Déjà dans l'art du XVIIe siècle, en particulier dans sa seconde moitié, des tendances ont été observées qui ont préparé le terrain pour le développement rapide de l'art réaliste profane du XVIIIe siècle. Les conventions iconographiques cèdent la place à une reproduction fidèle à la réalité des personnages, des paysages et des événements historiques. L'ornement floral traditionnel, interprété de manière plutôt conventionnelle, est remplacé par la reproduction de fleurs, de fruits, de feuilles, de guirlandes et de coquillages rendus de manière réaliste. Sur les œuvres d'art appliqué, la peinture à sujet religieux prend un caractère presque profane, parfois résolument décoratif et théâtral. Les formes des objets deviennent magnifiques, solennelles, avec une grande variété de décors. De nombreux types anciens d’articles ménagers disparaissent, comme les tasses à étagères et poignées plates et les pièces d’argent. Les anciennes louches traditionnelles se transforment en objets de récompense purement décoratifs qui ont perdu leur sens pratique. De nouveaux types d'ustensiles apparaissent : des coupes décorées d'ornements baroques, de scènes quotidiennes et d'inscriptions profanes, des coupes en forme d'aigle, des coupes en corne sur supports et bien d'autres.
Ustensiles d'église
L'art de la monnaie en argent a acquis un aspect unique, surtout à partir du milieu du XVIIIe siècle. Il s'agit pour la plupart de grands rouleaux baroques exécutés magistralement en assez haut relief en combinaison avec des images de fruits, des paniers de fleurs, des amours, des guirlandes de fleurs et de feuilles.
Le gaufrage était souvent ajouré et présentait dans ce cas un fond supplémentaire qui illuminait le motif.
Un exemple classique d’une telle monnaie est la mise en scène massive de l’Évangile réalisée à Moscou en 1754, apportée par l’impératrice Elisabeth1. Des plaques d'argent avec des images peintes en émail de la Trinité, des évangélistes et des scènes de la vie du Christ sont placées dans de hauts cadres et carrés ciselés. Ils se distinguent par leur caractère laïc.
la bijouterie - Saint-Pétersbourg - est représentée dans la collection du musée par un lave-mains en argent ciselé avec un bec en forme de tête d'aigle, réalisé en 1768 par le maître Claes Johann Ehlers4. Le même maître a réalisé un plat en argent ciselé avec un ornement baroque sur le champ et une représentation d'une scène biblique : une baleine lave Jonas5. Dans le même temps, le maître représentait ici la côte de Saint-Pétersbourg avec la forteresse Pierre et Paul et la flèche de la cathédrale. La main et le plat sont l'apport du métropolite Platon.
L’art du filigrane prend un tout autre caractère.
Au lieu d'une boucle plate avec des branches s'enroulant sur la surface lisse du métal dans les œuvres anciennes, le dessin en filigrane du XVIIIe siècle. elle est encore compliquée par des décorations supplémentaires placées sur le dessus, parfois en combinaison avec de l'émail et des pierres précieuses. Dans certains cas, le filigrane est ajouré et superposé sur un fond supplémentaire. Parfois, l'article était fabriqué à partir de fils en filigrane.
Une œuvre remarquable en filigrane est le tabernacle de 1789, offert par le métropolite Platon7. Voici des filigranes ajourés, des filigranes associés à de l'émail, et des filigranes superposés sur un fond argenté lisse.
Le tabernacle a l'apparence d'une boîte laïque, comme en témoigne sa forme totalement non ecclésiastique, sa décoration élégante et ses fleurs plantées dans les coins constituées de fines pièces métalliques émaillées. Un exemple de filigrane en relief habile peut être la couverture du livre « Officier du service épiscopal », également la contribution du métropolite Platon en 17898.
Grand développement reçu au XVIIIe siècle. Les émaux de Solvychegodsk et Veliky Ustyug avec leur fond uni (bleu ou blanc), sur lesquels des figures humaines, des fleurs et d'autres images, parfois colorées en plus avec des émaux, sont superposées sous la forme de plaques de métal séparées. Le musée possède une grande collection d'objets ménagers de Solvychegodsk et Ustyug. Au XVIIIe siècle Pour l'intérieur des temples de la Laure, des structures monumentales ont été réalisées en argent selon des dessins
artistes célèbres Moscou et Saint-Pétersbourg. Pour l'autel de la cathédrale de la Trinité, sur ordre du métropolite Platon, un grand chandelier à sept chandeliers en argent en forme de laurier a été réalisé9 ; les tiblas de l'iconostase de la cathédrale de la Trinité ont également été décorés d'argent. Le maître moscovite David Prif a réalisé un dais en argent au-dessus du sanctuaire de Serge de Radonezh d'après un dessin de Caravacca (commandé par l'empereur Anna Ivanovna10). Ainsi, l'art appliqué du XVIIIe siècle. représenté dans la collection du musée par les œuvres les plus caractéristiques. Les œuvres d'art de la collection du musée permettent de retracer son évolution depuis les premiers monuments de Moscou grand-ducale jusqu'à la fin du XVIIIe siècle. Au cours de cette longue période, les compétences techniques ont changé et amélioré, les formes anciennes ont disparu et de nouvelles formes d'objets sont apparues, la nature de la décoration a changé, qui a toujours dépendu de vues esthétiques, déterminés par les conditions socio-économiques et politiques de leur époque, le développement des relations internes et
Sur les œuvres des XIV-XV siècles. le tableau de la renaissance progressive de l'artisanat artistique après la dévastation tatare-mongole de la terre russe au XIIIe siècle est révélé. Maîtres de Moscou et d'autres centres d'art Rus antique maîtriser diverses techniques artistiques et améliorer leurs compétences.
Au 16ème siècle Moscou conquiert enfin place de premier plan dans la vie culturelle du pays. Les arts appliqués de cette période se distinguent par une variété de formes et de décorations artistiques, ainsi que par une grande maîtrise technique. L'art complexe de l'émail, qui a pris un caractère principalement ornemental, se perfectionne, et l'art du nielle d'or, du gaufrage et de la gravure atteint une plus grande maîtrise.
Les œuvres en argent destinées à la maison et à l'église suivent les traditions de l'art populaire et sont associées aux conditions de vie des gens, à leurs rituels et à leur mode de vie.
La couleur et le caractère décoratif des produits du XVIIe siècle, la complexité des ornements, l'apparence des émaux peints et l'utilisation de grandes quantités de pierres précieuses, de perles et de verre coloré confèrent un caractère plus profane aux arts appliqués.
Au XVIIIe siècle De nouvelles formes d'objets, un caractère réaliste de l'ornement et de la peinture sur émail ont été adoptés. Dans la collection du musée de Zagorsk, cette période est représentée par les meilleurs ateliers de Moscou et de Saint-Pétersbourg. Leurs travaux permettent de juger des nouvelles mutations qui s'opèrent dans les arts appliqués.
La haute maîtrise artistique des œuvres d'art appliqué, présentées sur plus de cinq siècles, place la collection du musée de Zagorsk dans une place importante dans l'histoire de la culture artistique russe.
Dans le cadre de la célébration de son 35e anniversaire, le Musée panrusse des arts décoratifs, appliqués et populaires inaugure une exposition permanente actualisée « Les arts décoratifs et appliqués de Russie du XVIIIe au premier tiers du XIXe siècle ».
"Pierre le Grand a défié la Russie, et elle lui a répondu par Pouchkine" - slogan A. N. Herzen définit le plus précisément le sens et les limites de l'époque à laquelle est consacrée l'exposition de ces salles. Les objets présentés ici sont des jalons vivants qui ont marqué la formation et l'épanouissement de culture nationale au sein de l'Europe tradition culturelle Nouvelle heure. Ils capturent les changements dans le mode de vie et les orientations artistiques, la transformation des anciens et l'émergence de nouvelles formes de sujets, de techniques et même de types d'art décoratif et appliqué.
