Qu'est-ce qu'une image artistique, l'attitude artistique de l'artiste. Œuvre d'art. image artistique. réalité artistique

L'art occupe la place la plus importante dans la théorie de l'esthétique. Elle étudie son rôle dans la vie, ses schémas de développement et ses caractéristiques. L'esthétique considère l'art comme une forme d'exploration esthétique du monde. L'art est un moyen de refléter la vie et la pensée sous forme d'images artistiques. La source des images artistiques est la réalité. L'artiste, reflétant le monde, pense de manière figurative et émotionnelle et, influençant les sentiments et l'esprit des gens avec ses œuvres, il s'efforce d'évoquer en elles des émotions et des pensées similaires.

La spécificité de l'art est qu'il a un impact sur une personne en raison de ses mérites esthétiques, dus à l'influence du système d'images artistiques. Image artistique est associé non seulement à l'imagerie de la pensée sensorielle-concrète, mais aussi à des concepts abstraits, il contient la profondeur et l'originalité d'un art significatif ;

Dans l'essence d'une image artistique, certains niveaux peuvent être distingués. Le niveau abstrait de la pensée artistique est idéal lorsque la prise de conscience se produit idée artistique et la création d'une image est une opération intellectuelle. Le niveau suivant est mental, où le rôle des mécanismes inconscients de la créativité artistique est important. C'est le niveau sentiments artistiques et les émotions, grâce auxquelles les images de l'œuvre sont vécues dans le processus de perception. Une image artistique est associée à une attitude esthétique à son égard, à des sentiments, à des appréciations, à des besoins. Enfin, le troisième niveau d'existence d'une image artistique est matériel, c'est-à-dire dans quelle « coque » matérielle l'image est présentée : en couleur, en son, en mots, dans leurs combinaisons.

Lorsqu'on étudie une image artistique, il faut prendre en compte tous ces niveaux : idéal, mental, matériel.

Dans l'art, l'exactitude de la représentation de la nature ne crée pas en soi une œuvre ; elle n'apparaît que lorsque l'image devient une image artistique, dans laquelle un objet ou un phénomène particulier est illuminé par la pensée et le sentiment du créateur.

L'image artistique est le résultat d'une certaine orientation créatrice de l'auteur et est associée à la nature de son talent. L’art est fondamentalement une image de la réalité sensorielle perçue, mais son degré de généralisation artistique varie. Afin de bien comprendre la nature de l'image artistique, il convient également de prendre en compte ces les points les plus importants, comme l’individualité de la vision de l’artiste et son idéal esthétique.

Ces deux points sont interconnectés et en même temps relativement indépendants. L'idéal esthétique sert de guide à l'auteur, il oriente sa vision, il est déterminé par le caractère unique d'une époque historique particulière. Et en même temps, chaque créateur voit le monde à sa manière, et l'individualité vision artistique l'auteur enrichit la vision esthétique dans son ensemble, élargit l'éventail de la perception du monde. L’individualité de la vision de l’artiste peut être à peine perceptible ou, au contraire, clairement exprimée, mais elle est en tout cas requise dans une œuvre d’art talentueuse.

La catégorie la plus importante de la littérature, qui détermine son essence et sa spécificité, est l'image artistique. Quelle est la signification de ce concept ? Cela signifie un phénomène que l'auteur recrée de manière créative dans sa création. Une image dans une œuvre d’art semble être le résultat des conclusions significatives de l’écrivain sur un processus ou un phénomène. La particularité de ce concept est qu'il aide non seulement à comprendre la réalité, mais aussi à créer votre propre monde fictif.

Essayons de retracer ce qu'est une image artistique, ses types et ses moyens d'expression. Après tout, tout écrivain essaie de décrire certains phénomènes de manière à montrer sa vision de la vie, ses tendances et ses modèles.

Qu'est-ce qu'une image artistique

La critique littéraire nationale a emprunté le mot « image » au vocabulaire de l’Église de Kiev. Il a une signification - visage, joue, et sa signification figurative est une image. Mais il est important pour nous d'analyser ce qu'est une image artistique. Nous entendons par là une image spécifique et parfois généralisée de la vie des gens, qui porte valeur esthétique et est créé à travers la fiction. Un élément ou une partie d'une œuvre littéraire qui a vie indépendante- c'est ça une image artistique.

Une telle image est dite artistique non pas parce qu'elle est identique à des objets et phénomènes réels. L'auteur transforme simplement la réalité à l'aide de son imagination. La tâche d'une image artistique en littérature n'est pas simplement de copier la réalité, mais de transmettre ce qui est le plus important et le plus essentiel.

Ainsi, Dostoïevski a mis dans la bouche d'un de ses héros des mots qu'on peut rarement reconnaître une personne sur une photographie, car le visage ne parle pas toujours des traits de caractère les plus importants. D'après les photographies, Napoléon, par exemple, semble stupide à certains. La tâche de l’écrivain est de montrer les éléments les plus importants et les plus spécifiques du visage et du caractère. Lors de la création d’une image littéraire, l’auteur utilise des mots pour refléter des personnages, des objets et des phénomènes humains sous une forme individuelle. Par image, les spécialistes de la littérature entendent ce qui suit :

1. Personnages oeuvre d'art, héros, personnages et leurs personnages.
2. Représentation de la réalité sous une forme concrète, à l'aide d'images et de tropes verbaux.

Chaque image créée par l'écrivain est porteuse d'une émotivité, d'une originalité, d'une associativité et d'une capacité particulières.

Changer les formes d'une image artistique

À mesure que l’humanité évolue, l’image de la réalité évolue également. Il y a une différence entre l’image artistique d’il y a 200 ans et celle d’aujourd’hui. À l’ère du réalisme, du sentimentalisme, du romantisme et du modernisme, les auteurs décrivaient le monde de différentes manières. Réalité et fiction, réalité et idéal, général et individuel, rationnel et émotionnel - tout cela a changé au cours du développement de l'art. À l’ère du classicisme, les écrivains mettaient en avant la lutte entre les sentiments et le devoir. Souvent, les héros choisissent le devoir et sacrifient leur bonheur personnel au nom de l’intérêt public. À l'ère du romantisme, sont apparus des héros rebelles qui ont rejeté la société ou qui les a rejetés.

Le réalisme a introduit la connaissance rationnelle du monde dans la littérature et nous a appris à identifier les relations de cause à effet entre les phénomènes et les objets. Le modernisme a appelé les écrivains à comprendre le monde et l'homme par des moyens irrationnels : l'inspiration, l'intuition, la perspicacité. Pour les réalistes, au premier plan de tout se trouve l’homme et sa relation avec le monde extérieur. Les romantiques s'intéressent au monde intérieur de leurs héros.

