Qu'est-ce qu'une image artistique dans l'art ? L'image artistique et son rôle dans l'art

Artistiquement appeler tout phénomène recréé de manière créative dans une œuvre d’art. Une image artistique est une image créée par l'auteur afin de révéler pleinement le phénomène de réalité décrit. Contrairement à la littérature et au cinéma, les beaux-arts ne peuvent pas transmettre le mouvement et l'évolution dans le temps, mais cela a sa propre force. Dans le calme d’une image picturale se cache un formidable pouvoir qui permet de voir, d’expérimenter et de comprendre précisément ce qui traverse la vie sans s’arrêter, touchant seulement de manière fugace et fragmentaire notre conscience. Une image artistique est créée à partir des médias suivants : image, son, environnement linguistique, - ou des combinaisons de plusieurs. En X. O. un objet d'art spécifique est maîtrisé et traité par la fantaisie créatrice, l'imagination, le talent et l'habileté de l'artiste - la vie dans toute sa diversité et sa richesse esthétiques, dans son intégrité harmonieuse et ses collisions dramatiques. X.o. représente une unité inextricable et interpénétrée d'objectif et subjectif, logique et sensuel, rationnel et émotionnel, médiatisé et direct, abstrait et concret, général et individuel, nécessaire et accidentel, interne (naturel) et externe, tout et partie, essence et phénomène, contenu et formes. Grâce à la fusion de ces côtés opposés au cours du processus créatif en une image unique, holistique et vivante de l'art, l'artiste a la possibilité de réaliser une reproduction lumineuse, riche en émotions, poétiquement perspicace et en même temps profondément spirituelle et dramatiquement intense de la vie humaine, ses activités et ses luttes, ses joies et ses défaites, ses recherches et ses espoirs. Basé sur cette fusion, incarnée à l'aide de spécificités pour chaque type d'art ressources matérielles(mot, rythme, intonation sonore, dessin, couleur, lumière et ombre, relations linéaires, plasticité, proportionnalité, échelle, mise en scène, expressions faciales, montage cinématographique, fermer, perspective, etc.), des images-personnages, des images-événements, des images-circonstances, des images-conflits, des images-détails sont créés qui expriment certaines idées et sentiments esthétiques. Il s'agit du système X. o. La capacité de l'art à remplir sa fonction spécifique est liée : procurer à une personne (lecteur, spectateur, auditeur) un plaisir esthétique profond, éveiller en elle un artiste capable de créer selon les lois de la beauté et de donner vie à la beauté. Par cette unique fonction esthétique de l’art, par le système de l’art. sa signification cognitive, son puissant impact idéologique, éducatif, politique et moral sur les gens se manifestent

2)Des bouffons traversent la Russie.

En 1068, les bouffons furent mentionnés pour la première fois dans les chroniques. L’image qui me vient à l’esprit est celle d’un visage aux couleurs vives, de drôles de vêtements disproportionnés et de l’incontournable casquette à clochettes. Si vous y repensez, vous pouvez imaginer un instrument de musique à côté du bouffon, comme une balalaïka ou un gusli ; ce qui manque, c'est un ours sur une chaîne. Cependant, une telle représentation est tout à fait justifiée, car au XIVe siècle, c'est exactement ainsi que le moine-scribe de Novgorod représentait les bouffons dans les marges de son manuscrit. Les vrais bouffons de la Russie étaient connus et aimés dans de nombreuses villes - Souzdal, Vladimir, la Principauté de Moscou, dans toute la Russie kiévienne. Les bouffons dansaient magnifiquement, excitaient les gens, jouaient superbement de la cornemuse et de la harpe, frappaient des cuillères en bois et des tambourins et soufflaient du cor. Les gens appelaient les bouffons « des amis joyeux » et composaient à leur sujet des histoires, des proverbes et des contes de fées. Cependant, malgré le fait que le peuple était amical envers les bouffons, les couches les plus nobles de la population - les princes, le clergé et les boyards - ne pouvaient pas supporter les joyeux moqueurs. Cela était dû précisément au fait que les bouffons les ridiculisaient volontiers, transformant les actes les plus inconvenants de la noblesse en chansons et en plaisanteries et les exposant au ridicule du peuple. L'art de la bouffonnerie se développa rapidement et bientôt les bouffons non seulement dansèrent et chantèrent, mais devinrent également acteurs, acrobates et jongleurs. Les bouffons ont commencé à jouer avec des animaux dressés, organisant spectacles de marionnettes. Cependant, plus les bouffons ridiculisaient les princes et les sacristains, plus la persécution de cet art s'intensifiait. Les bouffons de Novgorod ont commencé à être opprimés dans tout le pays, certains d'entre eux ont été enterrés dans des endroits reculés près de Novgorod, d'autres sont partis pour la Sibérie. Un bouffon n'est pas seulement un bouffon ou un clown, c'est une personne qui comprend les problèmes sociaux et ridiculise les vices humains dans ses chansons et ses blagues. C'est d'ailleurs pour cela que la persécution des bouffons a commencé à la fin du Moyen Âge. Les lois de l'époque prescrivaient que les bouffons devaient être immédiatement battus à mort dès qu'ils se rencontraient, et ils ne pouvaient pas payer l'exécution. Peu à peu, tous les bouffons de la Russie disparurent et à leur place furent des bouffons errants venus d'autres pays. Les bouffons anglais étaient appelés vagants, les bouffons allemands étaient appelés spielmans et les bouffons français étaient appelés jongers. L'art des musiciens itinérants en Russie a considérablement changé, mais des inventions telles que le théâtre de marionnettes, les jongleurs et les animaux dressés demeurent. Tout comme les chansons immortelles et les contes épiques composés par les bouffons sont restés

Au sens généralement admis, une image artistique est une expression sensorielle d'un terme qui définit la réalité, dont le reflet se présente sous la forme d'un phénomène de vie spécifique. Une image artistique naît dans l'imagination d'une personne impliquée dans l'art. L’expression sensuelle de toute idée est le fruit d’un travail acharné, d’une imagination créatrice et d’une réflexion basée uniquement sur la sienne. expérience de la vie. L’artiste crée une certaine image, qui est une empreinte dans son esprit d’un objet réel, et incarne tout dans des peintures, des livres ou des films qui reflètent la propre vision de l’idée par le créateur.

Une image artistique ne peut naître que lorsque l'auteur sait jouer avec ses impressions, qui constitueront la base de son œuvre.

Le processus psychologique d'expression sensuelle d'une idée consiste à imaginer le résultat final du travail avant le début du processus créatif. Opérer avec des images fictives permet, même en l'absence de l'intégralité des connaissances nécessaires, de réaliser votre rêve dans l'œuvre créée.

Image artistique créée une personne créative, caractérisé par la sincérité et la réalité. Caractéristique l'art est une compétence. C’est cela qui permet de dire quelque chose de nouveau, et cela n’est possible qu’à travers les expériences. La création doit passer par le ressenti de l'auteur et être subie par lui.

L'image artistique dans chaque domaine de l'art a sa propre structure. Il est déterminé par les critères du principe spirituel exprimé dans l'œuvre, ainsi que par les spécificités du matériau utilisé pour créer la création. Ainsi, l'image artistique dans la musique est intonative, dans l'architecture elle est statique, dans la peinture elle est picturale et dans le genre littéraire elle est dynamique. Dans l'un, il s'incarne dans l'image d'une personne, dans un autre - dans la nature, dans le troisième - dans un objet, dans le quatrième, il apparaît comme un ensemble de liens entre les actions des personnes et leur environnement.

La représentation artistique de la réalité réside dans l'unité des côtés rationnel et émotionnel. Les anciens Indiens croyaient que l'art devait naître à ces sentiments qu'une personne ne pouvait pas garder en elle. Cependant, toutes les images ne peuvent pas être qualifiées d’artistiques. Les expressions sensuelles doivent porter des finalités esthétiques spécifiques. Ils reflètent la beauté de la nature environnante et du monde animal et capturent la perfection de l'homme et de son existence. Une image artistique doit témoigner de la beauté et affirmer l'harmonie du monde.

Les incarnations sensuelles sont un symbole de créativité. Les images artistiques agissent comme une catégorie universelle pour comprendre la vie et contribuent également à sa compréhension. Ils ont des propriétés qui leur sont propres. Ceux-ci inclus:

Typicité issue d'une relation étroite avec la vie ;

La vivacité ou l'organicité;

Orientation holistique ;

Euphémisme.

Les matériaux de construction de l'image sont les suivants : la personnalité de l'artiste lui-même et les réalités du monde qui l'entoure. L'expression sensuelle de la réalité combine les principes subjectifs et objectifs. Il s'agit de la réalité, qui est traitée par la pensée créatrice de l'artiste, reflétant son attitude envers ce qui est représenté.

Introduction

L'image artistique est une catégorie universelle créativité artistique: la forme d'art inhérente à la reproduction, à l'interprétation et à la maîtrise de la vie à travers la création d'objets esthétiquement affectants. Une image est souvent comprise comme un élément ou une partie d'un tout artistique, généralement un fragment qui a, pour ainsi dire, vie indépendante et le contenu (par exemple, personnage littéraire, images symboliques). Mais dans un sens plus général, l'image artistique est le mode d'existence d'une œuvre, du point de vue de son expressivité, de son énergie impressionnante et de sa signification.

Parmi d'autres catégories esthétiques, celle-ci est d'origine relativement tardive, bien que les débuts de la théorie de l'image artistique puissent être trouvés dans l'enseignement d'Aristote sur la « mimesis » - sur la libre imitation de la vie par l'artiste dans sa capacité à produire des œuvres intégrales et intérieurement arrangées. objets et le plaisir esthétique qui y est associé. Alors que l'art dans sa conscience de soi (issu de la tradition ancienne) se rapprochait de l'artisanat, du savoir-faire, du savoir-faire et, par conséquent, dans la multitude des arts, la place prédominante appartenait aux arts plastiques, la pensée esthétique se contentait des concepts de canon, puis le style et la forme, à travers lesquels l'attitude transformatrice de l'artiste envers le matériau a été mise en lumière. Le fait qu'un matériau artistiquement remodelé capture et porte en lui une certaine formation idéale, quelque peu similaire à la pensée, n'a commencé à être réalisé qu'avec la promotion d'arts plus « spirituels » - la littérature et la musique - au premier plan. L'esthétique hégélienne et post-hégélienne (y compris V.G. Belinsky) a largement utilisé la catégorie de l'image artistique, opposant respectivement l'image en tant que produit de la pensée artistique aux résultats de la pensée abstraite, scientifique et conceptuelle - syllogisme, inférence, preuve, formule.

