méthode, il fallait donc soit ajuster artificiellement les œuvres à des critères ayant acquis force de loi, soit séparer complètement ces œuvres et leurs créateurs de l'art soviétique en général. Le préjudice irréparable causé par l'introduction forcée de cette méthode provenait des prétentions de ses adeptes au monopole. De plus, une substitution significative s'est produite : le principe du réalisme a été proclamé en mots, tandis que les adeptes de la nouvelle méthode ont en fait créé un mythe romantique avec le double monde caractéristique des artistes romantiques. Les horreurs du vieux monde, qui semblait être le centre de tous les vices et oppressions imaginables infligés par ceux qui étaient au pouvoir, étaient contrées par une harmonie édifiante. nouvelle société bâtisseurs et combattants - des chevaliers sans crainte ni reproche. Bien sûr, ce modèle n'a jamais été présenté dans sa pureté sans faille dans les créations les plus talentueuses, mais il a servi en quelque sorte de ligne directrice, d'idéal vers lequel il faut tendre. D'où l'exigence insistante d'optimisme, d'optimisme sur commande, dès que la réalité soviétique est devenue l'objet d'une représentation artistique ; d'où l'attitude méfiante envers thème tragique et aux artistes avec une vision du monde tragique.
En musique, l’inculcation du réalisme socialiste s’est immédiatement heurtée à d’importantes difficultés. «Le réalisme socialiste n'est pas une forme standard toute faite de créativité musicale», a écrit l'éminent critique soviétique V. Gorodinsky, «sur ses talons». Cette méthode, selon le critique, ne limite en rien l’initiative de l’artiste et n’est en aucun cas quelque chose d’établi une fois pour toutes, incapable de se développer, et toujours et partout le même. Mais ce que devait contenir exactement la musique pour répondre aux critères de la méthode restait flou. Ce n'est pas un hasard si les conversations sur l'essence du réalisme socialiste dans la musique se sont rapidement éteintes, et l'affaire s'est limitée à simplement répéter la formule rituelle sans essayer sérieusement de savoir si elle était généralement applicable à l'art des images sonores entonnées.
Si nous passons à l'état réel des choses qui s'est développé en différents types art dans les années 30, il faut souligner qu'en littérature, en beaux-arts, en théâtre, en cinéma, partout un processus de relative stabilisation s'est imposé. Elle était associée à une rupture avec l'esthétique des années 20, avec les tendances extrêmes de l'avant-garde artistique de l'époque. Le symbolisme des affiches et la simple propagande de discours conçus pour être prononcés oratoirement devant des gens remplissant des espaces ouverts appartiennent au passé, tout comme la pratique des représentations théâtrales de masse s'est éteinte. Même les dirigeants des organisations prolétariennes mettent en avant le slogan « personne vivante», rejetant les appels à la « démification » de la fiction. Les mouvements expérimentaux, qui étaient désormais considérés comme l’expression des extrêmes de gauche et des excès de l’esthétique bourgeoise, ont disparu. Ils ont fait l'objet de critiques à l'égard de l'école formelle en matière de critique littéraire - l'étiquette de « formalisme » est devenue pendant longtemps un moyen courant de représailles contre les domaines où était fixée la tâche de mettre à jour les moyens linguistiques. L'orientation vers les classiques a commencé à déterminer le développement de presque toutes les manifestations de la créativité artistique.
Il serait cependant faux de dire que art soviétique Les années 1930 abandonnent complètement toute quête, toute définition de nouveaux objectifs artistiques. Dans un certain nombre d'œuvres, les deux tendances - évolutions précédentes - se sont harmonieusement fusionnées tradition classique et la recherche d'un nouveau langage en phase avec les temps modernes. Peut-être que cette combinaison ne s'est manifestée nulle part avec autant de clarté et de perfection artistique que dans la musique. Mais cela a également affecté le développement de l'art théâtral de manière assez claire et notable. Dans les années 30, le prestige des théâtres académiques augmente considérablement, où le Théâtre de Moscou prend le devant de la scène. Théâtre d'art: dirigé par K. Stanislavsky et V. Nemirovich-Danchenko, il a présenté un certain nombre de performances exceptionnelles, marquées par une interprétation innovante des classiques (« Anna Karénine » de L. Tolstoï, « L'École du scandale » de R. Sheridan et autres). Mais l'ancien antipode du Théâtre d'art de Moscou, comme s'est proclamé pendant de nombreuses années le théâtre de V. Meyerhold, s'est également tourné vers les classiques et a contribué à la renaissance d'A. Ostrovsky, à laquelle sont associées les années 30 (la production de la pièce « Le Forêt").
