Bee van p artiste de Hollande. Un excellent Néerlandais. Autres artistes néerlandais

05.03.2020

Principales tendances, étapes de développement de la peinture et peintres emblématiques de la Hollande.

Peinture hollandaise

Introduction

Néerlandais tableau XVII les siècles sont parfois considérés à tort comme un art réservé à la classe moyenne, vénérant Peinture flamande cette période et la qualifiant de courtoise, aristocratique. Non moins erronée est l'opinion selon laquelle Artistes néerlandais ne s'occupent que de la représentation de l'environnement humain immédiat, en utilisant à cette fin le paysage, les villes, la mer, la vie des gens, tandis que l'art flamand se consacre peinture historique, qui dans la théorie de l'art est considéré comme un genre plus sublime. Contrairement à cela, pour bâtiments publiques en Hollande, qui se devait d'avoir une apparence imposante, ainsi que les visiteurs fortunés, quelles que soient leurs croyances religieuses ou leurs origines, exigeaient des peintures à thèmes allégoriques ou mythologiques.

Toute division de l'école de peinture hollandaise en branches flamande et hollandaise jusqu'au début du XVIIe siècle. en raison de l’échange créatif constant entre les zones, ce serait artificiel. Par exemple, Peter Aertsen, né à Amsterdam, avant de revenir à ville natale en 1557, il travailla à Anvers et son élève et neveu Joachim Bukelaer passa toute sa vie à Anvers. Dans le cadre de la signature de l'Union d'Utrecht et de la séparation des sept provinces du nord, de nombreux habitants après 1579-1581. émigré du nord des Pays-Bas vers la partie protestante de ce pays artificiellement divisé.

"Boucherie". Artsen.

Développement de l'art

L'impulsion pour le développement indépendant de la peinture hollandaise est venue des artistes flamands. Bartholomeus Spranger, né à Anvers et éduqué à Rome, est devenu le fondateur d'un style virtuose, courtois et artificiel qui, grâce à la résidence temporaire de Spranger à Vienne et à Prague, est devenu une « langue » internationale. En 1583, le peintre et théoricien de l'art Karel van Mander introduit ce style à Haarlem. L'un des principaux maîtres de ce maniérisme de Haarlem ou d'Utrecht fut Abraham Bloemaert.

Puis Isaiah van de Velde, né en Hollande dans une famille d'émigrés flamands, et étudia dans un cercle de peintres dont le centre était Artistes flamands David Vinkboons et Gillis Koninksloh, dans leur premières peintures a développé un style de peinture réaliste faisant référence à Jan Brueghel l'Ancien, avec des dégradés de couleurs vibrants projets artistiques. Vers 1630, une tendance à l'unification s'installe en Hollande espace artistique et la fusion des couleurs de différentes couches. Depuis lors, la nature multiforme des objets représentés a cédé la place à une sensation d’espace et à une atmosphère de brume aérienne, qui s’est traduite par une utilisation monochrome de la couleur progressivement croissante. Isaiah van de Velde a incarné cette révolution stylistique dans l'art avec son élève Jan van Goen.

Paysage d'hiver. Velde.

L'un des paysages les plus monumentaux du haut baroque, "La Grande Forêt", de Jacob van Ruisdael, appartient à la prochaine période de développement de la peinture hollandaise. Le spectateur n'a plus à ressentir l'aspect plutôt amorphe d'un espace tentaculaire aux tons gris-brun avec quelques motifs marquants ; l'impression est désormais faite d'une structure fixe et énergiquement accentuée.

Peinture de genre

Néerlandais peinture de genre, qui, en fait, peut difficilement être qualifié de simple portrait Vie courante, souvent porteur d'un message moraliste, est représenté à Vienne par les œuvres de tous ses principaux maîtres. Son centre était Leiden, où Gérard Doux, le premier élève de Rembrandt, fonda une école connue sous le nom d'École de peinture fine de Leiden (fijnschilders).

Peinture figurative

Réunion des dirigeants de la société. Frans Hals.

