Signes secrets de la nature morte hollandaise. Nature morte hollandaise exquise - chefs-d'œuvre d'une vie tranquille

27.04.2019

L’émergence du genre « nature morte » aux Pays-Bas est un don du protestantisme. À l’époque catholique, le principal client des artistes était l’Église et, bien entendu, la peinture se limitait aux sujets religieux et édifiants. Le calvinisme n'a pas reconnu les icônes et l'art religieux en général. Les peintres cherchaient un nouveau marché et le trouvèrent dans les maisons des aubergistes, des commerçants et des agriculteurs.

En Hollande, les peintures représentant des objets étaient appelées « stilleven », ce qui peut être traduit à la fois par « nature morte, modèle » et par « vie tranquille », ce qui traduit très précisément les spécificités Nature morte hollandaise.
L'attention des artistes descendait du ciel vers la terre ; ils ne s'intéressaient plus à des réflexions pieuses, mais à une étude approfondie des détails du monde matériel. Mais dans la Création, ils cherchaient le Créateur.

« Le Seigneur nous a donné deux livres : le livre des Écritures et le livre de la Création. Du premier, nous apprenons sa miséricorde en tant que Sauveur, du second, la grandeur du Créateur », a écrit le philosophe médiéval Alain de Lille. La création participe aussi à l'histoire du salut : l'homme est tombé à cause de la pomme, et à travers le pain et le vin il retrouve le salut. Le symbolisme contenu dans l'image reste également des traditions antérieures.

Les premiers plats sont simples : du pain, un verre de vin, des fruits, du poisson, du bacon. Mais tous les objets qu'ils contiennent sont symboliques : le poisson est un symbole de Jésus-Christ ; viande – chair mortelle ; le couteau est un symbole de sacrifice ; le citron est le symbole d'une soif non étanchée ; quelques noix dans leur coque - une âme enchaînée par le péché ; la pomme rappelle l'automne ; le vin ou les raisins sont un symbole du Sang ; le pain est un symbole de la chair du Christ. Insectes, crânes humains, vaisselle cassée et gibier mort, souvent inclus dans la composition des peintures, nous rappellent la fragilité de l'existence terrestre. Une coquille est une coquille laissée par une créature qui y vivait autrefois ; les fleurs fanées sont un symbole de mort. Un papillon né d'un cocon signifie la résurrection.

Grâce aux activités de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, qui équipait des navires marchands pour Extrême Orient, les magasins hollandais vendaient des épices, de la porcelaine chinoise, de la soie et d'autres produits exotiques. De plus, des colonies hollandaises furent formées au Cap de Bonne-Espérance, en Indonésie, au Suriname, aux Antilles et dans toute l'Asie. Les colonies enrichissent le pays et les natures mortes commencent à se remplir de richesses terrestres : nappes en tapis, gobelets en argent, nacre. La nourriture simple a été remplacée par des huîtres, du jambon, fruits exotiques. Le symbolisme cède la place à une admiration naïve pour la création des mains humaines.

Fonctionnalité Peinture hollandaise il y avait une spécialisation des artistes par genre. Dans le genre des natures mortes, il y avait même une division en thèmes distincts, et différentes villes avaient leurs propres types de natures mortes préférés, et si un peintre déménageait dans une autre ville, il changeait souvent brusquement d'art et commençait à peindre ces variétés. du genre qui étaient populaires à cet endroit.

Haarlem est devenu le berceau de aspect caractéristique Nature morte hollandaise - « petit-déjeuner ». Les peintures de Peter Claes représentent une table dressée avec des plats et des plats. Une assiette en fer blanc, un hareng ou du jambon, un petit pain, un verre de vin, une serviette froissée, un citron ou une branche de raisin, des couverts - la sélection maigre et précise des articles donne l'impression d'une table dressée pour une personne.

La présence d'une personne est indiquée par le désordre « pittoresque » introduit dans l'agencement des choses, et par l'atmosphère d'un intérieur résidentiel cosy, obtenue par la transmission d'un environnement lumière-air. Le ton gris-brunâtre dominant unit les objets en une seule image, tandis que la nature morte elle-même devient le reflet des goûts et du style de vie individuels d’une personne.

Un autre habitant de Haarlem, Willem Heda, a travaillé dans la même veine que Klas. La coloration de ses peintures est toujours dans une plus grande mesure subordonné à l'unité tonale, il est dominé par un ton gris-argenté, fixé par l'image d'ustensiles en argent ou en étain. En raison de cette sobriété colorée, les peintures ont commencé à être appelées « petits déjeuners monochromes ».

À Utrecht, des natures mortes florales luxuriantes et élégantes se sont développées. Ses principaux représentants sont Jan Davids de Heem, Justus van Huysum et son fils Jan van Huysum, devenu particulièrement célèbre pour son écriture soignée et ses couleurs claires.

Au milieu du siècle, le thème des « petits déjeuners » modestes s'est transformé en « banquets » et « desserts » luxueux dans les œuvres de Willem van Elst, Willem Kalf et Abraham van Beyeren. Gobelets dorés, porcelaines chinoises et faïences de Delft, nappes en tapis, fruits du sud soulignent le goût de la grâce et de la richesse qui s'est imposé dans la société néerlandaise au milieu du siècle. En conséquence, les petits-déjeuners « monochromes » sont remplacés par une saveur juteuse, riche en couleurs et dorée.

