Salvatore Rosa. Autoportrait
La biographie de l'artiste italien Salvatore Rosa est très inhabituelle. Il semblait que le destin lui avait spécialement préparé des aventures inattendues et l'avait doté du caractère d'un rebelle, ce qui, à son tour, ne pouvait qu'affecter son activité créative. Il ne s'est pas immédiatement intéressé à la peinture ; il s'est recherché dans le spirituel, dans la musique et le théâtre. Rosa est née en Italie le 20 juin 1615, à une époque où le baroque progressiste se développait dans l'art et où il y avait une lutte intense contre le maniérisme.
La famille pauvre du futur artiste vivait près de Naples. Le père, Antonio Vito de Rosa, était un simple géomètre et pour que le garçon reçoive une bonne éducation, confia son fils au collège de la congrégation jésuite de Somasca, entre les villes de Bergame et Milan. Alors qu'il se trouvait dans l'enceinte de l'Ordre monastique, le garçon Salvatoriello, habitué aux divertissements et aux jeux air frais, je me sentais mal à l'aise et ennuyé. Cependant, les connaissances qu'il a reçues de mentors spirituels lui ont été utiles dans plus de créativité. Parmi les matières étudiées par Rose figuraient : la littérature italienne, les Saintes Écritures, l'histoire ancienne et le latin coquin. L'université est devenue le seul espoir du père de Salvatore de donner à son fils une bonne éducation et de le sortir de la pauvreté.
Le désir de recevoir les ordres sacrés est devenu rêve chéri connectez votre vie à l’art. Par conséquent, Rosa a commencé à prendre des cours de musique, et seulement après cela, de peinture. Les premiers professeurs du jeune homme furent Francanzone, son beau-frère et le grand Ribera. En plus des cours, Salvatore a développé son talent en écrivant de manière indépendante de petits croquis.
Peinture jeune artiste se distinguait par le réalisme et le naturel non seulement des intrigues, mais aussi des couleurs. Sa palette était dominée par des couleurs ocre-brun et des tons sourds. Les personnages avaient des humeurs et des expressions faciales compréhensibles pour la personne moyenne, sans fioriture ni grotesque. Le maître a même représenté son autoportrait (1640) « modestement » et « clairement », suivant les orientations de l'école de peinture napolitaine.
Comme vous le savez, Salvatore Rosa était un rebelle et avait un caractère capricieux. Le tempérament de sa nature donne le ton à ses œuvres. L'artiste était particulièrement doué pour peindre des batailles et des scènes avec des vagabonds et des bandits. De plus, tant tôt que travaux tardifs Le peintre avait une touche d'ocre rouge plomb et la technique Caravadzhin d'application de nuances contrastées - un jeu d'ombres et de lumière (« Jason pacifiant le dragon », « Le choix de Diogène », « Alexandre et Diogène »).
Jason apprivoise le dragon. 1665-70
Le choix de Diogène. 1650
En 1636, l'artiste décide de devenir acteur, juste au moment où tout Rome connaissait déjà Salvatore comme un artiste talentueux. Et ici, il a réussi. Il a dévoilé son visage pendant la représentation, arrachant le masque de Coviello, qu'il incarnait, et a ensuite fondé son propre théâtre près de Port del Popolo. En tant que combattante constante contre le gouvernement en place, Rosa a été persécutée et est devenue un objet de surveillance par des tueurs à gages qui se précipitaient autour du théâtre. Durant cette période, il écrit le célèbre tableau « Allégorie des mensonges », illustrant son propre poème « J'enlève mon rougissement et mes peintures de mon visage ». Le tableau est peint dans des tons secs inhabituels avec une « patine » de peinture émeraude.
Une allégorie du mensonge. 1640
Peintre, poète et acteur talentueux, Salvatore avait de nombreux amis dans le monde de l'art et de la littérature. Le nom du grand artiste est souvent mentionné dans les œuvres, journaux intimes et lettres des voyageurs. Alimentée par son propre caractère agité et sa bonne compagnie, Rosa crée des histoires sur divers sujets - divers, différents les uns des autres. Il s'agit de sujets mythiques et bibliques, de paysages (« Paysage forestier avec trois philosophes ») et de portraits. La technique dans laquelle il écrit n'est pas particulièrement brillante, mais elle donne la paix et crée la bonne ambiance pour le spectateur.
Paysage forestier avec trois philosophes.
Rose était motivée, entre autres choses, à créer des histoires romantiques par son amour pour une femme. Son bien-aimé de longues années Il y avait Lucrèce, qui a donné deux fils à l'artiste. Ce n'est qu'avant sa mort que Salvatore épousa une femme, accomplissant ainsi son devoir sur terre, en donnant la continuité à la famille et à lui-même dans ses toiles.
La mort rattrapa le maître en mars 1673 à Rome. L’œuvre de Salvatore Rosa est devenue une école pour de futurs artistes non moins éminents.
ROSE, SALVATTOR (Rosa, Salvator) (1615-1673), artiste, acteur et écrivain italienAutoportrait (allégorie du silence)
Galerie nationale, Londres
Comme pour nous avertir, l'artiste nous regarde par-dessus son épaule avec une expression triste et méprisante sur le visage. En effet, l’inscription sur la pancarte qu’il tient dans ses mains dit : « Tais-toi si ce que tu veux dire n’est pas mieux que le silence" Le sens dur de cet autoportrait sombre est encore renforcé par la cape sombre et le chapeau noir de l'artiste, qui lui donnent une apparence presque sinistre. Il se profile devant nous de manière menaçante sur fond de ciel étrange et sans horizon. Rosa a été fortement influencée par le réalisme dur de Jusepe Ribera, qui travaillait à Naples à partir de 1616. Salvator Rosa (20.6.1615-15.3.1673) est né dans les environs de Naples, dans le village d'Arenella. Le père de Rosa, Vito Antonio, était constructeur ou géomètre, sa mère Giulia Greco était la fille de l'artiste Vito Greco et la sœur du peintre Domenico Antonio Greco. Rosa a été envoyée au collège jésuite de la congrégation Somasca à Naples, où il a reçu une bonne éducation en arts libéraux, étudiant la littérature classique, la logique, la rhétorique et l'histoire. Dès sa jeunesse, il s'intéresse à la musique, jouant de la harpe, de la flûte, de la guitare et composant des sérénades. Salvator était en réalité un autodidacte, formé dans le cercle des maîtres de l'école napolitaine. Au début, il copiait les œuvres de Francesco Fracanzano, dont les œuvres étaient appréciées des clients et furent même envoyées à la cour espagnole. Il étudie ensuite dans l'atelier d'Agnello Falcone, excellent dessinateur et peintre de batailles.