Les trois plus grands maîtres hollandais de la peinture figurative, Frans Hals, Rembrandt et Johannes Vermeer de Delft, se sont succédé dans un intervalle de près d'une génération. Hals est né à Anvers et a travaillé à Haarlem principalement comme portraitiste. Pour beaucoup, il est devenu la personnification du peintre virtuose ouvert, joyeux et spontané, tandis que l'art de Rembrandt, penseur - comme le dit le cliché - révèle les origines du destin humain. C’est à la fois juste et faux. Ce qui attire immédiatement l'attention lorsque l'on regarde un portrait ou un portrait de groupe de Hals, c'est la capacité de transmettre une personne submergée d'émotion par le mouvement. Pour représenter un moment fugace, Hals utilise des traits ouverts, visiblement irréguliers, se croisant en zigzags ou en hachures croisées. Cela crée l’effet d’une surface constamment scintillante, comme un croquis, qui ne se fond en une seule image que lorsqu’on la regarde à une certaine distance. Après le retour des « cadeaux » de Rothschild, un portrait expressif d'un homme en noir fut acquis pour la collection du prince du Liechtenstein et retourna ainsi à Vienne. Le Kunsthistorisches Museum ne possède qu'un seul tableau de Franz Hals, un portrait un jeune homme, qui figurait déjà dans la collection de Charles VI comme l'un des rares exemples d'art « protestant » en Hollande. Les portraits peints à la fin de l'œuvre de Hals sont plus proches des œuvres de Rembrandt en termes de pénétration psychologique et de manque de pose.

Grâce à de subtiles transitions de nuances et de zones de clair-obscur, le clair-obscur de Rembrandt semble envelopper les personnages dans un espace résonant dans lequel résident l'ambiance, l'atmosphère, quelque chose d'intangible et même d'invisible. L'œuvre de Rembrandt à Vienne galerie d'art n'est représenté que par des portraits, bien que « La Mère de l'Artiste » et « Le Fils de l'Artiste » puissent également être considérés comme des peintures historiques à un seul personnage. Dans le soi-disant « Grand Autoportrait » de 1652, l’artiste apparaît devant nous dans une blouse marron, le visage tourné aux trois quarts. Son regard est sûr de lui et même provocant.

Vermeer

L'art peu dramatique de Vermeer, entièrement axé sur la contemplation, était considéré comme le reflet de la classe moyenne néerlandaise, désormais indépendante et satisfaite de ce qu'elle avait. Cependant, la simplicité des concepts artistiques de Vermeer est trompeuse. Leur clarté et leur calme sont le résultat d’une analyse précise, incluant le recours aux dernières inventions techniques comme la camera obscura. "Allégorie de la peinture", créée vers 1665-1666, l'œuvre phare de Vermeer en termes de travail avec la couleur, peut être considérée comme sa peinture la plus ambitieuse. La démarche initiée par Jan van Eyck, originaire du nord des Pays-Bas, contemplation passive et détachée du monde immobile, est toujours restée Thème principal La peinture hollandaise et les œuvres de Vermeer ont atteint une apothéose à la fois allégorique et réelle.

Peinture hollandaise

mise à jour : 16 septembre 2017 par : Gleb

06.05.2014

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10.12.2012

Jan Steen est l'un des les représentants les plus célèbres Ecole hollandaise de peinture milieu du XVIIe siècle siècle. Dans les œuvres de cet artiste, vous ne trouverez pas de peintures monumentales ou élégantes, ni de portraits lumineux de grands personnages ou d'images religieuses. En fait, Jan Steen est un maître des scènes quotidiennes remplies d'humour amusant et pétillant de son époque. Ses peintures représentent des enfants, des ivrognes, des gens simples, Gulen et bien d’autres. Jan est né dans la province méridionale des Pays-Bas, dans la ville de Leiden, vers 1626...

07.12.2012

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24.11.2012

Célèbre artiste néerlandais Pieter Bruegel l'Ancien a créé son propre style d'écriture coloré, très différent des autres peintres de la Renaissance. Ses peintures sont des images d'une épopée satirique populaire, des images de la nature et de la vie du village. Certaines œuvres fascinent par leur composition - on a envie de les regarder et de les regarder, en discutant de ce que l'artiste voulait exactement transmettre au spectateur. La particularité de l'écriture et de la vision du monde de Bruegel n'est pas sans rappeler l'œuvre du premier surréaliste Jérôme Bosch...

