Nous dessinons des peintures à la gouache de jeunes artistes. Peinture : peintures à la gouache. Paysage à la gouache dans des peintures d'artistes célèbres

05.03.2020

Les visages des personnages dans la plupart des peintures de l’artiste sont assombris ou tournés sur le côté. Ceci est fait pour exprimer des émotions et permettre au corps de « parler ». «J'ai toujours essayé de montrer au monde uniquement les moments positifs de la vie. J'espère que mon travail apportera joie, paix et réconfort à la vie du spectateur », déclare Hanks.

Aquarelle pluvieuse de Lin Ching Che

Le talentueux artiste Lin Ching-Che a 27 ans. Il s'inspire de la pluie d'automne. Les rues nuageuses de la ville ne rendent pas un homme mélancolique et découragé, mais lui donnent plutôt envie de ramasser un pinceau. Lin Ching Che peint à l'aquarelle. Avec ses eaux colorées, il glorifie la beauté pluvieuse des mégalopoles.

Le fantasme bouillant d’Arush Votsmush

Sous le pseudonyme d'Arush Votsmush se cache un artiste talentueux de Sébastopol, Alexander Shumtsov. L’artiste dit à propos de ses peintures : « Je n’essaie de rien prouver à personne avec mes œuvres. Tout d’abord, j’apprécie. C’est une pure drogue de créativité. Ou une vie propre – sans dopage. Juste un miracle."

Le charme de Paris dans les œuvres de Thierry Duval

L'artiste parisien Thierry Duval a beaucoup voyagé. D’où la présence de séries entières de peintures basées sur des « caractéristiques géographiques ». Néanmoins, Paris était et reste le lieu préféré de l’auteur. La part du lion des œuvres est dédiée spécifiquement à la ville des amoureux. Il possède sa propre technique de superposition d'aquarelles, ce qui lui permet de créer des peintures aux détails presque hyperréalistes.

Soirée calme par Joseph Zbukvic

Aujourd’hui, l’Australien d’origine croate Joseph Zbukvic est considéré comme l’un des piliers de l’aquarelle à travers le monde. L'artiste est tombé amoureux de l'aquarelle dès le premier trait ; il a été frappé par le caractère sauvage et l'individualité de cette technique.

Les secrets de l'Orient à travers les yeux de Myo Vin Ong

L'artiste Myoe Win Aung a consacré toute son œuvre à sa Birmanie natale, à sa vie quotidienne et ses vacances, aux laïcs et aux moines, aux villes et villages. Ce monde est calme, habillé de couleurs douces, mystérieuses et légèrement réfléchies, comme le sourire de Bouddha.

Incroyable aquarelle de Joe Francis Dowden

L'artiste anglais Joe Francis Dowden peint des aquarelles hyperréalistes. Et il pense que tout le monde peut le faire, il suffit de connaître les secrets de la technique. Le secret de son inspiration est extrêmement simple : « Jetez vos manuels d’aquarelle et perdez-vous dans une vraie forêt. »

La magie du ballet de Liu Yi

Les aquarelles de cet artiste chinois peuvent facilement être qualifiées d’art sur l’art. Après tout, son thème préféré est celui des images de personnes qui lui sont directement liées, par exemple des ballerines ou des musiciens classiques. La façon dont ils sont présentés dans les peintures est particulière : les gens semblent sortir d'une fine brume, émotionnelle et très caractéristique. Dans une certaine mesure, ils font écho aux images de ballerines artiste français Edgar Degas.

Peinture solaire d'Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki a reçu éducation artistique et a consacré 20 ans à l'enseignement, sans jamais abandonner son rêve de devenir artiste. En 2008, il abandonne définitivement le métier d'enseignant et se consacre entièrement à la réalisation créative de soi.

Matinée champêtre de Christian Granju

je blogue toujours différents artistes et je regarde de plus près la gouache que les gens utilisent. (J'ai aussi la mienne, mais il faut voir ce que font les gens.) J'ai réalisé que l'aquarelle ne me convenait pas personnellement pour le plein air. J'ai besoin de quelque chose avec plus de couverture et un séchage plus rapide. Et en même temps moins capricieux. Par conséquent, la gouache semble désormais être une option plus optimale pour le travail en plein air, lorsque la lumière et les conditions météorologiques changent très rapidement et qu'il n'y a vraiment aucune commodité.

Je ne suis pas encore prêt pour le pétrole, je dois emporter trop de choses lourdes avec moi, notamment des toiles ou des planches pour le travail, ainsi que boîte spéciale pour les croquis afin qu'ils ne tachent pas pendant le transport. Et maintenant, lorsque je suis équipé pour travailler avec des aquarelles, des pastels et des crayons de couleur, mes épaules se détachent. A tel point qu'après les derniers voyages du mois dernier, je vis avec Voltaren. Ce n’est pas une sorte de gars, voire quoi que ce soit. C'est une pommade pour les douleurs musculaires et articulaires.

