Alexeï Zaïtsev- l'un des représentants les plus brillants impressionnisme. Travaux de ceci artiste contemporain bien connu non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger. Le maître peint à l'huile, appliquant généreusement des traits, mais les peintures s'avèrent claires et ensoleillées. C'est peut-être là le secret du charme de ses tableaux.
Alexey Zaitsev est originaire de Riazan. Son amour pour la peinture s'est développé dès l'enfance - la propre tante d'Alexei était une artiste honorée du syndicat, elle était heureuse de présenter son neveu au monde de l'art. Peut-être que les observations de l'enfance sur la naissance des peintures sont devenues le point de départ de la quête créative du futur artiste.
Ayant décidé de lier sa vie aux beaux-arts, Alexey entre à l'Université de Moscou et reçoit une formation dans la spécialité " tableau du livre"Il n'est jamais devenu illustrateur professionnel, mais les connaissances et les compétences acquises à l'université ont permis à Alexeï Zaitsev de développer son talent artistique.
Un trait distinctif du personnage d'Alexei Zatsev est l'amour désintéressé pour la patrie. Parcourant Moscou et sa banlieue, il observe avec enthousiasme la vie quotidienne des gens ordinaires, réalise souvent des croquis en plein air, puis, de retour au studio, finalise les images. L'artiste est également doué pour les croquis urbains, les paysages naturels et les scènes de genre. Tout respire la vie, plein de couleurs. L'artiste combine habilement le travail au couteau et le dessin des détails au pinceau. En conséquence, les peintures ne perdent pas leur sophistication, mais acquièrent une richesse de couleur particulière.
peinture texturée de Dmitry Kustanovich, un artiste de Saint-Pétersbourg dont les œuvres sont également appréciées dans le monde entier.
Impressionnisme
est le journal de l'âme.
Henri Matisse.
L'impressionnisme est un mouvement pictural né et développé en France dans la seconde moitié du XIXe siècle - le premier quart du XXe siècle. C'était école d'art, qui met au premier plan « pour transmettre des impressions, mais de telle manière qu’il soit perçu comme quelque chose de matériel ». La tâche de l'artiste impressionniste était de représenter ses propres sentiments à partir d'objets.
Il est bien connu que le mot même « impressionnisme » à propos des artistes a été utilisé pour la première fois par le journaliste Louis Leroy, qui s'est inspiré du titre d'un tableau de Claude Monet « Impression. Lever du soleil", où le port du Havre est représenté dans la brume bleutée d'avant l'aube.
Le tableau se trouve au Musée Marmottan-Monet à Paris. Il y a plus de trois cents peintures des impressionnistes et des néo-impressionnistes, ce qui signifie qu'une fois que vous visiterez le musée, vous repartirez avec une certaine compréhension des idées de l'impressionnisme. Et vous pouvez continuer au musée d’Orsay, dont la collection fait l’envie de beaucoup.
Les artistes impressionnistes ont transféré sur leurs toiles uniquement leur perception de la réalité et ses diverses manifestations, et non ce qu'ils connaissaient : par exemple, la terre dans leurs peintures pouvait être violette, lilas, bleue, rose ou orange, mais jamais noire ou marron foncé.
L'impressionnisme, tant critiqué par ses contemporains, fut apprécié cinquante ans plus tard, et aujourd'hui les impressionnistes sont considérés et appréciés comme des chefs-d'œuvre de la peinture mondiale. Nous présentons à votre attention les représentants les plus mémorables de l'impressionnisme.
Renoir, Pierre Auguste (1841 - 1919).
Les critiques d’art disent que la réalisation importante de Renoir a été l’utilisation de la théorie des impressionnistes et de leur technique non seulement pour peindre des paysages, des natures mortes ou des personnages en plein air, mais aussi pour peindre des modèles nus et des portraits.
Renoir souvent tourné vers l’image d’un corps féminin nu. Il transmet les jeux de lumière et de soleil sur la peau, qui semblent vivants dans ses peintures. Il a écrit des nus corps féminin, avec des gouttes d'eau glacées, une peau nacrée et pétillante, rose, bronzée, et en fin de vie - orange, chatoyante au feu des rayons du soleil.
Renoir a rejeté toutes les théories en disant : « Les théories ne vous aident pas à écrire bonne image, le plus souvent ils essaient de masquer le manque de moyens d'expression».