Les lecteurs et les auditeurs peuvent aussi être appelés en quelque sorte co-créateurs d’images littéraires, car leur perception est importante. Idéalement, le lecteur ne se contente pas de rester passivement à l'écart, mais transmet l'image à travers ses propres sentiments, pensées et émotions. Des lecteurs différentes époques des facettes complètement différentes de l'image artistique représentée par l'écrivain sont révélées.

Quatre types d'images littéraires

L'image artistique dans la littérature est classée selon divers critères. Toutes ces classifications ne font que se compléter. Si nous divisons les images en types selon le nombre de mots ou de signes qui les créent, alors les images suivantes ressortent :

• Petites images sous forme de détails. Un exemple de détail d'image est le célèbre tas Plyushkin, une structure en forme de tas. Elle caractérise très clairement son héros.
• Intérieurs et paysages. Parfois, ils font partie de l’image d’une personne. Ainsi, Gogol change constamment les intérieurs et les paysages, en faisant un moyen de créer des personnages. Les paroles de paysage sont très faciles à imaginer pour le lecteur.
• Images de personnages. Ainsi, dans les œuvres de Lermontov, l’homme, avec ses sentiments et ses pensées, est au centre des événements. Les personnages sont aussi communément appelés héros littéraires.
• Systèmes littéraires complexes. A titre d’exemple, on peut citer l’image de Moscou dans les paroles de Tsvetaeva, de la Russie dans les œuvres de Blok et de Saint-Pétersbourg dans Dostoïevski. Un système encore plus complexe est celui de l’image du monde.

Classification des images selon les spécificités génériques et stylistiques

Toutes les créations littéraires et artistiques sont généralement divisées en trois types. À cet égard, les images peuvent être :

• lyrique;
• épique;
• spectaculaire.

Chaque écrivain a sa propre façon de représenter les personnages. Cela donne des raisons de classer les images en :

• réaliste;
• romantique;
• surréaliste.

Toutes les images sont créées selon un certain système et des lois.

Division des images littéraires selon la nature de la généralité

Caractérisé par le caractère unique et l'originalité images individuelles. Ils ont été inventés par l'imagination de l'auteur lui-même. Images individuelles utilisé par les romantiques et les écrivains de science-fiction. Dans l'œuvre de Hugo "Notre-Dame de Paris", les lecteurs peuvent voir un Quasimodo inhabituel. Volan est un individu dans le roman de Boulgakov « Le Maître et Marguerite » et un Démon dans l’œuvre du même nom de Lermontov.

L'image générale, opposée à l'image individuelle, est caractéristique. Il contient les personnages et la morale des personnes d'une certaine époque. Tels sont les héros littéraires de Dostoïevski dans « Les Frères Karamazov », « Crime et Châtiment », dans les pièces d'Ostrovsky, dans « Les Sagas Forsyte » de Galsworthy.

Le plus haut niveau de caractères caractéristiques est typique images. Ils étaient les plus probables pour une époque particulière. Ce sont les héros typiques que l’on retrouve le plus souvent dans la fiction réaliste. Littérature du XIXème siècle siècle. Il s'agit du Père Goriot et Gobsek de Balzac, de Platon Karataev et Anna Karénine de Tolstoï, de Madame Bovary de Flaubert. Parfois, la création d'une image artistique vise à capturer les signes socio-historiques d'une époque, des traits de caractère universels. La liste de tels images éternelles Vous pouvez inclure Don Quichotte, Don Juan, Hamlet, Oblomov, Tartuffe.

Le cadre des personnages individuels va au-delà images-motifs. Ils sont constamment répétés dans les thèmes des œuvres de certains auteurs. A titre d'exemple, on peut citer « Village Rus' » de Yesenin ou « Beautiful Lady » de Blok.

Les images typiques trouvées non seulement dans la littérature d'écrivains individuels, mais aussi de nations et d'époques, sont appelées topiques. Des écrivains russes tels que Gogol, Pouchkine, Zochtchenko et Platonov ont utilisé l'image topos du « petit homme » dans leurs écrits.

Une image humaine universelle qui se transmet inconsciemment de génération en génération s'appelle archétype. Il comprend des personnages mythologiques.

Outils pour créer une image artistique

Chaque écrivain, au meilleur de son talent, révèle des images avec les moyens dont il dispose. Le plus souvent, il le fait à travers le comportement des héros dans certaines situations, à travers sa relation avec le monde extérieur. De tous les moyens d'image artistique, un rôle important est joué par caractéristique de la parole héros. L'auteur peut utiliser monologues, dialogues, déclarations internes d'une personne. Aux événements qui se déroulent dans le livre, l'écrivain peut donner sa propre description de l'auteur.

Parfois, les lecteurs observent dans les œuvres un sens implicite et caché, appelé sous-texte. D'une grande importance caractéristique externe héros: taille, vêtements, silhouette, expressions faciales, gestes, timbre de voix. Il est plus facile d’appeler cela un portrait. Les œuvres portent une grande charge sémantique et émotionnelle détails, exprimer des détails . Pour exprimer le sens d'un phénomène sous une forme objective, les auteurs utilisent symboles. Une idée de l'habitat d'un personnage particulier donne une description de l'aménagement intérieur de la pièce - intérieur.

Dans quel ordre la littérature littéraire est-elle caractérisée ?

l'image du personnage ?

Créer une image artistique d'une personne est l'une des tâches les plus importantes de tout auteur. Voici comment caractériser tel ou tel personnage :

1. Indiquer la place du personnage dans le système d'images de l'œuvre.
2. Décrivez-le du point de vue de son type social.
3. Décrivez l'apparence du héros, son portrait.
4. Nommez les caractéristiques de sa vision du monde et de sa vision du monde, de ses intérêts mentaux, de ses capacités et de ses habitudes. Décrivez ce qu'il fait, son principes de vie et l'influence sur les autres.
5. Décrivez la sphère des sentiments du héros, les caractéristiques des expériences internes.
6. Analysez l'attitude de l'auteur envers le personnage.
7. Révélez les traits de caractère les plus importants du héros. Comment l'auteur les révèle, d'autres personnages.
8. Analysez les actions du héros.
9. Nommez la personnalité du discours du personnage.
10. Quel est son rapport à la nature ?

Images méga, macro et micro

Parfois, le texte d'une œuvre littéraire est perçu comme une méga-image. Il a sa propre valeur esthétique. Les érudits littéraires lui accordent la plus haute valeur générique et indivisible.