À l’aide de l’exemple du tableau « Petit-déjeuner au jambon » de Pieter Claes, parlons d’une nature morte hollandaise.
Il montre une table recouverte d'une nappe blanche. Au centre de la nature morte se trouve un plat de jambon rose. Le jambon a un bord fraîchement coupé. Un couteau au beau manche sculpté se trouve à proximité sur le même plat. À droite du plat, vous pouvez voir une branche d’olivier avec des pêches dessus. Des points noirs sont visibles à la surface du fruit. Ce sont des traces de vers. A gauche du plat se trouve un verre de vin. Des reflets lumineux sur les parois d'un verre animent l'image. À côté du verre se trouve une cruche en cuivre avec un couvercle ouvert. La branche de raisin, représentée à côté du verre et de la cruche, semble encercler les deux récipients. Sur le bord de la table, l'artiste a représenté une assiette de métal avec du pain dont la croûte dorée attire le regard. Des noix sont éparpillées sur la nappe blanche, dont certaines sont déjà craquelées. Le désordre apparent suggère un sentiment de présence humaine récente.

Avec une habileté étonnante, l'artiste transmet la couleur de chaque objet. Une palette de tons olive grisâtre-doré sobre unifie les pièces. Chacun des objets est situé de manière à ce que le spectateur puisse percevoir sa texture, son volume et ses moindres détails. L'artiste restitue parfaitement la texture de chaque objet : le velouté des pêches, la surface mate et humide des raisins, la transparence du verre, la jutosité du jambon. Les contours arrondis des plats, des verres et des récipients se croisent et leur rythme doux transmet harmonie et intégrité. En regardant la photo, on a une sensation d’équilibre instable. L'assiette de pain est sur le point de tomber. Le centre de composition est sans aucun doute le plat au jambon. C'est le point le plus lumineux de l'image. L'artiste représente ce sujet avec réalisme. La nappe ne recouvre pas complètement toute la table. Là où la nappe n'atteint pas, une simple table en bois est visible, sans aucun ornement. En utilisant le contraste des couleurs, l'artiste expose la réalité.

Les artistes néerlandais ont réalisé de grandes réalisations en créant un art d'une direction réaliste, représentant naturellement la réalité, précisément parce que cet art était en demande dans la société néerlandaise.

Pour les artistes néerlandais, la peinture sur chevalet était importante dans l’art. Les toiles des Hollandais de cette époque n'ont pas les mêmes dimensions que les œuvres de Rubens, et ils décident de préférence de ne pas monumental-décoratif tâches, les clients des peintres hollandais étaient des envoyés de l'organisation dirigeante au pouvoir, mais aussi de la seconde classe - les bourgeois et les artisans.

L'une des principales préoccupations des peintres néerlandais était l'homme et l'environnement. La place principale dans la peinture hollandaise était le genre quotidien et le portrait, le paysage et la nature morte. Plus les peintres représentaient le monde naturel de manière impartiale et profonde, plus les sujets significatifs et exigeants de leur œuvre étaient nombreux.

Les peintres hollandais produisaient des œuvres pour la vente et vendaient leurs tableaux lors de foires. Leurs œuvres étaient achetées principalement par des gens de couches supérieures société paysans riches, artisans, commerçants, propriétaires d'usines. Les gens ordinaires ne pouvaient pas se le permettre et regardaient et admiraient les peintures avec plaisir. La disposition générale de l'art à l'apogée du XVIIe siècle a privé des consommateurs aussi puissants que la cour, la noblesse et l'Église.

Les œuvres ont été réalisées dans un petit format, basées sur le mobilier modeste et de petite taille des maisons hollandaises. L'un des passe-temps favoris des Néerlandais était peinture sur chevalet, car il était réceptif à refléter la réalité des actions avec une grande fiabilité et de diverses manières. Les peintures des Néerlandais représentent la réalité de leur pays, qui leur est proche ; ils voulaient voir ce qui leur était très familier : la mer et les navires, la nature de leur terre, leur maison, l'action de la vie quotidienne, les choses qui les entourait partout.

Un attrait important pour l’apprentissage environnement est apparu dans la peinture hollandaise sous des formes si naturelles et avec une continuité aussi claire que nulle part ailleurs dans l'art hollandais de cette époque. A cet égard, la profondeur de son échelle est également liée : des portraits et des paysages, des natures mortes et des genres quotidiens s'y sont formés. Quelques-uns d'entre eux sont des natures mortes, photo de ménage Ce furent les premiers à se développer en Hollande sous des formes matures et à prospérer à tel point qu'ils devinrent le seul exemple de ce genre.

Au cours des deux premières décennies, l'ambiance principale était de rechercher les principaux artistes néerlandais, contrecarrant la droite directions artistiques, - l'attrait pour la reproduction correcte de la réalité, pour l'exactitude de son expression. Ce n’est pas un hasard si les artistes hollandais ont été attirés par l’art du Caravage. Le travail des caravagistes d'Utrecht - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - a eu un impact sur la culture artistique néerlandaise.

