Au 17ème siècle La Hollande est devenue un pays capitaliste modèle. Elle menait un important commerce colonial, possédait une flotte puissante et la construction navale était l'une des principales industries. Même les armateurs anglais passaient souvent des commandes auprès des chantiers navals néerlandais. Les agriculteurs assidus, les Néerlandais, sur une superficie relativement petite, ont réussi à créer une telle industrie laitière qu'ils sont devenus célèbres sur le marché paneuropéen. Fin XVIIe – début XVIIIe siècles. avec l'entrée sur la scène commerciale internationale de l'Angleterre et de la France, la Hollande perd son importance économique et politique, mais tout au long XVIIe siècle c'est la première puissance économique d'Europe.
Dans le même temps, la Hollande était également à cette époque le centre le plus important culture européenne. La lutte pour l'indépendance nationale et la victoire des bourgeois ont également déterminé le caractère de la culture néerlandaise au XVIIe siècle. Le protestantisme (le calvinisme comme sa forme la plus sévère), qui a complètement supplanté l'influence de l'Église catholique, a conduit au fait que le clergé en Hollande n'a pas eu la même influence sur l'art qu'en Flandre, et surtout en Espagne ou en Italie. L’Université de Leyde était un centre de libre pensée. L'atmosphère spirituelle était propice au développement de la philosophie, des sciences naturelles et des mathématiques. L'absence d'un riche patricien et d'un clergé catholique a eu d'énormes conséquences sur le développement de l'art néerlandais. U Artistes néerlandais il y avait un autre client : les bourgeois, le magistrat hollandais, qui décoraient non pas des palais et des villas, mais de modestes habitations ou édifices publics - donc les peintures en Hollande de cette époque n'ont pas les mêmes dimensions que les toiles de Rubens ou de Jordanes, et sont principalement des tâches décoratives de chevalet plutôt que monumentales. En Hollande, l'église ne joue pas le rôle de cliente d'œuvres d'art : les églises ne sont pas décorées d'images d'autel, car le calvinisme rejette toute allusion au luxe ; Les églises protestantes étaient d’architecture simple et ne présentaient aucune décoration intérieure.
La principale réalisation des Néerlandais art XVIII siècle - en peinture de chevalet. L'homme et la nature étaient les objets d'observation et de représentation des artistes néerlandais. Le travail acharné, la diligence, l'amour de l'ordre et de la propreté se reflètent dans les peintures illustrant la vie néerlandaise. La peinture domestique devient l'un des genres phares, dont les créateurs ont reçu dans l'histoire le nom de « petit Hollandais », soit en raison de la simplicité des sujets, soit en raison de la petite taille des peintures, et peut-être pour les deux. Les Néerlandais voulaient voir la diversité du monde en images. D’où la diversité de la peinture de ce siècle, la « spécialisation étroite » certaines espèces sujets : portrait et paysage, nature morte et genre animalier. Il y avait même une spécialisation au sein du genre : paysages du soir et de nuit (Art van der Neer), « feux de nuit » (Ecbert van der Poel), paysages d'hiver (Aver Kamp), navires sur les routes (J. Porcellis), paysage plat. (F. Koninck) ; natures mortes - « petits déjeuners » (P. Claes et V. Heda) ou images de fleurs et de fruits (B. van der Ast, J. van Huysum), intérieurs d'églises (A. de Lorm), etc. Peinture sur l'Évangile et histoires bibliques est également représentée, mais pas dans la même mesure que dans d'autres pays, comme l'est la mythologie antique. En Hollande, il n'y a jamais eu de liens avec l'Italie et l'art classique n'a pas joué un rôle aussi important qu'en Flandre. La maîtrise des courants réalistes, le développement d'une certaine gamme de thèmes, la différenciation des genres en un seul processus s'achèvent dans les années 20 du XVIIe siècle. Mais quel que soit le genre dans lequel travaillent les maîtres hollandais, partout où ils trouvent la beauté poétique de l'ordinaire, ils savent spiritualiser et élever le monde des choses matérielles.
Histoire de la peinture hollandaise du XVIIe siècle. démontre parfaitement l'évolution de l'œuvre de l'un des plus grands portraitistes de Hollande, Frans Hals (vers 1580-1666). Dans les années 10-30, Hals a beaucoup travaillé dans le genre des portraits de groupe. Il s’agit essentiellement d’une représentation de guildes de fusiliers – des corporations d’officiers chargées de la défense et de la protection des villes. Les bourgeois voulaient être immortalisés sur toile, ils payaient une certaine somme pour avoir le droit d'être représentés et l'artiste devait se rappeler d'accorder la même attention à chaque modèle. Mais ce n’est pas la ressemblance du portrait qui nous captive dans ces œuvres de Hals. Ils expriment les idéaux de la jeune république, les sentiments de liberté, d'égalité et de camaraderie. Sur les toiles de ces années, des gens joyeux, énergiques et entreprenants regardent, confiants en leurs capacités et en l'avenir (« Rifle Guild of St. Adrian », 1627 et 1633 ; « Rifle Guild of St. George », 1627). Hale les représente généralement lors d'un festin amical, lors d'un festin joyeux. La grande taille de la composition, allongée horizontalement, l'écriture large et confiante, les couleurs intenses et saturées (jaune, rouge, bleu, etc.) créent le caractère monumental de l'image. L'artiste agit comme un historiographe de toute une époque.
Les chercheurs appellent parfois les portraits individuels de Hulse des portraits de genre en raison de la spécificité particulière de l'image et d'une certaine méthode de caractérisation. Il y a quelque chose d'instable dans la pose de Heythuizen se balançant sur sa chaise, son expression faciale semble sur le point de changer. Le portrait d'une vieille femme ivre, la « sorcière de Harlem », propriétaire de la taverne Malle Babbe (début des années 30), avec un hibou sur l'épaule et une chope de bière à la main, présente les traits d'un tableau de genre. Le style sommaire de Hulse, son écriture audacieuse, où le coup de pinceau sculpte à la fois la forme et le volume et transmet la couleur ; le coup de pinceau est tantôt épais, empâté, recouvrant abondamment la toile, tantôt permettant de retracer le ton du fond, l'accent mis sur un détail et la sous-estimation d'un autre, la dynamique interne, la capacité de déterminer l'ensemble à partir d'un indice - ce sont sont les caractéristiques typiques de l'écriture de Hals.
F. Hulse. Guilde de tir de St. Georges. Fragment. Haarlem, Musée Hals
F Hulse Portrait de Willem van Heythuizen. Bruxelles, Musée des Beaux-Arts
G. Terborch. Concert. Berlin, musée
Dans les portraits de Hals de la fin de la période (années 1950-1960), l'insouciance, l'énergie et l'intensité des personnages représentés disparaissent. Dans le portrait d'un homme de l'Ermitage, malgré tout le caractère impressionnant de la figure, on peut même retracer une certaine fanfaronnade, de la fatigue et de la tristesse. Ces caractéristiques sont encore renforcées dans le portrait brillamment peint d'un homme portant un chapeau à larges bords du musée de Kassel (années 60). Khaleh cesse d'être populaire ces années-ci parce qu'il ne flatte jamais et se révèle étranger aux goûts dégénérés d'une clientèle riche qui a perdu son esprit démocratique. Mais c’est à la fin de la période de créativité que Hale atteint le summum de la maîtrise et crée les œuvres les plus profondes. La coloration de ses tableaux devient presque monochrome. Il s’agit généralement d’un vêtement noir foncé, avec un col et des poignets blancs et un fond de couleur olive foncé. La palette picturale laconique est cependant construite sur les plus beaux dégradés.
Deux ans avant sa mort, en 1664, Hale revient au portrait de groupe. Il peint deux portraits des régents et régentes d'une maison de retraite, dans l'un desquels il trouva lui-même refuge à la fin de sa vie. Dans le portrait des régents, il n'y a aucun esprit de camaraderie des compositions précédentes, les modèles sont désunis, impuissants, ils ont l'air terne, la dévastation est inscrite sur leurs visages. La palette de couleurs sombres (noir, gris et blanc) ajoute une tension particulière à la tache de tissu rouge rosé sur le genou de l'un des régents. Ainsi, au cours de sa neuvième décennie, un artiste malade, solitaire et pauvre crée ses œuvres les plus dramatiques et les plus exquises.
V. Khéda. Petit-déjeuner avec tarte aux mûres. Dresde, galerie
L'art de Hals était d'une grande importance pour son époque ; il a influencé le développement non seulement du portrait, mais aussi genre de tous les jours, paysage, nature morte.
Le genre paysager de la Hollande au XVIIe siècle est particulièrement intéressant. Il ne s'agit pas ici de la nature en général, d'une certaine image générale de l'univers, mais d'un paysage national, spécifiquement hollandais, que l'on reconnaît dans la Hollande moderne : les célèbres moulins à vent, les dunes du désert, les canaux sur lesquels glissent des bateaux en été et les patineurs en l'hiver. L'air est saturé d'humidité. Le ciel gris occupe une grande place dans les compositions. C'est exactement ainsi que Jan van Goyen (1596-1656) et Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670) décrivent la Hollande.
L'apogée de la peinture de paysage à l'école hollandaise remonte au milieu du XVIIe siècle. Le plus grand maître du paysage réaliste fut Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), un artiste à l'imagination inépuisable. Ses œuvres sont généralement pleines de drames profonds, qu'il représente des bosquets forestiers (Forest Swamp), des paysages avec des cascades (Waterfall) ou un paysage romantique avec un cimetière (Jewish Cemetery). La nature de Ruisdael apparaît en dynamique, en éternel renouveau. Même les motifs les plus simples de la nature acquièrent un caractère monumental sous le pinceau de l’artiste. Ruisdael a tendance à combiner une représentation soignée avec une grande intégrité vitale, avec une image de synthèse.
P. de Hach. Cour. Londres, National Gallery
Seul le paysage marin (marina) a été réalisé par Jan Porcellis (vers 1584-1632). A côté du paysage réaliste, purement hollandais, il y avait à cette époque une autre direction : des paysages à caractère italien, animés par des personnages mythologiques, des figures de personnages et d'animaux.
Le genre animalier est étroitement lié au paysage néerlandais. Le motif préféré d'Albert Cuyp est celui des vaches à un point d'eau (« Coucher de soleil sur la rivière », « Vaches au bord d'un ruisseau »). Paul Potter, outre les plans généraux, aime représenter un ou plusieurs animaux en gros plan sur fond de paysage (« Chien sur une chaîne »).
La nature morte connaît un brillant développement. La nature morte hollandaise, contrairement à la nature morte flamande, est une peinture à caractère intimiste, modeste par ses dimensions et ses motifs. Pieter Claes (vers 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) représentaient le plus souvent ce qu'on appelle des petits-déjeuners : des plats avec du jambon ou de la tarte sur une table relativement modestement servie. Dans un agencement savant, les objets sont montrés de telle manière que l'on peut ressentir la vie intérieure des choses (ce n'est pas pour rien que les Néerlandais appelaient la nature morte « stilliven » - « vie tranquille», et non « nature morte » - « nature morte ». Certes, comme l'a noté à juste titre I. V. Linnik, « vie tranquille » est une traduction poétique ultérieure. Dans la langue du XVIIe siècle, cela signifiait « modèle fixe », ce qui est plus cohérent avec la vision pratique et l'approche commerciale des Néerlandais de l'époque). La coloration est sobre et raffinée (Heda. « Petit-déjeuner au homard », 1648 ; Classe. « Nature morte à la bougie », 1627).
