Classicisme- le style artistique et l'orientation esthétique dans l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.
Le classicisme est basé sur les idées du rationalisme, qui se sont formées simultanément avec les mêmes idées dans la philosophie de Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).
Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies dont le mélange n'est pas autorisé.
Comment s'est formée une certaine direction en France, au XVIIe siècle. Le classicisme français affirmait la personnalité de l'homme comme la valeur la plus élevée de l'existence, le libérant de l'influence religieuse et ecclésiale. Le classicisme russe a non seulement adopté la théorie de l’Europe occidentale, mais l’a également enrichie de caractéristiques nationales.
Le fondateur de la poétique du classicisme est le Français François Malherbe (1555-1628), qui procéda à une réforme de la langue et du vers français et développa des canons poétiques. Les principaux représentants du classicisme dans le théâtre étaient les tragédiens Corneille et Racine (1639-1699), dont le principal sujet de créativité était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles. Les genres « bas » connaissent également un fort développement : fable (J. Lafontaine), satire (Boileau), comédie (Molière 1622-1673).
Boileau est devenu célèbre dans toute l'Europe comme le « législateur du Parnasse », le plus grand théoricien du classicisme, qui a exprimé ses vues dans le traité poétique « Art poétique" Sous son influence en Grande-Bretagne se trouvaient les poètes John Dryden et Alexander Pope, qui ont fait des alexandrins la principale forme de poésie anglaise. La prose anglaise de l'époque classique (Addison, Swift) se caractérise également par une syntaxe latinisée.
Le classicisme du XVIIIe siècle s'est développé sous l'influence des idées des Lumières. L'œuvre de Voltaire (1694-1778) est dirigée contre le fanatisme religieux, l'oppression absolutiste et est remplie du pathos de la liberté. Le but de la créativité est de changer le monde pour le meilleur, de construire la société elle-même selon les lois du classicisme. Du point de vue du classicisme, l'Anglais Samuel Johnson a passé en revue la littérature contemporaine, autour de laquelle s'est formé un brillant cercle de personnes partageant les mêmes idées, dont l'essayiste Boswell, l'historien Gibbon et l'acteur Garrick.
En Russie, le classicisme est né au XVIIIe siècle, après les réformes de Pierre Ier. Lomonosov a procédé à une réforme du vers russe, a développé la théorie des « trois calmes », qui était essentiellement une adaptation du vers français. règles classiquesà la langue russe. Les images du classicisme sont dépourvues de caractéristiques individuelles, car elles sont conçues principalement pour capturer des caractéristiques génériques stables qui ne se transmettent pas dans le temps, agissant comme l'incarnation de forces sociales ou spirituelles.
Le classicisme en Russie s'est développé sous la grande influence des Lumières - les idées d'égalité et de justice ont toujours été au centre de l'attention des écrivains classiques russes. Par conséquent, dans le classicisme russe, les genres qui nécessitent une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur ont connu un grand développement : comédie (D. I. Fonvizin), satire (A. D. Kantemir), fable (A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), ode (Lomonossov, G. R. Derzhavin).
En lien avec l’appel proclamé de Rousseau au rapprochement avec la nature et au naturel, les phénomènes de crise se multiplient dans le classicisme à la fin du XVIIIe siècle ; L'absolutisation de la raison est remplacée par le culte des sentiments tendres : le sentimentalisme. Le passage du classicisme au pré-romantisme s'est reflété le plus clairement dans Littérature allemande l'époque de « Tempête et Drang », représentée par les noms de I. V. Goethe (1749-1832) et F. Schiller (1759-1805), qui, à la suite de Rousseau, vit l'art force principaleéducation humaine.
Les principales caractéristiques du classicisme russe :
1. Faire appel aux images et aux formes de l'art ancien.
2. Les héros sont clairement divisés en positifs et négatifs.
3. L'intrigue est généralement basée sur un triangle amoureux : l'héroïne - le héros-amant, le deuxième amant.
4. A la fin d'une comédie classique, le vice est toujours puni et le bien triomphe.
5. Le principe des trois unités : temps (l'action ne dure pas plus d'une journée), lieu, action.
Le romantisme comme mouvement littéraire.
Le romantisme (romantisme français) est un phénomène culture européenne aux XVIIIe-XIXe siècles, représentant une réaction aux Lumières et aux progrès scientifiques et technologiques qu'ils ont stimulés ; direction idéologique et artistique dans la culture européenne et américaine de la fin du XVIIIe siècle - la première moitié du 19ème siècle siècle. Il se caractérise par une affirmation de la valeur intrinsèque de la vie spirituelle et créative de l'individu, la représentation de passions et de caractères forts (souvent rebelles), une nature spiritualisée et curative.
Le romantisme est né en Allemagne, parmi les écrivains et philosophes de l'école de Jena (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, les frères F. et A. Schlegel). La philosophie du romantisme a été systématisée dans les travaux de F. Schlegel et F. Schelling. En développement ultérieur Romantisme allemand se distingue par un intérêt pour les motifs féeriques et mythologiques, qui s'exprime particulièrement clairement dans les œuvres des frères Wilhelm et Jacob Grimm et Hoffmann. Heine, commençant son œuvre dans le cadre du romantisme, la soumit ensuite à une révision critique.
En Angleterre, cela est dû en grande partie à l’influence allemande. En Angleterre, ses premiers représentants sont les poètes de la « Lake School », Wordsworth et Coleridge. Ils ont installé base théorique sa direction, ayant pris connaissance de la philosophie de Schelling et des vues des premiers romantiques allemands lors d'un voyage en Allemagne. Le romantisme anglais se caractérise par un intérêt pour problèmes sociaux: Ils opposent la société bourgeoise moderne aux anciennes relations pré-bourgeoises, à la glorification de la nature, aux sentiments simples et naturels.
Un représentant éminent du romantisme anglais est Byron qui, selon Pouchkine, « s’est habillé d’un romantisme ennuyeux et d’un égoïsme désespéré ». Son œuvre est imprégnée du pathétique de la lutte et de la protestation contre le monde moderne, glorifiant la liberté et l'individualisme.
Le romantisme s'est répandu dans d'autres pays européens, par exemple, en France (Chateaubriand, J.Stal, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Mérimée, George Sand), en Italie (N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi), en Pologne (Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki, Zygmunt Krasiński, Cyprian Norwid) et aux États-Unis (Washington Irving, Fenimore Cooper, W. C. Bryant, Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville).
On pense généralement qu'en Russie, le romantisme apparaît dans la poésie de V. A. Joukovski (bien que certaines œuvres poétiques russes des années 1790-1800 soient souvent attribuées au mouvement préromantique issu du sentimentalisme). Dans le romantisme russe, on s'affranchit des conventions classiques, une ballade est créée, drame romantique. Une nouvelle idée s'établit sur l'essence et le sens de la poésie, qui est reconnue comme une sphère indépendante de la vie, une expression des aspirations idéales les plus élevées de l'homme ; l'ancienne vision, selon laquelle la poésie semblait être un divertissement vide de sens, quelque chose de tout à fait utile, s'avère n'être plus possible.
La première poésie de A. S. Pouchkine s'est également développée dans le cadre du romantisme. La poésie de M. Yu. Lermontov, le « Byron russe », peut être considérée comme le summum du romantisme russe. Paroles philosophiques F.I. Tyutchev est à la fois l'achèvement et le dépassement du romantisme en Russie.
