Ce terme désigne des types d'art unis par la perception visuelle - peinture, graphisme, sculpture, photographie. L'architecture et les œuvres d'art décoratif sont souvent classées parmi les types de beaux-arts. arts appliqués, puisqu'ils se caractérisent également par la prédominance de la forme visuelle de perception.
Excellente définition
BEAUX-ARTS
groupe d'arts (peinture, graphisme, sculpture), reproduisant le monde environnant en images visuelles. Incorporant perception visuelle monde sur un plan ou dans l’espace, les arts visuels sont limités dans la transmission de l’action dans le temps, mais cela ne signifie pas qu’ils décrivent le monde de manière statique, comme figé. Les beaux-arts sont capables de transmettre le mouvement, de montrer la vie en développement, de recréer non seulement l'apparence sensorielle des objets, mais également la nature spirituelle des phénomènes représentés. Dans la sculpture, par exemple, un seul moment de ce qui se passe est enregistré, mais c'est à ce moment qu'une généralisation d'une grande puissance peut être concentrée. Les beaux-arts sont divisés en chevalet et monumental. Les œuvres d'art sur chevalet (« une machine » est un chevalet, une machine sculpturale) – peintures, gravures, dessins, sculptures de chambre, etc. – ont un caractère indépendant. Les œuvres d'art monumentales - monuments, monuments, panneaux monumentaux, sculptures de parc, etc. - sont créées pour un environnement architectural spécifique et peuvent remplir des fonctions décoratives. Les arts décoratifs et appliqués se tournent souvent vers la forme visuelle, bien que la représentation de la réalité ne soit pas une reproduction directe de phénomènes réels. Les principaux moyens visuels et expressifs sont le dessin, la couleur, le plastique, le clair-obscur, etc. différents types arts visuels ces fonds sont utilisés dans des proportions inégales. Ainsi, en sculpture, contrairement à la peinture, la couleur joue rôle mineur; Pour le graphisme, les traits les plus caractéristiques sont le dessin et le trait.
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ART
groupe de types d'art créativité qui reproduit la réalité visuellement perçue. Prod. Moi et. avoir une forme objective qui ne change pas dans le temps et dans l'espace. K I. et. comprennent : la peinture, la sculpture, le graphisme, l'art monumental et, dans une large mesure, les arts décoratifs et appliqués, qui font souvent appel à la forme visuelle, mais cela n'est pas obligatoire ; Capacité I. et. recréer sous une forme clairement reconnaissable toute la diversité du monde visible détermine ses larges capacités artistiques et cognitives, le pouvoir de persuasion immédiat de sa production. La réalité est reproduite dans I. et. selon les caractéristiques de ses différents types dans telles et grâce à des propriétés objectives telles que la forme matérielle des objets et l'environnement spatial, telles que le volume, la couleur, la lumière, la texture de l'objet, etc. I. et. est capable non seulement d'enregistrer la perception visuelle directe des phénomènes du monde, mais également de transmettre leur mouvement et leur évolution dans le temps et l'espace. La peinture, la production, possède des capacités spécifiques dans ce domaine. coupé - l'image est un artiste existant indépendamment. un monde qui recrée les propriétés de la réalité avec une extrême complétude. Moi et. capable de pénétrer essence intérieure phénomènes perçus sous leur forme visible, révèlent leur interrelation, évaluent le sens et la signification, c'est-à-dire recréent non seulement l'apparence sensorielle de la réalité, mais aussi son essence spirituelle, y compris monde intérieur l'homme, son exploration spirituelle de la nature, l'incarnation d'idées sociales, politiques, philosophiques et éthiques. Pour cette raison, je. et. joue un rôle important dans la vie spirituelle de la société, étant au centre de la lutte des idées sociales, agissant comme une force active vie sociale. Les capacités spécifiques du réalisme, qui sont mises en œuvre de la manière la plus cohérente et la plus complète dans l'art réaliste. créativité (réalisme), acquièrent diverses modifications dans certaines conditions historiques. Dans l'histoire. les procès sont connus pour les périodes de réglementation stricte de I. et. et même l'imposition d'un interdit religieux sur la sculpture, sur la représentation d'êtres vivants. Dans les situations de crise de l'histoire de la culture, des concepts surgissent qui nient le droit de l'histoire et de l'histoire. pour l'incarnation du spirituel, contenu idéologique(par exemple, l'iconoclasme byzantin, nombre de mouvements modernistes du XXe siècle, qui ne voient dans la peinture que de la peinture appliquée sur la toile, et « abolissent » complètement le début pictural de l'art). Basé sur différents artistes. méthodes, I. et. s'adresse également à l'artiste vivant. la forme et à l'art. conventions, utilise des symboles, des métaphores, des associations qui, dans certains types et genres de I. et., reflètent la réalité et atteignent une plus grande profondeur d'impact social. (par exemple, dans une affiche) sont une propriété indispensable de l'artiste. image.
Les beaux-arts, leurs types et genres.
1. Le rôle de l'art dans la vie de la société.
2. Types de beaux-arts (peinture, graphisme, architecture, sculpture, arts décoratifs et appliqués).
3. Genres des beaux-arts (mythologique, religieux, quotidien, historique, bataille, portrait, paysage, animalier ; nature morte) (préparation d'un résumé).
4. Étapes de développement des beaux-arts (préparation d'un résumé).
1. L'art est l'une des formes de conscience sociale. La base de l'art est un reflet artistique et figuratif de la réalité. L'art connaît et évalue le monde, façonne l'image spirituelle des gens, leurs sentiments et leurs pensées, leur vision du monde, éduque une personne, élargit ses horizons, éveille ses capacités créatives. L'art est fondamentalement populaire.
Le rôle cognitif de l’art le rapproche de la science. L'artiste, comme le scientifique, s'efforce de comprendre le sens des phénomènes de la vie, de voir dans les schémas aléatoires, éphémères, les plus caractéristiques et les plus typiques du développement de la réalité. Une connaissance approfondie de la réalité est finalement associée au désir de la transformer et de l’améliorer. L'homme maîtrise les forces de la nature, apprend les lois du développement de la société afin de changer le monde en fonction des besoins et des objectifs que le collectif se fixe, la société contrairement à la science, l'art exprime la vérité non pas dans des concepts abstraits, mais dans. plein de vie des images spécifiques.