26.11.2011

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13.10.2011

Le célèbre artiste néerlandais Johannes Jan Vermeer, connu sous le nom de Vermeer de Delft, est à juste titre considéré comme l'un des plus brillants représentants de l'âge d'or. art hollandais. Il était un maître des portraits de genre et de la peinture dite domestique. Le futur artiste est né en octobre 1632 dans la ville de Delft. Jan était le deuxième enfant de la famille et le fils unique. Son père vendait des objets d'art et se livrait au tissage de la soie. Ses parents étaient amis avec l'artiste Leonart Breimer, qui...

18.04.2010

L'expression déjà éculée selon laquelle tous les génies sont un peu fous correspond tout simplement parfaitement au destin du grand et brillant artiste post-impressionniste Vincent Van Gogh. N'ayant vécu que 37 ans, il a laissé un riche héritage - environ 1000 peintures et autant de dessins. Ce chiffre est encore plus impressionnant quand on apprend que Van Gogh a consacré moins de 10 ans de sa vie à la peinture. 1853 Le 30 mars, un garçon, Vincent, naît dans le village de Grot-Zundert, situé au sud de la Hollande. Un an plus tôt, dans la famille d'un prêtre dans laquelle il est né...

Jusqu'à la fin du XVIe siècle, la peinture hollandaise était indissociable de la peinture flamande et avait Nom commun"École néerlandaise" Tous deux, étant une branche de la peinture allemande, considèrent les frères van Eyck comme leurs ancêtres et évoluent depuis longtemps dans la même direction, développant la même technique, de sorte que les artistes hollandais ne sont pas différents de leur Flandre. et les frères brabançons.

Lorsque le peuple néerlandais s'est débarrassé de l'oppression espagnole, Peinture hollandaise acquiert caractère national. Les artistes hollandais se distinguent par leur reproduction de la nature avec un amour particulier dans toute sa simplicité et sa vérité et un sens subtil de la couleur.

Les Néerlandais ont été les premiers à comprendre que même dans la nature inanimée, tout respire la vie, tout est attrayant, tout est capable d'évoquer la pensée et d'exciter le mouvement du cœur.

Parmi les peintres paysagistes interprétant leur nature domestique, sont particulièrement respectés par Jan van Goyen (1595-1656), qui, avec Esaias van de Velde (vers 1590-1630) et Pieter Moleyn l'Ancien (1595-1661), est considéré comme le fondateur du paysage hollandais.

Mais les artistes hollandais ne peuvent être divisés en écoles. Expression " école néerlandaise la peinture" est très conditionnelle. En Hollande, il existait des sociétés organisées d'artistes, qui étaient des sociétés libres qui protégeaient les droits de leurs membres et n'influençaient pas l'activité créatrice.

Le nom de Rembrandt (1606-1669) brille particulièrement dans l'histoire, dans la personnalité duquel tout meilleures qualités La peinture hollandaise et son influence se reflètent dans tous ses genres - dans les portraits, les peintures historiques, scènes de tous les jours et le paysage.

Au 17ème siècle, il se développa avec succès peinture domestique, dont les premières expériences ont été notées dans l'ancien école néerlandaise. Dans ce genre, les noms les plus célèbres sont Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704) Henrik Roques, surnommé Sorg (1621-82),

Les artistes qui ont peint des scènes de la vie militaire peuvent être classés parmi les peintres de genre. Représentant en chef cette branche de la peinture - le célèbre et exceptionnellement prolifique Philips Wouwerman (1619-68)

Dans une catégorie spéciale, nous pouvons distinguer les maîtres qui, dans leurs peintures, combinaient des paysages avec des images d'animaux, le plus célèbre parmi ces peintres d'idylles rurales est Paulus Potter (1625-1654) ; Albert Cuyp (1620-91).

Les artistes hollandais accordaient la plus grande attention à la mer.

Dans l'œuvre de Willem van de Velde l'Ancien (1611 ou 1612-93), de son célèbre fils Willem van de Velde le Jeune (1633-1707), de Ludolf Backhuisen (1631-1708), la peinture de vues sur la mer était leur spécialité.

