Beaux-arts du 20ème siècle. Principales orientations. Caractéristiques générales de l'art du XXe siècle

L'art du XXe siècle est particulièrement diversifié dans ses domaines. L'art académique traditionnel (ou conservateur), basé sur les traditions classiques des idéaux élevés, continue de se développer avec succès

tant dans la première que dans la seconde moitié du XXe siècle, sans s'arrêter au XXIe siècle déjà arrivé. L’art académique continue aujourd’hui d’exister et de se développer sur la base des traditions de l’esthétique classique. Cependant, ce n’est pas quelque chose de figé et dépourvu de développement, car il aspire à des valeurs humaines inébranlables et revendique donc une signification éternelle pour l’humanité. D'autre part, l'art académique traditionnel s'est développé assez activement dans le cadre des régimes dits « totalitaires » (par exemple, l'art de l'Allemagne nazie ou de l'ère stalinienne en Union soviétique), démontrant non moins un désir de perfection et idéal qu'à l'époque des Grecs anciens. Quel était cet idéal et comment cette perfection a été atteinte est une autre affaire. Ainsi, la ligne académique de développement de l'art tout au long du XXe siècle est diverse et diversifiée, mais la base de cette dynamique reste le même principe. suivant les traditions établies du patrimoine classique.

Un ensemble de mouvements artistiques qui s'opposent aux aspirations radicales de l'avant-gardeisme et perdurent traditions classiques l’art, ainsi que ceux qui évitent les tactiques « révolutionnaires » dures, sont appelés traditionalisme. Les traditionalistes peuvent s'appuyer non seulement sur les canons du classicisme, mais aussi sur les principes du romantisme ou du modernisme, de l'impressionnisme ou du post-impressionnisme. Il existe également des mouvements de compromis qui combinent traditionalisme et modernisme : réalisme magique, peinture métaphysique ou postmodernisme. Ainsi, l’art traditionnel s’efforce de préserver ce qui a de la valeur pour l’humanité et peut être considéré comme une tradition. Par conséquent, le traditionalisme peut aussi être appelé conditionnellement conservatisme dans l'art.

Moderniste mouvements artistiques(avant-garde)début du 20ème siècle visant à expérimenter, à sortir du cadre traditionnel et durable, à rechercher quelque chose de complètement nouveau. L'avant-garde artistique commence par sortir l'art du cadre de l'artistique. La tâche de l’art est considérée comme transformer le monde selon les idéaux artistiques et les besoins esthétiques. Le slogan principal devient : « Il est temps de passer de la contemplation à l’action ! » Les modernistes brisent délibérément les fondements de la compréhension classique d'une œuvre d'art en tant que relation entre le contenu et la forme, l'artisanat et l'art, la technologie et la beauté, la vie et la culture, créant ainsi une nouvelle harmonie de l'existence sociale. Avec l’avancée des idées artistiques d’avant-garde, le principe individualiste de l’artiste-auteur commence à prévaloir. L’art est structurellement fragmenté : les formes stables du mouvement traditionnel sont remplacées par des types d’art et de genres interactifs et intégrés.

Au milieu du XXe siècle, une nouvelle conception de l’art s’impose : il

n’est pas destiné à transformer la réalité, mais doit obéir aux ordres sociaux et étatiques, étant un moyen de politique idéologique. Il se développe le plus activement en ce moment l'art des régimes totalitaires, basé sur l'art traditionnel. Il atteint un développement particulier dans des pays tels que Union soviétique, L'Allemagne hitlérienne et la Chine communiste. Cette direction se distingue par une idéologie particulière et un désir de participation de masse. AVEC art traditionnel il est uni par une attitude visant à affirmer un idéal positif et à imposer des idées de perfection.

Modernismeseconde moitié du 20e siècle(néo-avant-garde) démontre une rupture avec les problèmes de la vie et un rejet du contenu idéologique. Il se divise en de nombreux mouvements indépendants qui perpétuent les idées d'avant-garde nées au début du siècle (les soi-disant néo-, super-, ultra-) et celles appelées trans-avant-garde. L'esthétique de la néo-avant-garde n'est souvent pas moins scandaleuse et choquante que l'esthétique de l'avant-garde du premier tiers du siècle, mais il ne faut pas oublier que de nombreuses découvertes de ces mouvements sensationnels ont aidé et aident à comprendre les problèmes de tout l'art moderne dans son ensemble et tracer les voies possibles pour son développement dans le futur. La vision du monde néo-avant-gardiste se caractérise par des sentiments de fragilité et de variabilité du monde, son instabilité et une prédilection pour l'ironie et le scepticisme. La néo-avant-garde ne cherche plus à transformer radicalement le monde ; il lui suffit d’inventer quelque chose qui n’existait pas auparavant, simplement pour surprendre, pour se démarquer à tout prix. Leur activité cesse d’être une recherche ou une expérimentation créative, pour devenir souvent une simple parodie de la tradition.

L’émergence au milieu du XXe siècle d’une nouvelle mentalité, appelée « postmodernisme », a également donné naissance à de nouveaux phénomènes dans le milieu artistique. Dans leur ensemble, ces phénomènes sont aujourd'hui appelés "Art postmoderne". DANS En raison du développement insuffisant du concept même de « postmodernisme » dans la science, on peut également trouver une telle utilisation du concept « d'art postmoderne », qui implique l'ensemble des pratiques artistiques non traditionnelles. Cependant, c’est une opinion erronée, puisque la manifestation du postmodernisme dans l’art est trans-artistique. Cela signifie qu’il ne s’agit pas d’une formation locale dans l’art du XXe siècle. Il serait plus correct de parler de la manifestation du postmodernisme dans des œuvres d'art spécifiques. Même certaines œuvres d’art créées aujourd’hui et classées par les historiens de l’art comme art académique traditionnel contiennent des éléments de post-modernité. L’esthétique du postmodernisme est saturée et sursaturée d’impressions et d’expériences passées ; elle repose sur l’idée de répétition éternelle. Le postmodernisme amène l'art jusqu'au caractère décoratif et à la grandeur excessive, mais proclame le culte de tout ce qui est accidentel, fragmentaire.

mental et instable. L’esthétique d’un tel art est adaptée à l’incertitude et à la négligence.

Et enfin, une autre direction dans le développement de l'art de la seconde moitié du XXe siècle, nommée aujourd'hui post-postmodernisme. Le post-postmodernisme dans l'art est associé à des changements dans la situation culturelle générale résultant de l'émergence et de la diffusion active de nouveaux moyens de communication, de médias, ainsi que de la technologie informatique et d'Internet. Cela ne pouvait qu'affecter l'art des XXe et XXIe siècles. Le plus difficile pour l’esthétique et l’histoire de l’art aujourd’hui est de se positionner dans l’évaluation de ces phénomènes. Un tel bond dans le développement de la culture artistique est-il une bénédiction ou une ruine pour l’humanité ? Faut-il avoir peur de ces changements, les combattre ou les accueillir ? Très probablement, il vous suffit de réagir plus rapidement aux changements en cours, de les analyser avec plus d'audace, de ne pas avoir peur de vos propres erreurs et prévisions et de ne pas déclarer que tout ce qui est nouveau est un effondrement pour l'humanité. Après tout, tout ce qui surgit dans la culture (y compris l’art) n’est qu’une réponse à des demandes ou à des besoins émergents nés de la dynamique du monde.