Wermeer de Delft. Tête de fille. Fragment. La Haye, Mauritshuis
Avec le changement dans la vie de la société néerlandaise dans la seconde moitié du XVIIe siècle, avec l'augmentation progressive du désir de la bourgeoisie pour l'aristocratie et la perte de son ancienne démocratie, la nature des natures mortes a également changé. Les « petits-déjeuners » de Kheda sont remplacés par les luxueux « desserts » de Kalf. Les ustensiles simples sont remplacés par des tables en marbre, des nappes en moquette, des gobelets en argent, des récipients en coquillages de nacre et des verres en cristal. Kalf atteint une virtuosité étonnante en transmettant la texture des pêches, des raisins et des surfaces cristallines. Le ton uniforme des natures mortes de la période précédente est remplacé par un riche dégradé de nuances colorées les plus exquises.
La nature morte hollandaise est l'une des mises en œuvre artistiques du thème le plus important de l'art néerlandais - le thème de la vie privée d'une personne ordinaire. Ce thème est pleinement incarné dans le film de genre. Dans les années 20-30 du 17ème siècle. Les Néerlandais ont créé un type particulier de peinture à petits personnages. Les années 40-60 ont été l'apogée de la peinture, glorifiant la vie calme et bourgeoise des Pays-Bas, la vie quotidienne mesurée. Mais même dans le cercle de Frans Hals, où s'est également formé Adrian Brouwer, le peintre flamand, un intérêt marqué pour les thèmes de la vie paysanne s'est formé. Adrian van Ostade (1610-1685) dépeint dans un premier temps les côtés obscurs de la vie paysanne (« Le Combat »). Depuis les années 40, les notes satiriques de son œuvre sont de plus en plus remplacées par des notes humoristiques (« Dans une taverne de village », 1660). Parfois, ces petits tableaux sont colorés d'un grand sentiment lyrique. Le chef-d’œuvre de la peinture d’Ostade est à juste titre considéré comme son « Peintre dans l’atelier » (1663), dans lequel l’artiste glorifie le travail créatif, sans recourir ni à la déclaration ni au pathos.
Mais le thème principal du « petit Hollandais » n’est toujours pas la vie paysanne, mais la vie bourgeoise. Ce sont généralement des images sans intrigue fascinante. Dans les films de ce genre, c’est comme si de rien n’était. Une femme lit une lettre, un monsieur et une dame jouent de la musique. Ou bien ils viennent de se rencontrer et le premier sentiment naît entre eux, mais celui-ci n'est qu'esquissé, le spectateur a le droit de faire ses propres suppositions.
Le narrateur le plus divertissant des films de ce genre fut Jan Stan (1626-1679) (« Revelers », « Game of Backgammon »). La lenteur de la vie, la précision de la routine quotidienne et une certaine monotonie de l'existence sont parfaitement restituées par Gabriel Metsu (1629-1667, « Le petit déjeuner », « La malade et le docteur »),
Gérard Terborch (1617-1681) y parvint encore davantage. Il a commencé avec les sujets les plus démocratiques (« The Grinder »), mais avec l'évolution des goûts des bourgeois hollandais, il s'est tourné vers des modèles plus aristocratiques et a connu ici un grand succès.
L'intérieur du « petit Hollandais » devient particulièrement poétique. La vie des Hollandais se déroulait principalement dans la maison. Le véritable chanteur de ce thème était Pieter de Hooch (1629-1689). Ses chambres avec une fenêtre entrouverte, avec des chaussures jetées par inadvertance ou un balai laissé derrière elles sont souvent représentées sans figure humaine, mais une personne est ici invisiblement présente, il y a toujours un lien entre l'intérieur et les gens. Lorsqu'il représente les gens, il met délibérément l'accent sur un certain rythme figé, dépeint la vie comme figée, aussi immobile que les choses elles-mêmes (« La Maîtresse et la Pucelle », « La Cour »).
Rembrandt. Anatomie du Dr Tulp. La Haye, Mauritshuis
Nouvelle étape la peinture de genre commence dans les années 50 et est associée à ce qu'on appelle l'école de Delft, avec les noms d'artistes tels que Carel Fabricius, Emmanuel de Witte et Jan Wermeer, connu dans l'histoire de l'art sous le nom de Wermeer de Delft (1632-1675). Vermeer était l’un de ces artistes qui ont prédéterminé bon nombre des quêtes coloristiques du XIXe siècle et qui, à bien des égards, ont ouvert la voie aux impressionnistes, même si les peintures de Vermeer ne semblent en aucun cas originales. Ce sont les mêmes images de la vie bourgeoise figée : lire une lettre, un monsieur et une dame discutant, des servantes effectuant de simples tâches ménagères, des vues d'Amsterdam ou de Delft. Le premier tableau de Vermeer « Chez la Procuresse » (1656) est inhabituellement (pour les « petits Hollandais ») de grande taille, de forme monumentale et résonnant dans la couleur des grands points locaux : les vêtements rouges du monsieur, la robe jaune et l'écharpe blanche de la jeune fille. .
Plus tard, Vermeer abandonnera les grands formats et peindra les mêmes petites toiles acceptées dans la peinture de genre de l'époque. Mais ces tableaux, simples en action : « Une fille lisant une lettre », « Un cavalier et une dame à l'épinette », « Un officier et une fille qui rit », etc., sont pleins de clarté spirituelle, de silence et de paix. Les principaux avantages de Vermeer en tant qu'artiste résident dans la transmission de la lumière et de l'air. Il combine un pinceau large avec un trait fin, coordonnant la lumière et la couleur. La dissolution des objets dans un environnement léger et aérien, la capacité de créer cette illusion, ont principalement déterminé la reconnaissance et la gloire de Vermeer précisément au 19ème siècle. Plus tard, l'écriture de Vermeer est devenue plus fusionnée, plus douce, construite sur des combinaisons délicates de bleu, jaune, bleu, unies par d'étonnantes perles, voire gris perle (« Girl's Head »).
Vermeer a fait quelque chose que personne n'a fait au XVIIe siècle : il a peint des paysages d'après nature (« Rue », « Vue de Delft »). Ils peuvent être considérés comme les premiers exemples de peinture en plein air. L'art mature et classique de Vermeer dans sa simplicité était d'une grande importance pour les époques futures.
Le sommet Réalisme néerlandais, le résultat des réalisations picturales de la culture hollandaise du XVIIe siècle est l'œuvre de Rembrandt. Mais le sens de Rembrandt, comme tout le monde artiste de génie, va au-delà de l’art hollandais et de l’école hollandaise.
Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) est né à Leiden, dans la famille d'un propriétaire de moulin assez riche, et après l'école latine, il étudia pendant une courte période à l'Université de Leiden, mais la quitta pour étudier la peinture, d'abord avec un maître local peu connu, puis avec l'artiste amstellodamois Pieter Lastman .
La période d'études fut de courte durée et Rembrandt partit bientôt pour ville natale pour commencer à peindre seul dans votre propre atelier. Par conséquent, les années 1625-1632 sont généralement appelées la période de Leyde de son œuvre. C’est l’époque de la formation de l’artiste, sa plus grande passion pour le Caravage, le style du maître à cette époque est encore plutôt sec et l’interprétation des sujets est souvent mélodramatique. C’est la période où il s’oriente pour la première fois vers la gravure.
En 1632, Rembrandt part pour Amsterdam, le centre culture artistique Hollande, ce qui a naturellement attiré le jeune artiste. Les années 30 furent l'époque de sa plus grande gloire, dont la voie fut ouverte au peintre par un grand tableau commandé en 1632 - un portrait de groupe, également connu sous le nom de « L'anatomie du docteur Tulp » ou « Leçon d'anatomie ». Sur la toile de Rembrandt, les gens sont unis par l'action, chacun est présenté dans des poses naturelles, leur attention est attirée sur le personnage principal - le docteur Tulp, démontrant la structure musculaire d'un cadavre « démembré ». En vrai Néerlandais, Rembrandt n'a pas peur des détails réalistes ; comme un grand artiste, il sait éviter le naturalisme. En 1634, Rembrandt épousa une fille issue d'une famille aisée - Saskia van Uylenborch - et entra dès lors dans les cercles patriciens. La période la plus heureuse de sa vie commence. Il devient un artiste célèbre et à la mode. Sa maison attire les meilleurs représentants de l'aristocratie de l'esprit et une clientèle fortunée, il possède un grand atelier où travaillent avec succès ses nombreux élèves. L'héritage considérable de Saskia et ses propres œuvres lui confèrent une liberté matérielle.
Toute cette période est entourée de romance. Le peintre, pour ainsi dire, s'efforce spécifiquement dans son travail de s'éloigner de la vie quotidienne terne des bourgeois et se peint lui-même et Saskia dans des tenues luxueuses, dans des vêtements et des coiffes fantastiques, créant des compositions spectaculaires, exprimant dans des tours, des poses, des mouvements complexes différents états dans lequel prévaut le commun : la joie étant. Cette humeur s'exprime dans un autoportrait de la collection du Louvre de 1634 et dans le portrait de Saskia du musée de Kassel (de la même année), ainsi que dans l'image de l'Ermitage de Saskia à l'image de Flore. Mais, peut-être, la vision du monde de Rembrandt de ces années est-elle plus clairement véhiculée par le célèbre « Autoportrait avec Saskia à genoux » (vers 1636). Toute la toile est imprégnée d’une franche joie de vivre et de jubilation. Ces sentiments sont véhiculés par l'expression simple du visage radieux de l'artiste lui-même, qui semblait avoir obtenu toutes les bénédictions terrestres ; tout l'environnement, depuis les vêtements riches jusqu'à un verre de cristal solennellement levé à la main ; rythme des masses plastiques, richesse des nuances de couleurs, modelage de la lumière et des ombres, qui deviendront le principal moyen d’expression de la peinture de Rembrandt. Un monde enchanteur et féerique... Le langage baroque est celui qui se rapproche le plus de l'expression de la bonne humeur. Et Rembrandt durant cette période a été largement influencé par le baroque italien.
Les personnages du tableau « Le Sacrifice d’Abraham » de 1635 apparaissent devant nous sous des angles complexes. Depuis le corps d'Isaac, étendu au premier plan et exprimant l'impuissance totale de la victime, le regard du spectateur se tourne vers les profondeurs - vers la figure de l'aîné Abraham et du messager de Dieu - un ange - sortant des nuages. La composition est très dynamique, construite selon toutes les règles du baroque. Mais il y a quelque chose dans l'image qui la distingue précisément par le caractère de Rembrandt de la créativité : un tracé émouvant de l'état mental d'Abraham, qui, avec l'apparition soudaine d'un ange, n'a pas eu le temps de ressentir ni la joie d'être délivré. d'un terrible sacrifice, ou d'une gratitude, mais n'éprouve encore que fatigue et perplexité. Le riche potentiel de Rembrandt en tant que psychologue se manifeste assez clairement dans cette image.
Dans les mêmes années 30, Rembrandt a commencé à s'engager sérieusement dans le graphisme, principalement la gravure. L'héritage du graphiste Rembrandt, qui a laissé à la fois des gravures et des dessins uniques, n'est pas moins important que ses peintures. Les gravures de Rembrandt sont principalement des sujets bibliques et évangéliques, mais dans ses dessins, en véritable artiste hollandais, il se tourne souvent vers ce genre. Certes, le talent de Rembrandt est tel que chaque œuvre de genre commence à sonner sous sa main comme une généralisation philosophique.