Mes artistes de plein air préférés en ce moment sont James Gurney et Nathan Fowkes. Il s’est avéré que tous deux sont des illustrateurs, comme moi, qui vont en plein air ou s’inspirent de la vie pour s’inspirer et développer leurs muscles artistiques. Je ne les ai pas spécifiquement choisis sur la base de ce principe - c'est juste arrivé comme ça. James est célèbre pour sa « Dinotopia » (d'ailleurs, son livre sur le dessin en russe « Color and Light » a été récemment publié, en anglais ici : Color and Light : A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), et Nathan est un artiste animateur (vous pouvez apprendre de lui sur www.schoolism.com). Et j'aime beaucoup l'insouciance et la rapidité avec lesquelles ces deux camarades travaillent en plein air avec de la gouache, que même le bout de leurs doigts pique - j'ai envie de me précipiter et de sculpter moi-même à la gouache ou à la caséine.

Œuvres de James Gurney d'ici

Œuvres de Nathan Fawkes d'ici

Ce sont mes héros maintenant, en gros. J'aimerais passer dans mes œuvres de la vie réelle, d'un passepoil détaillé à un trait plus libre. Mais pas parce que j'ai arrêté d'aimer me languir sur les détails - cela n'arrivera pas, je les adore. Mais parce que j'aimerais bien voir après le plein air prêt ou presque travaux terminés, qui pourrait être utilisé pour des peintures plus sérieuses. Parce que maintenant, alors que je me souviens des croquis de la vie réelle et que je complète les dessins - de mémoire et de photos - je n'ai plus la force de répéter davantage.

En cherchant des variétés de gouache, je suis tombé sur un autre illustrateur talentueux, auquel je ne ferai pas de lien ici, car il me provoque des contradictions internes. De plus, j'ai souvent constaté qu'il est inutile d'interroger les illustrateurs occidentaux sur les matériaux ou les subtilités du travail. Dans 90 % des cas, ils ne répondent tout simplement pas et ne se concentrent pas particulièrement sur la façon dont ils fonctionnent exactement. Je comprends parfaitement leur position, mais je pense que c’est pouah. Mais ensuite il s'est avéré qu'il y avait encore plus superlatif. Le talentueux illustrateur, auquel je ne fais PAS de lien, répond très clairement à toutes les questions sur la technique et les matériaux utilisés : « Veuillez m'envoyer un e-mail pour acheter les informations. » Au début, j'ai pensé que c'était simplement une faute d'orthographe lorsque j'ai vu la signature sous l'une des œuvres après la liste des matériaux utilisés. Parce que les informations d'achat sont des informations sur un achat, mais acheter les informations est l'achat d'informations. Mais non. En réalité, une personne ne partage des informations que contre de l’argent. Et je ne comprends toujours pas ce que je ressens à ce sujet.

D’un côté, il a raison. Cette information ne lui est pas non plus tombée du ciel. Il a investi du temps et de l'argent dans sa technique de travail. C’est effrayant de penser combien d’argent j’ai déjà dépensé pour trouver les matériaux qui me conviennent le mieux. Il en est ainsi de lui. Pourquoi devrait-il maintenant partager gratuitement avec quelqu’un ? J'ai moi-même souvent été confronté au fait que mon histoires détaillées ou des sujets et des leçons réfléchis que les gens recevaient gratuitement, étaient utilisés pour des master classes entières, c'est-à-dire monétisés et tout me passait dans la tirelire de quelqu'un d'autre, y compris la tirelire de la reconnaissance. Mais il existe aussi des échanges créatifs. Sans cela, il n’y a pas de développement normal. Il n’y a que de la stagnation. Et si c'était mes informations, que j'ai partagées avec tout mon cœur, qui aidaient un artiste très cool à se relever ?! Après tout, sans lui, le monde serait bien plus pauvre.

Un autre point. Personnellement, je ne suis pas prêt à payer quelqu’un pour des informations dont je peux facilement me passer (enfin, je vais chercher plus loin pour voir ce qu’il y a). Pour une master class - oui. Et pour une phrase, avec quel type de rouleau il applique la peinture ou dans quelles proportions il la dilue - probablement pas. Mais c'est aussi une rémunération pour le temps passé aux explications ! Et si ce détail particulier m’aidait plus que n’importe quelle master class ? Un sujet très complexe.

Que penses-tu de cela? Les artistes font-ils la bonne chose lorsqu’ils monétisent tout leur savoir ? Sont-ils géniaux ou est-ce dégoûtant ? S'il vous plaît, ne me parlez pas du juste milieu, que vous pouvez le partager gratuitement et en même temps le convertir en billets de banque à travers diverses master classes et ventes. On n'en parle pas. Il est déjà clair que vous pouvez le faire de manière intelligente. Qu’en est-il de l’intransigeant : « Pour acheter ces informations, écrivez-moi un email » ?

Aquarelle pluvieuse de Lin Ching Che

Le fantasme bouillant d’Arush Votsmush

Le charme de Paris dans les œuvres de Thierry Duval

Soirée calme par Joseph Zbukvic

Les secrets de l'Orient à travers les yeux de Myo Vin Ong

Incroyable aquarelle de Joe Francis Dowden

La magie du ballet de Liu Yi

Les aquarelles de cet artiste chinois peuvent facilement être qualifiées d’art sur l’art. Après tout, son thème préféré est celui des images de personnes qui lui sont directement liées, par exemple des ballerines ou des musiciens classiques. La façon dont ils sont présentés dans les peintures est particulière : les gens semblent sortir d'une fine brume, émotionnelle et très caractéristique. Dans une certaine mesure, elles font écho aux images de ballerines de l'artiste français Edgar Degas.