L’universalité de la catégorie d’image artistique a depuis été contestée à plusieurs reprises, puisque la connotation sémantique d’objectivité et de clarté incluse dans la sémantique du terme semblait la rendre inapplicable aux arts « non objectifs », non visuels. Et pourtant, l'esthétique moderne, principalement domestique, recourt aujourd'hui largement à la théorie de l'image artistique comme la plus prometteuse, contribuant à révéler le caractère originel des faits de l'art.

But du travail : Analyser le concept d'image artistique et identifier les principaux moyens de sa création.

Élargir le concept d'image artistique.

Considérez les moyens de créer une image artistique

Analyser les caractéristiques des images artistiques à l'aide de l'exemple des œuvres de W. Shakespeare.

Le sujet de l'étude est la psychologie de l'image artistique à l'aide de l'exemple des œuvres de Shakespeare.

La méthode de recherche est une analyse théorique de la littérature sur le sujet.

1. Psychologie de l'image artistique

1 La notion d'image artistique

En épistémologie, le concept d'« image » est utilisé dans un sens large : une image est une forme subjective de reflet de la réalité objective dans l'esprit humain. Au stade empirique de la réflexion, la conscience humaine se caractérise par des images-impressions, des images-conceptions, des images d'imagination et de mémoire. Ce n’est que sur cette base, par la généralisation et l’abstraction, que naissent les concepts d’image, les inférences d’image et les jugements. Ils peuvent être visuels - images illustratives, diagrammes, modèles - et non visuels - abstraits.

Outre sa signification épistémologique large, le concept d’« image » a une signification plus étroite. Une image est une apparence spécifique d'un objet intégral, d'un phénomène, d'une personne, de son « visage ».

La conscience humaine recrée des images d'objectivité, systématisant la diversité des mouvements et des interconnexions du monde environnant. La cognition et la pratique humaines conduisent la diversité apparemment entropique des phénomènes à une corrélation ordonnée ou opportune des relations et forment ainsi des images du monde humain, de ce qu'on appelle l'environnement, des complexes résidentiels, des cérémonies publiques, des rituels sportifs, etc. Synthèse d'impressions disparates en images holistiques lève l'incertitude, désigne l'une ou l'autre sphère, nomme l'un ou l'autre contenu délimité.

L'image idéale d'un objet qui apparaît dans la tête humaine est un certain système. Cependant, contrairement à la philosophie Gestalt, qui a introduit ces termes dans la science, il faut souligner que l'image de la conscience est essentiellement secondaire, elle est un produit de la pensée qui reflète les lois des phénomènes objectifs, est une forme subjective de reflet de l'objectivité. , et non une construction purement spirituelle au sein du flux de conscience.

Une image artistique n’est pas seulement une forme particulière de pensée, c’est une image de la réalité qui naît de la pensée. La signification principale, la fonction et le contenu de l'image de l'art résident dans le fait que l'image représente sous un visage spécifique la réalité, son objectif, le monde matériel, l'homme et son environnement, dépeint les événements de la vie sociale et personnelle des personnes, leurs relations. , leurs caractéristiques externes et spirituelles-psychologiques.

En esthétique, depuis de nombreux siècles, la question est controversée de savoir si une image artistique est un moulage d'impressions directes de la réalité ou si elle est médiatisée dans le processus d'émergence par le stade de la pensée abstraite et les processus d'abstraction associés du concret par analyse, synthèse, inférence, conclusion, c'est-à-dire le traitement des impressions de données sensorielles. Les chercheurs sur la genèse de l’art et des cultures primitives identifient une période de « pensée prélogique », mais même pour étapes ultérieures Le concept de « penser » est inapplicable à l’art de cette époque. La nature sensuelle-émotionnelle, intuitive-figurative de l'art mythologique antique a donné à K. Marx une raison de dire que les premiers stades du développement de la culture humaine étaient caractérisés par un traitement artistique inconscient du matériau naturel.

En cours pratique du travail Dans la vie humaine, non seulement le développement des capacités motrices des fonctions de la main et d'autres parties du corps humain s'est produit, mais aussi, par conséquent, le processus de développement de la sensualité, de la pensée et de la parole d'une personne.

Science moderne fait valoir le fait que le langage des gestes, des signaux, des signes homme ancien n'était encore qu'un langage de sensations et d'émotions et seulement plus tard un langage de pensées élémentaires.

La pensée primitive se distinguait par son caractère immédiat et élémentaire, en tant que réflexion sur une situation donnée, sur la place, le volume, la quantité et le bénéfice immédiat d'un phénomène spécifique.

Ce n'est qu'avec l'émergence de la parole sonore et du second système de signalisation discursif et pensée logique.

Pour cette raison, nous pouvons parler de différences dans certaines phases ou étapes du développement de la pensée humaine. Premièrement, la phase de réflexion visuelle, concrète, du premier signal, reflétant directement la situation momentanément vécue. Deuxièmement, c'est la phase de la pensée figurative, dépassant les limites de ce qui est directement vécu grâce à l'imagination et aux idées élémentaires, ainsi que l'image extérieure de certaines choses spécifiques, et leur perception et compréhension ultérieures à travers cette image (une forme de communication).

La pensée, comme d'autres phénomènes spirituels et mentaux, se développe dans l'histoire de l'anthropogenèse du bas vers le haut. La découverte de nombreux faits indiquant la nature prélogique et prélogique de la pensée primitive a donné lieu à de nombreuses options d'interprétation. Le célèbre chercheur de la culture ancienne K. Levy-Bruhl a noté que la pensée primitive est orientée différemment de la pensée moderne, en particulier, elle est « prélogique », dans le sens où elle « se réconcilie » avec la contradiction.

Dans l'esthétique occidentale du milieu du siècle dernier, une conclusion largement répandue est que le fait de l'existence d'une pensée prélogique permet de conclure que la nature de l'art est identique à la conscience mythologisante inconsciemment. Il existe toute une galaxie de théories qui cherchent à identifier la pensée artistique avec le mythologisme élémentaire-figuratif des formes prélogiques du processus spirituel. Il s'agit des idées d'E. Cassirer, qui a divisé l'histoire de la culture en deux époques : l'ère du langage symbolique, du mythe et de la poésie, d'une part, et l'ère de la pensée abstraite et du langage rationnel, d'autre part, en essayant d'absolutiser la mythologie comme base primordiale idéale dans l'histoire de la pensée artistique.

Cependant, Cassirer n'a attiré l'attention que sur la pensée mythologique comme préhistoire des formes symboliques, mais après lui A.-N. Whitehead, G. Reed, S. Langer ont tenté d'absolutiser la pensée non conceptuelle comme l'essence de la conscience poétique en général.

Les psychologues nationaux, au contraire, croient que la conscience de l'homme moderne est une unité psychologique multilatérale, où les étapes de développement des côtés sensoriels et rationnels sont interconnectées, interdépendantes et interdépendantes. Le degré de développement des aspects sensoriels de la conscience de l'homme historique au cours de son existence correspondait au degré d'évolution de l'esprit.

Il existe de nombreux arguments en faveur du caractère sensoriel-empirique de l'image artistique comme caractéristique principale.

A titre d'exemple, regardons le livre d'A.K. Voronsky « L’art de voir le monde ». Il est apparu dans les années 20 et était très populaire. Le motif de l’écriture de cette œuvre était une protestation contre l’artisanat, l’affiche, le didactique, la manifestation, le « nouveau » art.

Le pathétique de Voronsky se concentre sur le « secret » de l’art, qu’il a vu dans la capacité de l’artiste à capturer une impression directe, l’émotion « primaire » de la perception d’un objet : « L’art n’entre en contact qu’avec la vie. Dès que l’esprit du spectateur, du lecteur, se met à travailler, tout le charme, toute la puissance du sentiment esthétique disparaît.

Voronsky a développé son point de vue en s'appuyant sur une expérience considérable, une compréhension sensible et une connaissance approfondie de l'art. Il a isolé l'acte de perception esthétique de la vie quotidienne et de la vie quotidienne, estimant que voir le monde « directement », c'est-à-dire sans la médiation de pensées et d'idées préconçues, n'est possible que dans des moments heureux de véritable inspiration. La fraîcheur et la pureté de la perception sont rares, mais c'est précisément ce sentiment direct qui est à l'origine de l'image artistique.

Voronsky a qualifié cette perception de « non pertinente » et l’a comparée à des phénomènes étrangers à l’art : l’interprétation et « l’interprétation ».

Le problème de la découverte artistique du monde est défini par Voronsky comme un « sentiment créatif complexe », lorsque la réalité de l'impression primaire est révélée, indépendamment de ce qu'une personne en sait.

L’art « fait taire la raison ; il fait en sorte qu’une personne croie au pouvoir de ses impressions les plus primitives, les plus immédiates »6.

Écrit dans les années 20 du XXe siècle, l’œuvre de Voronsky se concentre sur la recherche des secrets de l’art dans un anthropologisme pur et naïf, « hors de propos », ne faisant pas appel à la raison.

Les impressions immédiates, émotionnelles et intuitives ne perdront jamais leur signification dans l’art, mais sont-elles suffisantes pour l’art artistique ? Les critères de l’art ne sont-ils pas plus complexes que ne le suggère l’esthétique des sentiments immédiats ?

Créer une image artistique de l'art, si nous ne parlons pas d'un croquis ou d'une esquisse préliminaire, etc., mais d'une image artistique achevée, n'est possible qu'en capturant une belle impression immédiate et intuitive. L'image de cette impression n'aura que peu de signification en art si elle n'est pas inspirée par la pensée. L’image artistique de l’art est à la fois le résultat d’une impression et le produit de la pensée.