Les peintres hollandais des années 20 et 30 du XVIIe siècle ont créé vue principale une peinture à petits personnages appropriée représentant des scènes de la vie de paysans ordinaires et de leurs activités quotidiennes. Dans les années 40-50 peinture domestique est l'un des principaux genres dont les auteurs ont acquis dans l'histoire le nom de « petit Hollandais », soit à cause de la simplicité de l'intrigue, soit à cause de la petite taille des peintures, ou peut-être pour les deux. Les images de paysans dans les peintures sont couvertes de traits d'humour bon enfant Adriana van Ostade. C'était un écrivain démocrate de la vie quotidienne et un conteur divertissant. Jan Steen.

L'un des principaux portraitistes de Hollande, le fondateur du portrait réaliste hollandais fut Franz Hals. Il a créé sa renommée grâce à des portraits de groupe de guildes de tir, dans lesquels il a exprimé les idéaux de la jeune république, les sentiments de liberté, d'égalité et de camaraderie.

Le summum de la créativité Réalisme néerlandais est Harmens van Rijn Rembrandt, qui se distingue par sa vitalité et son émotivité extraordinaires, la profonde humanité de ses images et sa grande largeur thématique. Il a peint des peintures, des portraits et des paysages historiques, bibliques, mythologiques et quotidiens, et fut l'un des plus grands maîtres de la gravure et du dessin. Mais quelle que soit la technique avec laquelle il travaillait, le centre de son attention était toujours la personne, son monde intérieur. Il trouvait souvent ses héros parmi les pauvres Néerlandais. Dans ses œuvres, Rembrandt combine la force et la pénétration des caractéristiques psychologiques avec une maîtrise exceptionnelle de la peinture, dans laquelle les tons soignés du clair-obscur acquièrent la principale importance.

Au cours du premier tiers du XVIIe siècle, les vues du paysage réaliste hollandais ont émergé et ont prospéré au milieu du siècle. Le paysage des maîtres hollandais n'est pas la nature en général, comme dans les peintures des classiques, mais un paysage national, spécifiquement hollandais : des moulins à vent, des dunes du désert, des canaux sur lesquels glissent des bateaux en été et des patineurs en hiver. Les artistes ont cherché à transmettre l'atmosphère de la saison, l'air humide et l'espace.

La nature morte s'est développée de manière importante dans la peinture hollandaise et se distingue par sa petite taille et son caractère. Pierre Claes Et Willem Héda le plus souvent, ils représentaient ce qu'on appelle des petits-déjeuners : des plats avec du jambon ou de la tarte sur une table relativement modestement servie. La présence récente d'une personne est palpable dans le désordre et le naturel avec lesquels sont disposées les choses qui viennent de lui servir. Mais ce désordre n’est qu’apparent, puisque la composition de chaque nature morte est soigneusement pensée. Dans un agencement habile, les objets sont montrés de telle manière qu'on ressent la vie intérieure des choses ; ce n'est pas pour rien que les Hollandais appelaient la nature morte « still leven » - « vie tranquille », et non « nature morte » - « nature morte ».

Nature morte. Peter Claes et Willem Heda

La subtilité et la véracité dans la recréation de la réalité sont combinées par les maîtres hollandais avec sens aigu la beauté révélée dans chacun de ses phénomènes, même les plus discrets et quotidiens. Ce trait du génie artistique hollandais s'est peut-être manifesté le plus clairement dans la nature morte ; ce n'est pas un hasard si ce genre était un favori en Hollande.

Les Néerlandais appelaient la nature morte « stilleven », ce qui signifie « vie tranquille », et ce mot exprime incomparablement plus précisément le sens que les peintres hollandais donnent à la représentation des choses que « nature morte » - nature morte. Dans les objets inanimés, ils ont vu une vie spéciale et cachée associée à la vie d'une personne, à son mode de vie, à ses habitudes et à ses goûts. Les peintres hollandais ont créé l'impression d'un « désordre » naturel dans l'agencement des choses : ils ont montré une tarte coupée, un citron pelé dont la peau pendait en spirale, un verre de vin inachevé, une bougie allumée, un livre ouvert - cela semble toujours que quelqu'un a touché ces objets, les a simplement utilisés, la présence invisible d'une personne se fait toujours sentir.

Les grands maîtres de la nature morte hollandaise moitié XVII siècles furent Pieter Claes (1597/98-1661) et Willem Heda (1594-ca. 1680). Un thème favori de leurs natures mortes est celui des « petits déjeuners ». Dans « Petit-déjeuner au homard » de V. Kheda, les objets diverses formes et les matériaux - cafetière, verre, citron, plat en faïence, assiette en argent, etc. - sont comparés les uns aux autres afin de révéler les caractéristiques et l'attractivité de chacun. Grâce à diverses techniques, Heda restitue parfaitement la matière et la spécificité de sa texture ; Ainsi, les reflets de la lumière jouent différemment sur la surface du verre et du métal : sur le verre - clair, aux contours nets, sur le métal - pâle, mat, sur un verre doré - brillant, lumineux. Tous les éléments de la composition sont unis par la lumière et la couleur - une palette de couleurs vert grisâtre.

Dans « Nature morte à la bougie » de P. Klass, non seulement la précision de la reproduction des qualités matérielles des objets est remarquable, mais la composition et l'éclairage leur confèrent une grande expressivité émotionnelle.