Au tournant première période créativité de l'artiste et sa maturité créatrice, l'un de ses tableaux les plus célèbres apparaît devant nous, connu sous le nom de «La Ronde de nuit» (1642) - un portrait de groupe de la compagnie de fusiliers du capitaine Banning Cock.
Mais un portrait de groupe n'est que le nom formel de l'œuvre, issu du souhait du client. Rembrandt s'éloigne de la composition habituelle d'un portrait de groupe représentant un festin, au cours duquel il y a une « introduction » de chacun des sujets. Il élargit le champ du genre en présentant plutôt un tableau historique : sur un signal d'alarme, le détachement de Banning Cock se lance en campagne. Certains sont calmes et confiants, d’autres sont excités en prévision de ce qui va arriver, mais tous expriment une énergie générale, un enthousiasme patriotique et le triomphe de l’esprit civique.
L’image de personnes sortant de sous une arche sous la lumière du soleil est pleine d’échos de l’époque héroïque de la révolution néerlandaise, l’époque des triomphes de la Hollande républicaine. Le portrait de groupe peint par Rembrandt est devenu une image héroïque de l'époque et de la société.
Mais cette ambiance était étrangère à la Hollande bourgeoise au milieu du siècle, ne répondait pas aux goûts des clients et les techniques de peinture allaient à l'encontre de celles généralement acceptées. La composition spectaculaire, sans doute quelque peu théâtrale, extrêmement libre, comme déjà mentionné, n'était pas destinée à représenter chacun des clients. De nombreux visages sont tout simplement difficiles à « lire » dans ce clair-obscur dur, dans ces contrastes d'ombres épaisses et de soleil éclatant dans lesquels émerge le détachement (au XIXe siècle, le tableau était déjà devenu si sombre qu'il était considéré comme une représentation d'une scène nocturne). , d'où son nom incorrect. L'ombre, tombant de la figure du capitaine sur les vêtements clairs du lieutenant, prouve que ce n'est pas la nuit, mais le jour).
L'apparition d'étrangers dans cette scène semblait incompréhensible et absurde au spectateur, notamment une petite fille en robe jaune d'or, fondue dans la foule des hommes guerriers. Tout ici a provoqué la perplexité et l'irritation du public, et on peut dire qu'avec cette image commence et s'approfondit le conflit entre l'artiste et la société. Avec la mort de Saskia dans le même 1642, Rembrandt rompit naturellement avec les cercles patriciens qui lui étaient étrangers.
Les années 40 et 50 sont une période de maturité créative. Non seulement la vie extérieure de Rembrandt a changé, mais c’est avant tout lui-même qui a changé. C'est le moment de la formation de son système créatif, à partir duquel beaucoup de choses deviendront une chose du passé et au cours desquelles d'autres qualités inestimables seront acquises. Durant cette période, il se tourne souvent vers des œuvres antérieures afin de les refaire d'une manière nouvelle. C'était le cas, par exemple, de « Danaé », qu'il écrivait en 1636. Même alors, l'essentiel était exprimé dans cette image : le principe sensuel, païen, dans une certaine mesure « Titien » n'y était qu'une partie de le général dans l'expression d'expériences émotionnelles complexes, une seule impulsion émotionnelle. L'idéal de beauté classique, beau, mais aussi abstrait, a été remplacé par une expression de la vérité de la vie, une individualité lumineuse de la composition physique. Ce corps laid a été rendu de manière extrêmement réaliste. Mais Rembrandt ne se contentait pas de la vérité extérieure. En se tournant vers la peinture dans les années 40, l’artiste intensifia son état émotionnel. Il a réécrit la partie centrale avec l'héroïne et la servante. En faisant à Danaé un nouveau geste de main levée, il lui a transmis une grande excitation, une expression de joie, d'espoir et d'appel. Le style d’écriture a également changé. Dans les parties intactes, la peinture est dans des tons froids, la forme est soigneusement élaborée ; Les couleurs chaudes et brun doré prédominent dans les réécritures, l'écriture est audacieuse et libre. La lumière joue un rôle énorme : le flux lumineux semble envelopper la silhouette de Danaé, elle brille toute d'amour et de bonheur, cette lumière est perçue comme une expression du sentiment humain.
Dans les années 40-50, la maîtrise de Rembrandt ne cesse de croître. Il choisit pour interprétation les aspects les plus lyriques et poétiques de l'existence humaine, de cette humanité éternelle, toute humaine : l'amour maternel, la compassion. Le plus grand matériel pour lui est fourni par les Saintes Écritures, et à partir d'elles, des scènes de la vie de la sainte famille, des intrigues de la vie de Tobias. Il n'y a pas d'effets extérieurs dans les œuvres de cette période. Rembrandt dépeint la vie simple, des gens ordinaires, comme dans le tableau « La Sainte Famille » : seuls les anges descendant dans le crépuscule d'une maison pauvre nous rappellent qu'il ne s'agit pas d'une famille ordinaire. Le geste de la main de la mère, rejetant le rideau pour regarder l'enfant endormi, la concentration dans la figure de Joseph, tout est profondément réfléchi. La simplicité du mode de vie et de l’apparence des gens ne constitue pas un fondement du sujet. Rembrandt sait voir dans la vie quotidienne non pas le petit et l'ordinaire, mais le profond et le durable. Le silence paisible de la vie professionnelle et le caractère sacré de la maternité émanent de cette toile. Le clair-obscur joue un rôle important dans les peintures de Rembrandt - la base de sa structure artistique. La coloration est dominée par des relations tonales dans lesquelles Rembrandt aime introduire de fortes taches de couleur pure. Dans La Sainte Famille, la couverture rouge sur le berceau constitue un tel lieu d’unité.
Le paysage, tant pictural que graphique (eau-forte et dessin), occupe une grande place dans l’œuvre de Rembrandt. En représentant de véritables coins du pays, il parvient, tout comme dans un tableau thématique, à s'élever au-dessus de l'ordinaire (« Paysage au moulin »).
Les 16 dernières années sont les années les plus tragiques de la vie de Rembrandt ; il est ruiné, n'a pas de commandes, il n'a pas de maison, il a perdu tous ses proches, ses proches, et même ses élèves le trahissent. Mais ces années ont été pleines d'une activité créatrice incroyablement puissante, à la suite de laquelle ont été créées des images pittoresques, exceptionnelles par leur caractère monumental et leur spiritualité, des œuvres de nature profondément philosophique et hautement éthique. Dans ces tableaux de Rembrandt, tout est débarrassé du transitoire, de l'accidentel. Les détails sont réduits au minimum, les gestes, les postures et les inclinaisons de la tête sont soigneusement pensés et significatifs. Les personnages sont agrandis, proches du plan avant de la toile. Même les œuvres de petite taille de Rembrandt de ces années créent une impression de grandeur extraordinaire et de véritable monumentalité. Les principaux moyens d'expression ne sont pas les lignes et les masses, mais la lumière et la couleur. La composition repose en grande partie sur l’équilibre des sons colorés. La coloration est dominée par des nuances de rouge et de brun, comme si elle brûlait de l'intérieur.
La couleur acquiert de la sonorité et de l'intensité. Il serait plus juste de dire à propos de feu Rembrandt que sa couleur est « lumineuse », car dans ses toiles, la lumière et la couleur ne font qu'un, ses peintures semblent émettre de la lumière. Cette interaction complexe de la couleur et de la lumière n’est pas une fin en soi ; elle crée un certain environnement émotionnel et des caractéristiques psychologiques de l’image.
Les portraits de feu Rembrandt sont très différents des portraits des années 30 et même 40. Ces images extrêmement simples (en demi-longueur ou côte à côte) de personnes proches de l’artiste dans leur structure intérieure sont toujours une expression figurative d’une personnalité humaine aux multiples facettes, frappant par la capacité du maître à transmettre des mouvements spirituels instables et insaisissables.
Rembrandt savait créer un portrait biographique ; ne mettant en valeur que le visage et les mains, il exprime toute l'histoire de la vie (« Portrait d'un vieil homme en rouge », vers 1654). Mais Rembrandt a atteint la plus grande subtilité de caractérisation dans ses autoportraits, dont une centaine nous est parvenue et dans lesquels la variété infinie des aspects psychologiques et la variété des caractéristiques de Rembrandt sont parfaitement visibles. Après les portraits festifs des années 30, c'est une autre interprétation de l'image qui nous est proposée ; un homme plein d'une haute dignité et d'une simplicité extraordinaire dans la fleur de l'âge dans un portrait de la collection de Vienne de 1652 ; ces traits deviendront prédominants au fil du temps, tout comme l'expression de la force d'âme et de la puissance créatrice (portrait 1660).
La dernière pièce de l'histoire des portraits de groupe fut la représentation par Rembrandt des anciens de l'atelier de drapier - les soi-disant « Sindics » (1662), où, avec de maigres moyens, Rembrandt créait des œuvres vivantes et en même temps différentes. types humains, mais surtout, il a réussi à transmettre le sentiment d'union spirituelle, de compréhension mutuelle et d'interconnexions de personnes unies par une même cause et des tâches, ce que même Hals n'a pas réussi à faire.
Au cours de ses années de maturité (principalement dans les années 50), Rembrandt a créé ses meilleures gravures. En tant que graveur, il n'a pas d'égal dans l'art mondial. Sa technique de gravure est devenue incroyablement compliquée et enrichie. Il ajoute la technique de la « pointe sèche » à la gravure, applique la peinture différemment lors de l'impression et apporte parfois des modifications au carton après avoir reçu les premières impressions, c'est pourquoi de nombreuses gravures sont connues dans plusieurs États. Mais dans chacune d’elles, les images ont une profonde signification philosophique ; ils racontent les mystères de l'existence, la tragédie de la vie humaine. Et une autre caractéristique des gravures de Rembrandt de cette période : elles expriment la sympathie pour les souffrants, les défavorisés et le sentiment ineffaçable de l’artiste pour la justice et la bonté.
Les graphiques de Rembrandt révélaient pleinement la démocratie de sa vision du monde (« Tobit aveugle », « La Descente de croix », « La Mise au tombeau », « L’Adoration des bergers », « Trois croix », 1653 et 1660).
Il fait beaucoup de dessin. Rembrandt a laissé derrière lui 2000 dessins. Il s'agit notamment de croquis d'après nature, d'esquisses de peintures et de préparations pour des gravures. Les dessins techniquement brillants et impeccables de Rembrandt démontrent son évolution habituelle : des détails élaborés et de la complexité de la composition au laconisme saisissant et à la simplicité classiquement claire et majestueuse.
L’épilogue de l’œuvre de Rembrandt peut être considéré comme son célèbre tableau « Le fils prodigue » (vers 1668-1669), dans lequel la hauteur éthique et l’habileté picturale de l’artiste ont été pleinement démontrées. L’intrigue de la parabole biblique sur un fils dissolu qui, après de nombreuses errances, retourna dans la maison de son père, attira Rembrandt encore plus tôt, comme en témoignent l’une de ses premières gravures et plusieurs dessins. Dans ce groupe - dans la figure d'un jeune homme en haillons tombant à genoux et d'un vieil homme posant les mains sur son crâne rasé - il y a une extrême intensité de sentiments, un choc émotionnel, un bonheur de retour et de gain, un amour parental sans fond, mais aussi l'amertume de la déception, de la perte, de l'humiliation, de la honte et du repentir. Cette inhumanité rend la scène compréhensible aux différentes personnes de tous les temps et lui confère l'immortalité. L’unité coloristique est ici particulièrement frappante. D’après les tons rouge orangé du fond, tout cela n’est qu’un seul flux pittoresque, perçu comme l’expression d’un seul sentiment.