Les images macro sont utilisées pour représenter la vie sous forme de segments, d'images ou de parties plus ou moins grands. La composition de la macro-image est constituée de petites images homogènes.

La microimage a la plus petite taille de texte. Cela peut prendre la forme d’un petit segment de réalité représenté par l’artiste. Il peut s'agir d'un mot d'expression (Hiver. Gel. Matin.) ou d'une phrase, d'un paragraphe.

Images-symboles

Un trait caractéristique de ces images est leur nature métaphorique. Ils ont une profondeur sémantique. Ainsi, le héros Danko de l’œuvre de Gorki « La vieille femme Izergil » est un symbole d’altruisme absolu. Il est opposé dans le livre par un autre héros - Larra, qui est un symbole d'égoïsme. L'écrivain crée une image-symbole littéraire pour une comparaison cachée afin d'en montrer le sens figuré. Le plus souvent, le symbolisme se retrouve dans les œuvres lyriques. Il convient de rappeler les poèmes de Lermontov "La Falaise", "Dans le Nord sauvage se trouve seul...", "Feuille", le poème "Démon", la ballade "Trois Palmes".

Images éternelles

Il y a des images qui ne se décolorent pas ; elles combinent l’unité des éléments historiques et sociaux. De tels personnages dans la littérature mondiale sont appelés éternels. Prométhée, Œdipe, Cassandre viennent immédiatement à l’esprit. Toute personne intelligente ajouterait à cette liste Hamlet, Roméo et Juliette, Iskander, Robinson. Il existe des romans immortels, des nouvelles et des paroles dans lesquels les nouvelles générations de lecteurs découvrent des profondeurs sans précédent.

Images artistiques dans les paroles

Les paroles offrent un regard inhabituel sur des choses ordinaires. L'œil vif du poète remarque les choses les plus quotidiennes qui apportent le bonheur. L'image artistique dans un poème peut être la plus inattendue. Pour certains c'est le ciel, le jour, la lumière. Bounine et Yesenin ont du bouleau. Les images d'un proche ou d'un proche sont dotées d'une tendresse particulière. Très souvent, il y a des images-motifs, tels que : une femme-mère, une épouse, une mariée, une amante.

1. Image artistique : le sens du terme

2. Propriétés d'une image artistique

3. Typologie (variétés) des images artistiques

4. Sentiers artistiques

5. Images-symboles artistiques

1. Image artistique : le sens du terme

Au sens le plus général, une image est une représentation sensorielle d’une idée spécifique. Les images sont dites empiriquement perçues et véritablement sensorielles dans Travail littéraire objets. Ce sont des images visuelles (images de la nature) et auditives (le bruit du vent, le bruissement des roseaux). Olfactif (odeurs de parfum, arômes d'herbes) et gustatif (goût de lait, de biscuits). Les images sont tactiles (toucher) et cinétiques (liées au mouvement). A l'aide d'images, les écrivains indiquent dans leurs œuvres une image du monde et de l'homme ; détecter le mouvement et la dynamique de l’action. L'image est aussi une certaine formation holistique ; pensée incarnée dans un objet, un phénomène ou une personne.

Toutes les images ne deviennent pas artistiques. Le talent artistique d’une image réside dans sa fonction particulière – esthétique. Il capte la beauté de la nature, du monde animal, des humains, des relations interpersonnelles ; révèle la perfection secrète de l'être. L'image artistique est appelée à témoigner de la beauté qui sert le bien commun et affirme l'harmonie du monde.

En termes de structure d'une œuvre littéraire, l'image artistique est l'élément le plus important de sa forme. Une image est un motif sur le « corps » d’un objet esthétique ; le principal engrenage de « transmission » du mécanisme artistique, sans lequel le développement de l'action et la compréhension du sens sont impossibles. Si une œuvre d’art est l’unité de base de la littérature, alors une image artistique est l’unité de base d’une création littéraire. A l'aide d'images artistiques, l'objet de réflexion est modélisé. L'image exprime le paysage et les objets intérieurs, les événements et les actions des personnages. L'intention de l'auteur apparaît dans les images ; l'idée principale et générale est incarnée.

Ainsi, dans l'extravagance « Scarlet Sails » d'A. Green, le thème principal de l'amour dans l'œuvre se reflète dans l'image artistique centrale - les voiles écarlates, signifiant un sentiment romantique sublime. L'image artistique est la mer dans laquelle Assol scrute, attendant un navire blanc ; la taverne Menners, négligée et inconfortable ; un insecte vert rampant le long d’une ligne avec le mot « look ». L'image artistique (l'image des fiançailles) est la première rencontre de Gray avec Assol, lorsque le jeune capitaine met la bague de sa fiancée à son doigt ; Équipement du navire Gray voiles écarlates; boire du vin que personne n'aurait dû boire, etc.

Les images artistiques que nous avons mises en valeur : la mer, un navire, des voiles écarlates, une taverne, un insecte, du vin - ce sont les détails les plus importants de la forme de l'extravagance. Grâce à ces détails, l’œuvre d’A. Green commence à « vivre ». Il reçoit les personnages principaux (Assol et Gray), le lieu de leur rencontre (la mer), ainsi que son état (un navire aux voiles écarlates), un moyen (un regard à l'aide d'un insecte), et un résultat (fiançailles, mariage).

A l’aide d’images, l’écrivain affirme une vérité simple. Il s’agit de « faire de soi-disant miracles de ses propres mains ».

Dans l'aspect de la littérature en tant que forme d'art, l'image artistique est la catégorie centrale (ainsi qu'un symbole) créativité littéraire. Il agit comme une forme universelle de maîtrise de la vie et en même temps une méthode pour la comprendre. Dans les images artistiques, il est compris activité sociale, cataclysmes historiques spécifiques, sentiments et personnages humains, aspirations spirituelles. Sous cet aspect, une image artistique ne se contente pas de remplacer le phénomène qu’elle désigne ou de le généraliser. traits de caractère. Ça parle de faits réelsêtre; les connaît dans toute leur diversité ; révèle leur essence. Des modèles d'existence sont dessinés de manière artistique, des intuitions et des idées inconscientes sont verbalisées. Cela devient épistémologique ; ouvre la voie à la vérité, au prototype (en ce sens, nous parlons de l'image de quelque chose : le monde, le soleil, l'âme, Dieu).

Ainsi, la fonction de « conducteur » du Prototype de toutes choses (l'image divine de Jésus-Christ) est acquise par tout un système d'images artistiques dans l'histoire « Dark Alleys » de I. A. Bounine, qui raconte la rencontre inattendue des principaux personnages : Nikolai et Nadezhda, autrefois liés par des liens d'amour pécheur et errant dans le labyrinthe de la sensualité (dans des « ruelles sombres », selon l'auteur).