Les natures mortes de Klass et Kheda sont remplies d'une ambiance particulière qui les rapproche - c'est une ambiance d'intimité et de confort, donnant naissance à l'idée dela vie bien établie et calme d'une maison bourgeoise , où règne la prospérité et où le soin des mains humaines et les yeux attentifs du propriétaire se ressentent en tout. Les peintres hollandais affirment la valeur esthétique des choses, et la nature morte, pour ainsi dire, glorifie indirectement le mode de vie auquel leur existence est inextricablement liée. On peut donc le considérer comme l’un des incarnations artistiques thème important de l'art néerlandais - le thème de la vie d'un particulier. Elle a reçu sa décision principale en image de genre.[&&] Rotenberg I. E. Europe occidentale art XVII V. Moscou, 1971 ;

Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, des changements surviennent dans la société néerlandaise : le désir d’aristocratie de la bourgeoisie s’accroît. Les modestes « petits déjeuners » de Klas et Heda cèdent la place à de riches « desserts » Abraham van Beijern Et Willem Kalf, qui comprenait des plats en faïence spectaculaires, des récipients en argent, des gobelets précieux et des coquillages dans des natures mortes. Les structures de composition deviennent plus complexes et les couleurs plus décoratives. Par la suite, la nature morte perd sa démocratie, son intimité, sa spiritualité et sa poésie. Il se transforme en une magnifique décoration pour les maisons de clients de haut rang. Malgré tout leur caractère décoratif et leur maîtrise d'exécution, les natures mortes tardives anticipent le déclin de la grande peinture réaliste hollandaise, qui a commencé au début du XVIIIe siècle et a été provoqué par la dégénérescence sociale de la bourgeoisie hollandaise dans le dernier tiers du XVIIe siècle. siècle, la diffusion de nouvelles tendances artistiques liées à l'attirance de la bourgeoisie pour les goûts de la noblesse française. L'art néerlandais perd ses liens avec la tradition démocratique, perd son fondement réaliste, perd son identité nationale et entre dans une période de long déclin.

La nature morte (« Stilleven » – qui signifie « vie tranquille » en néerlandais) – est une branche unique et très populaire de la peinture néerlandaise. La peinture de natures mortes hollandaises du XVIIe siècle se caractérise par la spécialisation étroite des maîtres hollandais dans ce genre. Le thème « Fleurs et Fruits » comprend généralement une variété d'insectes. Les "trophées de chasse" sont avant tout des trophées de chasse - oiseaux et gibiers tués. "Petits déjeuners" et "Desserts", ainsi que des images de poissons - vivants et endormis, divers oiseaux - ne sont que quelques-uns des plus sujets célèbres natures mortes. Prises ensemble, ces parcelles individuelles caractérisent le vif intérêt des Néerlandais pour les parcelles Vie courante, et leurs activités favorites, et leur passion pour l'exotisme des terres lointaines (les compositions contiennent des coquillages et des fruits extravagants). Souvent, dans les œuvres comportant des motifs de nature « vivante » et « morte », il existe un sous-texte symbolique facilement compréhensible pour un spectateur instruit du XVIIe siècle.

Ainsi, la combinaison d'objets individuels pourrait servir d'indice de la fragilité de l'existence terrestre : des roses fanées, un brûle-encens, une bougie, une horloge ; ou associés à des habitudes condamnées par la morale : éclats de bois, pipes fumantes ; ou a indiqué une histoire d'amour; écriture, instruments de musique, brasero. Il ne fait aucun doute que la signification de ces compositions est bien plus large que leur contenu symbolique.

Les natures mortes hollandaises attirent avant tout leur expression artistique, l'exhaustivité, la capacité de révéler la vie spirituelle du monde objectif. Préférant les peintures de grand format avec une abondance d'objets de toutes sortes, les peintres hollandais se limitent à quelques objets de contemplation, s'efforçant d'obtenir la plus grande unité de composition et de couleur.

La nature morte est l'un des genres dans lesquels les néerlandais traits nationaux est apparu particulièrement clairement. Des natures mortes représentant des ustensiles d'usage modeste, si courantes dans la peinture hollandaise et très rares dans la peinture flamande, ou des natures mortes avec des objets ménagers des classes aisées. Les natures mortes de Pieter Claes et Willem Heda, enveloppées d'une lumière froide et diffuse, aux couleurs presque monochromes, ou les natures mortes plus tardives de Willem Kalf, où, au gré de l'artiste, un éclairage doré fait revivre les formes et les couleurs vibrantes de objets du crépuscule. Ils sont tous caractérisés par des traits nationaux communs qui ne permettront pas de les mélanger avec des peintures d'une autre école, y compris celle flamande qui lui est apparentée. Dans les natures mortes hollandaises, il y a toujours un sentiment de contemplation calme et un amour particulier pour la transmission de formes réelles du monde matériel et tangible.