La conception de la nouvelle exposition est basée sur le principe de la démonstration des objets exposés comme des objets artistiques uniques, combinés en blocs thématiques, stylistiques et typologiques. Cette solution permet d'évaluer l'importance de chaque objet du point de vue de l'époque, du style, de l'évolution d'un type particulier d'art décoratif et appliqué, et concentre l'attention sur sa valeur artistique intrinsèque.
Le scénario d'inspection est construit sur la base de la solution spatiale de l'exposition, non seulement de manière significative (en termes de typologie, de thème, de style et de chronologie), mais aussi visuellement - de l'époque de Pierre le Grand à Biedermeier.
Terrina (supière) avec couvercle 1795
Les thèmes centraux de la nouvelle exposition : « L'ère du changement : le tournant des XVIIe et XVIIIe siècles », qui jouxte les soi-disant « primitifs du XVIIIe siècle », qui traduisaient les réalités des temps modernes sous des formes art traditionnel; "Classique Russe XVIII siècle", représentant l'époque de Pierre à Paul dans de hauts exemples de l'art de cour, ainsi que "Empire russe" et "Dans les chambres", démontrant deux facettes de la culture russe du premier tiers du XIXe siècle - le brillant style impérial et la formation d'une culture de la vie privée, corrélée au phénomène du Biedermeier allemand Parallèlement, l'exposition permet de visualiser les œuvres dans la rangée habituelle - par type d'art, en mettant en valeur les meubles, le métal artistique, le verre, la porcelaine, la céramique, l'art de la taille de la pierre, les os et les perles.
Des objets d'église uniques comme la croix reliquaire et la Panagia, qui datent du XVIIe siècle, méritent une attention particulière. Ils étaient fabriqués selon une technique alors coûteuse : l’émail filigrane. Parmi les premières pièces exposées figurent des coffres avec des cadres métalliques et des garnitures décoratives, des encriers et des ustensiles en laiton de l'Oural datant du XVIIe et du début du XVIIIe siècle. Les tasses en laiton de l'usine Demidov dans l'Oural sont un exemple frappant de vaisselle en métal représentative de cérémonie pour la décoration de la table.
Les éléments de service de table et les éléments de plateau ont ensuite été fabriqués selon différentes techniques. Par exemple, deux gobelets en verre bleu foncé portant les monogrammes « EML » et « WGS », produits par l'Imperial Glass Factory, sont un exemple rare d'objets peints de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Les monogrammes latins sur les tasses appartiennent à l'envoyé suédois en Russie en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - « WGS » - et à sa mère Ebbe Maria Lagerbring - « EML ». Les coupes ont été conservées pendant plus de deux siècles au château de Skarhult, Skåne (Suède), constituant un trésor familial.
L'exposition présentera des exemples uniques de mobilier de palais russe des XVIIIe et XIXe siècles, parmi lesquels les tables d'échecs et de cartes réalisées selon la technique de la marqueterie présentent un intérêt particulier. Parmi les meubles exposés typiques de la première moitié du XIXe siècle, il convient de noter deux armoires d'une rare qualité de style jacobéen. Deux chaises conçues par Ossip Ivanovitch Bove appartiennent également à la même époque. Sont également intéressantes la pendule « Minine et Pojarski » réalisée par le bronzier parisien Pierre-Philippe Thomire et, reproduisant en format intérieur, le célèbre monument à Ivan Martos dressé sur la Place Rouge.
Au-dessus de I.O. La chaise d'abord trimestre XIX V
Une place particulière dans l'exposition est occupée par la tapisserie « Le sauvetage des pêcheurs », réalisée en Flandre dans un atelier inconnu dans la seconde moitié du XVIIe – début du XVIIIe siècle. Elle entre au VMDPNI en 1999 avec la collection du Musée d'Art Populaire du nom. S.T. Morozova. Le thème de la tapisserie est emprunté à la Bible : au centre de la composition est représenté l'un des miracles : « Marcher sur les eaux ». Le treillis a été restauré en plusieurs étapes - il a été partiellement restauré par des spécialistes du Musée d'art populaire. S. T. Morozov, et déjà en 2014, une restauration complète a été réalisée par des restaurateurs spécialisés Musée panrusse art décoratif, appliqué et populaire. Ainsi, le treillis a trouvé nouvelle vie et sera présenté à l'exposition pour la première fois.
Les sections thématiques correspondantes présentent des luminaires en verre et en cristal, des objets d'intérieur en porcelaine et en bronze de la fin des XVIIIe et XIXe siècles. Chaque exposition est un exemple de référence d'un style particulier, capturant l'esprit de son époque et représentant les possibilités de compétences artistiques et techniques.
Une telle solution spatiale pour l'exposition permettra au musée d'organiser des excursions et des programmes spéciaux de la manière la plus efficace et la plus intéressante. Les expositions les plus intéressantes et les plus significatives seront présentées avec des annotations étendues, ainsi qu'un support avec des codes QR, grâce auxquels les visiteurs pourront en obtenir davantage. des informations détaillées. L'exposition est équipée système moderne matériel d'éclairage. Grâce à sa grande interactivité, la nouvelle exposition promet d'être plus vivante et intéressante, ainsi que de promouvoir un dialogue créatif avec les visiteurs, en particulier avec les enfants et les jeunes.
Reflet du tournant de l’époque de Pierre le Grand dans les arts décoratifs et appliqués. Influences artistiques d'Europe occidentale (Hollande, Angleterre, France, Italie). Les processus de formation du système de classes et de renforcement culture laïque et leur influence sur le développement des arts décoratifs et appliqués. La nature multicouche des arts décoratifs et appliqués, le développement inégal de ses sphères individuelles. Préservation et développement des tendances traditionnelles (culture provinciale et populaire, art religieux).
Améliorer la technologie de la production artisanale et manufacturière. L'émergence de l'industrie artistique (production de tapisseries, verrerie d'art, faïence, taille de pierre, production de soie et de tissu). Fabrication d'articles de mode et de luxe. Découverte et valorisation de gisements de cuivre, d'étain, d'argent, de pierres colorées, d'argiles de grande qualité.
Le rôle de l'Académie des sciences dans la « prospérité des arts libres et des manufactures », reflet des nouveaux intérêts des sciences naturelles et techniques dans les arts décoratifs et appliqués. Nouvelles formes d'éducation et de formation des artisans dans les usines d'art. Fermeture des ateliers de l'Armurerie Chambre. Les retraités et son rôle dans le développement de certains types d'arts décoratifs et appliqués. L'émergence d'organisations corporatives d'artisans en Russie. Travail de maîtres étrangers dans divers domaines des arts décoratifs et appliqués.
Style artistique en arts décoratifs et appliqués. La mode, son impact sur l'évolution des goûts, l'évolution de l'environnement du sujet. L'émergence de nouveaux types d'objets, le renouvellement des idées esthétiques dans les arts décoratifs et appliqués. Tendances dans la synthèse des arts. Le rôle de l'architecture, de l'art monumental, du graphisme et des publications illustrées dans le développement des arts décoratifs et appliqués. Tendances décoratives de la culture baroque dans la conception de festivals, de complexes de portes triomphales et d'art du jardinage.