Salvator Rosa s’est développé dans le milieu napolitain non seulement comme artiste, mais aussi comme « libre penseur ». Le sud de l'Italie est le berceau de ces personnalités exceptionnelles dans l'histoire du pays, comme Giordano Bruno, Tommaso Campanella, Cesare Vanini. Ces hommes courageux ont défendu leur peuple, souffrant de l'oppression des étrangers, se sont rebellés contre la terreur de l'Inquisition pendant la période qui s'est intensifiée à partir du IIe siècle. moitié XVI siècle de la Contre-Réforme, rêvait d'égalité sociale du peuple. Parmi les adeptes de ces « libres penseurs », les professeurs de Rosa, Agnello Falcone et Francesco Fracanzano, finirent tous deux dans les rangs des défenseurs de Tommaso Agnello, qui dirigea le soulèvement des classes populaires contre la noblesse (le commerce et la noblesse). élite financière de la ville) et les barons (grands propriétaires fonciers). Les héros des peintures de Rosa seront les pauvres - pêcheurs, chargeurs, vagabonds lazzaroni, qu'il a vu se cacher de la poursuite des troupes du vice-roi, et parfois s'engager dans la bataille avec elles et semer la peur chez les nobles avec leurs attaques et vols inattendus.
Paysage forestier
Un jour, Giovanni Lanfranco remarqua les peintures de Rosa exposées. maître célèbre peinture baroque monumentale, qui a travaillé à Naples. Il a même acheté plusieurs de ses œuvres. En 1635, Salvator Rosa quitta ville natale et s'installe à Rome, où commence sa vie mouvementée. De 1640 à 1649, il vécut à Florence, puis pendant toute la période suivante (1649-1673) à Rome.
À Rome, Rosa trouva un riche mécène en la personne d'un certain Girolamo Mercuri, napolitain, majordome du cardinal Brancacci de Viterbe. Le Cardinal, remarquant le talent de l'artiste, le fit quitter la maison de Mercure. Pour la résidence de l'archevêque de Viterbe, Rosa a réalisé un retable dans l'église de San Sisto.
Ayant quitté Rome pendant quelque temps, Salvator Rosa continue néanmoins d'exposer ses œuvres à l'exposition romaine des membres de la congrégation des Virtuoses du Panthéon (créée en 1543), qui a lieu chaque année le 29 août, en l'honneur de la fête de la Saint-Jean. Baptiste (San Giovanni Decolato) dans la cour de l'église de San Bartolomeo dei Padri Bergamaschi. En 1639, le tableau Titius de Rosa connut un grand succès lors de cette exposition. Bien plus tard, dans les années 1650, Salvator Rosa étonnera à nouveau le public romain à l'occasion de la fête de San Giovanni Decolato. Son tableau Fortuna (1658-1659) fera sensation, pour lequel ils tenteront de traduire l'artiste en justice devant l'Inquisition.
"Allégorie de la Fortune" ca. 1658-59
Musée Getty. Los Angeles Seule l'intervention du cardinal Chigi le sauvera de la prison. Rose a représenté la déesse du Destin distribuant des pièces de monnaie, des pierres précieuses, des livres d'une corne d'abondance, qui vont aux cochons, un taureau, un âne, un mouton, un bélier (à ses pieds se trouve une palette, c'est donc une allégorie d'un mauvais peintre ), et non à des personnes dignes. Le visage de Fortuna ressemblait à une femme publique, vers laquelle un noble ecclésiastique était attiré. C'était une allusion audacieuse à l'injustice de distribuer des honneurs à des personnes qui n'en sont pas dignes, mais qui réussissent par la flatterie, la tromperie et la flagornerie.
Les paysages et les poèmes de Rosa font écho à la tradition poétique napolitaine ; ils semblent un peu bruts comparés au style mélodique et doux du poète napolitain, contemporain de Rosa, J.B. Marino, devenu célèbre dans les cours européennes, ou les paysages de Nicolas Poussin à la nature anoblie et idéalement calme. L’imagerie de la poésie de Rosa est loin des descriptions des « jardins de bonheur » dans les paroles de Marino. Aussi, la peinture paysagère de l’artiste, dans laquelle sa riche imagination se conjugue subtilement avec des observations sur le terrain, suscite un tout autre sentiment émotionnel que les paysages de la Campanie romaine de Poussin. C'est un sentiment émotionnel particulier dans XIXème siècle sera qualifiée de perception « romantique » de la nature.
Les figures de vagabonds ou de guerriers parmi les gorges des montagnes, de voyageurs sur la route, de pêcheurs, de chargeurs, de joueurs de cartes sur la côte maritime évoquent des associations dans les toiles de Salvator Rosa non pas avec des images littéraires, comme dans les peintures de Claude Lorrain, qui aimait placer sur scène, parmi les scènes en forme d'arbres ou de bâtiments architecturaux, des figures de personnages des œuvres de Virgile, d'Ovide, de l'Ancien Testament. La nature, extraordinaire et mystérieuse, domine toujours les paysages de Rose.
Un ange apparaît à Agar et Ismaël dans le désert.