De Heem a acquis une reconnaissance mondiale pour ses magnifiques images de fleurs et de fruits. Il a combiné le détail de l'image jusque dans les moindres détails avec un choix brillant de couleurs et un goût raffiné dans la composition. Il a peint des fleurs dans des bouquets et des vases, dans lesquels flottaient souvent des papillons et des insectes, des couronnes de fleurs dans des niches, des fenêtres et des images de madones dans des tons gris, des guirlandes de fruits, des natures mortes avec des verres remplis de vin, de raisins et d'autres fruits et produits. Hem a magistralement utilisé les possibilités de couleur et obtenu haut degré transparence, ses images de la nature inanimée sont tout à fait réalistes. Ses peintures se trouvent dans presque toutes les grandes galeries d'art. La peinture de natures mortes, qui se distinguait par son caractère, se généralisa en Hollande au XVIIe siècle. Les artistes hollandais ont choisi une grande variété d'objets pour leurs natures mortes, ont su les agencer parfaitement, révéler les caractéristiques de chaque objet et son vie intérieure, inextricablement lié à la vie humaine. Les peintres hollandais du XVIIe siècle Pieter Claes (vers 1597 - 1661) et Willem Heda (1594 - 1680/1682) ont peint de nombreuses versions de « petits déjeuners », représentant des jambons, des petits pains dorés, des tartes aux mûres, des verres en verre fragiles à moitié remplis de vin sur le dessus. table, avec une habileté étonnante à transmettre la couleur, le volume, la texture de chaque élément. La présence récente d'une personne se remarque dans le désordre, le hasard de la disposition des choses qui viennent de lui servir. Mais ce désordre n’est qu’apparent, puisque la composition de chaque nature morte est strictement pensée et trouvée. Une palette sobre de tons gris-or olive unit les objets et donne une sonorité particulière à ces couleurs pures qui soulignent la fraîcheur d'un citron fraîchement coupé ou la douce soie d'un ruban bleu. Au fil du temps, les « petits déjeuners » des maîtres de natures mortes, les peintres Claes et Heda cèdent la place aux « desserts » des artistes hollandais Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) et Willem Kalf (1622-1693). Les natures mortes de Beyeren sont d'une composition stricte, riches en émotions et colorées. Tout au long de sa vie, Willem Kalf a peint de manière libre et démocratique des « cuisines » - des pots, des légumes et des natures mortes aristocratiques dans la sélection d'objets précieux exquis, pleins d'une noblesse retenue, comme des récipients en argent, des tasses, des coquilles saturées de la combustion interne de couleurs. DANS la poursuite du développement la nature morte suit les mêmes chemins que tout le monde art hollandais, perdant sa démocratie, sa spiritualité et sa poésie, son charme. La nature morte se transforme en décoration pour la maison de clients de haut rang. Malgré tout leur caractère décoratif et leur exécution habile, les natures mortes tardives anticipent le déclin de la peinture hollandaise. La dégénérescence sociale et l'aristocratisation bien connue de la bourgeoisie hollandaise dans le dernier tiers du XVIIe siècle donnent lieu à une tendance à la convergence avec les vues esthétiques de la noblesse française et conduisent à une idéalisation. images artistiques, leur broyage. L’art perd ses liens avec la tradition démocratique, perd ses fondements réalistes et entre dans une période de déclin à long terme. Gravement épuisée par les guerres avec l’Angleterre, la Hollande perd sa position de grande puissance commerciale et de centre artistique majeur.

Willem Heda (vers 1594 - vers 1682) - l'un des premiers maîtres des Néerlandais nature morte XVII siècle, dont les œuvres étaient très appréciées de ses contemporains. Ce type de peinture appelé « petit-déjeuner » était particulièrement populaire en Hollande. Ils ont été créés pour tous les goûts : des riches aux plus modestes. Le tableau « Petit-déjeuner au crabe » se distingue par sa grande taille, ce qui n'est pas caractéristique d'une nature morte hollandaise (Annexe I). La palette de couleurs globale de l’œuvre est froide, gris argenté avec quelques taches rosées et brunes. Kheda a représenté de manière exquise une table dressée sur laquelle les éléments qui composent le petit-déjeuner sont disposés dans un désordre soigneusement pensé. Sur le plateau se trouve un crabe, représenté avec toutes ses particularités, à côté se trouve un citron jaunissant dont l'écorce gracieusement coupée, s'enroulant, pend. À droite, des olives vertes et un délicieux petit pain à la croûte dorée. Les récipients en verre et en métal ajoutent de la solidité à la nature morte ; leur couleur se confond presque avec la palette globale.

Natalia MARKOVA,
Chef du département graphique du Musée des Beaux-Arts Pouchkine. A, S, Pouchkine

Nature morte en Hollande au XVIIe siècle

On peut dire que le temps a agi comme un objectif de caméra : avec un changement de distance focale, l'échelle de l'image changeait jusqu'à ce que seuls les objets restent dans le cadre, et l'intérieur et les personnages soient expulsés de l'image. Les « cadres de natures mortes » se retrouvent dans de nombreuses peintures d'artistes hollandais du XVIe siècle. Il est facile d’imaginer la table dressée du « Portrait de famille » de Martin van Heemskerck (vers 1530) comme une peinture indépendante. Musées d'État

, Kassel) ou un vase avec des fleurs de la composition de Jan Brueghel l'Ancien. Jan Brueghel lui-même a fait quelque chose de similaire en écrivant au tout début du XVIIe siècle. les premières natures mortes de fleurs indépendantes. Ils sont apparus vers 1600 – cette époque est considérée comme la date de naissance du genre.