Peinture solaire d'Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki ( Abe Toshiyuki) a reçu une éducation artistique et a consacré 20 ans à l'enseignement, sans jamais abandonner son rêve de devenir artiste. En 2008, il abandonne définitivement le métier d'enseignant et se consacre entièrement à la réalisation créative de soi.

Matinée champêtre de Christian Granju

Le Français Christian Granu (

L'artiste de Voronej Olga Brazhnikova est connue pour ses œuvres lumineuses et ensoleillées réalisées à la gouache. Le chemin vers l'art n'a pas été facile pour elle ; abandonnant son travail de designer, elle est entrée à l'école d'art de Voronej et cette année, elle a obtenu un diplôme en " de l'Université pédagogique. art" Olga travaille principalement la gouache et détruit les stéréotypes associés à cette matière. Pour Umbra Media, l'artiste a montré son home studio et a raconté comment la créativité a changé sa vie.

À propos des études
« Fuyez le travail à l’usine »

- Quand as-tu réalisé que tu voulais devenir artiste ?

J'ai toujours aimé dessiner, mais dans l'esprit de mes parents (ma mère travaillait comme comptable, mon père travaille toujours dans une usine aéronautique), être artiste n'est pas un métier sérieux. J'ai donc dû aller à l'école d'aviation. Je ne comprends pas comment j'ai pu le terminer. Ma capacité à bien dessiner m'a aidé, j'ai réalisé des journaux muraux pour les tests. À la fin de mes études, j’ai réalisé que je n’irais jamais à l’usine. Et je suis allé au soir école d'art pour que j'ai au moins quelque chose pour mon âme. Le professeur m'a suggéré d'entrer à l'école d'art de Voronej.

- Comment tes parents ont-ils perçu que tu voulais devenir artiste ?

Ils ne croyaient pas que je le ferais. C'était une histoire drôle. Papa a dit qu'il connaissait un homme qui pouvait faire un portrait de Lénine avec un bâton dans le sable ! Et si je ne peux pas faire ça, alors je ne suis pas un artiste. Malgré tout, je me suis préparé à l'admission, j'ai suivi des cours pendant 2-3 mois et j'ai étudié le dessin séparément avec un professeur. Et quand je suis entré, mes parents m'ont soutenu et étaient heureux. Et ce n'est que plus tard, lorsque mes œuvres ont commencé à être exposées, qu'ils ont cru en moi. Après mes études universitaires, je me suis retrouvé dans une entreprise de défense, où je travaille toujours comme designer. J'ai eu une pause assez longue - sept ans, mais j'ai ensuite décidé de retourner à la peinture et à la créativité. En 2013, elle entre à l'Université pédagogique d'État de Voronej, dont elle est diplômée cette année.

À propos des matériaux
"Peu de gens croient que mes tableaux sont peints à la gouache"

- Pourquoi avoir choisi la gouache, qu'est-ce qui vous intéresse dans cette matière ?

Je me suis intéressé à la gouache à l'institut pédagogique. Auparavant, je le percevais plutôt comme une étape de transition vers le pétrole. Mais maintenant, c'est mon matériau préféré. Il sèche rapidement, est inodore, donne des traits texturés et des couleurs vives. Je peins des empâtements, je ne dilue pas la gouache avec de l’eau. Je dessine généralement sur du papier épais. Le pétrole, bien sûr, n’est pas si pratique pour travailler dans un appartement. D'autant plus que mon chat essaie constamment d'entrer dans une sorte de pot. Une fois que je peignais à l'huile, j'ai été distrait pendant un moment et elle s'est déjà mise à peinture bleue et il a laissé des empreintes de pattes partout dans l'appartement. Ensuite, nous avons passé toute la soirée à nettoyer ces marques.

- Que pensez-vous du fait que la gouache soit souvent qualifiée de matériau « pour enfants » ?

Je pense que c'est un stéréotype et un préjugé. C'est à la gouache, selon mes collègues, que j'ai développé propre style. Lorsque je publie mes œuvres sur Internet, de nombreuses personnes écrivent à quel point elles sont surprises que les peintures soient peintes à la gouache et non à l'huile. Gouache - non la créativité des enfants, mais matériel décent. Il me semble que des chefs-d’œuvre peuvent être créés avec n’importe quel matériau ; le matériau ne joue pas ici un rôle primordial.

- Qu'est-ce qui t'inspire?

J'adore les paysages urbains. Les maisons qui ont vécu et qui ont leur propre histoire me fascinent. Je me promène habituellement dans la ville, je tourne des histoires, puis j'écris à la maison. J'adore l'émeute de couleurs et les traits texturés. Et de artistes contemporains Je suis très inspiré par les aquarelles d'Arush Votsmush.

- Dans quelle ambiance aimez-vous travailler - en silence, ou en musique ?

Quand j’écris, j’écoute surtout du bon vieux rock. Certains de mes groupes préférés sont Aquarium et The Doors.

Il existe une croyance largement répandue selon laquelle l’éducation académique « tue » l’individualité de l’artiste. Que penses-tu de cela?