Ainsi, caractéristique principale L'esthétique et l'art de tout le XXe siècle peuvent être considérés comme éclectiques, à plusieurs niveaux ou conventionnels (V.V. Bychkov), en raison d'une diversité sans précédent de tendances et d'idées.

Les premières décennies restent fidèles à l’esprit de l’impressionnisme – un style brillant et enthousiaste. Les célèbres tableaux de Claude Monet « Charing Cross Bridge » et « Water Lilies » sont remplis de transparence, d'air et de mystère. Et les œuvres de l'artiste russe Konstantin Korovin « Pont Moskvoretsky », ainsi que « Poisson, vin et fruits » sont imprégnées de la spiritualité intelligente du début du siècle. Cependant, les perceptions subtiles ont été remplacées par de nouvelles tendances du modernisme.

Futurisme

Émeutes et souffrances gens ordinaires, la discorde entre science et créativité a conduit à la naissance de mouvements de protestation et d'expression, parmi lesquels le futurisme. Les offres actuelles de destruction stéréotypes culturels et envisageons l'avenir avec optimisme. D. Severini, L. Russolo, D. Balla et K. Kara ont transmis les sentiments d'une personne vivant dans de nouvelles villes en croissance. Les premières expositions de N. Udaltsova, O. Rozanova et K. Boguslavskaya ont été ouvertes en Russie ; les artistes prédisaient une transition du cubo-futurisme au suprématisme. De nouveaux styles sont apparus aussi rapidement que les mouvements politiques du XXe siècle.

Surréalisme

Les artistes de ce mouvement niaient la réalité et proposaient de s'immerger dans le monde de l'illusoire et du subconscient. Les peintures de Salvador Dali « La persistance de la mémoire » et « Le fantôme du soir » ont bouleversé le subconscient humain. La créativité des grands peintre espagnol toujours à la fois étourdit et enchante les âmes des amateurs d’art. Pablo Picasso, auteur de célèbres tableaux« Absinthe Lover » et « Girl on a Ball », il travaille dans un mélange de styles inimitable à l'intersection du post-impressionnisme, du cubisme et du surréalisme.

Abstractionnisme

V. Kandinsky, P. Mondrian Et K. Malevitch sont devenus les fondateurs d'une nouvelle direction qui a abandonné le monde réel. La géométrie a remplacé la poésie. Beauté absolue des lignes et des formes spatiales - idée principale courants. Les carrés et les cercles de Malevitch ont soudainement cédé la place à la « Cavalerie rouge » - l'artiste a développé le suprématisme dans son travail.

Prêt à l'emploi

Un nouveau style, découvert par l'artiste français Marcel Duchamp, a amené des objets simples du quotidien dans l'espace de l'art. Une vision extraordinaire des choses, qui les transformait en objets de contemplation, devint une véritable révolution. Les tableaux scandaleux « Roue de vélo » et « Fontaine » obligent les gens à rechercher de nouvelles significations et associations dans des objets familiers.

La peinture européenne et russe du début du XXe siècle a évolué de manière dynamique d'une direction à l'autre. De nombreux mouvements ont donné naissance à de nombreux génies. Le purisme, le fauvisme, l'expressionnisme, le néoplasticisme et l'orphisme reflétaient l'état turbulent de l'époque, déchirée et paralysée par les guerres, indécise quant à son avenir.

Expressionisme abstrait

Pour changer mouvements modernistes Dans la seconde moitié du XXe siècle, le postmodernisme est apparu, reconsidérant radicalement les positions des styles d'avant-garde. La Russie, l'Europe et le monde entier dans les années cinquante années d'après-guerre est devenu différent. Premières œuvres Kandinsky était déjà infecté par une nouvelle perception philosophique. "Convergence" et "Depth" de Pollock et "Women" de Willem de Kooning sont des exemples célèbres d'expressionnisme abstrait.

Primitivisme

« Art naïf"ou "art des enfants" - c'est ainsi qu'on appelle cette direction dans les écoles modernes de peinture, basées artistes talentueux qui n'avait pas éducation spéciale. Les véritables chefs-d'œuvre des français A. Rousseau et C. Bombois sont entrés dans le trésor mondial grâce à leur profond caractère sacré et canonique.

Minimalisme

Le minimalisme, issu du suprématisme et de l'abstractionnisme, se caractérise par le monochrome, la simplicité des formes et l'uniformité. C'est ce qu'on appelle l'art « cool » ou « en série ». Représentants célèbres art minimal - K. Andre, D. Flavin, M. Bochner.

Ne représentez pas l'original, mais l'attitude à son égard (Pablo Picasso)

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Mouvements d'art contemporain et musées du monde. Nous manquons tous chroniquement de temps pour « absorber » toutes les informations dans tous les domaines qui nous intéressent, j'ai donc décidé de préparer ceci guide pour art moderne .

Ce sera aussi concis que possible. Nous examinerons les principaux mouvements de l'art contemporain, ainsi que les musées les plus célèbres du monde de l'art contemporain dans lesquels ils sont représentés. D'ailleurs, cela peut servir d'incitation supplémentaire pour de nouveaux voyages !

À la fin de l'article, vous trouverez une critique vidéo de l'un des plus musées intéressants —Théâtre-Musée de Salvador Dali à Figueres (Espagne).

Vous apprendrez de l'article :

• où et comment chacun des mouvements de l'art moderne et ses idées sont apparus
• qui sont les représentants les plus brillants de la direction
• des endroits pour voir leur travail

Nous considérerons 50 tendances les plus significatives et dynamiques des 20e et 21e siècles, qui est devenu révolutionnaire et a déterminé le cours des événements à l'avenir. Il ne sera peut-être pas possible de regrouper toutes les informations dans un seul article, vous devrez donc le diviser en 3 parties. selon les périodes d'origine de chaque direction art contemporain.

Le guide de l'art contemporain comprendra 3 articles :

• Partie 1. Première moitié du 20e siècle ( nous allons le voir dans cet article)

Si vous souhaitez approfondir chacun des domaines de l'art contemporain(chacun a des branches) et voir de nombreuses œuvres de leurs représentants les plus éminents, très Je vous recommande d'utiliser le projet GoogleProjet artistique Google. Je les recommande également des blogs pour comprendre ce qui se passe dans l'art et le design contemporains : But Does It Float, Them Thangs, American Suburb X, M U S E O.

Orientations de l'art contemporain de la 1ère moitié du XXe SIÈCLE. Les musées les plus célèbres du monde de l'art contemporain.

Dans cette partie, nous examinerons ces tendances les plus brillantes de la première moitié du 20e siècle :

1. Modernisme
2. Post-impressionnisme
3. Avant-garde
4. Fauvisme
5. Abstractionnisme
6. Expressionnisme
7. Cubisme
8. Futurisme
9. Cubofuturisme
10. Formalisme
11. Naturalisme
12. Nouvelle matérialité
13. Dadaïsme
14. Surréalisme

Le XXe siècle est l’époque des idées les plus inattendues, parfois même extravagantes. Mais sans eux, l’art a probablement suivi une voie de développement différente. Et cela resterait l'avantage d'un petit nombre d'initiés. Mais les nouvelles tendances artistiques ont « rapproché » l’art de la vie et, pourrait-on dire, l’ont « amené » dans la rue, chez le passant ordinaire. Ils ont fait de ce passant un co-auteur de leurs œuvres. La possibilité de créer et de comprendre l’art est devenue accessible non seulement à l’élite, mais aussi à de nombreuses personnes..