Le but de l'art est de révéler leur véritable essence dans les phénomènes de la vie qui nous entourent, de montrer clairement dans des images impressionnantes les choses les plus importantes pour l'homme et la société. Un des principaux techniques artistiques sert à généraliser l'image, sa typification. Il permet de montrer clairement le beau dans la vie, d'exposer le laid et le mal. L'art de chaque époque est inextricablement lié à culture nationale Et conditions historiques, avec la lutte des classes, avec le niveau de vie spirituelle de la société.
2. L'une des tâches principales de notre société face au système éducation moderne, est la formation de la culture de la personnalité. Former la culture de la jeune génération est impossible sans aborder valeurs artistiques accumulée par la société au cours de son existence. Afin de mieux comprendre l’art d’une certaine époque, il est nécessaire de naviguer dans la terminologie de l’histoire de l’art. Connaître et comprendre l'essence de chaque forme d'art. Ce n’est que si l’on maîtrise le système catégorique-conceptuel qu’on sera en mesure de comprendre pleinement la valeur esthétique des monuments d’art.
Les types d'art sont des formes d'activité créatrice historiquement établies qui ont la capacité de réaliser artistiquement le contenu de la vie et diffèrent par les méthodes de son incarnation matérielle.
PEINTURE
La peinture est un art visuel plat dont la spécificité est de représenter l'image à l'aide de peintures appliquées sur la surface. monde réel, transformé par l'imagination créatrice de l'artiste. Peindre signifie « peindre la vie », « peindre de manière vivante », c'est-à-dire transmettre la réalité de manière complète et convaincante. La peinture est l'art de la couleur.
La peinture est divisée en :
- monumental - fresque (de l'italien Fresco) - peinture sur plâtre humide avec des peintures diluées dans l'eau et mosaïque (du français mosaiqe) une image faite de pierres colorées, de smalt (Smalt est du verre transparent coloré.), de carreaux de céramique.
- chevalet (du mot "machine") - une toile créée sur un chevalet.
La peinture est représentée dans différents genres :
- Un portrait a pour tâche principale de transmettre une idée de l'apparence extérieure d'une personne, de révéler le monde intérieur d'une personne, de souligner son individualité, son image psychologique et émotionnelle.
- Paysage - reproduit le monde environnant dans toute sa diversité de formes. Image paysage marin défini par le terme marinisme.
- Nature morte - représentation d'articles ménagers, d'outils, de fleurs, de fruits. Aide à comprendre la vision du monde et le mode de vie d'une certaine époque.
- Genre historique- parle d'histoire les points importants vie de la société.
- Genre quotidien- reflète la vie quotidienne des gens, les mœurs, les coutumes, les traditions d'un groupe ethnique particulier.
- L'iconographie (traduite du grec par « image de prière ») est l'objectif principal de guider une personne sur le chemin de la transformation.
-L'animalisme est l'image d'un animal comme personnage principal d'une œuvre d'art.
Une œuvre d'art réalisée avec des peintures (huile, détrempe, aquarelle, gouache, etc.) appliquées sur n'importe quelle surface est appelée peinture.
Tempera - peinture végétale moulue sur jaune d'oeuf, utilisée dans l'Egypte ancienne (aujourd'hui acétate de polyvinyle, synthétique, huile de caséine). La détrempe est diluée avec de l'eau et n'est pas lavée après séchage. Les peintures à l'huile ont commencé à être utilisées à partir de la Renaissance, au XVIe siècle. Gouache - peintures opaques, mates, denses, diluées avec de l'eau, dans la composition de chacune peinture à la gouache comprend le badigeon, apparu au Moyen Âge. Aquarelle - peintures sur colle végétale, diluées avec de l'eau. Apparu au XVIe siècle. Peinture sur chevalet - peintures peintes sur toile, papier, carton, montées sur chevalet. Peinture monumentale - grandes peintures à l'intérieur et à l'extérieur des bâtiments (murs, plafonds, colonnes, piliers, supports, etc.), fresques, panneaux, peintures, mosaïques.
Il convient de noter des types de peinture tels que la peinture décorative, la peinture d'icônes, la miniature, le théâtre et la décoration. La mosaïque (du latin musiqum, littéralement dédié aux muses) est l'un des types d'art monumental. Les images et les motifs des mosaïques sont constitués de morceaux de diverses pierres, verre (smalt), céramique, bois et autres matériaux.
Arts graphiques(du grec grapho - j'écris, je dessine) - une image sur un plan utilisant des lignes, un trait, un contour, une tache et un ton. Le graphisme est appelé l’art du noir et blanc. Toutefois, cela n’exclut pas l’utilisation de la couleur dans les graphiques. Les graphismes comprennent également des œuvres multicolores réalisées sur papier : gravures en couleurs, dessins aux crayons de couleur, pastels sanguins et aquarelles.
Les graphiques comprennent des dessins et divers types de graphiques imprimés (gravure sur bois (gravure sur bois), métal (gravure), linogravure - sur linoléum, lithographie sur pierre).
Selon l'objet du calendrier, il est divisé selon les types suivants :
- chevalet - le dessin lui-même ;
- livre et journal-magazine ;
- arts appliqués - cartes de vœux, calendriers colorés, enveloppes pour dossiers ;
- graphisme industriel - étiquettes pour emballages divers, conception de produits industriels et alimentaires ;
- affiche (traduite du français - annonce, affiche) - un type de graphisme, une image laconique et accrocheuse, conçue pour l'attention générale, accompagnée de texte (publicité politique, de propagande, éducative, publicitaire, environnementale, sportive, théâtrale, cinématographique, etc. . .d.);
- conception graphique - polices et diverses images emblématiques.
Architecture- (latin arhitektura, du grec archi - main et tektos - construire, ériger), architecture (zye - argile russe, ériger) - art de la construction.
Trois types d'architecture :
1. Bâtiments volumétriques - lieux de culte (églises, temples), publics (écoles, théâtres, stades, magasins), industriels (usines, usines) et autres bâtiments.
2. Architecture paysagère - belvédères, ponts, fontaines et escaliers pour places, boulevards, parcs.
3. Urbanisme - la création de nouvelles villes et la reconstruction des anciennes.
Formes structures architecturales dépendent des conditions géographiques et climatiques, de la nature du paysage, de l'intensité lumière du soleil, sécurité sismique, etc. L'architecture ne reproduit pas directement la réalité, elle n'est pas de nature picturale, mais expressive.