Je pense que l'éducation artistique est plus importante que jamais. Lorsque vous regardez les mêmes leçons vidéo sur Internet, vous ne participez pas au processus, mais cela est nécessaire. Je pense que l'éducation académique aide à acquérir des compétences en dessin. J'ai étudié avec Alexander Starilov, c'était un artiste, architecte et innovateur polyvalent. Il croyait qu'il fallait avoir une éducation classique, puis chercher son propre style ; le même primitivisme ne naît pas de rien. Et je suis d'accord avec lui.

À propos de la mise en œuvre
"Un artiste est plus qu'un métier"

- Comment parvenez-vous à concilier travail de designer, créativité et famille ?

C’est difficile, j’écris surtout le week-end. Et la fille est déjà adulte, vous n'avez pas besoin d'être avec elle tout le temps, elle a déjà beaucoup de ses propres intérêts. Pendant la période où je ne dessinais pas, j'avais constamment l'impression que ça me manquait. Maintenant, je ne vais pas abandonner la peinture, j'aime être créatif et chercher. Être artiste est pour moi le sens de la vie et plus qu'un métier. Créer un tableau est pour moi une sorte de mystère, même si, bien sûr, d'un point de vue technique, il n'y a pas de mystère. Mais le processus est toujours intrigant – je me demande ce qui va sortir à la fin.

- Quels sont vos projets dans un futur proche ? Aimeriez-vous avoir votre propre atelier?

J'ai vraiment envie de participer à des expositions, et de ne pas m'isoler dans mon propre espace. J'espère que je pourrai bientôt avoir une exposition personnelle à école d'art. Et l'atelier n'est peut-être qu'une question d'un avenir lointain. Pour l’instant, toutes mes œuvres rentrent dans l’appartement. Nous avons récemment terminé des rénovations. Les murs étaient spécialement peints en blanc pour pouvoir y accrocher des tableaux. J'ai organisé l'espace de travail pour qu'il y ait de l'air et beaucoup de lumière. Jusqu'à présent, il n'est pas envahi par toutes sortes d'objets et de détails intéressants, mais je pense que cela ne durera pas longtemps.

Dans un été étouffant à la campagne ou dans un blizzard persistant. Sans sortir de chez vous, vous pouvez trouver l'inspiration dans les fruits ordinaires ou couleurs inhabituelles. Le sujet ne cherche pas à tourner la tête, comme dans un portrait, et ne change pas les ombres en lumière à chaque seconde, comme dans un paysage. C’est ce qui est bien dans le genre des natures mortes. Et « nature morte » traduit du français, ou « une vie tranquille choses" dans la version néerlandaise, anime vraiment l'intérieur. Natalya Letnikova présente le top 7 des natures mortes d'artistes russes.

"Violettes des forêts et myosotis"

Violettes des forêts et myosotis

La peinture d'Isaac Levitan est comme un ciel bleu et un nuage blanc - du chanteur de la nature russe. Seulement sur la toile ne sont pas des espaces ouverts indigènes, mais un bouquet de fleurs sauvages. Pissenlits, lilas, bleuets, immortelles, fougères et azalées... Après la forêt, l'atelier de l'artiste s'est transformé en « soit une serre, soit un fleuriste ». Levitan aimait les natures mortes de fleurs et enseignait à ses élèves à voir à la fois la couleur et les inflorescences : « Elles ne doivent pas sentir la peinture, mais les fleurs. »

"Pommes et feuilles"

Pommes et feuilles

Les œuvres d'Ilya Repin mettent organiquement en valeur le cadre brillant du Musée russe. L'artiste itinérant a composé une composition pour son élève Valentin Serov. Cela s'est avéré si pittoresque que le professeur lui-même a pris le pinceau. Six pommes d'un jardin ordinaire - meurtries et avec des « tonneaux », et un tas de feuilles en lambeaux couleurs d'automne, comme source d'inspiration.

"Bouquet de fleurs. Phlox"

Bouquet de fleurs. Phlox

Peinture d'Ivan Kramskoy. "Une personne talentueuse ne perdra pas de temps à représenter, par exemple, des bassins, des poissons, etc. C'est bien de faire cela pour des gens qui ont déjà tout, mais nous avons beaucoup à faire", a écrit Kramskoï à Vasnetsov. Et pourtant le genre de la nature morte en fin de vie célèbre portraitiste ne l'a pas ignoré. Un bouquet de phlox dans un vase en verre a été présenté au XII exposition itinérante. Le tableau a été acheté avant le jour de l'ouverture.

"Nature morte"

Nature morte

Kazimir Malevitch en route vers la « Place Noire » à travers l'impressionnisme et le cubisme, en contournant le réalisme. Un bol de fruits est le fruit de quêtes créatives, même au sein d'un même tableau : d'épaisses lignes noires de la technique française du cloisonné, des plats plats et des fruits volumineux. Tous les composants de l'image sont unis uniquement par la couleur. Caractéristique d'un artiste - brillant et riche. Comme un défi couleurs pastel vrai vie.

"Hareng et Citron"

Hareng et citron

Quatre enfants et peinture. Cette combinaison dans la vie d'un artiste dicte sans aucun doute le genre. C'est ce qui s'est passé avec Zinaida Serebryakova. De nombreux portraits de famille et natures mortes, à partir desquels vous pourrez composer un menu : « Corbeille de fruits », « Asperges et fraises », « Raisins », « Poissons sur verdure »... Entre les mains d'un véritable maître, « Hareng et citron » » deviendra une œuvre d’art. Poésie et simplicité : spirale d'écorces de citron et poisson sans fioritures.