Martin van Heemskerk. Portrait de famille. Fragment. D'ACCORD. 1530. Musées d'État, Kassel. À ce moment là Ô il n'y avait pas encore moyen de le définir. Le terme « nature morte » est né en France au XVIIIe siècle. et traduit littéralement signifie « nature morte », « nature morte » (nature morte). En Hollande, les peintures représentant des objets étaient appelées « stilleven », ce qui peut être traduit à la fois par « nature morte, modèle » et par « vie tranquille », ce qui traduit avec beaucoup plus de précision les spécificités de la nature morte hollandaise. Mais ça n'est entré en service qu'à partir de 1650, et avant cette époque, les peintures étaient appelées selon le sujet de l'image : b lumentopf - un vase avec des fleurs, banketje - une table dressée, fruytage - des fruits, toebackje - des natures mortes avec des accessoires pour fumeurs, doodshoofd - des tableaux avec un crâne. Cette liste montre déjà à quel point la variété des objets représentés était grande.

En effet, tout le monde objectif qui les entourait semblait se répandre sur les peintures des artistes hollandais.

Abraham van Beuren. Nature morte aux homards. XVIIe siècle. Kunsthaus, Zurich

Dans le domaine de l'art, cela signifiait une révolution tout aussi grande que celle que les Néerlandais avaient accomplie dans le domaine économique et social, en obtenant leur indépendance du pouvoir de l'Espagne catholique et en créant le premier État démocratique. Alors que leurs contemporains d'Italie, de France et d'Espagne se concentraient sur la création d'immenses compositions religieuses pour les autels d'églises, de peintures et de fresques sur des sujets de la mythologie antique pour les salles des palais, les Néerlandais peignaient de petites peintures avec des vues de coins de leur paysage natal, des danses à un rythme fête de village ou concert à domicile dans une maison bourgeoise, scènes dans une taverne rurale, dans la rue ou dans une maison de réunion, tables dressées avec petit-déjeuner ou dessert, c'est-à-dire une nature « basse », sans prétention, non éclipsée par l'ancienne ou Tradition poétique de la Renaissance, sauf peut-être la poésie hollandaise contemporaine. Le contraste avec le reste de l’Europe était saisissant. Les peintures étaient rarement créées sur commande, mais étaient pour la plupart vendues librement sur les marchés pour tout le monde et étaient destinées à décorer les pièces des maisons des habitants de la ville, et même des villageois les plus riches. Plus tard, au XVIIIe et XIXème siècles , lorsque la vie en Hollande devint plus difficile et plus rare, ces collections de peintures domestiques furent largement vendues aux enchères et achetées avec impatience pour les collections royales et aristocratiques dans toute l'Europe, d'où elles migrèrent finalement vers les plus grands musées

paix. Au milieu du 19ème siècle. les artistes du monde entier se sont tournés vers la représentation de la réalité qui les entourait, des peintures de maîtres hollandais du XVIIe siècle. leur a servi de modèle dans tous les genres. Jan Venix. Nature morte au paon blanc. 1692.

Une caractéristique de la peinture hollandaise était la spécialisation des artistes par genre. Dans le genre des natures mortes, il y avait même une division en thèmes distincts, et différentes villes avaient leurs propres types de natures mortes préférés, et si un peintre déménageait dans une autre ville, il changeait souvent radicalement son art et commençait à peindre ces variétés. du genre qui étaient populaires à cet endroit.

Haarlem est devenue le berceau du type de nature morte hollandaise le plus caractéristique : le « petit-déjeuner ». Les peintures de Peter Claes représentent une table dressée avec des plats et des plats. Une assiette en fer blanc, un hareng ou du jambon, un petit pain, un verre de vin, une serviette froissée, un citron ou une branche de raisin, des couverts - la sélection maigre et précise des articles donne l'impression d'une table dressée pour une personne. La présence d'une personne est indiquée par le désordre « pittoresque » introduit dans l'agencement des choses, et par l'atmosphère d'un intérieur résidentiel cosy, obtenue par la transmission d'un environnement lumière-air. Le ton gris-brunâtre dominant unit les objets en une seule image, tandis que la nature morte elle-même devient le reflet des goûts et du style de vie individuels d’une personne.

Un autre habitant de Haarlem, Willem Heda, a travaillé dans la même veine que Klas. La coloration de ses tableaux est encore plus subordonnée à l'unité tonale ; elle est dominée par un ton gris-argenté, fixé par l'image d'ustensiles en argent ou en étain. En raison de cette sobriété colorée, les peintures ont commencé à être appelées « petits déjeuners monochromes ».

Abraham van Beuren. Petit-déjeuner. 17ème siècle Musée Pouchkine im. Pouchkine, Moscou

À La Haye, centre de la pêche maritime, Pieter de Putter et son élève Abraham van Beyeren ont perfectionné la représentation des poissons et autres habitants de la mer ; la couleur de leurs peintures scintille de l'éclat des écailles, dans lesquelles des taches de rose, de rouge et les couleurs bleues clignotent.