Le succès de ses paysages auprès de ses clients était apparemment en partie un fardeau pour Salvator Rosa. Dans la satire « Peinture », il écrit avec sarcasme : « Avec un grave étonnement... Je réfléchis au fait que presque tous les artistes perdent leur talent lorsqu'ils commencent à avoir du succès, parce qu'ils voient à quel point ils sont honorés et les choses qu'ils ont peintes facilement. trouver une place pour lui-même... Ainsi, il ne s'embarrasse plus de travail excessif et, complètement paresseux, se transforme joyeusement en âne. Cependant, l'artiste est devenu le créateur de véritables chefs-d'œuvre peinture de paysage XVIIe siècle. L’un de ses premiers paysages les plus poétiques est la toile « Vieux Pont » (vers 1640).
"Paysage avec un pont détruit" ca. 1640.
Huile sur toile 106X127 cm.
Palais Pitti, Florence.
À Rome, Salvator Rosa se tourne vers la peinture de scènes de bataille.
La bataille des chrétiens contre les Turcs. Années 1650 Dans ses grandes compositions panoramiques, il place au premier plan la scène d'une bataille frénétique de guerriers, et l'arrière-plan est constitué de montagnes, de ruines de temples, de tours et de palais. Dans la satire « Guerre » (1647), l'artiste exprime son attitude face au soulèvement : « Regardez avec quel grand courage le pêcheur, méprisable, pieds nus, un ver, a reçu tant de droits en un jour ! Regarde ça haute âme chez le petit, qui, pour sauver sa patrie... a plongé les plus hautes têtes dans le néant... Les valeurs anciennes ne sont-elles pas renouvelées si aujourd'hui le pêcheur méprisé donne l'exemple aux rois..." Dessins de Salvator Rosa représentant des figures de cavaliers, des fragments ont été conservés scènes de bataille. Le corpus de ses dessins dans son ensemble n’est pas très vaste, bien qu’il soit considéré comme un dessinateur prolifique parmi les maîtres baroques.
Fragment d'une gravure de la collection Rose
Ses dessins incluent « Le cavalier sur un cheval tombé », « Saint Georges terrassant le dragon » et la gravure « Jason et le dragon » (réalisée pour la toile du même nom d'après une scène des « Métamorphoses » d'Ovide). Et parfois les images de ses dessins sont pleines de lyrisme (« Apollon et Daphné »), d'observation fine (« Joueur de luth sous un arbre », « Deux personnages dans un paysage », « Pêcheur »).
Allégorie des mensonges
Deux œuvres remarquables de Salvator Rosa ont été créées à Florence : l'« Autoportrait » déjà mentionné (vers 1648) et l'Allégorie des mensonges (années 1640). Ils permettent de juger de son attitude dans la période 1640-1649, de son rapport difficile avec un monde plein d'accessoires théâtraux et non de sincérité. Rose peignait souvent son reflet dans le miroir. Dans le tableau « Allégorie des mensonges », l'artiste semble plus âgé que dans « Autoportrait » de Londres.
«Autoportrait» Huile sur toile, 99 x 79 cm.
Musée métropolitain d'art. NEW YORK. A Florence il était écrit " Portrait d'un homme" (années 1640). Apparemment, il s'agit également d'un autoportrait dans lequel Rosa s'est représentée dans le costume de Pascariello, l'un de ses personnages préférés de la commedia dell'arte. Les chercheurs de son travail voient également des similitudes avec l'artiste dans l'image de l'ancien mathématicien, designer et philosophe Arkita, représenté tenant une colombe mécanique qu'il a conçue (« Arkita, philosophe de Tarente »).
Parmi les portraits de Salvator Rosa, il convient de noter le « Portrait d'homme » (années 1640), qui représente un homme du peuple, un vagabond ou un paysan.
"Portrait d'homme" années 1640
Huile sur toile, 78 x 65 cm.
Musée de l'Ermitage. Saint-Pétersbourg. Avec ses haillons et un bandeau sur la tête, il ressemble aux voleurs, dont l'artiste aimait introduire les figures dans ses paysages (« Les voleurs dans la grotte »). Transmis de manière convaincante personnage féminin et dans « Portrait de Lucrèce », la bien-aimée de l’artiste. Rosa resta proche de la florentine Lucrezia jusqu'à la fin de ses jours, l'appelant très respectueusement « Signora Lucrezia » dans ses lettres.
Loukreciya.
Au cours de son séjour à Florence, puis à Rome, Rosa a créé des œuvres dans le genre des « diableries » ou « stregonerie » (de l'italien - stregonerie), c'est-à-dire des scènes de sorcellerie et de diablerie.
"Les démons et l'ermite."
Sorcières à leurs incantations (« Sabbat des sorcières ») L'appel à des sujets similaires représentant des sorcières, des outils de sorcellerie (livres anciens, instruments astronomiques, objets symboliques) était répandu dans la peinture européenne du XVIIe siècle (« Fragilité humaine », 1657 ; « Soi -portrait avec un crâne, 1656-1675). Dans le premier tableau, une femme assise avec un enfant sur ses genoux est une allégorie de la maternité. L'enfant écrit sur un parchemin, mais sa plume est guidée par la main de la mort, personnifiée par un squelette ailé et effrayant.
« Fragilité humaine » Huile sur toile, 199 x 134 cm.
Musée Fitzwilliam, Cambridge. Herma, couronnée d'une couronne de branches de cyprès (l'arbre des cimetières et des douleurs), d'un obélisque (symbole de la mémoire), d'une sphère de cristal sur laquelle est assise une femme (symbole du destin de la vie), d'un hibou (oiseau de la nuit ), un autre bébé debout dans un berceau, allumant au bout du fil au bout un rouet (symbole de la fragilité de la vie, déjà prédéterminée pour un bébé au berceau), deux couteaux (emblème de séparation forcée), une inscription sur un rouleau (« la conception est un péché, la naissance est un tourment, la vie est un travail fastidieux, la mort est une fatalité inévitable ») d'un poème célèbre, lignes qu'il a envoyées dans la canzone à l'artiste J.B. Ricciardi ; La signature de Rose sur la lame du couteau (une allégorie de la séparation d'avec son fils décédé) - tout cet ensemble complexe de symboles révèle la profonde tragédie de ses expériences.