La devise de l’art du 20ème siècle était les mots « L’art dans la vie ».

L’art gestuel, les ready-made et les installations sont toujours d’actualité. Le net art, le massurréalisme et la superplatitude sont des mouvements artistiques adaptés à leur époque, car ils font appel à à l'homme moderne dans une langue qu'il comprend.

Dans notre siècle histoire similaire arrivé au métier de photographe. Grâce à l'avènement de la photographie numérique, d'Internet et réseaux sociaux, la disponibilité d'un appareil photo (c'est simplement devenu un ajout au téléphone), désormais ce domaine d'activité le plus intéressant est devenu accessible à absolument tout le monde. Désormais, une personne sur deux est un photographe talentueux qui possède un magnifique compte avec des photos sur Instagram, Pinterest, Facebook et d'autres réseaux sociaux. En savoir plus sur ce phénomène de notre siècle dans l'article sur le socialisme technologique ().

1. MODERNISME. Artistes modernistes. Un mouvement novateur de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, qui remet en question la tradition de la représentation réaliste.

Le modernisme regroupe l’ensemble des tendances artistiques apparues après 1863 et jusqu’au milieu du XXe siècle. En 1863, l'exposition Salon des Rejetés s'ouvre à Paris, alternative au Salon officiel. Le but du nouvel art était de créer des œuvres non image réelle, mais en tenant compte de la vision du monde de l’auteur.

Les artistes modernistes - Chagall, Picasso, Modigliani, Borissov-Musatov, Klimt et d'autres artistes, des impressionnistes aux surréalistes, ont fait une percée, une révolution dans l'art. Ils croyaient que la vision du monde d’une personne était unique et inimitable. Et la tradition de représenter de manière réaliste dans la sculpture et la peinture est dépassée.

De plus, les dadaïstes remettaient généralement en question la signification et l’essence de l’art. Leurs doutes ont conduit à l’émergence de l’art conceptuel, qui ne discutait pas de l’exécution de l’œuvre, mais de son idée. Les impressionnistes commencent à organiser leurs expositions, un marché de l'art apparaît et l'art devient une forme d'investissement.

2. POST-IMPRESSIONNISME. Le post-impressionnisme en peinture était basé sur l'impressionnisme, mais ne transmettait pas un état, mais un moment séparé

Le postimpressionnisme en peinture est devenu le lien entre les XIXe et XXe siècles. Ce mouvement n'appartenait ni aux impressionnistes ni aux réalistes. Ces artistes cherchaient un juste milieu, chacun à leur manière, inventant de nouvelles techniques : le pointillisme (Paul Signac, Georges Seurat), le symbolisme (Paul Gauguin et le groupe Nabi), la peinture linéaire style Art Nouveau (Henri de Toulouse-Lautrec). ), la base constructive du sujet (Paul Cézanne) et les peintures expressionnistes préfiguratrices de Vincent Van Gogh.

Regarder. Les artistes postimpressionnistes sont représentés dans de nombreux musées. Tableaux de Georges Seurat - en Musée Royal Beaux-Arts (Bruxelles, Belgique), Emile Bernard - au Musée d'Orsay (Paris, France), Vincent Van Gogh - au musée du même nom (Amsterdam, Hollande), Henri de Toulouse-Lautrec - au musée qui porte son nom (Albi, France), Henri Rousseau - au Musée d'Art Moderne de Moscou (Russie).

3. AVANT-GARDISME. Les mouvements les plus innovants, au nombre de 15 au XXe siècle, du fauvisme au Pop Art

Les artistes d’avant-garde ont compris que peindre le monde tel qu’il est n’avait plus de sens. Il n’était possible d’étonner le spectateur qui croyait au progrès et au surhomme de Nietzsche qu’avec quelque chose d’extravagant. Mais pas les paysages.

C’est pourquoi les artistes d’avant-garde ont abandonné absolument tout ce qui était « classique » et « beau ». Et maintenant, tout ce qui paraissait choquant et nécessitait des associations et de l'imagination commençait à être qualifié d'avant-gardiste. Les avant-gardistes méprisaient les détails parce qu’ils croyaient que le monde était universel.

Ce sont les artistes d’avant-garde qui ont pour devise « L’art dans la vie ! » Les orientations clés de l'art d'avant-garde sont l'installation, le ready-made, le happening, l'environnement, ainsi que Musique électronique, photographie, cinéma.

Regarder: L'avant-gardeisme en peinture est représenté par les œuvres de Marcel Duchamp, Georges Braque, Pablo Picasso, Salvador Dali, Henri Matisse - à l'Ermitage (Saint-Pétersbourg, Russie), au Centre Georges Pompidou (Paris, France), au Musée de Art moderne (New York, États-Unis), Musée Guggenheim (New York, États-Unis).

4. FAUVISME. La direction à laquelle appartenait le groupe d'artistes « Wild Beasts »

Le fauvisme est devenu le tout premier mouvement d’avant-garde dans l’art du XXe siècle. De lui à l'abstractionnisme, il n'y avait qu'un pas.

Les artistes fauves étaient « sauvages » avant tout par la couleur. Henri Matisse, le chef du groupe, a utilisé dans ses œuvres les motifs alors à la mode des estampes japonaises en couleur. Pour renforcer l'effet, les fauves utilisaient assez souvent un contour coloré. Les Sauvages ont grandement influencé les expressionnistes allemands.

Regarder: Le fauvisme en peinture est présenté au Centre Georges Pompidou (Paris, France), au Musée d'Orsay (Paris, France) et au Museum of Modern Art (Baltimore, USA).

5. ABSTRACTIONNISME. Le premier mouvement pictural de l’histoire de l’art qui refusait de représenter le monde comme réel

Artistes abstraits, fondateurs du mouvement - Kandinsky, Malevitch, Mondrian, Delaunay. Ils appelaient l’abstraction une nouvelle étape de la peinture. On affirmait que l’abstraction pouvait désormais créer des formes qui n’existaient que dans l’art. Par exemple, le Carré Noir de Malevitch peut contenir tout ce que la couleur noire et la forme d'un carré peuvent contenir, par exemple, toute l'histoire de l'art.

Il existe une abstractionnisme lyrique et géométrique. L'abstraction géométrique comprend le suprématisme de Malevitch, l'orphisme de Delaunay et le néoplasticisme de Mondrian. Au lyrique - les œuvres de Kandinsky, de certains expressionnistes (Pollock, Gorky, Mondrian), des tachistes (Vols, Fautry, Saur), des informels (Tapies, Dubuffet, Schumacher).

Regarder: Musée d'État russe (Saint-Pétersbourg, Russie), Galerie Tretiakov (Moscou, Russie), Musée national d'art et Musée d'art russe de Kiev (Kiev, Ukraine), Musée d'art moderne (New York, États-Unis).

6. EXPRESSIONNISME. Les artistes expressionnistes représentaient des images lumineuses avec des sujets mornes.

Egon Schiele. Valli en blouse rouge, les genoux relevés, 1913

L'expressionnisme en peinture est associé à la créativité de deux associations artistiques. "Bridge" - fondé en 1905 par Kirchner, Schmidt-Rottluff et Heckel et "Blue Rider" - en 1911 par Mark et Kandinsky.

"Le Pont" s'inspire de la sculpture africaine, du gothique allemand et art folklorique, et "The Blue Rider" - sur la cosmologie et les théories mystiques qui les ont conduits à l'abstraction. Le langage des expressionnistes, ce sont des déformations, des couleurs vives, des images exaltées.