Les héros sont des individus brillants et exceptionnels vivant dans des circonstances inhabituelles. Le romantisme se caractérise par l’impulsion, l’extraordinaire complexité et la profondeur intérieure de l’individualité humaine. Déni des autorités artistiques. Il n’y a pas de barrières de genre ni de distinctions stylistiques. Seul le désir d'une totale liberté d'imagination créatrice. On peut citer par exemple les plus grands poète français et l'écrivain Victor Hugo et son voyage mondial roman célèbre"Cathédrale Notre Dame"
Classicisme (du latin classicus - exemplaire) - style artistique art européen XVII-XIX siècles, dont l'une des caractéristiques les plus importantes était l'appel à l'art ancien comme modèle le plus élevé et le recours aux traditions de la Haute Renaissance. L'art du classicisme reflétait les idées d'une structure harmonieuse de la société, mais les perdait à bien des égards par rapport à la culture de la Renaissance. Les conflits entre personnalité et société, idéal et réalité, sentiments et raison témoignent de la complexité de l'art du classicisme. Les formes artistiques du classicisme se caractérisent par une organisation stricte, l'équilibre, la clarté et l'harmonie des images.
Le classicisme est associé aux Lumières et reposait sur les idées du rationalisme philosophique, sur les idées sur les lois rationnelles du monde. Conformément aux idées éthiques sublimes et au programme éducatif de l'art, l'esthétique du classicisme a établi une hiérarchie de genres - « élevés » (tragédie, épopée, ode, histoire, mythologie, peinture religieuse, etc.) et « bas » (comédie, satire, fable, morceau de conversation etc.). En littérature (tragédies de P. Corneille, J. Racine, Voltaire, comédies de Molière, poème « L'Art de la poésie » et satires de N. Boileau, fables de J. Lafontaine, prose de F. La Rochefoucauld, J. Labruyère en France, les œuvres de la période de Weimar de I.V. Goethe et F. Schiller en Allemagne, les odes de M.V. Lomonosov et G.R. Derzhavin, les tragédies d'A.P. Sumarokov et Ya.B. rôle. Pour l'art théâtral (Mondori, Duparc, M. Chanmele, A.L. Leken, F.J. Talma, Rachel en France, F.C. Neuber en Allemagne, F.G. Volkov, I.A. Dmitrevsky en Russie) Caractérisé par une structure solennelle et statique des représentations et une lecture mesurée de la poésie.
Les principales caractéristiques du classicisme russe : appel aux images et aux formes de l'art ancien ; les héros sont clairement divisés en positifs et négatifs ; l'intrigue est généralement basée sur un triangle amoureux : l'héroïne est le héros-amant, le deuxième amant ; à la fin de la comédie classique, le vice est toujours puni, et le bien triomphe ; le principe des trois unités : le temps (l'action ne dure pas plus d'un jour), le lieu, l'action. On peut citer par exemple la comédie « Le Mineur » de Fonvizine. Dans cette comédie, Fonvizin tente de mettre en œuvre l'idée principale du classicisme : rééduquer le monde avec une parole raisonnable. Les héros positifs parlent beaucoup de moralité, de vie à la cour et du devoir d'un noble. Caractères négatifs devenir une illustration d’un comportement inapproprié. Derrière le choc des intérêts personnels, on peut voir postes publics héros.
Le classicisme se fonde sur les idées du rationalisme issues de la philosophie de Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).
Parmi les styles artistiques, le classicisme, qui s'est répandu dans les pays avancés du monde entre le XVIIe et le début du XIXe siècle, n'est pas négligeable. Il devient l'héritier des idées des Lumières et se manifeste dans presque tous les types d'art européen et russe. Il entre souvent en conflit avec le baroque, notamment lors de sa formation en France.
Chaque pays a sa propre époque de classicisme. Il s'est développé pour la première fois en France - au XVIIe siècle, et un peu plus tard - en Angleterre et en Hollande. En Allemagne et en Russie, cette tendance s'est établie plus près du milieu du XVIIIe siècle, alors que l'époque du néoclassicisme avait déjà commencé dans d'autres pays. Mais ce n’est pas si important. Une autre chose est plus importante : cette direction est devenue le premier système sérieux dans le domaine de la culture, qui a jeté les bases de son développement ultérieur.
Qu’est-ce que le classicisme en tant que mouvement ?
Le nom vient du mot latin classicus, qui signifie « exemplaire ». Le principe principal s'est manifesté dans l'appel aux traditions de l'Antiquité. Ils étaient perçus comme la norme à laquelle il fallait tendre. Les auteurs des œuvres ont été attirés par des qualités telles que la simplicité et la clarté de la forme, la concision, la rigueur et l'harmonie en tout. Cela s'appliquait à toutes les œuvres créées à l'époque du classicisme : littéraires, musicales, picturales, architecturales. Chaque créateur a cherché à trouver à chaque chose sa place, claire et strictement définie.
Principales caractéristiques du classicisme
Tous les types d'art étaient caractérisés par Fonctionnalités suivantes qui vous aident à comprendre ce qu'est le classicisme :
- une approche rationnelle de l'image et l'exclusion de tout ce qui touche à la sensualité ;
- le but principal d'une personne est de servir l'État ;
- des canons stricts en tout ;
- une hiérarchie établie des genres dont le mélange est inacceptable.
Concrétisation des caractéristiques artistiques
L'analyse de différents types d'art permet de comprendre comment le style du « classicisme » s'est incarné dans chacun d'eux.
Comment le classicisme s'est réalisé dans la littérature
Dans ce type d'art, le classicisme était défini comme une direction particulière dans laquelle s'exprimait clairement le désir de rééduquer avec des mots. Les auteurs d’œuvres d’art croyaient en un avenir heureux où prévaudraient la justice, la liberté de tous les citoyens et l’égalité. Cela signifiait avant tout la libération de toutes les formes d’oppression, y compris religieuse et monarchique. Le classicisme en littérature exigeait certainement le respect de trois unités : l'action (pas plus d'une scénario), l'heure (tous les événements se déroulent dans une journée), le lieu (il n'y a eu aucun mouvement dans l'espace). Une plus grande reconnaissance dans ce style a été accordée à J. Molière, Voltaire (France), L. Gibbon (Angleterre), M. Twain, D. Fonvizin, M. Lomonosov (Russie).
Développement du classicisme en Russie
La nouvelle direction artistique s'est imposée dans l'art russe plus tard que dans d'autres pays - plus près du milieu du XVIIIe siècle - et a occupé une position de leader jusqu'au premier tiers du XIXe siècle. Le classicisme russe, contrairement au classicisme d’Europe occidentale, s’appuyait davantage sur les traditions nationales. C'est là que se manifeste son originalité.
Il s’agit d’abord de l’architecture, où il atteint son apogée. Cela était dû à la construction nouvelle capitale et la croissance des villes russes. La réalisation des architectes a été la création de palais majestueux, de bâtiments résidentiels confortables et de domaines de la noblesse. La création d'ensembles architecturaux en centre-ville, qui font pleinement comprendre ce qu'est le classicisme, mérite une attention particulière. Il s'agit par exemple des bâtiments de Tsarskoïe Selo (A. Rinaldi), de la Laure Alexandre Nevski (I. Starov), de la flèche de l'île Vassilievski (J. de Thomon) à Saint-Pétersbourg et bien d'autres.
Le point culminant du travail des architectes peut être appelé la construction du Palais de Marbre selon le projet de A. Rinaldi, dans la décoration duquel la pierre naturelle a été utilisée pour la première fois.
Non moins célèbre est Petrodvorets (A. Schlüter, V. Rastrelli), qui est un exemple d'art paysager. De nombreux bâtiments, fontaines, sculptures, l'aménagement lui-même, tout étonne par sa proportionnalité et sa propreté d'exécution.