"Démocrite en méditation" c. 1650
Huile sur toile, 344 x 214 cm.
Musée d'État arts Copenhague
"Paysage marin avec tours" après 1645
Huile sur toile, 102 x 127 cm.
Galerie Palatine (Palazzo Pitti), Florence.
À Florence, Salvator Rosa continue de créer des scènes de bataille et de peindre des paysages (Paysage avec Mercure et un bûcheron, vers 1650 ; « Paysage avec Apollon et la Sibylle de Cumes » (années 1650), « Paysage avec le sermon de Jean-Baptiste », années 1660).
Jean-Baptiste prêchant dans le désert.
À la fin des années 1640 et dans les années 1650, les tendances classicistes s'intensifient dans l'œuvre de Salvator Rosa. Il essaie de maîtriser les techniques de la peinture « de grand style », en se tournant vers des sujets de histoire ancienne et la mythologie, aux thèmes bibliques. Cependant, il est difficile pour l'artiste de rejeter l'interprétation de genre du staffage, de sorte que la didactique avec laquelle le sens moral des intrigues est présenté semble parfois grossière. Cela s'applique à des peintures telles que « La vocation de Cincinnatus », « Le Bosquet des philosophes » (Paysage avec trois philosophes),
Les philosophes boisent « Agar et Ismaël dans le désert », écrits avant de déménager à Rome. Se tourner vers le genre historique, vers la stylistique du « high style » était contraire au talent de l’artiste, il n’a donc pas toujours été en mesure d’obtenir le succès et la reconnaissance souhaités sur cette voie.
En 1660, Salvator Rosa s'installe à Rome.
De plus en plus souvent, Salvator Rosa se tourne vers des histoires de histoire ancienne et la mythologie, porteuse d'une signification éthique et morale (« Fils prodigue » et « Astrée quitte la terre », années 1660). Les idées du stoïcisme sont particulièrement clairement exprimées dans ce dernier. Les héros des œuvres de Rose sont Diogène, le philosophe grec cynique ; Saint Paul l'Ermite, ermite, saint chrétien, le premier des ermites d'Egypte à choisir une vie solitaire par souci de réflexion ; Démocrite, le plus grand logicien antique, prédécesseur d'Aristote.
Ulysse et Nausicaa
Démocrite et Protagoras Rosa tentent de comprendre philosophiquement l'histoire dans les tableaux « La mort d'Atilius Regulus » et « La Conspiration de Catilina », ainsi que dans les gravures « Bélisaire » et « Laomidont ». Il se tourne vers les images histoire légendaire(« Saul chez la sorcière d'Endor »), crée sa série de gravures « Capricci » (1656) et, enfin, écrit sa célèbre toile « Prométhée », pleine de profondes réflexions sur le châtiment de la vertu et de l'injustice du monde.
Prométhée Le tableau « Le Rêve d'Énée » est étroitement lié aux thèmes romains.
"Le rêve d'Énée" New York. Métropolitain. Rose donne une signification philosophique et moraliste au tableau de genre historique « Alexandre le Grand et Diogène ». Le pauvre philosophe stoïcien qui a osé dire au plus grand des généraux : « Reculez et ne me cachez pas le soleil ! » ressemble à un vieil homme excentrique qui entame une conversation avec un puissant guerrier.
"Le fils prodigue" 1651-55
Huile sur toile, 254 x 201 cm.
Musée de l'Ermitage. Saint-Pétersbourg.
La toile Le Fils prodigue est l’un des chefs-d’œuvre de l’artiste. Dans cette œuvre, Salvator Rosa apparaît comme l'un des héritiers les plus évidents et les plus originaux du caravagisme, qui, à cette époque, perdait déjà progressivement sa place.
DANS des années plus tard Salvator Rosa a réalisé de nombreux dessins au cours de sa vie. Parmi eux se trouvent des caricatures de personnes qui ont visité sa maison, des images romancées de lui-même, des influx de fantaisie - des reproductions de personnages de la série Capricci, souvent transférées à peintures. Après 1664, Rosa ne se tourne plus vers la gravure en raison de sa vue fortement dégradée.
En 1668, lors de l'exposition suivante, le jour de San Giovanni Decolato, Salvator Rosa expose le tableau L'Esprit de Samuel, appelé à Saul par la sorcière d'Endor. Intrigue dramatique dans la peinture du genre « élevé », il a acquis une interprétation satirique, presque farfelue dans l'interprétation de l'artiste.
"L'apparition de l'ombre du prophète Samuel au roi Saül" 1668
Huile sur toile, 275 x 191 cm.
Persienne. Paris. Salvatore Rosa est décédé le 15 mars 1673 à Rome des suites d'hydropisie. Avant sa mort, l'artiste a épousé sa maîtresse Lucretia, avec qui il a vécu de nombreuses années et a élevé deux fils.
"Lucrèce comme poésie" 1640-1641
Huile sur toile 1 040 x 910 cm.
Musée d'art Wadsworth Atheneum. HartfordLe grand maître baroque italien Salvator Rosa a eu une influence significative sur le développement Peinture italienne. Sous l'influence de son art, le talent de Magnasco, Ricci et de plusieurs autres maîtres s'est formé. L'art de Salvatore Rosa a également inspiré les peintres époque romantique.
"Pythagore et le pêcheur" 1662
Huile sur toile, 132 x 188 cm.
Musée national. Berlin
"Paysage rocheux avec chasseur et guerrier" c. 1670
Huile sur toile, 142 x 192 cm.
Persienne. Paris
Paysage avec Mercure et le Bûcheron malhonnête
86.
"Bataille héroïque" 1652-64
Huile sur toile, 214 x 351 cm.
Persienne. Paris
Un ange fait sortir saint Pierre
Diogène jetant sa coupe.1651
« Jason ensorcelle le dragon » version 2
"Paysage du soir" 1640-43
Huile sur toile, 99 x 151 cm.