Les deux groupes avaient une vision du monde plutôt morbide, poussée à l'extrême par leurs partisans - Edvard Munch, Max Beckmann et James Ensor.

Regarder: Musée Edvard Munch (Oslo, Norvège), peintures de James Ensor - au Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers (Belgique).

7. CUBISME. Les artistes cubistes français ont tenté de représenter le monde à l'aide de formes géométriques.

Comme d'autres tendances, le cubisme en peinture s'est développé à partir de formes grossières et massives jusqu'à de petites formes, puis s'est lancé tête baissée dans le collage. L'expérience a montré que c'est simple formes géométriques trop peu nombreux et trop bruts pour refléter le monde. Mais dans les collages, les cubistes pouvaient utiliser des objets lumineux, volumineux et texturés et prolonger ainsi la vie de cette direction pendant un certain temps.

Des déclarations très intéressantes sur le cubisme ont été écrites par ses contemporains. Par exemple, le philosophe russe Berdiaev a qualifié le cubisme de « révolution la plus radicale depuis la Renaissance ». Hemingway a déclaré : « Pour comprendre le cubisme, vous devez voir à quoi ressemble la terre depuis le hublot d’un avion. »

Regarder: Il est préférable de voir Picasso au musée qui porte son nom (Barcelone, Espagne), Marcoussis, Braque et Léger - au Museum of Modern Art (New York, USA), Alexander Archipenko - au Musée d'art ukrainien (Nouveau York, États-Unis), le Museum of Modern Art (New York, États-Unis), National musée d'art(Kyiv, Ukraine).

8. FUTURISME. « L'art du futur » du début du XXe siècle, qui a influencé l'art futur à travers le monde.

Pour la première fois dans l'histoire, les artistes ont officiellement renoncé à tout ce qui avait été créé avant eux et ont commencé à représenter le monde d'une nouvelle manière. Ils pensaient qu’un artiste devait rester à l’écoute de son époque.

Les artistes futuristes ont peint à la fois des paysages réalistes et des abstractions illustrant la vitesse, l'énergie et le mouvement. Le futurisme en peinture était basé sur des tendances antérieures - le fauvisme (en termes de couleur), le cubisme (en termes de forme).

Les futuristes sont devenus célèbres pour leurs discours et leurs actions provocatrices. Il s’agissait essentiellement des premières performances et gestes artistiques. Les idées des Italiens ont été reprises par des artistes et poètes russes et ukrainiens.

Regarder:Œuvres de Giacomo Balla, Fortunato Depero, Umberto Boccioni, Gino Severini - au Musée d'Art Moderne de Trente et Rovereto (Rovereto, Italie), au Musée d'Art Moderne (New York, États-Unis), à la National Gallery of Modern Art (Rome , Italie). Des futuristes russes et ukrainiens peuvent être vus au musée arts visuels eux. Pouchkine (Moscou, Russie), Musée national d'art d'Ukraine (Kiev, Ukraine), Musée d'art de Dnepropetrovsk (Dnepr, Ukraine).

9. CUBO-FUTURISME. Un mouvement qui a fédéré de nombreux abstractionnistes d’Europe de l’Est.

Le cubo-futurisme en peinture est devenu un mélange des idées du cubisme, du futurisme et du primitivisme populaire. Le « cubisme russe » n'a vécu que 5 ans, mais grâce à lui sont apparues des tendances aussi brillantes du siècle dernier que le suprématisme (Malevitch), le constructivisme (Lissitzky, Tatlin), l'art analytique (Filonov).

Les artistes cubo-futuristes ont collaboré avec des poètes futuristes (Khlebnikov, Guro, Kruchenykh), d'eux ils ont reçu de nouvelles idées.

Regarder: Malevitch - à la Galerie municipale d'Amsterdam (Hollande), au Musée national russe (Moscou, Russie), à ​​la Galerie Tretiakov (Moscou, Russie), Œuvres de Burliuk, Exter, Goncharova - au Musée national d'art (Kiev, Ukraine).

10. FORMALISME. Une orientation qui impliquait la primauté de la forme sur le sens

Le cubisme, le futurisme, le fauvisme et l'abstractionnisme sont similaires dans la mesure où ils décrivent le monde comme différent de la réalité. De nombreux historiens de l'art allemands ont travaillé sur la théorie du formalisme - Fiedler, Riegl, Wölfflin. Ils ont étayé la forme dominante de l'art, à l'aide de laquelle la « réalité idéale » est créée.

C’est sur cette base que l’école linguistique du formalisme est apparue en Russie dans les années 1910. Grâce à elle, la critique littéraire est devenue une science d'importance mondiale.

Regarder: Musée Matisse à Nice (France), Musée Picasso à Barcelone (Espagne), Tate Gallery (Angleterre).

11. NATURALISME. Un mouvement littéraire et artistique né sous l'influence des idées des positivistes

Les artistes naturalistes américains et européens, partisans des idées alors à la mode des positivistes Spencer et Comte, ont commencé à imiter la science, décrivant le monde sans fioriture, sans passion et objectivement. Très vite, ils glissent vers le socialisme et le biologisme : ils commencent à peindre des portraits de personnes marginalisées, des pathologies et des scènes de violence.

Regarder: Peintures des artistes naturalistes Max Liebermann - en galerie d'art Kunsthal (Hambourg, Allemagne), Lucian Freud - au Museum of Modern Art (Los Angeles, USA).

Le naturalisme en peinture a influencé le travail d’artistes tels que Degas et Manet. La photographie et la désesthétisation du naturalisme au XXe siècle se manifesteront dans l’hyperréalisme, mais ici elles revêtent un sens différent. Les artistes hyperréalistes ne cherchent pas à copier la réalité quotidienne. Les objets de leur peinture sont très détaillés et créent l'illusion de la réalité. Faux, mais convaincant.

12. NOUVELLE SUBSTANCE. Néoclassicisme - représenté par le travail d'artistes allemands des années 20-30

Le directeur de la galerie de Mannheim qualifie le travail des jeunes talents exposés dans sa galerie en 1925 de « nouvelle substance ». Ils rejettent les idées de l'expressionnisme et prônent un retour à une représentation réaliste de la réalité.

Ils pensaient que le monde devait être représenté sur toile avec précision photographique, dans toute sa laideur. Mais leur réalisme était plutôt à attribuer au grotesque qu’à la vérité.

Les nouveaux objets Georg Gross, Max Beckmann, Otto Disk sont passés maîtres dans les compositions statiques et les formes exagérées.

Regarder: Georg Grosz, Otto Disk - à la Nouvelle Galerie Nationale (Berlin).

13. DADAISME. Mouvement anticulturel et anti-guerre, nommé par les Français d'après un cheval de bois

Les dadaïstes considéraient la création de quelque chose de drôle comme le seul sens de la créativité, puisque le monde est fou. Les premiers dadaïstes - les Zurichois Gulsenbeck, Ball, Janko, Arp ont organisé des manifestations bruyantes et fêtes amusantes, a publié un magazine, a donné des conférences.

Ils avaient des adeptes à Berlin (ils étaient plus impliqués dans la politique), à ​​Cologne (ils sont devenus célèbres grâce à une exposition accessible uniquement par les toilettes) et à Paris (ils ont été emportés par des actions provocatrices). Le principal dadaïste était Marcel Duchamp, l’auteur du concept du « ready-made » et le premier casse-cou qui a peint la moustache de Gioconda. Et aussi Picabia, qui expose des créations fantastiques qui sont à la fois un verdict et un hymne à la société industrielle.