Direction littéraire en Russie
Le développement du classicisme dans la littérature russe mérite une attention particulière. Ses fondateurs étaient V. Trediakovsky, A. Kantemir, A. Sumarokov.
Cependant, la plus grande contribution au développement du concept de ce qu'est le classicisme a été apportée par le poète et scientifique M. Lomonossov. Il a développé un système de trois styles, qui a déterminé les exigences pour l'écriture d'œuvres d'art et a créé un modèle de message solennel - une ode, qui était la plus populaire dans la littérature de la seconde moitié du XVIIIe siècle.
Les traditions du classicisme se sont pleinement manifestées dans les pièces de D. Fonvizin, notamment dans la comédie « Le Mineur ». Outre le respect obligatoire des trois unités et le culte de la raison, les caractéristiques de la comédie russe comprennent les points suivants :
- une division claire des héros en négatifs et positifs et la présence d'un raisonneur exprimant la position de l'auteur ;
- la présence d'un triangle amoureux ;
- la punition du vice et le triomphe du bien en finale.
Les œuvres de l’ère du classicisme en général sont devenues l’élément le plus important du développement de l’art mondial.
Qu’est-ce que le classicisme ?
Classicisme est un mouvement artistique qui s'est développé dans la littérature européenne du XVIIe siècle, basé sur la reconnaissance de l'art ancien comme exemple le plus élevé, idéal et des œuvres de l'Antiquité comme norme artistique. L’esthétique repose sur le principe du rationalisme et de « l’imitation de la nature ». Culte de l'esprit. Une œuvre d’art est organisée comme un tout artificiel et logiquement construit. Intrigue stricte et organisation compositionnelle, schématisme. Les personnages humains sont représentés de manière simple ; positif et héros négatifs sont opposés. Aborder activement les questions sociales et civiles. Objectivité soulignée du récit. Hiérarchie stricte des genres. Haut : tragédie, épopée, ode. Faible : comédie, satire, fable. Le mélange des genres hauts et bas n'est pas autorisé. Le genre phare est la tragédie.
Le classicisme est entré dans l’histoire de la littérature en tant que concept à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Ses principales caractéristiques ont été déterminées conformément à la théorie dramatique du XVIIe siècle et aux idées principales du traité L'Art Poétique de N. Boileau (1674). Le classicisme était considéré comme un mouvement orienté vers l’art ancien. La définition du classicisme mettait avant tout l'accent sur le désir de clarté et de précision de l'expression, de comparaison avec les modèles anciens et de stricte subordination aux règles. A l'ère du classicisme, les principes des trois unités s'imposent (unité de temps, unité de lieu, unité d'action), qui deviennent le symbole des trois règles définissant l'organisation du temps artistique, espace artistique et les événements dramatiques. Le classicisme doit sa longévité au fait que les écrivains de ce mouvement ont compris leur propre créativité non pas comme un moyen d'expression personnelle, mais comme la norme du véritable art, adressé à l'universel, immuable, à la belle nature comme catégorie constante. Une sélection stricte, l'harmonie de la composition, un ensemble de thèmes spécifiques, des motifs, le matériau de la réalité, devenu l'objet d'une réflexion artistique dans le mot, étaient pour les écrivains classiques une tentative de surmonter esthétiquement les contradictions de la vie réelle. La poésie du classicisme recherche la clarté du sens et la simplicité de l'expression stylistique. Bien que dans le classicisme tel genres de prose, comme les aphorismes (maximes) et les caractères, ont une signification particulière œuvres dramatiques et le théâtre lui-même, capable de remplir de manière brillante et organique des fonctions à la fois moralisatrices et divertissantes.
La norme esthétique collective du classicisme est la catégorie du bon goût, développée par la soi-disant bonne société. Le goût du classicisme préfère la brièveté à la verbosité, la prétention et la complexité de l'expression - clarté et simplicité, extravagante - décence. La loi fondamentale du classicisme est la vraisemblance artistique, qui représente les choses et les personnes telles qu'elles devraient être selon les normes morales, et non telles qu'elles sont en réalité. Les personnages du classicisme sont construits sur l'identification d'un trait dominant, qui devrait en faire des types humains universels.
Les exigences mises en avant par le classicisme en matière de simplicité et de clarté du style, de contenu sémantique des images, de sens des proportions et de normes dans la construction, l'intrigue et l'intrigue des œuvres conservent encore leur pertinence esthétique.
Classicisme(de lat. classique– exemplaire), comme le baroque, s’avère être un phénomène à l’échelle paneuropéenne. La poétique du classicisme a commencé à prendre forme à la fin de la Renaissance en Italie. Au seuil du classicisme se trouve la tragédie du dramaturge italien G. Trissino « Sofonisba » (1515), écrite à l'imitation des tragédiens antiques. Il présente des caractéristiques qui deviendront plus tard caractéristiques du drame classique : une intrigue logiquement structurée, le recours au mot plutôt qu'à l'action scénique, la rationalité et le caractère supra-individuel des personnages. La « Poétique » (1561) de l'Italien J. Ts. Scaliger, qui anticipa avec succès le goût du siècle prochain, le siècle de la logique et de la raison, eut une influence significative sur la formation du classicisme dans les pays européens. Et pourtant, la formation du classicisme a duré tout un siècle et, en tant que système artistique intégral, le classicisme s'est d'abord développé en France pour milieu du XVIIe siècle siècle.
Le développement du classicisme en France est étroitement lié à l'établissement et à l'épanouissement d'un pouvoir royal centralisé ( monarchie absolue). L'État à pouvoir unique limitait les droits de l'aristocratie féodale volontaire, cherchait à définir et à réglementer par la loi les relations entre l'individu et l'État et à distinguer clairement les sphères de la vie privée et personnelle. L'esprit de réglementation et de discipline s'étend à la sphère de la littérature et de l'art, déterminant leur contenu et leurs caractéristiques formelles. Afin de contrôler la vie littéraire, l'Académie française est créée à l'initiative du premier ministre, le cardinal Richelieu, et le cardinal lui-même intervient à plusieurs reprises dans les conflits littéraires dans les années 1630.
Les canons du classicisme ont pris forme dans des polémiques acerbes avec la littérature de précision, ainsi qu'avec les dramaturges espagnols (Lope de Vega, Tirso de Molina). Ce dernier ridiculise notamment l’exigence de l’unité du temps. (« Quant à vos 24 heures, quoi de plus absurde, que l'amour, commençant en pleine journée, se termine le soir par un mariage ! ») Poursuivant certaines traditions de la Renaissance (admiration pour l'Antiquité, foi en la raison , idéal d'harmonie et de modération), le classicisme était la Renaissance et une sorte d'antithèse, qui le rendait semblable, malgré toutes ses profondes différences, au baroque.
Les humanistes de la Renaissance accordaient la plus grande valeur à la libre expression de la nature humaine. Leur héros est une personnalité harmonieuse, affranchie du pouvoir de la corporation immobilière et sans retenue dans son individualisme. Les humanistes du XVIIe siècle - les fondateurs du classicisme -, en raison de l'expérience historique européenne, les passions semblaient être une force destructrice et anarchique, générée par l'égoïsme. Lors de l'évaluation d'une personne, les normes morales (vertus) sont désormais prioritaires. Le contenu principal de la créativité dans le classicisme réside dans les contradictions entre la nature naturelle de l'homme et le devoir civique, entre ses passions et la raison, qui ont donné lieu à des conflits tragiques.