Collection privée
"Paysage fluvial avec Apollon et Sibylle" v. 1655
Huile sur toile, 174 x 259 cm.
Collection royale. Windsor
"Jason ensorcelle le dragon" ca. 1665-1670
Musée beaux-Arts. Montréal
« Guerrier » Huile sur toile
Galerie universitaire, Sienne
« Portrait d'un philosophe » Huile sur toile, 119 x 93 cm.
Collection privée
"Pythagore sort des enfers" 1662
Musée d'art Kimbel, Texas Fort Worth
"Diogène jetant sa coupe" années 1650
Huile sur toile, 219 x 148 cm.
Collection privée
Héraclite et Démocrite
Autoportrait de Salvator Rosa
"Jason ensorcelle le dragon"
Démocrite
En tant que maître du XVIIe siècle, Salvator Rosa a su dans son œuvre révéler profondément l'une des principales caractéristiques de l'esthétique baroque - la synthèse du tragique et du comique. Dans des satires et sur des toiles, il a parlé de l'image du véritable « théâtre de la vie » de son époque, a fait ressentir aux lecteurs et aux spectateurs la profondeur de son don dramatique et l'ironie subtile inhérente à l'évaluation des imperfections de la vie.
D'après le livre d'E.D. Fedotova « Salvator Rosa » (série « Maîtres de la peinture. Artistes étrangers") http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=568
Salvator Rosa
http://art-line.co.ua/baroque/italian_baroque/
En 1615, un garçon est né dans la maison du géomètre et architecte Vitantonio Rosa, dans la petite ville d'Arenella, près de Naples. Ils l'ont nommé Salvator. Depuis les fenêtres du domaine délabré de Casaccio, on avait une vue magnifique sur Naples et le volcan Vésuve. Autour du village, de nombreux endroits enchantaient par leur beauté : le haut rocher de San Elmo, la forteresse de Borgo di Arenella, construite sous le règne de Charles Quint, les collines de Vomero et Posilipo, l'île de Capri, la côte de le golfe de Naples aux eaux bleu clair. Toutes ces images se refléteront plus tard pleinement dans les peintures de Salvator Rosa. AVEC premières années Le futur artiste a essayé de capturer les images de la nature qui l'excitaient sur de petits morceaux de papier.
Remarquant chez leur fils un désir de connaissance, de science et d'art, ses parents décidèrent de l'inscrire au Collège jésuite de la Congrégation de Somasca, situé à Naples. Salvator Rosa y reçut une éducation variée : il étudia littérature classique, étudié la grammaire, la rhétorique, la logique. Entre autres, j'ai reçu éducation musicale, a appris à jouer de la harpe, de la flûte, de la guitare et a même essayé de composer de petits œuvres musicales(on connaît les sérénades-doncellas écrites par lui). Certaines sérénades étaient si populaires parmi les Napolitains qu'ils les chantaient jour et nuit sous les fenêtres de leurs amants.
Après un certain temps, Salvator Rosa quitte le collège et retourne dans sa ville natale d'Arenella, où il rencontre l'artiste local Francesco Fracanzano, ancien élève du maître de la peinture espagnol Jusepe Ribera, qui était extrêmement populaire à l'époque. Après avoir vu les tableaux de Francesco, Salvator en réalise plusieurs copies, pour lesquelles il mérite les éloges de Fracanzano, qui a su discerner chez le jeune homme le talent d'un véritable artiste et lui a conseillé de se mettre sérieusement à la peinture.
Désormais, Rosa dessine beaucoup. A la recherche de nouvelles images, il parcourt les montagnes des Abruzzes. A cette époque apparaissent des paysages représentant les vallées du Monte Sarkio avec un volcan éteint, les grottes de Palignano, les grottes d'Otrante, ainsi que les ruines des anciennes villes de Canusia et Brundisia, les ruines de l'arc et de l'amphithéâtre de Bénévent.
Là, dans les Abruzzes et en Calabre, le jeune artiste a rencontré des voleurs vagabonds, parmi lesquels se trouvaient ceux qui avaient été exclus de la société des personnes « respectables » pour leurs pensées audacieuses et épris de liberté. L'apparition de ces bandits a tellement choqué Salvator qu'il a décidé de les capturer dans son album. Leurs images ont ensuite été utilisées dans les compositions ultérieures du maître déjà mature (il convient ici de rappeler la gravure de la suite Capricci, qui montre la capture d'un jeune homme par des voleurs dirigés par le chef), et se sont également reflétées dans les peintures. représentant des scènes de bataille.
Le voyage fut fructueux et significatif pour le développement de la créativité paysagère du jeune peintre. Au cours de ses voyages, il réalise de nombreux croquis de vues de la nature italienne.
Puis transférés en peintures, ces paysages sont exceptionnellement réalistes, vivants et naturels. C'est comme si la nature ne s'était endormie que pour un instant. Il semble que dans une seconde tout prendra vie, une légère brise soufflera, les arbres se balanceront, les oiseaux gazouilleront. Dans les paysages de la Rose se trouve une force énorme, expression particulière. Les figures de personnes et de bâtiments, faisant partie d'un tout, se combinent harmonieusement avec des images de la nature.
La première exposition de Salvator Rosa a eu lieu à Naples. L'un de ceux qui ont remarqué et apprécié le travail du jeune artiste était le célèbre maître peinture monumentale Giovanni Lanfranco, qui s'est acheté plusieurs paysages lors de l'exposition.
Au milieu des années 30. XVIIe siècle Salvator Rosa s'installe à Rome, la capitale mondiale des beaux-arts, où règnent le baroque et le classicisme. C'est à Rome que Rosa fait la connaissance du travail de grands maîtres de la peinture comme Michel-Ange, Raphaël, Titien, Claude Lorrain. Leur style d’écriture a largement influencé le développement de la méthode créative et de la technique artistique et visuelle de Rosa. Ceci est particulièrement visible dans les peintures avec paysages marins. Ainsi, « Seaport » a été écrit dans les meilleures traditions de C. Lorrain. Mais le jeune artiste va plus loin que le professeur. Son paysage est naturel et concret : les images idéales, voire abstraites, du Lorrain sont ici remplacées par les figures de simples pêcheurs napolitains.