CONTRE. Soloviev a tenté de « nommer » ce qu'il y a de beau dans la nature, de donner un nom à la beauté. Il a dit que la beauté de la nature est la lumière solaire, lunaire, astrale, les changements de lumière pendant le jour et la nuit, la réflexion de la lumière sur l'eau, les arbres, l'herbe et les objets, le jeu de lumière de la foudre, du soleil, de la lune.

Ces phénomènes naturels évoquent des sentiments esthétiques et un plaisir esthétique. Et bien que ces sentiments soient également associés au concept de choses, par exemple à propos d'un orage, à propos de l'univers, il est toujours possible d'imaginer que les images de la nature dans l'art sont des images d'impressions sensorielles.

Une impression sensorielle, une jouissance irréfléchie de la beauté, y compris la lumière de la lune et des étoiles, sont possibles, et de tels sentiments sont capables de découvrir encore et encore quelque chose d'inhabituel, mais l'image artistique de l'art absorbe un large éventail de phénomènes spirituels, à la fois sensuel et intellectuel. La théorie de l’art n’a donc aucune raison d’absolutiser certains phénomènes.

La sphère figurative d'une œuvre d'art se forme simultanément à de nombreux niveaux de conscience différents : sentiments, intuition, imagination, logique, fantaisie, pensée. La représentation visuelle, verbale ou sonore d'une œuvre d'art n'est pas une réplique de la réalité, même si elle est parfaitement réaliste. La représentation artistique révèle clairement son caractère secondaire, médiatisé par la pensée, du fait de la participation de la pensée au processus de création de la réalité artistique.

L'image artistique est le centre de gravité, la synthèse du sentiment et de la pensée, de l'intuition et de l'imagination ; La sphère figurative de l'art se caractérise par un développement personnel spontané, qui comporte plusieurs vecteurs de conditionnement : la « pression » de la vie elle-même, la « fuite » du fantasme, la logique de la pensée, l'influence mutuelle des connexions intrastructurelles de l'œuvre. , les tendances idéologiques et l'orientation de la pensée de l'artiste.

La fonction de la pensée se manifeste également dans le maintien de l’équilibre et l’harmonisation de tous ces facteurs contradictoires. La pensée de l’artiste travaille sur l’intégrité de l’image et de l’œuvre. Une image est le résultat d’impressions, une image est le fruit de l’imagination et de la fantaisie de l’artiste et en même temps le produit de ses pensées. Ce n’est que dans l’unité et l’interaction de tous ces aspects qu’apparaît un phénomène artistique spécifique.

D’après ce qui a été dit, il est clair que l’image est pertinente et n’est pas identique à la vie. Et il peut y avoir d’innombrables images artistiques de la même sphère d’objectivité.

Étant un produit de la pensée, une image artistique est également au centre de l’expression idéologique d’un contenu.

Une image artistique a une signification en tant que « représentant » de certains aspects de la réalité, et à cet égard, il s'agit d'un concept plus complexe et multiforme en tant que forme de pensée, dans le contenu de l'image, il est nécessaire de distinguer les différents ingrédients de la réalité ; signification. La signification d'une œuvre d'art complète est complexe - un phénomène « composite », résultat de la maîtrise artistique, c'est-à-dire de la connaissance, de l'expérience esthétique et de la réflexion sur la matière de la réalité. Le sens n’existe pas dans une œuvre comme quelque chose d’isolé, décrit ou exprimé. Elle « découle » des images et de l’œuvre dans son ensemble. Cependant, le sens d’une œuvre est un produit de la pensée et, par conséquent, son critère particulier.

La signification artistique d’une œuvre est le produit final de la pensée créatrice de l’artiste. Le sens appartient à l'image, donc le contenu sémantique de l'œuvre a un caractère spécifique, identique à ses images.

Si nous parlons du caractère informatif d'une image artistique, il ne s'agit pas seulement d'un sens qui énonce une certitude et son sens, mais aussi d'un sens esthétique, émotionnel et intonatif. Tout cela est communément appelé information redondante.

Une image artistique est une idéalisation multiforme d'un objet, matériel ou spirituel, réel ou imaginaire ; elle n'est pas réductible à une unicité sémantique et n'est pas identique à une information signée.

L'image comprend une incohérence objective d'éléments d'information, des oppositions et des alternatives de sens, propres à la nature de l'image, puisqu'elle représente l'unité du général et de l'individuel. Le signifié et le signifiant, c'est-à-dire la situation de signe, ne peuvent être qu'un élément de l'image ou un détail d'image (un type d'image).

Le concept d'information ayant acquis non seulement un sens technique et sémantique, mais aussi un sens philosophique plus large, une œuvre d'art doit être interprétée comme un phénomène spécifique d'information. Cette spécificité se manifeste notamment dans le fait que le contenu visuel-descriptif et figuratif d'une œuvre d'art en tant qu'art est informatif en soi et en tant que « conteneur » d'idées.

Ainsi, la représentation de la vie et la manière dont elle est représentée sont pleines de sens en soi. Et le fait que l'artiste ait choisi certaines images, et le fait que, par le pouvoir de l'imagination et de la fantaisie, il leur ait ajouté des éléments expressifs - tout cela parle de lui-même, car ce n'est pas seulement un produit de l'imagination et de l'habileté, mais aussi un produit de la pensée de l'artiste.

Une œuvre d’art a un sens dans la mesure où elle reflète la réalité et dans la mesure où ce qui y est réfléchi est le résultat d’une réflexion sur la réalité.

La pensée artistique dans l’art comporte différents domaines et nécessite d’exprimer directement ses idées, en développant un langage poétique spécial pour une telle expression.

2 Moyens de créer une image artistique

Une image artistique, ayant un caractère concret sensuel, est personnifiée comme séparée, unique, contrairement à une image pré-artistique, dans laquelle la personnification a un caractère diffus, artistiquement non développé et est donc dépourvue d'unicité. La personnification dans la pensée artistique et imaginative développée est d’une importance fondamentale.

Cependant, l'interaction artistique-imaginative de la production et de la consommation a un caractère particulier, puisque la créativité artistique est, dans un certain sens, aussi une fin en soi, c'est-à-dire un besoin spirituel et pratique relativement indépendant. Ce n’est pas un hasard si l’idée selon laquelle le spectateur, l’auditeur et le lecteur sont en quelque sorte complices du processus créatif de l’artiste a été souvent exprimée tant par les théoriciens que par les praticiens de l’art.

Dans les spécificités des relations sujet-objet, dans la perception artistique et figurative, au moins trois traits significatifs peuvent être distingués.

La première est qu'une image artistique, née comme réponse d'un artiste à certains besoins sociaux, comme dialogue avec le public, acquiert dans le processus d'éducation sa propre vie dans la culture artistique, indépendamment de ce dialogue, puisqu'elle entre de plus en plus de nouveaux dialogues, sur les possibilités dont l'auteur n'avait peut-être même pas conscience du processus créatif. Les grandes images artistiques continuent de vivre comme une valeur spirituelle objective non seulement dans la mémoire artistique des descendants (par exemple, en tant que porteurs de traditions spirituelles), mais aussi comme une force réelle et contemporaine qui encourage une personne à l'activité sociale.

La deuxième caractéristique significative des relations sujet-objet inhérentes à l’image artistique et exprimées dans sa perception est que la « bifurcation » entre création et consommation dans l’art est différente de celle qui a lieu dans la sphère de la production matérielle. Si dans le domaine de la production matérielle le consommateur ne s'occupe que du produit de production, et non du processus de création de ce produit, alors dans la créativité artistique, dans l'acte de percevoir des images artistiques, l'influence du processus créatif prend une part active . La manière dont le résultat est obtenu dans les produits de la production matérielle est relativement peu importante pour le consommateur, tandis que dans la perception artistique et figurative, elle est extrêmement significative et constitue l'un des points principaux. processus artistique.

Si dans le domaine de la production matérielle les processus de création et de consommation sont relativement indépendants, comme une certaine forme de vie humaine, alors la production et la consommation artistiques et imaginatives sont absolument impossibles à séparer sans compromettre la compréhension des spécificités mêmes de l'art. En parlant de cela, il convient de garder à l’esprit que le potentiel artistique et figuratif illimité ne se révèle que dans le processus historique de consommation. Elle ne peut être épuisée uniquement dans l’acte de perception directe de « l’usage jetable ».

Il existe une troisième spécificité des relations sujet-objet inhérentes à la perception d'une image artistique. Son essence se résume à ce qui suit : si dans le processus de consommation de produits de production matérielle la perception des processus de cette production n'est en aucun cas nécessaire et ne détermine pas l'acte de consommation, alors dans l'art le processus de création d'images artistiques semble « prendre vie » au cours de leur consommation. Cela est particulièrement évident dans les types de créativité artistique associés à la performance. Nous parlons de musique, de théâtre, c'est-à-dire de ces types d'art dont la politique, dans une certaine mesure, est témoin acte créatif. En fait, dans différentes formes ceci est présent dans tous les types d'art, dans certains plus et dans d'autres moins évidents, et s'exprime dans l'unité de ce que comprend et comment une œuvre d'art. A travers cette unité, le public perçoit non seulement le talent de l'interprète, mais aussi la puissance directe de l'impact artistique et figuratif dans son sens significatif.

Une image artistique est une généralisation qui se révèle sous une forme concrète et sensorielle et est essentielle à de nombreux phénomènes. La dialectique de l'universel (typique) et de l'individuel (individuel) dans la pensée correspond à leur interpénétration dialectique dans la réalité. Dans l'art, cette unité s'exprime non dans son universalité, mais dans son individualité : le général se manifeste dans l'individu et à travers l'individu. La représentation poétique est figurative et ne révèle pas une essence abstraite, non pas une existence aléatoire, mais un phénomène dans lequel le substantiel est connu à travers son apparence, son individualité. Dans l'une des scènes du roman Anna Karénine de Tolstoï, Karénine veut divorcer de sa femme et se rend chez un avocat. Une conversation confidentielle a lieu dans un bureau cosy recouvert de tapis. Soudain, un papillon de nuit traverse la pièce. Et bien que le récit de Karénine concerne les circonstances dramatiques de sa vie, l’avocat n’écoute plus rien ; il lui tient à cœur d’attraper le papillon de nuit qui menace ses tapis. Un petit détail a une grande signification : pour la plupart, les gens sont indifférents les uns aux autres et les choses pour eux ont plus de valeur qu'une personne et son destin.