Malgré le contrôle totalitaire de l'État dans tous les domaines développement culturel société, l'art de l'URSS dans les années 30 du 20e siècle n'était pas en reste par rapport aux tendances mondiales de l'époque. L'introduction du progrès technologique, ainsi que les nouvelles tendances venues de l'Occident, ont contribué à l'épanouissement de la littérature, de la musique, du théâtre et du cinéma.
Un trait distinctif du régime soviétique processus littéraire Au cours de cette période, il y a eu une confrontation entre les écrivains de deux groupes opposés : certains écrivains ont soutenu la politique de Staline et ont glorifié la révolution socialiste mondiale, d'autres ont résisté de toutes les manières possibles au régime autoritaire et ont condamné la politique inhumaine du leader.
La littérature russe des années 30 a connu sa deuxième apogée et est entrée dans l'histoire de la littérature mondiale comme la période de l'âge d'argent. A cette époque, des maîtres des mots inégalés créaient : A. Akhmatova, K. Balmont, V. Bryusov, M. Tsvetaeva, V. Mayakovsky.
La prose russe a également montré sa puissance littéraire : les œuvres de I. Bounine, V. Nabokov, M. Boulgakov, A. Kuprin, I. Ilf et E. Petrov sont fermement entrées dans la guilde des trésors littéraires mondiaux. La littérature de cette période reflétait toute la réalité de la vie étatique et publique.
Les œuvres ont mis en lumière les problèmes qui préoccupaient le public à cette époque imprévisible. De nombreux écrivains russes ont été contraints de fuir les persécutions totalitaires des autorités vers d'autres États, mais ils n'ont pas interrompu leurs activités d'écriture à l'étranger.
Dans les années 30 Théâtre soviétique traversait une période de déclin. Tout d’abord, le théâtre était considéré comme le principal instrument de propagande idéologique. Au fil du temps, les productions immortelles de Tchekhov ont été remplacées par des performances pseudo-réalistes glorifiant le leader et le Parti communiste.
Des acteurs exceptionnels qui ont tenté par tous les moyens de préserver l'originalité du théâtre russe ont été soumis à une sévère répression de la part du père du peuple soviétique, parmi lesquels V. Kachalov, N. Cherkasov, I. Moskvin, M. Ermolova. Le même sort est arrivé au réalisateur le plus talentueux V. Meyerhold, qui a créé le sien école de théatre, ce qui constituait une digne concurrence pour l’Occident progressiste.
Avec le développement de la radio, l'âge de la naissance a commencé en URSS musique pop. Les chansons diffusées à la radio et enregistrées sur disques sont devenues accessibles à un large public d'auditeurs. Le chant de masse en Union soviétique était représenté par les œuvres de D. Chostakovitch, I. Dunaevsky, I. Yuryev, V. Kozin.
Le gouvernement soviétique a complètement rejeté la direction du jazz, qui était populaire en Europe et aux États-Unis (c'est ainsi qu'en URSS, le travail de L. Utesov, le premier interprète de jazz russe, a été ignoré). Au lieu de cela, les œuvres musicales qui glorifiaient le système socialiste et incitaient la nation à travailler et à exploiter au nom de la grande révolution étaient les bienvenues.
L'art cinématographique en URSS
Les maîtres du cinéma soviétique de cette période ont pu atteindre des sommets importants dans le développement de cette forme d'art. D. Vetrov, G. Alexandrov, A. Dovzhenko ont grandement contribué au développement du cinéma. Des actrices inégalées - Lyubov Orlova, Rina Zelenaya, Faina Ranevskaya - sont devenues le symbole du cinéma soviétique.
De nombreux films, ainsi que d’autres œuvres d’art, servaient aux objectifs de propagande des bolcheviks. Mais néanmoins, grâce au talent du jeu d'acteur, à l'introduction de décors sonores et de haute qualité Films soviétiques et à notre époque, ils suscitent une véritable admiration de la part de leurs contemporains. Des films tels que "Jolly Fellows", "Spring", "Foundling" et "Earth" sont devenus un véritable trésor du cinéma soviétique.