Quelques mois plus tard, Rosa, gravement malade, quitte la luxuriante et magnifique capitale italienne. Il ne revint qu'en 1639. Au cours de l'été de cette année, un carnaval eut lieu à Rome, au cours duquel Rosa joua le rôle d'un acteur itinérant sous le couvert de Coviello (un plébéien qui n'avait pas accepté son sort). Et si les autres Coviello faisaient de leur mieux pour ressembler le plus possible à de vrais paysans, alors Rosa jouait parfaitement son masque, composant tout un spectacle et le montrant chantant et jouant de la guitare, joyeux, découragé en aucune circonstance et face aux adversités de la vie. un jeune homme. L'action carnavalesque a eu lieu sur la Piazza Navona. Salvator Rosa et un petit groupe d'acteurs sont partis dans une charrette richement décorée de fleurs et de branches vertes. Le succès de Rose fut énorme. Une fois le carnaval terminé, tout le monde a enlevé son masque. Imaginez la surprise de son entourage lorsqu'on découvrit que sous l'apparence d'un paysan n'était autre que Salvator Rosa.
Après cela, Rosa a décidé de se lancer dans la comédie. Non loin de la Porta del Popolo, dans l'une des villas vides, il ouvre son propre théâtre. Le contenu des pièces mises en scène sous la direction de Rosa n'est pas connu des critiques d'art et des historiens. Cependant, il y a des faits qui parlent d'eux-mêmes : après la première de la pièce, dans laquelle les acteurs ont ridiculisé le théâtre de la cour sous la direction du célèbre architecte et sculpteur Lorenzo Bernini, quelqu'un a engagé des assassins pour Rosa. Ils l'attendaient près de sa maison. Heureusement, la tentative d'assassinat n'a pas eu lieu : le jeune homme a survécu. Cependant, en raison de ces circonstances, il fut contraint de quitter Rome à nouveau.
Ayant répondu à l'invitation du cardinal Giovanni Carlo Médicis, Rosa se rend à Florence. Ici, l'artiste crée le célèbre « Autoportrait ».
La toile se distingue par son exécution unique. Le jeune homme présenté dans le portrait semble quelque peu anguleux. Cependant, on sent chez lui une énergie débordante, une volonté et une détermination extraordinaires. Dans le tableau, un jeune homme s'appuie sur une planche avec une inscription en latin : « Avt tace, Avt Loqver meliora Silentio » (« Soit tais-toi, soit dis ce qui vaut mieux que le silence »). Cette inscription sonne comme la réflexion de l'ensemble de l'œuvre d'art et en même temps comme le credo du jeune homme représenté sur la toile (et donc du peintre lui-même).
L'artiste maîtrise magistralement les jeux d'ombre et de lumière. L'expressivité de l'image est obtenue précisément par l'effet d'ombre, se transformant brusquement et parfois même de manière inattendue en points lumineux.
Ce n'est pas un hasard si la figure d'un jeune homme se situe sur fond de ciel du soir : l'image d'un jeune homme fier et indépendant vêtu de vêtements sombres se détache sur un fond clair, et devient donc plus proche et plus compréhensible pour le spectateur. .
Les célèbres satires de Rosa ont été créées dans la même veine, parmi lesquelles une place particulière est occupée par « Poésie », « Musique », « Envie », « Guerre », « Peinture », qui est devenue une sorte d'hymne du jeune écrivain et artiste. . Ici, l'auteur dit que les peintres, étant les serviteurs de l'une des sœurs de l'art - la créativité artistique et visuelle, doivent bien connaître l'histoire, l'ethnographie et les sciences exactes. Le style de Rose en poésie comme en peinture se manifeste dans son intégralité. Ses poèmes sont énergiques, impétueux, émouvants et par endroits trop grossiers et durs. Ils constituent une sorte de contraste avec la manière mièvre et artificiellement théâtrale de construire et de sonner les formes poétiques qui se sont développées à cette époque dans la littérature.
Salvator Rosa resta à Florence jusqu'en 1654. Sa maison, selon les souvenirs de ses contemporains, était le lieu où se déroulaient le plus de des personnes célèbres: poète R. Giambatisti, peintre et écrivain F. Baldinucci, scientifique E. Torricelli, professeur à l'Université de Pise G. B. Ricciardi.
L’une des idées centrales de l’art baroque était « d’enseigner au spectateur ou au lecteur de manière discrète, d’enseigner par la beauté ». Suivant cette règle tacite, les artistes créaient des toiles, en regardant lesquelles le spectateur avait des associations très spécifiques qui évoquaient des images. héros littéraires. Et vice versa, selon les écrivains de la période baroque, une œuvre poétique doit être telle qu’après sa lecture, des images pittoresques, lumineuses et colorées apparaissent devant les yeux du lecteur.
L'œuvre de Salvator Rosa constitue la première étape de la formation et du développement d'une nouvelle forme picturale : la peinture de paysage. Les œuvres ainsi construites combinent des éléments qui existent réellement dans la vie quotidienne et ceux qui sont fictifs.
En 1649, Salvator Rosa quitte Florence et se rend à Rome, où il s'installe sur le Monte Pincio, situé sur la Piazza della Trinita del Monte. Depuis les fenêtres de la maison, on avait une vue magnifique sur la cathédrale Saint-Pierre et la colline du Quirinal. A côté de Rose vivaient les artistes célèbres de l'époque, Nicolas Poussin et Claude Lorrain, et non loin de la maison du peintre se trouvait la Villa Médicis.
Depuis l'apparition de Salvator Rosa à Florence, les habitants de la rue Monte Pincio ont été divisés en deux camps. Un groupe était dirigé par un jeune homme à l'allure ascétique, Nicolas Poussin. Un autre, dans lequel il y avait musiciens célèbres, chanteurs et poètes, dirigés par Rose.