L'art du classicisme se caractérise par la généralisation - la généralisation artistique en mettant en évidence et en absolutisant une particularité du héros. Le romantisme se caractérise par l'idéalisation - la généralisation par l'incarnation directe d'idéaux, en les imposant au matériel réel. L'art réaliste se caractérise par la typification - la généralisation artistique par l'individualisation par la sélection de traits de personnalité essentiels. Dans l'art réaliste, chaque personne représentée est un type, mais en même temps une personnalité tout à fait définie - un « étranger familier ».

Le marxisme attache une importance particulière au concept de typification. Ce problème a été posé pour la première fois par K. Marx et F. Engels dans une correspondance avec F. Lassalle à propos de son drame « Franz von Sickingen ».

Au XXe siècle, les vieilles idées sur l'art et l'image artistique disparaissent, et le contenu du concept de « typification » change également.

Il existe deux approches interdépendantes de cette manifestation de la conscience artistique et figurative.

Premièrement, le plus proche possible de la réalité. Il faut souligner que le documentaire, en tant que désir d'un reflet détaillé, réaliste et fiable de la vie, n'est pas seulement devenu une tendance dominante. culture artistique XXe siècle. Art moderne amélioré ce phénomène, l'a rempli d'un contenu intellectuel et moral jusqu'alors inconnu, déterminant en grande partie l'atmosphère artistique et figurative de l'époque. Il convient de noter que l’intérêt pour ce type de convention figurative se poursuit aujourd’hui. Cela est dû aux succès étonnants du journalisme, du cinéma non-fictionnel, de la photographie d'art et à la publication de lettres, de journaux intimes et de mémoires de participants à divers événements historiques.

Deuxièmement, le renforcement maximum des conventions, et en présence d'un lien très tangible avec la réalité. Ce système Les conventions de l'image artistique consistent à mettre en avant les aspects intégrateurs du processus créatif, à savoir : la sélection, la comparaison, l'analyse, qui apparaissent en lien organique avec les caractéristiques individuelles du phénomène. En règle générale, la typification présuppose une déformation esthétique minime de la réalité, c'est pourquoi dans l'histoire de l'art, ce principe a été qualifié de réaliste, recréant le monde « dans les formes de la vie elle-même ».

Une ancienne parabole indienne raconte l'histoire d'hommes aveugles qui voulaient découvrir à quoi ressemblait un éléphant et commençaient à le ressentir. L'un d'eux attrapa la patte de l'éléphant et dit : « Un éléphant est comme un pilier » ; un autre tâta le ventre du géant et décida que l’éléphant était une cruche ; le troisième toucha la queue et réalisa : « L’éléphant est la corde du navire » ; le quatrième ramassa sa trompe et déclara que l'éléphant était un serpent. Leurs tentatives pour comprendre ce qu'est un éléphant ont échoué, car ils n'ont pas compris le phénomène dans son ensemble et son essence, mais ses éléments constitutifs et ses propriétés aléatoires. Un artiste qui élève des éléments aléatoires de la réalité en un type typique agit comme un aveugle qui prend un éléphant pour une corde uniquement parce qu'il est incapable de saisir autre chose que la queue. Un véritable artiste saisit ce qu'il y a de caractéristique et d'essentiel dans les phénomènes. L'art est capable, sans rompre avec la nature sensorielle concrète des phénomènes, de généraliser largement et de créer une conception du monde.

La typification est l'une des principales lois de l'exploration artistique du monde. En grande partie grâce à la généralisation artistique de la réalité, à l'identification de ce qui est caractéristique et essentiel dans les phénomènes de la vie, l'art devient un moyen puissant de compréhension et de transformation du monde. image artistique de Shakespeare

Une image artistique est une unité du rationnel et de l'émotionnel. L'émotivité est le principe fondamental historiquement précoce de l'image artistique. Les anciens Indiens croyaient que l’art naissait lorsqu’une personne ne pouvait contenir ses sentiments bouleversants. La légende du créateur du Ramayana raconte comment le sage Valmiki marchait le long d'un chemin forestier. Dans l'herbe, il aperçut deux échassiers qui s'appelaient doucement. Soudain, un chasseur apparut et transperça l'un des oiseaux avec une flèche. Accablé par la colère, le chagrin et la compassion, Valmiki maudit le chasseur, et les mots qui s'échappaient de son cœur débordant de sentiments se formèrent spontanément en une strophe poétique avec désormais le mètre canonique « sloka ». C'est avec ce vers que le dieu Brahma ordonna par la suite à Valmiki de chanter les exploits de Rama. Cette légende explique l'origine de la poésie à partir d'un discours riche en émotions, excité et richement intoné.

Pour créer une œuvre durable, il est important non seulement d’avoir un large champ de réalité, mais aussi une température mentale et émotionnelle suffisante pour faire fondre les impressions de l’existence. Un jour, alors qu'il coulait en argent la figure d'un condottiere, le sculpteur italien Benvenuto Cellini rencontra un obstacle inattendu : lorsque le métal fut coulé dans le moule, il s'avéra qu'il n'y avait pas assez de métal. L'artiste se tourne vers ses concitoyens et ceux-ci apportent dans son atelier des cuillères, des fourchettes, des couteaux et des plateaux en argent. Cellini commença à jeter ces ustensiles dans le métal en fusion. Une fois les travaux terminés, une belle statue apparut devant les yeux des spectateurs, mais le manche d'une fourchette dépassait de l'oreille du cavalier et un morceau de cuillère dépassait de la croupe du cheval. Pendant que les citadins transportaient des ustensiles, la température du métal versé dans le moule a chuté... Si la température mentale-émotionnelle n'est pas suffisante pour fondre la matière vitale en un seul tout ( réalité artistique), puis des « fourchettes » dépassent de l'œuvre, sur lesquelles tombe la personne qui perçoit l'art.

L’essentiel dans une vision du monde est l’attitude d’une personne envers le monde et il est donc clair qu’il ne s’agit pas seulement d’un système de vues et d’idées, mais de l’état de la société (classe, groupe social, nation). La vision du monde en tant qu’horizon particulier de la réflexion sociale du monde par une personne se rapporte à la conscience sociale comme le social au général.

Activité créative chaque artiste dépend de sa vision du monde, c'est-à-dire de son attitude conceptuellement formulée envers phénomènes divers réalité, y compris le domaine des relations entre les différents groupes sociaux. Mais cela ne se produit que proportionnellement au degré de participation de la conscience au processus créatif en tant que tel. Dans le même temps, un rôle important appartient ici au domaine inconscient du psychisme de l’artiste. Les processus intuitifs inconscients jouent bien entendu un rôle important dans la conscience artistique et figurative de l’artiste. Ce lien a été souligné par G. Schelling : « L'art... est fondé sur l'identité de l'activité consciente et inconsciente. »

La vision du monde de l'artiste en tant que lien médiateur entre lui-même et la conscience sociale d'un groupe social contient un élément idéologique. Et au sein de la conscience individuelle elle-même, la vision du monde est pour ainsi dire élevée par certains niveaux émotionnels et psychologiques : attitude, vision du monde, vision du monde. Vision du monde dans dans une plus grande mesure est un phénomène idéologique, tandis que la vision du monde a une nature socio-psychologique, contenant à la fois des aspects historiques universels et spécifiques. L'attitude fait partie du domaine de la conscience quotidienne et comprend les humeurs, les goûts et les aversions, les intérêts et les idéaux d'une personne (y compris l'artiste). Il joue un rôle particulier dans le travail créatif, puisque ce n'est qu'avec son aide que l'auteur réalise sa vision du monde, en la projetant sur le matériau artistique et figuratif de ses œuvres.

La nature de certains types d'art détermine le fait que dans certains d'entre eux, l'auteur parvient à capturer sa vision du monde uniquement à travers sa perception du monde, tandis que dans d'autres, la vision du monde entre directement dans le tissu des œuvres artistiques qu'ils créent. Donc, créativité musicale capable d'exprimer la vision du monde du sujet de l'activité productive seulement indirectement, à travers le système d'images musicales qu'il a créé. En littérature, l'auteur-artiste a la possibilité, à l'aide du mot, doté par sa nature même de la capacité de généraliser, d'exprimer plus directement ses idées et ses points de vue sur divers aspects des phénomènes de la réalité représentés.

De nombreux artistes du passé se caractérisaient par une contradiction entre leur vision du monde et la nature de leur talent. Alors M.F. Selon lui, Dostoïevski était un monarchiste libéral, qui cherchait également clairement à résoudre tous les maux de sa société contemporaine par la guérison spirituelle avec l'aide de la religion et de l'art. Mais en même temps, l'écrivain s'est avéré être le propriétaire du talent artistique réaliste le plus rare. Et cela lui a permis de créer des exemples inégalés des images les plus véridiques des contradictions les plus dramatiques de son époque.

Mais dans les époques de transition, la vision du monde même de la majorité des artistes, même les plus talentueux, s'avère intérieurement contradictoire. Par exemple, les opinions sociopolitiques de L.N. Tolstoï a combiné des idées de manière fantaisiste socialisme utopique, qui contenait des critiques de la société bourgeoise et des quêtes et slogans théologiques. De plus, la vision du monde d'un certain nombre d'artistes majeurs, sous l'influence des changements de la situation socio-politique de leur pays, peut parfois connaître une évolution très complexe. Ainsi, le chemin d’évolution spirituelle de Dostoïevski a été très difficile et complexe : du socialisme utopique des années 40 au monarchisme libéral des années 60-80 du XIXe siècle.

Les raisons de l’incohérence interne de la vision du monde de l’artiste résident dans l’hétérogénéité de ses éléments constitutifs, dans leur relative autonomie et dans la différence de leur importance pour le processus créatif. Si pour un naturaliste, en raison des particularités de son activité, les composantes de l'histoire naturelle de sa vision du monde sont d'une importance décisive, alors pour un artiste, son vues esthétiques et croyances. De plus, le talent de l’artiste est directement lié à sa conviction, c’est-à-dire aux « émotions intellectuelles » qui sont devenues les motivations de la création d’images artistiques durables.