Rembrandt a eu une énorme influence sur l'art. Il n'y avait pas un peintre en Hollande à son époque qui n'ait subi l'influence du grand artiste. Il avait de nombreux étudiants. Ils ont assimilé le système du clair-obscur de Rembrandt, mais la compréhension de Rembrandt personnalité humaine Naturellement, ils ne pouvaient pas le comprendre. Par conséquent, certains d'entre eux ne sont pas allés au-delà de l'imitation externe de l'enseignant, et la majorité l'a trahi, passant à la position d'académisme et d'imitation des Flamands alors à la mode, puis des Français.
Dans le dernier quart du XVIIe siècle. le déclin de l'école de peinture hollandaise commence, la perte de son identité nationale, et à partir du début du XVIIIe siècle vient la fin grande époque Réalisme hollandais.
Peinture hollandaise - Tableaux du 17ème siècle
Une caractéristique importante de l'art néerlandais était la prédominance significative de tous ses types de peinture. Des représentants des plus hauts échelons du pouvoir, des bourgeois pauvres, des artisans et des paysans, décoraient leurs maisons de peintures. Ils étaient vendus aux enchères et dans les foires ; les artistes les utilisaient même parfois comme moyen de payer leurs factures.
Route dans la forêt, Meindert Hobbema, 1670
Il y avait une abondance de peintres et une concurrence assez féroce, car le métier d’artiste était très répandu. Peu de gens pouvaient gagner leur vie en peignant. La plupart des artistes devaient exercer des métiers variés : Jacob van Ruisdael était médecin, Meindert Hobbema travaillait comme agent des accises et Jan Steen était aubergiste.
Au XVIIe siècle, la peinture hollandaise s'est développée rapidement non seulement en raison de la demande croissante de ceux qui souhaitaient décorer leur maison avec des peintures, mais aussi parce qu'elles ont commencé à être considérées comme une marchandise, un moyen de spéculation et une source de revenus. profit. L'artiste était totalement dépendant des tendances du marché, s'affranchissant de clients directs tels que les mécènes influents (seigneurs féodaux) et l'Église catholique. Les voies de développement de la société néerlandaise étaient déterminées et les artistes qui s'y opposaient et défendaient leur indépendance en termes de créativité se retrouvèrent isolés et moururent prématurément dans la solitude et la pauvreté. Dans la plupart des cas, il s’agissait uniquement des artistes les plus talentueux, comme Rembrandt et Frans Hals.
Les peintres hollandais ont principalement représenté la réalité environnante, que les artistes d'autres écoles de peinture n'ont pas représentée de manière aussi complète. La place principale dans le renforcement des tendances réalistes était occupée par les portraits, la vie quotidienne, les natures mortes et les paysages, les artistes se tournant vers divers aspects de la vie. Ils décrivaient le monde réel qui se déroulait devant eux avec une telle profondeur et une telle vérité que leurs œuvres étaient si impressionnantes.
Jan Steen, Rencontre avec les fêtards, 1679
Chaque genre avait ses propres mouvements. Parmi ceux qui représentent des paysages se trouvent des peintres de marine et des peintres qui préfèrent les plaines ou les forêts ; il y a aussi des maîtres des paysages hivernaux et des vues représentant le clair de lune ; Parmi les artistes de genre, se distinguent ceux qui représentent des bourgeois et des paysans, des scènes de vie domestique et de fête, des bazars et de la chasse. Il y avait aussi des artistes spécialisés dans les intérieurs d'églises et divers types de natures mortes, telles que « banc », « dessert », « petit-déjeuner », etc. Le nombre de tâches accomplies était influencé par une caractéristique de la peinture hollandaise comme la limitation. Cependant, la virtuosité du peintre était facilitée par le fait que chaque artiste se concentrait sur un genre précis. Seuls les artistes hollandais les plus importants ont peint divers genres.
Le développement de la peinture hollandaise réaliste s'est produit dans la lutte contre le maniérisme et un mouvement qui imitait l'art classique italien. Formellement emprunté à Artistes italiens, représentants de ces tendances, les techniques étaient extrêmement contre nature pour les traditions de la peinture nationale néerlandaise. Les tendances réalistes se sont manifestées plus clairement dans le genre quotidien et les portraits au cours du développement de la peinture hollandaise, qui s'est étendue de 1609 à 1640.
Jacob van Ruisdael(1628-1682) était un maître exceptionnel dans le genre du paysage (ils peignaient le paysage hollandais classique - dunes du désert, célèbres moulins à vent, bateaux fluviaux, patineurs, et non la nature en général), un artiste à l'imagination sans limites (« Cascade », « Marais forestiers », « Cimetière juif »). En dessinant avec diligence la nature, Ruisdael atteint en même temps la monumentalité.
Moulin à vent à Wijk bei Dyrsted. 1670. Musée Rijks. Amsterdam, Jacob van Ruisdael
L'un des portraitistes les plus talentueux de cette époque peut être appelé Frans Hals(vers 1585-1666). Il réalise de nombreux portraits de groupe, comme des images de guildes de fusiliers (association d'officiers pour la protection des villes et la défense). Les bourgeois voulaient se capturer, et l'artiste devait penser à respecter chaque modèle. Ce qui est attrayant dans ces peintures, c'est l'affichage des idéaux de la jeune république, la camaraderie, l'égalité et le sentiment de liberté. Des gens qui ont confiance en eux et demain, pleins d'énergie, regardent le spectateur depuis les toiles (« Guilde Streltsy de Saint-Georges », « Guilde Streltsy de Saint-Adrien »). Naturellement, ils sont représentés lors d’une fête amicale. Grâce au style individuel de l'artiste - large, confiant, avec des couleurs riches et vives (rouge, jaune, bleu, etc.) - un document artistique de l'époque se forme à partir de ces individus.
Portrait de Stefan Gerads, 1652, Musée Royal, Anvers
Il y a beaucoup de zèle téméraire, de pression, d'énergie irrépressible dans les portraits individuels aux contours d'une peinture de genre. Cela disparaît dans les portraits ultérieurs. Par exemple, dans le portrait d'un homme de l'Ermitage, on peut voir la tristesse et la fatigue du héros Hals, malgré tout son impressionnant et même son fanfaronnade. Ces caractéristiques sont encore mises en valeur dans un autre portrait (une image d'un homme portant un chapeau à larges bords). Dans cette période tardive, Hals atteint le plus haut niveau de compétence, les tons de ses œuvres deviennent monochromatiques (généralement des vêtements sombres et noirs, avec un col et des poignets blancs et un fond olive foncé). Malgré le laconisme de la palette picturale, celle-ci repose sur des dégradés extrêmement subtils.
Création Rembrandt van Rijn(1606-1669) devient la dernière réalisation de l'art hollandais du XVIIe siècle et le summum de son réalisme.
De : Artemenko Alena, -
À cette époque, une révolution bourgeoise a eu lieu en Hollande. Cela a conduit à un changement dans la vision du monde et dans la structure sociale. Désormais, les principaux clients sont des bourgeois. Le rôle du calvinisme, l'un des mouvements protestants, augmente. Sa particularité est le refus de décorer somptueusement les intérieurs des églises. En conséquence, les sujets religieux sont devenus impopulaires. En Hollande, ce qu'on appelle "marché de l'art". Les œuvres sont commandées et vendues. Le succès d'un artiste est déterminé par le nombre de tableaux vendus.
Au sein du genre paysager, il y avait également des sous-sections : Marinisme Paysages de plaine Paysages nocturnes ou « lunaires » Dans le genre quotidien, les intérieurs (profanes et religieux) se distinguent également. Les portraits ont été divisés en individus et en groupes.
I. Porcellis. Brise marine Hermitage Little Dutchmen
Le monde de la nature pour Jan van Goyen est le monde de la vie quotidienne, c'est la vie naturelle des prairies et des champs, des étendues d'eau, des vues rurales charmantes. L'artiste a particulièrement réussi à représenter des jours sombres et nuageux, un air humide et brumeux enveloppant les contours des maisons et des arbres. J. van Goyen. "Paysage d'été avec une rivière"
Pieter de Hooch. Maîtresse et servante
G.Metsu. Cours de musique e.
I. Stan. « Le Jardin de l'Auberge » Genre domestique. Scènes de la vie privée des petits et moyens bourgeois, des citadins pauvres et des paysans, des festivités et des divertissements. Adrien van Ostade. "Chambre dans une maison paysanne"
Les Néerlandais sont entrés dans l’histoire de la peinture mondiale en tant que maîtres inégalés de la nature morte (en français : « nature morte »). Pierre Claes. Petit-déjeuner avec jambon M. Willem Heda. Nature morte au verre doré.
Pierre Claes. Petit déjeuner M. Willem Heda. Petit-déjeuner avec tarte aux mûres M. Pieter Claes s'est concentré sur la représentation des objets entourant une personne dans la vie réelle de tous les jours. Willem Heda a préféré écrire des « petits déjeuners interrompus », dans lesquels tout rappelle la présence récente de la personne (nappe froissée, plats de service mélangés, nourriture à peine touchée).
F. Hulse. Portrait d'un jeune homme avec un gant.
Vermeer de Delft - « le plus grand magicien et sorcier de la peinture » Jan Wermeer (1632 – 1675) a reçu une telle évaluation de son vivant. Plus tard, au milieu du XIXe siècle, il commence à juste titre à être classé parmi les fondateurs de la peinture de plein air, reproduisant les moindres changements de l'environnement aérien provoqués par soleil et l'état de l'atmosphère. "Rue" Chêne Amsterdam "Vue de Delft" Chêne La Haye
Wermeer de Delft. Dentellières MM.
J. Wermer. "Fille avec une lettre" Ok M.
J. Wermer. "Fille à la boucle d'oreille en perle." Tout est accessible à peindre : les préceptes de la sagesse, les Vices et la bonté, les alliances et les discordes. Le pinceau du poète crée, révèle à nos yeux Cela. essence intérieure, à l'abri des regards, qui vit notre monde et toute la création depuis l'Antiquité. Adrian van de Winne (poète contemporain de J. Wermeer)
« La vérité est la qualité la plus belle et la plus rare » - est devenue l'essence de l'œuvre du plus grand artiste néerlandais Rembrandt Harmensz van Rijn (1606 – 1669). Il a laissé à ses descendants un immense héritage artistique : environ 800 peintures et œuvres - témoignage de la plus haute compétence et de la plus haute vérité artistique.
L’âge d’or de la peinture hollandaise est l’une des époques les plus marquantes de l’histoire de la peinture mondiale. L'âge d'or de la peinture hollandaise est considéré 17ème siècle. C'est à cette époque que les artistes et peintres les plus talentueux créent leurs œuvres immortelles. Leurs peintures sont toujours considérées comme des chefs-d'œuvre inégalés, conservés dans des musées célèbres du monde entier et considérés comme un patrimoine inestimable de l'humanité.