Le système figuratif de l'œuvre est basé sur un contraste saisissant entre Nicolas (un aristocrate et général qui a séduit et abandonné sa bien-aimée) et Nadejda (une paysanne, propriétaire d'une auberge, qui n'a jamais oublié ni pardonné son amour).

L'apparence de Nikolaï, malgré son âge avancé, est presque impeccable. Il est toujours beau, élégant et en forme. Son visage montre clairement son dévouement et sa loyauté envers son travail. Cependant, tout cela n’est qu’une coquille dénuée de sens ; cocon vide. Dans l’âme du brillant général, il n’y a que de la saleté et « l’abomination de la désolation ». Le héros apparaît comme une personne égoïste, froide et insensible, incapable d’agir même pour atteindre son propre bonheur personnel. Il n’a aucun objectif élevé, aucune aspiration spirituelle ou morale. Il flotte au gré des vagues, il est mort dans son âme. Au sens propre comme au sens figuré, Nicolas parcourt une « route sale » et ressemble donc fortement à la « tarentasse couverte de boue » de l'écrivain avec un cocher qui ressemble à un voleur.

Apparition de l'espoir, ex-amant Nicolas, au contraire, n'est pas très séduisant. La femme a conservé des traces de sa beauté d’antan, mais a cessé de prendre soin d’elle-même : elle a pris du poids, est devenue laide et est devenue « obèse ». Cependant, dans son âme, Nadezhda gardait l'espoir du meilleur et même de l'amour. La maison de l’héroïne est propre, chaleureuse et confortable, ce qui témoigne non pas d’une simple diligence ou de soins, mais aussi de la pureté des sentiments et des pensées. Et la « nouvelle image dorée (icône - P.K.) dans le coin » dénote clairement la religiosité de l'hôtesse, sa foi en Dieu et en sa Providence. Par la présence de cette image, le lecteur devine que Nadejda trouve la véritable source du Bien et de tout Bien ; qu'elle ne meurt pas dans le péché, mais renaît dans la vie éternelle ; que cela lui est donné au prix d'une souffrance mentale sévère, au prix d'un abandon d'elle-même.

La nécessité d’opposer les deux personnages principaux du récit ne découle pas seulement, selon l’auteur, de leur inégalité sociale. Le contraste met l'accent sur différents orientation vers la valeur ces gens. Il montre la nocivité de l'indifférence prêchée par le héros. Et en même temps, cela affirme la grande puissance de l’amour révélé par l’héroïne.

Grâce au contraste, Bounine atteint un autre objectif mondial. L'auteur met l'accent sur l'image artistique centrale - l'icône. L’icône représentant le Christ devient le moyen universel de transformation spirituelle et morale des personnages de l’écrivain. Grâce à cette image, menant au Prototype, Nadejda est sauvée, oubliant peu à peu les « ruelles sombres » cauchemardesques. Grâce à cette image, Nicolas emprunte également le chemin du salut, baisant la main de sa bien-aimée et recevant ainsi le pardon. Grâce à cette Image, dans laquelle les personnages trouvent une paix totale, le lecteur pense lui-même à sa vie. L'image du Christ le fait sortir du labyrinthe de la sensualité jusqu'à l'idée de l'Éternité.

En d'autres termes, une image artistique est une image généralisée vie humaine, transformé à la lumière de l’idéal esthétique de l’artiste ; la quintessence de la réalité créativement reconnaissable. Dans l'image artistique, il y a une orientation vers l'unité de l'objectif et du subjectif, de l'individuel et du typique. Il est l'incarnation de l'existence publique ou personnelle. Toute image qui a de la clarté (apparence sensuelle), une essence interne (sens, but) et une logique claire de révélation de soi est également appelée artistique.

2. Propriétés d'une image artistique

Une image artistique possède des caractéristiques particulières (propriétés) qui lui sont propres. Ce:

1) typicité,

2) biologique (vivabilité),

3) orientation vers les valeurs,

4) euphémisme.

La typicité naît du lien étroit de l'image artistique avec la vie et présuppose l'adéquation du reflet de l'existence. Une image artistique devient un type si elle généralise des caractéristiques plutôt que des traits aléatoires ; s'il modélise une impression authentique et non artificielle de la réalité.

Ceci, par exemple, se produit avec l'image artistique de l'aînée Zosima du roman de F.M. Dostoïevski "Les frères Karamazov". Le héros nommé est l'image typique (collective) la plus brillante. L'écrivain cristallise cette image après une étude minutieuse du monachisme comme mode de vie. En même temps, il se concentre sur plusieurs prototypes. L'auteur emprunte la figure, l'âge et l'âme de Zosime à frère Ambroise (Grenkov), avec qui il a personnellement rencontré et parlé à Optina. Dostoïevski prend l'apparence de Zosime d'après le portrait de l'ancien Macaire (Ivanov), qui fut le mentor d'Ambroisie lui-même. Zosima a « reçu » son esprit et son esprit de Saint Tikhon de Zadonsk.

Grâce à la typicité des images littéraires, les artistes tirent non seulement de profondes généralisations, mais aussi des conclusions de grande portée ; évaluer sobrement la situation historique ; Ils regardent même vers l'avenir.

C'est ce que fait par exemple M.Yu. Lermontov dans le poème « Prédiction », où il prévoit clairement la chute de la dynastie des Romanov :

L'année viendra, l'année noire de la Russie,

Quand la couronne du roi tombe ;

La foule oubliera son ancien amour pour eux,

Et la nourriture de beaucoup sera la mort et le sang…

Le caractère organique de l'image est déterminé par le naturel de son incarnation, la simplicité de son expression et la nécessité de s'inscrire dans le général système figuratif. L’image devient alors organique lorsqu’elle se tient à sa place et est utilisée aux fins prévues ; quand il scintille avec les significations qui lui sont données ; quand, avec son aide, l'organisme le plus complexe de la création littéraire commence à fonctionner. Le caractère organique de l'image réside dans sa vivacité, son émotivité, sa sensibilité, son intimité ; dans ce qui fait la poésie poésie.

Prenons, par exemple, deux images de l'automne de poètes chrétiens peu connus comme saint Barsanuphe (Plikhankov) et L.V. Sidorov. Les deux artistes ont le même sujet narratif (l’automne), mais le vivent et le peignent différemment.