L'art du design d'intérieur comme type particulier activité artistique dans les œuvres des architectes du premier quart du XVIIIe siècle. Les premiers travaux d'intérieur et les principales tendances stylistiques (Baroque, Rococo, Classicisme). Nouveaux types de locaux (bureaux, chambres d'apparat, salons, « salles de tournage », « salles de cinéma ») et leur contenu thématique (Palais d'Été, Palais A.D. Menchikov, Grand Palais de Peterhof, Monplaisir). Œuvres de maîtres français. "Chinoiserie" dans les intérieurs de l'époque Pierre le Grand.
Solution d'ensemble de l'environnement sujet. L’émergence d’activités de projet sur le terrain culture matérielle et les arts décoratifs.
Développement de l'activité mobilier. Nouveaux types et formes de meubles, matériaux et méthodes de décoration. Influence du mobilier anglais et hollandais. Baroque et Rococo dans le mobilier.
La sculpture sur bois, son rôle à l'intérieur. Reliefs sculptés. Iconostase de la cathédrale Pierre et Paul. Sculpture de navires et fabrication de calèches.
Orfèvrerie. Préservation des traditions du XVIIe siècle. Création d'ateliers d'orfèvrerie. Art de la bijouterie. Portrait miniature sur émail. Commandez des badges et des personnes « accordées ». Les premiers maîtres de la peinture miniature furent Grigori Musikiysky et Andrey Ovsov.
Céramiques et faïences de l'époque de Pierre le Grand. Carrelage hollandais à l'intérieur. Expansion de l'importation de faïence d'Angleterre et de Hollande. La première manufacture privée de A. Grebenshchikov à Moscou, l'émergence de la faïence fine domestique.
Augmentation de la consommation de verre et création d'usines de verre à Yamburg et Zhabino, près de Saint-Pétersbourg. Miroirs et luminaires. Formation du style des plats de palais d'apparat avec gravure mate. La première usine privée de verre et de cristal de Maltsov dans le district de Mozhaisk.
Taille et taille de pierre gemme. Création des premières usines de découpe à Peterhof et Ekaterinbourg. Sculpture sur os. Techniques de sculpture de base, dispositifs stylistiques. Traditions de Kholmogory. L'apparition des tours, les modifications des formes des produits. Petrovskaya Turning et A. Nartov. L'influence de la gravure et des livres illustrés sur la sculpture sur os. Fondation de la Tula Arms Factory, développement de l'art du traitement artistique de l'acier en produits décoratifs.
Typologie du costume. Changer une robe médiévale en un costume de style européen. L'établissement par Peter des règles de port et des types de vêtements nobles. Introduction de vêtements et d'uniformes statutaires pour l'armée et la marine, pour les fonctionnaires. L'émergence de nouvelles manufactures en lien avec les changements de costumes. Remplacement des tissus orientaux par des tissus d'Europe occidentale. Échantillons de costumes pour hommes de la garde-robe de Pierre Ier.
Fondation de la Manufacture de Treillis de Saint-Pétersbourg. Formation de maîtres russes.
Art décoratif et appliqué de l’époque d’Anna Ioannovna. Argent artistique. Fondation d'une verrerie publique à Fontanka à Saint-Pétersbourg. Activités de la manufacture de treillis. Style de treillis et utilisation à l'intérieur. L. Caravaque et ses projets dans le domaine des arts décoratifs.
Renouveau de la culture artistique sous le règne d'Elizabeth Petrovna. Prédominance des influences françaises. Baroque et rococo dans l'art russe. Rococo en décoration d'intérieur, costume, bijoux, art paysager. Synthèse de l'architecture et des arts décoratifs dans les intérieurs baroques et rococo. Travaux de V.V. Rastrelli et A. Rinaldi dans le domaine du design d'intérieur. Matériaux décoratifs et techniques de décoration intérieure. Types de meubles baroques et rococo. Tissus à l'intérieur. Éclairage. Ensemble en divers types arts décoratifs et appliqués du milieu et de la seconde moitié du siècle.
Orfèvrerie. Approbation du style baroque. Œuvres monumentales et décoratives. Grands services cérémoniaux. Changer les formes des objets, nouveaux types de plats pour de nouveaux produits. Art de la bijouterie. Activités des artisans de cour. Style rococo en bijoux. Types de bijoux pour femmes. Pierre colorée dans les bijoux.
Le costume, son image, le type de coupe, les matières, les accessoires, le caractère de la décoration. Influence de la mode française. Baroque et rococo en costume féminin et masculin.
Invention de la porcelaine domestique. Fondation d'une manufacture de porcelaine à Saint-Pétersbourg. Les activités de D.I. Vinogradov et la période « Vinogradov » de développement de la porcelaine russe. Les premiers services du palais, vases, petits objets en plastique. Création d'une faïencerie publique à Saint-Pétersbourg.
Verre élisabéthain gravé. Activités de la verrerie d'État de Saint-Pétersbourg et de l'usine fluviale. Nazier. Baroque et Rococo en verre d'art. Le verre dans la décoration des intérieurs de palais par V.V. Rastrelli. Usines privées des Nemchinov et des Maltsov. Expériences de M.V. Lomonosov dans le domaine du verre coloré, début de sa production à l'usine d'Oust-Ruditsk.
Sculpture sur os. Style rococo, œuvre du sculpteur Osip Dudin.
Arts décoratifs et appliqués de la seconde moitié du XVIIIe siècle.
Classicisme dans les arts décoratifs et appliqués 1760-1790. Une combinaison de style rococo avec des motifs antiques. Le rôle des architectes dans les arts décoratifs et appliqués à l'ère du classicisme. Formation de maîtres d'arts décoratifs et appliqués à l'Académie des Arts.
Intérieur du début du classicisme. Matériaux et formes, couleur, décoration sculpturale, réduction du coût des finitions décoratives. Travaux intérieurs de Charles Cameron. Diversité des techniques décoratives, nouveaux matériaux, image des lieux et de l'ensemble. Intérieurs par V. Brenna.
Mobilier classicisme, caractère, formes, influences. Prototypes anciens. Nouveaux types de meubles. Participation d'architectes au développement de l'art du meuble en Russie (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Meubles de D. Roentgen en Russie. Atelier de G. Gambs et I. Ott. Style Jacob dans les meubles russes. Changement de matériaux dans le mobilier d'art (acajou, bois doré, peuplier, bouleau de Carélie). Tissu et broderie dans les meubles.
Atelier de Spol à Moscou. Décor sculpté dans les intérieurs de M. Kazakov. Meubles sculptés du palais Ostankino. L'épanouissement des techniques de composition dans le mobilier russe de la seconde moitié du siècle, les modes d'exécution et les matériaux. Production de meubles chez Okhta à Saint-Pétersbourg. Le papier mâché comme matériau pour l'ameublement et l'art décoratif.
Bronze artistique russe et français. Principaux types de produits et techniques de décoration. Bronze et verre dans les luminaires. Bronze dans la décoration de vases et meubles en pierre et porcelaine. Activités de la Maison Fonderie. Bronzeurs étrangers à Saint-Pétersbourg (P. Azhi, I. Tsekh, etc.).
Costume. Modification des types et des silhouettes de vêtements dans les années 1770-1780. Introduction de la tenue vestimentaire noble uniforme. Tenue de cérémonie de cour, utilisation de formes nationales stylisées. "Style grec" des années 1790 en costumes et coiffures. Un changement radical dans le design de la combinaison. Mode pour châles, foulards, capes, mantilles, châles.
Art de la bijouterie. Activités de I. Pozier, Dubulon, J. Adora, I.G. Sharf, I.V. Bukh, frères Duval. Grande couronne impériale. Atelier de diamants de cour. Argent artistique. Influence de l'argenterie française de style Louis XVI. L'art du nielle sur argent. Le rôle croissant des centres de bijouterie du Nord - Vologda, Veliky Ustyug. Usine de produits noirs et émaillés des frères Popov à Veliky Ustyug. Émail avec superpositions d'argent.