Le début des années 30 a été marqué par l'apparition des documents du parti les plus importants qui ont stimulé l'unification et le développement des forces créatrices. La résolution du Comité central du Parti communiste du 23 avril 1932 eut un effet bénéfique sur la culture musicale.
L'Association russe des musiciens prolétariens est en cours de liquidation (Association Musique moderne en fait désintégré plus tôt), des voies pour le développement ultérieur de la musique réaliste sont tracées et les traditions démocratiques de l'art musical classique russe sont affirmées.
En 1932, l'Union fut organisée Compositeurs soviétiques, qui a jeté les bases de l'unification des musiciens sur la base de la méthode du réalisme socialiste. La créativité musicale soviétique est passée à une nouvelle étape.
La créativité musicale prend une ampleur considérable. Le genre du chant de masse devient un laboratoire de nouveaux moyens d'expression mélodique, et le processus de « renouveau du chant » couvre tous les types de musique - opéra, symphonie, cantate-oratorio, chambre, instrumentale. Les thèmes des chansons sont variés, tout comme leurs mélodies.
Parmi les œuvres du genre chanson, les chansons de combat de A. Alexandrov, les chansons de I. Dunaevsky avec leur joie sonore, leur énergie juvénile, leurs paroles lumineuses (comme la célèbre « Chanson de la patrie », « Chanson de Kakhovka » , "Marche des Joyeux Hommes") se démarquent particulièrement en cette période, les gars", etc.), des chansons originales de V. Zakharov, dédiées à la nouvelle vie du village agricole collectif ("Le long du village", "Et qui Knows Him », « Seeing Off »), chansons des frères Pokrass (« If Tomorrow is War », « Cavalry ») , M. Blanter (« Katyusha », etc.), S. Kats, K. Listov, B. Mokrousov, V. Soloviev-Sedogo.
Le genre de la chanson s'est développé en étroite collaboration entre les compositeurs et poètes M. Isakovsky, V. Lebedev-Kumach, V. Gusev, A. Surkov et d'autres. La popularité généralisée des chansons soviétiques a été facilitée par l'émergence des films sonores. Une fois sortis des écrans, ils ont longtemps survécu aux films pour lesquels ils avaient été écrits.
L'Opéra Théâtre des années 30 s'est enrichi d'œuvres réalistes sur des thèmes modernes, accessibles dans le langage, véridiques dans le contenu, bien que pas toujours exemptes de défauts (dramaturgie faible, utilisation incomplète de formes vocales larges, ensembles développés).
Les opéras «Quiet Don» et «Virgin Soil Upturned» de I. Dzerzhinsky se distinguaient par leur début mélodique brillant et leur caractérisation réaliste des personnages. Le refrain final « From Edge to Edge » de « Quiet Don » est devenu l'une des chansons populaires les plus populaires. L'opéra « Into the Storm » de T. Khrennikov est également rempli de caractéristiques dramatiques, de mélodies originales et de chœurs folkloriques expressifs.
Des éléments de la musique folklorique française ont reçu une interprétation intéressante dans l’opéra « Cola Breugnon » de D. Kabalevsky, marqué par une grande compétence professionnelle et la subtilité des caractéristiques musicales.
L’opéra « Semyon Kotko » de S. Prokofiev se caractérise par le rejet des chants de masse et la prédominance du récitatif.
Diverses tendances dans l’œuvre des compositeurs soviétiques ont commencé en 1935-1939. fait l'objet de discussions sur les voies de développement de l'art lyrique.
Les compositeurs qui ont travaillé dans le genre de l'opérette se sont également tournés vers le thème moderne - I. Dunaevsky, M. Blanter, B. Alexandrov.
Dans le genre du ballet, les tendances réalistes étaient représentées par des œuvres aussi importantes que « La Flamme de Paris » et « La Fontaine de Bakhchisarai » de B. Asafiev, « Laurencia » de A. Crane et la tragédie musicale et chorégraphique de S. Prokofiev. "Roméo et Juliette". Les premiers ballets nationaux sont apparus en Géorgie, en Biélorussie et en Ukraine.
Les succès dans le genre de la musique symphonique étaient également associés à la pénétration du principe chant-mélodique, à la démocratisation des images, en les remplissant d'un contenu de vie spécifique, en renforçant les tendances programmatiques et en se tournant vers les mélodies de chant et de danse des peuples de l'URSS. .