Image artistique

Image artistique - tout phénomène recréé de manière créative par l'auteur dans une œuvre d'art. C’est le résultat de la compréhension par l’artiste d’un phénomène ou d’un processus. En même temps, l'image artistique non seulement reflète, mais surtout généralise la réalité, révèle l'éternel chez l'individu, le passager. La spécificité d'une image artistique est déterminée non seulement par le fait qu'elle comprend la réalité, mais aussi par le fait qu'elle crée un nouveau monde fictif. L'artiste s'efforce de sélectionner de tels phénomènes et de les représenter de manière à exprimer son idée de la vie, sa compréhension de ses tendances et de ses modèles.

Ainsi, « une image artistique est une image à la fois spécifique et généralisée de la vie humaine, créée à l'aide de la fiction et ayant une signification esthétique » (L. I. Timofeev).

Une image est souvent comprise comme un élément ou une partie d'un tout artistique, généralement un fragment qui semble avoir une vie et un contenu indépendants (par exemple, un personnage littéraire, images symboliques, comme une « voile » de M. Yu. Lermontov).

Une image artistique devient artistique non pas parce qu’elle est copiée sur le vivant et ressemble à un objet ou à un phénomène réel, mais parce que, avec l’aide de l’imagination de l’auteur, elle transforme la réalité. Une image artistique ne copie pas seulement la réalité, mais s'efforce plutôt de transmettre le plus important et l'essentiel. Ainsi, l'un des héros du roman « L'Adolescent » de Dostoïevski a déclaré que les photographies peuvent très rarement donner une idée correcte d'une personne, car ce n'est pas toujours le cas. visage humain exprime les principaux traits de caractère. Ainsi, par exemple, Napoléon, photographié à un certain moment, peut paraître stupide. L'artiste doit trouver l'élément principal et caractéristique du visage. Dans le roman Anna Karénine de L. N. Tolstoï, l'amateur Vronsky et l'artiste Mikhaïlov ont peint un portrait d'Anna. Il semble que Vronsky connaisse mieux Anna, la comprenne de plus en plus profondément. Mais le portrait de Mikhaïlov se distinguait non seulement par sa similitude, mais aussi par cette beauté particulière que seul Mikhaïlov pouvait découvrir et que Vronsky n'avait pas remarqué. "Il fallait la connaître et l'aimer, comme j'ai aimé, pour trouver cette expression la plus douce de son âme", pensait Vronsky, bien que de ce portrait il ne reconnaisse que "cette expression la plus douce de son âme".

À différents stades du développement humain, l’image artistique prend différentes formes.

Ceci arrive pour deux raisons:

le sujet de l'image lui-même change - la personne,

Les formes de son reflet dans l'art changent également.

Il existe des spécificités dans la réflexion du monde (et donc dans la création d'images artistiques) par les artistes réalistes, sentimentaux, romantiques, modernistes, etc. Au fur et à mesure que l'art se développe, le rapport entre réalité et fiction, réalité et idéal, général et individuel , changements rationnels et émotionnels, etc.

Dans les images de la littérature classique, par exemple, la lutte entre le sentiment et le devoir apparaît au premier plan, et cadeaux font invariablement un choix en faveur de ces derniers, sacrifiant le bonheur personnel au nom des intérêts de l'État. Les artistes romantiques, au contraire, exaltent le héros rebelle, le solitaire qui a rejeté la société ou en a été rejeté. Les réalistes s'efforçaient d'acquérir une connaissance rationnelle du monde, identifiant les relations de cause à effet entre les objets et les phénomènes. Et les modernistes ont déclaré qu'il n'est possible de connaître le monde et l'homme que par des moyens irrationnels (intuition, perspicacité, inspiration, etc.). Au centre des œuvres réalistes se trouve une personne et sa relation avec le monde extérieur, tandis que les romantiques, puis les modernistes, s'intéressent avant tout au monde intérieur de leurs héros.

Bien que les créateurs d'images artistiques soient des artistes (poètes, écrivains, peintres, sculpteurs, architectes, etc.), en un sens, leurs co-créateurs sont ceux qui perçoivent ces images, c'est-à-dire les lecteurs, les spectateurs, les auditeurs, etc. , le lecteur idéal perçoit non seulement passivement l'image artistique, mais la remplit également de ses propres pensées, sentiments et émotions. Personnes différentes Et différentes époques révèle ses différentes facettes. En ce sens, l’image artistique est inépuisable, comme la vie elle-même.

Moyens artistiques de créer des images

Caractéristiques de la parole du héros :

- dialogue– une conversation entre deux personnes, parfois plus ;

- monologue- discours d'une personne ;

- monologue interne- les déclarations d'une personne, prenant la forme d'un discours interne.

Sous-texte – attitude inexprimée directement, mais devinable de l'auteur envers le sens représenté, implicite et caché.

Portraits – représentation de l'apparence du héros comme moyen de le caractériser.

Détail -détail expressif dans l'œuvre, porteur d'une charge sémantique et émotionnelle importante.

Symbole - une image exprimant la signification d'un phénomène sous une forme objective .

Intérieur –design d'intérieur, cadre de vie des gens.

OBJECTIFS:

• donner une idée de l'essence d'une œuvre d'art et de sa structure ;
• développer des compétences en analyse d'œuvres d'art;
• développer la capacité de distinguer différentes façons création imagerie artistique et la capacité de les expliquer et de les justifier.

1) Caractéristiques d'une œuvre d'art.

2) Le concept et la spécificité de l'image artistique.

3) Types de base de généralisation artistique.

Une œuvre d’art peut être considérée comme un système à trois niveaux. La spécificité du travail peut se révéler dans l’existence et l’interaction de ces niveaux. Bien entendu, une œuvre d’art est avant tout un artefact, un produit de l’activité humaine, et elle n’a rien de spécifique. Mais il y a deux caractéristiques importantes d’un artefact artistique : c’est un artefact, qui est une chose spéciale, et c’est un texte – un objet. Le second est un artefact - un texte qui incarne et transmet certaines informations ; c'est un message consciemment formulé par une personne pour celui qui le percevra. Une œuvre d’art est donc une modélisation et une transmission de certaines informations. L'artiste crée un texte et sait qu'il crée le texte comme un message qu'il envoie à d'autres personnes. L'information littéraire est un texte qu'une personne devrait pouvoir lire. L'art est une forme de contact entre une personne et une autre . Une autre caractéristique importante des textes littéraires est leur qualité esthétique. L'organisation esthétique du texte lui-même est basée sur la prétention du créateur de créer quelque chose de parfait, et cette qualité esthétique est créée pour le percepteur. Et bien qu'un destinataire moderne de l'art devienne un sujet d'activité pratique s'il participe par exemple à un événement, ici aussi l'activité est contemplative, co-créative, et non dans le but d'atteindre résultat pratique. Les textes artistiques de l'art moderne sont de plus en plus cryptés et, néanmoins, par nature, ce texte reste encore un message adressé au public.