Porcelaine, techniques de fabrication et de décoration. Manufacture Impériale de Porcelaine. Classicisme précoce dans les formes et la décoration des produits. Influence de la porcelaine et de la faïence européennes. Activités de J.-D. Rashetta. Contacts de l'IPE avec l'Académie des Arts. Vases décoratifs et services de palais à l'intérieur de l'époque classique. Les grands services cérémoniaux, leur composition, la nature de leur conception. Rechercher des formes d'objets et des méthodes de décoration de produits appropriées. Sculpture en porcelaine (série de personnages « Peuples de Russie », « Commerçants et colporteurs »). Dessin et gravure de genre en sculpture sur porcelaine et peinture sur porcelaine. Produits de biscuiterie. Porcelaine "Pavlovsk" de la fin des années 1790.
Usine F. Gardner à Verbilki. Services de commande.
Verre d'art. Usine de G. Potemkine à Ozerki. Verre coloré et cristal. Du verre dans les intérieurs de Charles Cameron. La Verrerie Impériale dans les années 1790. Connexion entre les produits des manufactures impériales de porcelaine et de verre. Usine de Bakhmetev dans la province de Penza. L'apogée de la peinture sur verre dans les années 1780-90. Motifs gothiques en verre d'art.
Activités de la manufacture de treillis. Connexion des treillis avec direction générale dans la peinture russe ( thème historique, allégorie, portrait dans une tapisserie). Le passage du rococo au classicisme. Treillis en design d'intérieur.
Sculpture sur pierre. Le rôle de Charles Cameron dans le développement de la culture de la pierre colorée et son utilisation à l'intérieur. Nouvelles techniques d'utilisation de la pierre, « mosaïque russe ». Activités de l'usine lapidaire de Peterhof. Découverte de nouveaux gisements de pierres colorées dans l'Oural et l'Altaï. Usine d’Ekaterinbourg et usine de Kolyvan. Invention des machines pour le traitement de la pierre. Vases d'après des dessins de A. Voronikhin et D. Quarenghi.
L'apogée de l'acier de Toula (meubles et objets de décoration). Usines nobles et marchandes. Usine miniatures en laque PI. Korobova. L'émergence de l'artisanat dans les manufactures artistiques. Développement des métiers d'art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : Peinture de Khokhloma, tissage de dentelle, tissage à motifs, tissage de tapis, métal artistique, etc.
Développement des arts décoratifs et appliqués contribué à l'amélioration des techniques d'artisanat et de fabrication, à l'émergence de l'industrie artistique (production de tapisseries, de verrerie d'art, de faïence, de taille de pierre, production de soie et de tissu), à la fabrication d'articles de mode, de produits de luxe, à la découverte et développement de gisements de cuivre, d'étain, d'argent, de pierres colorées, d'argiles de haute qualité.
Le rôle de l'Académie des sciences dans la « prospérité des arts libres et des manufactures », reflet des nouveaux intérêts scientifiques et techniques dans les arts décoratifs et appliqués, est significatif. Dans la première moitié du XVIIIe siècle, de nouvelles formes d'éducation et de formation des artisans apparaissent dans les manufactures artistiques ; des organisations de guildes d'artisans apparaissent en Russie, ce qui n'empêche pas le recours généralisé à des artisans étrangers dans divers domaines des arts décoratifs et appliqués.
Dans les arts décoratifs et appliqués (objets d'intérieur, mobilier, décoration), la mode dicte activement le style. En conséquence, de nouveaux types d’objets apparaissent et les idées esthétiques dans les arts décoratifs et appliqués sont actualisées. Dans les arts décoratifs et appliqués du milieu du XVIIIe siècle, il y avait une tendance à synthétiser les arts, où l'architecture, la sculpture, la peinture et les métiers appliqués étaient fusionnés dans un ensemble décoratif.
En conséquence, l’art de la décoration intérieure devient un type particulier d’activité artistique dans le travail des architectes du XVIIIe siècle. Ce type d'activité artistique détermine l'émergence de nouveaux types de locaux (bureaux, salons, chambres, salons, « salles de cinéma ») et leur contenu thématique (Palais d'Été, Palais A.D. Menchikov, Grand Palais de Peterhof, Monplaisir).
Tout cela contribue au développement de la fabrication de meubles ; de nouveaux types et formes de meubles, matériaux et méthodes de décoration apparaissent. L'influence du mobilier anglais et hollandais est ici très forte. Sous l'influence de l'Europe, même le style baroque et rococo du mobilier se développait en Russie.
Les meubles classicisme ont caractère caractéristique et des formes. Dans une large mesure, des motifs antiques se retrouvent dans les formes et la décoration des meubles. Au milieu du XVIIIe siècle, les architectes participent au développement de nouveaux types de meubles, le mobilier d'art et le mobilier design apparaissent en Russie (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle apparaissent les premiers ateliers de meubles (l'atelier de G. Gambs et I. Ott). Cette période de l'art du meuble est caractérisée par le style Jacob. Dès la seconde moitié du XVIIIe siècle, les matériaux de l'art du meuble changent : l'acajou, le bois doré, le peuplier, le bouleau de Carélie apparaissent ici ; Le tissu et la broderie sont de plus en plus utilisés dans la fabrication de meubles.
La céramique et la faïence occupent une place particulière dans les arts décoratifs et appliqués. Cela se produit initialement en raison de l'expansion des importations de faïence en provenance d'Angleterre et de Hollande. Cependant, bientôt à Moscou apparut la première manufacture privée de A. Grebenshchikov, produisant de la faïence fine russe. Plus tard, le style des plats de palais de cérémonie avec gravure mate s'est formé et la mode du cristal comme objet d'intérieur s'est répandue. Cela implique l’ouverture de la première usine privée de verre et de cristal de Maltsov dans la région de Mozhaisk.
Au XVIIIe siècle, en raison de la popularité croissante des arts décoratifs et appliqués et de la décoration des pièces, la consommation de verre a considérablement augmenté, ce qui a été utilisé pour créer une variété de miroirs et de luminaires.
Sculpture et peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle.
A joué un rôle majeur dans le développement de la peinture au XVIIIe siècle création Vladimir Loukich Borovikovsky. Bien que l'artiste ne soit pas officiellement inscrit sur la liste des étudiants de l'Académie, il a sans aucun doute utilisé les conseils de ses professeurs et, surtout, de Levitsky. Talent naturel et ténacité de fer jeune artiste Borovikovsky devint bientôt l'un des premiers maîtres de la fin du XVIIIe siècle. Il a créé une série d'excellents portraits de ses contemporains, dont G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova et bien d'autres. Un intérêt constant pour les expériences émotionnelles d’une personne, un lyrisme et une contemplation accentués, attisés par une brume de sentimentalité, si caractéristique de l’époque, sont caractéristiques de la plupart des œuvres de Borovikovsky. L'artiste n'a jamais suivi la voie d'une caractérisation externe et superficielle de l'image, s'efforçant constamment de transmettre les mouvements spirituels les plus subtils des personnes représentées.
Les portraits de chambre prédominent dans son œuvre. Borovikovsky s'efforce d'affirmer l'estime de soi et la pureté morale d'une personne (portrait de « Lizynka et Dashinka », portrait d'E.N. Arsenyeva, etc.). Au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, Borovikovsky était attiré par les personnalités fortes et énergiques ; il se concentrait sur la citoyenneté, la noblesse et la dignité de ceux qu'il représentait. L'apparence de ses modèles devient plus sobre, le fond paysager est remplacé par des images de l'intérieur (portraits de A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka, etc.).