Sculpture(latin sculptura, de sculpo - couper, sculpter, sculpture, plastique) - un type d'art dans lequel l'artiste crée des images tridimensionnelles. La sculpture comprend les œuvres d'art créées par la sculpture, la sculpture, le moulage et le gaufrage.
Selon sa destination, la sculpture peut être :
- monumentaux (monuments, ensembles mémoriels) ;
- chevalet (musée : statues, portraits, scènes de genre) ;
- monumentaux et décoratifs (sculpture décorative dans les jardins et parcs, reliefs et statues) ;
- sculpture de petites formes.
Par genre, la sculpture est divisée en :
- portraits ;
- genre (quotidien - reproduction de diverses scènes du quotidien) ;
- animalier (image d'animaux) ;
- historique (portraits de personnages historiques et scènes historiques)
Types de sculptures :
Rond, librement localisé dans l'espace réel :
Tête; bousiller; groupe sculptural.
Le relief (traduit du français - élever) est un type d'art dans lequel des images tridimensionnelles sont situées sur un plan - un type de sculpture conçu principalement pour la perception frontale.
Le contre-relief est un relief en profondeur utilisé pour les images imprimées ou pour la visualisation à contre-jour.
Un relief avec un contour profond et un modelage convexe de la forme était utilisé dans l'Egypte ancienne.
Le bas-relief (bas-relief français - bas-relief) est un type de relief convexe dans lequel l'image (figure, objet, ornement) dépasse du plan de moins de la moitié de son volume.
Le haut-relief (français hout-relief - haut-relief) est un type de relief dans lequel les images (figures, objets) dépassent du plan de plus de la moitié de leur volume et les parties individuelles peuvent s'éloigner complètement du plan.
Art décoratif(du latin dekoro - décorer) - un des types d'arts plastiques. Il est divisé en :
monumental et décoratif : vitrail (lat. vitrum - verre) - travail art décoratif, en verre coloré; peintures, fresques ; mosaïques décoratives, sculptures de jardin;
PPP- le domaine des arts décoratifs : la création de produits artistiques ayant une utilité pratique dans la vie quotidienne et se distinguant par une uniformité décorative. Les objets ne doivent pas seulement être confortables, mais doivent également apporter un plaisir esthétique à une personne.
Le design (design anglais - concevoir, construire, dessiner) est le processus de création de nouveaux objets, outils, équipements, la formation du domaine. Son objectif est d'organiser un environnement esthétique holistique pour la vie humaine. Zone de conception - appareils électroménagers, vaisselle, meubles, machines, Véhicules, graphisme industriel, vêtements, maquillage, phytodesign, etc.
3. Genres de peinture
Portrait(Image française) - une image d'une personne ou d'un groupe de personnes. Sauf ressemblance extérieure les artistes s'efforcent dans un portrait de transmettre le caractère d'une personne, son monde spirituel.
Distinguer intimiste, formel, de groupe, pour enfants portraits.
Autoportrait- la représentation de lui-même par l'artiste.
Paysage(Paus français - région, patrie) - une image de la nature, des types de terrain, du paysage. Le paysage est divisé en : rural, urbain, industriel, marin, etc. ; peut être historique, héroïque, fantastique, lyrique, épique.
Nature morte(naturemorte française - nature morte) - une image d'objets inanimés (légumes, fruits, fleurs, articles ménagers, ustensiles, nourriture, gibier, attributs de l'art).
Genre de bataille(du français bataille - bataille, bataille) est consacré aux thèmes de la guerre, des batailles, des campagnes et des épisodes de la vie militaire.
Historique- dédié aux phénomènes et événements historiques. Très souvent, ces deux genres se retrouvent dans une seule œuvre, formant. bataille-historique genre.
Domestique reflète la vie quotidienne des gens, la structure sociale et nationale, la morale et le mode de vie d'une certaine époque historique.
Animaliste (du latin animal - animal) est associé à la représentation d'animaux dans la peinture, le graphisme et la sculpture.
Mythologique ou fabuleux-épique est dédié aux événements et aux héros dont parlent les mythes, légendes, traditions, contes et contes de fées, épopées des peuples du monde.
Pour mémoriser rapidement et efficacement les définitions de certains genres de peinture, il peut être demandé aux enfants de les mémoriser sous forme poétique.
4. Développement de la pensée artistique et pédagogique nationale et étrangère et de la pratique éducative artistique dans le contexte du développement des beaux-arts. La capacité de dessiner a toujours été et est d'une importance non négligeable pour une personne, et son utilisation a servi et continue de servir d'un des moyens de communication entre les gens. L’homme a commencé à développer ses talents de dessinateur dès l’Antiquité. Déjà les peuples primitifs avant a obtenu un grand succès dans ce domaine, comme en témoignent les dessins trouvés par les archéologues. Parmi ces images, nous trouvons une image au rendu convaincant d'un renne cheval des steppes et d'autres scènes de la vie réelle.
L'homme a accumulé de l'expérience dans le dessin de lignes et de motifs, dans la représentation d'animaux et même de personnes depuis des milliers d'années. Homme primitif peint au fusain et à la pierre taillée, et aux peintures ocres. Ceci est indiqué par les peintures conservées des murs et des plafonds des grottes de Combarel, Les Eisy, Altamira (Espagne), dans les régions montagneuses du Sahara et dans la grotte du Cap dans l'Oural.
Il est particulièrement important de noter que toutes ces images étaient de nature rituelle magique et constituaient donc une forme unique de transmission de la pensée humaine. Sur cette base, naît et se développe ensuite l'écriture, d'abord pictographique (dessin), puis idéographique, où chaque signe correspond à un mot ou une partie de celui-ci, et enfin la lettre-son. Compétences de dessin primitif acquis par l’observation directe et l’imitation. Il n’y avait pas d’apprentissage en tant que tel à l’époque paléolithique.
Le caractère agricole et artisanal du néolithique a modifié l'attitude de l'homme à l'égard de l'art. Les gens ont commencé à utiliser leur capacité à dessiner pour décorer vos objets d'artisanat, principalement image d’objets de poterie. Les produits de l'art de la poterie étaient recouverts d'ornements. Dans différents pays, il avait ses propres types et caractéristiques. À cet égard, des méthodes pédagogiques ont commencé à émerger. L'artiste-artisan ne reste plus indifférent à la réussite de son élève. Ainsi, des techniques et des méthodes pédagogiques ont commencé à se développer. Mais il n’existait pas encore de principes pédagogiques clairement développés. Une véritable formation artistique, avec l'organisation d'écoles, n'est apparue qu'à l'ère de la civilisation.