L'Université de Leiden a créé et amélioré le type de nature morte philosophique « vanitas » (vanité des vanités). Dans les tableaux de Harmen van Steenwijk et de Jan Davids de Heem, des objets incarnant la gloire et la richesse terrestres (armures, livres, attributs de l'art, ustensiles précieux) ou les plaisirs sensuels (fleurs, fruits) sont juxtaposés à un crâne ou un sablier en guise de rappel. de la fugacité de la vie. Une nature morte de « cuisine » plus démocratique est née à Rotterdam dans les œuvres de Floris van Schoten et François Reykhals, et ses meilleures réalisations sont associées aux noms des frères Cornelis et Herman Saftleven.

Au milieu du siècle, le thème des « petits déjeuners » modestes se transforme dans les œuvres de Willem van Aalst, Jurian van Streck et surtout Willem Kalf et Abraham van Beyeren en luxueux « banquets » et « desserts ». Gobelets dorés, porcelaines chinoises et faïences de Delft, nappes en tapis, fruits du sud soulignent le goût de la grâce et de la richesse qui s'est imposé dans la société néerlandaise au milieu du siècle. En conséquence, les petits-déjeuners « monochromes » sont remplacés par une saveur juteuse, riche en couleurs et dorée. L'influence du clair-obscur de Rembrandt fait briller les couleurs des peintures de Kalf de l'intérieur, poétisant ainsi le monde objectif.

Willem Kalf. Nature morte à la coupe nautile et au bol en porcelaine chinoise. Musée Thyssen - Bornemisza, Madrid Les maîtres de la représentation des « trophées de chasse » et des « enclos à volailles » étaient Jan-Baptiste Wenix, son fils Jan Wenix et Melchior de Hondecoeter. Ce type de nature morte s'est surtout répandu dans la seconde moitié - fin du siècle en lien avec l'aristocratie des bourgeois : l'implantation de domaines et le divertissement de la chasse. Peinture deux derniers artistes

L'étonnante capacité des peintres hollandais à transmettre le monde matériel dans toute sa richesse et sa diversité a été appréciée non seulement par les contemporains, mais aussi par les Européens des XVIIIe et XIXe siècles, qu'ils ont vu dans les natures mortes, d'abord et seulement cette brillante maîtrise de l'art ; véhiculer la réalité.

Cependant, pour les Hollandais eux-mêmes au XVIIe siècle, ces peintures étaient pleines de sens ; elles offraient de la nourriture non seulement pour les yeux, mais aussi pour l'esprit. Les peintures sont entrées dans un dialogue avec le public, leur racontant des vérités morales importantes, leur rappelant la tromperie des joies terrestres, la futilité des aspirations humaines, orientant leurs pensées vers des réflexions philosophiques sur le sens de la vie humaine. Aujourd'hui, nous rencontrerons l'un des les meilleurs maîtres

Nature morte luxueuse hollandaise PAR WILLEM KALF 1619-1693

Willem Kalf était le sixième enfant de la famille d'un riche marchand de draps de Rotterdam et membre du conseil municipal de Rotterdam. Le père de Willem est décédé en 1625, alors que le garçon avait 6 ans. La mère poursuit l’entreprise familiale, mais sans grand succès. Il n'y a aucune information sur l'artiste avec lequel Kalf a étudié ; peut-être que son professeur était Hendrik Poth de Haarlem, où vivaient les parents des Kalf. Peu avant la mort de sa mère en 1638, Willem quitta ville natale

et s'installe à La Haye, puis en 1640-41. installé à Paris. Là, grâce à leur " intérieurs paysans

", écrit dans la tradition flamande, proche de l'œuvre de David Teniers et d'autres artistes du XVIIe siècle, Kalf se fait rapidement connaître.

Dans ses intérieurs rustiques, les figures humaines étaient davantage à l'arrière-plan et toute l'attention du spectateur était concentrée sur des fruits, des légumes et divers articles ménagers bien éclairés, colorés et astucieusement disposés. Ici, il a créé nouvel uniforme une nature morte savamment regroupée avec des objets coûteux et richement décorés (principalement des bouteilles, des assiettes, des verres) fabriqués à partir de matériaux réfléchissant la lumière - or, argent, étain ou verre. Le talent de cet artiste a atteint son apogée pendant la période d'Amsterdam de son travail dans le fascinant "»

NATURE MORTE DE LUXE

Nature morte avec une corne à boire appartenant à la Guilde des Archers de Saint-Sébastien, un homard et des verres - Willem Kalf. Vers 1653.

Cette nature morte est l’une des plus célèbres.

Ce magnifique récipient est en corne de buffle, la fixation est en argent, si vous regardez attentivement, vous pouvez voir des figures miniatures de personnes dans le dessin de la corne - cette scène nous raconte les souffrances de Saint-Pierre. Sébastien, patron des archers.

La tradition consistant à ajouter du citron pelé au vin du Rhin vient du fait que les Néerlandais considéraient ce type de vin trop sucré.

Le homard, la corne à vin avec son bord en filigrane d'argent étincelant, les verres transparents, le citron et le tapis turc sont rendus avec un soin si étonnant qu'il donne l'illusion qu'ils sont réels et peuvent être touchés avec la main.

L'emplacement de chaque élément est choisi avec un tel soin que le groupe dans son ensemble forme une harmonie de couleur, de forme et de texture. La lumière chaude enveloppant les objets leur confère la dignité de précieux bijoux, et leur rareté, leur splendeur et leur fantaisie reflètent les goûts raffinés des collectionneurs hollandais du XVIIe siècle - une époque où les natures mortes étaient extrêmement populaires.

