Introduction……………………………………………………………………………….3
1.La peinture comme forme d'art…………………………………………….4
2. Type d'art – graphisme……………………………4
3. Une forme d'art ancienne - la sculpture…………………...6
4.Architecture - l'art de concevoir et de construire………………………7
5. Principales orientations et techniques de l'art contemporain…………..9
6. Art cinétique……………………………………………..14
Conclusion…………………………………………………………….16
Liste des références………………………………………………………...17
Introduction
Le concept d'« art » désigne la créativité artistique en général : littérature, architecture, sculpture, peinture, graphisme, arts décoratifs et appliqués, musique, danse, théâtre, cinéma et autres types d'activité humaine, combinés en tant que formes artistiques et figuratives de réflexion de réalité.
Dans l’histoire de l’esthétique, l’essence de l’art a été interprétée comme une imitation (mimesis), une expression sensuelle du suprasensible, etc.
L'esthétique considère l'art comme une forme de conscience sociale, un type spécifique d'assimilation spirituelle et pratique du monde, comme une unité organique de création, de connaissance, d'appréciation et de communication humaine, au sens étroit - beaux-arts, haut degré compétences et maîtrise dans n’importe quel domaine de l’activité humaine.
Principaux types d'art : peinture, graphisme, sculpture, architecture, littérature, cinéma, théâtre.
Considérons les concepts de base de certains types, tendances et techniques des beaux-arts modernes.
1. La peinture comme forme d’art
La peinture est un art très ancien, qui a évolué au fil des siècles, depuis les peintures rupestres jusqu'aux dernières tendances picturales du XIe siècle. La peinture offre un large éventail de possibilités pour réaliser des idées allant du réalisme à l'abstraction. D’énormes trésors spirituels ont été accumulés au cours de son développement.
A la fin des XIX-XX siècles. le développement de la peinture devient particulièrement complexe et contradictoire. Divers mouvements réalistes et modernistes gagnent leur droit à exister.
La peinture abstraite apparaît (avant-garde, art abstrait, underground), qui marque le rejet de la figuration et l'expression active de l'attitude personnelle de l'artiste envers le monde, l'émotivité et le caractère conventionnel de la couleur, l'exagération et la géométrisation des formes, le caractère décoratif et associativité des solutions compositionnelles.
Au 20ème siècle La recherche de nouvelles couleurs et de moyens techniques pour créer des peintures s'est poursuivie, ce qui a sans aucun doute conduit à l'émergence de nouveaux styles de peinture, mais la peinture à l'huile reste toujours l'une des techniques préférées des artistes.
2. Type d'art - graphisme
Le graphisme (du gr. grapho - j'écris, dessine) est un type de beaux-arts associé aux images sur un avion. Le graphisme combine le dessin, en tant que domaine indépendant, et différents types de graphiques imprimés : gravure sur bois (gravure sur bois), gravure sur métal (eau-forte), lithographie, linogravure, gravure sur carton, etc.
Le dessin est classé comme graphique unique car chaque dessin est unique en son genre. Les œuvres graphiques imprimées peuvent être reproduites (répliquées) dans de nombreuses copies équivalentes - impressions. Chaque tirage est un original et non une copie de l'œuvre.
Le dessin est la base de tous les types de graphisme et autres types de beaux-arts. En règle générale, une image graphique est réalisée sur une feuille de papier. Parfois, un artiste n'a besoin que de moyens très simples - un crayon graphite ou un stylo à bille - pour créer un dessin graphique. Dans d'autres cas, il utilise des dispositifs complexes pour créer ses œuvres : une presse à imprimer, des pierres lithographiques, des découpeuses pour linoléum ou bois, et bien plus encore.
Le terme « graphisme » était à l’origine utilisé uniquement en relation avec l’écriture et la calligraphie. L’art de la typographie est associé au graphisme depuis l’Antiquité. Il a reçu un nouveau sens et une nouvelle compréhension à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, lorsque le graphisme a été défini comme une forme d'art indépendante.
Le langage graphique et ses principaux moyens d'expression sont la ligne, le trait, le contour, la tache et le ton. Une feuille de papier blanche participe activement à créer l’impression générale d’une œuvre graphique. Vous pouvez obtenir un design expressif même en utilisant uniquement du noir. C’est pourquoi le graphisme est souvent appelé l’art du noir et blanc. Toutefois, cela n’exclut pas l’utilisation de la couleur dans les graphiques.
Les frontières entre le graphisme et la peinture sont très fluides, par exemple, la technique de l'aquarelle, du pastel et parfois de la gouache est classée comme l'un ou l'autre type d'art, selon la mesure dans laquelle la couleur est utilisée, ce qui prédomine dans l'œuvre - un une ligne ou un point, quel est son but.
L'une des caractéristiques distinctives du graphisme est la relation particulière de l'objet représenté avec l'espace. Le fond blanc pur de la feuille, non occupé par des images, et même le fond du papier apparaissant sous la couche colorée sont classiquement perçus comme de l'espace. Cela se voit particulièrement clairement dans graphiques de livre, lorsqu'une image posée sur une page blanche est perçue comme se situant dans l'espace d'un intérieur, d'une rue, d'un paysage conformément au texte, et non sur un champ enneigé.