Regarder:Œuvres de Duchamp et Picabia - au Victoria and Albert Museum anglais (Londres, Angleterre), musée national Art de Catalogne (Barcelone, ​​Espagne), Musée Guggenheim (New York, États-Unis), Art Institute of Chicago (États-Unis).

14. SURRÉALISME. Un mouvement puissant de la 1ère moitié du 20ème siècle, qui s'inspire des rêves, des rêves et des hallucinations.

Les artistes surréalistes, qui se disaient adeptes directs des dadaïstes, ont provoqué le spectateur, changé les consciences et bouleversé les traditions.

Initialement, le surréalisme apparaît dans la littérature (revue Littérature et révolution surréaliste, auteur André Breton). Les artistes lisaient Freud et Bergson et considéraient le subconscient – ​​rêves, hallucinations – comme la source de la créativité.

Les représentants de la première direction du surréalisme en peinture (Ernst, Miro, Masson) représentaient des images floues. Les seconds (représentants de Dali, Delvaux, Magritte) - des paysages et des personnages crédibles, précis, mais irréalistes. Cette belle tromperie a instantanément captivé le monde. Le surréalisme a donné une impulsion à l’émergence du pop art, des happenings et de l’art conceptuel.

Regarder: Théâtre-Musée Dali à Figueres (Espagne), René Magritte Apartment Museum à Bruxelles (Belgique), Metropolitan Museum of Art et Museum of Modern Art (New York, États-Unis), Tate Gallery of Modern Art (Londres, Royaume-Uni).

Dans cette partie, nous avons fait connaissance avec les tendances artistiques les plus marquantes de la première moitié du XXe siècle. Dans la prochaine publication, nous examinerons les tendances du milieu du siècle dernier.

Résumé

1) Grâce à l'article, vous avez appris les principaux directions lumineuses de l'art de la 1ère moitié du 20e siècle: Modernisme, Post-impressionnisme, Avant-garde, Fauvisme, Abstractionnisme, Expressionnisme, Cubisme, Futurisme, Cubo-Futurisme, Formalisme, Naturalisme, Nouvelle matérialité, Dadaïsme, Surréalisme.

2) je pense que tu as il y avait une envie de partir en voyage pour visiter les musées les plus célèbres du monde, qui représentent tous les domaines de l’art contemporain. Même si vous n'avez pas une telle opportunité maintenant, ne vous inquiétez pas, l'essentiel est : rêvez et votre rêve deviendra réalité ! Vérifié!

Pour vous inspirer, regardez une critique vidéo de l'extraordinaire et incroyable Musée-Théâtre Dali artiste surréaliste Salvador Dalí, situé dans la ville de Figueres, en Catalogne (Espagne). De Barcelone à Figueres, vous pouvez conduire en seulement 53 minutes. Les prix des billets commencent à partir de 20 euros. Comment planifier le voyage parfait à Barcelone, lisez cet article utile .

De tout mon cœur je vous souhaite de partir au plus vite en voyage pour voir les œuvres de vos maîtres préférés !

Je souhaite à tous de se réjouir et de rêver !

P.S..

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Culture artistique Le XXe siècle est problématique pour l’étude de l’histoire de l’art, car a un ordre complexe et à plusieurs niveaux. Cela est dû à des raisons sociopolitiques, philosophiques, scientifiques et techniques qui se superposent à la situation historique (guerres, crises, mouvements de libération nationale, etc.). En outre, de nombreuses tendances apparues dans le passé ne sont toujours pas complétées et des évaluations et des points de vue sur de nombreux processus n'ont pas été établis. Cela a conduit à un brouillage des critères esthétiques, citant des œuvres (directes et indirectes) de l’art mondial et portant les jugements critiques jusqu’au grotesque. Le désir des gens de s'affirmer dans la créativité s'est réalisé de manières extrêmement diverses, ce qui a parfois provoqué un sentiment de vide, de discorde et de disharmonie. Cependant, jamais auparavant l'histoire de l'art n'a été aussi proche de la réalité dans la création d'images, unies à la vision du monde et à la vision du monde de diverses époques culturelles, comme cela s'est produit au XXe siècle.

L'existence humaine moderne était déterminée par un agencement spatial dans lequel les contacts individuels coexistaient avec des orientations, des tendances, des styles qui, bien que difficilement, s'inscrivaient dans un modèle. La particularité de sa répartition est génétique et non chronologique (comme c'était l'usage au XIXe siècle). La polarité est définie par les termes « réalisme » (avec une imagerie dominante) et « non-objectivité » (avec un accent sur l'expressivité). Entre eux se trouvaient des degrés variables de combinaison de figuration et d'expressivité : traditionalisme, épatisme, surréalisme et géométrie.

L’impact omniprésent de son contenu se fait sentir dans tous les domaines de l’existence humaine et façonne le mode de vie moderne. D’où la pertinence des conversations sur l’art. Surtout dans les écoles l'éducation supplémentaire, où les étudiants reçoivent des idées sur les types et les genres, leurs spécificités ; ainsi que la familiarité avec les tendances, orientations et styles les plus importants, les œuvres d'architecture, de sculpture, de peinture et d'arts décoratifs et appliqués, le design dans un contexte historique et culturel (de l'Antiquité au XXe siècle). Cependant, le manque de temps avec un volume important de matériel entraîne certaines difficultés dans la sélection et la présentation des informations. "Un cerveau bien structuré est préférable à un cerveau bien rempli", a déclaré philosophe français et l'écrivain Michel de Montaigne. Sur la base de cette affirmation, nous proposons une option de présentation de contenu basée sur des schémas de support qui ne violent pas la logique systémique du développement de l'art. L'originalité se révèle en se familiarisant non seulement avec des œuvres spécifiques, mais également avec un thésaurus, qui façonne la pensée artistique des étudiants, développe le goût esthétique, l'imagination, les capacités créatives et analytiques.

Direction "Le réalisme"(Latin tardif realis - matériel, réel) - un terme qui représente des œuvres d'art basées sur des images visuelles naturelles qui recréent les processus et les phénomènes de la réalité. Caractéristique : vérisme, intrigue, authenticité sensorielle. Il comprend les concepts : « naturalisme », « primitivisme », « réalisme démocratique, critique, social », réalisme magique (art métaphysique), expressionnisme, « hyperréalisme » (photoréalisme, superréalisme).

Le « naturalisme » (français naturahsme ; latin natura) est une manière d'exécuter des œuvres d'art avec une précision photographique (impartialité, hasard) la vie quotidienne une personne (son essence physiologique) et son environnement. Elle se caractérise par l'authenticité de l'incarnation de l'idée de similitude entre la société et la nature, sans aucun mélange d'idéal, au détriment du contenu idéologique et artistique.

« Primitivisme » (latin primiti vus – « premier, le plus ancien » ; primitivisme anglais ; allemand Primitivismus / Primitivitat). Le synonyme est « naïvisme ». Caractéristique : manière d'exécuter délibérément simplifiée ; faire appel à l'art médiéval enfantin, primitif et populaire. Il s'est développé dans deux directions : dans la créativité non professionnelle de maîtres impliqués dans le processus artistique et dans les œuvres d'artistes qui cherchaient délibérément à acquérir la pureté et la clarté émotionnelle des images et de la vision du monde. Plus tard, la créativité des étrangers s'est ajoutée - art brut(Art brut français - art brut). Leur travail a un caractère spontané, pratiquement indépendant des schémas culturels.