Les classiques voyaient le but de l'art dans la connaissance de la vérité, qui constitue pour eux l'idéal de beauté. Les classiques proposent une méthode pour y parvenir, basée sur trois catégories centrales de leur esthétique : la raison, le modèle et le goût (ces mêmes concepts deviennent aussi des critères objectifs de l'art). Pour créer une grande œuvre, selon les classiques, il faut suivre les préceptes de la raison, en s'appuyant sur des œuvres « exemplaires », c'est-à-dire classiques, de l'Antiquité (antiquité) et guidé par les règles du bon goût (« le bon goût » est le juge suprême du « beau »). Ainsi, les classiques introduisent des éléments d'activité scientifique dans la créativité artistique.
Les principes de la poétique et de l'esthétique classiques sont déterminés par le système de vues philosophiques de l'époque, basé sur le rationalisme de Descartes. Pour lui, la raison est le critère le plus élevé de vérité. En utilisant une méthode analytique rationnelle, on peut pénétrer dans l'essence et le but idéaux de tout objet ou phénomène, comprendre les lois éternelles et immuables qui sous-tendent l'ordre mondial, et donc la base de la créativité artistique.
Le rationalisme a contribué à surmonter les préjugés religieux et la scolastique médiévale, mais il avait aussi ses propres côté faible. La paix dans ce système philosophiqueétait considéré d'un point de vue métaphysique - comme immuable et immobile.
Ce concept a convaincu les classiques que l'idéal esthétique est éternel et inchangé à tout moment, mais il a été incarné avec la plus grande complétude et perfection dans l'art de l'Antiquité. Pour reproduire cet idéal, il faut se tourner vers l’art ancien et étudier minutieusement ses règles et lois. En même temps, en conséquence idéaux politiques XVIIe siècle, Attention particulière attiré l'art de la Rome impériale (l'ère de la concentration du pouvoir entre les mains d'une seule personne - l'empereur), la poésie de « l'âge d'or » - l'œuvre de Virgile, Ovide, Horace. Outre la « Poétique » d'Aristote, N. Boileau s'appuie sur « l'Épître à Piso » d'Horace dans son traité poétique « L'Art poétique » (1674), rassemblant et généralisant les principes théoriques du classicisme, résumant pratique artistique leurs prédécesseurs et contemporains.
En essayant de recréer le monde de l'Antiquité (« anobli » et « corrigé »), les classiques n'en empruntent que des « vêtements ». Quoique Boileau, s'adressant aux écrivains contemporains, écrive :
Et vous devez étudier les coutumes des pays et des années.
Après tout, le climat ne peut qu’influencer les gens.
Mais attention à ne pas être saturé de mauvais goût vulgaire
Avec l’esprit français de Rome... –
ce n'est rien de plus qu'une déclaration. Dans la pratique littéraire du classicisme, les personnages des XVIIe et XVIIIe siècles se cachent sous les noms de héros antiques, et les intrigues anciennes révèlent avant tout la formulation des problèmes les plus urgents de notre temps. Le classicisme est fondamentalement anhistorique, puisqu’il est guidé par les lois « éternelles et immuables » de la raison.
Les classiques proclament le principe de l'imitation de la nature, mais en même temps ils ne s'efforcent pas du tout de reproduire la réalité dans son intégralité. Ils ne s’intéressent pas à ce qui est, mais à ce qui devrait être selon les idées de leur esprit. Tout ce qui ne correspond pas au modèle et au « bon goût » est exclu de l’art et déclaré « indécent ». Dans les cas où il faut reproduire le laid, celui-ci est esthétiquement transformé :
Incarné dans l'art, à la fois monstre et reptile
Nous sommes toujours satisfaits du regard méfiant :
Le pinceau de l'artiste nous montre la transformation
Des objets abominables en objets d'admiration...
Un autre problème clé de la poétique classique est celui de la vérité et de la vraisemblance. Un écrivain doit-il décrire des phénomènes exceptionnels, incroyables, hors du commun, mais inscrits dans l'histoire (« vérité »), ou créer des images et des situations fictives, mais conformes à la logique des choses et aux exigences de la raison (c'est-à-dire « plausibles ») ? ") ? Boileau privilégie le deuxième groupe de phénomènes :
Ne nous tourmentez pas avec l’incroyable et dérangeant l’esprit :
Et parfois, la vérité ne ressemble pas à la vérité.
Je ne me réjouirai pas de merveilleuses bêtises :
L’esprit ne se soucie pas de ce qu’il ne croit pas.
La notion de vraisemblance sous-tend également le personnage classique : le héros tragique ne peut être « mesquin et insignifiant »,
Mais pourtant, sans faiblesses, son caractère est faux.
Achille nous captive par son ardeur,
Mais s'il pleure, je l'aime davantage.
Après tout, dans ces petites choses, la nature prend vie,
Et véritablement, l’image nous étonne.
(N. Boileau, "L'Art Poétique")
Boileau est proche de la position de J. Racine qui, s'appuyant sur la « Poétique » d'Aristote, dans la préface de la tragédie « Andromaque », écrivait à propos de ses héros qu'« ils devraient être des gens ordinaires dans leur vie ». qualités spirituelles, en d'autres termes, avoir de la vertu, mais être sujet à des faiblesses, et des malheurs doivent leur arriver à la suite d'une erreur capable de susciter pour eux de la pitié et non du dégoût.
Tous les classiques ne partageaient pas ce concept. Le fondateur de la tragédie classique française, P. Corneille, s'est tourné vers la création de personnages exceptionnels. Ses héros ne font pas monter les larmes aux yeux du public, mais suscitent une admiration indéniable pour leur résilience et leur héroïsme. Dans la préface de sa tragédie « Nicomède », Corneille déclarait : « La tendresse et les passions, qui devraient être l'âme de la tragédie, n'ont pas leur place ici : seule règne ici la grandeur héroïque, jetant sur ses douleurs un regard rempli d'un tel mépris qu'il n'en a pas. ne permet pas qu'on les arrache du cœur. personne, sauf par sa valeur et son amour... » Corneille motive le pouvoir de persuasion de ceux qu'il imagine avec le concept de vérité vitale et d'authenticité historique : « L'histoire qui m'a donné l'occasion de démontrer le plus haut degré de cette grandeur a été prise par. moi de Justin.
Le culte de la raison chez les classiques détermine également les principes de création de personnages - l'une des catégories esthétiques centrales du classicisme. Pour les classiques, le caractère n'implique pas un ensemble de traits individuels d'une personne particulière, mais incarne une certaine structure générale et en même temps éternelle de la nature humaine et de la psychologie. Ce n'est que sous l'aspect de l'éternel, de l'immuable et de l'universel que le personnage est devenu l'objet d'une étude artistique de l'art classique.
À la suite des théoriciens de l'Antiquité - Aristote et Horace - Boileau estime que « l'art » doit préserver « à chacun ses sentiments particuliers ». Ces « sentiments particuliers » déterminent la constitution psychologique d'une personne, faisant de l'un un dandy vulgaire, d'un autre un avare, d'un troisième un dépensier, etc. Le caractère était ainsi réduit à un trait dominant. Pouchkine a également noté que dans Molière, l'hypocrite Tartuffe « demande même un verre d'eau, l'hypocrite », et que l'avare Harpagon « est avare et rien de plus ». Il ne sert à rien d’y rechercher un contenu psychologique plus important. Quand Harpagon s'explique à sa bien-aimée, il se comporte en avare, et avec ses enfants il se comporte en avare. "Il n'y a qu'une seule peinture, mais elle est appliquée de plus en plus épaisse et, finalement, amène l'image à une invraisemblance psychologique quotidienne." Ce principe de typification a conduit à une division nette des héros en positifs, vertueux et négatifs, vicieux.