Salvator Rosa a transformé une des pièces de sa maison en atelier. Ses murs étaient décorés d’œuvres originales de l’artiste. Le maître a constamment travaillé, créant des toiles au contenu varié : religieux, mythologique et sujets historiques. Son credo était le travail constant, l'amélioration de la technologie. Il a dit à tout le monde que " fièvre des étoiles« (comme diraient nos contemporains aujourd’hui) peut détruire même les talents les plus forts et les plus brillants. Par conséquent, même après que le maître soit devenu célèbre et reconnu universellement, il est nécessaire de continuer à travailler sur soi et sur ses œuvres.
DANS période tardive Le travail créatif de Salvator Rosa se tourne souvent vers des sujets bibliques et anciens. Pour l'artiste, il s'avère ici très important de transmettre l'esprit même de cette époque et ses caractéristiques. Le maître essaie, pour ainsi dire, de faire revivre, de redonner vie à tout ce qui existait bien avant ceux dont la vie a servi de source d'histoires fabuleusement belles et instructives.
Il y en a assez de célèbres tableaux« La justice descendant jusqu'aux bergers » (1651), « Ulysse et Nausicaa », « Démocrite et Protagoras » (1664), « Le fils prodigue ».
Le tableau « La justice descendant vers les bergers » a été peint sur la base de la célèbre intrigue des « Métamorphoses » d’Ovide. Sur la toile, le spectateur voit la déesse Justice, donnant aux bergers une épée et une balance de justice. L'idée principale du tableau peut être définie comme suit : la vraie justice n'est possible qu'entre les gens ordinaires.
"Ulysse et Nausicaa", "Démocrite et Protagoras" ont été écrits par Salvator Rosa après son arrivée de Venise, où il s'est familiarisé avec les peintures de peintres vénitiens (dont Paolo Véronèse, dans les meilleures traditions duquel les œuvres ci-dessus ont été créées).
Dans le film «Le fils prodigue», l'intrigue, par rapport à la parabole évangélique, s'avère quelque peu simplifiée et banale. Ainsi, le héros est présenté comme un simple paysan napolitain. Il n'y a pas non plus de verdure ici : fils prodigue se tourne vers Dieu entouré de béliers et de vaches. La taille immense de la toile représentant une scène légèrement modifiée évoque un sentiment de moquerie et de sarcasme à l'égard de ce qui est considéré comme du bon goût dans la société. Rose apparaît ici comme une continuatrice des idées du réalisme, dont la formation commence avec l'œuvre de Michel-Ange du Caravage.
En 1656, Salvator Rosa commença à travailler sur un cycle composé de 72 gravures, appelé « Capricci ». Les images représentées sur ces feuilles sont des paysans, des voleurs, des vagabonds, des soldats. Certains détails des gravures sont caractéristiques des premiers travaux de Rosa. Cela suggère que, très probablement, le cycle comprenait des croquis réalisés dans l'enfance, ainsi que lors d'un voyage dans les montagnes des Abruzzes et en Calabre.
Le grand maître de la peinture, poète, merveilleux acteur et metteur en scène de spectacles dramatiques est décédé en 1673.
Le nom de Rose est entouré de légendes. C'était une personne passionnée et aux multiples talents qui s'intéressait non seulement à la peinture et à la gravure, mais aussi à la poésie, à la musique, au chant et à l'art dramatique. Dans ses œuvres poétiques, il exprime des réflexions sur la vie, une attitude accrue envers le succès et la reconnaissance, envers les relations avec les clients nobles, envers l'indépendance créative, qu'il valorise avant tout. Le courage des opinions de Rosa est attesté par le fait que ses satires ont ensuite été interdites par la censure du Vatican. Tout aussi brillante et audacieuse pour l’époque était la peinture de Rosa, dans laquelle il exprimait des idées philosophiques et moralisatrices. Les mots de sa satire « La peinture » : « Princes, j'ai l'impression d'être tenté de crier, même si... avec vous j'ai besoin de me taire et de faire semblant », sonnent avec un air de défi adressés aux représentants des plus hautes sphères, envers lesquels le L'artiste, qui a toujours défendu sa dignité, se comporte sans ménagement : il fixe des prix élevés, refuse de donner son œuvre ou, au contraire, en fait généreusement don. En raison de ses satires moqueuses et de ses paroles allégoriques acérées peintures Rose avait de nombreux méchants.
Il a répondu au refus de l'accepter comme membre de l'Académie romaine de Saint-Luc avec la satire « Envy » et dans la toile « Fortune » (1658-1659, Londres, Marlborough Gallery), il a représenté les dons du destin se déversant d'une corne d'abondance, qui ne vont pas à ceux qui les reçoivent dignement, mais aux animaux, dans les images desquels se sont reconnus de nombreuses personnes influentes. Des critiques acerbes et constantes et même l'attention de l'Inquisition l'ont accompagné tout au long de sa vie.
Les peintures de Rosa révèlent son attitude exigeante envers la vie, son énorme tempérament et son amour de la vie. Il est né dans le petit village d'Arenella près de Naples. Au collège des Jésuites, il étudie le latin, l'histoire, la littérature ancienne et italienne. Il étudie la peinture avec son oncle A.D. Greco et un peu de temps dans l'atelier de Ribera. Du disciple espagnol du Caravage, il a hérité d'un style de peinture large avec de forts contrastes d'ombre et de lumière, une prédilection pour le type populaire brut dans les toiles sur des sujets religieux, mythologiques et historiques, dans les scènes de « sorcellerie » et les images de voleurs et de voleurs. vagabonds, ce qui sonnait comme un défi au haut art officiel.