La conscience artistique et figurative moderne doit être antidogmatique, c'est-à-dire caractérisée par un rejet décisif de toute absolutisation d'un seul principe, attitude, formulation, évaluation. Aucune des opinions et déclarations les plus autorisées ne devrait être divinisée, devenir la vérité ultime ou se transformer en normes artistiques et en stéréotypes. L’élévation de l’approche dogmatique de « l’impératif catégorique » de la créativité artistique absolutise inévitablement la confrontation de classes, qui, dans un contexte historique spécifique, aboutit finalement à la justification de la violence et exagère son rôle sémantique non seulement dans la théorie, mais aussi dans la pratique artistique. La dogmatisation du processus créatif se manifeste également lorsque certaines techniques et attitudes acquièrent le caractère de la seule vérité artistique possible.

L’esthétique russe moderne doit également se débarrasser de l’épigonisme qui la caractérise depuis de nombreuses décennies. Il est nécessaire de se libérer de la méthode consistant à citer sans cesse des classiques sur des questions de spécificité artistique et figurative, de la perception non critique des autres, même des points de vue, jugements et conclusions les plus tentants et convaincants, et de s'efforcer d'exprimer ses propres opinions et croyances personnelles. pour tout chercheur moderne, s'il veut être un vrai scientifique, et non un fonctionnaire dans un département scientifique, ni un fonctionnaire au service de quelqu'un ou de quelque chose. Dans la création d'œuvres d'art, l'épigonisme se manifeste par l'adhésion mécanique aux principes et méthodes de toute école ou direction d'art, sans tenir compte de l'évolution de la situation historique. Pendant ce temps, l'épigonisme n'a rien à voir avec le développement véritablement créatif du patrimoine et des traditions artistiques classiques.

Ainsi, la pensée esthétique mondiale a formulé diverses nuances du concept d'« image artistique ». Dans la littérature scientifique, on peut trouver des caractéristiques de ce phénomène telles que « le secret de l'art », « une cellule d'art », « une unité d'art », « la formation d'images », etc. Cependant, quelles que soient les épithètes attribuées à cette catégorie, il faut se rappeler que l'image artistique est l'essence de l'art, une forme significative inhérente à tous ses types et genres.

Une image artistique est une unité d'objectif et de subjectif. L'image comprend la matière de la réalité, traitée par l'imagination créatrice de l'artiste, son attitude envers ce qui est représenté, ainsi que toute la richesse de la personnalité et du créateur.

Dans le processus de création d'une œuvre d'art, l'artiste en tant qu'individu agit en tant que sujet de créativité artistique. Si l'on parle de perception artistique et figurative, alors l'image artistique créée par le créateur agit comme un objet, et le spectateur, auditeur, lecteur est le sujet de cette relation.

L'artiste pense en images dont la nature est concrète et sensuelle. Cela relie les images de l’art aux formes de vie elles-mêmes, même si cette relation ne peut être prise au pied de la lettre. Des formes telles que les mots artistiques, son musical ou ensemble architectural, dans la vie elle-même, il n'y a pas et ne peut pas être.

Un élément structurant important de l'image artistique est la vision du monde du sujet de la créativité et son rôle dans la pratique artistique. La vision du monde est un système de vues sur le monde objectif et la place de l’homme dans celui-ci, sur la relation de l’homme à la réalité qui l’entoure et à lui-même, ainsi que sur les principes de base déterminés par ces vues. positions de vie les gens, leurs croyances, leurs idéaux, leurs principes de connaissance et d'activité, leurs orientations de valeurs. Dans le même temps, on pense le plus souvent que la vision du monde des différentes couches de la société se forme à la suite de la propagation de l'idéologie, dans le processus de transformation des connaissances des représentants de l'une ou l'autre couche sociale en croyances. La vision du monde doit être considérée comme le résultat de l’interaction de l’idéologie, de la religion, de la science et de la psychologie sociale.

Une caractéristique très significative et importante de la conscience artistique et figurative moderne devrait être le dialogisme, c'est-à-dire l'accent mis sur un dialogue continu, qui a le caractère de polémiques constructives, de discussions créatives avec des représentants de toutes les écoles d'art, traditions et méthodes. Le caractère constructif du dialogue doit consister en un enrichissement spirituel mutuel continu des parties en conflit et être de nature créative et véritablement dialogique. L'existence même de l'art est déterminée par le dialogue éternel entre l'artiste et le destinataire (spectateur, auditeur, lecteur). Le contrat qui les lie est indissoluble. L'image artistique nouvellement née est une nouvelle édition, une nouvelle forme de dialogue. L'artiste rembourse intégralement sa dette envers le destinataire lorsqu'il lui offre quelque chose de nouveau. Aujourd’hui plus que jamais, l’artiste a l’opportunité de dire quelque chose de nouveau et d’une manière inédite.

Toutes les orientations énumérées dans le développement de la pensée artistique et imaginative devraient conduire à l'affirmation du principe du pluralisme dans l'art, c'est-à-dire à l'affirmation du principe de coexistence et de complémentarité de points de vue et de positions multiples et divers, y compris contradictoires. , opinions et croyances, directions et écoles, mouvements et enseignements .

2. Caractéristiques des images artistiques à l'aide de l'exemple des œuvres de W. Shakespeare

2.1 Caractéristiques des images artistiques de William Shakespeare

Les œuvres de William Shakespeare sont étudiées dans les cours de littérature des 8e et 9e années du lycée. En 8e, les élèves étudient « Roméo et Juliette », en 9e, « Hamlet » et les sonnets de Shakespeare.

Les tragédies de Shakespeare sont un exemple de « résolution classique des conflits dans l'art romantique » entre le Moyen Âge et les temps modernes, entre le passé féodal et le monde bourgeois émergent. Les personnages de Shakespeare sont « intérieurement cohérents, fidèles à eux-mêmes et à leurs passions, et dans tout ce qui leur arrive, ils se comportent selon leur ferme détermination ».

Les héros de Shakespeare sont des « individus autonomes » qui se fixent un objectif « dicté » uniquement par « leur propre individualité » et le réalisent « avec une cohérence de passion inébranlable, sans réflexions secondaires ». Au centre de toute tragédie se trouve ce genre de personnage, et autour de lui il y en a d'autres moins distingués et moins énergiques.

Dans les pièces modernes, un personnage au cœur tendre sombre rapidement dans le désespoir, mais le drame ne le mène pas à la mort, même en danger, ce qui laisse le public très satisfait. Quand la vertu et le vice s'affrontent sur scène, elle doit triompher et il doit être puni. Chez Shakespeare, le héros meurt « précisément en raison d’une loyauté décisive envers lui-même et ses objectifs », ce que l’on appelle le « dénouement tragique ».

Le langage de Shakespeare est métaphorique, et son héros se situe au-dessus de son « chagrin » ou de sa « mauvaise passion », voire de sa « vulgarité ridicule ». Quels que soient les personnages de Shakespeare, ce sont des hommes « dotés du libre pouvoir de l'imagination et de l'esprit de génie... leur pensée les place au-dessus de ce qu'ils sont, de leur position et de leurs objectifs déterminés ». Mais, à la recherche d’un « analogue de l’expérience intérieure », ce héros « n’est pas toujours exempt d’excès, parfois maladroit ».

L'humour de Shakespeare est également remarquable. Même si ses images comiques sont « plongées dans leur vulgarité » et « ne manquent pas de plaisanteries plates », elles « font en même temps preuve d’intelligence ». Leur « génie » pourrait en faire de « grands hommes ».

Un point essentiel de l’humanisme shakespearien est la compréhension de l’homme en mouvement, en développement, en formation. Cela détermine également la méthode de caractérisation artistique du héros. Celle-ci est toujours montrée chez Shakespeare non pas figée, immobile, non pas dans la statuaire d'un instantané, mais en mouvement, dans l'histoire de l'individu. Un dynamisme profond distingue le concept idéologique et artistique de l'homme de Shakespeare et la méthode de représentation artistique de l'homme. Habituellement, le héros d'un dramaturge anglais est différent selon les phases de l'action dramatique, selon les actes et les scènes.

L'homme de Shakespeare se montre dans la plénitude de ses capacités, dans toute la perspective créatrice de son histoire, de son destin. Chez Shakespeare, il est important non seulement de montrer une personne dans son mouvement créatif intérieur, mais aussi de montrer la direction même du mouvement. Cette direction est la révélation la plus élevée et la plus complète de tous les potentiels humains, de toutes ses forces internes. Cette direction - dans un certain nombre de cas, il y a une renaissance d'une personne, sa croissance spirituelle interne, l'ascension d'un héros à un niveau supérieur de son existence (le prince Henri, le roi Lear, Prospero, etc.). (« Le Roi Lear » de Shakespeare est étudié par des élèves de 9e année à activités extra-scolaires).

« Il n’y a personne à blâmer au monde », clame le roi Lear après les bouleversements tumultueux de sa vie. Chez Shakespeare, cette phrase signifie une profonde conscience de l'injustice sociale, de la responsabilité de l'ensemble du système social dans les innombrables souffrances des pauvres Toms. Chez Shakespeare, ce sens de la responsabilité sociale, dans le contexte des expériences du héros, ouvre une large perspective croissance créative personnalité, sa renaissance morale finale. Pour lui, cette pensée sert de plate-forme pour affirmer les meilleures qualités de son héros, pour affirmer sa physicalité héroïquement personnelle. Avec tous les changements et transformations riches et multicolores de la personnalité de Shakespeare, le noyau héroïque de cette personnalité est inébranlable. La dialectique tragique de la personnalité et du destin chez Shakespeare conduit à la clarté et à la clarté de son idée positive. Dans le « Roi Lear » de Shakespeare, le monde s'effondre, mais l'homme lui-même vit et change, et avec lui le monde entier. Le développement, le changement qualitatif chez Shakespeare est complet et diversifié.