Borovikovsky est également un maître reconnu des portraits miniatures. La collection du Musée russe contient des œuvres appartenant à son pinceau - des portraits de A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. L'artiste a souvent utilisé l'étain comme base pour ses miniatures.
Le portrait russe à son apogée XVIIIe siècle réussit en créativité D.G.Levitsky . Déjà dans l'une de ses premières œuvres - un portrait de l'architecte A. Kokorinov - Levitsky a montré des capacités de peintre exceptionnelles. Le portrait du grand philosophe matérialiste français D. Diderot, peint par Levitsky à Saint-Pétersbourg en 1773, et la série de portraits d'étudiantes de l'Institut Smolny créés par l'artiste se distinguent par une grande valeur artistique. Les images de ces filles sont empreintes de sincérité et de chaleur, et le caractère unique de chacune d'elles est magistralement transmis.
Les portraits des années suivantes - Lvova, le père de l'artiste, les Bakounine, Anna Davia et bien d'autres chefs-d'œuvre de Levitsky - témoignent clairement de son brillant talent.
Levitsky a créé une vaste galerie de portraits de ses contemporains, capturant largement et complètement, comme personne d'autre, des images vivantes de personnes de cette époque. L'art de Levitsky complète l'histoire du développement du portrait russe au XVIIIe siècle. Il convient cependant de noter que certaines limites historiquement déterminées de son œuvre : comme d'autres artistes remarquables de son époque, Levitsky ne pouvait pas réfléchir contradictions sociales réalité. Les personnes représentées par l'artiste, conformément aux idées esthétiques dominantes, posent toujours quelque peu ; elles semblent essayer de se montrer au spectateur sous la lumière « la plus agréable ». Cependant, dans nombre de ses œuvres, l’artiste atteint une simplicité et une vitalité étonnantes.
L'héritage de Levitsky est énorme et suscite toujours chez le spectateur un sentiment de plaisir esthétique immédiat. La perfection professionnelle de ses œuvres et leur orientation réaliste placent l'artiste à l'une des places les plus honorables de toute l'histoire de l'art russe.
Parmi les œuvres les plus célèbres de D. G. Levitsky figurent les suivantes : « Portrait de E. A. Vorontsova », « Portrait de l'architecte A. F. Kokorinov », « Portrait de N. A. Lvov », « Portrait de M. A. Dyakova », « Portrait d'Ursula Mniszech », « Portrait de la fille d'Agacha en costume russe", etc.
Dans la zone peinture de portrait Les artistes russes de la seconde moitié du XVIIIe siècle ont également prononcé leur nouveau mot. Acuité caractéristiques psychologiques, qui marque de nombreux portraits de cette époque, est frappant - le pinceau des meilleurs maîtres russes gravite de plus en plus vers un rendu véridique de l'image d'une personne. Il est significatif qu'à cette époque des portraits aient été créés non seulement de la noblesse et des « puissances de ce monde », mais aussi d'un certain nombre de personnalités publiques progressistes. Ces portraits manquent complètement d'éléments de faste et de brillance extérieure ; Les artistes s'efforcent de transmettre le contenu intérieur d'une personne, de révéler la force de son esprit, la noblesse de ses pensées et de ses aspirations.
Le développement du portrait russe a trouvé son expression dans œuvres de F. Rokotov.
Fiodor Stepanovitch Rokotov- l'un des meilleurs portraitistes russes. Avoir reçu éducation artistique sous la direction de L.-J. Le Lorrain et le comte Pietro Rotari travaillaient à la manière de ce dernier, mais s'intéressaient plus que lui à la nature et étaient diligents dans l'exécution. En 1762, il fut admis comme adjoint au nouveau Saint-Pétersbourg. Académie des Arts pour le tableau « Vénus » qui lui a été présenté et pour le portrait de l'empereur Pierre III.
Une subtile habileté picturale distingue les portraits de cet artiste. Rokotov apporte la spiritualité intime de l'image, notamment dans les portraits féminins, à une grande expressivité et force. La perfection hautement technique des œuvres de l'artiste - en termes de nature du dessin et de compétence picturale, seul Levitsky peut lui être comparé. Les portraits créés par Rokotov se distinguent par la sophistication du design et l'élégance des couleurs.
Au plus oeuvres célébres Rokotov comprend : « Portrait d'une femme inconnue dans robe rose"", "Portrait d'A.I. Vorontsov", "Portrait de G.G. Orlov en armure", "Portrait de couronnement de Catherine II", "Portrait d'A.P. Struyskaya", "Portrait du poète V.I. Maykov", "Portrait Surovtseva", etc.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. a commencé à se développer dans la peinture russe genre de tous les jours. Cependant peinture de genreétait considéré par la direction de l’Académie des Arts et les couches privilégiées de la société comme quelque chose de vil, indigne du pinceau de l’artiste. Malgré cela, après la guerre paysanne sous la direction d'E. Pougatchev, tant en littérature, théâtre et musique, qu'en peinture des années 1770-1780. l'intérêt a commencé à apparaître pour la paysannerie, son mode de vie et son mode de vie. Il s'agissait souvent d'images sentimentales de bergers et de bergères idylliques, qui n'avaient rien de commun avec la vraie vie paysanne. Il y avait cependant des exceptions.
L'un des premiers dans la peinture russe à développer le thème paysan fut le serf du prince G. A. Potemkine. Mikhaïl Chibanov . Il a peint les tableaux "Déjeuner paysan", "Célébration de l'accord de mariage", etc. Dans les peintures de Shibanov, il n'y a pas de dénonciation du servage, cependant, dans ces peintures, il n'y a pas d'idéalisation de la vie paysanne. L'artiste se distingue par sa connaissance et sa compréhension de la vie et du caractère du paysan russe.
Le thème paysan s'est reflété dans le travail de l'artiste I. M. Tankov (1739 - 1799), auteur du tableau « Vacances au village » et I. A. Ermenev (1746 - après 1792), qui a peint les aquarelles « Déjeuner paysan », « Chanteurs mendiants » et etc.). Pour la première fois dans l'histoire de l'art russe, l'artiste a transmis le côté obscur vie populaire, la misère de la pauvreté.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. la véritable floraison de la sculpture russe commence. Il s'est développé lentement, mais la pensée pédagogique russe et le classicisme russe ont été les plus grandes incitations au développement de l'art des grandes idées civiques et des problèmes à grande échelle, qui ont déterminé l'intérêt pour la sculpture au cours de cette période. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - chacun était un individu brillant à part entière et a laissé sa marque sur l'art. Mais ils étaient tous unis par un point commun principes créatifs, qu'ils apprennent du professeur Nicolas Gillet, qui dirigea de 1758 à 1777 la classe de sculpture à l'Académie, les idées générales de civisme et de patriotisme et les grands idéaux de l'Antiquité.
La recherche du beau en général n'exclut pas toute la profondeur de la compréhension du caractère humain, le désir de transmettre sa polyvalence. Cette volonté est palpable dans la sculpture décorative monumentale et la sculpture de chevalet de la seconde moitié du siècle, mais surtout dans le genre du portrait.
Ses plus hautes réalisations sont principalement associées à la créativité Fedot Ivanovitch Choubine (1740-1805), compatriote de Lomonossov, arrivé à Saint-Pétersbourg déjà en tant qu'artiste maîtrisant les subtilités de la sculpture sur os. La première œuvre de Shubin dans son pays natal est un buste d'A.M. Golitsyn témoigne déjà de la pleine maturité du maître. Toute la polyvalence des caractéristiques du modèle se révèle lorsqu’on l’examine dans son ensemble, même s’il existe sans aucun doute un point de vue principal pour la sculpture.