« Réalisme démocratique, critique et social » : un reflet objectif de la réalité moyens artistiques. Dans le monde démocratique - simplicité, accessibilité du langage figuré, présenté le monde comme une illustration. D'où l'appel au peuple et aux traditions des classiques. Dans la critique, les aspects essentiels de la vie humaine ont été révélés et une évaluation esthétique de l'idéal social et esthétique qui existait en réalité a été donnée. Dans le social, « le typique dans des circonstances typiques » a été identifié et souligné, c'est-à-dire la réalité sociale et la personnalité humaine se manifestaient dans une unité indissoluble avec les relations sociales.

Le « réalisme magique » est une méthode artistique dans laquelle les œuvres créées montraient une transformation fantastique de la réalité (parfois elles avaient un caractère choquant et franc, parfois combinées à des situations anecdotiques et à des personnages caricaturaux). La ressemblance avec la vie dans ces peintures était une forme extrême de grotesque, où la réalité ressemblait à un rêve agité ou à un délire hallucinatoire. C’est pourquoi les symboles sont souvent inclus dans les peintures. Synonyme : « art métaphysique ».

« L'expressionnisme » (du latin expressio – « expression ») est le reflet d'un état émotionnel subjectif (déception, anxiété, peur, laideur, banalité, horreur, douleur, cri). D'où - exagération, simplification, exaltation de la couleur, traits grossiers, déformation des images.

“Hyperréalisme» (hyperréalisme anglais - photoréalisme, superréalisme, réalisme froid, réalisme radical) - un transfert pictural d'une image du naturel au sein de l'artificialité : basé sur la copie de photographies. Caractéristique : reproduction détaillée tout en conservant une texture de surface lisse pour éloigner le spectateur du processus de création et l'éloigner.

"Traditionalisme» s'appelle la direction dans laquelle les auteurs, individuellement ou en groupe, s'adressent à la société, pour cela ils utilisent le passé (conscience, expérience, compétences, coutumes) comme antipode aux valeurs du présent. Il est généralement teinté d’émotion, souvent mythifié et idéalisé. La portée du concept de « traditionalisme » comprend : « la non-figuration », le « formalisme réaliste », qui comprend : le « régionalisme », le kitsch, la « nouvelle matérialité », la « romance d'acier », le « novecento ».

“Formalisme réaliste» est une méthode de représentation dans laquelle il y a eu un changement dans la relation de valeur entre la forme qui apparaît, exprimant des concepts subjectifs, et le contenu d'une image unique.

Sous " manque d'imagination« Au XXe siècle, ils comprenaient l’interprétation de la réalité que l’auteur faisait ; la manière individuelle d'exécution (écriture manuscrite) du maître, qui a mis en avant le côté expressif. Parfois, son langage artistique gravitait dans toutes les directions. D’où l’expression « Manque d’imagination avec tendances… ».

“Régionalisme» (région anglaise - « zone, sphère » ; régional - « régional, local ») est une direction artistique axée sur le réalisme archaïque et dur et la transmission naturaliste de la vie (presque au niveau du vérisme). Gamme de thématiques : vie à la campagne ou en périphérie des mégapoles, province.

Kitsch – (kitsch allemand – hack work, mauvais goût, « bon marché ») – un produit de la culture de masse avec un côté extravagant. apparence orienté vers une perception standard. Caractérisé par l'agressivité, la vulgarité, la vulgarité du goût, qui se conjuguent avec l'humour, le respect du rang, l'habileté et la précision.

“Nouvelle matérialité» (allemand neue sachlichkeit) - une manière de performance qui incarnait une réalité spécifique soulignée (objectivité) avec le sentiment d'un terrible principe « démoniaque » dans le monde, une précision photographique avec des éléments de paradoxe, qui évoquait chez le spectateur un sentiment d'irréalité , remplissant la vie quotidienne d'une atmosphère de mystère.

“Romance d'acier» – l’art politisé au service des régimes totalitaires. Les œuvres se caractérisent par le classicisme et une attitude sublime envers ce qui est représenté.

“Novecento» (Novecento italien - lit. « vingtième siècle ») - un mouvement axé sur le retour aux origines nationales, la Renaissance. Caractéristique : précision des formes, clarté des concepts, absence d'arbitraire. Les intrigues véhiculent « l'héroïsme du travail », « l'unité du peuple et des autorités ».

“Surréalisme» (le « super-réalisme » français, « le surréalisme ») est un mouvement irrationnel qui exprime la subjectivité de la vision du monde. Utilise des concepts, des thèmes et des exemples de la psychanalyse freudienne, mais crée ses propres méthodes poétiques thérapeutiques et anti-thérapeutiques (« psychanalyse alternative »). D'où la naissance d'une « nouvelle mythologie » fondée sur la modernité, qui se caractérise par : l'humour, un principe de rire et une démonstration d'un signe multivalent. Les œuvres du « surréalisme académique » sont dépourvues de naturalisme et tendent davantage vers la non-objectivité. Dans cette branche, les principales techniques ont été inventées : grattage, fummage, décollage, décalcomanie, collage, dripping. Dans le surréalisme inadéquat, la réalité se devinait dans les œuvres (un phénomène sensoriel dans une situation inadéquate). Dans la version sans enthousiasme, il y avait un certain nombre de trouvailles surréalistes. Paranoïaque-critique – dualité exprimée de perception. Le surréalisme passif incarnait la présence de l'auteur au niveau du sommeil et des rêves. D’où les « accidents » dans les tableaux.

L'épatisme (français « epatage » ; de « epater » - ébrécher, battre, déchirer) exprime une forme extrême d'expressivité de la seconde moitié du XXe siècle. Il est né du fauvisme, du dadaïsme, du néo-dadaïsme, du pop art. nouvelle vague» (minimalisme, conceptualisme, « art pauvre », « art de l'eau », « art du ciel », art de la terre »).

“Fauvisme» (fauvisme français, de fauve - « sauvage ») - couleur locale ouverte et lumineuse, formes simplifiées et aplatissement de l'image - le principal moyen d'exprimer les sentiments et les humeurs de l'artiste ; combinaisons contrastées et contour noir, refus du modelage de la lumière et de l'ombre et de la perspective linéaire.

“Papa"– (dada français – « cheval », « cheval de bois pour enfants ») est une activité délibérément inesthétique, nihiliste et pessimiste. Caractéristique : pensée illogique, le monde est comme un chaos fou, manque de valeurs, dépassement du sérieux de l'art, rupture avec les traditions.

“Pop Art» (pop-art anglais, abréviation de art populaire) est un mouvement artistique né en réaction à l'expressionnisme abstrait, utilisant des images de produits de consommation placées dans un contexte différent. Caractéristique : l'utilisation de matériaux iconiques et objectifs issus de la vie quotidienne, de la publicité, de la bande dessinée, etc. variétés triviales de la civilisation moderne.

“Nouvelle vague» (anglais : new wave - « new wave ») est une direction d'activité artistique et intellectuelle à but non lucratif. Synonyme : « art immatériel ». Essentiellement, il s'agit d'un acte créatif sans rapport avec le matériau, c'est-à-dire créer « quelque chose » au hasard. Sa technique est axée sur l'utilisation de techniques non conventionnelles et non artistiques : construction à partir d'objets ménagers ou de modules techniques, plantes et animaux vivants, polices de caractères fragmentaires, environnement naturel - poussière, glace, nuages, etc.