Il est intéressant de noter que les premières œuvres de Renoir ont été réalisées de manière réaliste. Par exemple, « Diane chasseresse » et « La Taverne de Mère Anthony ».
Renoir était ami avec Monet, un artiste impressionniste, dont il sera question ci-dessous. Cette amitié a en fait conduit Renoir à utiliser la technique impressionniste.
Cependant, les critiques d'art et les historiens de la peinture attirent l'attention sur le fait que, à l'instar des impressionnistes, Renoir refuse les tons sombres, mais il fait encore de temps en temps de petites inclusions dans ses tableaux. Parmi les œuvres de cette période, on peut tout d'abord citer le « Pont Neuf », les « Grands Boulevards », le « Chemin parmi les herbes hautes ».
L'artiste, souffrant de crises de rhumatismes, a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France à Cagnes-sur-Mer au domaine Colette. Œuvres de cette période, de 1903 à 1919. imprégnées de sensualité, les toiles de Renoir sont dominées par Couleurs chaudes- rose rouge, orange.
L'influence des maîtres du passé est très perceptible - Rubens Boucher et autres. Jugement de Pâris», « Baigneuse s'essuyant le pied" Le meilleur et dernier travail Le tableau « Baigneurs », peint en 1918, est considéré. Aujourd'hui, son domaine, à l'ombre d'une oliveraie et d'une orangeraie, est ouvert aux visiteurs. Vous pourrez admirer le salon et la salle à manger, monter à l'étage jusqu'à la chambre de l'artiste qui préserve l'atmosphère de son derniers jours: fauteuil roulant, chevalet et pinceaux. Sur l’un des murs de la chambre de sa femme est accrochée une photographie du fils de Renoir, Pierre, et de la fenêtre s’ouvre une vue imprenable sur Antibes et les Hautes Cannes.
Grâce au cinéma français, vous pourrez vous immerger dans la dernière Epoque la vie d'Auguste Renoir, rencontrer son fils et voir la lutte de l'art avec la dure réalité. En mars, le film du réalisateur français Gilles Bourdot « Renoir : dernier amour" L'artiste termine tout juste "Bathers".
Côte d'Azur, Grand artiste, sa muse... les Français sont maîtres dans leur métier, et l'opportunité de voir de vos propres yeux un grand maître à l'œuvre, puis de voir le résultat de son travail, vaut beaucoup. C'est cette photo qui a clôturé le dernier Festival de Cannes.
Monet-Claude (1840 - 1926).
Claude Monet appelé le père de l'impressionnisme. Le futur artiste est né à Paris, mais son enfance et sa jeunesse se sont déroulées dans le nord de la France, dans la ville du Havre. Eugène Boudin a eu une grande influence sur Monet, artiste français, considéré comme le précurseur de l'impressionnisme. C'est lui qui lui a appris à travailler en plein air (dans la ruelle, en plein air).
Cézanne a dit : " Monet n'est qu'un œil, mais quel œil !» Difficile d’argumenter et de ne pas tomber amoureux des rues parisiennes, des côtes et des paysages normands, sur les toiles de Monet.
Son peinture célèbre"Petit déjeuner sur l'herbe" a été écrit en 1863. dans le village de Chailly-en-Bières, situé à l'orée de la forêt de Fontainebleau ; sa partie centrale, endommagée par l'humidité et découpée par l'auteur, est conservée au musée d'Orsay à Paris, et une répétition du tableau au musée beaux-Arts eux. A. S. Pouchkine à Moscou.
Automne 1908 et 1909 l'artiste a passé du temps à Venise, captivé par le charme de la ville, son reflet en constante évolution sur la surface de l'eau du canal. Monet y peint Venise : Le Palais des Doges et Venise : Le Grand Canal. Le génie Monet a incroyablement réussi à représenter la ville comme si elle était recouverte d'une légère brume avant l'aube.
Au coucher du soleil chemin créatif Monet a créé des peintures sophistiquées inspirées des nénuphars de l'étang de sa maison de Giverny.
Lorsque l'artiste s'installe en 1883 à la recherche d'un endroit tranquille à Giverny, il est peu probable qu'il se doutait à quel point la vie allait changer ce village endormi de Normandie. Peu après son arrivée, la ville, à quatre-vingts kilomètres de Paris, fut inondée de jeunes artistes venus de Différents composants L'Europe .