Organisation des écoles dans l'Egypte ancienne. Système d'éducation et de formation, canons dans l'Egypte ancienne. Des documents historiques indiquent que dans l’Egypte ancienne, le dessin était enseigné dans les écoles en même temps que le dessin. Après avoir obtenu son diplôme scolaire, le jeune homme devait être capable de mesurer et de dessiner la superficie d'un champ, d'esquisser un plan d'étage, de dessiner et de dessiner un schéma d'un canal. Ainsi, nous rencontrons pour la première fois le dessin comme matière d’enseignement général chez les anciens Égyptiens.
Lorsqu'on apprenait aux enfants à lire et à écrire, l'attention principale était portée au dessin, car la nature même de l'écriture hiéroglyphique exigeait la représentation de toutes sortes d'objets. Dans l’Egypte ancienne, pour la première fois, le dessin devient une matière d’enseignement scolaire, qui n’est plus enseignée occasionnellement, mais systématiquement. La méthode et le système d'enseignement de tous les artistes-enseignants étaient les mêmes, car les canons et règles approuvés prescrivaient le respect le plus strict de toutes les normes établies.
Il convient également de noter que les Égyptiens ont jeté les bases de la justification théorique de la pratique du dessin. Ils furent les premiers à établir les lois de l’image et à les enseigner aux nouvelles générations. On ne sait pas s'il existait une théorie du processus d'apprentissage lui-même - la didactique, mais apparemment il y avait quelque chose de similaire, puisque l'existence même des canons parle de règles claires et de lois de représentation que les étudiants devaient strictement observer.
L'enseignement du dessin dans l'Egypte ancienne s'est construit non pas sur la base de la connaissance du monde qui l'entoure, mais sur mémoriser des schémas et des canons, copier des échantillons.
Formation et éducation dans la Grèce antique Les artistes de la Grèce antique ont abordé le problème de la formation et de l'éducation d'une manière nouvelle et ont considérablement enrichi les méthodes d'enseignement. Ils ont encouragé les jeunes artistes à étudier attentivement la réalité, à y trouver l'harmonie et ont soutenu que la plus belle chose dans la vie est l'homme. Dans leurs travaux théoriques, les artistes grecs ont souligné qu'un modèle strict règne dans le monde et que l'essence de la beauté réside dans l'ordre harmonieux, dans la symétrie, dans l'harmonie des parties et du tout, dans des relations mathématiques correctes. Donc, en 432 avant JC. e. En Sikyone, le sculpteur Polyclète d'Argos a écrit l'essai « Canon » sur la relation proportionnelle idéale entre les parties du corps humain. Pour illustrer ses principes théoriques, il crée la statue « Doriphoros », ou « Lancier », qui commence à être utilisée comme support pédagogique et visuel. Non seulement des jeunes gens étudiant les beaux-arts, mais aussi des étudiants des écoles secondaires ont réalisé des dessins à partir de cette sculpture. Les artistes-enseignants grecs ont été les premiers à établir une méthode d'enseignement du dessin, en qui était basé sur le dessin d’après nature. Dans la Grèce antique, le dessin commençait à être considéré comme une matière d’enseignement général.
L'ère de la Rome antique, Il semblerait qu'il était censé développer les réalisations des artistes-enseignants grecs. Les Romains respectaient les œuvres d’art exceptionnelles. Ils appréciaient particulièrement les œuvres des artistes grecs. Les riches rassemblaient des collections de peintures et les empereurs construisaient des pinacothèques (musées) publiques.
Cependant, en réalité, les Romains n’ont rien introduit de nouveau dans la méthodologie et le système d’enseignement. Ils ne profitaient que des réalisations des artistes grecs ; De plus, ils n’ont pas réussi à préserver de nombreux principes précieux de la méthodologie d’enseignement du dessin.
Au Moyen Âge les réalisations de l'art réaliste ont été rejetées. Les artistes du Moyen Âge ne connaissaient ni les principes de construction d'une image sur plan ni les méthodes pédagogiques développées par les Grecs. Lors de la formation du christianisme, les œuvres théoriques des grands maîtres grecs, ainsi que de nombreuses œuvres d'art célèbres, ont été détruites de manière barbare.
La Renaissance s'ouvre nouvelle ère tant dans l'histoire du développement des beaux-arts que dans le domaine des méthodes d'enseignement du dessin. Bien que dessiner soit comme sujet académique n'était pas inclus dans cours scolaire, pourtant la Renaissance a apporté une grande contribution à la théorie des méthodes d'enseignement du dessin tant pour la formation professionnelle que pour l'enseignement général. Les artistes de cette époque ont redéveloppé la théorie des beaux-arts et en même temps les méthodes d'enseignement du dessin.
En donnant une base scientifique à la méthode d'enseignement, Alberti considère ainsi le dessin non pas comme un exercice mécanique, mais comme un exercice de l'esprit. Cette sage attitude donnera plus tard à Michel-Ange l’occasion de dire : « On dessine avec la tête, pas avec les mains. »
Faisons attention à la séquence méthodologique de présentation du matériel pédagogique dans l’œuvre d’Albert. Dans le premier livre, il expose un système de formation strict. La connaissance commence par un point et des lignes droites, puis se familiarise avec différents angles, puis avec des plans et enfin avec des corps volumétriques. Par souci de cohérence, Alberti présente à l'étudiant les principes de base de la perspective linéaire et explique les propriétés des rayons de vision. Ici, il aborde également les questions de perspective aérienne. Alberti attache une grande importance à la démonstration personnelle du professeur.
Le prochain ouvrage qui a eu une grande influence sur le développement des méthodes d'enseignement du dessin est « Le Livre de la peinture » de Léonard de Vinci. Ce livre aborde les questions du dessin et, ce qui est particulièrement important, Léonard considère le dessin comme une activité sérieuse. discipline scientifique. Il était engagé dans des recherches anatomiques, établissant les lois de proportionnalité du corps humain et consacrait beaucoup de temps à la justification scientifique de la théorie du dessin.