Au début 17ème siècle En Hollande, un art plutôt primitif était encore florissant, justifié par les goûts et préférences banals des personnes riches et puissantes. À la suite de changements politiques, géopolitiques et religieux, l’art néerlandais a radicalement changé. Si auparavant les artistes essayaient de plaire aux bourgeois hollandais, décrivant leur vie et leur mode de vie, dépourvus de tout langage noble et poétique, et travaillaient également pour l'église, qui commandait aux artistes de travailler dans un genre plutôt primitif avec des sujets anciens , puis le début du XVIIe siècle constitue une véritable avancée. En Hollande, régnait la domination des protestants, qui cessèrent pratiquement de commander des peintures sur des thèmes religieux aux artistes. La Hollande devient indépendante de l'Espagne et s'affirme sur le podium historique. Les artistes sont passés de thèmes auparavant familiers à des images scènes de tous les jours, portraits, paysages, natures mortes, etc. Ici, dans un domaine nouveau, les artistes de l'âge d'or semblaient avoir un nouveau souffle et de véritables génies de l'art commençaient à apparaître dans le monde.
Les artistes hollandais du XVIIe siècle ont introduit le réalisme dans la peinture. D'une composition étonnante, d'un réalisme, d'une profondeur et d'un caractère inhabituel, les peintures commencent à connaître un énorme succès. La demande de peintures a fortement augmenté. En conséquence, de plus en plus de nouveaux artistes ont commencé à apparaître, qui, à un rythme incroyablement rapide, ont développé les principes fondamentaux de la peinture, développé de nouvelles techniques, styles et genres. Certains des artistes les plus célèbres de l'âge d'or étaient : Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel l'Ancien, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck et bien d'autres.
Peintures de peintres hollandais
Cornelis de Man - Manufacture d'huile de baleine
Cornelis Trost - S'amuser dans le parc
Ludolf Backhuizen - Quai de campagne des Indes orientales à Amsterdam
Pieter Bruegel l'Ancien - La catastrophe de l'alchimiste
XVIIe siècle a montré au monde deux écoles d'art- néerlandais et flamand. Tous deux étaient les héritiers des traditions artistiques des Pays-Bas - un pays européen sur le territoire duquel s'était alors formée la Flandre catholique, du nom de la province la plus importante (c'est aujourd'hui le territoire de la Belgique et de la France). D'autres provinces, ayant défendu leur attachement aux idées de la Réforme, se sont unies et sont devenues connues sous le nom de République néerlandaise ou simplement de Hollande. Au XVIIe siècle, en Hollande, environ les trois quarts de la population étaient urbains et la classe moyenne était considérée comme la classe principale. L'Église réformée abandonna la splendeur de la décoration ; il n'y avait ni clientèle couronnée ni aristocratie patrimoniale, ce qui fait que les représentants de la bourgeoisie devinrent les principaux consommateurs d'art. L'espace destiné à la peinture était limité aux maisons bourgeoises et aux bâtiments publics.
En règle générale, les dimensions des peintures n'étaient pas grandes (par rapport aux peintures de palais ou aux compositions d'autel d'églises) et les sujets étaient de nature intime, représentant des scènes de la vie privée et quotidienne. La principale réalisation de l'art hollandais du XVIIe siècle. - en peinture de chevalet. L'homme et la nature étaient les objets d'observation et de représentation des artistes néerlandais. Le travail acharné, la diligence, l'amour de l'ordre et de la propreté se reflètent dans les peintures illustrant la vie néerlandaise. C'est pourquoi les maîtres hollandais du XVIIe siècle (à l'exception de Rembrandt et Hals) étaient appelés "petit Néerlandais" ( un large cercle de peintres hollandais du XVIIe siècle. est née en lien avec le caractère intime de leur travail et la petite taille de leurs peintures (paysage, intérieur, sujets quotidiens). La petite peinture hollandaise se caractérise par la subtilité de l'écriture, l'expressivité des petits détails, la beauté de la lumière et les nuances de couleurs, une sensation générale de confort, d'intimité et d'unité des personnages dans un paysage ou un environnement intérieur. Parmi les représentants les plus éminents figurent Jan Wermeer, les frères Ostade (Adrian van O. et Izak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
La plupart des artistes ont trouvé des sujets pour leurs peintures dans leur pays d'origine, suivant le conseil de Rembrandt : « Apprenez avant tout à suivre la riche nature et à représenter avant tout ce que vous y trouvez. Le ciel, la terre, la mer, les animaux, les bons et les méchants, tout sert à notre exercice. Les plaines, les collines, les ruisseaux et les arbres offrent amplement de travail à l'artiste. Les villes, les marchés, les églises et des milliers de ressources naturelles nous appellent et nous disent : venez, assoiffés de connaissances, contemplez-nous et reproduisez-nous. La productivité des artistes a atteint des proportions incroyables, en conséquence, une concurrence est apparue entre les peintres, ce qui a conduit à la spécialisation des maîtres. Et c’est peut-être pour cette raison qu’il y a eu une grande variété de différenciations entre les genres. Apparaissent des artistes qui travaillent uniquement dans le genre des paysages marins ou des vues urbaines, ou représentent les intérieurs de locaux (chambres, temples). Il y a eu des exemples de natures mortes et de paysages dans l’histoire de la peinture, mais jamais auparavant ces genres n’ont atteint une telle popularité et une telle autosuffisance qu’en Hollande au XVIIe siècle.
Les Néerlandais voulaient voir la diversité du monde en images. D'où la diversité de la peinture de ce siècle, « spécialisation étroite » dans certains types de sujets : portrait et paysage, nature morte et genre animalier. En Hollande, il n'y avait aucun lien avec l'Italie et l'art classique ne jouait pas le même rôle qu'en Flandre. La maîtrise des tendances réalistes, le développement d'une certaine gamme de thèmes et la division des genres en un seul processus sont achevés dans les années 20 du XVIIe siècle.
Histoire de la peinture hollandaise du XVIIe siècle. démontre parfaitement l'évolution de l'œuvre de l'un des plus grands portraitistes de Hollande Frans Hals(1580-1666) Son activité se déroule presque entièrement à Harlem. Ici, vers 1616, il s'impose comme le plus grand portraitiste majeur et conserve son rôle dans ce domaine jusqu'à la fin de sa vie. Avec l’avènement de Hals, le portrait hollandais strictement réaliste et extrêmement individuel atteint sa maturité. Tout ce qui est timide, mesquin, naturaliste, qui distingue ses prédécesseurs, est surmonté.
La phase initiale de l’art Khalsa n’est pas claire. On voit immédiatement le maître résoudre le problème le plus difficile d'un portrait de groupe. Il peint les uns après les autres des tableaux représentant les tireurs de la St. Corporation. Adrien et St. George (Harlem, Frans Hals Museum), où la vivacité d'une réunion bondée et l'éclat des types de chacun des présents sont restitués avec une facilité inimitable. L'habileté picturale et l'ingéniosité compositionnelle des groupements vont de pair dans ces portraits d'une extraordinaire netteté de caractérisation. Hals n'est pas un psychologue : la vie mentale de ses modèles lui échappe généralement. Et il écrit, pour la plupart, sur des personnes dont toute la vie se déroule dans des conditions d'activité intense et active, mais qui n'approfondissent pas les questions d'ordre psychologique. Mais Hals, comme personne d'autre, capture l'apparence de ces personnes, sait capturer les plus éphémères, mais en même temps les plus caractéristiques dans l'expression du visage, la posture et les gestes. De nature joyeuse, il s'efforce de capturer chaque image dans un moment d'animation, de joie, et personne ne transmet le rire avec autant de subtilité et de variété que lui. Portrait d'officier (1624, Londres, collection Wallace), se balançant sur une chaise "Geitheusen" (fin des années 1630, Bruxelles, galerie d'art), "Gypsy" (fin des années 1620, Louvre), ou dit "La Sorcière de Harlem" - "Malle Bobbe"(Berlin) peut être cité comme exemple typique de son art pointu et souvent ludique. Hommes, femmes et enfants sont représentés par lui avec le même sentiment d’image vivante (« Portrait d'un jeune homme avec un gant", D'ACCORD. 1650, Ermitage). L'impression de vivacité est également renforcée par la technique du Khalsa elle-même, qui est exceptionnellement libre et qui s'étend au fil des années. La coloration décorative des premières œuvres s'atténue ensuite, la couleur devient argentée, la liberté d'utiliser les tons noir et blanc témoigne d'une maîtrise qui peut se permettre les audaces picturales les plus audacieuses.
Dans les portraits de la fin de la période (années 50-60), l’insouciance, l’énergie et la pression disparaissent. Dans le portrait d'un homme de l'Ermitage, malgré l'impressionnante silhouette, on peut retracer la fatigue et la tristesse. Ces caractéristiques sont encore mises en valeur dans le portrait brillamment peint d'un homme portant un chapeau à larges bords (musée de Kassel). Hals au cours de ces années cesse d'être populaire parce qu'il ne flatte jamais et s'avère étranger aux goûts dégénérés des riches clients qui ont perdu leur esprit démocratique. Mais c’est à la fin de la période de créativité que Hals atteint le sommet de la maîtrise et crée l’œuvre la plus profonde. Certaines œuvres décrivent des techniques impressionnistes pour les solutions de couleurs. Hals a peint d'innombrables portraits individuels jusqu'aux dernières années de sa vie, mais il est revenu une fois de plus aux portraits de groupe. Il peint 2 portraits des régents et régentes d'une maison de retraite, dans l'un desquels il a lui-même trouvé refuge à la fin de sa vie. Dans le portrait des régents, il n'y a pas d'esprit de camaraderie des compositions précédentes, les modèles sont désunis, impuissants, ils ont des regards ternes, la dévastation est inscrite sur leurs visages. Une tache rouge rosé sur le genou de l'un des régents ajoute une tension particulière à la palette de couleurs sombres (noir, gris et blanc). Ainsi, au cours de sa neuvième décennie, un artiste malade, solitaire et pauvre crée ses œuvres les plus dramatiques et les plus exquises.
L'art de Hals était d'une grande importance pour son époque ; il a influencé le développement non seulement des portraits, mais aussi des genres quotidiens, des paysages et des natures mortes.
Genre paysage Hollande 17ème siècle particulièrement intéressant. Il ne s'agit pas de la nature en général, d'une certaine image générale de l'univers, mais d'un paysage national, spécifiquement hollandais, que l'on reconnaît dans la Hollande moderne : les fameux moulins à vent, les dunes du désert. Le ciel gris occupe une grande place dans les compositions. C'est ainsi que la Hollande est représentée Jan Van Goyen (1596-1656) et Salomon Van Ruisdael (1600-1670).
L'aube de la peinture de paysage dans l'école hollandaise remonte au milieu. 17ème siècle Le plus grand maître du paysage réaliste était Jacob van Ruisdael (1628-1682), un artiste à l'imagination inépuisable. Ses œuvres sont généralement pleines de drames profonds, qu'il s'agisse de bosquets forestiers (« Forest Swamp »), de paysages avec des cascades (« Waterfall ») ou d'un paysage romantique avec un cimetière (« Cimetière juif »). La nature de Ruisdael apparaît en dynamique, en éternel renouveau. Même les motifs naturels les plus complexes acquièrent un caractère monumental sous le pinceau de l’artiste. Ruisdael a tendance à combiner une représentation soignée avec une grande intégrité vitale, avec une image de synthèse.
Il est né à Haarlem en 1628 ou 1629. Sa toute première œuvre survivante, datée de 1646, ressemble à l'œuvre d'un maître mûr - et il n'avait alors que 18 ans. Nous pouvons affirmer en toute confiance qu'en 1648 Ruisdael devint membre de la Guilde des artistes de Haarlem.