“Minimalisme» (Art minimal anglais ; du latin minimus - « le plus petit »). Autres noms : art en série, art des structures primaires, mini-art. C'est la direction de l'avant-gardeisme, qui utilisait un minimum de moyens visuels et des formes simples et uniformes. L’essence de la mise en scène est de provoquer la dévastation chez le spectateur. D'où - des créations impersonnelles impersonnelles, non associatives, représentant des structures matérielles, des objets spécifiques, construits selon les lois des mathématiques.

“Conceptualisme” (lat. conceptus - pensée, idée, concept), une direction basée sur la transmission d'une idée, existant sous forme de phrases, textes, diagrammes, graphiques, dessins, photographies, matériel audio et vidéo. Il contient un appel à la compréhension intellectuelle de ce que l'on voit.

L'actionnisme (actionnisme français, anglais ; du latin action - action, acte) est un mouvement et une méthode de nouvelles pratiques artistiques qui cherchaient à effacer la frontière entre l'art et la réalité. Je suis attiré par l'art en 4 dimensions, exprimé dans l'art vidéo, l'environnement, les événements, la performance, l'art corporel, etc. Événementévénement - se passe, se produit) et performance(Anglais : performance - performance, jeu) - variétés d'actionnisme, incarnées sous forme théâtrale. La différence entre eux est qu'un événement porte un concept qui a un caractère paradoxal, illogique, absurde, suggérant l'improvisation, tandis qu'une performance a une action planifiée pour impliquer le spectateur dans le terrain de jeu. Pour art corporel(Body art anglais - body art) la base est le corps, qui est enregistré sous forme de photos, de vidéos, sous forme de mannequins, etc.

“Mauvais art» (Italien : « Arte Povera ») - une option de présentation où des objets bon marché ou des matériaux de récupération étaient utilisés. Des objets et des symboles volontairement maigres et « pauvres » ne font que suggérer l’idée artistique, lui conférant un euphémisme mystérieux.

Land art (anglais : land art - Landscape Art) - exprime la relation entre la nature et l'homme. Il s'incarnait souvent dans des formes d'environnement (environnement anglais - environs, environnement), qui représentaient une composition spatiale entièrement organisée par l'artiste, enveloppant le spectateur comme un environnement réel.

“Néo-Dadaïsme» (néo-pop anglais, post-pop) est une direction artistique qui représente la genèse du pop art avec des symboles des temps nouveaux. Il exprimait la position du « déni de la négation ». En conséquence, le remplacement d'une œuvre d'art par un objet de la vie quotidienne, une action absurde (événement, environnement, etc.).

Art géométrique : concrétisme (cubisme, suprématisme, constructivisme et néo-concrétisme (« art programmé », op art, « nouvelle abstraction », « nouvelle tendance » (happening et environnement).

“Concrétisme» (du latin conservare - préserver) - un type de pratique et de perception artistiques, centrées sur les valeurs, les idéaux et les techniques artistiques du passé, perçues comme un canon. Fondamentalement, un point de référence pour l'art réaliste dans des formes de genre strictes. Modifié par le modernisme, incarné dans néoconcrétisme, tombant au 2ème étage. XXe siècle.

Cubisme (cubisme français, de cube - cube) est la direction dans laquelle, selon le concept, une modélisation ciblée de la réalité a lieu sur les modèles spatiaux les plus simples (géométriquement chiffres corrects) pour décrire un monde complexe et aux multiples facettes. Caractéristique : déformation des formes, congestion, dépendance de la vision aux réglages préalables.

Le futurisme (lat. futur - futur) est un mouvement qui exprime l'idée de​​la formation d'une nouvelle civilisation, où s'opère la fusion de l'homme et de la machine. Les œuvres contiennent une apologie de la technologie, de l'urbanisme et de l'absolutisation de l'idée de mouvement. Avait différentes options : 1) incarnation de la dynamique à l'aide de nombreux éléments fréquemment répétés ; 2) à l'aide de la simultanéité - la pénétration d'objets les uns dans les autres ; 3) transférer le processus de mouvement par l'abstraction.

L'abstraction géométrique est un mouvement dont la base est constituée de compositions de diverses formes géométriques, lignes droites et plans. Les transformations sont basées sur une réaction aux découvertes de la physique : la recherche d’une « nouvelle réalité ». D'où l'aplatissement et la déformation. Avait des branches : Suprématisme (Russie) ; non-plasticisme (Hollande) ; Orphisme (France) ; futurisme (Italie), etc. Synonymes – « abstraction froide », « abstractionnisme intellectuel logique ».

Suprématisme ( lat. supremus - le plus haut) est une direction, un type d'abstractionnisme qui abandonne le figuratif au profit des formes géométriques les plus simples. Les compositions représentent des combinaisons de plans, lignes, points multicolores, etc. des figures imprégnées de mouvement interne.

L'orphisme (orphisme français) est un mouvement qui modélise la réalité à partir des éléments de lumière et de couleur à l'opposé. monde visible. Leur peinture était basée sur les effets de mouvement qui se produisent lorsque des couleurs contrastées sont juxtaposées. L'esthétisme, la plasticité abstraite, le rythme des formes, des silhouettes et des lignes sont ses traits caractéristiques.

“Néoplasticisme» est une direction artistique basée sur un système philosophique qui révèle la structure de l'Univers (les lignes de force horizontales et verticales de la Terre, qui ont une relation avec le Soleil). Caractéristique : formes rectangulaires, couleurs primaires de la gamme chromatique et chromatique (noir et blanc).

Le constructivisme est une direction et une méthode caractérisées par un environnement spatial-dynamique géométriquement organisé, où l'apparence laconique et la solidité sont des composants fonctionnels.

“Art programmé» – comparant une image faite à la main à une image faite à la machine. Synonyme : art de la machine.

«Op art» (abrégé de l'anglais optic art - optic art) est un mouvement qui utilise diverses illusions visuelles basées sur les caractéristiques de perception visuelle figures plates et spatiales, combinaisons géométriques de lignes et de taches. Il est le successeur du constructivisme dans le postmodernisme. L'accent a été mis sur la modélisation spatio-dynamique de la réalité environnante en utilisant des moyens non traditionnels du langage figuratif dans les directions suivantes : 1) optique (effets de lumière utilisant des dispositifs techniques, des miroirs, des lentilles focalisantes et divergentes, etc. ; 2) « gestalt géométrie » (dessins à partir de divers matériaux - verre, métal, carton, plastique, etc. ; 3) graphique (image plane de modules déplacés, provoquant l'illusion de volume) ; 4) synthétique (mélange des méthodes ci-dessus).

Art cinétique (du grec kinetikos - mouvement qui met en mouvement). Il s'agissait de la création d'œuvres procédurales et articulées, impliquant la participation directe de sujets de perception. Elle comporte des genres : 1) participation au processus, déterminé par le contexte de l'exposition (beats, danses, etc.) ; 2) intégrale – participation avec conscience ; 3) matériel ; 4) « autodestructeur ».

Nouvelle abstraction - les toiles combinent abstraction dynamique et images vivantes transformées, incarnées dans des hybrides structurels.

La nouvelle tendance ou « abstraction post-picturale » incarne toutes les sphères de la culture artistique, qui s'exprime dans l'émergence de nouveaux types de créativité artistique et la modernisation d'anciens. Les médias, les technologies informatiques de traitement des images, des sons, etc. jouent ici un rôle important, ce qui repousse les frontières de l'art.