Dans les années 30, la créativité des plus grands symphonistes soviétiques de l'ancienne génération s'est épanouie et les talents des jeunes sont devenus matures. Dans la musique symphonique, les tendances réalistes sont renforcées et les thèmes modernes se reflètent. N. Myaskovsky a créé dix symphonies durant cette période (du 12 au 21). S. Prokofiev écrit une cantate patriotique « Alexandre Nevski », 2e concerto pour violon, conte de fée symphonique"Pierre et le loup", D. Chostakovitch - la 5ème symphonie, grandiose dans son concept et la profondeur de son contenu, ainsi que la 6ème symphonie, quintette avec piano, quatuor, musique du film "Le Compteur".
De nombreuses œuvres marquantes du genre symphonique étaient consacrées à des thèmes historiques, révolutionnaires et héroïques : la 2e symphonie de D. Kabalevsky, la symphonie-cantate de Y. Shaporin « Sur le champ de Koulikovo ». A. Khatchatourian a apporté une contribution précieuse à la musique réaliste (1ère symphonie, concertos pour piano et violon, ballet « Gayane »).
D'autres compositeurs ont également écrit des œuvres symphoniques majeures, notamment des compositeurs des républiques nationales soviétiques.
Les arts du spectacle ont atteint de grands sommets. Les chanteurs exceptionnels A. Nezhdanova, A. Pirogov, N. Obukhova, M. Stepanova, I. Patorzhinsky et d'autres ont reçu le titre Artiste du peuple L'URSS.
Les jeunes musiciens soviétiques E. Gilels, D. Oistrakh, J. Flier et J. Zak ont remporté les premiers prix aux concours internationaux de Varsovie, Vienne et Bruxelles. Les noms de G. Ulanova, M. Semenova, 0. Lepeshinskaya, V. Chabukiani sont devenus la fierté de l'art chorégraphique soviétique et mondial.
De grands groupes de spectacles d'État ont été créés - l'Orchestre Symphonique d'État, l'Ensemble de Danse d'État, Chœur d'État L'URSS.
En vous familiarisant avec les œuvres des beaux-arts soviétiques, vous remarquerez immédiatement qu'elles sont très différentes de la période précédente de l'histoire de l'art. Cette différence réside dans le fait que tout l’art soviétique est imprégné de l’idéologie soviétique et était destiné à être le conducteur de toutes les idées et décisions de l’État soviétique et du Parti communiste, en tant que force directrice de la société soviétique. Si dans l'art du XIXe et du début du XXe siècle, les artistes critiquaient sérieusement la réalité existante, alors à l'époque soviétique, de telles œuvres étaient inacceptables. Un fil rouge à travers tout ce qui est soviétique art le pathos de la construction d’un État socialiste était attaché. Aujourd’hui, 25 ans après l’effondrement de l’URSS, le public s’intéresse de plus en plus à l’art soviétique, et il devient particulièrement intéressant pour les jeunes. Et l'ancienne génération repense beaucoup à l'histoire passée de notre pays et s'intéresse également aux œuvres apparemment très familières. Peinture soviétique, sculpture, architecture.
Art de la période de la Révolution d'Octobre, de la guerre civile et des années 20-30.
Dans les premières années qui ont suivi la révolution et pendant la guerre civile, il a joué un rôle important affiche politique de combat. Ils sont à juste titre considérés comme des classiques de l’art de l’affiche. D.S. Moore et V.N. Denis. Affiche de Moor « Vous êtes-vous inscrit comme bénévole ? » et séduit désormais par l'expressivité de l'image.
En plus de l'affiche imprimée, des affiches dessinées à la main et au pochoir sont apparues pendant la guerre civile. Ce "Fenêtres ROSTA", où le poète V. Mayakovsky a pris une part active.
Pendant la guerre civile, il a travaillé plan de propagande monumental, compilé par V.I. Lénine, dont le but était de construire des monuments dans tout le pays des personnes célèbres, qui a contribué d'une manière ou d'une autre à la préparation et à la mise en œuvre de la révolution socialiste. Les interprètes de ce programme comprennent principalement sculpteurs N.A. Andreev I.D. Shadr.
Dans les années 20, une association s'est formée et a joué un rôle important dans la construction d'une nouvelle société soviétique - la Russie" (AHRR) "Association des Artistes Russie révolutionnaire(AHRR).