Dans le domaine de la nature morte, les plus célèbres furent Jan-Davids de Gem (1606-83), son fils Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93) .

La période brillante de la peinture hollandaise n'a pas duré longtemps : un siècle seulement.

Depuis le début du XVIIIe siècle. son déclin approche, la raison en est les goûts et les opinions de l'époque pompeuse Louis XIV. Au lieu d'un rapport direct à la nature, de l'amour de ce qui est indigène et de la sincérité, s'établit la domination des théories préconçues, des conventions et de l'imitation des sommités de l'école française. Le principal propagateur de cette regrettable tendance fut le Flamand Gérard de Leresse (1641-1711), installé à Amsterdam.

Le déclin de l'école fut également facilité par le célèbre Adrian van de Werff (1659-1722), dont la couleur terne des peintures semblait autrefois le comble de la perfection.

L'influence étrangère a pesé lourdement sur la peinture hollandaise jusque dans les années vingt du XIXe siècle.

Par la suite, les artistes néerlandais se sont tournés vers leur antiquité – vers une stricte observation de la nature.

La dernière peinture hollandaise des peintres paysagistes est particulièrement riche. Il s'agit notamment d'Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (né en 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) et d'autres.

Parmi les peintres de marine les plus récents des Pays-Bas, la palme appartient à Johannes Schotel (1787-1838).

Il a montré des animaux en peinture grand art Wouters Verschoor (1812-74).

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Les Pays-Bas sont une région historique occupant une partie des vastes plaines de la côte nord de l’Europe, du golfe de Finlande à la Manche. Actuellement, ce territoire comprend les États des Pays-Bas (Hollande), de la Belgique et du Luxembourg.
Après l’effondrement de l’Empire romain, les Pays-Bas sont devenus un ensemble hétéroclite de grands et petits États semi-indépendants. Les plus importants d'entre eux étaient le duché de Brabant, les comtés de Flandre et de Hollande et l'évêché d'Utrecht. Au nord du pays, la population était majoritairement allemande - Frisons et Hollandais ; au sud, les descendants des Gaulois et des Romains - les Flamands et les Wallons - prédominaient.
Les Néerlandais travaillaient avec abnégation, avec leur talent particulier à « faire les choses les plus ennuyeuses sans s'ennuyer », comme le disait l'historien français Hippolyte Taine à propos de ces gens entièrement dévoués à la vie quotidienne. Ils ne connaissaient pas la poésie sublime, mais ils vénéraient avec plus de respect les choses les plus simples : une maison propre et confortable, un foyer chaleureux, une nourriture modeste mais savoureuse. Le Néerlandais a l'habitude de regarder le monde comme Une maison gigantesque, dans lequel il est appelé à maintenir l'ordre et le confort.

Principales caractéristiques de l'art de la Renaissance néerlandaise

L’art de la Renaissance en Italie et dans les pays d’Europe centrale a en commun le désir d’une représentation réaliste de l’homme et du monde qui l’entoure. Mais ces problèmes ont été résolus différemment en raison des différences de nature des cultures.
Pour Artistes italiens La Renaissance était importante pour généraliser et créer une image idéale, du point de vue de l'humanisme, d'une personne. La science a joué pour eux un rôle important : les artistes ont développé des théories de la perspective et la doctrine des proportions.
Les maîtres hollandais étaient attirés par la diversité de l'apparence individuelle des gens et la richesse de la nature. Ils ne s'efforcent pas de créer une image généralisée, mais de transmettre ce qui est caractéristique et spécial. Les artistes n'utilisent pas les théories de la perspective ou autres, mais transmettent l'impression de profondeur et d'espace, les effets optiques et la complexité des relations entre la lumière et l'ombre grâce à une observation attentive.
Ils se caractérisent par un amour pour leur terre et une attention étonnante à toutes les petites choses : à leur nature nordique natale, aux particularités de la vie quotidienne, aux détails de l'intérieur, aux costumes, à la différence des matériaux et des textures...
Les artistes hollandais reproduisent les moindres détails avec le plus grand soin et recréent la richesse étincelante des couleurs. Ces nouveaux problèmes picturaux ne pourraient être résolus qu’avec l’aide des nouvelles technologies. peinture à l'huile.
La découverte de la peinture à l'huile est attribuée à Jan van Eyck. À partir du milieu du XVe siècle, cette nouvelle « manière flamande » remplace en Italie l’ancienne technique de la détrempe. Ce n'est pas un hasard si sur les autels hollandais, qui sont le reflet de l'Univers entier, vous pouvez voir tout ce qui le compose - chaque brin d'herbe et chaque arbre du paysage, les détails architecturaux des cathédrales et des maisons de ville, les points d'ornements brodés. sur les robes des saints, ainsi que sur une foule d'autres détails très petits.