Que véhicule le texte en tant que produit ? activité artistique?

Il y a aussi deux niveaux ici. Passons directement au niveau de l'information dans forme pure au contenu d'une œuvre d'art. Dans l'art moderne, l'information n'est plus de nature objective-cognitive ; l'art ne transmet plus de connaissance sur la réalité. Au XXe siècle, l'esthétique est arrivée à la conclusion que l'art apporte informations précieuses, des informations sur l’importance du monde pour une personne et sur la relation d’une personne avec le monde. Mais l’information sur la valeur a aussi certaines spécificités dans l’art. Si cette information est de nature corporelle motivante (l'inscription sur le poteau : n'intervenez pas - ça tuera), cela ne suffit pas. Modèles d'art et transmet spirituel et valeur l'information, l'information qui porte la vie de l'esprit humain.

La deuxième caractéristique de l'information est que l'art offre un synthèse d'informations sur les valeurs spirituelles. L'information que nous appelons artistique est une fusion de différents types d'informations : informations de nature esthétique, informations de nature idéologique. Il s’agit d’une œuvre d’art contemporain qui porte une directive sur l’interprétation de la vision du monde. Art moderne modèle souvent certains états et intentions de la conscience humaine, mais l'art modèle un type de conscience holistique, c'est sa tâche spécifique.

Ainsi, à l’aide de textes, l’art modèle une réalité particulière, rend visible une certaine conscience. Mais surtout, comment il apparaît à une personne, comment il nous est donné et comment il se révèle dans l'activité artistique.

L’art existe en tant que réalité particulière, intrinsèquement précieuse, aussi conditionnelle qu’inconditionnelle. Nous percevons monde de l'art, qui ne nous est pas extérieur, mais nous capte puissamment, nous transforme en une partie de lui-même, et plus nous sommes attirés, plus nous disons avec certitude qu'il s'agit d'un monde artistique. Une personne commence à sentir qu’elle vit une vie particulière, et cela s’applique à toute œuvre d’art. Pourquoi la réalité existe-t-elle, quelle est l’essence de l’art ?

Une image artistique est la structure de la conscience artistique, la méthode et l'espace d'exploration artistique du monde, de l'existence et de la communication dans l'art. Une image artistique existe comme une structure idéale par opposition à une œuvre d'art, une réalité matérielle dont la perception donne naissance à une image artistique.

Le problème de la compréhension d'une image artistique est que la sémantique initiale du concept d'image capture la relation épistémologique de l'art à la réalité, la relation qui fait de l'art une sorte de similitude. vrai vie, prototype. Pour l’art du XXe siècle, qui a abandonné le vivant, son caractère figuratif devient discutable.

Néanmoins, l’expérience de l’art et de l’esthétique du XXe siècle suggère que la catégorie « image artistique » est nécessaire, puisque l’image artistique reflète des aspects importants de la conscience artistique. C'est dans la catégorie de l'image artistique que le plus important caractéristiques spécifiques l'art, l'existence d'une image artistique marque les limites de l'art.

Si l'on aborde l'image artistique de manière fonctionnelle, elle apparaît alors comme : premièrement, une catégorie dénotant la nature inhérente de l'art façon parfaite activité artistique; deuxièmement, c'est la structure de la conscience, grâce à laquelle l'art résout deux problèmes importants : la maîtrise du monde - en ce sens, une image artistique est une manière de maîtriser le monde ; et la transmission d'informations artistiques. Ainsi, l'image artistique s'avère être une catégorie qui dessine tout le territoire de l'art.

Dans une œuvre d'art, deux couches peuvent être distinguées : matérielle-sensuelle ( texte artistique) et sensuel-supersensible (image artistique). Une œuvre d’art est leur unité.

Dans une œuvre d'art, l'image artistique existe dans un monde potentiel, possible, corrélé à la perception. Pour celui qui perçoit, l’image artistique naît de nouveau. La perception est artistique dans la mesure où elle affecte l'image artistique.

L'image artistique agit comme un substrat (substance) spécifique de la conscience artistique et de l'information artistique. Une image artistique est un espace spécifique d'activité artistique et ses produits. Des expériences sur les héros se déroulent dans cet espace. Une image artistique est une réalité particulière, spécifique, le monde d'une œuvre d'art. Sa structure est complexe et son échelle est variée. Ce n'est que dans l'abstraction qu'une image artistique peut être perçue comme une structure supra-individuelle ; en réalité, une image artistique est « liée » au sujet qui l'a générée ou la perçoit ;

L'image artistique se réalise à travers une attitude individuelle envers le monde, ce qui conduit à une multiplicité variable de l'image artistique, qui existe au niveau de la perception. Et dans les arts du spectacle - et au niveau de la performance. En ce sens, l’utilisation des expressions « Mon Pouchkine », « Mon Chopin », etc. est justifiée. Et si l’on se pose la question, où existe-t-il une véritable sonate de Chopin (dans la tête de Chopin, dans les notes, dans l’interprétation) ? Il est difficilement possible de répondre clairement à cette question. Lorsque nous parlons de « multiplicité variable », nous entendons « invariant ». Une image, si elle est artistique, possède certaines caractéristiques. Directement donné à une personne la caractéristique d’une image artistique est l’intégrité. Une image artistique n'est pas une somme ; elle naît dans l'esprit de l'artiste, puis dans l'esprit du percepteur. Dans la conscience du créateur, il vit comme une réalité automotrice. (M. Tsvetaeva - « Une œuvre d'art naît, pas créée »). Chaque fragment d'une image artistique a la qualité d'un mouvement propre. L'inspiration est l'état mental d'une personne dans lequel naissent les images. Les images apparaissent comme une réalité artistique particulière.

Si l'on se tourne vers les spécificités de l'image artistique, la question se pose : l'image est-elle une image ? Peut-on parler de correspondance entre ce que l’on voit dans l’art et le monde objectif, car le critère principal de l’imagerie est la correspondance.

L’ancienne compréhension dogmatique de l’image procède de l’interprétation de la correspondance et se heurte à des difficultés. En mathématiques, il existe deux compréhensions de la correspondance : 1) isomorphe - biunivoque, l'objet est une copie. 2) homomorphe - correspondance partielle et incomplète. Quel genre de réalité l’art recrée-t-il pour nous ? L'art est toujours une transformation. L'image traite de la réalité des valeurs - c'est celle-ci qui se reflète dans l'art. Autrement dit, le prototype de l’art est la relation de valeur spirituelle entre le sujet et l’objet. Ils ont une structure très complexe et sa reconstruction est une tâche importante de l'art. Même les œuvres les plus réalistes ne nous livrent pas simplement des copies, ce qui n'élimine pas la catégorie de correspondance.