Shakespeare possède un cycle de 154 sonnets, publiés (à l'insu ou sans le consentement de l'auteur) en 1609, mais écrits, apparemment, dans les années 1590 et constituaient l'un des exemples les plus brillants de poésie lyrique d'Europe occidentale de la Renaissance. Sous la plume de Shakespeare, la forme, devenue populaire parmi les poètes anglais, scintille de nouvelles facettes, contenant un large éventail de sentiments et de pensées - des expériences intimes aux pensées et généralisations philosophiques profondes.

Les chercheurs attirent depuis longtemps l'attention sur le lien étroit entre les sonnets et la dramaturgie de Shakespeare. Ce lien se manifeste non seulement dans la fusion organique de l’élément lyrique avec le tragique, mais aussi dans le fait que les idées de passion qui inspirent les tragédies de Shakespeare vivent également dans ses sonnets. Tout comme dans ses tragédies, Shakespeare aborde dans ses sonnets les problèmes fondamentaux de l'existence qui troublent l'humanité depuis des siècles, il parle du bonheur et du sens de la vie, du rapport entre le temps et l'éternité, de la fragilité. la beauté humaine et sa grandeur, sur l'art qui peut surmonter l'inexorable passage du temps, sur la haute mission du poète.

Le thème éternel et inépuisable de l'amour, l'un des thèmes centraux des sonnets, est étroitement lié au thème de l'amitié. Dans l'amour et l'amitié, le poète trouve une véritable source d'inspiration créatrice, qu'ils lui apportent de la joie et du bonheur ou les affres de la jalousie, de la tristesse et de l'angoisse mentale.

Dans la littérature de la Renaissance, le thème de l'amitié, notamment masculine, occupe une place importante : elle est considérée comme manifestation la plus élevée humanité. Dans une telle amitié, les préceptes de la raison se conjuguent harmonieusement avec l'inclination spirituelle, libre du principe sensuel.

L’image du Bien-Aimé donnée par Shakespeare est résolument non conventionnelle. Si les sonnets de Pétrarque et de ses disciples anglais glorifient habituellement une beauté angélique aux cheveux dorés, fière et inaccessible, alors Shakespeare, au contraire, consacre des reproches jaloux à une brune brune - incohérente, n'obéissant qu'à la voix de la passion.

Le leitmotiv du chagrin face à la fragilité de tout ce qui est terrestre, traversant tout le cycle, l'imperfection du monde clairement réalisée par le poète ne viole pas l'harmonie de sa vision du monde. L'illusion du bonheur de l'au-delà lui est étrangère - il voit l'immortalité humaine dans la gloire et la progéniture, conseillant à son ami de voir sa jeunesse raviver chez les enfants.

Conclusion

Ainsi, une image artistique est un reflet artistique généralisé de la réalité, revêtu de la forme d'un phénomène individuel spécifique. Une image artistique se distingue par : l'accessibilité pour une perception directe et un impact direct sur les sentiments humains.

Toute image artistique n'est pas complètement concrète ; les moments fondateurs clairement fixés sont revêtus d'un élément de définition incomplète, de demi-manifestation. Il s'agit d'une certaine « insuffisance » de l'image artistique par rapport à la réalité d'un fait de la vie (l'art s'efforce de devenir réalité, mais est brisé par ses propres frontières), mais aussi un avantage qui assure son ambiguïté dans un ensemble d'idées complémentaires. des interprétations dont la limite n'est fixée que par l'accentuation apportée par l'artiste.

Forme intérieure l'image artistique est personnelle, elle porte une trace indélébile de l'esprit idéologique de l'auteur, de son initiative d'isolement et de mise en œuvre, grâce à laquelle l'image apparaît comme une réalité humaine évaluée, une valeur culturelle parmi d'autres valeurs, une expression de tendances et d'idéaux historiquement relatifs . Mais en tant qu'« organisme » formé sur le principe de la revitalisation visible de la matière, du côté artistique, l'image artistique est l'arène de l'action ultime d'harmonisation esthétique des lois de l'existence, où il n'y a pas de « mauvais infini » et de fin injustifiée. , où l'espace est visible et le temps est réversible, où le hasard n'est pas absurde, mais la nécessité n'est pas pesante, où la clarté triomphe de l'inertie. Et dans cette nature, la valeur artistique appartient non seulement au monde des valeurs socioculturelles relatives, mais aussi au monde des valeurs de la vie, connues à la lumière du sens éternel, au monde des possibilités de vie idéales de notre Univers humain. Par conséquent, une hypothèse artistique, contrairement à une hypothèse scientifique, ne peut être rejetée comme inutile et remplacée par une autre, même si les limites historiques de son créateur semblent évidentes.

Compte tenu du pouvoir suggestif de l'hypothèse artistique, la créativité et la perception de l'art sont toujours associées à un risque cognitif et éthique, et lors de l'évaluation d'une œuvre d'art, il est tout aussi important : se soumettre à l'intention de l'auteur, de recréer l'objet esthétique dans son intégrité organique et son autojustification et, sans vous soumettre complètement à cette idée, maintenez la liberté de votre propre point de vue, assurée par la vie réelle et l'expérience spirituelle.

Étudier œuvres individuelles Shakespeare, l'enseignant doit attirer l'attention des élèves sur les images qu'il a créées, fournir des citations de textes et tirer des conclusions sur l'influence d'une telle littérature sur les sentiments et les actions des lecteurs.

En conclusion, nous voudrions souligner une fois de plus que les images artistiques de Shakespeare ont une valeur éternelle et seront toujours pertinentes, quels que soient le temps et le lieu, car dans ses œuvres, il pose des questions éternelles qui ont toujours préoccupé et inquiètent toute l'humanité : comment combattre le mal, par quels moyens et est-il possible de le vaincre ? Vaut-il la peine de vivre si la vie est pleine de mal et qu’il est impossible de le vaincre ? Qu'est-ce qui est vrai dans la vie et qu'est-ce qu'un mensonge ? Comment distinguer les vrais sentiments des faux ? L'amour peut-il être éternel ? A quoi ça sert de toute façon ? vie humaine?

Notre recherche confirme la pertinence du sujet choisi, a une orientation pratique et peut être recommandée aux étudiants des établissements d'enseignement pédagogique dans la matière « Enseignement de la littérature à l'école ».

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De la nécessité socioculturelle de l'art découlent ses principales caractéristiques : une relation particulière entre l'art et la réalité et une voie particulière de développement idéal, que l'on retrouve dans l'art et qui s'appelle l'image artistique. D'autres sphères de la culture - politique, pédagogie - se tournent vers l'image artistique afin d'exprimer le contenu « avec élégance et discrétion ».

Une image artistique est la structure de la conscience artistique, la méthode et l'espace d'exploration artistique du monde, de l'existence et de la communication dans l'art. Une image artistique existe comme une structure idéale par opposition à une œuvre d'art, une réalité matérielle dont la perception donne naissance à une image artistique.

Le problème de la compréhension de l’image artistique est que la sémantique initiale du concept d’image capture la relation épistémologique de l’art à la réalité, la relation qui fait de l’art une sorte de ressemblance avec la vie réelle, un prototype. Pour l’art du XXe siècle, qui a abandonné le vivant, son caractère figuratif devient discutable.

Néanmoins, l’expérience de l’art et de l’esthétique du XXe siècle suggère que la catégorie « image artistique » est nécessaire, puisque l’image artistique reflète des aspects importants de la conscience artistique. C'est dans la catégorie de l'image artistique que s'accumulent les spécificités les plus importantes de l'art ; l'existence d'une image artistique dénote les frontières de l'art ;

Si l'on aborde l'image artistique de manière fonctionnelle, alors elle apparaît comme : premièrement, une catégorie désignant la manière idéale inhérente à l'art activité artistique; deuxièmement, c'est la structure de la conscience, grâce à laquelle l'art résout deux problèmes importants : la maîtrise du monde - en ce sens, une image artistique est une manière de maîtriser le monde ; et la transmission d'informations artistiques. Ainsi, l'image artistique s'avère être une catégorie qui dessine tout le territoire de l'art.

Dans une œuvre d'art, on distingue deux couches : matérielle-sensuelle (image) et sensuelle-supersensible (image artistique). Une œuvre d’art est leur unité.

Dans une œuvre d'art, l'image artistique existe dans un monde potentiel, possible, corrélé à la perception. Pour celui qui perçoit, l’image artistique naît de nouveau. La perception est artistique dans la mesure où elle affecte l'image artistique.

L'image artistique agit comme un substrat (substance) spécifique de la conscience artistique et de l'information artistique. Une image artistique est un espace spécifique d'activité artistique et ses produits. Des expériences sur les héros se déroulent dans cet espace. Une image artistique est une réalité particulière, spécifique, le monde d'une œuvre d'art. Sa structure est complexe et son échelle est variée. Ce n'est que dans l'abstraction qu'une image artistique peut être perçue comme une structure supra-individuelle ; en réalité, une image artistique est « liée » au sujet qui l'a générée ou la perçoit, c'est l'image de la conscience de l'artiste ou du percepteur. l'image artistique se réalise à travers une attitude individuelle envers le monde, ce qui conduit à une multiplicité variable de l'image artistique, qui existe au niveau de la perception. Et dans les arts du spectacle – et au niveau de la performance. En ce sens, l’utilisation des expressions « Mon Pouchkine », « Mon Chopin », etc. est justifiée. Et si l’on se pose la question, où existe-t-il une véritable sonate de Chopin (dans la tête de Chopin, dans les notes, dans l’interprétation) ? Il est difficilement possible de répondre clairement à cette question. Lorsque nous parlons de « multiplicité variable », nous entendons « invariant ». Une image, si elle est artistique, possède certaines caractéristiques. La caractéristique d’une image artistique directement donnée à une personne est l’intégrité. Une image artistique n'est pas une somme ; elle naît dans l'esprit de l'artiste, puis dans l'esprit du percepteur. Dans la conscience du créateur, il vit comme une réalité automotrice. (M. Tsvetaeva - « Une œuvre d'art naît, pas créée »). Chaque fragment d'une image artistique a la qualité d'un mouvement propre. L'inspiration est l'état mental d'une personne dans lequel naissent les images. Les images apparaissent comme une réalité artistique particulière.