L'art du XVe siècle constitue l'âge d'or de la peinture hollandaise.
Son plus brillant représentant Jan Van Eyck. D'ACCORD. 1400-1441.
Le plus grand maître de la peinture européenne :
ouvert avec sa créativité nouvelle ère Début de la Renaissance dans l'art néerlandais.
Il fut l'artiste de la cour du duc de Bourgogne Philippe le Bon.
Il fut l'un des premiers à maîtriser les capacités plastiques et expressives de la peinture à l'huile, en utilisant de fines couches de peinture transparentes superposées (le style dit flamand de peinture transparente multicouche).

L'œuvre la plus grande de Van Eyck était le Retable de Gand, qu'il a exécuté avec son frère.
Le Retable de Gand est un polyptyque grandiose à plusieurs niveaux. Sa hauteur dans la partie centrale est de 3,5 m, sa largeur une fois ouverte est de 5 m.
À l'extérieur de l'autel (lorsqu'il est fermé), le cycle quotidien est représenté :
- dans la rangée du bas sont représentés les donateurs - le citadin Jodok Veidt et son épouse, priant devant les statues des saints Jean-Baptiste et Jean l'Évangéliste, patrons de l'église et de la chapelle.
- ci-dessus se trouve la scène de l'Annonciation, avec les figures de la Mère de Dieu et de l'Archange Gabriel séparées par l'image d'une fenêtre dans laquelle émerge le paysage urbain.

Le cycle festif est représenté à l’intérieur de l’autel.
Lorsque les portes de l’autel s’ouvrent, une transformation vraiment étonnante s’opère sous les yeux du spectateur :
- la taille du polyptyque est doublée,
- l'image de la vie quotidienne est instantanément remplacée par le spectacle du paradis terrestre.
- les placards exigus et sombres disparaissent, et le monde semble s'ouvrir : le paysage spacieux s'illumine de toutes les couleurs de la palette, vives et fraîches.
Le tableau du cycle festif est dédié à un chrétien rare beaux-Arts le thème du triomphe du monde transformé, qui devrait survenir après le Jugement dernier, lorsque le mal sera finalement vaincu et que la vérité et l'harmonie seront établies sur terre.

Dans la rangée du haut :
- dans la partie centrale de l'autel, Dieu le Père est représenté assis sur un trône,
- la Mère de Dieu et Jean-Baptiste sont assis à gauche et à droite du trône,
- puis des deux côtés il y a des anges qui chantent et jouent de la musique,
- les figures nues d'Adam et Eve ferment le rang.
La rangée de peintures du bas représente une scène d’adoration du Divin Agneau.
- au milieu du pré s'élève un autel, sur lequel se tient un agneau blanc, le sang coule de sa poitrine percée dans un calice
- plus près du spectateur se trouve un puits d'où coule de l'eau vive.

Jérôme Bosch (1450 - 1516)
Le lien de son art avec traditions folkloriques, folklore.
Dans ses œuvres, il combinait de manière complexe les caractéristiques de la fiction médiévale, du folklore, des paraboles philosophiques et de la satire.
Il a créé des compositions religieuses et allégoriques à plusieurs figures, des peintures sur des thèmes proverbes populaires, dictons et paraboles.
Les œuvres de Bosch sont remplies de nombreuses scènes et épisodes, d'images et de détails vifs et bizarres-fantastiques, pleins d'ironie et d'allégorie.