De nos jours, artistes et amateurs d'art en quête d'inspiration viennent se promener dans les jardins de Giverny et visiter la maison restaurée. Ainsi, si vous êtes tombé amoureux des belles peintures de Monet dans les musées d'Orsay, Marmottan et de l'Orangerie, alors Giverny figurera en première place sur votre liste des incontournables.
Sisley Alfred (1839 - 1899).
Être impressionniste Sisley Il accorde une attention particulière à la transmission des nuances et des sensations. Il aimait peindre la surface de l'eau, le ciel, le brouillard, la neige. "Le tableau doit évoquer chez le spectateur les mêmes sentiments qui ont submergé l'artiste lorsqu'il regardait ce paysage", a déclaré Sisley.
Remarquez à quel point les maisons semblent légères, presque en apesanteur, surface de l'eau avec de légères ondulations, un ciel pastel et un feuillage d'arbre. Ses peintures, écrites avec des traits fins et aériens, créent une ambiance poétique et romantique.
Une importante collection de peintures de l’artiste se trouve au musée d’Orsay à Paris. Ne l'ignorez pas lorsque vous êtes dans la capitale française. Vous apprécierez non seulement l'œuvre de Sisley, mais aussi les peintures d'autres artistes impressionnistes exposées dans ce musée situé en bord de Seine.
Pissarro Camille (1830 - 1903).
Les critiques d'art écrivent que si Claude Monet et Sisley aimaient avant tout imaginer l'eau et les reflets changeants sur sa surface dans leurs peintures, alors Pissaro a donné la préférence à la terre. Son art est exempt d'impressions passagères - tout y est plus approfondi. Remarquez à quelle fréquence des scènes de la vie rurale figurent dans ses peintures. L'artiste a utilisé la palette de couleurs de telle manière qu'en étudiant ses toiles, il semble qu'elles soient remplies de lumière de l'intérieur. Pissarro aimait peindre des vergers et des champs, traduisant de manière étonnante les changements de la nature.
Pissarro connaissait Monet, avec qui ils aimaient peindre ensemble dans les environs de Paris. « Gare Saint-Lazare », « Pavillon Flore et Pont Royal », « Place Comédie-Française », « Vue du Louvre, de la Seine et du Pont Neuf » ont été écrits ici.
Cézanne l'a qualifié de « modeste et grand », à juste titre, qu'en pensez-vous ?
Seurat Georges (1859 - 1891).
Un des traits caractéristiques Seurat avait le désir d'apporter un nouvel esprit à l'impressionnisme.
Son travail - à la fois des dessins et peintures- basé sur la théorie des contrastes. La plupart image célèbre, vous est certainement familier, est le chef-d'œuvre "Promenade dominicale sur l'île de La Grande Jatte", conservé au Chicago institut d'art. Cette peinture est devenue une expression des nouvelles tendances de l'art, une expression des idées du néo-impressionnisme. Un sentiment de paix totale a été obtenu en combinant des tons froids et chauds, de la lumière et de l'ombre.
« Cancan », un tableau non moins célèbre de l'artiste, transmet au contraire un sentiment de joie et de mouvement, en utilisant des nuances chaudes et des couleurs vives.
Je voudrais terminer avec les mots de Claude Monet « Les gens discutent de mon art et font semblant de comprendre comme s'il fallait comprendre, alors qu'il faut simplement aimer ». ( Les gens discutent de mes peintures, essayant de comprendre. Pourquoi as-tu besoin de comprendre si tu peux simplement aimer ??)
Il y a tout juste un an, l’expression « impressionnisme russe » irritait les oreilles du citoyen moyen de notre pays. vaste pays. Toute personne instruite connaît la lumière, brillante et rapide impressionnisme français, peut distinguer Monet de Manet et reconnaître les tournesols de Van Gogh dans toutes les natures mortes. Quelqu'un a entendu parler de la branche américaine du développement de cette direction de la peinture - des paysages plus urbains de Hassam et des portraits de Chase par rapport aux français. Mais les chercheurs discutent encore de l'existence de l'impressionnisme russe.