Les avantages expressifs artistiques du graphisme résident dans son laconisme, la capacité des images, la concentration et la sélection stricte des moyens graphiques. Un euphémisme, une désignation conventionnelle d'un objet, comme s'il s'agissait d'une allusion à celui-ci, constituent la valeur particulière d'une image graphique ; ils sont conçus pour le travail actif de l'imagination du spectateur ;
À cet égard, non seulement des feuilles graphiques soigneusement dessinées, mais aussi des croquis rapides, des croquis d'après nature, des croquis de composition ont une valeur artistique indépendante.
Différents genres sont disponibles pour le graphisme (portrait, paysage, nature morte, genre historique etc.) et des possibilités pratiquement illimitées de représentation et d’interprétation imaginative du monde.
.3. Une forme d'art ancienne - la sculpture
La sculpture est l’une des formes d’art les plus anciennes. La sculpture (du latin sculptura, de sculpo - couper, sculpter, sculpture, plastique) est un type d'art dont les œuvres ont un volume matériel tridimensionnel. Ces œuvres elles-mêmes (statues, bustes, reliefs, etc.) sont également appelées sculpture.
La sculpture est divisée en deux types : ronde, librement placée dans l'espace réel, et en relief (bas-relief et haut-relief), dans lesquels des images tridimensionnelles sont situées sur un plan. Selon sa destination, la sculpture peut être de chevalet, monumentale, monumentale-décorative. La sculpture de petites formes se démarque à part. Par genre, la sculpture est divisée en portrait, quotidien (genre), animalier, historique et autres. Les paysages et les natures mortes peuvent être recréés à l'aide de moyens sculpturaux. Mais l'objet principal pour le sculpteur est une personne, qui peut s'incarner sous des formes diverses (tête, buste, statue, groupe sculptural).
La technologie de fabrication de sculptures est généralement complexe et comporte plusieurs étapes, et implique beaucoup de travail physique. Le sculpteur sculpte ou taille son œuvre à partir d'un matériau solide (pierre, bois...) en enlevant l'excès de masse. Un autre processus de création de volume par ajout de masse plastique (pâte à modeler, argile, cire, etc.) est appelé modelage (plastique). Les sculptures créent également leur œuvre en coulant à partir de substances pouvant passer de l'état liquide à l'état solide ( divers matériaux, plâtre, béton, plastique, etc.). Le métal non fondu utilisé pour créer une sculpture est traité par forgeage, gaufrage, soudage et découpe.
Au 20ème siècle De nouvelles opportunités pour le développement de la sculpture se présentent. Ainsi, dans la sculpture abstraite, ils utilisent méthodes non conventionnelles et du matériel (fil de fer, figurines gonflables, miroirs, etc.). Les artistes de nombreux mouvements modernistes qualifient les objets du quotidien d’œuvres de sculpture.
La couleur, utilisée depuis longtemps en sculpture (Antiquité, Moyen Âge, Renaissance), est aujourd'hui activement utilisée pour rehausser l'expressivité artistique de la sculpture de chevalet. Le recours à la polychromie en sculpture ou son abandon, le retour à la couleur naturelle du matériau (pierre, bois, bronze, etc.) sont associés à direction générale développement de l'art dans un pays donné et à une époque donnée
Ce n’est un secret pour personne, la peinture a sa propre typologie et se divise en genres. Ce phénomène est né en Europe au XVe siècle, lorsque le concept de peinture de première classe s'est formé, qui comprenait des peintures de nature mythologique et historique, et que les peintures de seconde classe comprenaient des paysages, des portraits et des natures mortes. Mais cette répartition a perdu de sa pertinence vers 1900, lorsqu'il y avait trop de genres et de styles et qu'il aurait été trop démodé d'utiliser une division claire entre ces deux groupes uniquement. C'est pourquoi je veux parler aujourd'hui des types de peinture actuels.
Nature morte (nature morte- "nature morte") - images de choses inanimées. Ce genre est né au XVe siècle et a gagné son indépendance au XVIIe grâce à Artistes néerlandais. Le genre est devenu indépendant grâce à l'avènement de l'âge d'or en Hollande ; les artistes ont été gâtés par l'abondance de nourriture et d'autres choses qui étaient auparavant considérées comme des objets de luxe et de richesse ; la nature morte est apparue. De nos jours, la nature morte est un type de peinture très répandu et très demandée par les acheteurs de tableaux.
Portrait- une personne ou un groupe de personnes représenté sur la photo. Les limites de ce style sont très vagues ; le portrait croise très souvent d'autres styles, comme le paysage ou la nature morte. Les portraits peuvent également être historiques, posthumes ou religieux. Il y a aussi un autoportrait, où l'artiste se dessine.
Paysage- un genre très important en peinture. L’artiste y peint une nature ou un terrain intact ou transformé par l’homme. Il a longtemps dépassé les espèces habituelles de mer ou de montagne et constitue aujourd'hui l'une des espèces les plus types populaires peinture. Les paysages peuvent être urbains, ruraux, marins, montagnards, etc. Auparavant, les paysages étaient peints uniquement en plein air, lorsque l'artiste peignait d'après nature ce qu'il voyait. Cette pratique est de moins en moins courante de nos jours, et artistes contemporains préfèrent travailler à partir de photographies.
Marina- la même nature morte marine, seulement avec le nom correct. Les marinas représentent des événements qui se déroulent en mer, des batailles, de grosses vagues, des cargos, etc. Ivan Aivazovsky était un représentant éminent de ce genre.