"Nature morte au samovar"

Nature morte au samovar

Élève de Serov, Korovin et Vasnetsov, "Valet de carreau" - Ilya Mashkov aimait représenter le monde, oui plus lumineux. Figurines et bégonias en porcelaine, citrouilles... Viande, gibier - dans l'esprit des maîtres anciens, et pain de Moscou - croquis du marché de Smolensk de la capitale. Et selon la tradition russe, que serions-nous sans samovar ? Une nature morte du domaine de la vie festive avec des fruits et des plats lumineux est complétée par un crâne - un rappel de la fragilité de la vie.

"Étudier avec des médailles"

Étudier avec des médailles

Nature morte de style soviétique. L'artiste du XXe siècle Anatoly Nikich-Krilichevsky a montré dans un tableau toute la vie de la première championne du monde soviétique de patinage de vitesse, Maria Isakova. Avec des coupes, derrière chacune desquelles se cachent des années d'entraînement ; des médailles remportées au cours d'une lutte acharnée ; des lettres et énormes bouquets. Belle photo pour l'artiste et une chronique artistique des succès sportifs. Histoire de nature morte.

GOUACHE

Traduit de mot français« gouache » signifie « peinture à l'eau ». Les peintures gouache ont un grand pouvoir couvrant et sont opaques, bien qu'elles puissent être diluées avec de l'eau (voir Peintures).

En utilisant la technique de la gouache, les artistes peignent sur du papier, du carton, du contreplaqué et de la soie épaisse. Les œuvres ont une surface mate et veloutée. Mais lors de l'utilisation de la gouache, ses propres difficultés surviennent - les peintures s'éclaircissent rapidement après séchage. Il faut une expérience considérable pour prédire le degré de changement de ton et de couleur.

La gouache était déjà largement connue au Moyen Âge, lorsqu'elle était utilisée pour créer miniatures de livres(généralement en combinaison avec des aquarelles) dans de nombreux pays d'Asie et d'Europe, et à la Renaissance - croquis, cartons, portraits miniatures. En Russie, la technique de la gouache a atteint un haut niveau de développement artistique. fin XIX- début du 20ème siècle Les artistes V. A. Serov, A. Ya Golovin, S. V. Ivanov ont peint de grandes travaux de chevalet, utilisant magistralement sa couleur dense pour obtenir des effets décoratifs impressionnants.

Des artistes célèbres utilisent la technique de la gouache de différentes manières. Ainsi, le tableau « Foire » de B. M. Kustodiev a été peint de manière encadrée, de manière décorative. Le peintre a montré les vêtements colorés des gens et des bâtiments en général, en particulier les rangées de tentes, les toits et derrière eux une sombre bande de forêt.

B. M. Koustodiev. Équitable.
1908. Papier, gouache.

Un remarquable maître de la gouache était A. S. Stepanov, connu pour ses œuvres consacrées aux paysages et aux animaux. L'une de ses meilleures œuvres est "Wolves". Les prédateurs, affamés et méfiants, sont écrits avec une étonnante vivacité. Bleden Clair de lune, le ciel s'illumine mystérieusement. La palette de couleurs bleu argenté crée une sensation de froid nocturne.

Les artistes de l'association Monde de l'Art se sont souvent tournés vers la technique de la gouache. Ils combinaient souvent la gouache avec d’autres matériaux. Par exemple, dans l'œuvre « La promenade du roi », A. N. Benois a utilisé l'aquarelle, l'or et l'argent en plus de la gouache. Application de deux derniers matériaux a donné au tableau le faste, si caractéristique des habitants de Versailles de l'époque.

A.N. Benois. Promenade du Roi

A.N. Benois. Promenade du Roi
1906. Papier sur carton, gouache, aquarelle,
peinture bronze, peinture argent,
crayon graphite, stylo, pinceau
Galerie nationale Tretiakov

Très souvent, les affiches et les croquis sont réalisés à la gouache. décor de théâtre, travaux de design décoratif.

Comment travailler avec la gouache

Pour travailler la gouache, il est préférable d'utiliser une palette en porcelaine ou en plastique avec des trous pour les peintures sur les bords ou simplement un petit tableau blanc plat (30x40 cm). Les pinceaux sont ronds et plats (voir Pinceaux). Vous pouvez utiliser des brosses à poils lorsque vous travaillez sur des panneaux décoratifs, des affiches et des slogans. Mais ici, vous aurez également besoin de plumes d'affiche ou de bâtons, aiguisés en forme de spatule. Et lorsque vous travaillez sur une grande surface, utilisez une brosse plate - une brosse à poils plats. Recouvrez la surface de gouache plusieurs fois sans attendre que la peinture sèche. S'il y a des irrégularités, nivelez tout le plan avec une flûte humide. Tout d'abord, dessinez les rayures séquentiellement de gauche à droite horizontalement, puis sur le revêtement. N'appliquez pas une couche de peinture trop épaisse : elle se fissurera et s'effritera facilement. La gouache sèche à température ambiante pendant une heure.