Constantin Korovine
L'histoire de l'impressionnisme russe a commencé avec le tableau "Portrait d'une choriste" de Konstantin Korovin, ainsi qu'avec l'incompréhension et la condamnation du public. En voyant cette œuvre pour la première fois, I. E. Repin n'a pas immédiatement cru que l'œuvre avait été exécutée par un peintre russe : « Espagnol ! Je vois. Il écrit avec audace et jus. Merveilleux. Mais ce n’est que peindre pour peindre. Un Espagnol, cependant, avec un tempérament… » Konstantin Alekseevich lui-même a commencé à peindre ses toiles de manière impressionniste en années d'étudiant, ne connaissant pas les tableaux de Cézanne, Monet et Renoir, bien avant son voyage en France. Ce n'est que grâce à l'œil expérimenté de Polenov que Korovine a appris qu'il utilisait la technique française de l'époque, à laquelle il est parvenu intuitivement. Dans le même temps, l'artiste russe est trahi par les sujets qu'il utilise pour ses peintures - le chef-d'œuvre reconnu « Northern Idyll », peint en 1892 et conservé dans Galerie Tretiakov, nous démontre l’amour de Korovine pour les traditions et le folklore russes. Cet amour a été inculqué à l'artiste par le « cercle Mamontov » - une communauté d'intelligentsia créative, qui comprenait Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel et bien d'autres amis. célèbre philanthrope Savva Mamontov. À Abramtsevo, où se trouvait le domaine de Mamontov et où se réunissaient les membres du cercle artistique, Korovine a eu la chance de rencontrer et de travailler avec Valentin Serov. Grâce à cette connaissance, le travail de l'artiste déjà accompli Serov a acquis les traits d'un impressionnisme léger, lumineux et rapide, que l'on voit dans l'un de ses premières œuvres – « Fenêtre ouverte. Lilas".
Portrait d'une choriste, 1883
Idylle du Nord, 1886
Cerisier des oiseaux, 1912
Hourzouf 2, 1915
Jetée de Hourzouf, 1914
Paris, 1933
Valentin Serov
La peinture de Serov est imprégnée d'une caractéristique inhérente uniquement à l'impressionnisme russe : ses peintures reflètent non seulement l'impression de ce que l'artiste a vu, mais aussi l'état de son âme dans ce moment. Par exemple, dans le tableau « Place Saint-Marc à Venise », peint en Italie, où Serov s'est rendu en 1887 en raison d'une grave maladie, les tons gris froids prédominent, ce qui nous donne une idée de l'état de l'artiste. Mais, malgré la palette plutôt sombre, le tableau est une œuvre impressionniste standard, puisque Serov a réussi à capturer monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre vos impressions éphémères. Dans une lettre adressée à son épouse depuis Venise, Serov écrit : « Dans ce siècle Ils écrivent tout ce qui est dur, rien de joyeux. Je veux, je veux des choses gratifiantes, et je n’écrirai que des choses gratifiantes.
Fenêtre ouverte. Lilas, 1886
Place Saint-Marc à Venise, 1887
Fille aux pêches (Portrait de V. S. Mamontova)
Couronnement. Confirmation de Nicolas II dans la cathédrale de l'Assomption, 1896
Jeune fille éclairée par le soleil, 1888
Baigner un cheval, 1905
Alexandre Guérasimov
L'un des étudiants de Korovin et Serov, qui a adopté leur pinceau expressif, leur palette lumineuse et leur style de peinture, était Alexandre Mikhaïlovitch Gerasimov. La créativité de l’artiste s’est épanouie pendant la révolution, ce qui ne pouvait que se refléter dans les sujets de ses peintures. Malgré le fait que Gerasimov ait mis son pinceau au service du parti et soit devenu célèbre grâce à ses portraits exceptionnels de Lénine et de Staline, il a continué à travailler sur des paysages impressionnistes qui lui tenaient à l'âme. L'œuvre d'Alexandre Mikhaïlovitch « Après la pluie » nous révèle l'artiste comme un maître dans la transmission de l'air et de la lumière dans un tableau, que Gerasimov doit à l'influence de ses éminents mentors.