Les personnages des tragédies sont également déterminés par un trait dominant. L'unilinéarité des héros de Corneille souligne leur intégrité, qui justifie le « cœur » de leur caractère. C'est plus difficile pour Racine : la passion qui définit le caractère de ses personnages est elle-même contradictoire (il s'agit généralement de l'amour). L’épuisement de toute la gamme des nuances psychologiques de la passion est la méthode de caractérisation de Racine – une méthode, comme celle de Corneille, profondément rationaliste.
Incarnant des traits génériques et « éternels » dans son personnage, l'artiste classique lui-même cherchait à parler non pas à partir de son « je » spécial et unique, mais à partir de la position d'un homme d'État. C'est pourquoi les genres « objectifs » prédominent dans le classicisme - principalement dramatiques, et parmi genres lyriques prédominent celles où une orientation vers l'impersonnel, l'universellement signifiant (ode, satire, fable) est obligatoire.
La normativité et la rationalité de l’esthétique classique se manifestent également dans la stricte hiérarchie des genres. Il existe des genres « élevés » – tragédie, épopée, ode. Leur sphère est la vie publique, les événements historiques, la mythologie ; leurs héros sont des monarques, des généraux, des personnages historiques et mythologiques. Ce choix héros tragiques n'était pas tant déterminé par les goûts et l'influence de la cour, mais par la mesure de la responsabilité morale des personnes chargées du sort de l'État.
Les genres « élevés » s'opposent aux genres « bas » - comédie, satire, fable - adressés à la sphère de la vie quotidienne privée des nobles et des citadins. Une place intermédiaire est donnée aux genres « intermédiaires » - élégie, idylle, épître, sonnet, chanson. Représentant le monde intérieur d'un individu, ces genres n'occupaient aucune place notable à l'apogée de la littérature classique, imprégnée de hauts idéaux civiques. processus littéraire. Le temps de ces genres viendra plus tard : ils auront un impact significatif sur le développement de la littérature à l'ère de la crise du classicisme.
La prose, en particulier la fiction, est bien moins valorisée par les classiques que la poésie. « L'amour pensé en vers », s'exclame Boileau au début de son traité et « élève au Parnasse » seulement genres poétiques. Les genres de prose à caractère principalement informatif - sermons, mémoires, lettres - se généralisent. Dans le même temps, la prose scientifique, philosophique et épistolaire, devenue domaine public à l'ère du culte de la science, acquiert les traits d'une œuvre véritablement littéraire et a déjà une valeur non seulement scientifique ou historique, mais aussi esthétique (« Lettres d'un Provinciales » et « Pensées » de B. Pascal, « Maximes ou réflexions morales » de F. de La Rochefoucauld, « Personnages » de J. de La Bruyère, etc.).
Chaque genre du classicisme a des limites strictes et des caractéristiques formelles claires. Aucun mélange du sublime et du vil, du tragique et du comique, de l'héroïque et de l'ordinaire n'est permis : ce qui est permis dans la satire est exclu dans la tragédie, ce qui est bon dans la comédie est inacceptable dans l'épopée. Une « loi particulière de l'unité de style » règne ici (G. Gukovsky) - chaque unité de genre a son propre canon de style formel strict. Les genres mixtes, par exemple la tragi-comédie, très populaire dans la première moitié du XVIIe siècle, sont repoussés hors des frontières de la « vraie littérature ». « Désormais, seul l’ensemble du système des genres est capable d’exprimer la diversité de la vie. »
L'approche rationaliste a également déterminé l'attitude envers la forme poétique :
Vous apprenez à penser, puis à écrire.
La parole suit la pensée ; plus clair ou plus foncé
Et la phrase est calquée sur l’idée ;
Ce qui est clairement compris sera clairement entendu,
Et le mot exact viendra immédiatement.
(N. Boileau, "L'Art Poétique")
Chaque œuvre doit être strictement pensée, la composition doit être logiquement structurée, les parties individuelles doivent être proportionnées et indissolubles, le style doit être clair jusqu'à la transparence, le langage doit être laconique et précis. Le concept de mesure, de proportion, de symétrie est inhérent non seulement à la littérature, mais aussi à tous culture artistique classicisme - architecture, peinture, art du paysage. La pensée scientifique et artistique de l’époque a un caractère mathématique prononcé.
En architecture, les bâtiments publics qui expriment l’idée d’État commencent à donner le ton. Les schémas de planification reposent sur des formes géométriques régulières (carré, triangle, cercle). Les architectes classiques maîtrisaient la construction d'un immense complexe composé d'un palais et d'un parc. Ils deviennent capables de compositions détaillées et mathématiquement vérifiées. En France, les nouvelles tendances s'incarnent d'abord pleinement dans l'ensemble grandiose de Versailles (1661-1689, architectes L. Levo, A. Le Nôtre, J. Hardouin-Mansart, etc.).
Les peintures des classiques se distinguent également par leur clarté, leur logique et leur harmonie compositionnelle. N. Poussin, créateur et chef du classicisme français en peinture, a choisi des sujets qui donnaient matière à réflexion à l'esprit, cultivaient la vertu chez une personne et lui enseignaient la sagesse. Il a trouvé ces histoires principalement dans la mythologie ancienne et histoire légendaire Rome. Ses tableaux « La Mort de Germanicus » (1627), « La Prise de Jérusalem » (1628) et « Le Viol des Sabines » (1633) sont consacrés à la représentation d’« actions héroïques et inhabituelles ». La composition de ces peintures est strictement ordonnée ; elle ressemble à la composition des bas-reliefs antiques (les personnages sont situés dans un espace peu profond, divisé en plusieurs plans). Poussin, de manière presque sculpturale, dessine clairement les volumes des personnages, vérifie soigneusement leur structure anatomique et dispose leurs vêtements selon des plis classiques. La répartition des couleurs dans le tableau est également soumise à la même stricte harmonie.
Des lois strictes régnaient également dans l'art verbal. Ces lois ont été établies particulièrement strictement pour les genres élevés, exprimés sous la forme poétique obligatoire. Ainsi, la tragédie, comme l’épopée, devait être présentée dans des vers alexandrins majestueux. L'intrigue de la tragédie, historique ou mythologique, était tirée des temps anciens et était généralement connue du spectateur (plus tard, les classiques ont commencé à tirer le matériel de leurs tragédies de histoire orientale, et les classiques russes préféraient les sujets tirés de leur propre histoire nationale). La familiarité de l'intrigue a amené le spectateur à ne pas percevoir une intrigue complexe et complexe, mais à analyser les expériences émotionnelles et les aspirations opposées des personnages. Selon la définition de G. A. Gukovsky, « la tragédie classique n'est pas un drame d'action, mais un drame de conversation ; le poète classique ne s'intéresse pas aux faits, mais à l'analyse directement formée dans le mot ».
Les lois de la logique formelle déterminaient la structure des genres dramatiques, principalement la tragédie, censée se composer de cinq actes. Les comédies pouvaient aussi être en trois actes (les comédies en un acte apparaîtraient au XVIIIe siècle), mais en aucun cas en quatre ou deux actes. Les classiques ont élevé le principe des trois unités - lieu, action et temps, formulé dans les traités de G. Trissino et Y. Scaliger, basés sur la Poétique d'Aristote, en une loi incontestable pour les genres dramatiques. Selon la règle de l'unité de lieu, toute l'action de la pièce doit se dérouler en un seul lieu : un palais, une maison ou même une pièce. L'unité de temps exigeait que toute l'action de la pièce ne s'étende pas sur plus d'une journée, et plus elle correspondait à la durée de la représentation - trois heures - mieux c'était. Enfin, l'unité d'action impliquait que les événements décrits dans la pièce aient leur propre début, développement et fin. De plus, la pièce ne doit pas contenir d'épisodes ou de personnages « supplémentaires » qui ne sont pas directement liés au développement de l'intrigue principale. Sinon, croyaient les théoriciens du classicisme, la diversité des impressions empêchait le spectateur de percevoir le « fondement raisonnable » de la vie.