Pour résumer les activités des artistes de la Renaissance, notons tout d'abord le travail colossal qu'ils ont réalisé dans le domaine de la justification scientifique et théorique des règles du dessin. Leurs travaux sur la perspective ont aidé les artistes à résoudre le problème difficile de la construction d'une image de la forme tridimensionnelle d'objets sur un plan. De nombreux artistes de la Renaissance, fascinés par la perspective, ont consacré tout leur temps à cette matière.
Cet important travail a commencé à être réalisé Académie des Arts, ouvert à la fin du XVIe siècle. À partir de cette époque, les cours de dessin commencèrent à être dispensés dans des établissements d'enseignement spécialisé. Dessin de maître sans sérieux savoir scientifique c'est interdit. Tout en dessinant, l'élève découvre simultanément le monde. D'où la conclusion : les cours de dessin sont utiles à tout le monde. Cette idée commence à occuper l’esprit non seulement des gens du monde des arts, mais aussi des personnalités de l’éducation publique.
La position sur les avantages du dessin en tant que matière d'enseignement général a été exprimée par le grand professeur tchèque J. A. Komensky dans sa « Grande Didactique ». Certes, Comenius n'avait pas encore décidé d'inclure le dessin dans le programme scolaire comme matière obligatoire. Mais la valeur de ses réflexions sur le dessin était qu'elles étaient étroitement liées aux questions de pédagogie. Les réflexions de Comenius sur la nécessité d’étudier les méthodes pédagogiques nous paraissent particulièrement précieuses.
Presque simultanément avec Comenius, le professeur d'anglais et philosophe John Locke commence à défendre la valeur pédagogique générale du dessin. Cependant, n'étant pas un spécialiste, J. Locke ne pouvait pas donner d'instructions méthodologiques pour l'enseignement du dessin. Il s'est limité à des discussions générales sur les bénéfices de la formation
Le philosophe-encyclopédiste français Jacques-Jean Rousseau a parlé plus en détail du dessin en tant que matière d'enseignement général.
Il croyait que le dessin devait être enseigné exclusivement à partir de la nature et qu'un enfant ne devait avoir d'autre professeur que la nature elle-même. Il a exprimé de nombreuses réflexions précieuses sur la méthodologie de l'enseignement du dessin. Johann Wolfgang Goethe.
Cependant, malgré les déclarations faisant autorité sur le rôle énorme du dessin en tant que matière d'enseignement général, ni au XVIIe ni au XVIIIe siècle, le dessin n'a été introduit dans le cours des matières académiques dans les écoles. Ce n'est qu'au début du XIXe siècle qu'elle commence à entrer dans le cercle activités scolaires. L'initiative en la matière appartient à un enseignant suisse Johann Heinrich Pestalozzi. Après Pestalozzi, le dessin s’impose résolument dans les écoles secondaires. Ce n'est pas un hasard si les professeurs d'art l'ont surnommé le père des méthodes scolaires.
Selon Pestalozzi, le dessin devrait jouer un rôle particulier à l'école primaire. Le dessin, soutient Pestalozzi, devrait précéder l’écriture, non seulement parce qu’il facilite le processus de maîtrise du contour des lettres, mais aussi parce qu’il est plus facile à assimiler. Pestalozzi pensait que l'apprentissage du dessin devait se faire à partir de la vie, puisque la nature est accessible à l'observation, au toucher et à la mesure.
Le mérite de Pestalozzi réside dans le fait qu'il fut le premier à combiner la science de l'enseignement scolaire avec l'art et à poser la question de la nécessité d'un développement méthodologique de chaque position du dessin. Pestalozzi croyait que pour le développement de l'œil, il devrait y avoir une méthode, pour comprendre les formes - une autre, pour la technologie - une troisième. Ce travail a été réalisé par ses étudiants et disciples.
Les œuvres de Joseph Schmidt, élève de Pestalozzi, de Peter Schmid, de Soldan, des frères Dupuis et de Galliard étaient très célèbres. Lors de l'enseignement du dessin, I. Schmidt a jugé nécessaire de développer des exercices particuliers : 1) développer la main et la préparer au dessin ; 2) créer et trouver de belles formes ; 3) pour le développement de l'imagination ; 4) en dessin géométrique d'objets ; 5) dans le futur.
Le rôle des beaux-arts dans l'éducation esthétique est énorme, mais sciences pédagogiques en regardant le problème éducation esthétique plus large, ne la réduit pas à la seule éducation par l’art. Les moyens d'éducation esthétique sont à la fois la réalité qui nous entoure et savoir scientifique le monde, révélant la beauté des lois objectives de la nature ; et le travail, et les relations sociales des personnes, et la vie quotidienne, et bien plus encore.
En 1735, un manuel de dessin d'I. D. Preisler, « Règles fondamentales ou bref guide de l'art du dessin », fut publié en allemand et en même temps en russe. La formation selon le système Preisler commence par le dessin de lignes droites et courbes, de figures géométriques et de corps tridimensionnels, après quoi l'étudiant passe au dessin de parties du corps humain, puis de la tête et, enfin, de la figure entière comme la plupart des artistes. , enseignants, Preisler a basé son enseignement du dessin sur la géométrie et le dessin d'après nature. Cependant, Preisler prévient que l'utilisation formes géométriques doit être combiné avec la connaissance des règles et lois de la perspective, ainsi que de l'anatomie.
Méthodes d'enseignement du dessin dans les écoles soviétiques.
Dans les années 20 dans les écoles soviétiques, le dessin faisait partie de programmes complets entraînement.
Les nouveaux programmes n'étaient pas basés sur l'enseignement de l'alphabétisation visuelle, mais sur des tentatives unilatérales visant à développer les capacités créatives, donnant aux enfants une liberté totale. Au début des années 20, de nombreuses écoles n’enseignaient pas aux enfants un dessin correct et réaliste. Les astuces formalistes ont non seulement nié l'importance de la méthodologie, mais ont également déformé les buts et objectifs de l'enseignement du dessin dans les écoles secondaires. Dessiner non seulement n’apportait rien aux enfants développement mental, mais ont essentiellement interféré avec leur éducation esthétique.
À l'âge de 40 ans école soviétique le dessin s'inscrit résolument dans la voie de l'art réaliste. Les principes et méthodes d'enseignement du dessin sont approuvés. Il existe un besoin croissant d’une solution scientifique plus approfondie aux problèmes du dessin pédagogique.