Artistes à la datcha de Staline, 1951
Staline et Vorochilov au Kremlin, années 1950
Après la pluie. Terrasse humide, 1935
Nature morte. Bouquet de campagne, 1952
Igor Grabar
Dans une conversation sur l'impressionnisme russe tardif, on ne peut s'empêcher de se tourner vers le travail du grand artiste Igor Emmanuilovich Grabar, qui a adopté de nombreuses techniques des peintres français de la seconde moitié du 19ème siècle siècle grâce à ses nombreux voyages en Europe. Utilisant les techniques des impressionnistes classiques, Grabar représente dans ses peintures des motifs paysagers absolument russes et histoires de tous les jours. Tandis que Monet peint les jardins fleuris de Giverny et que Degas peint de belles ballerines, Grabar dépeint le rude hiver russe avec les mêmes couleurs pastel et la vie du village. Grabar aimait surtout représenter le givre sur ses toiles et lui consacrait toute une collection d'œuvres, composée de plus d'une centaine de petits croquis multicolores créés en temps différent jours et dans des conditions météorologiques différentes. La difficulté de travailler sur de tels dessins était que la peinture gelait au froid, nous devions donc travailler rapidement. Mais c'est précisément ce qui a permis à l'artiste de recréer « ce moment précis » et d'en transmettre son impression, qui est l'idée principale de l'impressionnisme classique. Le style de peinture d’Igor Emmanuilovich est souvent qualifié d’impressionnisme scientifique, car il donne grande importance la lumière et l'air sur les toiles et a donné lieu à de nombreuses recherches sur la transmission des couleurs. C'est d'ailleurs à lui que l'on doit la disposition chronologique des peintures de la galerie Tretiakov, dont il fut directeur en 1920-1925.
Allée des bouleaux, 1940
Paysage d'hiver, 1954
Gel, 1905
Poires sur une nappe bleue, 1915
Coin du domaine (Rayon de soleil), 1901
Youri Pimenov
Complètement non classique, mais néanmoins impressionnisme développé en heure soviétique, dont un représentant éminent est Yuri Ivanovich Pimenov, qui est venu représenter « une impression fugace dans les couleurs du lit » après avoir travaillé dans le style de l'expressionnisme. Un des plus oeuvres célébres Pimenov devient le tableau « Nouveau Moscou » des années 1930 - léger, chaleureux, comme peint avec les traits aériens de Renoir. Mais en même temps, l'intrigue de cette œuvre est totalement incompatible avec l'une des idées principales de l'impressionnisme : le refus d'utiliser des thèmes sociaux et politiques. Le « Nouveau Moscou » de Pimenov reflète parfaitement changement social dans la vie de la ville, qui ont toujours inspiré l'artiste. « Pimenov aime Moscou, sa nouveauté, ses habitants. Le peintre donne généreusement ce sentiment au spectateur », écrit l'artiste et chercheur Igor Dolgopolov en 1973. Et en effet, en regardant les peintures de Yuri Ivanovich, nous sommes imprégnés d'amour pour La vie soviétique, nouveaux quartiers, pendaisons de crémaillère lyriques et urbanisme, capturés dans la technique de l'impressionnisme.
La créativité de Pimenov prouve une fois de plus que tout ce que « la Russie » a apporté d’autres pays a sa propre voie de développement particulière et unique. Il en va de même pour l'impressionnisme français Empire russe et l'Union soviétique a absorbé les caractéristiques de la vision du monde russe, caractère national et la vie quotidienne. L'impressionnisme comme moyen de transmettre uniquement la perception de la réalité dans forme pure est resté étranger à l'art russe, car chaque tableau d'artistes russes est rempli de sens, de conscience, de l'état de l'âme russe changeante, et pas seulement d'une impression passagère. Ainsi, le week-end prochain, lorsque le Musée de l’impressionnisme russe présentera à nouveau l’exposition principale aux Moscovites et aux invités de la capitale, chacun trouvera son bonheur parmi les portraits sensuels de Serov, l’urbanisme de Pimenov et les paysages atypiques de Koustodiev.
Nouveau Moscou
Pendaison de crémaillère lyrique, 1965
Salle des costumes Théâtre Bolchoï, 1972
Tôt le matin à Moscou, 1961
Paris. Rue Saint-Dominique. 1958
Hôtesse de l'air, 1964
Peut-être que pour la plupart des gens, les noms Korovin, Serov, Gerasimov et Pimenov ne sont toujours pas associés à un style artistique spécifique, mais le Musée de l'impressionnisme russe, ouvert en mai 2016 à Moscou, a néanmoins rassemblé les œuvres de ces artistes sous un même toit.
L'impressionnisme est un mouvement principalement Peinture française, caractérisé par le désir de transmettre des impressions éphémères, la richesse des couleurs, les nuances psychologiques, la mobilité et la variabilité de l'atmosphère du monde environnant à travers l'art.