Shubin a travaillé non seulement comme portraitiste, mais aussi comme décorateur. Il a exécuté 58 marbres ovales portraits historiques pour le palais de Chesme (situé dans la salle des armureries), des sculptures pour le palais de marbre et pour Peterhof, une statue de Catherine II - la législatrice (1789-1790). Il ne fait aucun doute que Shubin est le phénomène le plus important de la culture artistique russe du XVIIIe siècle. En collaboration avec des maîtres nationaux en Russie, le sculpteur français Etienne-Maurice Falconet a travaillé, qui dans le monument à Pierre Ier sur Place du Sénatà Saint-Pétersbourg a exprimé sa compréhension de la personnalité de Peter, rôle historique dans les destinées de la Russie.
Fedor Fedorovitch Shchedrin(1751-1825). Il a suivi les mêmes étapes de formation à l'Académie et de retraite en Italie et en France que Shubin. « Marsyas », interprété par lui en 1776, est plein de mouvements violents et d'une attitude tragique. Comme tous les sculpteurs de l'ère du classicisme, Shchedrin est fasciné par les images anciennes (« Endymion endormi » ; « Vénus »), montrant un aperçu particulièrement poétique de leur monde.
Envoyer votre bon travail dans la base de connaissances est simple. Utilisez le formulaire ci-dessous
Les étudiants, étudiants diplômés, jeunes scientifiques qui utilisent la base de connaissances dans leurs études et leur travail vous en seront très reconnaissants.
Posté sur http://www.allbest.ru//
Posté sur http://www.allbest.ru//
"Arts décoratifs et appliqués du XVIIIe siècle."
Introduction
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, l’art appliqué russe connaît un essor significatif. Cela a été facilité par le développement de l'économie, du commerce, de la science et de la technologie et, dans une large mesure, par les liens étroits avec l'architecture et beaux-Arts. Le nombre de grandes et petites usines, usines, ateliers produisant des tissus, du verre, de la porcelaine et des meubles a augmenté. Les propriétaires terriens installèrent sur leurs domaines divers ateliers basés sur le travail des serfs.
L'un des phénomènes les plus brillants de la culture russe est l'art populaire russe, dont l'histoire remonte à autant de siècles que d'habitants sur terre.
Les arts décoratifs et appliqués russes et l'artisanat populaire sont des phénomènes originaux qui n'ont pas d'analogue dans la culture mondiale. Depuis des temps immémoriaux, la terre russe est célèbre pour ses artisans, des personnes capables de créer et de créer une vraie beauté de leurs propres mains. À travers l'art de l'artisanat populaire, le lien entre le passé et le présent est retracé.
L’artisanat populaire est exactement ce qui rend notre culture riche et unique. Les objets peints, jouets et produits en tissus sont emportés avec vous Touristes étrangersà la mémoire de notre pays. Presque chaque coin de Russie possède son propre type d’artisanat.
Principaux types d'artisanat
JOUET DYMKOVO
Jouet Dymkovo (jouet Viatka, Kirov), artisanat d'art populaire russe ; existe depuis longtemps dans la colonie de Dymkovo (maintenant sur le territoire de la ville de Kirov). Un jouet Dymkovo est sculpté en argile, cuit et peint sur le sol à la détrempe, et des feuilles d'or sont incluses. Représente des animaux, des cavaliers, des dames en crinolines, des scènes de conte de fées et de tous les jours. Originalité artistique Les jouets Dymkovo se caractérisent par une plasticité massive et laconique, soulignée par une peinture décorative harmonieuse en forme de grand motif géométrique (cercles, cages de différentes couleurs, etc.).
Le jouet Dymkovo est l'artisanat en argile le plus célèbre de Russie. Il se distingue par sa forme plastique extrêmement simple et claire, sa silhouette généralisée et sa peinture ornementale lumineuse sur fond blanc.
Traditionnellement, l'industrie du jouet de Dymkovo n'a pas de production de masse.
Le Khokhloma est un ancien artisanat populaire russe né au XVIIe siècle dans la région de la Volga (village de Semino, province de Nijni Novgorod). C'est peut-être le plus espèce connue Peinture populaire russe. Il s'agit d'une peinture décorative sur des ustensiles et des meubles en bois, réalisée dans des tons rouges et noirs (moins souvent verts) et dorés sur fond doré. Ce qui est surprenant, c'est que lorsqu'on peint, ce n'est pas de l'or, mais de la poudre d'étain argenté qui est appliquée sur le bois. Ensuite, le produit est recouvert d'un composé spécial et traité trois ou quatre fois au four. Puis apparaît cette délicieuse couleur miel doré, grâce à laquelle les ustensiles en bois clair semblent massifs.
JOUET BOGORODSKAYA
Des poulets en bois panachés sur un support, des figurines de forgerons, un homme et un ours - tirez la barre et ils frapperont avec des marteaux sur une petite enclume... Les jouets amusants, connus en Russie depuis des temps immémoriaux, sont devenus le principal artisanat populaire pour les habitants du village de Bogorodskoye près de Moscou.
Le « jouet Bogorodskaya » doit sa naissance au village de Bogorodskoye, aujourd'hui situé dans le district de Sergiev Posad de la région de Moscou. Au XVe siècle, le village appartenait au célèbre boyard moscovite M.B. Pleshcheev, après la mort duquel le village ainsi que les paysans ont été hérités par son fils aîné Andrei, puis par son petit-fils Fedor.
Depuis 1595, le village de Bogorodskoye est devenu la propriété du monastère Trinité-Serge et les paysans sont devenus serfs du monastère. Ce sont les paysans qui ont jeté les bases de la sculpture sur bois aux XVIe et XVIIe siècles, qui ont glorifié Bogorodskoïe, l'actuelle « capitale du royaume du jouet », dans le monde entier.
MATRIOCHKA
La matriochka est le souvenir russe le plus célèbre et le plus apprécié, un phénomène mondial. La première poupée russe est apparue à la fin du XIXe siècle, mais elle a acquis une reconnaissance sans précédent comme l'une des images globales de la Russie, un symbole de l'art populaire russe. Le prédécesseur et prototype de la poupée gigogne russe était la figurine d'un vieil homme chauve et de bonne humeur, le sage bouddhiste Fukuruma, qui contenait plusieurs autres figures imbriquées les unes dans les autres. Cette figurine a été ramenée de l'île de Honshu. Les Japonais affirment d'ailleurs qu'un moine russe inconnu a été le premier à sculpter un tel jouet sur l'île de Honshu.
La poupée russe amovible en bois s’appelait une matriochka. Dans la province pré-révolutionnaire, le nom Matryona, Matresha était considéré comme l'un des noms russes les plus courants, basé sur le mot latin « mater », signifiant mère. Ce nom était associé à la mère d'une famille nombreuse, possédant bonne santé et une silhouette corpulente. Par la suite, il est devenu un mot familier et a commencé à désigner un produit en bois tournant, détachable et peint de couleurs vives. Mais à ce jour, la poupée gigogne reste un symbole de maternité, de fertilité, puisqu'une poupée avec une grande famille de poupées exprime parfaitement la base figurative de cette symbole ancien culture humaine.
La première poupée gigogne russe, sculptée par Vasily Zvezdochkin et peinte par Sergei Malyutin, avait huit sièges : une fille avec un coq noir était suivie d'un garçon, puis à nouveau d'une fille, et ainsi de suite. Toutes les figures étaient différentes les unes des autres, et la dernière, la huitième, représentait un bébé emmailloté.