Dans les années 50 et 60, est apparu ligne entière travaux de recherche scientifique, qui ont grandement enrichi la théorie des méthodes pédagogiques. Ces travaux ont aidé les méthodologistes du dessin à résoudre leurs problèmes plus correctement.
Afin de rationaliser le travail méthodologique dans les écoles des années 50, l'idée decréer des manuels spéciaux sur le dessin est née. Auparavant, les manuels de dessin destinés aux écoles primaires et secondaires n'étaient publiés ni en Russie ni à l'étranger.
En 1957, les premiers manuels d'essai pour les première et deuxième années ont été publiés (auteur N.N. Rostovtsev), puis une note méthodologique les concernant. En 1961, deux autres manuels ont été publiés - pour les troisième et quatrième années (auteur N.N. Rostovtsev). Tous ces manuels étaient basés sur le système P.P. Chistyakova, qui apprend aux enfants à s'inspirer de la vie dès les premiers pas de l'apprentissage. A partir de cette époque - dès le début des années 60 - des manuels de dessin expérimental commencent à être publiés systématiquement, mais pas suffisamment.
En 1970, de nouveaux programmes éducatifs ont été révisés et approuvés, dans lesquels les buts et objectifs de l'enseignement des beaux-arts ont été formulés et le contenu du matériel pédagogique a été déterminé. L'expansion des tâches d'éducation esthétique, la connaissance du travail de grands artistes du passé et d'artistes modernes exceptionnels ont conduit au fait qu'à la place de la matière « dessin », une nouvelle matière académique est apparue - « les beaux-arts ». de nouvelles choses ont été introduites dans système communécoles secondaires: École primaire est passé d'une formation de quatre ans à une formation de trois ans ; et encore pendant quatre ans ; Des cours spéciaux au choix ont été introduits pour une étude approfondie de matières individuelles, y compris les beaux-arts.
La méthodologie d'enseignement des beaux-arts dans les établissements d'enseignement se développe actuellement de manière très intensive. Il existe de nombreux développements intéressants d'auteurs tels que E.I. Kubyshkina, V.S. Komarova, B.M. Nemensky, E.E. Rozhkova, N.M. Sokolnikova, E.V. Shorokhov, A.S. Khvorostov, T.Ya. aides visuelles sur le dessin, la peinture, la composition, les arts populaires et décoratifs. Pour la première fois depuis de nombreuses années, des manuels sur les beaux-arts ont été publiés pour les écoles primaires et secondaires.
Peinture - le type d'art le plus ancien, dont les œuvres sont créées à l'aide de peintures appliquées sur n'importe quelle surface. Traditionnellement à peinture sur chevalet inclure les œuvres réalisées à l’huile sur toile, carton et autres matériaux similaires.
Arts graphiques (du grec grapho - j'écris, dessine, dessine) - un type d'art qui utilise des lignes, des traits, des taches et des points comme principal moyen de représentation. La couleur dans le graphisme, contrairement à la peinture, joue un rôle secondaire. Traditionnellement, les graphiques de chevalet comprennent : l'aquarelle, le pastel, la gouache, la détrempe, l'encre, le fusain, le crayon, la sauce, la sanguine, la sépia, etc. Bien que ces limites soient très conditionnelles : l'aquarelle, la gouache, le pastel, la détrempe peuvent être utilisées pour créer des œuvres aussi bien graphiques que picturales en termes de caractère et de style.
Gravure (du français estampe) - une œuvre d'art graphique, qui est une gravure ou autre impression sur papier à partir d'une plaque d'impression. Selon le mode de traitement de l'imprimé, la gravure est divisée en types : lithographie, sérigraphie, monotype, linogravure, gravure sur bois, eau-forte, pointe sèche, aquatinte, manière noire, réserve, pointillé, burin, lavis, gravure sur carton.
Sculpture (du latin sculpo - tailler, découper) - un type d'art fin qui donne une image tridimensionnelle d'objets. La sculpture peut être ronde : monumentale, chevalet, petites formes et relief : bas-relief - lorsque moins de la moitié du volume dépasse du plan, haut-relief - plus de la moitié.
Batik - Ce Nom commun diverses méthodes et techniques de peinture artistique sur tissu. L'art de la confection du batik repose sur le principe de la réservation : appliquer une certaine composition sur le tissu afin de préserver et de mettre en valeur les couleurs du motif ou du fond. Il existe plusieurs types de batik : à chaud, à froid, en peinture libre, ils ne diffèrent que par la façon dont ils réservent le tissu.
Tapisserie (du gobelin français) - un type d'art décoratif et appliqué, un tapis-image non pelucheux tissé à la main avec une intrigue ou une composition ornementale. Il existe un autre nom moins courant pour la tapisserie : le treillis.
Émail chaud - un type d'art décoratif et appliqué, lorsqu'un dessin est appliqué sur une surface métallique spécialement traitée avec des peintures émaillées, qui est ensuite cuite, ce qui donne l'apparition d'une couche vitreuse colorée.
Mosaïque (du français mosaïque littéralement - dédié aux muses) - un des types d'art monumental et décoratif - une image ou un motif constitué de particules de matériaux homogènes ou différents : pierre, smalt, verre, carreaux de céramique, bois, etc.
Vitrail (du vitrage français - verre) - le type le plus ancien peinture monumentale, dont la base est une composition décorative ornementale ou narrative en verre ou autre matériau transmettant la lumière. Il existe plusieurs types de vitraux selon la technique de fabrication : le vitrail classique (technologie Tiffany), le vitrail appliqué, le vitrail peint, le vitrail en film et le vitrail combiné.
peinture murale - un des espèce la plus ancienne art monumental et décoratif. Les travaux peuvent être réalisés en divers matériaux et techniques : technique de la fresque (peinture à la détrempe sur plâtre humide), sgraffite (gratter la fine couche supérieure de plâtre jusqu'à ce que la couche inférieure soit exposée), peintures acryliques pour plâtre ou plaques de plâtre, etc.
Introduction
Pertinence du sujet de recherche.
Chaque période de l'histoire a la sienne sujets d'actualité. Monde moderne connaît une troisième révolution technologique. La publicité apparaît ici comme une fonction de production, comme une industrie de production d’images. Il confère aux biens et services des signes spécifiques et fixe les normes d'une consommation prestigieuse.