Dans les années 30, une Union unifiée des artistes de l'URSS a été créée, réunissant tous les artistes qui, dans leur travail, devaient suivre la méthode du réalisme socialiste. Artistes plus âgés (B. Kustodiev, K. Yuon et autres.) et les plus jeunes cherchaient à refléter la nouveauté de la réalité soviétique.
En créativité I.I. Brodski Le thème historique-révolutionnaire a été reflété. Le même thème dans les œuvres M. Grekova et K. Petrova-Vodkina a un caractère sublimement romantique.
Dans ces mêmes années commença l’épopée "Léninienne" qui a créé d'innombrables œuvres pendant la période soviétique dédiées à V.I. Lénine.
Il faut d'abord appeler les peintres de genre (maîtres du genre quotidien) et les portraitistes des années 20-30 M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deineka, Y. Pimenov, G. Ryazhsky et d'autres artistes.
Dans la zone paysage ces artistes ont travaillé comme K. Yuon, A. Rylov, V. Baksheev et d R.
Après la révolution et la guerre civile, il y a eu une construction rapide de villes dans lesquelles de nombreux monuments aux personnalités marquantes de la révolution, les partis et les États. Des sculpteurs célèbres étaient A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva et d'autres.
Beaux-arts soviétiques 1941-1945 et les premières années d'après-guerre
Pendant la Grande Guerre patriotique, l’art soviétique a réfuté de manière décisive l’adage selon lequel « quand les canons rugissent, les muses se taisent ». Non, pendant la période des guerres les plus cruelles et les plus terribles de l’histoire de l’humanité, les muses ne se sont pas tues. Immédiatement après l'attaque perfide des fascistes allemands contre l'Union soviétique, le pinceau, le crayon et le ciseau des artistes sont devenus une arme redoutable dans la lutte contre l'ennemi.
L'ascension héroïque du peuple, son unité morale sont devenues la base sur laquelle s'est développé l'art soviétique pendant la guerre patriotique. Il était imprégné d'idées patriotisme. Ces idées ont inspiré les affichistes, ont encouragé les peintres à créer des peintures racontant les exploits du peuple soviétique et ont déterminé le contenu des œuvres dans tous les types d'art.
À cette époque, comme pendant la guerre civile, les affiches politiques jouaient un rôle énorme, sur lesquelles des artistes tels que V.S. Ivanov, V.B. Koretsky et d'autres. Leurs œuvres sont caractérisées par un pathos colérique ; les images qu'ils ont créées révèlent la volonté inflexible du peuple qui s'est levé pour défendre la Patrie.
L'affiche dessinée à la main connaît un véritable renouveau pendant la guerre. A l'instar des "Fenêtres de CROISSANCE" en 1941 - 1945, de nombreuses fiches furent créées "Windows TASS". Ils ont ridiculisé les envahisseurs, exposé la véritable essence du fascisme et appelé le peuple à défendre la Patrie. Parmi les artistes travaillant chez TASS Windows, il convient tout d'abord de mentionner Kukryniksov (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).
Les séries graphiques de cette époque racontent de manière convaincante les expériences du peuple soviétique pendant les années de guerre. Heartache marque une magnifique série de dessins D.A. Shmarinova "Nous n'oublierons pas, nous ne pardonnerons pas !" La gravité de la vie à Leningrad assiégée est capturée dans une série de dessins A.F. Pakhomov "Leningrad à l'époque du siège".
Il était difficile pour les peintres de travailler pendant les années de guerre : après tout, créer un tableau fini nécessite du temps et des conditions et des matériaux appropriés. Néanmoins, de nombreuses peintures sont apparues qui ont été incluses dans le fonds d'or de l'art soviétique. Les peintres de l'atelier des artistes militaires du nom d'A.B. Grekov nous parlent de la vie quotidienne difficile de la guerre, des guerriers héroïques. Ils voyagent sur les fronts et participent aux opérations militaires.
Les artistes de guerre ont capturé sur leurs toiles tout ce qu'ils ont eux-mêmes vu et vécu. Parmi eux P.A. Krivonogov, auteur du tableau "Victoire", B.M. Nemensky et son le tableau « Mère », une paysanne qui abritait des soldats dans sa cabane, qui a beaucoup souffert pendant une période difficile pour la Patrie.