Peinture d'histoire- est née d'une nécessité : à la Renaissance, les artistes peignaient d'importants événements culturels et historiques. Peintures historiques n'est pas toujours basé sur l'histoire, il inclut également différentes sortes des peintures telles que : la mythologie, l'évangile et les événements bibliques.
Peinture de bataille- un sujet qui révèle le thème de la guerre et de la vie militaire. L'artiste tente de représenter un moment important, épique et clé d'une bataille ou d'une bataille. Dans le même temps, la fiabilité peut progressivement passer au second plan.
La peinture est peut-être le plus aspect ancien art. Aussi dans époque primitive Nos ancêtres faisaient des images de personnes et d’animaux sur les parois des grottes. Ce sont les premiers exemples de peinture. Depuis lors ce type l'art est toujours resté un compagnon vie humaine. Les exemples de peinture d'aujourd'hui sont nombreux et variés. Nous essaierons de couvrir ce type d'art autant que possible, en parlerons des principaux genres, styles, tendances et techniques.
Techniques de peinture
Examinons d'abord les techniques de base de la peinture. L'un des plus courants est huile. Il s'agit d'une technique qui utilise des peintures créées sur à base d'huile. Ces peintures sont appliquées par traits. Avec leur aide, vous pouvez créer de la diversité diverses nuances, ainsi que transmettre les images nécessaires avec un maximum de réalisme.
Détrempe- une autre technique populaire. On en parle lorsqu’on utilise des peintures en émulsion. Le liant de ces peintures est de l’œuf ou de l’eau.
Gouache- une technique largement utilisée en graphisme. La peinture gouache est réalisée avec une base adhésive. Il peut être utilisé pour travailler le carton, le papier, l'os ou la soie. L'image est durable et les lignes sont nettes. Pastel- Il s'agit d'une technique de dessin avec des crayons secs, et la surface doit être rugueuse. Et bien sûr, il convient de mentionner les aquarelles. Cette peinture est généralement diluée avec de l'eau. Une couche de peinture douce et fine est obtenue grâce à cette technique. Particulièrement populaire Bien entendu, nous n'avons répertorié que les principales techniques les plus souvent utilisées en peinture. Il y en a d'autres aussi.
Sur quoi les peintures sont-elles habituellement peintes ? La peinture la plus populaire est celle sur toile. Il est tendu sur un châssis ou collé sur du carton. A noter qu’autrefois, les planches de bois étaient assez souvent utilisées. Aujourd’hui, non seulement la peinture sur toile est populaire ; tous les autres matériaux plats peuvent être utilisés pour créer des images.
Types de peinture
Il en existe 2 types principaux : le chevalet et peinture monumentale. Ce dernier est lié à l'architecture. Ce type comprend la peinture des plafonds et des murs des bâtiments, leur décoration avec des images réalisées à partir de mosaïques ou d'autres matériaux, des vitraux, etc. La peinture sur chevalet n’est pas associée à un bâtiment spécifique. Il peut être déplacé d'un endroit à l'autre. DANS peinture sur chevalet Il existe de nombreuses variétés (autrement appelées genres). Examinons-les plus en détail.
Genres de peinture
Le mot « genre » est d’origine française. Il se traduit par « genre », « espèce ». C'est-à-dire que sous le nom du genre il y a un contenu quelconque, et en prononçant son nom, nous comprenons de quoi parle l'image, ce que nous y trouverons : les humains, la nature, les animaux, les objets, etc.
Portrait
Le genre de peinture le plus ancien est le portrait. C’est l’image d’une personne qui ne ressemble qu’à elle-même et à personne d’autre. En d’autres termes, un portrait est une image en peinture d’une apparence individuelle, puisque chacun de nous a un visage individuel. Ce genre de peinture a ses propres variétés. Le portrait peut être en pied, en buste ou un seul visage peut être peint. Notons que toute image d'une personne n'est pas un portrait, puisque l'artiste peut créer, par exemple, « une personne en général » sans la copier sur quelqu'un d'autre. Cependant, lorsqu'il représente un représentant spécifique Race humaine, puis il travaille spécifiquement sur le portrait. Il va sans dire qu’il existe de nombreux exemples de peinture de ce genre. Mais le portrait présenté ci-dessous est connu de presque tous les habitants de notre pays. Nous parlons de l'image de A. S. Pouchkine, créée en 1827 par Kiprensky.
Vous pouvez également ajouter un autoportrait à ce genre. Dans ce cas, l'artiste se représente lui-même. Il y a un portrait de couple, lorsque l'image montre des personnes par paires ; et un portrait de groupe, lorsqu'un groupe de personnes est représenté. On peut également noter portrait de cérémonie, dont une variété est équestre, l'une des plus solennelles. C'était très populaire dans le passé, mais de telles œuvres sont rares aujourd'hui. Cependant, le prochain genre dont nous parlerons est pertinent à tout moment. De quoi parle-t-on? Cela se devine en parcourant les genres que nous n'avons pas encore nommés en caractérisant la peinture. La nature morte en fait partie. C'est de cela dont nous allons parler maintenant, en continuant à nous pencher sur la peinture.
Nature morte
Ce mot est également d'origine française, il signifie « nature morte », bien que le sens serait plus précis « nature inanimée ». La nature morte est une image d'objets inanimés. Ils sont très divers. Notons que les natures mortes peuvent aussi représenter la « nature vivante » : des papillons tranquilles sur les pétales, de belles fleurs, des oiseaux, et parfois on peut apercevoir une personne parmi les dons de la nature. Cependant, il s'agira toujours d'une nature morte, puisque l'image d'un être vivant n'est pas dans ce cas la chose la plus importante pour l'artiste.