Le travail de Bosch a eu une influence considérable sur le développement des tendances réalistes dans la peinture hollandaise du XVIe siècle.
Composition « Tentation de St. Anthony" est l’une des œuvres les plus célèbres et mystérieuses de l’artiste. Le chef-d’œuvre du maître était le triptyque « Jardin des Délices », une allégorie complexe qui a reçu de nombreux différentes interprétations. Durant la même période, les triptyques " Jugement dernier", "Adoration des Mages", compositions "St. Jean à Patmos", "Jean-Baptiste dans le désert".
La dernière période de l'œuvre de Bosch comprend le triptyque « Ciel et enfer », les compositions « Le Clochard », « Portant la croix ».

La plupart des peintures de Bosch sont matures et période tardive sont des grotesques bizarres contenant de profondes connotations philosophiques.

Le grand triptyque « Hay Wagon », très apprécié de Philippe II d’Espagne, appartient à la période de maturité de l’œuvre de l’artiste. La composition de l’autel est probablement basée sur un vieux proverbe hollandais : « Le monde est une botte de foin et chacun essaie d’en tirer le plus possible. »

Tentation de St. Antonie. Triptyque. Partie centrale Bois, huile. 131,5 x 119 cm (partie centrale), 131,5 x 53 cm (feuille) musée national Art ancien, Lisbonne
Jardin des Délices. Triptyque. Vers 1485. Partie centrale
Bois, huile. 220 x 195 cm (partie centrale), 220 x 97 cm (feuille) Musée du Prado, Madrid

art hollandais XVIe siècle marqué par l'émergence d'un intérêt pour l'Antiquité et les activités des maîtres Renaissance italienne. Au début du siècle émerge un mouvement basé sur l’imitation des modèles italiens, appelé « romanisme » (de Roma, nom latin de Rome).
Le summum de la peinture hollandaise de la seconde moitié du siècle était la créativité Pieter Bruegel l'Ancien. 1525/30-1569. Surnommé Muzhitsky.
Il a créé un art profondément national basé sur Traditions néerlandaises et le folklore local.
A joué un rôle énorme dans la formation du genre paysan et du paysage national. Dans l'œuvre de Bruegel, l'humour populaire brut, le lyrisme et la tragédie, les détails réalistes et le grotesque fantastique, l'intérêt pour la narration détaillée et le désir d'une large généralisation sont intimement liés.

Dans les œuvres de Bruegel, il y a une proximité avec les représentations moralisatrices du théâtre populaire médiéval.
Le duel de bouffons entre Maslenitsa et Carême est une scène courante lors des foires organisées aux Pays-Bas pendant les jours d'adieu d'hiver.
Partout la vie bat son plein : on danse en rond, on lave les vitres ici, certains jouent aux dés, d'autres font du commerce, quelqu'un demande l'aumône, quelqu'un est emmené pour être enterré...

Les proverbes. 1559. Le tableau est une sorte d’encyclopédie du folklore néerlandais.
Les personnages de Bruegel se mènent par le nez, s'assoient entre deux chaises, se cognent la tête contre le mur, se suspendent entre ciel et terre... Le proverbe hollandais « Et il y a des fissures dans le toit » est proche dans son sens du russe « Et les murs ont des oreilles. L’expression néerlandaise « jeter l’argent à l’eau » signifie la même chose que l’expression russe « gaspiller l’argent », « jeter l’argent dans les égouts ». L'ensemble du tableau est consacré au gaspillage d'argent, d'énergie et de vie entière - ici, ils couvrent le toit de crêpes, tirent des flèches dans le vide, tondent des cochons, se réchauffent avec les flammes d'une maison en feu et se confessent au diable.