L'attribution de significations dans une image publicitaire se concentre sur un seul objet : le produit annoncé. Le sentiment de réalité, sa compréhension ne s'obtient que par la possession de la chose annoncée. La publicité est un texte idéologique créé pour former, maintenir ou corriger une certaine idéologie - une consommation sans fin.
L'utilisation de moyens et de méthodes artistiques est particulièrement importante pour la publicité. L’art a toujours été l’élément le plus important de la publicité et de toute autre sphère de l’activité humaine. L’art est cette grande compétence et cette vision qui peuvent insuffler une âme à tout phénomène auparavant sans vie. L'art est utilisé dans la publicité depuis le tout début de ce type d'activité, il est donc aujourd'hui particulièrement important d'étudier l'expérience de l'utilisation de l'art dans la publicité afin d'améliorer les méthodes et techniques de la publicité moderne sur la base de la continuité.
L'objectif de ce travail est d'identifier la relation entre les beaux-arts et la publicité à l'aide de l'exemple des travaux de A. Toulouse-Lautrec et A. Mucha.
Pour atteindre cet objectif, il est nécessaire de résoudre les tâches suivantes :
1) considérer les spécificités des beaux-arts comme un type d'activité créative ;
2) identifier les spécificités de la peinture ;
3) considérer l'histoire de l'interaction entre les beaux-arts et la publicité ;
4) considérer le travail d'artistes célèbres dans le domaine de la publicité ;
5) identifier les spécificités de la créativité publicitaire d’A. Toulouse-Lautrec ;
6) identifier les spécificités de la créativité publicitaire d’A. Mucha.
Objet d'étude - beaux-Arts dans la publicité.
Le sujet de l'étude est la créativité de A. Toulouse-Lautrec et A. Mucha dans la publicité.
L'ouvrage se compose d'une introduction, chapitre 1, chapitre 2, conclusion, liste de références. Le premier chapitre examine les spécificités des beaux-arts en tant que type d'activité créative, identifie les spécificités de la peinture et examine l'histoire de l'interaction entre les beaux-arts et la publicité. Le chapitre 2 examine le travail d'artistes célèbres dans le domaine de la publicité, et révèle également les spécificités du travail de A. Toulouse-Lautrec et A. Mucha dans le domaine de la publicité.
Spécificités des beaux-arts
Les beaux-arts comme type d'activité créative
Examinons les spécificités des beaux-arts et identifions les principaux types de beaux-arts.
« L’art est une forme de culture associée à la capacité du sujet à assimiler esthétiquement le monde de la vie, à le reproduire de manière figurative et symbolique, en s’appuyant sur les ressources de l’imagination créatrice » Culturologie. XXe siècle Encyclopédie. En 2 vol. - T. 1 - Saint-Pétersbourg, 1998. - P. 274..
Les critères de définition de l'art sont différents : ils dépendent des spécificités de la culture au sein de laquelle l'artiste crée, du lieu et du moment de création et de perception de l'œuvre.
Dans le très dans un sens large Le concept d’« art » est utilisé dans deux sens :
1. L'art est une habileté, une habileté, une habileté, une dextérité, une évaluation élevée de la capacité d'effectuer n'importe quel travail. C’est souvent ainsi qu’ils évaluent une personne qui non seulement fait son travail de manière professionnelle, mais qui le fait aussi magnifiquement, facilement ou d’une manière particulièrement inspirée. Par conséquent, un concierge qui disperse des feuilles peut se sentir ou être perçu par les autres comme un poète.
2. L'art est activité créative visant à créer œuvres d'art, formes esthétiquement expressives.
Si vous combinez ces deux valeurs, vous obtenez la définition suivante :
L'art est une activité artistique basée sur l'habileté et l'habileté Ryklin M. L'art comme obstacle. - M. : Maison d'édition "AdMarginem", 1997. - P. 12..
Les arts comprennent la littérature, la musique, le théâtre, les arts visuels, le cinéma et la télévision. Chaque type d'art a son propre langage.
La littérature est l'art des mots ; la musique est un monde d'harmonie sonore ; cinéma, théâtre - une synthèse de littérature, de musique, de théâtre.
Dans les beaux-arts, les phénomènes de la vie environnante sont représentés à l'aide de lignes, de relations tonales, de combinaisons de couleurs, formes volumétriques, rythmes lumineux.
Les beaux-arts sont un complexe d’arts plastiques initialement associés à la création d’images statiques et de formes matérielles. Les œuvres d'art naissent du développement esthétique de la sphère visuelle de la perception.
Les beaux-arts sont classés selon les objets de l'effort créatif, les moyens artistiques et techniques utilisés et les concepts de créativité historiquement établis. Il s'agit de la sculpture, de la peinture, du graphisme, de la photographie, de la peinture numérique, de l'infographie, des arts décoratifs et appliqués, de la microminiature, de la calligraphie, du design, de l'architecture.
Les beaux-arts se caractérisent par des œuvres dont la valeur esthétique et l'imagerie sont perçues de manière purement visuelle. Les œuvres d'art peuvent être non objectives et même intangibles (économiseur d'écran, police de caractères de livre), mais, indépendamment de leur matérialité et de leur objectivité, les œuvres d'art typiques ont les caractéristiques d'un objet (limité dans l'espace, stabilité dans le temps). La capacité de générer des objets est la propriété la plus importante des beaux-arts, associée à son origine, qui a déterminé son histoire et détermine son développement. Les beaux-arts créent soit des objets indépendants qui n'ont aucune valeur utilitaire (sculpture, peinture, graphisme, photographie), soit organisent esthétiquement des objets utilitaires et des tableaux d'informations (arts décoratifs et appliqués, design). Les beaux-arts influencent activement la perception de l'environnement objet et de la réalité virtuelle Grande Encyclopédie soviétique : En 30 volumes - M. : "Encyclopédie soviétique", 1969-1978..
Ainsi, les beaux-arts se caractérisent par le reflet des phénomènes de la réalité. Images utilisant des lignes, des relations tonales, des combinaisons de couleurs, des formes volumétriques, des rythmes lumineux.
L'art est la créativité dans sa totalité.
Quels arts connaissez-vous ?
Littérature, musique, danse, théâtre, cinéma.
art– spatial, non étendu dans le temps. Cela nécessite un espace à deux ou trois dimensions. Bien qu'à notre époque, grâce aux capacités techniques, une forme d'art ait émergé qui inclut l'espace temporaire (l'art vidéo).