Paysage
Paysage est un autre mot français qui signifie « vue sur le pays ». Il s'apparente au concept allemand de « paysage ». Le paysage est une image de la nature dans sa diversité. Les variétés suivantes rejoignent ce genre : paysage architectural et très populaire paysage marin, qui est souvent appelée « marina », et les artistes qui y travaillent sont appelés peintres de marine. De nombreux exemples de peinture du genre marin peuvent être trouvés dans les œuvres d'I.K. L'un d'eux est "Rainbow" de 1873.
Cette peinture est réalisée à l'huile et est difficile à exécuter. Mais créer des paysages à l'aquarelle n'est pas du tout difficile, c'est pourquoi, dans les cours de dessin à l'école, cette tâche a été confiée à chacun de nous.
Genre animalier
Le genre suivant est animal. Tout est simple ici : il s'agit d'une image d'oiseaux et d'animaux dans la nature, dans leur environnement naturel.
Genre quotidien
Le genre quotidien est une représentation de scènes de la vie, de la vie quotidienne, d'« incidents » amusants. la vie à la maison et des histoires de gens ordinaires dans environnement ordinaire. Ou vous pouvez vous passer d'histoires - capturez simplement les activités et les affaires quotidiennes. De telles peintures sont parfois appelées peinture de genre. A titre d’exemple, prenons l’œuvre de Van Gogh « Les Mangeurs de pommes de terre » (1885) présentée ci-dessus.
Genre historique
Les thèmes de la peinture sont variés, mais le genre historique se démarque à part. C'est l'image héros historiques et des événements. Le genre bataille lui est adjacent ; il présente des épisodes de guerre et de bataille.
Genre religieux et mythologique
DANS genre mythologique des œuvres de peinture ont été écrites sur les thèmes des contes anciens et anciens sur les dieux et les héros. Il convient de noter que l'image est de nature laïque et qu'elle diffère en cela des images de divinités présentées sur l'icône. D’ailleurs, la peinture religieuse ne concerne pas seulement les icônes. Elle unit travaux diversécrit sur des sujets religieux.
Choc des genres
Plus le contenu d’un genre est riche, plus ses « compagnons » apparaissent. Les genres peuvent se confondre, il y a donc une peinture qui ne peut être placée dans le cadre d'aucun d'entre eux. L'art est à la fois général (techniques, genres, styles) et individuel (une œuvre spécifique prise séparément). Une image séparée contient également quelque chose en commun. Par conséquent, de nombreux artistes peuvent avoir le même genre, mais les peintures qui y sont peintes ne sont jamais similaires. La culture de la peinture présente de telles caractéristiques.
Style
Le style est un aspect perception visuelle peintures Il peut combiner les œuvres d’un artiste ou les œuvres d’artistes d’une certaine période, mouvement, école ou localité.
Peinture académique et réalisme
La peinture académique est une direction particulière dont la formation est associée aux activités des académies d'art européennes. Il apparaît au XVIe siècle à l'Académie de Bologne, dont on cherche à imiter les maîtres de la Renaissance. Depuis le XVIe siècle, les méthodes d’enseignement de la peinture ont commencé à être basées sur le strict respect de règles et de règlements, suivant des modèles formels. L'art à Paris était considéré comme l'un des plus influents d'Europe. Elle promeut l’esthétique du classicisme qui dominait la France au XVIIe siècle. Académie de Paris ? Ayant contribué à la systématisation de l'éducation, elle transforme progressivement les règles de la direction classique en dogme. Ainsi, la peinture académique est devenue une direction particulière. Au XIXe siècle, certaines des manifestations les plus marquantes de l'académisme étaient les œuvres de J. L. Jérôme, Alexandre Cabannel et J. Ingres. Les canons classiques n'ont été remplacés par des canons réalistes qu'au tournant des XIXe et XXe siècles. C'est le réalisme qui est devenu la méthode d'enseignement de base dans les académies au début du XXe siècle et s'est transformé en système dogmatique.
Baroque
Le baroque est un style et une époque artistique caractérisés par l'aristocratie, le contraste, les images dynamiques, les détails simples décrivant l'abondance, la tension, le drame, le luxe, une fusion de réalité et d'illusion. Ce style est apparu en Italie vers 1600 et s'est répandu dans toute l'Europe. Le Caravage et Rubens en sont les représentants les plus éminents. Le baroque est souvent comparé à l'expressionnisme, mais contrairement à ce dernier, il n'a pas d'effets trop répugnants. Les peintures de ce style se caractérisent aujourd'hui par la complexité des lignes et l'abondance des ornements.
Cubisme
Le cubisme est un mouvement artistique d'avant-garde apparu au XXe siècle. Son créateur est Pablo Picasso. Le cubisme a révolutionné la sculpture et la peinture en Europe, inspirant la création de mouvements similaires dans les domaines de l'architecture, de la littérature et de la musique. La peinture artistique de ce style se caractérise par des objets recombinés et brisés qui ont une forme abstraite. Pour les représenter, de nombreux points de vue sont utilisés.
Expressionnisme
L'expressionnisme est une autre direction importante art contemporain, apparu en Allemagne dans la première moitié du XXe siècle. Au début, il ne couvrait que la poésie et la peinture, puis s'est étendu à d'autres domaines de l'art.