L'objet d'art n'est pas un objet en tant que « chose en soi », mais un objet significatif pour le sujet, c'est-à-dire possédant une objectivité précieuse. Ce qui est important dans le sujet, c'est l'attitude, l'état intérieur. La valeur d'un objet ne peut se révéler que par rapport à l'état du sujet. Par conséquent, la tâche de l’image artistique est de trouver un moyen de relier le sujet et l’objet en interrelation. La signification d'un objet pour le sujet est sa signification manifeste.

Une image artistique est une image de la réalité des relations entre valeurs spirituelles et non d’un objet en soi. Et la spécificité de l'image est déterminée par la tâche - devenir un moyen de réaliser cette réalité particulière dans la conscience d'une autre personne. Chaque fois, les images sont une recréation, dans le langage d’une forme d’art, de certaines relations de valeurs spirituelles. En ce sens, on peut parler de la spécificité de l'image en général et de la conditionnalité de l'image artistique par le langage avec lequel elle est créée.

Les types d'art sont divisés en deux grande classe- figuratives et non figuratives, chez elles l'image artistique existe de différentes manières.

Dans la première classe d'arts, les langages artistiques, les relations de valeurs sont modélisées à travers la recréation d'objets et le côté subjectif est révélé indirectement. De telles images artistiques vivent parce que l’art utilise un langage qui recrée une structure sensorielle : les arts visuels.

La deuxième classe d'arts modélise, à l'aide de son langage, une réalité dans laquelle l'état du sujet nous est donné en unité avec sa représentation sémantique et valeureuse ; L'architecture est une « musique figée » (Hegel).

Une image artistique est un modèle idéal particulier de la réalité axiologique. L'image artistique exerce une fonction de modelage (ce qui la dispense de l'obligation de plein respect). Une image artistique est une manière de représenter la réalité inhérente à la conscience artistique et, en même temps, un modèle de relations spirituelles et de valeurs. C'est pourquoi l'image artistique agit comme une unité :

Objectif - Subjectif

Sujet - Valeur

Sensuel - Supersensuel

Émotionnel - Rationnel

Expériences - Réflexions

Conscient - Inconscient

Corporel - Spirituel (Avec son idéalité, l'image absorbe non seulement le spirituel et le mental, mais aussi le physique et le mental (psychosomatique), ce qui explique l'efficacité de son impact sur une personne).

La combinaison du spirituel et du physique dans l’art devient une expression de fusion avec le monde. Les psychologues ont prouvé que lors de la perception, une identification à une image artistique se produit (ses courants nous traversent). Le tantrisme fusionne avec le monde. L’unité du spirituel et du physique spiritualise et humanise la physicalité (manger avidement et danser avidement). Si nous avons faim devant une nature morte, alors l’art n’a pas eu d’influence spirituelle sur nous.

De quelles manières le subjectif, l’axiologique (l’intonation) et le suprasensible se révèlent-ils ? Règle générale ici : tout ce qui n'est pas représenté est révélé à travers le représenté, le subjectif - à travers l'objectif, le fondé sur des valeurs - à travers l'objectif, etc. Tout cela se réalise dans l'expressivité. Pourquoi cela arrive-t-il? Deux options : premièrement, l'art concentre la réalité liée à une valeur donnée. Cela conduit au fait que l'image artistique ne nous donne jamais une représentation complète de l'objet. A. Baumgarten a qualifié l’image artistique d’« Univers condensé ».

Exemple : Petrov-Vodkin « Boys Playing » - il ne s'intéresse pas aux spécificités de la nature, à l'individualité (brouille ses visages), mais aux valeurs universelles. « Rejeté » n'a pas d'importance ici, car cela enlève l'essence.

Le deuxième cas est le sous-texte. Nous avons en quelque sorte affaire à une double image. C’est le sous-texte qui s’avère le plus expressif. Le sous-texte stimule notre imagination, et l'imagination s'appuie sur notre expérience personnelle - c'est ainsi que nous nous impliquons.

Une autre fonction importante de l’art est la transformation. Les contours de l'espace changent, Schéma de couleur, proportions des corps humains, ordre du temps (un instant s'arrête). L'art nous donne l'opportunité d'une connexion existentielle au temps (M. Proust « À la recherche du temps perdu »).

Chaque image artistique est une unité de vie et de convention. La conventionnalité est une caractéristique de la conscience artistique figurative. Mais un minimum de réalisme est nécessaire puisqu’il s’agit de communication. Différents types les arts ont différents degrés de ressemblance avec la réalité et de conventionnalité. L'abstractionnisme est une tentative de découverte d'une nouvelle réalité, mais conserve un élément de similitude avec le monde.

Conditionnalité - inconditionnalité (des émotions). Grâce à la conditionnalité du plan sujet, l'inconditionnalité du plan valeur surgit. La vision du monde ne dépend pas de l'objet : Petrov-Vodkin « Le bain du cheval rouge » (1913) - dans cette image, selon l'artiste lui-même, sa prémonition s'est exprimée guerre civile. La transformation du monde dans l’art est une manière d’incarner la vision du monde de l’artiste.

Autre mécanisme universel de la conscience artistique et figurative : une caractéristique de la transformation du monde, que l'on peut appeler le principe de métaphore (l'assimilation conditionnelle d'un objet à un autre ; B. Pasternak : « … c'était comme une poussée sur une rapière... » - à propos de Lénine). L'art révèle d'autres phénomènes comme propriétés d'une certaine réalité. Il y a une inclusion dans le système de propriétés proches d'un phénomène donné et, en même temps, une certaine opposition à celui-ci surgit immédiatement ; Maïakovski - « L'enfer de la ville » : l'âme est un chiot avec un morceau de corde. Le principe de la métaphore est la comparaison conditionnelle d'un objet à un autre, et plus les objets sont éloignés, plus la métaphore est saturée de sens.