Si l'on se tourne vers les spécificités de l'image artistique, la question se pose : l'image est-elle une image ? Peut-on parler de correspondance entre ce que l’on voit dans l’art et le monde objectif, car le critère principal de l’imagerie est la correspondance.

L’ancienne compréhension dogmatique de l’image procède de l’interprétation de la correspondance et se heurte à des difficultés. En mathématiques, il existe deux compréhensions de la correspondance : 1) isomorphe - biunivoque, l'objet est une copie. 2) homomorphe – correspondance partielle et incomplète. Quel genre de réalité l’art recrée-t-il pour nous ? L'art est toujours une transformation. L’image traite de la réalité de la valeur – c’est celle-ci qui se reflète dans l’art. Autrement dit, le prototype de l’art est la relation de valeur spirituelle entre le sujet et l’objet. Ils ont une structure très complexe et sa reconstruction - tâche importante art. Même les œuvres les plus réalistes ne nous donnent pas simplement des copies, ce qui n'élimine pas la catégorie de correspondance.

L'objet d'art n'est pas un objet en tant que « chose en soi », mais un objet significatif pour le sujet, c'est-à-dire possédant une objectivité précieuse. Ce qui est important dans le sujet, c'est l'attitude, l'état intérieur. La valeur d'un objet ne peut se révéler que par rapport à l'état du sujet. Par conséquent, la tâche d’une image artistique est de trouver un moyen de relier le sujet et l’objet en interrelation. La signification d'un objet pour le sujet est sa signification manifeste.

Une image artistique est une image de la réalité des relations entre valeurs spirituelles et non d’un objet en soi. Et la spécificité de l'image est déterminée par la tâche - devenir un moyen de réaliser cette réalité particulière dans l'esprit d'une autre personne. Chaque fois, les images sont une recréation, en utilisant le langage d’une forme d’art, de certaines relations spirituelles et de valeurs. En ce sens, on peut parler de la spécificité de l'image en général et de la conditionnalité de l'image artistique par le langage avec lequel elle est créée.

Les types d'art sont divisés en deux grande classe– figuratives et non figuratives, chez elles l'image artistique existe de différentes manières.

Dans la première classe d'arts, les langages artistiques, les relations de valeurs sont modélisées à travers la recréation d'objets et le côté subjectif est révélé indirectement. De telles images artistiques vivent parce que l’art utilise un langage qui recrée une structure sensorielle : les arts visuels.

La deuxième classe d'arts modélise, à l'aide de son langage, une réalité dans laquelle l'état du sujet nous est donné en unité avec sa représentation sémantique et valeureuse ; L'architecture est une « musique figée » (Hegel).

Une image artistique est un modèle idéal particulier de la réalité axiologique. L'image artistique exerce une fonction de modelage (ce qui la dispense de l'obligation de plein respect). Une image artistique est une manière de représenter la réalité inhérente à la conscience artistique et, en même temps, un modèle de relations spirituelles et de valeurs. C'est pourquoi l'image artistique agit comme une unité :

Objectif subjectif

Sujet – Valeur

Sensuel – Supersensible

Émotionnel – Rationnel

Expériences – Réflexions

Conscient – ​​Inconscient

Corporel - Spirituel (Avec son idéalité, l'image absorbe non seulement le spirituel et le mental, mais aussi le physique et le mental (psychosomatique), ce qui explique l'efficacité de son impact sur une personne).

La combinaison du spirituel et du physique dans l’art devient une expression de fusion avec le monde. Les psychologues ont prouvé que lors de la perception, une identification à une image artistique se produit (ses courants nous traversent). Le tantrisme fusionne avec le monde. L’unité du spirituel et du physique spiritualise et humanise la physicalité (manger avidement et danser avidement). Si nous avons faim devant une nature morte, cela signifie que l’art n’a pas eu d’influence spirituelle sur nous.

De quelles manières le subjectif, l’axiologique (l’intonation) et le suprasensible se révèlent-ils ? Règle générale ici : tout ce qui n'est pas représenté se révèle à travers ce qui est représenté, le subjectif - à travers l'objectif, le fondé sur des valeurs - à travers l'objectif, etc. Pourquoi cela arrive-t-il? Deux options : premièrement, l'art concentre la réalité liée à une valeur donnée. Cela conduit au fait que l'image artistique ne nous donne jamais une représentation complète de l'objet. A. Baumgarten qualifiait l’image artistique d’« Univers condensé ».

Exemple : Petrov-Vodkin « Boys Playing » - il ne s'intéresse pas aux spécificités de la nature, à l'individualité (brouille ses visages), mais aux valeurs universelles. « Jeté » n’a aucun sens ici, car cela enlève l’essence.

Une autre fonction importante de l’art est la transformation. Les contours de l'espace, la palette de couleurs, les proportions des corps humains, l'ordre du temps changent (l'instant s'arrête). L'art nous donne l'opportunité d'une connexion existentielle au temps (M. Proust « À la recherche du temps perdu »).

Chaque image artistique est une unité de vie et de convention. La conventionnalité est une caractéristique de la conscience artistique figurative. Mais un minimum de réalisme est nécessaire puisqu’il s’agit de communication. Différents types les arts ont différents degrés de ressemblance avec la réalité et de conventionnalité. L'abstractionnisme est une tentative de découverte d'une nouvelle réalité, mais conserve un élément de similitude avec le monde.

Conditionnalité – inconditionnalité (des émotions). Grâce à la conditionnalité du plan sujet, l'inconditionnalité du plan valeur surgit. La vision du monde ne dépend pas de l'objet : Petrov-Vodkin « Le bain du cheval rouge » (1913) - dans cette image, selon l'artiste lui-même, sa prémonition s'est exprimée guerre civile. La transformation du monde dans l’art est une manière d’incarner la vision du monde de l’artiste.

Autre mécanisme universel de la conscience artistique et figurative : une caractéristique de la transformation du monde, que l'on peut appeler le principe de métaphore (l'assimilation conditionnelle d'un objet à un autre ; B. Pasternak : « … c'était comme une poussée sur une rapière... » - à propos de Lénine). L'art révèle d'autres phénomènes comme propriétés d'une certaine réalité. Il y a une inclusion dans le système de propriétés proches d'un phénomène donné et, en même temps, une certaine opposition à celui-ci surgit immédiatement ; Maïakovski - « L'enfer de la ville » : l'âme est un chiot avec un morceau de corde. Le principe de la métaphore est la comparaison conditionnelle d'un objet à un autre, et plus les objets sont éloignés, plus la métaphore est saturée de sens.

Ce principe fonctionne non seulement dans les métaphores directes, mais aussi dans les comparaisons. Pasternak : grâce à la métaphore, l'art résout d'énormes problèmes qui déterminent la spécificité de l'art. L’un entre dans l’autre et sature l’autre. Merci à spécial langage artistique(dans Voznesensky : je suis Goya, puis je suis la gorge, je suis la voix, je suis la faim) chaque métaphore suivante remplit de manière significative l'autre : le poète est la gorge, à l'aide de laquelle certains états du monde sont exprimés. De plus, la rime interne et à travers le système d'accentuation et d'allitération des consonances. Dans la métaphore, le principe de l'éventail fonctionne : le lecteur déplie l'éventail, qui contient déjà tout sous sa forme pliée. Cela opère dans tout le système des tropes : établissant une certaine similitude à la fois dans les épithètes (un adjectif expressif - rouble en bois), et dans les hyperboles (taille exagérée), les synecdoques - métaphores tronquées. Eisenstein a le pince-nez du médecin dans le film "Le Cuirassé Potemkine" : lorsque le médecin est jeté par-dessus bord, le pince-nez du médecin reste sur le mât. Une autre technique est la comparaison, qui est une métaphore étendue. De Zabolotsky : « Les maris hétérosexuels et chauves sont assis comme un coup de feu. » En conséquence, l'objet modélisé est envahi par des connexions expressives et des relations expressives.

Un dispositif figuratif important est le rythme, qui équivaut à des segments sémantiques, dont chacun porte un contenu spécifique. Il y a une sorte d’aplatissement, de froissement de l’espace saturé. Yu. Tynyanov - l'étroitesse de la série de vers. À la suite de la formation d'un système unifié de relations riches, une certaine énergie de valeur apparaît, réalisée dans la richesse acoustique du vers, et un certain sens et un certain état apparaissent. Ce principe est universel pour tous les types d’art ; nous avons donc affaire à une réalité poétiquement organisée. L’incarnation plastique du principe de métaphore chez Picasso est « La femme est une fleur ». La métaphore crée une concentration colossale d’informations artistiques.

Généralisation artistique

L’art n’est pas un récit de la réalité, mais l’image d’une force ou d’un désir à travers lequel se réalise la relation imaginative d’une personne avec le monde.

La généralisation devient la réalisation des traits de l'art : le spécifique reçoit plus sens général. La spécificité de la généralisation artistique et figurative : une image artistique relie l'objectif et la valeur. Le but de l’art n’est pas une généralisation logique formelle, mais la concentration du sens. L'art donne du sens à ce genre d'objets , l’art donne un sens à la logique des valeurs de la vie. L'art nous parle du destin, de la vie dans sa plénitude humaine. De la même manière, les réactions humaines sont généralisées, donc par rapport à l'art, elles parlent à la fois d'attitude et de vision du monde, et c'est toujours un modèle d'attitude.

La généralisation se produit en raison de la transformation de ce qui se passe. L'abstraction est une distraction dans un concept ; la théorie est un système d'organisation logique des concepts. Un concept est une représentation de grandes classes de phénomènes. La généralisation en science est un passage de l’individuel à l’universel ; c’est une pensée abstraite. L'art doit conserver la spécificité de la valeur et il doit généraliser sans se distraire de cette spécificité, c'est pourquoi l'image est une synthèse de l'individu et du général, et l'individualité conserve sa séparation des autres objets. Cela se produit en raison de la sélection, de la transformation de l'objet. Lorsque nous examinons les différentes étapes de l'art mondial, nous trouvons des caractéristiques typologiques établies des méthodes de généralisation artistique.