L'exigence de trois unités a radicalement changé la structure du drame, car elle a obligé les dramaturges à décrire non pas l'ensemble du système d'événements (comme c'était le cas, par exemple, dans la pièce de mystère médiévale), mais seulement l'épisode qui complète tel ou tel événement. . Les événements eux-mêmes étaient « retirés de la scène » et pouvaient couvrir une longue période de temps, mais ils étaient de nature rétrospective et le spectateur les apprenait grâce aux monologues et aux dialogues des personnages.
Au début, les trois unités n'étaient pas formelles. Le principe sous-jacent de la vraisemblance, principe fondamental du classicisme, s'est formé dans la lutte avec les traditions du théâtre médiéval, avec ses pièces dont l'action s'étendait parfois sur plusieurs jours, impliquant des centaines d'interprètes, et l'intrigue était remplie de tous sortes de miracles et d'effets naturalistes naïfs. Mais, élevant le principe des trois unités en règle inébranlable, les classiques n'ont pas pris en compte les particularités de la perception subjective de l'art, qui permet l'illusion artistique, la non-identité de l'image artistique avec l'objet reproduit. Les romantiques, qui ont découvert la « subjectivité » du spectateur, commenceront à l'assaut du théâtre classique en renversant la règle des trois unités.
Le genre a suscité un intérêt particulier de la part des écrivains et des théoriciens du classicisme. des épopées, ou poème héroïque, que Boileau plaçait même au-dessus de la tragédie. Ce n’est que dans l’épopée, selon Boileau, que le poète « a gagné de l’espace/pour captiver notre esprit et notre regard avec une invention noble ». Les poètes classiques sont attirés vers l'épopée par un thème héroïque particulier basé sur les événements les plus importants du passé, et par des héros exceptionnels par leurs qualités, et par la manière de raconter les événements, que Boileau formule ainsi :
Laissez votre histoire être dynamique, claire, concise,
Et dans les descriptions c'est à la fois magnifique et riche.
Comme dans la tragédie, une attitude morale et didactique est importante dans l'épopée. Représentant des temps héroïques, l'épopée, selon V. Trediakovsky, donne « une instruction ferme à la race humaine, lui apprenant à aimer la vertu » (« Prédiction du poème héroïque », 1766).
Dans la structure artistique de l'épopée, Boileau attribue un rôle déterminant à la fiction (« En mettant le mythe pour fondement, il vit de fiction... »). L’attitude de Boileau à l’égard de la mythologie antique et chrétienne est systématiquement rationaliste : mythe ancien l'attire par la transparence de l'allégorie, qui ne contredit pas la raison. Les miracles chrétiens ne peuvent faire l’objet d’une incarnation esthétique ; de plus, selon Boileau, leur utilisation en poésie peut compromettre les dogmes religieux (« les sacrements du Christ ne sont pas utilisés pour le plaisir »). Pour caractériser l'épopée, Boileau s'appuie sur l'épopée ancienne, principalement l'Énéide de Virgile.
Critiquant « l'épopée chrétienne » de T. Tasso (« Jérusalem libérée »), Boileau s'oppose également à l'épopée héroïque nationale basée sur des matériaux du haut Moyen Âge (« Alaric » de J. Scuderi, « La Vierge » de J. Chaplin) . Le classique Boileau n'accepte pas le Moyen Âge comme une époque de « barbarie », ce qui signifie que les sujets tirés de cette époque ne peuvent avoir pour lui une valeur esthétique et didactique.
Les principes de l'épopée formulés par Boileau, orientés vers Homère et Virgile, n'ont pas été mis en œuvre pleinement et globalement dans littérature XVII siècle. Ce genre a déjà dépassé son utilité, et I. G. Herder, le théoricien du mouvement littéraire en Allemagne « Tempête et Drang » (années 70 du XVIIIe siècle), du point de vue de l'historicisme, a expliqué l'impossibilité de sa résurrection (il parle du épopée ancienne) : "L'épopée appartient à l'enfance de l'humanité." DANS XVIIIe siècle les tentatives de créer une épopée héroïque basée sur le matériel national dans le cadre du système artistique classique furent d'autant plus infructueuses (« Henriada » de Voltaire, 1728 ; « Rossiyada » de M. Kheraskov, 1779).
L'ode, l'un des genres principaux du classicisme, a également une forme stricte. Son trait obligatoire est le « désordre lyrique », qui présuppose le libre développement de la pensée poétique :
Laissez le style orageux d'Odes se précipiter au hasard :
Sa tenue est magnifique avec ses belles rides.
Loin des rimeurs timides, dont l'esprit est flegmatique
L'ordre dogmatique est maintenu dans les passions elles-mêmes...
(N. Boileau, "L'Art Poétique")
Et pourtant, cet « ordre dogmatique » a été strictement respecté. L'ode, comme un discours oratoire, se composait de trois parties : une « attaque », c'est-à-dire une introduction au sujet, une discussion où ce sujet était développé et une conclusion énergique et émotionnelle. Le « désordre lyrique » est de nature purement extérieure : passant d'une pensée à l'autre, introduisant des digressions lyriques, le poète a subordonné la construction de l'ode au développement de l'idée principale. Le lyrisme de l'ode n'est pas individuel, mais, pour ainsi dire, collectif ; il exprime « les aspirations et les aspirations de tout l'organisme étatique » (G. Gukovsky).
Contrairement à la tragédie et à l'épopée « hautes », les « genres bas » classiques - la comédie et la satire - sont appliqués à la vie quotidienne moderne. Le but de la comédie est d'éduquer, de ridiculiser les défauts, de « gouverner l'humeur par la moquerie ;/de faire rire les gens et d'utiliser ses règles directes » (A. Sumarokov). Le classicisme rejetait le pamphlétariat (c'est-à-dire dirigé contre des individus spécifiques) comédie satirique Aristophane. Le comédien s'intéresse aux vices humains universels dans leurs manifestations quotidiennes - paresse, gaspillage, avarice, etc. Mais cela ne veut pas dire que la comédie classique est dépourvue de contenu social. Le classicisme se caractérise par une orientation idéologique et morale-didactique claire, et donc l'appel à des questions socialement significatives a donné à de nombreuses comédies classiques un son social et même d'actualité ("Tartuffe", "Don Juan", "Le Misanthrope" de Molière ; "Le Brigadier", "Le Mineur" de D. Fonvizin ; "Sneak" de V. Kapnist).
Dans ses jugements sur la comédie, Boileau se concentre sur la comédie morale « sérieuse », présentée dans l'Antiquité par Ménandre et Térence, et dans les temps modernes par Molière. Boileau considère « Le Misanthrope » et « Tartuffe » comme les plus hautes réalisations de Molière, mais reproche au comédien d'utiliser les traditions de la farce populaire, les jugeant grossières et vulgaires (la comédie « Les Astuces de Scapin »). Boileau prône la création d'une comédie de personnages par opposition à une comédie d'intrigues. Plus tard, ce type de comédie classique, abordant des problèmes d'importance sociale ou socio-politique, se verra attribuer la définition de « haute » comédie.