Les expressionnistes décrivent le monde de manière subjective, déformant la réalité pour créer un plus grand effet émotionnel. Leur objectif est de faire réfléchir le spectateur. L'expression dans l'expressionnisme prévaut sur l'image. On peut noter que de nombreuses œuvres sont caractérisées par des motifs de tourment, de douleur, de souffrance, de cris (l'œuvre d'Edvard Munch, présentée ci-dessus, s'appelle « Le Cri »). Les artistes expressionnistes ne s'intéressent pas du tout à la réalité matérielle ; leurs peintures sont remplies de sens profonds et d'expériences émotionnelles.
Impressionnisme
L'impressionnisme est un style de peinture visant principalement à travailler en plein air plutôt qu'en atelier. Il doit son nom au tableau « Impression, lever de soleil » de Claude Monet, présenté sur la photo ci-dessous.
Le mot « impression » langue anglaise- impression. Les peintures impressionnistes transmettent principalement le sens de la lumière de l’artiste. Les principales caractéristiques de la peinture de ce style sont les suivantes : des traits fins et à peine visibles ; les changements d'éclairage, restitués avec précision (l'attention est souvent portée sur l'effet du passage du temps) ; composition ouverte; objectif commun simple ; le mouvement comme élément clé de l’expérience et de la perception humaine. Les représentants les plus éminents d'un mouvement tel que l'impressionnisme sont Edgar Degas, Claude Monet et Pierre Renoir.
Modernisme
La prochaine direction est le modernisme, qui est né d'un ensemble de tendances dans champs variés l'art à la fin du 19e et au début du 20e siècle. Le « Salon des Rejetés » parisien a été ouvert en 1863. Les artistes dont les peintures n'étaient pas autorisées à entrer dans le salon officiel étaient exposés ici. Cette date peut être considérée comme la date de l’émergence du modernisme en tant que mouvement artistique distinct. Sinon, le modernisme est parfois appelé « un autre art ». Son objectif est de créer des tableaux uniques, pas comme les autres. La principale caractéristique des œuvres est la vision particulière du monde de l’auteur.
Les artistes dans leur travail se sont rebellés contre les valeurs du réalisme. La conscience de soi est une caractéristique frappante cette direction. Cela conduit souvent à l’expérimentation de la forme, ainsi qu’à un penchant pour l’abstraction. Les représentants du modernisme prêtent attention aux matériaux utilisés et au processus de travail. Attention particulière. Certains de ses représentants les plus éminents sont Henry Matisse (son œuvre « La Chambre Rouge » de 1908 est présentée ci-dessus) et Pablo Picasso.
Néoclassicisme
Le néoclassicisme est la direction principale de la peinture en Europe du Nord du milieu du XVIIIe siècle à la fin du XIXe. Elle se caractérise par un retour aux traits de la Renaissance antique et même de l'époque du classicisme. En termes architecturaux, artistiques et culturels, le néoclassicisme est apparu comme une réponse au rococo, perçu comme un style d'art superficiel et prétentieux. Les artistes néoclassiques, grâce à leur bonne connaissance des lois de l'Église, ont tenté d'introduire des canons dans leurs œuvres. Cependant, ils évitaient de se contenter de reproduire des motifs et des thèmes classiques. Les artistes néoclassiques ont tenté d'inscrire leurs peintures dans le cadre de la tradition et de démontrer ainsi leur maîtrise du genre. À cet égard, le néoclassicisme s'oppose directement au modernisme, où l'improvisation et l'expression de soi sont considérées comme des vertus. Ses représentants les plus célèbres sont Nicolas Poussin et Raphaël.
Pop Art
La dernière direction que nous considérerons est le pop art. Il est apparu en Grande-Bretagne au milieu des années 50 du siècle dernier et à la fin des années 50 en Amérique. On pense que le pop art est né d’une réaction aux idées dominantes de l’expressionnisme abstrait à l’époque. En parlant de cette direction, il est impossible de ne pas mentionner qu'en 2009, «Eight Elvises», une de ses peintures, a été vendue pour 100 millions de dollars.
Des genres de peinture sont apparus, ont gagné en popularité, ont disparu, de nouveaux sont apparus et des sous-types ont commencé à être distingués au sein des genres existants. Ce processus ne s'arrêtera pas tant qu'une personne existera et tentera de capturer le monde qui l'entoure, qu'il s'agisse de la nature, des bâtiments ou d'autres personnes.
Auparavant (jusqu'au XIXe siècle), il existait une division des genres picturaux en genres dits « élevés » (grand genre français) et genres « bas » (petit genre français). Cette division est apparue au XVIIe siècle. et était basé sur le sujet et l'intrigue représentés. A cet égard, à genres élevés inclus : bataille, allégorique, religieux et mythologique, et bas - portrait, paysage, nature morte, animalisme.
La division en genres est tout à fait arbitraire, car des éléments de deux genres ou plus peuvent être présents dans un tableau en même temps.
Animalisme, ou genre animalier
L'animalisme, ou genre animalier (du latin animal - animal) est un genre dans lequel le motif principal est l'image d'un animal. On peut dire que c'est l'un des genres les plus anciens, car... des dessins et des figures d'oiseaux et d'animaux étaient présents dans la vie des peuples primitifs. Par exemple, dans le tableau bien connu de I.I. Chichkine "Matin forêt de pins« La nature est représentée par l'artiste lui-même, et les ours sont représentés par un artiste complètement différent, spécialisé dans la représentation d'animaux.