Dans sa jeunesse, Ruisdael a beaucoup voyagé à la recherche de la nature – sans toutefois s'éloigner de plus de cent milles de son Haarlem natal. Au milieu des années 1650, l'artiste quitte Haarlem pour Amsterdam, où il réside jusqu'à la fin de ses jours.
La métropole d'Amsterdam à l'époque de Ruisdael était remarquablement différente de la province de Haarlem (même si la distance entre ces villes était déjà parcourue en deux heures). Ruisdael peint ses tableaux non pas pour des commandes privées, mais pour la vente libre. Vers 1670, il s'installe en plein centre de la ville, sur la place du Dam, où il loue un appartement juste au-dessus de la boutique de Hieronymus Sweerts, marchand de peintures et de livres. .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - 7 décembre 1709) - le maître le plus important du paysage hollandais après son mentor Jacob van Ruisdael.
On sait que Hobbema et Ruisdael ont voyagé ensemble et réalisé des croquis d’après nature. En novembre 1668, Hobbema épousa la cuisinière du bourgmestre d'Amsterdam et reçut par son intermédiaire le poste de contrôleur de la qualité des vins importés. On a longtemps cru que c'était la fin de ses activités de peintre.
Il a peut-être dû consacrer moins de temps à la peinture qu'auparavant, mais sa meilleure œuvre, The Alley at Middelharnis, date de 1689, et un autre tableau londonien, The Ruins of Brederode Castle, date de 1671. Ces œuvres tardives font partie des réalisations les plus réussies de la peinture paysagère hollandaise et marquent essentiellement une ligne dans son développement.
L'artiste meurt dans la pauvreté, mais déjà au XVIIIe siècle, il est très imité et ses œuvres font l'objet de rivalités entre collectionneurs. Contrairement à Ruisdael, qui préférait capturer la nature sauvage, Hobbema était attiré par les scènes rurales calmes avec des vues de villages ensoleillés, qui sont variées par d'imposants groupes d'arbres ici et là. Dans ces idylles rurales, tout est peint avec beaucoup de soin, notamment les feuillages.
En lien étroit avec le paysage néerlandais est genre animalier. De nombreux représentants de la peinture de paysage s'intéressent à la représentation d'animaux. Ces derniers s'avèrent très souvent équivalents à des éléments purement paysagers, et parfois le paysage ne leur sert que de fond. La capacité d'identifier la race d'un animal, sa structure, sa couleur et ses mouvements caractéristiques est l'une des propriétés frappantes des Néerlandais. La subtilité de la transmission de l'atmosphère et de la lumière alliée à ce savoir-faire atteint une perfection exceptionnelle chez certains peintres animaliers. En témoignent de nombreux travaux Paulus Potter(1625-1654) et Albert Cuyp(1620-1691). Tous deux, ainsi que des peintures représentant des animaux paissant ou se reposant en plein air (« La Ferme » de Potter, Hermitage, 1649), en ont également peint des exemples individuels en gros plan. Potter, en plus des plans d'ensemble, aime représenter un ou plusieurs animaux en gros plan sur fond de paysage (« Chien sur une chaîne »). Le motif préféré de Cape est celui des vaches à un point d'eau (« Coucher de soleil sur la rivière », « Vaches au bord d'un ruisseau »). Tableau « Paysage avec un troupeau, un cavalier et des paysans ».
La paisible scène rurale est baignée par la lueur dorée du coucher du soleil. Une lumière chaude imprègne chaque détail de la composition, créant un effet lumineux. Cela rend la couleur du Cap étonnamment différente des bleus et verts froids de ses contemporains, comme Meindert Hobbema. L'apparent caractère aléatoire de la disposition des animaux est en effet soigneusement étudié afin de montrer les jeux d'ombre et de lumière.
Le Cap occupe également une des premières places parmi les paysages purs. Ses peintures se distinguent par leur habileté exceptionnelle à transmettre l'or, soleil, sont extrêmement divers dans leurs motifs et comprennent de nombreuses marinas (espèces marines).
Seulement paysage marin (Marina) étudiait Ian Porcellis(1584-1632). Marina a joué un rôle très important dans l’art hollandais du XVIIe siècle et a promu un certain nombre de spécialistes de premier ordre. Le développement général de la marina semble correspondre à ce que l'on observe généralement dans l'histoire du paysage néerlandais. Au début, les compositions sont simples. L'artiste voit son objectif atteint s'il rend compte de l'étendue de la mer, des navires qui s'y balancent et de l'eau elle-même avec la plus grande vraisemblance. Ainsi écrit Jan Porcellis. À la génération suivante, la nature de la transmission des espèces marines évolue vers un plus grand dynamisme. Certes, des peintures sont encore créées illustrant le calme de l'élément eau, mais cela ne suffit plus ; les tempêtes commencent à projeter les navires sur les rochers, des vagues géantes les menacent de mort et poussent les marins à se réfugier dans le port. Dans les deux cas, il n'y a aucune difficulté pour Backhuisen (1631-1709). Son pinceau traduit avec une égale virtuosité ciels sans nuages, cyclones, éclaboussures, rochers et traces d'épaves.
La nature morte connaît un brillant développement. La nature morte hollandaise, contrairement à la nature morte flamande, est une peinture à caractère intimiste, modeste par ses dimensions et ses motifs. Pierre Klass (1597-1661), Willem Héda(1594-1680) représentait le plus souvent ce qu'on appelle. petits déjeuners : plats avec jambon ou tarte sur une table relativement modestement servie. Dans un agencement savant, les objets sont montrés de telle manière que l'on puisse ressentir la vie intérieure des choses (ce n'est pas pour rien que les Hollandais appelaient la nature morte « still leven » - « vie tranquille », et non « nature morte » - « nature morte »). La coloration est sobre et raffinée (Heda « Petit-déjeuner au homard », 1658 ; Classe « Nature morte aux bougies », 1627)
Willem Heda a travaillé à Haarlem et a été influencé par Pieter Claes. Les natures mortes modestes de Head - les « petits déjeuners », qui représentaient généralement un petit ensemble d'articles ménagers et de repas, se caractérisent par une habileté subtile à transmettre la texture des choses, une couleur sobre vert argenté ou brun argenté (« Petit-déjeuner avec tarte aux mûres » , 1631, Galerie de photos, Dresde; « Jambon et argenterie», 1649, Musée d'État des Beaux-Arts, Moscou).
Avec le changement dans la vie du milieu néerlandais en 2ème mi-temps. Au XVIIe siècle, avec l’augmentation progressive du désir d’aristocratie de la bourgeoisie et la perte de l’ancienne démocratie, le caractère des natures mortes a également changé. Les « petits-déjeuners » de Kheda sont remplacés par des « desserts » luxueux Willem Kalf (1619-1693). Les ustensiles simples sont remplacés par des tables en marbre, des nappes en moquette, des gobelets en argent, des récipients en coquillages de nacre et des verres en cristal. Kalf atteint une virtuosité étonnante en transmettant la texture des pêches, des raisins et des surfaces cristallines. Le ton uniforme des natures mortes de la période précédente est remplacé par un riche dégradé de nuances colorées les plus exquises.
Peintre hollandais. En 1640-1645, il travailla en France, à partir de 1653 - à Amsterdam. Par la suite, Willem Kalf a vécu et travaillé principalement à Amsterdam. Profond, couleurs riches Ce peintre de natures mortes doit peut-être ses peintures à l'influence de l'œuvre de son contemporain Johannes Vermeer. L'un des plus grands maîtres de l'école hollandaise de natures mortes, Kalf a peint à la fois des tableaux modestes basés sur l'image de cuisines et de cours pauvres (« La cour d'une maison paysanne », Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) et des compositions spectaculaires avec ustensiles précieux et fruits exotiques du sud (« Petit-déjeuner », Rijksmuseum, Amsterdam ; « Nature morte », Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). La virtuosité de Kalf en tant que peintre de natures mortes s'est manifestée dans la précision classique des constructions spatiales, un sens subtil de l'originalité et de la valeur intrinsèque de chaque chose, la sophistication et la richesse des relations entre la lumière, l'ombre et les couleurs, et l'efficacité de la comparaison contrastée des diverses textures et matériaux.
"Nature morte au homard, corne à vin et verres." La collection d'objets exotiques et luxueux disposés sur la table est peinte avec un savoir-faire brillant et un profond sens de la couleur. Le homard, la corne à vin avec son bord en filigrane d'argent étincelant, les verres transparents, le citron et le tapis turc sont rendus avec un soin si étonnant qu'il donne l'illusion qu'ils sont réels et peuvent être touchés avec la main. L'emplacement de chaque élément est choisi avec un tel soin que le groupe dans son ensemble forme une harmonie de couleur, de forme et de texture. La lumière chaude qui enveloppe les objets leur confère la dignité de bijoux précieux, et leur rareté, leur splendeur et leur fantaisie reflètent les goûts raffinés des collectionneurs hollandais du XVIIe siècle, époque où les natures mortes étaient extrêmement populaires.
Nature morte hollandaise- l'une des mises en œuvre artistiques du thème le plus important de l'art néerlandais - le thème de la vie privée d'une personne ordinaire. Ce thème est pleinement incarné dans le film de genre. Dans les années 20-30. 17ème siècle Les Néerlandais ont créé un type particulier de peinture à petits personnages. 40-60 ans - l'épanouissement de la peinture glorifiant la vie calme et bourgeoise des Pays-Bas, la vie quotidienne mesurée. Même dans le cercle de Hals, où s'est également formé Adrian Brouwer, le peintre flamand, un intérêt marqué pour les thèmes de la vie paysanne s'est développé. Adrien van Ostade(1610-1685) - était le plus grand en termes de mérites picturaux pour représenter la vie paysanne. Il dépeint généralement ses côtés sombres (« Combat ») Comme ses autres représentants, il aborde généralement ses thèmes entièrement dans l'esprit de l'idéologie de la classe dirigeante et soit idéalise la réalité, soit ne voit dans les paysans que de drôles de créatures dont la morale fait rire et des blagues. (« Dans la taverne du village » 1660).
Plus tard, son art acquiert des traits de lyrisme, et les sujets précédents sont remplacés par des images de détente paisible sur le seuil d'une cabane ou dans la cour d'une auberge de village, ainsi que par des intérieurs avec des scènes de confort familial tranquille (« Concert de village", 1655, Ermitage). En plus de ces peintures à petites figures, Ostade peignait souvent des demi-figures strictement réalistes de représentants de divers métiers dans un plan plus grand. Son « Peintre dans l’atelier » (1663) est à juste titre considéré comme le chef-d’œuvre de la peinture d’Ostade, dans lequel l’artiste glorifie le travail humain sans recourir ni à la déclaration ni au pathos.