Les beaux-arts reflètent la réalité à travers des images visuelles :
- la diversité du monde environnant ;
- les pensées et les sentiments d'une personne.
C’est une façon de comprendre l’environnement et soi-même.
Pour ce faire, l'artiste utilise la généralisation et l'imagination.
Types de beaux-arts :
Architecture
Peinture
Arts graphiques
Sculpture
l'artisanat
Arts théâtraux et décoratifs
Conception
Architecture
L'architecture est l'art de construire des bâtiments et des structures pour la vie et les activités des personnes.Le mot « architecture » vient du grec « Arhus » – principal, le plus élevé ;
"Tectonico" - construction.
Nécessite un espace tridimensionnel.. Il a également un espace interne - l'intérieur.
Peinture
La peinture est un type d'art dont les œuvres sont créées à l'aide de peintures (tempera, Peinture à l'huile, acrylique, gouache, ...).Arts graphiques
Le graphisme est un type d’art qui comprend le dessin et les images imprimées. "Grapho" - J'écris, dessine, dessine.Les dessins sont réalisés au crayon, à l'encre, sépia, sanguine...
Images imprimées – gravures, lithographies, gravures sur bois, monotypes.
Les graphiques sont divisés en chevalet, livre et appliqué.
L'aquarelle, la gouache et le pastel se situent à la limite de la peinture et du graphisme.
Les premières œuvres graphiques furent des peintures rupestres d’art primitif.
Dans la Grèce antique art graphiqueétait au plus haut niveau - la peinture sur vase.
Sculpture
Le terme vient du latin « sculpere » – couper, sculpter.Contrairement à la peinture et au graphisme, la sculpture a du volume.
Une sculpture est une image en trois dimensions.
Matériaux : os, pierre, bois, argile, métal, cire...
La sculpture est l’une des formes d’art les plus anciennes.
Les premières œuvres sculpturales étaient des idoles, des amulettes et représentaient des dieux antiques.
On distingue la sculpture ronde (vue sous différents côtés) et le relief (haut, moyen, bas, contre-relief).
La sculpture est divisée en types : chevalet et monumentale (monuments, monuments) et monumentale-décorative (décoration architecturale).
Arts décoratifs et appliqués (DAI)
Dans chaque maison, divers objets vivent et nous servent. Et s'ils sont touchés par la main d'un artiste, d'un bijoutier ou d'un artisan populaire, ils deviennent alors une œuvre d'art décoratif et appliqué. Le terme est apparu au XVIIIe siècle. depuis mot français« décor » est décoration partout.Appliqué signifie quelque chose auquel une compétence ou un art est appliqué.
Conception
Depuis la période primitive, on peut retracer le développement de cette forme d’art.Art théâtral et décoratif
Ce type d'art comprend la création de décors, d'accessoires, de costumes et de maquillage.GENRES
Le terme « genre » vient du français – type, genre.Les premiers genres indépendants sont apparus aux Pays-Bas au XVIe siècle.
Historique
Mythologique, religieux
Bataille
Portrait
Paysage
Nature morte
Domestique
Marina
Animaliste
Intérieur
Genre historique
Le genre historique est une œuvre d’art qui reflète de véritables personnages ou événements historiques.Genre mythologique
Le genre mythologique est une œuvre d'art qui reflète des sujets mythologiques.Religieux
Genre de bataille
Le genre bataille est une œuvre d’art qui reflète des épisodes militaires.Un artiste qui écrit sur des thèmes de bataille est appelé un peintre de bataille.
Portrait
Un portrait est une image d'une personne en sculpture, en peinture et en graphisme.Les portraits peints par des artistes nous apportent des images de personnes d’époques passées.
Paysage
Le paysage est une image dans laquelle la nature est devenue le contenu principal.Le terme « paysage » vient de la langue française et signifie « nature ». Le paysage en tant que genre indépendant est originaire des Pays-Bas.
La peinture de paysage est variée. Il existe des paysages qui traduisent avec précision certains coins de la nature, tandis que d'autres véhiculent subtilement l'état. Il y a aussi des paysages fantastiques.
Nature morte
Le terme « nature morte » vient d'un mot français signifiant littéralement « nature morte ».Ce sont des tableaux dont les héros sont divers articles ménagers, des fruits, des fleurs ou de la nourriture (poisson, gibier, etc.).
Les natures mortes nous parlent non seulement des choses, mais aussi de leurs propriétaires, de leur vie, de leur mode de vie et de leurs habitudes.
Genre quotidien
Le genre quotidien est constitué de peintures qui reflètent des épisodes de Vie courante de personnes.Marina
Marina est une œuvre d'art qui représente la mer.Un artiste qui peint la mer s’appelle un peintre de marine.
Genre animalier
Le genre animalier est une œuvre d'art qui représente des animaux.Intérieur
Image décoration d'intérieur structure architecturale.Style artistique
La notion de « style » est une originalité qui permet de déterminer immédiatement dans quoi époque historique une œuvre a été créée.Un style artistique (élevé) est une direction qui inclut tous les types d'art.
Par exemple, le baroque est un style élevé et le rococo est une direction.
Les grands ou hauts styles comprennent les classiques de l'Antiquité, le style roman et gothique au Moyen Âge, le style Renaissance, qui a marqué la période de transition du Moyen Âge à l'Âge moderne, le baroque et le classicisme à l'âge moderne. Le dernier style majeur sur tournant du 19ème siècle– XX siècles est devenu l'Art Nouveau, dans lequel on a tenté de raviver l'unité de l'architecture, de la décoration et des beaux-arts.
La combinaison de plusieurs types d’art dans une seule œuvre s’appelle une synthèse des arts.
Autrement dit style artistique atteint plus haut niveau quand il s’agit de tous les types d’art.
S'étant développés au cours d'une certaine époque historique, les styles haut de gamme ont été continuellement transformés et relancés à l'étape suivante dans une nouvelle qualité. Par exemple, classicisme XVII V. en France, il s'appuie sur les classiques antiques, alors qu'il est très différent du néoclassicisme de la seconde moitié du XVIIIe siècle. et, bien sûr, du néoclassicisme comme l'une des directions de l'éclectisme du second moitié du 19ème siècle– début du 20e siècle.