ÉCHARPE EN DUVET ORENBURG
Les bases de l'art appliqué, grâce auquel Orenbourg s'est fait connaître dans le monde entier, ont été posées par les femmes cosaques à la fin du XVIIe siècle, lorsque les pionniers russes, établis dans l'Oural, ont noué des relations commerciales avec la population locale.
Le climat rigoureux de ces lieux exigeait des vêtements chauds mais légers. Les femmes cosaques ont facilement adopté l'artisanat en duvet de chèvre des Kazakhs et des Kalmouks. Seul le style de tricot des peuples des steppes était continu et les femmes Yaik ont commencé à utiliser des ornements en dentelle russe.
FOULARD PAVLOPOSAD
Lumineux et légers, les châles féminins Pavloposad sont toujours à la mode et pertinents. Et aujourd'hui, les designs originaux sont complétés par divers éléments tels que des franges, créés dans différentes couleurs et restent un excellent accessoire pour presque tous les looks.
Les foulards imprimés Pavlovsky Posad, en laine et demi-laine, décorés de motifs imprimés colorés traditionnels, sont originaires de la ville de Pavlovsky Posad, près de Moscou, dans les années 1860-80. La région de Pavlovsky Posad (le territoire de l'ancien district de Bogorodsky) est l'un des plus anciens centres textiles russes. Au XVIIIe - première moitié du XIXe siècle. Les châles et les tissus de sarafan de Bogorodsk se distinguaient par la beauté particulière de l'ornement tissé avec du fil d'or. Plus tard, le tissage de la soie s’est répandu ici, et ce à partir des années 1860. Débute la production d'écharpes en laine et mi-laine, décorées de motifs imprimés colorés. Peu à peu, la production s'est développée et a acquis un caractère national prononcé.
FINIFE DE ROSTOV
L'émail de Rostov est un artisanat d'art populaire traditionnel unique né dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. comme métier de peinture d'icônes. Dans cette série, il est lié à Palekh, Mstera, Kholui, seul le matériau est assez rare - la peinture sur émail. « Émail » vient du nom grec tsEggpt (phengos), qui signifie « chatoyant ». Des peintures spéciales (inventées en 1632 par le joaillier français Jean Toutin) à base de verre additionnées d'oxydes métalliques sont appliquées sur un support métallique (acier, cuivre, argent, feuille d'or) et fixées par cuisson au four. L'émail de Rostov est l'un des dix meilleurs métiers populaires de Russie.
Gjel est le nom d'une région pittoresque près de Moscou, à 60 kilomètres de Moscou. Le mot « Gjel » est incroyablement populaire aujourd'hui. L'harmonie, les contes de fées et les histoires vraies sont associés à la beauté. La porcelaine avec une élégante peinture bleue et la majolique multicolore sont désormais connues non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger. Les produits Gjel attirent tous ceux qui aiment la beauté, riche en imagination et en harmonie, ainsi que le grand professionnalisme de leurs créateurs. Gjel est le berceau et le centre principal de la céramique russe. Il a été formé ici Meilleures caractéristiques et les plus hautes réalisations de l'art populaire sont apparues.
Quel âge a cet artisanat populaire russe ? Les recherches archéologiques sur le territoire de Gjel confirment l'existence de poteries ici depuis le début du XIVe siècle. Et ce n'est pas surprenant, la terre de Gjel a longtemps été riche en forêts, rivières, argiles de haute qualité, ... "que je n'ai jamais vues avec une plus belle blancheur". Depuis lors, au cours de son histoire de plus de six siècles, Gjel a connu différentes périodes.
La fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle sont devenus une période de crise profonde. Il semblait que l’art de Gjel avait péri pour toujours.
La période d'après-guerre est associée au début du renouveau de l'artisanat et à la recherche de son propre langage figuratif. Cela a nécessité des années de travail minutieux et inlassable, ainsi que la formation de nouveaux maîtres. En conséquence, cela a conduit au succès. Jouet matriochka Dymkovsky Gjel appliqué
En 1972, l'association Gjel est créée sur la base de six petites installations de production implantées dans plusieurs villages. Les équipes créatives ont développé de nouveaux designs. Des formes de produits complètement nouvelles ont été créées. La peinture est devenue plus riche et comble exigences artistiques jour existant.
PLATEAU TAGIL
La peinture de laque de l'Oural sur métal est née au XVIIIe siècle. dans les usines de Nijni Tagil. Le plateau Tagil est plus ancien que celui de Zhostovo. C'est Nijni Tagil qui est considéré comme le berceau de la peinture sur métal russe. L'usine de l'Oural Demidovs, étant le principal client des produits peints, a soutenu l'industrie de la laque de toutes les manières possibles. La peinture sur métal Tagil ne peut être confondue avec aucune autre : elle se caractérise par une richesse de couleurs, une pureté et une grâce dans le traitement des couleurs, une composition complète et un motif raffiné d'ornements.
La peinture de Zhostovo est un artisanat populaire de peinture artistique de plateaux métalliques qui existe dans le village de Zhostovo, district de Mytishchi, région de Moscou. L'artisanat des plateaux en métal peint est né au milieu du XVIIIe siècle. dans l'Oural, où se trouvaient les usines métallurgiques de Demidov. Seulement dans la première moitié du XIXe siècle. Les plateaux ont commencé à être fabriqués dans les villages de la province de Moscou - Zhostovo, Troitsky, Novoseltsev. La pêcherie de la région de Moscou est rapidement devenue la principale.
Les plateaux de Zhostovo sont des peintures, principalement d'ornements floraux, dont les créateurs étaient de simples paysans russes. Ils ont apporté à la peinture sur laque la gaieté des couleurs, la simplicité et la clarté des images, la précision des caractéristiques et la clarté du dessin.
La peinture est réalisée selon des techniques de coups de pinceau libres, sans dessin préalable. Le plus souvent, un fond noir est utilisé. Les volumes de fleurs et de feuilles semblent pousser du fond du fond. Cela se fait en passant progressivement des tons sombres aux tons plus clairs. Les fleurs semblent prendre vie dans le tableau.
La technologie moderne de fabrication des plateaux diffère peu de celle utilisée auparavant par les artisans du village de Zhostovo. Une fine feuille de fer est pressée dans la forme souhaitée, les bords du plateau sont roulés pour donner de la rigidité et la surface est nivelée. La surface avant du plateau est apprêtée et masticée, puis poncée et recouverte de vernis noir (moins souvent d'une couleur différente). Les plateaux sont séchés dans des fours à des températures allant jusqu'à 90 degrés C. Le revêtement est effectué trois fois, après quoi la surface colorée du plateau devient brillante.
FEDOSKINO
Miniature Fedoskino, un type de peinture miniature traditionnelle en laque russe avec des peintures à l'huile sur papier mâché, qui s'est développée à la fin du XVIIIe siècle. dans le village de Fedoskino près de Moscou.
La production de produits en papier mâché est née en 1798, lorsque le marchand P.I. Korobov a organisé la production de visières dans le village de Danilkov, qu'il a acheté (qui fait actuellement partie de Fedoskino). Quelques années plus tard, Korobov visita l'usine de Johann Stobwasser à Brauschweig, y adopta la technologie des produits en papier mâché et commença à produire dans son usine les tabatières alors populaires, décorées de gravures collées sur le couvercle, parfois peintes et vernies. Dans le deuxième quart du XIXe siècle. Les tabatières, les boîtes à perles, les boîtes et autres produits ont commencé à être décorés de miniatures pittoresques réalisées avec des peintures à l'huile de manière picturale classique.