Il est préférable de travailler sur une tablette, mais vous pouvez également utiliser une gomme - une tablette en contreplaqué avec un cadre extérieur qui serre les bords du papier, ou avec deux cadres insérés l'un dans l'autre.

Peignez à la gouache sur du papier à dessin blanc, du papier d'emballage ou du papier cartonné gris. Pour étirer le papier uniformément sur la tablette, placez-le de manière à ce que ses bords de chaque côté soient 2 à 4 cm plus grands que la tablette. Mouillez ensuite les deux faces du papier avec une éponge jusqu'à ce qu'il repose à plat. Après cela, séchez le papier avec du coton et graissez les bords du comprimé avec de la pâte de farine ou de la dextrine. Commencez à coller à partir du milieu de la tablette, en tirant uniformément dans toutes les directions. Sécurisez les coins avec des boutons. Pour sécher, placez le comprimé fini horizontalement sur un endroit plat, côté papier vers le haut. Votre matériel pour travailler avec des peintures à la gouache est prêt.

La peinture russe majestueuse et diversifiée ravit toujours les spectateurs par son inconstance et sa perfection formes artistiques. C'est une caractéristique des œuvres de maîtres d'art célèbres. Ils nous ont toujours surpris par leur approche extraordinaire du travail, leur attitude respectueuse envers les sentiments et les sensations de chacun. C’est peut-être la raison pour laquelle les artistes russes ont si souvent représenté des compositions de portraits combinant de manière vivante des images émotionnelles et des motifs épiques et calmes. Ce n’est pas pour rien que Maxime Gorki a dit un jour qu’un artiste est le cœur de son pays, la voix de toute une époque. En effet, les peintures majestueuses et élégantes des artistes russes transmettent avec vivacité l’inspiration de leur époque. Comme des aspirations auteur célèbre Anton Tchekhov, beaucoup ont cherché à introduire dans les peintures russes la saveur unique de leur peuple, ainsi qu'un rêve inextinguible de beauté. Il est difficile de sous-estimer les peintures extraordinaires de ces maîtres art majestueux, car sous leur pinceau sont nées des œuvres vraiment extraordinaires de genres variés. Peinture académique, portrait, image historique, paysages, œuvres du romantisme, du modernisme ou du symbolisme - tous apportent toujours joie et inspiration à leurs spectateurs. Tout le monde y trouve quelque chose de plus que des couleurs colorées, des lignes gracieuses et des genres inimitables de l'art mondial. Peut-être qu’une telle abondance de formes et d’images avec lesquelles la peinture russe surprend est liée à l’énorme potentiel du monde qui entoure les artistes. Levitan a également déclaré que chaque note d'une nature luxuriante contient une palette de couleurs majestueuse et extraordinaire. Avec un tel début, un espace magnifique apparaît pour le pinceau de l’artiste. Par conséquent, toutes les peintures russes se distinguent par leur sévérité exquise et leur beauté attrayante, dont il est si difficile de s'arracher.

La peinture russe se distingue à juste titre du monde arts artistiques. Le fait est que jusqu'au XVIIe siècle, peinture domestiqueétait associé exclusivement à un thème religieux. La situation a changé avec l’arrivée au pouvoir du tsar réformateur Pierre le Grand. Grâce à ses réformes, les maîtres russes ont commencé à s'engager dans peinture profane, il y a eu une séparation de la peinture d'icônes en tant que direction distincte. Le XVIIe siècle est l'époque d'artistes tels que Simon Ouchakov et Joseph Vladimirov. Puis, en russe monde de l'art Le portrait est né et devient rapidement populaire. Au XVIIIe siècle, les premiers artistes apparaissent, passant de peinture de portrait au paysage. La sympathie prononcée des artistes pour les panoramas hivernaux est perceptible. Le XVIIIe siècle est également marqué par l’émergence de la peinture quotidienne. Au XIXe siècle, trois mouvements gagnèrent en popularité en Russie : le romantisme, le réalisme et le classicisme. Comme auparavant, les artistes russes ont continué à se tourner vers le genre du portrait. C'est alors qu'apparaissent les portraits et autoportraits de renommée mondiale d'O. Kiprensky et de V. Tropinin. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, les artistes ont de plus en plus représenté le peuple russe dans son état d’oppression. Le réalisme devient le mouvement central de la peinture de cette période. C'est alors qu'apparaissent les artistes itinérants, qui ne représentent que la vraie vie. Eh bien, le XXe siècle est bien sûr l’avant-garde. Les artistes de cette époque ont influencé de manière significative leurs adeptes en Russie et dans le monde entier. Leurs peintures sont devenues les précurseurs de l’art abstrait. La peinture russe est immense Monde incroyable artistes talentueux qui ont glorifié la Russie avec leurs créations

L'artiste de Voronej Olga Brazhnikova est connue pour ses œuvres lumineuses et ensoleillées réalisées à la gouache. Le chemin vers l'art n'a pas été facile pour elle : abandonnant son travail de designer, elle est entrée à l'école d'art de Voronej et a obtenu cette année un diplôme en beaux-arts de l'université pédagogique. Olga travaille principalement la gouache et détruit les stéréotypes associés à cette matière. Pour Umbra Media, l'artiste a montré son home studio et a raconté comment la créativité a changé sa vie.