La satire a beaucoup de points communs avec la comédie et la fable. Tous ces genres ont un sujet de représentation commun - les défauts et les vices humains, une évaluation émotionnelle et artistique commune - le ridicule. Au coeur structure de composition la satire et la fable résident dans la combinaison des principes de l'auteur et du récit. L'auteur de satire et de fable utilise souvent le dialogue. Cependant, contrairement à la comédie, dans la satire, le dialogue n'est pas lié à l'action, à un système d'événements, et la représentation des phénomènes de la vie, contrairement à une fable, dans la satire est basée sur une image directe plutôt qu'allégorique.
Poète satirique par son talent, Boileau s'écarte en théorie de l'esthétique antique, qui classait la satire comme un genre « bas ». Il considère la satire comme un genre socialement actif. Donnant une description détaillée de la satire, Boileau rappelle les satiristes romains Lucilius, Horace et Persius Flaccus, qui dénonçaient avec audace les vices des puissants. Mais il met Juvénal au dessus de tout. Et bien que le théoricien français note les origines « régionales » de la satire du poète romain, son autorité sur Boileau est incontestable :
Ses poèmes vivent de la terrible vérité,
Et pourtant, leur beauté scintille ici et là.
Le tempérament du satiriste l'a emporté sur les postulats théoriques chez Boileau et dans sa défense du droit à la satire personnelle, dirigée contre des particuliers, à chacun des personnes célèbres(« Discours sur la satire » ; il est caractéristique que Boileau ne reconnaisse pas la satire des visages dans la comédie). Cette technique a apporté une couleur journalistique d’actualité à la satire classique. Le classique-satiriste russe A. Kantemir a également largement utilisé la technique de la satire sur les visages, donnant à ses personnages « supra-individualistes », personnifiant une sorte de vice humain, un portrait ressemblant à ses ennemis.
L'apport important du classicisme à la poursuite du développement la littérature a été le développement d'un langage clair et harmonieux d'œuvres artistiques (« Ce qui est clairement compris sonnera clairement »), libéré du vocabulaire étranger, capable d'exprimer divers sentiments et expériences (« La colère est fière, - il a besoin de mots arrogants, / Mais les chagrins et les plaintes ne sont pas si intenses »), corrélés aux caractères et à l'âge des personnages (« Choisissez donc bien votre langue : / Un vieil homme ne peut pas parler comme un jeune »).
La formation du classicisme en France et en Russie commence par des réformes linguistiques et poétiques. En France, ce travail a été lancé par F. Malherbe, qui fut le premier à proposer la notion de bon goût comme critère de compétence artistique. Malherbe a beaucoup fait pour nettoyer la langue française de nombreux provincialismes, archaïsmes et dominance de mots latins et grecs empruntés introduits dans la circulation littéraire par les poètes des Pléiades au XVIe siècle. Malherbe a procédé à une codification de la langue littéraire française, en éliminant tout ce qui y est aléatoire, en se concentrant sur l'oralité des gens éclairés de la capitale, à condition que langue littéraire doit être compréhensible pour tous les segments de la population. La contribution de Malherbe au domaine de la versification française fut également significative. Les règles de mesure qu'il formule (lieu fixe de césure, interdiction des transferts d'une ligne poétique à une autre, etc.) entrent non seulement dans la poétique du classicisme français, mais sont également adoptées par la théorie et la pratique poétiques d'autres pays européens.
En Russie, un travail similaire fut réalisé un siècle plus tard par M. Lomonossov. La théorie des « trois calmes » de Lomonosov a éliminé la diversité et le désordre formes littéraires communication caractéristique de la littérature russe de la fin du XVIIe siècle - la première tiers du XVIII siècle, rationalisé l'usage des mots littéraires au sein d'un genre particulier, déterminant le développement du discours littéraire jusqu'à Pouchkine. Non moins importante est la réforme poétique de Trediakovsky-Lomonossov. En réformant la versification sur la base du système syllabique-tonique, inhérent à la langue russe, Trediakovsky et Lomonosov ont ainsi jeté les bases d'une culture poétique nationale.
Au XVIIIe siècle, le classicisme connaît sa deuxième apogée. L'influence déterminante sur celle-ci, ainsi que sur d'autres tendances stylistiques, est éclaircissement- un mouvement idéologique né dans des conditions de crise aiguë d'absolutisme et dirigé contre le système féodal-absolutiste et l'Église qui le soutient. Les idées des Lumières sont basées sur le concept philosophique de l'Anglais J. Locke, qui a proposé un nouveau modèle du processus de cognition, basé sur le sentiment, la sensation, comme seule source connaissance humaine sur le monde ("Essai sur l'esprit humain", 1690). Locke a rejeté de manière décisive la doctrine des « idées innées » de R. Descartes, comparant l'âme d'une personne née à une ardoise vierge (tabula rasa), où l'expérience écrit « ses propres écrits » tout au long de la vie.
Cette vision de la nature humaine a conduit à l'idée de l'influence déterminante sur la formation de la personnalité de l'environnement social et naturel, qui rend une personne bonne ou mauvaise. L'ignorance, la superstition et les préjugés générés par l'ordre social féodal déterminent, de l'avis des éducateurs, le désordre social et déforment la nature initialement morale de l'homme. Et seule l'éducation générale peut éliminer le décalage entre les relations sociales existantes et les exigences de la raison et de la nature humaine. La littérature et l’art ont commencé à être considérés comme l’un des principaux outils de transformation et de rééducation de la société.
Tout cela a déterminé des fonctionnalités fondamentalement nouvelles dans Classicisme XVIII siècle. Tout en préservant les principes de base de l'esthétique classique dans l'art et la littérature du classicisme pédagogique, la compréhension du but et des objectifs d'un certain nombre de genres change considérablement. La transformation du classicisme dans l'esprit des principes des Lumières est particulièrement visible dans les tragédies de Voltaire. Rester fidèle à l'essentiel principes esthétiques classicisme, Voltaire s'efforce d'influencer non seulement l'esprit du public, mais aussi ses sentiments. Il recherche de nouveaux sujets et de nouveaux des moyens d'expression. Continuant à développer le thème antique familier au classicisme, Voltaire se tourne également dans ses tragédies vers des sujets médiévaux ("Tancred", 1760), orientaux ("Mahomet", 1742), associés à la conquête du Nouveau Monde ("Alzira", 1736). ). Il donne une nouvelle justification à la tragédie : « La tragédie est une peinture en mouvement, un tableau animé, et les gens qui y sont représentés doivent agir » (c'est-à-dire que Voltaire considère la dramaturgie non seulement comme l'art des mots, mais aussi comme l'art). du mouvement, du geste, des expressions faciales).
Voltaire remplit la tragédie classique d'un contenu philosophique et socio-politique aigu associé à problèmes actuels la modernité. Le dramaturge se concentre sur la lutte contre le fanatisme religieux, la tyrannie politique et le despotisme. Ainsi, dans l’une de ses tragédies les plus célèbres, « Mahomet », Voltaire prouve que toute déification d’une personnalité individuelle conduit finalement à un pouvoir incontrôlé sur les autres. L'intolérance religieuse conduit les héros de la tragédie « Zaïre » (1732) à un dénouement tragique, et des dieux impitoyables et des prêtres perfides poussent les mortels faibles aux crimes (« Œdipe », 1718). Dans l'esprit des grands enjeux de société, Voltaire repense et transforme l'épopée et l'ode héroïques.