I.I. Chichkine « Matin dans une forêt de pins » Comment distinguer une sous-espèce ? Genre hippique(du grec hippopotames - cheval) - un genre dans lequel le centre de l'image est l'image d'un cheval.
PAS. Sverchkov « Cheval dans l'écurie » Portrait
Le portrait (du mot français portrait) est une image dans laquelle l'image centrale est celle d'une personne ou d'un groupe de personnes. Le portrait transmet non seulement ressemblance extérieure, mais reflète également monde intérieur et transmet les sentiments de l’artiste envers la personne dont il peint le portrait.
C'EST À DIRE. Repin Portrait de Nicolas II Le genre du portrait est divisé en individuel(image d'une personne), groupe(image de plusieurs personnes), par la nature de l'image - à la porte d'entrée lorsqu'une personne est représentée dans pleine hauteur sur un fond architectural ou paysager important et chambre, lorsqu'une personne est représentée jusqu'à la poitrine ou à la taille sur un fond neutre. Un groupe de portraits, réunis selon certaines caractéristiques, forme un ensemble ou une galerie de portraits. Un exemple serait les portraits de membres de la famille royale.
Se démarque séparément autoportrait, dans lequel l'artiste se représente.
K. Briullov Autoportrait Le portrait est l'un des genres les plus anciens - les premiers portraits (sculpturaux) étaient déjà présents en l'Egypte ancienne. Un tel portrait faisait partie d'un culte de l'au-delà et était le « double » d'une personne.
Paysage
Le paysage (du français paysage - campagne, région) est un genre dans lequel l'image centrale est l'image de la nature - rivières, forêts, champs, mer, montagnes. Dans un paysage, l'essentiel est bien sûr l'intrigue, mais il n'en est pas moins important de transmettre le mouvement et la vie de la nature environnante. D'une part, la nature est belle et suscite l'admiration, mais d'autre part, il est assez difficile de la refléter dans une image.
C. Monet « Champ de coquelicots à Argenteuil » Une sous-espèce de paysage est paysage marin ou marina(du français marine, italien marina, du latin marinus - mer) - une image d'une bataille navale, de la mer ou d'autres événements se déroulant en mer. Un représentant éminent des peintres de marine est K.A. Aivazovsky. Il est à noter que l’artiste a écrit de mémoire de nombreux détails de ce tableau.
I.I. Aivazovsky "La Neuvième Vague" Cependant, les artistes s'efforcent souvent de peindre la mer d'après nature, par exemple W. Turner pour son tableau « Blizzard ». Le bateau à vapeur à l’entrée du port donne un signal de détresse après être entré dans des eaux peu profondes », a passé 4 heures attaché au pont du capitaine d’un navire naviguant dans une tempête.
W. Turner « Blizzard. Un bateau à vapeur à l'entrée du port donne un signal de détresse après avoir pénétré dans des eaux peu profondes." L’élément eau est également représenté dans un paysage fluvial.
Allouer séparément paysage urbain, dans lequel le sujet principal de l'image est les rues et les bâtiments de la ville. Un type de paysage urbain est Véduta– une image d’un paysage urbain sous forme de panorama, dont l’échelle et les proportions sont certainement conservées.
A. Canaletto « Place Saint-Marc »Il existe d'autres types de paysages - rural, industriel et architectural. Dans la peinture architecturale, le thème principal est l'image du paysage architectural, c'est-à-dire bâtiments, structures; comprend des images d'intérieurs (décoration intérieure des locaux). Parfois Intérieur(du français intérieur - internal) distingué comme genre distinct. Un autre genre se distingue dans la peinture architecturale -Capriccio(de l'italien capriccio, caprice, caprice) - paysage architectural fantastique.
Nature morte
La nature morte (du français nature morte - nature morte) est un genre dédié à la représentation d'objets inanimés placés dans un environnement commun et formant un groupe. La nature morte est apparue aux XVe et XVIe siècles, mais en tant que genre distinct, elle est apparue au XVIIe siècle.
Malgré le fait que le mot « nature morte » soit traduit par nature morte, dans les peintures il y a des bouquets de fleurs, de fruits, de poissons, de gibier, de plats - tout ressemble « à vivre », c'est-à-dire comme la vraie chose. Depuis son apparition jusqu'à nos jours, la nature morte a été genre important en peinture.
K. Monet « Vase aux fleurs » En tant que sous-espèce distincte, nous pouvons distinguer Vanités(du latin Vanitas - vanité, vanité) est un genre de peinture dans lequel la place centrale dans l'image est occupée par un crâne humain, dont l'image est destinée à rappeler la vanité et la fragilité de la vie humaine.
Le tableau de F. de Champagne présente trois symboles de la fragilité de l'existence - la Vie, la Mort, le Temps à travers les images d'une tulipe, d'un crâne, d'un sablier.
Genre historique
Genre historique - un genre dans lequel les peintures représentent événements importants et les phénomènes socialement significatifs du passé ou du présent. Il est à noter que l'image peut être dédiée non seulement à des événements réels, mais également à des événements mythologiques ou, par exemple, décrits dans la Bible. Ce genre est très important pour l'histoire, à la fois pour l'histoire des peuples et des États individuels, et pour l'humanité dans son ensemble. Dans les peintures, le genre historique peut être indissociable d'autres types de genres - portrait, paysage, genre de bataille.