À propos des études
« Fuyez le travail à l’usine »

— Quand as-tu réalisé que tu voulais devenir artiste ?

— J'ai toujours aimé dessiner, mais dans l'esprit de mes parents (ma mère travaillait comme comptable, mon père travaille toujours dans une usine aéronautique), être artiste n'est pas un métier sérieux. J'ai donc dû aller à l'école d'aviation. Je ne comprends pas comment j'ai pu le terminer. Ma capacité à bien dessiner m'a aidé, j'ai réalisé des journaux muraux pour les tests. À la fin de mes études, j’ai réalisé que je n’irais jamais à l’usine. Et je suis allé à l'école d'art du soir pour avoir au moins quelque chose pour mon âme. Le professeur m'a suggéré d'entrer à l'école d'art de Voronej.

— Comment tes parents ont-ils perçu que tu voulais devenir artiste ?

"Ils ne croyaient pas que je le ferais." C'était une histoire drôle. Papa a dit qu'il connaissait un homme qui pouvait faire un portrait de Lénine avec un bâton dans le sable ! Et si je ne peux pas faire ça, alors je ne suis pas un artiste. Malgré tout, je me suis préparé à l'admission, j'ai suivi des cours pendant 2-3 mois et j'ai étudié le dessin séparément avec un professeur. Et quand je suis entré, mes parents m'ont soutenu et étaient heureux. Et ce n'est que plus tard, lorsque mes œuvres ont commencé à être exposées, qu'ils ont cru en moi. Après mes études universitaires, je me suis retrouvé dans une entreprise de défense, où je travaille toujours comme designer. J'ai eu une pause assez longue - sept ans, mais j'ai ensuite décidé de retourner à la peinture et à la créativité. En 2013, elle entre à l'Université pédagogique d'État de Voronej, dont elle est diplômée cette année.

À propos des matériaux
"Peu de gens croient que mes tableaux sont peints à la gouache"

— Pourquoi avoir choisi la gouache, qu'est-ce qui vous intéresse dans cette matière ?

— Je me suis intéressé à la gouache à l'institut pédagogique. Auparavant, je le percevais plutôt comme une étape de transition vers le pétrole. Mais maintenant, c'est mon matériau préféré. Il sèche rapidement, est inodore, donne des traits texturés et des couleurs vives. Je peins des empâtements, je ne dilue pas la gouache avec de l’eau. Je dessine généralement sur du papier épais. Le pétrole, bien sûr, n’est pas si pratique pour travailler dans un appartement. D'autant plus que mon chat essaie constamment d'entrer dans une sorte de pot. Une fois que je peignais à l'huile, j'ai été distrait pendant un moment, et elle s'était déjà mise dans la peinture bleue et avait laissé des empreintes de pattes partout dans l'appartement. Ensuite, nous avons passé toute la soirée à nettoyer ces marques.

— Que pensez-vous du fait que la gouache soit souvent qualifiée de matériau « pour enfants » ?

— Il me semble que c'est un stéréotype et un préjugé. C'est à la gouache, selon mes collègues, que j'ai développé mon propre style. Lorsque je publie mes œuvres sur Internet, de nombreuses personnes écrivent à quel point elles sont surprises que les peintures soient peintes à la gouache et non à l'huile. La gouache n'est pas la créativité des enfants, mais un matériau digne. Il me semble que des chefs-d’œuvre peuvent être créés avec n’importe quel matériau ; le matériau ne joue pas ici un rôle primordial.

- Qu'est-ce qui t'inspire?

— J'adore les paysages urbains. Les maisons qui ont vécu et qui ont leur propre histoire me fascinent. Je me promène habituellement dans la ville, je tourne des histoires, puis j'écris à la maison. J'adore l'émeute de couleurs et les traits texturés. Et parmi les artistes contemporains, je suis très inspiré par les aquarelles d'Arush Votsmush.

— Dans quelle ambiance aimez-vous travailler – en silence ou en musique ?

— Quand j'écris, j'écoute le plus souvent du bon vieux rock. Certains de mes groupes préférés sont Aquarium et The Doors.

— Il existe une opinion largement répandue selon laquelle l’éducation académique « tue » l’individualité de l’artiste. Que penses-tu de cela?

— Il me semble que l'éducation dans le domaine artistique est plus importante que jamais. Lorsque vous regardez les mêmes leçons vidéo sur Internet, vous ne participez pas au processus, mais cela est nécessaire. Je pense que l'éducation académique aide à acquérir des compétences en dessin. J'ai étudié avec Alexander Starilov, c'était un artiste, architecte et innovateur polyvalent. Il croyait qu'il fallait avoir une éducation classique, puis chercher son propre style ; le même primitivisme ne naît pas de rien. Et je suis d'accord avec lui.

À propos de la mise en œuvre
"Un artiste est plus qu'un métier"

— Comment parvenez-vous à concilier travail de designer, créativité et famille ?