Il y a des informations qui travail indépendant Rosa a commencé par peindre de petits paysages, qu'il a peints en se promenant dans les montagnes ou en naviguant sur des bateaux de pêche le long des rives du golfe de Naples. Il a constamment inclus ces motifs dans ses œuvres. Les paysages et les marinas de Rose véhiculent caractéristiques Nature napolitaine : montagnes, côtes rocheuses, espace marin infini avec des voiliers, silhouettes de tours et de phares, figures de marins et de pêcheurs. L'artiste lui donne une apparence romancée, introduisant des images de voyageurs mystérieux, de clochards, de soldats enveloppés dans des manteaux, représentant de vieux bâtiments, des ruisseaux de montagne, des arbres secs, des rebords pointus de rochers, des grottes.
Parfois, comme pour essayer de corréler son art avec le style « haut » classique, il introduit dans ses peintures un staffage mythologique ennobli, peignant d'une manière picturale calme avec des transitions progressives d'ombre et de lumière (« Paysage avec Apollon et la Sibylle de Cumes », Londres, Wallace Collection). Exprimant ses réflexions philosophiques, Rose introduit souvent des figures d'anciens sages dans les paysages : dans le tableau « Le Bosquet des Philosophes » (Florence, Galerie Pitti), son personnage préféré Diogène montre un garçon buvant de l'eau d'un ruisseau, appelant à la liberté, pour l'unité avec la nature.
A Rome, où l'artiste, qui aspirait à la gloire, arriva vers 1630, il reçut une commande du cardinal Brancacci, mais l'œuvre achevée ne fut pas un succès. Mais son nom est devenu connu grâce à la satire écrite sur le célèbre sculpteur et architecte romain L. Bernini. En réponse, les amis du Bernin ont mis en scène une pièce dans laquelle Rosa était dépeinte comme une parvenue et une vagabonde. L'artiste fut sauvé du scandale grâce à une invitation à servir à Florence auprès du futur cardinal J.K. Médicis.
À partir de 1640, Rosa passe une dizaine d’années en Toscane. Ici, il a acquis des amis et des mécènes influents. L’artiste a appelé en plaisantant le cercle de personnes instruites qui visitaient sa maison « l’Académie des meurtris ». Il était l'âme des conversations et des pièces de théâtre composées et jouées sous l'apparence de Pascariello. Dans le tableau « Portrait d'homme » (années 1640, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage), Rosa s'est peut-être représentée à l'image de Pascariello. C'est l'image d'un vivant, ironique, personne intelligente tout comme l'était l'artiste. L'« Autoportrait » (vers 1645, Londres, National Gallery) remonte également à la période de son séjour à Florence. Rose se peignait avec un manteau jeté sur l'épaule, avec un visage plein d'amertume et de colère. L’inscription latine dit : « Soit taisez-vous, soit dites ce qui vaut mieux que le silence ». Apparemment, cela exprime l’ambiance de ces années-là, que véhiculent également les satires.
Durant la période florentine, des scènes de « batailles » sont également exécutées (Bataille des chrétiens contre les Turcs, vers 1640, Florence, Galerie Pitti), que l'artiste transforme souvent en peinture. Ces compositions baroques ne véhiculent pas un événement spécifique, mais la dynamique et le pathétique de la lutte. Les figures de guerriers et de chevaux se fondent en de grandes masses en mouvement. Une bataille acharnée se déroule sur fond de paysage de villes imaginaires avec des tours de forteresse. L'atmosphère lumière-air a été peinte avec une magnifique habileté, donnant de l'unité aux plans et de la douceur des transitions d'ombre et de lumière, qui soulignent la clarté des formes plastiques. L'expressivité de ces grandes toiles est aussi donnée par les développements tonals de quelques-unes, mais couleurs riches. Les « batailles » ne représentent pas de véritables événements historiques, mais elles portent l’écho d’une époque pleine de violence, d’effusions de sang et d’atrocités. "Il faut s'approvisionner en bottes, car tout est inondé de mal, il y a du sang partout..." écrivait l'artiste dans la satire Guerre.
Les complots et les soulèvements des pauvres à Naples à l'époque de Rosa faisaient partie de l'histoire vivante. Les montagnes étaient inondées de rebelles fugitifs, de voleurs, prêts à soutenir la rébellion contre les Espagnols qui dominaient le royaume de Naples. Rosa a introduit des images de ces personnes dans son art ; le même type se retrouve dans une série de gravures de l'artiste Capricci. Peut-être que dans sa jeunesse, en voyageant dans les montagnes, il a rencontré ces gens. Dans la toile « Soldats jouant aux dés » (années 1650, Moscou, Musée d'État beaux-Arts eux. COMME. Pouchkine), les personnages s'inscrivent dans le paysage, avec des montagnes ou des nuages tourbillonnants, les gestes sont mystérieux et théâtraux, et les scènes semblent à la fois très réalistes et fantastiques, pleines d'exaltation romantique.
Dès sa jeunesse, l'artiste était attiré par la représentation de scènes de sorcellerie, dont les origines ne doivent pas tant être recherchées dans les mystères des rues et la cartomancie carnavalesque répandues depuis le Moyen Âge, mais dans l'intérêt pour le type populaire associé à ces phénomènes. Ces types colorés ont attiré de nombreux maîtres qui ont hérité de cette tradition du Caravage. Motif vieilles scènes Rose a utilisé la sorcellerie dans les peintures du genre historique « élevé ». Le tableau « Saul chez la sorcière d'Endor » (Louvre) représente le roi Saül effrayé, tombé aux pieds du prophète menaçant Samuel, enveloppé dans un linceul, rappelé de la tombe par la sorcière. Le squelette se figea de façon menaçante dans un rire étrange - une image d'une mort effrayante imminente. histoire biblique Rose interprète avec grotesque, privant peinture historique pathétique du « high style ». Il se moque des superstitions et des préjugés de son époque, un défi audacieux aux cercles officiels.
L'influence de Salvator Rosa sur les temps modernes art italienétait très significatif. Il avait de nombreux adeptes qui imitaient son style. De nombreux maîtres européens du romantisme ont également vu leur prédécesseur en Rose.
Elena Fedotova
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