C'EST À DIRE. Repin "Les Cosaques écrivent une lettre au sultan turc" 
K. Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » Genre de bataille
Le genre bataille (du français bataille - bataille) est un genre dans lequel les peintures représentent le point culminant d'une bataille, des opérations militaires, un moment de victoire, des scènes de la vie militaire. Pour peinture de bataille image caractéristique dans la peinture grande quantité de personnes.
Les AA Deineka "Défense de Sébastopol" Genre religieux
Le genre religieux est un genre dans lequel le principal scénario– biblique (scènes de la Bible et de l'Évangile). Le thème concerne la peinture religieuse et la peinture d'icônes, la différence entre elles est que les peintures à contenu religieux ne participent pas aux services religieux, et pour l'icône, c'est le but principal. Iconographie traduit du grec. signifie « image de prière ». Ce genre était limité par le cadre strict et les lois de la peinture, car n'est pas destiné à refléter la réalité, mais à transmettre l'idée du principe de Dieu, dans lequel les artistes recherchent un idéal. En Russie, la peinture d'icônes atteint son apogée aux XIIe et XVIe siècles. La plupart noms célèbres peintres d'icônes – Théophane le Grec (fresques), Andrei Rublev, Denys.
A. Rublev «Trinité» Comment se démarque l'étape de transition de la peinture d'icônes au portrait Parsuna(déformé du latin persona - personne, personne).
Parsun d'Ivan le Terrible. auteur inconnu Genre quotidien
Les peintures représentent des scènes Vie courante. Souvent, l'artiste écrit sur ces moments de la vie dont il est contemporain. Caractéristiques distinctives Ce genre repose sur le réalisme des peintures et la simplicité de l'intrigue. L’image peut refléter les coutumes, les traditions et la structure de la vie quotidienne d’un peuple particulier.
À peinture domestique inclure un tel de célèbres tableaux comme « Les transporteurs de barges sur la Volga » de I. Repin, « Troïka » de V. Perov, « Mariage inégal » de V. Pukirev.
I. Repin « Transporteurs de barges sur la Volga » Genre épique-mythologique
Genre épique-mythologique. Le mot mythe vient du grec. « mythe », qui signifie tradition. Les peintures représentent les événements des légendes, des épopées, des traditions, des mythes grecs anciens, des contes anciens, des intrigues d'œuvres folkloriques.
P. Véronèse "Apollon et Marsyas" Genre allégorique
Genre allégorique (du grec allegoria - allégorie). Les images sont peintes de telle manière qu'elles ont sens caché. Des idées et des concepts insignifiants, invisibles à l'œil nu (le pouvoir, le bien, le mal, l'amour), sont transmis à travers des images d'animaux, de personnes et d'autres êtres vivants dotés de caractéristiques inhérentes dont le symbolisme est déjà ancré dans l'esprit des gens et aide à comprendre. sens général travaux.
L. Giordano « L'amour et les vices désarment la justice » Pastorale (du français pastorale - pastorale, rurale)
Un genre de peinture qui glorifie et poétise la vie rurale simple et paisible.
F. Boucher « Pastorale d'Automne » Caricature (de l'italien caricare - exagérer)
Un genre dans lequel, lors de la création d'une image, on applique consciemment effet comique en exagérant et en accentuant les traits, les comportements, les vêtements, etc. Le but d'une caricature est d'offenser, contrairement, par exemple, à une caricature (de l'accusation française), dont le but est simplement de se moquer. Des concepts tels que l’imprimé populaire et le grotesque sont étroitement liés au terme « caricature ».
Nu (du français nu - nu, déshabillé)
Le genre dans lequel les peintures représentent le corps humain nu est le plus souvent féminin.
Titien Vecellio "Vénus d'Urbino" Tromperie, ou trompe l'œil (du français. trompe-l'oeil - illusion d'optique)
Genre, traits de caractère lequel - mouvements spéciaux, créant une illusion d'optique et permettant de brouiller la frontière entre réalité et image, c'est-à-dire l'impression trompeuse selon laquelle un objet est tridimensionnel alors qu'il est bidimensionnel. Parfois, la blende est considérée comme un sous-type de nature morte, mais parfois des personnes sont également représentées dans ce genre.
Per Borrell del Caso « Fuir les critiques » Pour compléter la perception des leurres, il convient de les considérer dans l'original, car la reproduction est incapable de transmettre pleinement l’effet représenté par l’artiste.
Jacopo de Barberi "La perdrix et les gants de fer" Image thématique
Un mélange de genres traditionnels de peinture (domestique, historique, bataille, paysage, etc.). D'une autre manière, ce genre est appelé composition de figures, ses traits caractéristiques sont : Le rôle principal une personne joue, la présence d'une action et d'une idée socialement significative, des relations (conflits d'intérêts/personnages) et des accents psychologiques sont nécessairement montrés.
V. Sourikov « Boyaryna Morozova » gothique(de l'italien gotico - inhabituel, barbare) - une période de développement de l'art médiéval, couvrant presque tous les domaines de la culture et se développant en Occident, en Central et en partie de l'Europe de l'Est du XIIe au XVe siècles. Le gothique a complété le développement de l’art médiéval européen, né des acquis de la culture romane, et à la Renaissance, l’art médiéval était considéré comme « barbare ». L’art gothique avait un objectif cultuel et un thème religieux. Il abordait les puissances divines les plus élevées, l’éternité et la vision chrétienne du monde. Le gothique dans son développement est divisé en gothique primitif, Heyday et gothique tardif.