— C'est difficile, j'écris surtout le week-end. Et la fille est déjà adulte, vous n'avez pas besoin d'être avec elle tout le temps, elle a déjà beaucoup de ses propres intérêts. Pendant la période où je ne dessinais pas, j'avais constamment l'impression que ça me manquait. Maintenant, je ne vais pas abandonner la peinture, j'aime être créatif et chercher. Être artiste est pour moi le sens de la vie et plus qu'un métier. Créer un tableau est pour moi une sorte de mystère, même si, bien sûr, d'un point de vue technique, il n'y a pas de mystère. Mais le processus est toujours intrigant – je me demande ce qui va sortir à la fin.

— Quels sont vos projets dans un futur proche ? Aimeriez-vous avoir votre propre atelier?

— J'ai vraiment envie de participer à des expositions et de ne pas me limiter à mon propre espace. J'espère que bientôt je pourrai avoir une exposition personnelle à l'école d'art. Et l'atelier n'est peut-être qu'une question d'un avenir lointain. Pour l’instant, toutes mes œuvres rentrent dans l’appartement. Nous avons récemment terminé des rénovations. Les murs étaient spécialement peints en blanc pour pouvoir y accrocher des tableaux. J'ai organisé l'espace de travail pour qu'il y ait de l'air et beaucoup de lumière. Jusqu'à présent, il n'est pas envahi par toutes sortes d'objets et de détails intéressants, mais je pense que cela ne durera pas longtemps.

Je consulte toujours les blogs de différents artistes et regarde de plus près la gouache avec laquelle les gens travaillent. (J'ai aussi la mienne, mais il faut voir ce que font les gens.) J'ai réalisé que l'aquarelle ne me convenait pas personnellement pour le plein air. J'ai besoin de quelque chose avec plus de couverture et un séchage plus rapide. Et en même temps moins capricieux. Par conséquent, la gouache semble désormais être une option plus optimale pour le travail en plein air, lorsque la lumière et les conditions météorologiques changent très rapidement et qu'il n'y a vraiment aucune commodité.

Je ne suis pas encore prêt pour l'huile, je dois emporter trop de choses lourdes avec moi, notamment des toiles ou des planches pour le travail, ainsi qu'une boîte spéciale pour les croquis afin qu'ils ne tachent pas pendant le transport. Et maintenant, lorsque je suis équipé pour travailler avec des aquarelles, des pastels et des crayons de couleur, mes épaules se détachent. A tel point qu'après les derniers voyages du mois dernier, je vis avec Voltaren. Ce n’est pas une sorte de gars, voire quoi que ce soit. C'est une pommade pour les douleurs musculaires et articulaires.

Œuvres de James Gurney d'ici

Œuvres de Nathan Fawkes d'ici

Ce sont mes héros maintenant, en gros. J'aimerais passer dans mes œuvres de la vie réelle, d'un passepoil détaillé à un trait plus libre. Mais pas parce que j'ai arrêté d'aimer me languir sur les détails - cela n'arrivera pas, je les adore. Mais parce qu'après le plein air j'aimerais voir des œuvres terminées ou presque terminées qui pourraient servir à des peintures plus sérieuses. Parce que maintenant, alors que je me souviens des croquis de la vie réelle et que je complète les dessins - de mémoire et de photos - je n'ai plus la force de répéter davantage.

En cherchant des variétés de gouache, je suis tombé sur un autre illustrateur talentueux, auquel je ne ferai pas de lien ici, car il me provoque des contradictions internes. De plus, j'ai souvent constaté qu'il est inutile d'interroger les illustrateurs occidentaux sur les matériaux ou les subtilités du travail. Dans 90 % des cas, ils ne répondent tout simplement pas et ne se concentrent pas particulièrement sur la façon dont ils fonctionnent exactement. Je comprends parfaitement leur position, mais je pense que c’est pouah. Mais il s’est ensuite avéré qu’il existe un degré encore plus superlatif. Le talentueux illustrateur, auquel je ne fais PAS de lien, répond très clairement à toutes les questions sur la technique et les matériaux utilisés : « Veuillez m'envoyer un e-mail pour acheter les informations. » Au début, j'ai pensé que c'était simplement une faute d'orthographe lorsque j'ai vu la signature sous l'une des œuvres après la liste des matériaux utilisés. Parce que les informations d'achat sont des informations sur un achat, mais acheter les informations est l'achat d'informations. Mais non. En réalité, une personne ne partage des informations que contre de l’argent. Et je ne comprends toujours pas ce que je ressens à ce sujet.

D’un côté, il a raison. Cette information ne lui est pas non plus tombée du ciel. Il a investi du temps et de l'argent dans sa technique de travail. C’est effrayant de penser combien d’argent j’ai déjà dépensé pour trouver les matériaux qui me conviennent le mieux. Il en est ainsi de lui. Pourquoi devrait-il maintenant partager gratuitement avec quelqu’un ? J'ai moi-même souvent été confronté au fait que mes histoires détaillées ou mes sujets et leçons réfléchis que les gens recevaient gratuitement étaient utilisés pour des master classes entières, c'est-à-dire monétisés et que tout me passait dans la tirelire de quelqu'un d'autre, y compris la reconnaissance de la tirelire. Mais il existe aussi des échanges créatifs. Sans cela, il n’y a pas de développement normal. Il n’y a que de la stagnation. Et si c'était mes informations, que j'ai partagées avec tout mon cœur, qui aidaient un artiste très cool à se relever ?! Après tout, sans lui, le monde serait bien plus pauvre.