Durant la période de la Grande Révolution française (1789-1794), le mouvement classiciste en vie littéraire a une signification particulière. Le classicisme de cette époque non seulement généralise et assimile les traits novateurs de la tragédie de Voltaire, mais restructure aussi radicalement les genres élevés. M. J. Chénier refuse de dénoncer le despotisme en général et c'est pourquoi il prend pour sujet de ses images non seulement l'Antiquité, mais aussi l'Europe des temps modernes (« Charles IX », « Jean Calas »). Le héros des tragédies de Chénier promeut les idées de droit naturel, de liberté et de droit, il est proche du peuple, et dans la tragédie, le peuple non seulement monte sur scène, mais agit également aux côtés du personnage principal ("Cai Gracchus", 1792 ). Le concept de l'État comme catégorie positive, opposée au personnel, individualiste, est remplacé dans l'esprit du dramaturge par la catégorie « nation ». Ce n'est pas un hasard si Chénier a qualifié sa pièce « Charles IX » de « tragédie nationale ».
Dans le cadre du classicisme de l'époque de la Révolution française, un nouveau type d'ode a été créé. Préservant le principe classique de la priorité de la raison sur la réalité, l'ode révolutionnaire inclut dans son monde des personnes partageant les mêmes idées. héros lyrique. L'auteur lui-même ne parle plus en son nom propre, mais au nom de ses concitoyens, en utilisant le pronom « nous ». Rouget de Lisle dans « La Marseillaise » prononce des slogans révolutionnaires comme s'il était avec ses auditeurs, les encourageant ainsi et lui-même à des changements révolutionnaires.
Le créateur d'un nouveau type de classicisme, correspondant à l'air du temps, en peinture fut J. David. Avec son tableau « Le Serment des Horaces » (1784), il entre dans les beaux-arts français nouveau sujet– civil, journalistique dans son expression directe, nouveau héros- Républicain romain, moralement intégral, mettant le devoir envers la patrie avant tout, une nouvelle manière - sévère et ascétique, contrastant avec le style de chambre raffiné Peinture française deuxième la moitié du XVIII siècle.
Sous l'influence de la littérature française au XVIIIe siècle, des modèles nationaux de classicisme se dessinent dans d'autres pays européens : en Angleterre (A. Pope, J. Addison), en Italie (V. Alfieri), en Allemagne (I. K. Gottsched). Dans les années 1770-1780, un phénomène artistique aussi original que le « classicisme de Weimar » (J. W. Goethe, F. Schiller) est apparu en Allemagne. Adressage formes artistiques et les traditions de l'Antiquité, Goethe et Schiller se sont donné pour tâche de créer nouvelle littérature le style élevé comme moyen principal éducation esthétique personne harmonieuse.
La formation et l’épanouissement du classicisme russe se situent dans les années 1730-1750 et se déroulent dans des conditions assez similaires à celles de la formation française d’un État absolutiste. Mais, malgré un certain nombre de points communs dans l'esthétique du classicisme russe et français (rationalisme, normativité et régulation des genres, abstraction et convention comme traits dominants de l'image artistique), la reconnaissance du rôle du monarque éclairé dans l'établissement d'une justice juste et fondée sur la loi ordre publique), le classicisme russe a ses propres caractéristiques nationales.
Les idées des Lumières ont alimenté le classicisme russe dès le début. L'affirmation de l'égalité naturelle des personnes conduit les écrivains russes à l'idée de la valeur extra-classe de l'homme. Cantemir déjà, dans sa deuxième satire « Filaret et Eugène » (1730), déclare que « le même sang coule chez les libres et chez les esclaves », et que les « nobles » « se manifestent par une seule vertu ». Quarante ans plus tard, A. Sumarokov, dans sa satire « De la noblesse », poursuivra : « Quelle est la différence entre un gentleman et un paysan ? Tous deux sont un morceau de terre animé. » Fonvizinsky Starodum ("Mineur", 1782) déterminera la noblesse d'une personne par le nombre d'actes accomplis pour la patrie ("sans actes nobles, un État noble n'est rien"), et l'illumination d'une personne dépendra directement de la culture de la vertu en lui (« Le but principal de toute connaissance humaine est un bon comportement »).
Voyant dans l'éducation « la garantie du bien-être de l'État » (D. Fonvizine) et croyant à l'utilité d'une monarchie éclairée, les classiques russes entament le long processus d'éducation des autocrates, en leur rappelant leurs responsabilités envers leurs sujets :
Les dieux ne l'ont pas fait roi pour son bénéfice ;
Il est roi, afin qu'il soit un homme pour tous les peuples :
Il doit tout donner aux gens tout le temps,
Tous vos soins, tout votre zèle pour les gens...
(V. Trediakovsky, "Tilemakhida")
Si le roi ne remplit pas ses devoirs, s'il est un tyran, il doit être renversé du trône. Cela peut également se produire par le biais d'un soulèvement populaire (« Dmitri le prétendant » de A. Sumarokov).
Le matériau principal des classiques russes n'est pas l'Antiquité, mais leur propre histoire nationale, à partir de laquelle ils ont préféré tirer des sujets pour des genres élevés. Et au lieu du souverain idéal abstrait, le « philosophe sur le trône », caractéristique du classicisme européen, les écrivains russes en ont reconnu un très concret comme un souverain exemplaire, « un ouvrier sur le trône ». figure historique– Pierre I.
Le théoricien du classicisme russe Sumarokov, s'appuyant dans son « Épistole sur la poésie » (1748) sur « l'art poétique » de Boileau, introduit un certain nombre de nouvelles dispositions dans son traité théorique, rend hommage à la reconnaissance non seulement des maîtres du classicisme, mais aussi aux représentants d'autres mouvements. Ainsi, il élève au rang d'Hélicon, aux côtés de Malherbe et Racine, Camoes, Lope de Vega, Milton, Pope, le Shakespeare « non éclairé », ainsi que les écrivains contemporains - Détouches et Voltaire. Sumarokov parle de manière suffisamment détaillée du poème et de l'épistole héroïque-comique, non mentionnés par Boileau, explique en détail les caractéristiques de la fable « entrepôt » en utilisant l'exemple des fables de Boileau Lafontaine contournée, et s'attarde sur le genre de la chanson, que le théoricien français mentionne en passant. Tout cela témoigne non seulement des préférences esthétiques personnelles de Sumarokov, mais aussi des changements qui mûrissent dans le classicisme européen du XVIIIe siècle.
Ces changements sont principalement associés à l’intérêt croissant de la littérature sur vie intérieure personnalité individuelle, ce qui a finalement conduit à une restructuration significative des structures de genre du classicisme. Un exemple typique ici est le travail de G. Derzhavin. Restant « avant tout un classique » (V. Belinsky), Derzhavin introduit un fort élément personnel dans sa poésie, détruisant ainsi la loi de l'unité de style. Dans sa poésie apparaissent des formations complexes en termes de genre - ode-satire ("Felitsa", 1782), poèmes anacréontiques écrits sur une intrigue odique ("Poèmes pour la naissance d'un jeune porphyre dans le Nord", 1779 ), une élégie aux traits d'un message et d'une ode (« À la mort du prince Meshchersky », 1779), etc.
Cédant la place à de nouveaux courants littéraires, le classicisme ne laisse pas la littérature sans trace. Le tournant vers le sentimentalisme s'effectue dans le cadre des genres classiques « moyens » - élégie, message, idylle. Poètes début XIX siècle, K. Batyushkov et N. Gnedich, maintenant une fidélité fondamentale à l'idéal classique (en partie au canon du classicisme), chacun a suivi son propre chemin vers le romantisme. Batyushkov – de la « poésie légère » à l'élégie psychologique et historique, Gnedich – à la traduction de « l'Iliade » et aux genres associés à l'art populaire. Les formes strictes de la tragédie classique de Racine ont été choisies par P. Katenin pour son Andromaque (1809), bien qu'en tant que romantique il s'intéresse à l'esprit même de la culture antique. La haute tradition civique du classicisme s'est poursuivie dans les paroles épris de liberté des poètes radichtcheviens, des décembristes et de Pouchkine.