Des traits audacieux, des couleurs vives, des scènes de vie quotidiennes, des poses franches et, surtout, une description précise de la lumière... Seulement une petite fraction des caractéristiques de l'un des films les plus populaires. directions artistiques. en France en milieu du 19ème
siècle. Avant son apparition, les auteurs créaient généralement des natures mortes, des portraits et même des paysages dans leurs ateliers. Pour la première fois dans l'histoire de l'art, les artistes se sont donné pour règle de peindre non pas depuis l'atelier, mais sousà ciel ouvert : au bord d'une rivière, dans un champ, dans une forêt. En essayant d'exprimer le plus fidèlement possible leurs impressions immédiates sur les choses, les impressionnistes ont créé nouvelle méthode
peinture.
PARKETERS, GUSTAVE CAIBOTT L'un des premiers tableaux représentant la classe ouvrière urbaine. Caillebotte illustre l'intérêt constant pour Vie courante . Remarquez avec quelle précision l'artiste a capturé la lumière traversant la fenêtre et les ombres. Le tableau est aussi réaliste qu'une photographie, mais a néanmoins été rejeté par les plus prestigieux expositions d'art
et les salons : les représentations d'hommes de la classe ouvrière à moitié nus étaient considérées comme des « sujets vulgaires ».
L’impressionnisme est souvent considéré précisément comme un mouvement de la peinture né au XIXe siècle en France. L'impressionnisme a apporté une double révolution, qui se reflète à la fois dans la vision du monde et dans la technique de la peinture. Il montre la peinture comme émouvante, éphémère, insaisissable, se concentrant sur l'instant qui passe au présent. De plus, l’impressionnisme se caractérise par la lumière, le toucher et les vibrations des couleurs. Représentants éminents impressionnisme moderne en peinture beaucoup, mais dans cette publication nous nous concentrerons sur quatre artistes - Andre Kohn (Russie), Laurent Parcelier (France), Diane Leonard et Karen Tarlton (USA) - dont chacun possède technologie unique
en peinture. André Kohn - vient de Volgograd, Fédération Russe . Dès l'âge de 15 ans, il commence à étudier sérieusement la peinture sous la direction de Natalia Gavrichenko et Anatoly Vrubel. Puisque l'artiste méritait des éloges dans peinture à l'huile
Andre Cohn est un leader reconnu dans le domaine de l'impressionnisme moderne. Avec un style imaginatif mature et frais, il crée toujours l'extraordinaire hors de l'ordinaire. Les objets de l'artiste sont interprétés à travers la poésie du mouvement. Sur la scène américaine, l’impressionniste André Kohn est considéré comme l’une des figures les plus intéressantes.
L'impressionnisme français moderne en peinture Laurent Parcelier
Laurent Parcelier- maestro de l'aquarelle, impressionniste français moderne. La caractéristique du travail de Porcellier est la manière propre et lumineuse de transmettre les lieux que l'artiste lui-même a visités. l'artiste brille de lumière, de luminosité, d'impression. Les traits et les tons de l'auteur lui sont propres.
L'impressionnisme américain contemporain en peinture Diane Leonard
Diana Leonard fait partie de ces artistes qui ont acquis une popularité instantanée. Elle a commencé à créer à l'âge de 20 ans et presque immédiatement son talent a été apprécié par les experts du domaine. peinture moderne. Diane Léonard- un artiste impressionniste émérite dans son pays natal, et également écrivain à temps partiel. Les toiles de l’artiste parleront d’elles-mêmes. Bon visionnage !
Karen Tarlton, artiste impressionniste contemporaine
Karen Tarlton dans l'une de ses interviews personnelles, elle a parlé d'elle-même comme d'une artiste universelle travaillant dans le genre de l'impressionnisme. Selon ses propres mots, point fort L'artiste peint en plein air. L'outil permettant de créer les peintures colorées de l'auteur est, et avec lui les riches palette de couleurs. Dans ses peintures, Karen Tarlton essaie de toutes ses forces d'inspirer et de ravir le spectateur avec une combinaison de lumière, de couleur et de texture.
Karen est une experte actuelle en peinture impressionniste au couteau. Il peint souvent des paysages et des portraits. Vit et travaille actuellement à Manhattan Beach, en Californie.