Les trois principaux types de généralisation artistique dans l'histoire de l'art se caractérisent par la différence dans le contenu du général, l'originalité de l'individualité et la logique de la relation entre le général et l'individuel. Soulignons les types suivants :

1) Idéalisation. On retrouve l'idéalisation comme type de généralisation artistique dans l'Antiquité, au Moyen Âge et à l'ère du classicisme. L'essence de l'idéalisation est une généralité particulière. Les valeurs apportées à une certaine pureté agissent comme une généralisation. La tâche est d'isoler les essences idéales avant l'incarnation sensorielle. Ceci est inhérent aux types de conscience artistique orientés vers l'idéal. Dans le classicisme, les genres bas et élevés sont strictement séparés. Genres élevés est représenté par exemple par le tableau de N. Poussin « Le Royaume de la Flore » : un mythe présenté comme l’existence fondamentale des entités. L'individu ne joue pas ici un rôle indépendant ; les caractéristiques uniques sont éliminées de cet individu et l'image de l'harmonie la plus unique apparaît. Avec une telle généralisation, les caractéristiques momentanées et quotidiennes de la réalité sont omises. Au lieu d’un environnement quotidien, un paysage idéal apparaît, comme dans un état de rêve. C'est la logique de l'idéalisation, dont le but est l'affirmation de l'essence spirituelle.

2) Typification. Un type de généralisation artistique caractéristique du réalisme. La particularité de l'art est la révélation de la plénitude de cette réalité. La logique du mouvement va ici du spécifique au général, un mouvement qui conserve la signification sortante du spécifique lui-même. D'où les particularités de la typification : révéler les généralités des lois de la vie. Une image naturelle pour cette classe de phénomènes est créée. Le type est l'incarnation des traits les plus caractéristiques d'une classe donnée de phénomènes tels qu'ils existent dans la réalité. D’où le lien entre typification et historicisme de la pensée de l’artiste. Balzac se disait secrétaire de la société. Marx a appris davantage des romans de Balzac que des écrits des économistes politiques. La caractéristique typologique du caractère d'un noble russe est un abandon du système, une personne supplémentaire. Le général requiert ici un individu spécial, empiriquement pur, possédant des caractéristiques uniques. La combinaison du spécifique unique et inimitable avec le général. Ici, l’individualisation devient l’envers de la typification. Lorsqu’ils parlent de typification, ils parlent immédiatement d’individualisation. Lorsqu’on perçoit des images typiques, il faut vivre leur vie, alors surgit la valeur intrinsèque de celle-ci en particulier. Des images de personnes uniques apparaissent, que l'artiste écrit individuellement. C’est ainsi que pense l’art, typifiant la réalité.

La pratique de l’art du XXe siècle a tout mélangé et le réalisme a depuis longtemps cessé d’être un dernier recours. Le XXe siècle a mélangé toutes les méthodes de généralisation artistique : on trouve une typification à tendance naturaliste, où l'art devient un miroir littéral. Tomber dans le détail, ce qui crée même une réalité mythologique particulière. Par exemple, l’hyperréalisme, qui crée une réalité mystérieuse, étrange et sombre.

Mais dans l’art du XXe siècle, une nouvelle manière de généraliser artistique apparaît également. A. Gulyga porte le nom exact de cette méthode de généralisation artistique – la typologisation. Un exemple est les œuvres graphiques de E. Neizvestny. Picasso a un portrait de G. Stein - transfert sens caché homme, masque facial. En voyant ce portrait, le modèle a dit : je ne suis pas comme ça ; Picasso a immédiatement répondu : Tu seras comme ça. Et elle est vraiment devenue comme ça en vieillissant. Ce n’est pas un hasard si l’art du XXème siècle est fasciné par les masques africains. Schématisation de la forme sensorielle d'un objet. "Les Demoiselles d'Avignon" de Picasso.

L'essence de la typologisation : la typologisation est née à l'ère de la distribution savoir scientifique; il s'agit d'une généralisation artistique destinée à une conscience multi-connaissance. La typologie idéalise le général mais, contrairement à l'idéalisation, l'artiste ne représente pas ce qu'il voit, mais ce qu'il connaît. La typologie en dit plus sur le général que sur l'individu. Le singulier atteint l’échelle et le cliché, tout en conservant une certaine expressivité plastique. Au théâtre, vous pouvez montrer le concept de l'impérial, le concept du Khlestakovisme. L'art d'un geste généralisé, d'une forme clichée, où les détails modèlent la réalité non empirique, mais supra-empirique. Picasso « Fruit » – schéma d'une pomme, portrait « Femme » – schéma d'un visage de femme. Une réalité mythologique porteuse d’une expérience sociale colossale. Picasso « Le chat tenant un oiseau entre ses dents » est un tableau qu'il a peint pendant la guerre. Mais le summum de l'œuvre de Picasso est Guernica. Le portrait de Dora Maar est une image typologique, un début analytique, travaillant analytiquement avec l'image d'une personne.

L'art du XXe siècle combine librement toutes les méthodes de généralisation artistique, par exemple les romans de M. Kundera, W. Eco, qui peuvent par exemple combiner description réaliste et réflexions, où l'essai prime. La typologie est une version intellectuelle de l'art contemporain.

Mais toute image artistique authentique est organiquement intégrale, et le mystère de cette matière organique nous a inquiétés à maintes reprises. Né de monde intérieur l'image de l'artiste elle-même devient un tout organique.

Bibliographie:

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Ressource Internet Composition / Image artistique / Objectivité et subjectivité...

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image artistique - Encyclopédie de la peinture

peinture.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000008/st002.shtml

Kuzin V.S. Dessin. Croquis et croquis

Technique de croquis rapide

une forme de réflexion (reproduction) de la réalité objective dans l'art du point de vue d'un certain idéal esthétique. L'incarnation d'une image artistique dans différentes œuvres d'art est réalisée à l'aide de différents moyens et matériaux (mot, rythme, dessin, couleur, plastique, expressions faciales, montage cinématographique, etc.). A l'aide d'une image artistique, l'art remplit sa fonction spécifique : procurer à une personne un plaisir esthétique et encourager l'artiste à créer selon les lois de la beauté.

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IMAGE ARTISTIQUE

un moyen et une manière de refléter la réalité dans l'art, une forme d'existence d'une œuvre d'art. Dans sa structure, une image artistique est une formation complexe et incarne des principes opposés : objectif (la réalité réfléchie) et subjectif (la compréhension et l'attitude de l'artiste à son égard), individuel (chaque image est unique) et typique (reflète la répétition, naturel), réalité et fiction. Comprendre la réalité en images est une spécificité de la créativité de l’artiste, qui permet de la distinguer de l’activité intellectuelle. Dans chaque forme d'art, l'image a son propre système d'expression artistique. Ces différences se manifestent par le fait que le langage de l'image soit conserve une similitude visible avec la réalité réfléchie, soit n'a pas une telle similitude, c'est-à-dire peut être « bien » ou « non bien ».

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IMAGE ARTISTIQUE

dans les arts visuels, une forme de reproduction, de compréhension et d'expérience des phénomènes de la vie en créant des objets esthétiquement affectants (peintures, sculptures, etc.). L’art, comme la science, comprend le monde qui nous entoure. Cependant, contrairement à un scientifique qui s'efforce de découvrir et d'explorer les lois objectives de la nature et de la société qui ne dépendent pas de sa volonté, l'artiste, en reproduisant les formes et les phénomènes du monde visible, exprime avant tout son attitude, ses expériences et son état. d'esprit. Une image artistique est une fusion complexe de compétences professionnelles et d'inspiration créative, de l'imagination du maître, de ses pensées et de ses sentiments. Le spectateur ressent dans une œuvre d'art un sentiment de joie ou de solitude, de désespoir ou de colère. La représentation de la nature dans un paysage est toujours humanisée et porte l’empreinte de la personnalité du peintre.

Dans une œuvre d’art, contrairement à une œuvre scientifique, quelque chose reste toujours irrésolu. Chaque époque et chaque personne voit quelque chose qui lui est propre dans l'image créée par l'artiste. Le processus de perception d’une œuvre devient un processus de co-création.

La source de création d'images artistiques pour de nombreux maîtres est une référence directe au monde environnant (paysage, nature morte, peinture de tous les jours). D'autres artistes recréent des événements du passé ( peinture d'histoire). Une étude approfondie du matériel historique est complétée par une perspicacité créative dans les peintures de N. N. Ge et V. I. Surikov, qui nous emmènent dans d'autres époques. L'art est capable de recréer à travers une image artistique même ce qui n'existe pas dans l'espace visible, de transmettre au spectateur les rêves, les fantasmes, les aspirations du maître, d'incarner un conte de fées en images visibles (V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel) et réalité ultime Le Monde Divin (icônes russes anciennes, croquis bibliques de A. A. Ivanov).

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IMAGE ARTISTIQUE

une réflexion artistique généralisée de la réalité, revêtue de la forme d'un phénomène individuel spécifique. Tout phénomène créé de manière créative par un artiste, un peintre ou un écrivain est également appelé image artistique. La source de l'image sont les objets et les phénomènes du monde environnant, les images sont donc secondaires par rapport à eux. Mais l’image n’est pas une copie mécanique de l’original. L'imagination créatrice et la fantaisie de l'artiste jouent un rôle énorme dans la création d'images, qui transforment la réalité et permettent d'identifier et de montrer ses caractéristiques essentielles. Par conséquent, l'image représente l'unité inextricable des principes objectifs et subjectifs, des aspects sensoriels et sémantiques de la créativité artistique. Une image est objective dans la mesure où elle reflète correctement la réalité. Mais une image peut refléter une ou plusieurs faces d’un objet réel, mais pas la totalité. L’original est donc toujours plus riche que l’image. En reproduisant certaines qualités réelles de l'original (et sans les désigner ou les remplacer comme signe), l'image peut le faire avec divers degrés de convention - depuis le caractère descriptif réaliste jusqu'à la métaphore et le symbolisme. L'importance du principe subjectif dans une image artistique provoque également une ambiguïté dans sa perception, qui devient également processus créatif. Ainsi, différents spectateurs peuvent voir quelque chose qui leur est propre dans l’image. Il existe des différences particulièrement grandes dans la perception des images artistiques parmi les gens différentes époques, pays et cultures.

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