Les artisans travaillaient à l'usine contre rémunération, beaucoup d'entre eux venaient des ateliers de peinture d'icônes de Sergiev Posad et de Moscou, certains avaient une formation artistique reçue à l'école Stroganov. Les noms de certains d'entre eux sont connus - S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov et d'autres.
Les motifs préférés de la peinture des miniaturistes de Fedoskino sont devenus des sujets populaires à cette époque : les « troïkas », les « tea parties », les scènes de la vie paysanne russe et petite-russe. Les plus appréciés étaient les cercueils décorés de compositions complexes à plusieurs figures - des copies de peintures d'artistes russes et d'Europe occidentale.
La miniature de Fedoskino est peinte avec des peintures à l'huile en trois ou quatre couches - ombrage (esquisse générale de la composition), copie ou repeinture (travail plus détaillé), glaçage (modélisation de l'image avec des peintures transparentes) et surlignage (finition du travail avec des peintures claires qui transmettent des reflets sur les objets) sont réalisés successivement.
La miniature Palekh n'a pas d'analogue dans le monde entier. Il est réalisé sur du papier mâché et ensuite transféré sur la surface de boîtes de différentes formes et tailles.
L’art unique et subtil des miniatures en laque de Palekh intègre comme base les principes de la peinture russe ancienne et de l’art populaire. Actuellement, les miniatures de Palekh font partie intégrante de l’art décoratif et appliqué russe dans son ensemble. Parallèlement au développement de traditions anciennes, il porte en lui une vision poétique du monde caractéristique des Russes. contes populaires et des chansons.
La naissance de cet art à Palekh n’est pas fortuite. C'était le résultat naturel du développement de traditions séculaires dans de nouvelles conditions historiques, héritant du savoir-faire de nombreuses générations de peintres d'icônes. L’ancienne expérience Palekh est riche et diversifiée. Les traditions de l'art russe ancien sont étudiées et préservées depuis longtemps à Palekh.
Le style indépendant Palekh de peinture d'icônes ne s'est formé qu'au milieu du XVIIIe siècle. Il a absorbé et développé les principes et éléments de base des écoles de Novgorod et Stroganov et de la peinture de la région de la Volga de la seconde moitié du XVIIe siècle. DANS XVII-XIX siècles Les maîtres de Palekh ont exécuté à plusieurs reprises des commandes d'icônes dans le style de Novgorod ou dans le caractère de la boue de Moscou.
Conclusion
La capacité d'identifier les qualités esthétiques d'un matériau a toujours distingué les artisans russes, qui se sont manifestés dans toutes les sphères de la vie, de la vie quotidienne à l'architecture, où l'habileté s'exprimait dans l'art de tailler la pierre.
L'épanouissement de l'art de la joaillerie en Russie a commencé au milieu du XVIIIe siècle et s'est poursuivi tout au long du siècle.
Durant cette période, les orfèvres connaissent un grand succès. Conformément aux nouveaux goûts, les formes des services en argent sont simples et claires. Ils sont décorés de flûtes et d'ornements anciens. Sur des verres en argent et des tabatières, les artisans de Veliky Ustyug reproduisent à partir de gravures des images de scènes anciennes et de victoires des troupes russes.
Un phénomène marquant dans les arts appliqués du XVIIIe siècle sont les produits artistiques en acier des maîtres de Toula : meubles, boîtes, bougeoirs, boutons, boucles, tabatières.
L'épanouissement des arts appliqués russes au XVIIIe siècle était associé au travail des architectes Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin et d'un certain nombre d'architectes qualifiés. artistes folkloriques. Mais sa véritable gloire a été créée en grande partie par des artisans serfs restés inconnus - fabricants de meubles, sculpteurs, tisserands, tailleurs de pierre, bijoutiers, verriers, céramistes...
Littérature
Histoire de l'art russe. Rédacteurs responsables I.A. Bartenev, R.I. Vlasova - M., 1987
Histoire de l'art russe. Éd. C'EST À DIRE. Grabar. T. 1-12 (sections des arts décoratifs et appliqués). M. : 1953-1961
Arts décoratifs et appliqués russes. Éd. I.A. Léonova. T.1-3. M. : 1962-1965
Rybakov B.A. Art appliqué russe des X-XIII siècles. L. : 1971
Vasilenko V.M. Art appliqué russe. Origines et formation. je siècle AVANT JC. - XIIIe siècle ANNONCE M. : 1977
Publié sur Allbest.ru
...Documents similaires
Traditions de fabrication de produits d'art. Produits artistiques à base d'écorce de bouleau. Jouet sculpté Bogorodskaya. Abramtsevo-Kudrinskaya, ou sculpture sur bois Khotkovskaya. Peinture sur laque Palekh et Fedoskino. Une vraie beauté russe - la matriochka.
résumé, ajouté le 24/06/2009
Art ethnographique, décoratif et appliqué du peuple de l'Altaï de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Fabrication de bijoux et transformation des métaux. Traitement des matériaux en feutre et en tissu doux. Arts décoratifs et appliqués des Kazakhs. Caractéristiques de l'artisanat populaire.
travail de cours, ajouté le 07/06/2014
Architecture XVIIIème siècle. Sculpture du 18ème siècle. Peinture de la première moitié du XVIIIe siècle. Peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Gravure de la première moitié du XVIIIe siècle. Gravure de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Art appliqué de la première moitié du XVIIIe siècle.
travail de cours, ajouté le 26/10/2002
La période de collision d'aspirations artistiques mutuellement exclusives aux XVIIe et XVIIIe siècles. Manifestation des caractéristiques de l'art profane dans la peinture d'icônes russe. Ouverture d'un atelier de peinture d'icônes à l'Armurerie du Kremlin. Peinture à fresque, genre historique.
présentation, ajouté le 25/12/2013
Arts décoratifs et appliqués. Le secret de la porcelaine orientale. L'apparition de la faïence et de la majolique. La céramique en Russie. Artisanat artistique populaire en céramique. Gjel, Jouet Dymkovo. Production de jouets en début XIX siècle. Directions de la céramique russe.
présentation, ajouté le 18/12/2014
Céramiques et jouets Skopin, histoire du développement. Fabrication de poterie saisonnière sur argile rouge locale dans les villages du district de Kargopol. Jouets Dymkovo, Viatka et Kirov, leurs intrigues les plus courantes. L'art des artisanes Filimonov.
résumé, ajouté le 15/06/2012
Tendances dans le développement de la peinture russe, maîtrise par les artistes de la perspective linéaire. Diffusion des techniques de peinture à l'huile, émergence de nouveaux genres. La place particulière du portrait, le développement du sens réaliste dans la peinture russe du XVIIIe siècle.
présentation, ajouté le 30/11/2011
Arts et artisanats populaires. Arts et artisanats populaires. Faire de la poterie. Jouet Chernyshin. Comment un jouet ancien a pris vie. Exposition jouets folkloriques. Comment naît la beauté. L'œuvre d'Evdokia Ilyinichna Lukyanova.
test, ajouté le 21/08/2008
Analyse de l'œuvre des peintres russes de la fin du XVIIIe siècle : Rokotov, Levitsky, Borovikovsky. Les représentants les plus éminents de la Russie peintures du 19ème siècle dans : Kiprensky, Tropinin, Venetsianov, Bryullov, Fedotov, Ivanov. Changements technologiques et développement du genre du portrait.
travail de cours, ajouté le 21/09/2012
L'époque de la montée de la conscience publique et de la pensée sociale, de l'épanouissement de l'art. Peintures d'artistes russes - Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko, Shibanov. La prédominance de la direction réaliste, de la peinture historique, paysagère, quotidienne.