Art non objectif : non-objectivité classique (« l'art du silence », tachisme), « expressionnisme non objectif » (« l'art de l'action », « l'art du geste », « l'art de la libre expression »). Toutes les œuvres de cette direction se distinguent par l'absence d'image visuelle et de sentiments. Caractéristique : publicité, démonstration, situation ludique de l'artiste avec le matériau.

L'abstraction classique (du latin abstractio - retrait, distraction) est une direction de l'art non figuratif dans laquelle l'harmonisation a été réalisée par des combinaisons de couleurs et des formes géométriques qui évoquent des associations. Agi comme une expression de sentiments spontanés.

Le tachisme (français tache - « tache ») est une version française de l'expressionnisme abstrait. Synonyme : abstractionnisme lyrique, « est informel» ou « peinture sur champ de couleur ». Caractéristique : spontanéité, improvisation, expression de l'âme par le geste (pas d'actions planifiées). L'une des variantes du Tachisme est le Nuageisme (en français pour « nuage »), car les images ressemblaient à des images colorées ressemblant à des nuages. Ils exprimaient la tranquillité d'esprit et l'harmonie mentale, c'est la raison pour laquelle on leur a appliqué un autre terme - l'art du silence.

L'expressionnisme abstrait est une version américaine de l'abstraction lyrique. Le synonyme - «color field painting» est né de l'utilisation maximale de la couleur par les artistes, grâce à laquelle les peintures ont été présentées dans un grand format. En règle générale, les œuvres de ce type étaient numérotées.

L'art de l'action est une direction de l'actionnisme, où « l'action » domine la « peinture ». À cette espèce les activités ont commencé à inclure le street art et le logo de la rue. L'art du geste est un outil corporel de base pour créer imagerie artistique sous forme de système de signes, lorsqu'un geste exprime : 1) une situation ; 2) un signe spatial stable et dans une société spécifique du langage, des sons, des cris, de la lumière, des onomatopées, etc. L'art de la libre expression– dans ce sens, l'artiste a la possibilité de choisir différentes manières d'incarner ses préférences : du réalisme à la non-objectivité.

Littérature

1. Borev Yu. B. Culture artistique du 20e siècle. – M. : Unité, 2007.
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3. allocation. – Ekaterinbourg, USU, 2008
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· Turchin V.S. À travers les labyrinthes de l'avant-garde. - M. : Maison d'édition de l'Université d'État de Moscou, 1993.

· STYLES DANS L'ART

· Empire -

-Romanski (X – XIII siècles)

-Gothique (XIII – XVI siècles)

· -Baroque (fin XVIe - milieu du XVIIIe siècle) - la principale direction stylistique de l'art de l'Europe et de l'Amérique (fin du XVIe - milieu du XVIIIe siècle), qui se caractérise par des contrastes, des images dynamiques et un désir de faste et de grandeur . · -Naryshkinskoe (Moscou) baroque - une direction de style dans l'architecture russe de la fin du XVIIe et du début du XVIIIe siècle, extérieurement similaire au baroque d'Europe occidentale. Il se caractérise par un décor luxuriant en pierre blanche (église de l'Intercession de Fili, couvent de Novodievitchi).· -Classicisme (XVII – XIX siècles) – orientation stylistique en littérature et

art XVII - début XIX siècles, qui se sont tournés vers le patrimoine antique comme norme et modèle idéal. Le classicisme s'est développé en France, reflétant la montée de l'absolutisme. Il incarnait les idéaux d’une monarchie morale éclairée et d’une fonction publique. Plus tard, au XVIIIe siècle. A commencé à exprimer les idéaux civiques des Lumières. Caractéristiques du classicisme russe : préférence pour les thèmes nationaux, lien avec les traditions du folklore russe et des Lumières.· -Rococo (milieu du XVIIIe siècle) - direction du style dans

art européen ser. XVIIIe siècle L'architecture rococo se caractérise par une décoration intérieure fantaisiste, souvent asymétrique, comprenant généralement un rouleau en forme de coquille (rocaille). Les beaux-arts de style rococo se caractérisent par une interprétation gracieuse des images, une prédominance de sujets érotiques et pastoraux de salon, la théâtralité et les manières des images, l'intimité et les effets décoratifs.· -Romantisme (fin XVIIIe - début XXe siècles) - mouvement idéologique et artistique dans la culture européenne et américaine. XVII – début XIXème siècles La vision romantique du monde repose sur la douloureuse discorde entre l’idéal et la réalité. La direction est inhérente à l'image des passions fortes personnalité, idéalisation du passé. Représentants du romantisme : V.A. Joukovski (1783 -1852) - un poète et traducteur russe exceptionnel, romantique conservateur, K.F. Ryleev (1795 – 1826) est un poète décembriste, le plus brillant représentant du romantisme civil actif.

· -Réalisme (XVIIIe siècles) – (de la fin du latin Realis - matériel, réel) forme de conscience artistique des temps nouveaux, ainsi que direction stylistique et méthode créative dans l'art. Elle repose sur une représentation fidèle des phénomènes les plus caractéristiques de la vie et implique, outre la véracité des détails, la véracité de la reproduction de personnages typiques dans des circonstances typiques. Sa variété est un réalisme critique.

· -Naturalisme (fin 19ème siècle)

STYLES DANS L'ART DU XXE SIÈCLE.

· Modernisme – tendances de la littérature et de l'art. XIX - début XX siècles (cubisme, futurisme, néoclassicisme, néo-romantisme) caractérisés par une rupture avec les traditions du réalisme.

· Le symbolisme est un mouvement artistique de 1870 à 1910, axé principalement sur l'expression artistique à travers le symbole de la « chose en soi » et des idées qui dépassent la perception sensorielle. Il s'agit également d'une philosophie, d'une éthique, d'une esthétique et d'un mode de vie universels ; ce temps.

· Impressionnisme – (impression française – impression) – la dernière direction de l'art. tiers du XIX- début XXe siècle, marqué par la volonté de capter le plus naturellement possible monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre les impressions fugaces de l'artiste. Cela a conduit à la recherche de nouvelles formes, compositions et combinaisons de couleurs en peinture ; en sculpture - nouveaux volumes plastiques et dynamiques du corps.

· Le postimpressionnisme est le nom général désignant les mouvements picturaux de la fin du 19e siècle jusqu'au début. XXe siècle, caractérisé par un intérêt pour les aspects philosophiques et symboliques, pour les techniques formelles décoratives et stylisées. Les fondateurs européens furent Cézanne, Van Gogh, Gauguin. Chez les Russes, les traits du post-impressionnisme sont inhérents à de nombreux artistes" âge d'argent»V. Borissov-Musatov, M. Vrubel, N. Roerich)

· Surréalisme

· Abstractionisme – mouvement (art non objectif) dans l'art, principalement dans la peinture, la sculpture et le graphisme. Associé au concept de « l'art pour l'art ». Il est apparu au XXe siècle lors de la stratification de plusieurs mouvements (cubisme, futurisme, etc.). Représentants éminents V. Kandinsky, K. Malevitch

· Futurisme – (lat. Futurum - futur) mouvement d'avant-garde dans l'art européen des années 10-20. XXe siècle, un modernisme qui cultive l'urbanisme (l'esthétique de l'industrie mécanique et grande ville) et détruit même le langage naturel (« mots en liberté » ou « cerveau »).

· Dadaïsme