Des toiles d'une grande valeur artistique ont été créées au cours de ces années A.A.Deineka, A.A.Plastov, Kukryniksy. Leurs peintures, consacrées aux exploits héroïques du peuple soviétique au front et à l'arrière, sont empreintes d'un enthousiasme sincère. Les artistes affirment la supériorité morale du peuple soviétique sur la force brutale du fascisme. Cela montre l'humanisme du peuple, sa foi dans les idéaux de justice et de bonté. Peintures historiques créées pendant la guerre, notamment le cycle peintures de E.E. Lansere "Trophées d'armes russes"(1942), triptyque de P.D. Korin « Alexandre Nevski », toile d'A.P. Bubnov « Matin sur le champ de Koulikovo ».
Elle nous a beaucoup parlé des gens pendant la guerre et peinture de portrait. De nombreuses œuvres ont été créées dans ce genre, marquées par une valeur artistique extraordinaire.
La galerie de portraits de la période de la Guerre patriotique a été complétée par de nombreuses œuvres sculpturales. Des gens à la volonté inflexible, des personnages courageux, marqués par des différences individuelles, présenté dans les portraits sculpturaux de S.D. Lebedeva, N.V. Tomsky, V.I. Mukhina, V.E.
Pendant la guerre patriotique, l’art soviétique a rempli avec honneur son devoir patriotique. Les artistes ont remporté la victoire après avoir vécu des expériences profondes qui ont permis, dans les premières années d'après-guerre, de créer des œuvres au contenu complexe et multiforme.
Dans la seconde moitié des années 40 et 50, l'art s'enrichit de nouveaux thèmes et d'images. Ses tâches principales au cours de cette période étaient de refléter les succès de la construction d'après-guerre, d'éduquer la moralité et les idéaux communistes.
L'épanouissement de l'art dans les années d'après-guerre a été grandement facilité par les activités de l'Académie des arts de l'URSS, qui comprenait les maîtres les plus importants.
Art années d'après-guerre Il existe également d'autres fonctionnalités qui concernent principalement son contenu. Au cours de ces années, l'intérêt des artistes pour le monde intérieur de l'homme s'est intensifié. D'où l'attention que les peintres, sculpteurs et graphistes portent aux portraits et aux compositions de genre, qui leur permettent d'imaginer les gens dans une grande variété de situations de vie et de montrer l'originalité de leurs personnages et de leurs expériences. D'où l'humanité particulière et la chaleur de nombreuses œuvres consacrées à la vie et à la vie quotidienne du peuple soviétique.
Naturellement, à l’heure actuelle, les artistes continuent de s’inquiéter des événements de la récente guerre. Ils se tournent sans cesse vers les exploits du peuple, vers les expériences difficiles du peuple soviétique dans des temps difficiles. De telles peintures de ces années-là sont connues sous le nom de "Mashenka" de B. Nemensky, "Lettre du front" de A. Laktionov, "Repos après la bataille" de Yu., "Retour" de V. Kostetsky et bien d'autres.
Les toiles de ces artistes sont intéressantes car le thème de la guerre est traité dans le genre quotidien : ils peignent des scènes de la vie du peuple soviétique en guerre et sur le front intérieur, racontant ses souffrances, son courage et son héroïsme.
Il est à noter que des peintures à contenu historique ont également été souvent réalisées au cours de cette période dans le genre quotidien. Progressivement une vie paisible du peuple soviétique, qui a remplacé les épreuves difficiles des années de guerre, trouve une incarnation toujours plus complète et plus mature dans les œuvres de nombreux artistes. Apparaît un grand nombre de genre peintures (c'est-à-dire des peintures du genre quotidien), frappant par la variété des thèmes et des intrigues. C'est la vie d'une famille soviétique, avec ses joies et ses peines simples ( "Encore deux!" F. Reshetnikova), c'est un travail acharné dans les usines et les usines, dans les fermes collectives et les fermes d'État ( "Pain" de T. Yablonskaya, "Sur des champs paisibles" A. Mylnikova). C'est la vie de la jeunesse soviétique, le développement des terres vierges, etc. Contribution particulièrement importante à peinture de genre les artistes ont fait pendant cette période A. Plastov, S. Chuikov, T. Salakhov et d'autres.
La peinture de portraits a continué à se développer avec succès au cours de ces années - ce P. Korin, V. Efanov et d'autres artistes. Dans la zone peinture de paysage pendant cette période, en plus de artistes les plus anciens, y compris M. Saryan, travaillé par R. Nissky, N. Romadin et d'autres.
Au cours des années suivantes, les arts visuels de la période soviétique ont continué à se développer dans la même direction.