Mais le thème principal du « petit Hollandais » n’était toujours pas la vie paysanne, mais la vie bourgeoise. Ce sont généralement des images sans intrigue fascinante. Dans les films de ce genre, rien ne semble se passer. Une femme lit une lettre, un monsieur et une dame jouent de la musique. Ou bien ils viennent de se rencontrer et leur premier sentiment naît, mais celui-ci n'est qu'esquissé, le spectateur a le droit de faire ses propres suppositions. Le narrateur le plus amusant des films de ce genre était Ian Stan(1626-1679). Pour Stan, contrairement à la plupart de ses contemporains, le côté intrigue n'est pas indifférent. Il accorde un rôle important à l'élément narratif dans ses peintures et aime représenter certaines scènes divertissantes de la vie quotidienne de la petite bourgeoisie. Le maître y révèle une observation fine, caractérise avec justesse les types et raconte les épisodes qu'il a choisis avec un humour subtil et joyeux. Le tableau « La malade et le docteur » (vers 1660, Ermitage) est révélateur de lui. DANS période tardive Au cours de l'activité de Stan, ces traits perdent de leur acuité et, suivant la tendance générale, il s'engage sur la voie de l'art, plus élégant et dédié aux problèmes de perception purement visuelle du monde réel.
J'ai atteint une grande maîtrise Gérard Terborch(1617-1681). Il a commencé par les sujets les plus démocratiques (« The Grinders »). Il se distinguait par sa plus grande habileté à représenter les soies et les satins, la transparence des verres en verre et la surface de toute chose. Les personnages de Terborch se caractérisent très souvent par une certaine apparence aristocratique, qui s'explique par son choix de modèles issus de la noblesse. La sophistication de l'art de Terborch est en grande partie due à sa couleur, dominée par des tons argentés exquis. Parmi les meilleurs tableaux de l’artiste figurent « Un verre de limonade » (Ermitage) et « Concert » (Berlin, Dahlem).
L'intérieur devient particulièrement poétique chez les petits Néerlandais. La vie des Néerlandais se déroulait principalement à la maison. Le véritable chanteur de ce thème était Pieter de Hooch(1629-1689). Le caractère illusoire du transfert des choses passe au second plan chez ce maître, et l'intérêt se concentre sur le développement des relations spatiales, en particulier sur la représentation des intérieurs, ainsi que des cours et des rues s'ouvrant derrière elles (« La Maîtresse aux la Pucelle », Ermitage, vers 1660). ses chambres avec une fenêtre entrouverte avec des chaussures jetées accidentellement ou un balai abandonné sont généralement représentées sans figure humaine, mais la personne est ici invisiblement présente, il y a toujours un lien entre l'intérieur et les gens. Lorsqu'il représente les gens, il met délibérément l'accent sur le rythme figé, dépeint la vie comme figée, aussi immobile que les choses elles-mêmes (« Cour »).
Le rythme lent de la vie, la précision de la routine quotidienne et une certaine monotonie de l'existence traduisent parfaitement Gabriel Metsu(1629-1667 ; « Petit-déjeuner »). Dans la nature générale de ses images de genre, il est proche de Terborch, mais ses couleurs sont plus vives.
Une nouvelle étape de la peinture de genre commence dans les années 50 et est associée à ce qu'on appelle. école de Delft, avec les noms d'artistes tels que Karel Fabricius, Emmanuel de Witte et Jan Wermeer(1632-1675), connu dans l'histoire de l'art sous le nom de Wermeer de Delft (surnommé d'après le lieu de son activité). L'art de Wermeer de Delft appartient au développement tardif de la Hollande. La génération des combattants indépendantistes héroïques mais grossiers et des hommes d’affaires sobres – les organisateurs de l’économie capitaliste – appartenait déjà au passé. Leurs petits-enfants sont entrés dans l’arène historique et ont pu profiter en toute sécurité des bénéfices acquis. Dans ces conditions, un art vivant et joyeux prend forme. dernière étape la montée de la République néerlandaise.
L’art mature, émouvant et à la fois clair et simple, malgré toute la sophistication de la technologie, de Wermeer de Delft appartient à cette période. Œuvres authentiques Il existe peu de Vermeer, seuls quelques musées possèdent de petites et toujours précieuses peintures du maître de Delft. Le sujet de Vermeer est plus ou moins traditionnel ; des jeunes femmes lisant une lettre, brodant, en compagnie d'un gentilhomme, un peintre devant un chevalet, une jeune fille simplement rêvant près de la fenêtre (« La Fille à la lettre », Dresde ; « Le Cavalier et la Dame à l'épinette », " etc.) - en un mot, tout ce qui a été représenté plus d'une fois peintres hollandais. En termes de sujet, au sens étroit du terme, Vermeer n’a rien d’original. Ce n'est que dans de rares cas qu'il se tourne vers des sujets divertissants et introduit un élément d'action dans la composition (« Chez le proxénète », 1656, Dresde). Cependant, toutes ses images ont un caractère tout à fait individuel. Il y a une sorte de poésie légère et lumineuse dans tous les personnages qu'il incarne, et à côté de cette poésie et de cette douceur, un sentiment particulier de simplicité austère, quelque chose de vraiment classique, marque toutes ses œuvres.
Vermeer est sans aucun doute l'un des plus grands coloristes de l'histoire Art d'Europe occidentale. Non seulement son goût subtil dans le choix des couleurs, mais aussi sa capacité à trouver leurs relations entre elles font de Vermeer l'un des maîtres de la couleur les plus sophistiqués. Avec le plus grand sens des proportions et du tact, il combine le jaune citron, le bleu, le violet de différentes nuances, l'écarlate et le vert pâle en une seule gamme tonale sonore. C'est dans l'œuvre de Wermeer de Delft que le problème traditionnel de la lumière dans l'art hollandais reçut sa solution la plus parfaite. La lumière irisée de la nacre est l’un des éléments les plus caractéristiques des peintures du maître de Delft. Il ne fait également aucun doute que Wermeer de Delft était l'un des techniciens les plus avancés de son époque. Ses quelques tableaux sont peints dans des textures riches et variées. Sa méthode d'application de la peinture, prédéterminant la technique ultérieure des impressionnistes, a permis à Vermeer lui-même de représenter la lumière enveloppant les objets dans toute sa concrétisation picturale. La lumière dans les peintures de Vermeer n'est pas seulement un médium transparent, mais l'air, riche en transitions subtiles de tons argentés.
Vermeer a fait quelque chose que personne n'a fait au XVIIe siècle : il a peint des paysages d'après nature (« Rue », « Vue de Delft »). Ils peuvent être considérés comme les premiers exemples de peinture en plein air. L'art mature et classique de Vermeer dans sa simplicité était d'une grande importance pour les époques futures.
Le summum du réalisme hollandais, résultat des réalisations picturales de la culture hollandaise du XVIIe siècle. est l'œuvre de Rembrandt. Mais l'importance de R., comme de tout artiste brillant, dépasse les frontières du seul art hollandais et de l'école hollandaise. Occupant une place centrale dans l'école hollandaise à son apogée, Rembrandt se distingue encore aujourd'hui parmi les nombreux artistes de son pays natal. L’étendue des intérêts artistiques de Rembrandt et le profond psychologisme de son œuvre leur restaient étrangers.
Harmens van Rijn Rembrandt est né en 1606 à Leiden et était le fils d'un riche propriétaire de moulin à farine. Il se découvre très tôt une attirance pour la peinture et, après un court séjour à l'Université de Leiden, se consacre entièrement à l'art. À la fin de la période d'études habituelle de trois ans avec l'insignifiant artiste local Jacob Swannenburch, Rembrandt se rend à Amsterdam pour se perfectionner, où il devient l'élève de Lastman. Lastman, un artisan qualifié qui a étudié en Italie, a initié Rembrandt à l'effet du clair-obscur, utilisé pour transmettre le volume et révéler le drame de l'action. Cette technique deviendra centrale dans le travail de l’artiste. Rembrandt passa les années suivantes à Leyde, acquérant une réputation de maître des scènes bibliques et mythologiques. Par conséquent, les années 1625-1632 sont généralement appelées. la période de Leyde de son œuvre.
En 1632, il s'installe à Amsterdam, où il devient immédiatement célèbre en écrivant « La Leçon d'anatomie du Dr Tulp ». Les années 30 furent l'époque de la plus grande gloire, la voie vers le CT a été ouverte au peintre par ce tableau, considéré comme un portrait de groupe et qui porte également le nom de « Leçon d'anatomie ». Sur cette toile, les gens sont unis par leur action, chacun est présenté dans des poses naturelles, leur attention est attirée sur le personnage principal - le Docteur Tulpa, démontrant la structure des muscles d'un cadavre. Il vit avec le marchand d'art Hendrik van Uylenborch, qui le soutient, organise des commandes de portraits, ce qui crée à un jeune artiste réputation de maître à la mode et à succès. En 1634, Rembrandt épousa avec succès Saskia, la nièce d'Hendrick, et en 1639, avec sa femme, il acquit une magnifique maison dans la capitale. Jusqu'au début des années 1640. il connaît un grand succès auprès des clients, c'est un moment de son bien-être personnel. DANS chef-d'œuvre célèbre de cette période - «Autoportrait avec Saskia à genoux» (vers 1635, Galerie d'art de Dresde), Rembrandt se représente avec sa jeune épouse à la table de fête. De doux reflets de tons dorés et des flots de lumière perçant l'image transmettent l'humeur joyeuse d'un jeune artiste à succès et de sa femme, pleine d'espoirs et de rêves.
Toute cette période est entourée de romance. Le peintre, pour ainsi dire, s'efforce spécifiquement dans son travail de s'éloigner du quotidien ennuyeux des bourgeois. Il se peint ainsi que Saskia dans des tenues luxueuses, dans des tenues et des coiffes fantastiques, créant des compositions spectaculaires, dans tout, dans les poses, dans les mouvements, le commun prévaut - la joie d'être. (Saskia dans le rôle de Flore). Le langage baroque est le plus proche de l’expression de cet état d’esprit élevé. Rembrandt durant cette période fut largement influencé par le baroque italien.
Les personnages du tableau « Le Sacrifice d’Abraham » (1635) apparaissent devant nous sous des angles complexes. L'image retrace l'état d'esprit d'Abraham, qui, avec l'apparition soudaine d'un ange, n'a eu le temps de ressentir ni la joie de se débarrasser du terrible sacrifice, ni la gratitude, mais ne ressent pour l'instant que fatigue et perplexité.
Rembrandt a toujours payé grande attention gravure (gravure) et dessin, et devint bientôt le plus grand maître de technologie graphique d'Europe. Les portraits et paysages, scènes quotidiennes et religieuses qu'il exécuta selon la technique de la gravure se distinguaient par la nouveauté des techniques artistiques, le profond psychologisme des images, la richesse du clair-obscur, l'expressivité et le laconisme des lignes. Environ deux mille dessins de Rembrandt nous sont parvenus. Parmi eux figurent des croquis préparatoires, des croquis de peintures, des croquis de scènes de la vie quotidienne et des idées nées dans son imagination.