La terre entière avait une seule langue et un seul dialecte. Venant de l'est, ils trouvèrent une plaine au pays de Shinar et s'y installèrent. Et ils se dirent : « Faisons des briques et brûlons-les au feu. » Et ils utilisèrent des briques au lieu des pierres, et du goudron de terre au lieu de la chaux. Et ils dirent : « Bâtissons-nous une ville et une tour dont la hauteur atteint le ciel, et faisons-nous un nom avant d'être dispersés sur la face de la terre. Et l'Éternel descendit pour voir la ville et la tour que bâtissaient les fils des hommes. Et le Seigneur dit : « Voici, il y a un seul peuple, et ils ont tous une seule langue, et c'est ce qu'ils ont commencé à faire, et ils n'abandonneront pas ce qu'ils ont projeté de faire. Descendons là et confondons leur langage, afin que l'un ne comprenne pas le discours de l'autre. Et l'Éternel les dispersa de là sur toute la terre ; et ils cessèrent de construire la ville et la tour. C'est pourquoi on lui donna le nom de Babylone, car là le Seigneur confondit la langue de toute la terre, et de là le Seigneur les dispersa sur toute la terre (Genèse, chapitre 11). Contrairement à l'agitation hétéroclite premières œuvres Bruegel, ce tableau étonne le spectateur par son calme. La tour représentée sur la photo ressemble à l'amphithéâtre romain du Colisée, que l'artiste a vu en Italie, et en même temps à une fourmilière. A tous les étages de l'immense structure, un travail inlassable bat son plein : des blocs tournent, des échelles sont lancées, des silhouettes d'ouvriers se précipitent. Il est à noter que le lien entre les constructeurs a déjà été perdu, probablement à cause du « mélange des langues » qui a commencé : quelque part, la construction est en cours bat son plein, et quelque part la tour est déjà transformée en ruines.

Après que Jésus ait été livré pour être crucifié, les soldats lui ont mis une lourde croix et l'ont conduit à la mort. endroit frontal, appelé Golgotha. En chemin, ils capturèrent Simon de Cyrène, qui revenait des champs de bataille, et le forcèrent à porter la croix pour Jésus. De nombreuses personnes ont suivi Jésus, parmi lesquelles des femmes qui pleuraient et se lamentaient sur lui. « Porter la Croix » est une image religieuse et chrétienne, mais ce n'est plus une image d'église. Bruegel a corrélé les vérités de l'Écriture Sainte avec expérience personnelle, réfléchi sur les textes bibliques, leur a donné sa propre interprétation, c'est-à-dire ouvertement violé le décret impérial de 1550 en vigueur à cette époque, qui, sous peine de mort, interdisait auto-apprentissage Bible.

Bruegel crée une série de paysages « Les Mois ». « Hunters in the Snow » est décembre-janvier.
Pour un maître, chaque saison est avant tout un état unique de la terre et du ciel.

Une foule de paysans, captivés par le rythme rapide de la danse.

Fruits et mouches

Artiste Jan Van Huysum, grand artiste et maître Nature morte hollandaise, vécut à la fin du XVIIe - début du XVIIIe siècle et était extrêmement populaire parmi ses contemporains.

On sait très peu de choses sur la vie et l’œuvre de Jan van Huysum. Il est né dans la famille de l'artiste Justus van Huysum Sr., ses trois frères étaient également artistes. En 1704, Jan Van Huysum épousa Margaret Schouten.

Portrait de Jan van Huysum par Arnold Bonen, vers 1720

L'artiste est très vite devenu artiste célèbre et un maître reconnu de la nature morte hollandaise. Les têtes couronnées décoraient leurs chambres et salles d'apparat avec des peintures du maître. Les œuvres de Jan Van Huysum n'étaient pas accessibles au reste du public. Le fait est que le maître a travaillé sur chaque tableau pendant très longtemps. Et ses œuvres étaient très chères - des dizaines de fois plus chères que les peintures de Rembrandt, Jan Steen et Albert Cuyp.
Chaque tableau se compose de dizaines de couches de peinture transparente et de détails méticuleusement peints : couche par couche et trait par trait. Ainsi, au fil de plusieurs années, est née la nature morte de ce maître.

Les pinceaux de Jan van Huysum comprennent plusieurs paysages assez intéressants, mais le thème principal de l'artiste est la nature morte. Les experts divisent les natures mortes de Jan Van Huysum en deux groupes : les natures mortes sur fond clair et les natures mortes sur fond sombre. Les « natures mortes lumineuses » nécessitent des compétences plus « matures » de la part de l'artiste - l'expérience et le talent sont nécessaires pour une modélisation de la lumière compétente. Mais ce sont déjà des détails.

Mieux vaut regarder ces œuvres. Ils sont vraiment merveilleux.