Ce principe fonctionne non seulement dans les métaphores directes, mais aussi dans les comparaisons. Pasternak : grâce à la métaphore, l'art résout d'énormes problèmes qui déterminent la spécificité de l'art. L’un entre dans l’autre et sature l’autre. Merci à spécial langage artistique(dans Voznesensky : je suis Goya, puis je suis la gorge, je suis la voix, je suis la faim) chaque métaphore suivante remplit de manière significative l'autre : le poète est la gorge, à l'aide de laquelle certains états du monde sont exprimés. De plus, la rime interne et à travers le système d'accentuation et d'allitération des consonances. Dans la métaphore, le principe de l'éventail fonctionne : le lecteur déplie l'éventail, qui contient déjà tout sous sa forme pliée. Cela opère dans tout le système des tropes : établissant une certaine similitude à la fois dans les épithètes (un adjectif expressif - rouble en bois), et dans les hyperboles (taille exagérée), les synecdoques - métaphores tronquées. Eisenstein a le pince-nez du médecin dans le film "Le Cuirassé Potemkine" : lorsque le médecin est jeté par-dessus bord, le pince-nez du médecin reste sur le mât. Une autre technique est la comparaison, qui est une métaphore étendue. De Zabolotsky : « Les maris hétérosexuels et chauves sont assis comme un coup de feu. » En conséquence, l'objet modélisé est envahi par des connexions expressives et des relations expressives.

Un dispositif figuratif important est le rythme, qui équivaut à des segments sémantiques, dont chacun porte un contenu spécifique. Il y a une sorte d’aplatissement, de froissement de l’espace saturé. Yu. Tynyanov - étanchéité de la série de vers. À la suite de la formation d'un système unifié de relations riches, une certaine énergie de valeur apparaît, réalisée dans la saturation acoustique du vers, et certaine signification, État. Ce principe est universel pour tous les types d’art ; nous avons donc affaire à une réalité poétiquement organisée. L’incarnation plastique du principe de métaphore chez Picasso est « La femme est une fleur ». La métaphore crée une concentration colossale d’informations artistiques.

Les trois principaux types de généralisation artistique dans l'histoire de l'art se caractérisent par la différence dans le contenu du général, l'originalité de l'individualité et la logique de la relation entre le général et l'individuel. Soulignons les types suivants :

1) Idéalisation. On retrouve l'idéalisation comme type de généralisation artistique dans l'Antiquité, au Moyen Âge et à l'ère du classicisme. L'essence de l'idéalisation est une généralité particulière. Les valeurs apportées à une certaine pureté agissent comme une généralisation. La tâche est d'isoler les essences idéales avant l'incarnation sensorielle. Ceci est inhérent aux types de conscience artistique orientés vers l'idéal. Dans le classicisme, les genres bas et élevés sont strictement séparés. Genres élevés est représenté par exemple par le tableau de N. Poussin « Le Royaume de la Flore » : un mythe présenté comme l’existence fondamentale des entités. L'individu ne joue pas ici un rôle indépendant ; les caractéristiques uniques sont éliminées de cet individu et l'image de l'harmonie la plus unique apparaît. Avec une telle généralisation, les caractéristiques momentanées et quotidiennes de la réalité sont omises. Au lieu d’un environnement quotidien, un paysage idéal apparaît, comme dans un état de rêve. C'est la logique de l'idéalisation, dont le but est l'affirmation de l'essence spirituelle.

2) Typification. Un type de généralisation artistique caractéristique du réalisme. La particularité de l'art est de révéler la plénitude de cette réalité. La logique du mouvement va ici du spécifique au général, un mouvement qui conserve la signification sortante du spécifique lui-même. D'où les particularités de la typification : révéler les généralités des lois de la vie. Une image naturelle est créée pour cette classe de phénomènes. Type - l'incarnation du plus traits caractéristiques d'une classe donnée de phénomènes tels qu'ils existent dans la réalité. D’où le lien entre typification et historicisme de la pensée de l’artiste. Balzac se disait secrétaire de la société. Marx a appris davantage des romans de Balzac que des écrits des économistes politiques. La caractéristique typologique du caractère d'un noble russe est la sortie du système, personne supplémentaire. Le général requiert ici un individu spécial, empiriquement pur, possédant des caractéristiques uniques. La combinaison du spécifique unique et inimitable avec le général. Ici, l’individualisation devient l’envers de la typification. Lorsqu’ils parlent de typification, ils parlent immédiatement d’individualisation. Lorsqu’on perçoit des images typiques, il faut vivre leur vie, alors surgit la valeur intrinsèque de celle-ci en particulier. Des images de personnes uniques apparaissent, que l'artiste écrit individuellement. C’est ainsi que pense l’art, typifiant la réalité.

La pratique de l’art du XXe siècle a tout mélangé et le réalisme a depuis longtemps cessé d’être un dernier recours. Le XXe siècle a mélangé toutes les méthodes de généralisation artistique : on trouve une typification à tendance naturaliste, où l'art devient un miroir littéral. Tomber dans le détail, ce qui crée même une réalité mythologique particulière. Par exemple, l’hyperréalisme, qui crée une réalité mystérieuse, étrange et sombre.

Mais dans l'art du XXe siècle, il y a aussi nouvelle façon généralisation artistique. A. Gulyga a le nom exact de cette méthode de généralisation artistique - la typologisation. Un exemple est les œuvres graphiques de E. Neizvestny. Picasso a un portrait de G. Stein - transfert sens caché homme, masque facial. En voyant ce portrait, le modèle a dit : je ne suis pas comme ça ; Picasso a immédiatement répondu : Tu seras comme ça. Et elle est vraiment devenue comme ça en vieillissant. Ce n’est pas un hasard si l’art du XXème siècle est fasciné par les masques africains. Schématisation de la forme sensorielle d'un objet. "Les Demoiselles d'Avignon" de Picasso.

L'essence de la typologisation : la typologisation est née à l'ère de la distribution savoir scientifique; il s'agit d'une généralisation artistique destinée à une conscience multi-connaissance. La typologie idéalise le général, mais contrairement à l'idéalisation, l'artiste ne représente pas ce qu'il voit, mais ce qu'il sait. La typologie en dit plus sur le général que sur l'individu. Le singulier atteint l’échelle et le cliché, tout en conservant une certaine expressivité plastique. Au théâtre, vous pouvez montrer le concept de l'impérial, le concept du Khlestakovisme. L'art d'un geste généralisé, d'une forme clichée, où les détails modèlent la réalité non empirique, mais supra-empirique. Picasso « Fruit » - schéma d'une pomme, portrait « Femme » - schéma visage féminin. Une réalité mythologique porteuse d’une expérience sociale colossale. Picasso « Le chat tenant un oiseau entre ses dents » est un tableau qu'il a peint pendant la guerre. Mais le summum de l'œuvre de Picasso est Guernica. Portrait de Dora Maar - une image typologique, un début analytique, travaillant analytiquement avec l'image d'une personne.