Au tournant de la première période de sa créativité, apparaît l'un de ses tableaux les plus célèbres, "Night Watch", un portrait de groupe d'une guilde de fusiliers. Mais le portier de groupe est le nom formel de l'œuvre, issu des souhaits des clients. Dans « La Ronde de nuit », Rembrandt adopte une nouvelle approche du genre des portraits de groupe, traditionnel de l’art néerlandais. Le tableau (1642, Rijks Museum, Amsterdam) est un portrait de groupe des membres de la guilde des fusiliers du capitaine Banning Cock et est représenté par l'artiste comme une véritable scène de rue. Rembrandt a abandonné la disposition statique de tous les participants alors acceptée, créant une scène pleine de mouvement. Les contrastes d'ombre et de lumière, l'émotivité du tableau traduisent l'excitation de l'événement. L'image revêt un caractère historique, racontant l'histoire de personnes courageuses, prêtes à défendre la liberté et l'indépendance nationale de leur patrie les armes à la main. Les clients n’ont pas compris les intentions de l’artiste et, à partir de ce tableau, le conflit avec l’environnement dominant va s’intensifier, mais cela ne réduira pas l’énergie du maître, et Rembrandt continuera à créer des toiles réalistes, remarquables par leur impact émotionnel. L'impressionnante composition libre, sans doute quelque peu théâtrale, comme déjà mentionné, n'était pas destinée à représenter chacun des clients. De nombreux visages sont tout simplement difficiles à « lire » dans le clair-obscur dur, dans les contrastes d'ombres épaisses et de soleil éclatant, lorsqu'une escouade émerge de l'appareil photo (au XIXe siècle, le tableau est devenu si sombre qu'il a été considéré comme une représentation d'un scène nocturne, d'où le nom incorrect. L'ombre projetée par le personnage du capitaine sur les vêtements clairs du lieutenant, prouve que ce n'est pas la nuit, mais le jour). L'apparition d'inconnus dans cette scène, notamment la petite fille en robe jaune doré, semblait incompréhensible et absurde au spectateur. Tout ici a provoqué la perplexité et l'irritation du public, et on peut dire qu'avec cette image commence le conflit entre l'artiste et la société. Avec la mort de Saskia la même année, Rembrandt rompit naturellement avec les cercles bourgeois qui lui étaient étrangers.
Au fil des années, la maîtrise réaliste de Rembrandt s'approfondit. Il abandonne les détails inutiles et les effets décoratifs au profit d'une plus grande profondeur et d'une plus grande intensité émotionnelle de l'image artistique. Le portrait de chambre commence à occuper une place très importante dans le travail de l’artiste. Rembrandt révèle la vie spirituelle d'une personne, comme si elle durait dans le temps et dans l'espace. C'est une sorte de portrait-biographie. Tels sont par exemple « Portrait d'une vieille dame », « Hendrickje à la fenêtre », « Titus lisant », des portraits des amis de l'artiste N. Breuning, J. Six, de nombreux autoportraits (plus d'une centaine à l'huile et charbon de bois).
40-50 ans – c’est le moment de la maturité créative. C'est le moment de la formation de son système créatif, à partir duquel beaucoup de choses deviendront une chose du passé et de nouvelles qualités inestimables seront acquises. Durant cette période, il se tourne souvent vers des œuvres antérieures afin de les refaire d'une manière nouvelle. Ce fut le cas de « Danaé », qu'il peint en 1636. En se tournant vers la peinture des années 40, l'artiste a intensifié son état émotionnel. Il a réécrit la partie centrale avec l'héroïne et la servante. En faisant à Danaé un nouveau geste de main levée, il lui a transmis une grande excitation, une expression de joie, d'espoir et d'appel. La lumière joue un rôle énorme : le flux lumineux semble envelopper la silhouette de Danaé, elle brille toute d'amour et de bonheur, cette lumière est perçue comme une expression du sentiment humain.
Au début des années 50, l’artiste crée des chefs-d’œuvre après les autres. C'était déjà passé de mode, mais les clients riches n'étaient pas transférés.
Durant ces années, il choisit pour interprétation les aspects les plus lyriques et poétiques de l'existence humaine, ce qui est humain, éternel et tout humain : l'amour maternel, la compassion. Le plus grand matériel pour lui est fourni par les Saintes Écritures et par celles-ci - des scènes de la vie de la sainte famille. Religieux dans son thème, mais purement genre dans son interprétation de l'intrigue, le tableau de l'Ermitage « La Sainte Famille » (1645) est extrêmement caractéristique de cette époque.
Parallèlement aux compositions de genre bibliques, cette période regorge d'un nouveau type de représentation de la réalité pour Rembrandt : les paysages. Rendant parfois hommage à ses désirs romantiques, il crée parallèlement des images d'un village hollandais sans fioritures qui séduisent par leur approche strictement réaliste. La petite « Vue d'hiver » (1646, Kassel), représentant une cour de paysan et plusieurs personnages à la surface d'un canal gelé à la lumière d'une journée claire et glaciale, en termes de subtilité du sentiment et de véracité de la perception visuelle, sert d'exemple. des exemples les plus parfaits de paysages hollandais réalistes.
Malgré l'immensité et valeur artistique créée au cours de cette période, la situation financière de Rembrandt au milieu des années 1650 s'est avérée extrêmement difficile. En raison de la baisse du nombre de commandes, de la vente difficile des tableaux et surtout de la négligence du maître dans la gestion de ses affaires, Rembrandt connaît de grandes difficultés financières. La dette associée à l’acquisition d’une maison coûteuse du vivant de Saskia menaçait la ruine complète. Les tentatives de désendettement n’ont pu que retarder la catastrophe, mais elle a quand même éclaté. À l'été 1656, Rembrandt fut déclaré insolvable et tous ses biens furent vendus aux enchères. Privé de son abri habituel, il fut contraint de déménager avec sa famille dans le quartier juif pauvre de la capitale commerciale, et c'est là que ses derniers jours se passèrent dans un manque aigu.
Ces adversités, ainsi que les malheurs qui frappèrent plus tard Rembrandt - la mort d'Hendrik, la mort de son fils unique Titus - furent impuissants à arrêter la croissance ultérieure de son génie.
La fin des années 1650 et 1660 sont les années les plus tragiques de la vie de R., mais elles sont pleines de l'activité créatrice de Rembrandt d'une force grandiose. Il représente en quelque sorte une synthèse de toutes ses précédentes quêtes psychologiques et picturales. Dans ces peintures, tout est débarrassé du transitoire et de l'accidentel. Les détails sont réduits au minimum, les gestes, les postures et l'inclinaison de la tête sont soigneusement pensés et significatifs. Les personnages sont agrandis, plus proches du plan avant de la toile. Même les œuvres de petite taille de ces années créent une impression de grandeur extraordinaire et de véritable monumentalité. Les principaux moyens d'expression sont la lumière et les lignes. Il serait plus juste de dire de feu R. que sa couleur est « lumineuse », car dans ses toiles la lumière et la couleur ne font qu'un, ses couleurs semblent émettre de la lumière. Cette interaction complexe de la couleur et de la lumière n’est pas une fin en soi ; elle crée un certain environnement émotionnel et des caractéristiques psychologiques de l’image.
Dans les portraits, Rembrandt se trouve désormais plus libre dans le choix des modèles et peint principalement des visages à l'individualité prononcée. Il s’agit principalement de femmes âgées et de vieux hommes juifs. Mais avec la même acuité, il est capable de transmettre le charme des jeunes. visage féminin ou le charme d'une apparence juvénile. Tout ce qui est mesquin dans ces portraits cède la place à une présentation généralisée, mais en même temps inhabituellement poignante de l'image. Ceci est grandement facilité par l'étendue croissante des modes d'exécution technique.
La dernière pièce de l’histoire des portraits de groupe fut la représentation par Rembrandt de l’aîné de l’atelier de draperie – ce qu’on appelle. "Les Syndics" (1662, Amsterdam). considéré à juste titre comme l’un des sommets de l’œuvre de Rembrandt). Des caractéristiques psychologiques aiguës, la simplicité de construction, masquant l'infaillibilité du rythme des lignes et des masses, ainsi que le maigre nombre de couleurs, mais un coloris intense, résument tout le parcours antérieur de Rembrandt en tant que portraitiste.
Dans ses années de maturité (50 ans), Rembrandt a créé ses meilleures gravures. La profondeur distinctive de Rembrandt analyse psychologique, réalisme expressif des images et perfection de la propriété technique artistique se reflètent dans une longue série de feuilles remarquables, thématiquement encore plus diversifiées que les peintures du maître. Parmi les plus célèbres figurent « Le Christ guérissant les malades » (appelé « Feuille aux cent florins », vers 1649), « Trois croix » (1653), les portraits de Lutma (1656), Haring (1655), Six ( 1647), ainsi que les paysages dits des « Trois Arbres » (1643) et du « Domaine du Peseur d’Or » (1651).
Pas moins lieu important Le patrimoine graphique de Rembrandt comprend des dessins. L'acuité et l'originalité de la perception que Rembrandt avait du monde environnant se reflétaient avec une force particulière dans ces feuilles nombreuses et variées. La manière de dessiner, tout comme le style pictural de Rembrandt, évolue sensiblement tout au long du développement créatif du maître. Si les premiers dessins de Rembrandt étaient élaborés en détail et étaient de composition assez complexe, alors dans une période plus mature, il les exécuta d'une manière picturale large, inhabituellement laconique et simple. Rembrandt peignait généralement avec une plume ou un roseau et était capable d'atteindre une puissance d'expression exceptionnelle en utilisant les techniques les plus simples. R. a laissé derrière lui 2000 dessins. Ses dessins, même lorsqu'ils sont de minuscules esquisses d'un motif quotidien, représentent un tout complet, traduisant pleinement toute la diversité de la nature.
L’épilogue de l’œuvre de R. peut être considérée comme sa toile grandiose « Le retour du fils prodigue » (vers 1668-1669, Ermitage), dans laquelle la hauteur esthétique et l’habileté picturale de l’artiste ont été le plus pleinement démontrées. L'artiste remplit la parabole évangélique d'un jeune homme qui a quitté la maison, a dilapidé sa fortune et est revenu auprès de son père pitoyable, en lambeaux et humilié avec un contenu profondément humain. La noble idée de l'amour pour une personne souffrante se révèle ici dans des images frappantes par leur force de persuasion réaliste. Le visage du vieux père à moitié aveugle et le geste de ses mains expriment une gentillesse sans fin, et la figure du fils en haillons sales, accroché à son père, exprime un repentir sincère et profond. Peut-être qu’aucun autre tableau de Rembrandt n’évoque autant de sentiments profonds et compatissants. Rembrandt a enseigné à ses téléspectateurs l'amour et le pardon. Plus tard, dans dernières années et des mois, la vie de Rembrandt se déroule extérieurement avec calme. Ayant survécu à Hendrickje et Titus, il mourut le 4 octobre 1669.
R. a eu une énorme influence sur l'art. Il n'y avait aucun peintre en Hollande qui n'ait subi l'influence du grand artiste, dont les plus célèbres furent Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckout (1621-1674) et Art de Gelder (1645-1727). Ayant maîtrisé le sujet, techniques de composition et les types d’enseignants, ils n’allèrent toujours pas plus loin dans leur peinture figurative que l’imitation extérieure des techniques de Rembrandt. L'influence vivante du maître, au contraire, s'est clairement fait sentir parmi de nombreux peintres paysagistes qui lui étaient adjacents - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) et d'autres. Mais la majorité l'a trahi, passant à des positions d'académisme et d'imitation des Flamands alors à la mode, puis des Français.
Comme cela arrive souvent dans l’histoire de l’art, malgré son brillant talent, Rembrandt mourut dans la pauvreté et la solitude, maître oublié et inutile. Mais plus le temps passe, plus l’héritage de l’artiste prend de la valeur aux yeux de l’humanité. On peut dire sans exagération que Rembrandt est l'un des plus grands les plus grands artistes dans l'histoire de l'art mondial. Beaucoup diraient que c’est inégalé. La tombe de Rembrandt est perdue, mais ses œuvres perdureront pendant des siècles.
Dans le dernier quart du XVIIe siècle. le déclin de la peinture hollandaise commence, la perte de son identité nationale, et dès le début. 18ème siècle La fin de la grande époque du réalisme néerlandais approche.