Les célèbres cathédrales européennes, que les touristes aiment photographier en détail, sont devenues des chefs-d'œuvre du style gothique. En design d'intérieur Cathédrales gothiques a joué un rôle important solutions de couleurs. La décoration extérieure et intérieure était dominée par l'abondance des dorures, la luminosité de l'intérieur, l'ajourage des murs et la dissection cristalline de l'espace. La matière était dépourvue de lourdeur et d'impénétrabilité ; elle était pour ainsi dire spiritualisée.
Les immenses surfaces des fenêtres étaient remplies de vitraux avec des compositions reproduisant des événements historiques, des contes apocryphes, des sujets littéraires et religieux, des images scènes de tous les jours de la vie de simples paysans et artisans, qui ont fourni une encyclopédie unique sur le mode de vie au Moyen Âge. Les kona étaient remplis de haut en bas de compositions figurées, enfermées dans des médaillons. La combinaison de la lumière et de la couleur dans la peinture utilisant la technique du vitrail confère une émotivité accrue aux compositions artistiques. Une variété de verres ont été utilisés : écarlate profond, ardent, rouge, grenat, vert, jaune, bleu foncé, bleu, outremer, découpés le long du contour du motif... Les fenêtres chauffaient comme des pierres précieuses, imprégnées de lumière extérieure. - ils ont transformé tout l'intérieur du temple et ont mis ses visiteurs dans une ambiance élevée.
Grâce au verre coloré gothique, de nouvelles valeurs esthétiques sont nées et les couleurs ont acquis la plus haute sonorité de couleur rayonnante. La couleur pure crée une atmosphère aérienne, peinte dans des tons différents grâce aux jeux de lumière sur les colonnes, les sols et les vitraux. La couleur est devenue une source de lumière qui approfondit la perspective. Les verres épais, souvent inégaux, étaient remplis de bulles pas entièrement transparentes, renforçant l'effet artistique du vitrail. La lumière, traversant l'épaisseur inégale du verre, se fragmenta et commença à jouer.
Les meilleurs exemples de vitraux gothiques authentiques sont visibles dans les cathédrales de Chartres, Bourges et Paris (par exemple « La Vierge à l'Enfant »). Rempli de non moins de splendeur, ainsi que « Roues de feu » et « Lancement d'éclairs » dans la cathédrale de Chartres.
À partir du milieu du Ier siècle, les couleurs complexes obtenues par duplication de verre commencent à être introduites dans la gamme colorée. Des vitraux si extraordinaires dans style gothique conservé à Sainte-Chapelle (1250). Les contours ont été appliqués sur le verre à l’aide de peinture émail brune et les formes étaient de nature plane.
L'ère gothique est devenue l'apogée de l'art des livres miniatures, ainsi que des miniatures artistiques. Le renforcement des tendances laïques de la culture n'a fait qu'intensifier leur développement. Les illustrations avec des compositions à plusieurs figures sur des thèmes religieux comprenaient divers détails réalistes : images d'oiseaux, d'animaux, de papillons, ornements de motifs végétaux et scènes de la vie quotidienne. Les œuvres du miniaturiste français Jean Pussel sont remplies d'un charme poétique particulier.
Dans l'évolution des miniatures gothiques françaises des XIIIe et XIVe siècles place de premier planétait occupé par une école parisienne. Le Psautier de Saint Louis regorge de compositions à plusieurs figures encadrées par un seul motif architecture gothique, c'est pourquoi le récit acquiert une harmonie extraordinaire (Louvre, Paris, 1270). Les figures des dames et des chevaliers sont gracieuses, leurs formes se distinguent par des lignes fluides, ce qui crée l'illusion de mouvement. La richesse et la densité des couleurs, ainsi que l'architecture décorative du dessin, font de ces miniatures des œuvres d'art uniques et des décorations de pages précieuses.
Le style du livre gothique se distingue par des formes pointues, un rythme angulaire, de l'agitation, des motifs ajourés en filigrane et des lignes sinueuses peu profondes. Il convient de noter qu’aux XIVe et XVe siècles, des manuscrits profanes étaient également illustrés. Livres d'heures, traités scientifiques, recueils de chansons d'amour et chroniques regorgent de magnifiques miniatures. La miniature, illustrant des œuvres de la littérature courtoise, incarnait l'idéal de l'amour chevaleresque, ainsi que des scènes de la vie ordinaire qui nous entoure. Une création similaire est le manuscrit de Manes (1320).
Au fil du temps, le gothique est devenu plus raconté. Les « Grandes Chroniques françaises » du XIVe siècle démontrent clairement la volonté de l’artiste de pénétrer dans le sens de l’événement qu’il représente. Parallèlement à cela, les livres recevaient une élégance décorative grâce à l’utilisation de vignettes exquises et de cadres aux formes fantaisistes.
Les miniatures gothiques ont eu une grande influence sur la peinture et ont apporté un courant vivant dans l'art du Moyen Âge. Le gothique n'est pas seulement devenu un style, mais un maillon important en général développement culturel société. Les maîtres du style avec une précision incroyable ont su reproduire l'image de leur contemporain en matière de sujet et environnement naturel. Les œuvres gothiques majestueuses et spirituelles sont entourées d’une aura au charme esthétique unique. Le gothique a donné naissance à une nouvelle compréhension de la synthèse des arts et ses conquêtes réalistes ont préparé le terrain pour la transition vers l'art de la Renaissance.