Nature morte à la cruche et aux fruits. 1660

En 1646, Willem Kalf retourna quelque temps à Rotterdam, puis s'installa à Amsterdam et Hoorn, où en 1651 il épousa Cornelia Plouvier, fille d'un pasteur protestant.

Cornelia était une célèbre calligraphe et poétesse, elle était amie avec Constantijn Huygens, secrétaire personnel des trois stathouders de la jeune République néerlandaise, poète respecté et probablement l'expert le plus expérimenté du théâtre mondial et art musical de son époque.

En 1653 un couple marié a déménagé à Amsterdam, où ils ont eu quatre enfants. Malgré sa richesse, Kalf n’a jamais acquis sa propre maison.

Nature morte à la théière.

Durant la période d'Amsterdam, Kalf a commencé à inclure des objets exotiques dans ses natures mortes parfaites : des vases chinois, des coquillages et des fruits tropicaux inédits - des oranges et des citrons à moitié pelés. Ces objets étaient importés d'Amérique aux Pays-Bas ; ils étaient des objets de prestige préférés des riches bourgeois, qui affichaient leur richesse.

Nature morte au nautile et au bol chinois.

Les Néerlandais aimaient et comprenaient un bon intérieur, une table confortable, où tout ce dont vous avez besoin est à portée de main, des ustensiles pratiques - dans le monde matériel qui entoure une personne.

Au centre on voit une élégante coupe en nautile réalisée à partir d'une coquille, ainsi qu'un beau vase chinois, à l'extérieur il est décoré de huit figures en relief représentant les huit immortels du taoïsme, le cône sur le couvercle est le contour d'un bouddhiste. lion.
Cette nature morte est complétée par un tapis persan traditionnel Kalfa et un citron avec une fine spirale d'écorce.

La pyramide d'objets se noie dans une brume crépusculaire, parfois seuls les reflets lumineux indiquent la forme des choses. La nature a créé une coquille, un artisan l'a transformée en gobelet, un artiste a peint une nature morte, et nous profitons de toute cette beauté. Après tout, être capable de voir la beauté est aussi un talent.

Nature morte au gobelet en verre et aux fruits 1655.

Comme toutes les natures mortes de cette époque, les créations de Kalf étaient destinées à exprimer l'idée iconographique de la fragilité - « memento mori » (« souviens-toi de la mort »), pour servir d'avertissement que toutes choses, vivantes et inanimées, sont finalement transitoires.

Nature morte aux fruits et à la coupe de nautile.1660g

Mais pour Kalf, autre chose était important. Toute sa vie, il s'est vivement intéressé aux jeux de lumière et aux effets de la lumière sur divers matériaux, en commençant par la texture des tapis en laine, l'éclat éclatant des objets métalliques en or, en argent ou en étain, la douce lueur de la porcelaine et des coquillages multicolores, et en terminant par le miroitement mystérieux des bords des plus beaux verres et vases. dans le style vénitien.

Nature morte à la soupière chinoise.

Dessert.

Avant d'entrer à l'Ermitage en 1915, le tableau « Dessert » faisait partie de la collection du célèbre géographe et voyageur russe P. P. Semenov-Tyan-Shansky, grand connaisseur et amateur d'art hollandais et flamand.

Un rayon de lumière éclatant sort de la pénombre un bol de fruits, une pêche sur un plateau argenté et une nappe blanche froissée. Les gobelets en verre et en argent reflètent toujours la lumière, et la fine flûte remplie de vin se fond presque dans le décor.

L'artiste transmet magistralement la texture de chaque objet : un verre, une assiette en faïence peinte, un gobelet doré, un tapis oriental, une serviette blanche comme neige. Le tableau montre la forte influence que la peinture de Rembrandt a eu sur Kalf : les objets sont présentés sur un fond sombre, lumière brillante comme s'il les ravivait, les enveloppant de la chaleur des rayons dorés.

Nature morte au vase en porcelaine, à l'aiguière en vermeil et aux verres

Nature morte Pronk avec bol Holbein, coupe Nautilus, gobelet en verre et plat de fruits

La composition des natures mortes de Kalf, pensée dans les moindres détails, est assurée non seulement par des règles précises, mais aussi par une mise en scène unique et complexe.Sveta.

Des objets de valeur – des gobelets coupés, souvent à moitié remplis de vin – apparaissent progressivement, après un certain temps, dans l'obscurité du fond. Souvent, leur forme n'est étonnamment devinée que par la réflexion des rayons de lumière. Personne, à l'exception de Kalf, n'a réussi à montrer de manière aussi réaliste la lumière pénétrant à travers la coquille du nautile. À juste titre, Kalf est surnommé le « Vermeer de la nature morte » et, à certains endroits, Kalf l'a surpassé.

Depuis 1663, Kalf écrit moins, il se lance dans le commerce de l'art et devient un expert en art recherché.

Willem Kalf est décédé à l'âge de 74 ans, blessé lors d'une chute alors qu'il rentrait chez lui après une visite.

Grâce à ses capacités visuelles uniques, associées à son excellente éducation et à ses connaissances approfondies des sciences naturelles, il a considérablement élargi les possibilités illusionnistes de la nature morte. Ses créations sont des exemples inégalés de cet art.